个人简历油画（共8篇）
个人简历油画 篇1
周作俊油画作品及个人简介
个人简介 zhouzuojun 周作俊，男，汉族，生于1974年7月，毕业于广州美术学院油画系。中山大学mba管理硕士。广东省画院签约画家，中国美术家协会会员。飞天美术培训学校校长。
获奖状况 testimonials 1、2014年，油画《支教生活》被评为“第十二届全国美术作品展览”获奖提名作品。2、2014年，油画《支教生活》入选“庆祝中华人民共和国成立65周年——广东省美术作品展览”，获优秀奖(最高奖)。3、2014年，油画《野梨花》入选“第十二届广东省艺术节”，获银奖。4、2014年，油画《尘封的历史》入选“第五届广东当代艺术展”，获作品奖(最高奖)。5、2012年，油画《野梨花》入选由“2012广东青年美术大展”，获银奖。6、2011年，油画《中山纪念堂》入选由“百年风云”——广东近当代重大历史题材美术作品展，获优秀奖。7、2009年，油画《残冬》入选中 “庆祝中华人民共和国成立六十周年省展”，获铜奖。
被收藏作品 collection work 2014年油画《尘封的历史》被美的集团收藏 2013年油画《残冬》被广东美术馆收藏 2011年油画《中山纪念堂》被广东美术馆收藏
个人展览 1、2015年3月8日在佛山铂顿城商场印品堂.生活艺术馆举办主题为《对话》的个人画展。2、2015年5月8日在顺德德胜美术馆举办主题为《对话》的个人画展。
重要参展 important exhibitors 1、2014年，油画《支教生活》入选“中华人民共和国第十二届美展”进京作品； 2、2014年，油画《支教生活》入选“庆祝中华人民共和国成立65周年——广东省美术作品展览”。3、2014年，油画《野梨花》入选“第十二届广东省艺术节”。4、2014年，油画《尘封的历史》入选“第五届广东当代艺术展”。5、2013年，油画《鼎湖绿道》入选“幸福绿道——广东美术家创造展览” 6、2012年，油画《野梨花》入选由“2012广东青年美术大展”。7、2011年，油画《对话》入选“艺术凤凰”当代青年油画作品展。8、2011年，油画《中山纪念堂》入选由“百年风云”——广东近当代重大历史题材美术作品展，获优秀奖，被广东美术馆收藏。9、2009年，油画《残冬》入选中 “庆祝中华人民共和国成立六十周年省展”，获铜奖； 10、2010年，油画《对话》入选“广东省第四届当代油画艺术展”；
5、2010年，油画《援边生活》入选“现实超越2010中国百家金陵画展（油画）”； 11、2009年，油画《残冬》入选“庆祝中华人民共和国成立六十周年省展”，获铜奖； 12、2004年，油画《土地》入选由术“庆祝中华人民共和国成立55周年广东省美术作品展览”； 13、2003年，油画《二号》入选 “广东第二届当代油画艺术展”； 14、2000年，油画《风筝》入选“广东当代油画艺术展”。篇二：油画家曹宗田(曹帆)的个人简历
艺术家简历
曹宗田（笔名曹帆）1963年生于山东省滨州市1989年毕业于中 央美术学院油画专业。中国美术家协会会员。国际美术家协会中 2012年5月在甘肃省美术馆举办曹帆个人大型绘画艺术作品展。2011年7月4号应大韩民国美术家协会邀请在韩国举办画展。2011年10月在山东省滨州市举办曹帆回故乡大型油画艺术展。2010年参加第七届中韩（梧州）国际艺术交流展。2009年8月作品入选参加纽约现代艺术作品展。2008年8月参加中韩文化艺术交流展。2007年6月5日赴韩国参加韩中美术交流第四回大展。2006年8月10日参加在韩国首尔举办的国际教授多媒体影像艺
术大展，作品获大奖。
2005年在今日美术馆参加中韩美术交流展。2004年应越南美术大学之邀前往讲学并举办画展。2003年应大韩民国国立现代艺术馆邀请举办画展。2001年在德国阿丽思提娜.霍尔兹画廊—德国杜赛尔多夫举办画 展。
2000年被聘为北京城市学院副教授。1999年应中央电视台和北京电视台邀请做个人专题报道。1997年在云峰画苑举办个人画展，作品被代理。
1996年在华莱画廊举办个人画展。1995年参加挪威国际艺术双年展 1994年应法国文化部邀请参加两国文化交流展。1994年入驻圆明园画家村从事绘画创作。1993年应美国宾夕法尼亚大学邀请做学术报告并举办画展。1992年应美国驻华使馆邀请举办个人画展。
1990年在胜利油田工作。篇三：油画家简历
一、人文主义的曙光
林堡兄弟﹝limbourg brothers﹞﹝active c.1400﹞ 林堡兄弟有三人，包括 herman、jean、paul，他們是法蘭德斯人，但都定居在法國。他們也到過義大利，因為在他們的作品中許多主題，甚至於整個構圖，都是從托斯卡尼大師們的作品中借用而來的。他們最傑出的作品是由法國皇帝的弟弟德．貝里伯爵﹝duc de berry﹞贊助而製作的一部手抄本《最美時禱書》﹝les tres riches heures du duc de berry﹞，這本手抄本也是國際哥德式風格中最傑出的作品。
在這本《最美時禱書》中最突出的插圖就是月曆圖，這個月曆包括一年十二個月中人與自然在一起生活的狀況。這一連串的繪畫原來一共有十二幅，畫中的人物都在作合於季節的勞動，在中古藝術中，這些勞動已經成為一種事實的傳統。林堡兄弟將許多細節湊在一起，成為人類在大自然生活的鳥瞰。譬如二月份的月令圖以一種非常可愛充滿抒情的氣氛來描寫陰沈沈冬天農村的生活，這是西方藝術中第一幅雪景。在這幅畫中有一群羊擠在草堆中，一些飢餓的鳥在農場上找尋食物，還有一位少女正用熱氣吹著凍僵的手，她一路趕著要到她同伴聚合的暖和的茅屋裏。圖中間部分有一位村民正在砍一棵樹作為燃科用，另外一位在趕一頭背著很多東西的毛驢，他們朝向遠方山中的房子走。
夏隆东(quarton，约1410～1466)是法国文艺复兴早期的一位南方画家，15世纪40年代活跃在普罗旺斯地区。据史料记载，他曾留下六件重要的宗教绘画作品，现只存两件：《圣母加冕》、《慈悲圣母》。《圣母加冕》（图113）在法国绘画史上的评价很高，被尊称为“圣画”。画面把天堂和尘世以一层水平状的白云划分开，天堂占了画面的大部分，而尘世则用灰调子来描绘。最有意思的是画家在这中间狭长的地带画了普罗旺斯地区的风景，将其分为人间和地狱两部分，获救的人在左，受惩者在右。在这两部分中央有一耶稣受难像，它高耸入顶部，与天堂相连接。
富凯(jean fouquet，约1420－1477)法国画家，法国早期绘画的佼佼者，对后来法国艺术的发展具有重要影响。富凯生于图尔。长久不见经传，直到1830年才从藏书插图上发现他的姓名。从现有的史料得知，他早年在巴黎学艺，1447年前在罗马为教皇尤金四世画肖像。当年教皇卒，富凯回到图尔，开设了私人画坊。主要的肖像创作都作于50年代。1458(现藏慕尼黑)。1461年7月查理七世卒，他到巴黎为故世国王绘制丧葬用的肖像。1469年的《路易十一向教团骑士授职》(巴黎国立图书馆)展现出崭新的个人风格。1474年，同雕刻家m.科隆贝合作设计国王陵墓，受封为御前画师。1476年应命为葡萄牙国王访问图尔装饰宫廷。1472～1476年间还画过一批祈祷书插图。让·古赞 古赞父子是枫丹白露画派中享有盛誉的画家。老古赞的代表作《潘朵拉魔瓶前的夏娃》
让·克卢埃 jean clouet，1485/6－1540）就是“枫丹白露画派”中杰出的代表人物。他的有《弗朗索瓦一世像》，画上的法王弗朗索瓦一世穿着豪华，仪态潇洒，俨然一位完美的君主。不过，象征无上权力的王冠被隐藏到了红、黑相间的背景纹样中，给人留下印象最深的似乎倒是这位国王精致华美的艺术品位。宽大的外衣散发着绸缎的光泽，金色调子上又添加富于变化的黑色条纹，用金丝绣出的图案精细迷人。国王的面部也一定经过了精心的修饰，文尔雅地看着画外，一只手扶着桌上的手套，一只手握着短剑的手柄，它们都是骑士精神的象征（法王被号称“骑士国王”）。可以说，这是一幅“外交式”的肖像，它在不经意间将人物提升到超常的境界，所有人性的弱点全都隐而不见了，观众完全被表象的华美所折服。弗朗索瓦一世也确实是一位对美有着特殊感受力的国王，其艺术品位源于他对意大利艺术的深深迷醉。
二 原则的确立
尼古拉斯·普桑（nicolas poussin，1594－1665年)是17 也是17 罗马文化遗产的研究。普桑的作品大多取材于神话、历史和宗教故事。画幅虽然不大，但是精雕细琢，力求严格的素描和完美的构图，人物造型庄重典雅，富于雕塑感；作品构思严肃而富于哲理性，具有稳定静穆和崇高的艺术特色，他的画冷峻中含有深情，可以窥视到画家冷静的思考。如果说法兰西民族绘画形成于17世纪，那么普桑可谓“法兰西绘画之父”。
卡迪亚的牧人》为其重要代表作。
拉图尔
在艺术史的长河中，拉图尔是一位非常神秘的画家。他在世期间可谓名利双收，但死后却默默无闻。拉图尔生活在战乱的年代，故乡饱受战争摧残，因此生平鲜为人知。他的作品含蓄、静谧、无论是探讨生死或是宗教画的主题，都带着一股神秘感。然而在那个世纪中叶，巴黎的艺术鉴赏品味发生了变化。凡尔赛式的宫廷风格开始吃香，拉图尔生动的古典含蓄风格不再时髦，因而逐渐被人们遗忘。代表作有《约伯和他的妻子》、《牧人来拜》、《玩牌的作弊者》、《油灯前的马格达丽娜》、《使徒彼得的否认》、《木匠圣约瑟》、《圣爱莲哀悼圣赛巴斯蒂安》和《忏悔的抹大拉》等。
勒南（le nain），法国三兄弟画家的姓氏，分别是安东尼（1588？-1648年）、路易斯（1593？-1648年）和马修（1607-1677年）。他们经常合作作画，并不把个人姓名签署在作品上。勒南三兄弟的作品并不跟随当时经典的意大利风格，而是以深切的人文关怀描绘十七世纪的法国农民生活。他们的作品以高超的作画技巧和对光线及色彩的巧妙运用而著称。他们的作品包括：《农民和风景》、《一个法国居室》、《桌边的农民》、《铁匠坊》、《以马忤斯的朝圣者》。勒布倫﹝charles le brun﹞﹝1619 ~ 1690﹞
勒布倫是十七世紀下半葉宮廷首席畫家以及皇家學院院長，曾為凡爾賽宮作過大量的壁畫和天頂畫。是法國彼時最有權勢的藝術家。這為擅長籌畫的藝術家，為路易十四提供直接又有效率的服務，從製作掛氈、毛毯、舞台設計到屋頂裝飾無一不包。
他在創作中常常借用希臘羅馬的歷史和神話題材為路易十四歌功頌德。他的藝術是把古典主義與巴洛克兩種風格糅合在一起，因此具有折衷主義的色彩。
三 趣味与道德
让·安东尼·华多
让·安东尼·华多(jean—a ntoine watteau，1684—1721)是法国18 柔媚、内容贫乏的艺术运动，代表着法国封建王朝衰落时期贵族富豪们庸俗的审美趣味。
他是一个烧砖瓦窑为生的农村手工业者的儿子，1864年10月10日生于法比交界、原属佛兰德斯的瓦兰希恩村。他于1702年到巴黎，最初在画店里当学徒，为趣味不高的雇主临摹一些销路旺盛的意大利、荷兰的古典作品。后来，在舞台美术家吉洛(claud e gillot，1673—1722)的工作室当助手，这使他对戏剧发生了浓厚的兴趣。在后来的艺术生活中，他不但经常描绘演员的生活(如这幅《意大利喜剧演员》、《滑稽丑角吉洛》等)，而且在自己的油画技巧中大量地吸收舞台场面的构图方式。弗朗索瓦·布歇（francois boucher，1703—1770），法国画家、版画家和设计师，是一位将洛可可风格发挥到极致的画家。曾任法国美术院院长、皇家首席画师。出版过《千姿百态》画册。
夏尔丹（chardin，jean-baptiste-siméon1699～1779）法国画家。1699年11月2日生于巴黎，1779年12月6日卒于同地。洛可可艺术风格最具代表性的画家之一。早年入学院派画家p.-j.卡泽的画室，后为n.-n.科伊佩尔的助手。1728年静物画《鳐鱼》展出，一举成名，被接纳为皇家学院院士。他的画能赋予静物以生命，给人以动感。晚期以家庭风俗画为主，表现第三等级”小人物”的日常生活，画风平易、朴实，具有平和亲切之感，反映了新兴市民阶层的美学理想。
新的启示
大衛﹝jacques-louis david﹞﹝1748 ~ 1825﹞ 大衛是法國畫家，出生於巴黎。他是布雪﹝boucher﹞的遠親，布雪在 1765 年將他推薦給維恩﹝vien﹞，他於 1774 年獲羅馬獎，翌年與維恩共赴羅馬，一直待到 1781 年。他為擁護新古典主義﹝neoclassicism﹞，率然放棄了布雪的洛可可﹝rococo﹞畫風，同時採用卡拉瓦喬式﹝caravaggesque﹞的強烈明暗對照法﹝chiaroscuro﹞。
大衛的藝術，融合了各種不同的風格——從年輕時嚴肅的新古典主義，至拿破崙時代轉而所採用的威尼斯派的色彩及光線；然而，在當時及稍後古典主題的作品中表現出來那種對素描及刻板的古物研究之重視，與威尼斯派的風格又截然不同。他的肖像畫構圖極佳，而且非常寫實。後來，在他的古典主題中，卻流露出日趨甜潤的畫風，這也許由於他的自我放逐，使得他不曾接觸到因浪漫主義﹝romanticism﹞之興起所產生的理念衝突。
安格爾﹝jean-auguste-dominique ingres﹞﹝1780 ~ 1867﹞
安格爾是法國歷史畫、人像畫及風俗畫家，反對浪漫主義，被視為是德拉克洛瓦﹝delacroix﹞的概念對立者，乃至於對抗浪漫主義的新古典主義的先鋒。自小父親就培養他對藝術的興趣，西元1791年進入土魯斯學院就讀。1797 年到巴黎入大衛﹝david﹞門下。1801 年時，以《亞迦曼儂的使節》﹝ambassadors of agamemnon﹞贏得了羅馬大獎。他在 1806 年前往義大利，一待就是18年，1824年返回巴黎時已是一位有名的畫家。雖然他已被當代的大師們所肯定，教學生涯也相當絢爛，但由於他對外界評斷的獨斷與敏感導致與藝術評論家的關係交惡。1835 年時他再度回到羅馬，這時已成為羅馬法蘭西學院的院長。1841年，回到巴黎以後，他便站在學院派的立場，盲目地利用學院影響力，對於不同觀念的異己採取毫不妥協的反對態度，這不僅是針對德拉克洛瓦，也針對一些年輕人，後者反抗他的仿效者所造成的平凡而刻板的定型學院主義。他的風格很少改變，極力追求的，是犀利精確的圖像、蜿蜒的曲線，以及對拉斐爾﹝rpahael﹞的崇拜；而他那刻意經營，但不生動的畫法，特別顯出他高超的描繪能力。他逝世於 1867 年。
他從事藝術教學，因而更重視美學，強調線條甚於色彩。不管如何，他的畫表現出多種風格且具多種影響力。主要的作品包括用古典主義的手法來描寫希臘及古羅馬的風景，和傳統的拉斐爾式宗教畫，也有以法國中世紀的歷史及異國中東為主題的風俗畫。
傑利柯﹝theodore gericault﹞﹝1791 ~ 1824﹞ 傑利柯是法國首批浪漫派的畫家之一，其生活與繪畫皆表現出浪漫派風格的活力。由於獨立而富裕的經濟狀況，使他能隨心所欲地在繪畫及馬匹兩方面投注大量的心力。
傑利柯受格羅﹝gros﹞的影響很大，特別是在畫馬和選擇當時社會題材這兩方面。他在技巧上的革新也很值得注意：他不再做許多的精細草稿或局部研究，而由模特兒依一草圖擺姿勢，然後直接在畫布上畫。
百日戰爭期間，他因不滿路易十八﹝louis xviii﹞軍隊的倒戈投向拿破崙，而加入步兵，護駕國王逃往比利時邊界。此後又對此舉懊悔，而與復辟派反對者的立場一致。這種立場反映在他的許多作品中，如希臘獨立戰爭、反奴役、宗教審判等題材上。1816 年他至義大利遊歷一年，並對米開朗基羅的畫做深深著迷，他曾熱心地研究米開朗基羅的畫。1820 ~ 1822 年間他住在英國，在這段期間內他作了許多關於馬和倫敦街道上窮人景象的石版畫﹝lithograph﹞。他的作品數量不多，但他對浪漫派卻產生深遠的影響，年輕的德拉克洛瓦對他極為崇敬。1822 年，他回到法國，並於兩年後去世。
德拉克洛瓦﹝eugene delacroix﹞﹝1798 ~ 1863﹞
德拉克洛瓦是法國浪漫主義運動的大師，與傑利柯﹝gericault﹞過從甚密，並且熱烈地崇拜傑利柯。由於受到傑利柯的影響，他捨棄了當時風靡十九世紀初期法國畫壇的古典造形和古典文學題材，而是對英國美術及動物畫產生興趣。1825 年，他在英國時，深深為英國畫風的色彩和新鮮技法所感動，特別是風景畫和取材自中世紀或軼聞逸事的繪畫。
德拉克洛瓦首次參加沙龍展出的作品：《但丁和味吉爾共渡冥河》﹝dante and virgil crossing the styx﹞很得好評；接下來的作品《巧斯島屠殺記》﹝the massacre at chios﹞、《薩旦納帕路斯》﹝sardanapalus﹞，他運用更亮麗的色彩，取材自當代及異國風味的文學性主題，而技法也更純熟自由，但飽受無情的攻擊。1832 年的北非之旅，為他敞開了一個嶄新的視野，從阿拉伯人和猶太人的生活、動物的題材，拜倫﹝byron﹞詩句裏的意象，到土希戰爭的典故，都成為德拉克洛瓦創作巨幅作品的題材。1830 年代中期，他開始受到政府器重，接下許多大規模裝飾畫的製作工程，這些工程是他的終生對手安格爾﹝ingres﹞求之而不得的。但是他最喜愛的則是揮灑自如、色彩豐富的小品畫，描繪戰爭、狩獵、動物間的格鬥等題材，以及蕭邦等好友的肖像畫。他在 1822 ~ 1824 年間和 1847 ~ 1863 年間所記的日記，是有助於了解他的生平和作品，以及當時巴黎社會、知識界、藝壇的珍貴資料。
现实主义的兴起
柯洛﹝jean baptiste camille corot﹞﹝1796 ~ 1875﹞
柯洛是法國的風景畫及肖像畫家。早年受業於米謝隆和柏坦等兩位古典畫風的風景畫家。1825 年經由瑞士前往義大利，在該地停留了兩年。經由實地寫生的方式，他發展了個人敏銳的手法，即以色調的明度甚於色彩或描繪的方式，來處理光線、形式和距離。不過，從展出的作品來看，他也並未到達完全放棄傳統和古典和宗教主題的地步。在 1827 年到 1834 年間，他旅遊法國境內各地；從 1834 年至 1843 年，曾有數月時間返回義大利，他的旅遊所見，都記在素描或速寫中，這些全是些小品之作，手法自由，最顯著的是色調的明度正確和色彩鮮麗。在 1850 年代初期，政府及大眾的嗜好已經改變，大概就在此時，他在幾次個展中發展出一種絨毛般柔和的詩意作風，迥異於過去速寫中表現直接而深刻的觀察；這種慵倦的，以柔軟、灰綠調處理景物、林木的手法，變得大為風行，並使他成為眾所周知的遺作最豐的畫家。
杜米埃﹝honore daumier﹞﹝l808 ~ 1879﹞
說明：
杜米埃是法國畫家及諷刺漫畫家。他生前最主要是以政治和社會諷刺家著稱，在他死後，承認他是畫家的呼聲逐漸提高。1830 年，他學會了當時仍然相當新奇的石版印刷法，開始把篇四：油画专业毕业生的自我评价范文
油画专业毕业生的自我评价范文
光阴飞速，将要离校了，下面就本人的学习来作一个自我评价：
我的专业是油画，我在大学中系统学习了中外美术史、美术概论、中外画论概要、美术考古学基础、书画鉴定概论、美术与摄影基础等课程。通过几年的学习，本人具备以下几方面的知识和能力：
1.全面理解和掌握美术学的专业基本理论和基本知识； 2.运用辩证唯物主义和历史唯物主义的基本方法去阐述美术发展的规律； 3.具有较好的艺术鉴赏能力、逻辑思辩能力、综合分析研究能力、理论表达能力； 4.了解和关注美术学的理论动向及前沿课题； 5.掌握文献检索、资料查询的基本方法、具有一定的科学研究能力和实际工作能力。
政治方向，我积极地向党组织靠拢，使我对我们党有可更为深刻的认识。本人遵纪守法、爱护公共财产、关心和帮助他人，并以务实求真的精神热心参与学校的公益宣传和爱国活动。
学习上，我热爱自己的专业还获得了好成绩。除了在专业知识方面精益求精外，能有更大提高。
生活上，我最大的特点是诚实守信，热心待人，勇于挑战自我，时间观念强，有着良好的生活习惯和正派作风。由于平易近人待人友好，所以一直以来与人相处甚是融洽。
工作上，对工作热情，任劳任怨，责任心强，具有良好的组织交际能力，和同学团结一致，注重配合其他学生干部出色完成各项工作，得到了大家的一致好评。
现在要踏上工作岗位了，我将会扬长避短，争取把工作生活过得和大学生活一样精彩。篇五：郑明华简历(原创油画绘画)简 历
郑明华
祖籍：福建漳州芗城 1976年出生 1999年毕业于福建省鼓浪屿工艺美术学校（现更名：福州大学厦门工艺美术学院）原创油画绘画、雕塑师
厦门海沧区美术油画协会会员
主要作品：《铸造历史》、《九五之尊》、《凤凰涅槃》、《礼乐》等 艺术创作历程：
2014年 创办“原始元素”绘画工作室。2012年 厦门市第五届群众文化艺术节作品《至尊》获优秀奖。2012年 参加厦门海沧玛瑙油画展。2011年 创作吉祥物造型被厦门日月谷温泉渡假村采用。2000年 为厦门铭奕园设计的vi视觉识别系统获华东之星设计大奖赛优秀奖。
艺术感想（关于青铜器）： 辉煌——青铜器是一种世界文明的象征，中国的青铜器则代表了铜器文明最辉煌的一段历史。现今留传下来的青铜文物算得上是世界顶级的艺术珍品。有幸与这些艺术瑰宝进行一段深层对话的人，一定会被这些锈迹斑驳、历经沧桑的器皿散发出来的魅力所震撼，神游于上下五千年文化，久久无法忘怀。
追思——擅长追思的人，面对承载了历史阵痛和文化积淀的艺术品，总是能唤醒内心沉睡的记忆，打开思考世界和人生的另一道门。用油画这种平面形式再现这段辉煌历史，刻画这一古老文明，或许也可看做是对中国文化的顶礼膜拜和精神上的些许慰藉。艺术作品展示（部分）：
《国之殇》（2012年）
《古韵禅修》（2014年）
平心静气的生活元素是创作的源泉，不一定要在惊涛骇浪中颠簸激荡才能发掘创作灵感，从静寂祥和、清雅淡然的中国古文化中，也能寻找到一线美的灵感。《禅修》（2014年）
一缕轻烟袅袅升华，幻化成“禅”，将思绪带入达摩老祖诠释的禅的意境中，修炼着内心，渐渐地，淡如水，轻如烟，却又具象于无形，久久无法抽离。《青铜古韵》（2013年）
四羊方尊青铜器、竹简，以及充满沧桑的文字，呈现出极具古代典雅幽静气息的韵味。
个人简历油画 篇2
在以市场化为主要目标的人才培养方式的今天,油画作为传统美术类重要专业之一,面临着众多挑战,其挑战主要有二,其一:以往的美术类油画专业作为本科的培养目标是毕业后做中小学,甚至是高等学校美术老师,就现在来说,虽说并非不可能,但面临的竞争相当大,主要是供大于求,且在中国的基础教育中,似乎对那些非统考科目仍然有太多的不重视。具体说就是毕业生较多,但招老师的学校缺寥寥无几,就像挤公务员一样,有时候是几十个人竞争一个岗位,难度可想而知。其二:以往培养的油画专业本科生,由于其专业的兼容性,毕业后可从事的职业有报社或杂志美编,还有就是专业从事油画创作,做职业画家,最后一条路就是继续深造读研。这几条路现在看来都不容易,做美编现在更多的是学平面设计的,做职业画家压力很大,考研深造是条不错的路子,但并非适合每一个人。
现行的按年级和班级统一教学大纲、统一教材、统一进度的教学模式,是一种中小学的模式,它根本适应不了现代高等美术教育中应充分尊重学生个性多样化和学习进度有差别的现实,我们不能像工厂流水线生产一样培养统一标准化的艺术人才。“由于中国教学机制的缘故,长期以来,教与学是分离的,教的霸权与学的奴役始终是心照不宣的形式”,特别是对于像油画这种传统专业,在市场化的今天,一切为了就业,一切为了市场,油画专业则首当其冲,面临着更多的挑战,由于国内的特殊情况,在一般的情况下油画作品很难很快进入市场,而且在传统就业方向缩水的今天,我们应该加大对油画教学的改革力度,在保留传统课程的基础上,使之能为日益壮大的油画市场服务。这样油画既能继续发展,又能为毕业生就业提供新的路子,使之更好的服务于社会。因此,个人课题的教学实验,试图改变这种教师一统天下格局,每个学生在这一个阶段对个人存在的问题和兴趣,选择一个点做系列深入的探讨,寻找表现的各种可能性,从而增强创作能力和明确个人的审美倾向,也为油画市场化作更进一步的深入探索。
二、改革目标
传统的专业面临着极大的挑战与调整,正式引入中国也就百年历史,油画极大的社会审美、净化心灵、陶冶情操、教化宣传、引人为善等功能毋庸置疑,油画作为文学艺术不可分割的部分其分量不可小视,是建设社会主义精神文明的重要组成部分,也是建设和谐社会的精神支柱之一。所以我们改革的目标就是通过对油画创作课的拓宽调整使得每一个毕业生在就业时多一条出路,多一些选择,但又不至于完全脱离本专业,能做到可进可退。每个学生都是独立的个体,都应该有不同的艺术发展方向,根据学习进度补充不同的基础知识,因此教学应该是灵活的。我们常说的“因材施教”就是应该因人、因地、因时而采取不同的教学要求和不同的方法。当我们对当前教育体系单一化产生质疑时,个人课题的教学实验试图在教育如何培养多样化人才,尊重不同类型的人,培养独立的精神,激发创作的兴趣等基本问题提出我们的思考和探求。具体为如下几点:
1、让学生理解自己创作的作品有所用,从而提高学生对油画创作课的热情和兴趣。
2、活跃课堂学习的氛围,使学生的学习在轻松和愉快的氛围中进行。
3、个人课题式的创作教学实验能更好培养多样化人才,尊重不同类型的人,培养独立的精神
4、减轻同学们对创作课的压力和难度,做到随时随地搞创作,关注身边生活的点滴,做到有话可说,有话想说。
5、在互动中掌握创作理论知识,在理论和实践的相互训练中熟练地将创作理论知识运用到绘画实践中去。
6、恰当的与市场接轨,做到画有所用,为毕业生就业提供新的思路。
三、具体实施计划
虽然课堂作业是学生解决造型规律性问题和训练艺术表现力的主要实验手段之一,但艺术本身也无所谓统一的标准,所以课堂作业的好坏并不是教学评价的唯一标准。我们应更关注学生的整体学习状态:诸如个人的近期目标:要解决的问题、课余写生、创作,以及远期目标:毕业生就业面向等问题。尤其是以大量的创作来激活学生的学习状态,学生就容易掌握学习的主动权,因此个人课题教学模式能较好地解决这一问题。具体实施计划如下:
1、个人课题教学法不单是在课堂教学,还包括课外教学,利用课外时间,由学生根据个人的兴趣和阶段学习中的重点,自己选择一个课题进入深入研究,可以是油画基本语言训练研究,如造型、色彩、空间、构图、构成、笔触、肌理等;也可以选择一个自己喜欢的题材,运用自身独特的审美去寻找一种艺术感受,一个独特的观察角度,一种表现语言,完成系列性作业,寻找各种表现的可能性。比如,有些学生他就喜欢逆光,他就可以通过各种题材,各种角度来表现这一艺术感觉,激发创作思维,多尝试,积极借鉴中外大师作品,逐步明确个人的审美倾向和艺术发展方向。
2、在大二分专业时就开始实施个人课题教学法,在完成教学大纲内容的同时,利用大量的课内课外时间指导学生进行系列创作训练且对自己所不足的专业基础进行补充和充电,使之更好地服务于创作。鼓励学生以参加省内外美术展览来带动课外创作或者以市场为导向创作些可以出售的作品,以增强学生的创作动力。
3、我们力图寻找一条将课堂规律性的基础训练与课外的学习创作和审美引导相结合的有效途径,改变以往的基础训练与创作、审美环节割裂的两段教学模式。每一个课题的长短时间不限,应尽量深入和穷尽后再转入另一个课题。学生在老师的指导下每学期制定一次整体学习计划和目标,且每个人做一次自我课题计划包括课题研究题材内容、表现手法、持续时间及要解决的问题等,然后每月举行一次理论学习研讨会,每个学生作这一阶段的学习总结及下阶段的学习计划,然后同学之间讨论并提出不同看法,最后教师对学生近阶段作品进行集体讲评。时间长度二至四年级全过程。
4、作为成果汇报,每学期末举办一次学生作品展,展示一年来的教学和创作成果。邀请校内外相关专家教授进行理论指导,举办相关讲座,扩大交流,且为下学期的计划做些准备。
个人简历油画 篇3
全场最受瞩目的拍品，岳敏君《音乐》以估价的3.2倍、11256000元人民币成交，创中国内地拍卖其个人最高价，也是本场拍卖的最高价。据诚轩拍卖油画部经理谭波介绍，岳敏君在1994至1996年之间所创作的“改造名画”系列，包括《音乐》在内约共11幅，除去三幅较小尺寸的作品，正式的大幅创作仅八幅，而今年进人拍卖场屡创新高大多属于这个系列，如目前拥有中国当代艺术成交价最贵世界纪录的作品《处决》在2007年10月12日伦敦苏富比秋拍以293万英镑成交，此次《音乐》高价成交，反映了岳敏君这系列作品的收藏热度无分地域，实属全球同此高温。
在本场拍卖会表现极为亮眼的是尹朝阳《神话——疲惫的巨人》，以4816000人民币成交，不仅创艺术家个人拍卖最高纪录，也是本场拍卖的第二高价。尹朝阳的另一件作品《石头》以3360000成交。与尹朝阳画作过去拍卖的价格比较，其成长相当可观，是今年中国当代艺术市场最具爆发力的艺术家。从诚轩拍卖现场数十位藏家，乃至多达8支的电话委托竟投，纷纷举牌竞价的热烈气氛就可见一斑。
周春芽的作品自今年春拍以来相当稳定与突出，除了《绿狗》以3360000的成交价创本场拍卖第三高价之外，另外两件小幅的作品《红石》与《百合》也分别拍出了1120000与448000的好成绩。
诚轩的雕塑作品不多但具看点，朱铭的《太极系列》是中国内地拍卖市场第一次上拍他此时期的精彩力作，最终以2688000的成交价创其在内地市场的最高纪录；而另一件朱铭乡土风格浓郁的《牛头》也拍出750400的好成绩，显示出中国市场对朱铭颇高的接受度。而向京的《断断续续》创下862400人民币成交价，这也是向京铜雕作品目前的最高纪录。
个人简历油画 篇4
2、最重要的，当然是要选择你自己喜欢的，相比之下其他都是次要的，能给你带来心灵愉悦和放松是油画的最大价值。
3、色彩上和室内的墙面家具陈设有呼应，不显得孤立。如果是深沉稳重的家具式样，画就要选与之协调的古朴素雅的画。若是明亮简洁的家具和装修，最好选择活泼，温馨，前卫，抽象类的。
4、尽量选择手绘油画，现在市场有印刷填色的仿真油画，时间长了会氧化变色。一般从画面的笔触就能分辨出：手绘油画的画面有明显的凹凸感，而印刷的画面平滑，只是局部用油画颜料填色。油画不但可以摆放在客厅内沙发后面，电视机后的墙面上，卧室内，还可以摆放在厨房、阳台、别墅外面的墙壁上。不过值得注意的是，在摆放时要根据不同的空间进行颜色搭配。一般现代家装风格的室内整体以白色为主，在配油画时多以黄红色调为主。不要选择消极、死气沉沉的油画，客厅内尽量选择鲜亮、活泼的色调，如果室内装修色很稳重，比如胡桃木色，就可以选择高级灰、偏艺术感的油画。
5、油画形状要与空间形状相呼应，如果放油画的空间墙面是长方形，那么可以选择相同形状的单一油画或现在比较流行的组合油画，尤其是组合油画，不同的摆放方式和间距，能实现不同的效果。不过，如果有些地方需要半圆形的油画，只能在画面上做文章了，比如可以留出空间，因为现在市场上还没有半圆形的装饰框
油画教案 篇5
1、观看临摹作品自然界的光线和景物丰富多变，通过风景临摹，可以锻炼学生对色彩观察敏锐和快速反应的能力。
2、若干张涂好底子的硬纸板，最好备有方形和长方形两种类型以便于构图。也可准备涂好底子的画布和少量油画内框，将画布裁成与内框相合的尺寸，画前用图钉将画布临时固定在内框上。画完后可取下，再钉一块画布—上去。
风景的画幅尺寸一般都不大，这主要根据写生的目的而定。比如，训练色调，一本书大小就可以了。如果是综合性训练，尺寸应大一些。画幅越大就越难控制，这也是对一个人技术水平的检验。
少量的松节油。根据个人的作画习惯也可带一点调色油。一些擦笔用的废纸或废布。教学重点：
1、由于之前四周的练习作品出现了构图的问题，所以在将来的课中我们以模块式练习，完成联系的计划。
2、教会大家用第一眼选择的景物来作为构图的第一要素。
3、认识构思构图的重要性。教学难点：
1、对于聋生来说，选择绘画的第一要素有些困难。
2、油画对于学生来说有较高的绘画基础的要求。
3、构思对聋哑学生也是有这一定的难度。
教学方法的设计：老师先以ppt的方式，用今天临摹的作品进行讲解，如何去抓住作者的构思和构图，进行临摹练习。教学过程：
一、构思与构图 授课类型：油画风景技法临摹，以学生临摹练习油画作品，老师
1、看临摹作品，选择景物，第一眼的“印象”至关重要。
当你的视觉第一次接触到眼前的景物时往往会产生某种异常强烈的“色彩幻觉”，这往往就是你要表现的色彩原始动机，是未来写生的发展趋势和目标。这第一眼里包含着你的内心与自然碰撞出来的火花。视觉在经过这很短的“兴奋期”之后，进入稳定的“适应期”。这时，眼前的“色彩幻觉”消失，——切色彩都恢复了“正常化”、“一般化”。这种状态是画家最不希望出现的。因为，艺术就是表现“非正常”、“不一般”！就是要追求那个“幻觉”！不要放过最初的——一丝一毫的感动，而要将其纯化放大，带着想象并在整个 写生过程中追随它，你的色彩写生就会有一颗生命的种子。自然光线每时每刻都在发生变化，但哪怕是瞬间的感受形成的“印象”，都应该长久地萦绕在你的心头，形成你写生中不变的信念。选景时，还要注意所在的位置，不要让阳光直接照射到你的画面上。
2、构思——用绘画特有的思维方式去思考
找到色彩的兴奋点，考虑写生的构图，这个过程就收“构思”。此时要在头脑里把眼前的景物进行“过滤”、考虑“取舍”，把天、地、物化为色彩、黑白灰等关系，斟酌它们在画面上的位置。这里，首先要考虑的是形成未来画面的色调、构成画面的几个大色块以及由此形成的画面黑白灰关系。
选择好景物之后，不要急于动笔，要思考：对于眼前的景物最感动的到底是什么，怎样的色调可以表达这种感动，天、地、物这三块应在画面上各占多大面积，大的色块怎样布置，用怎样的方法表现„„要充分思考。
3、构图——组织眼前的景物
在速写本卜勾画些小草图，将构思的结果用简略的线条呈现出来。构图的第一要点就是决定在怎样的尺寸框架内安排物象的比例、位置。例如：根据感受，你想画方构图，还是想画横构图？抑或想画竖构图？要收入画面的物象应当画在什么位置上，天、地、物色块各占多大面积？它们的图形关系是否有意思，是否主题分明，等等。
待构图基本确定后，便可在画布上起草。起草的方式可以有多种，一般的方法是用大小适中的油画笔蘸松节油，将熟褐稀释成稀薄而透明的颜色，在画布上简略地勾画出景物的大体位置。此时用色不宜太厚，以定位为主。也可用其他颜色，这要根据所画物象和色调而定，初学者最好选择较为柔和的颜色，慎用鲜明而渗透力强的颜色，因为这些颜色很容易上泛，给以后作画带来麻烦。课堂小结：
1、学生通过教师的讲解，已达到一半以上的同学可以很好地掌握构思构图的问题。
2、对表现好的同学给予鼓励，展示作品，再次进行简单的小结。课外作业：
1、完成临摹作品。
教案编号:NO.6 课题：油画风景技法临摹-----练习铺大色调 教学时间：2015年4月14日、4月16日 教学班级：13民族工艺品班 进行修改以及辅导。教学目的及要求
1、合理的学习如何铺设油画的大色调，有利于油画的绘画技巧学习。色调是由画面中几个主要的大色块构成的。大色块的色彩倾向使色调的倾向得以明确，因此，一般总是从铺大色块开始，从明确色相关系开始，从重色块开始。
2、正确理解色彩关系是不可能一步到位的，总要经过不断调整才能达到，一开始的铺设不过是起到一种色彩标记的作用。当然，这样说并非不顾写生对象而任意涂抹，而是要在感受对象的基础。上去明确色块，而且必须注意色块之间的关系，这样才能为下一步深入调整打下基础。
教学重点：
1、连接上一节课的内容，构图后进行铺设大色块。
2、教会深入调整，丰富细节，意在提高每一块色彩的质量。授课类型：油画风景技法临摹，以学生临摹练习油画作品，老师
3、掌握铺设大色调的色块。
教学难点：
1、对于聋生来说，选择绘画的第一要素有些困难。
2、油画对于学生来说有较高的绘画基础的要求。
3、构思对聋哑学生也是有这一定的难度。
教学方法的设计：老师先以ppt的方式，用今天临摹的作品进行讲解，如何去进行大色调的铺设，掌握抓住大色调的方法与技巧，进行临摹练习。教学过程：
一、铺设大色块，明确色调的倾向 油画的色调是由画面中几个主要的大色块构成的。大色块的色彩倾向使色调的倾向得以明确，因此，一般总是从铺大色块开始，从明确色相关系开始，从重色块开始。
在铺设大色块时，一是要薄，二是要快。不要求一遍准确，也不要过分注意细节，甚至可以把你对色块的色相感受夸张地涂抹出来。这样做，可以避免因怕色彩画不对和过多地注意局部色彩而畏首畏尾、精神负担过重的现象。
要知道，正确的色彩关系是不可能一步到位的，总要经过不断调整才能达到，一开始的铺设不过是起到一种色彩标记的作用。当然，这样说并非不顾写生对象而任意涂抹，而是要在感受对象的基础。上去明确色块，而且必须注意色块之间的关系，这样才能为下一步深入调整打下基础。
从油画的作画特点看，画的遍数越多色彩就越容易灰暗。因此，开始画鲜明一点是有好处的，当然，鲜明要有分寸，不能太离谱。
铺大色块，明度的控制很重要。特别是逆光的色彩，初学者往往容易画重。要压缩自然光色的明度，学会运用色彩的冷暖关系表达物象色彩（参见静物写生步骤四所讲的内容）。塞尚有——句名言：“阳光无法复制，但是必须用其他的东西把它呈现出来，那就是色彩。”科学不论怎样论证它们之间必然的、逻辑的、光学的、物理的联系，都代替不了视觉对它们的直接感受与观察。我们所看到的是光源色、环境色、固有色三者组成的综合的色块印象。我们要捕捉的也是这个色块印象。
二、、深入调整，丰富细节，意在提高每一块色彩的质量
在大色块基本铺定之后，接下来便进入色彩调整的阶段。这一阶段时间用得比较长，旨在丰富、生动色彩的同时进一步寻找、提炼出物象提示给你的、难得而又美丽的色彩关系。
学生往往在这一步出现的问题最多。不是画面很花、色彩生硬、互不相关，就是没有色彩或只画“固有色”。出现这些问题，一方面是由于没有掌握条件色的色彩思维特点，观察方式不对，因而看不出或体会不到色彩关系的魅力所在；另一方面是训练少，技术经验不足。
要画出好看的颜色，第一必须注意色彩关系，这就是前面多次重申的：抛弃孤立观察的“固有色”，建立整体比较的“关系色”观念。第二要在调色板上积累经验。提高色彩的品质是这一步要做的重要工作。要耐心在调色板上寻找用哪些颜色可以调配出最饱和、最响亮的色彩。这一步做到什么程度，色彩质量如何，是检验色彩修养的重要标志。
掌握色彩写生的主动权并非易事，总有一个“模仿”过程，这是正常现象，但如果不从色彩特有的角度去思考，不会有进展。
三、回到整体，收拾完成
经过不断调整深入，色彩关系逐渐贴近自己的感觉，各部分细节也逐渐刻画出来，就要接近尾声了。此时要将眼光重新放大，回到整体，审视全画面的大关系是否因细节的加入而显得过于琐碎，是否因注意了局部色彩的变化而减弱了大的色彩关系，是否因过分注意细节的真实而忽略了画面的色彩气氛。
越是接近完成，越要少动笔、多审视，直到确认色彩达到了局部的生动与整体和和谐都比较妥当便可停笔了。课堂小结：
1、由于前四周的教学模式不太适合油画的教育，所以在进行练习时，进行小模块的重新学习和练习。
2、对表现好的同学给予鼓励，展示作品，再次进行简单的小结。课外作业：
1、完成临摹作品。
教案编号:NO.7 课题：油画风景——学会“看”了再“画”
教学时间：2015年4月21日、4月23日教学班级：13民族工艺品班
进行修改以及辅导。教学目的及要求
绘画训练的过程就是改变观察方法的过程。把孤立地、局部地观看变成联系地、整体地观看；把“盯住一点不放、只看某一色块和明暗”变为“关注颜色之间的联系，色彩之间的关系”，眼睛要始科在色彩关系上转。这时，要设法突破颜色的物质意义，如上一章所说：忘掉那是天空、河流、树木、田野和人物，将它们统统看成是色彩，从冷暖的角度认真观察它们的关系，组合这些关系。这才是正确的观察方法，要在训练中逐步学会这种整体观察的方法。教学重点：
1、学会在临摹过程中想象该画面是怎样的实际画面绘画而成。
2、教室讲解怎样在固有色的基础上添加环境色等，使实际的景 物变得更加的唯美。授课类型：油画风景技法临摹，以学生临摹练习油画作品，老师
3、掌握学会看在学会画的油画技巧。
教学难点：
1、对于聋生来说，选择绘画的看与画有些困难。
2、油画对于学生来说有较高的绘画基础的要求。
3、学会看再画对聋哑学生也是有这一定的难度。
教学方法的设计：老师先实物景与临摹作品的图片对比方式，用今天临摹的作品进行讲解，如何让聋哑学生理解实际的景物也可以通过自己对景物的色彩理解，去完成一幅具有感性意识的油画作品。教学过程：
一、转变色彩观念
掌握正确观察方法的第一步是克服常人的“固有色”观念。上一章中已经讲到固有色的观念是一种理性颜色的观念，这种观念一旦带到绘画的观察上便不可避免地出现两种情况： 只看物象本身的颜色，而不会将映入眼帘的所有颜色联系起来观看。
只看到物象颜色本身的深浅变化，看不到颜色之间相互影响所形成的色彩关系。一句话，就是孤立地观看颜色的习惯。
绘画训练的过程就是改变观察方法的过程。把孤立地、局部地观看变成联系地、整体地观看；把“盯住一点不放、只看某一色块和明暗”变为“关注颜色之间的联系，色彩之间的关系”，眼睛要始科在色彩关系上转。这时，要设法突破颜色的物质意义，如上一章所说：忘掉那是天空、河流、树木、田野和人物，将它们统统看成是色彩，从冷暖的角度认真观察它们的关系，组合这些关系。这才是正确的观察方法，要在训练中逐步学会这种整体观察的方法。
二、整体观察的要点
整体观察是一切艺术的观察基础。在素描的训练中，就要求变局部观察为整体观察，变下面观察为立体观察。色彩训练中，除了要继续坚持这些观察法则，还要了解色彩观察的特点，学习掌握以下要点。
1、把握住色彩的第一印象
由于光线变化的原因，色彩在自然界中是最活跃、最生动、也最容易变化的，自然色彩的这种特性与我们研究色彩所希望的长期稳定的意愿形成矛盾。为解决这个矛盾，油画色彩教学一般总是要求在具有稳定光源背向阳光的朝北的天窗画室里训练。这相对稳定的光线、环境，可以满足学生长期研究色彩的需要。但是，即便是具备这样的条件也不能保证眼前的色彩不发生微妙的变化，更不能保证学生能够把握住变化的色彩。甚至常常发生这样的情况：由于学生出于追求描绘真实色彩的期望，便认真地相把眼前色彩全部记录下来，结果发现他们总不能抓住眼前的色彩，因为刚刚画上的色彩这会儿看上去却完全不同了。这个经常发生在教室中的问题说明：假如学生还没有掌握有效捕捉瞬间的美妙色彩关系的方法，就不可避免地会随客观色彩的必然的微妙变化而不断修改画面，其结果可想而知。因此必须掌握把变化的自然色彩用颜色凝固在画面下的有效方法，其中首要的就是抓住第一眼的整体色彩印象。
第一眼的印象总是整体而强烈的，是我们视觉的反应。短暂数秒之后就会归于“正常”，眼前的一切都似乎失去魅力。如果这第一眼的印象打动了你，就要毫不动摇地紧紧追随它。
三、学生进行实际理解绘画。课堂小结：
1、这节课主要以讲解的方式完成，也进行了教师的绘画示范，同事也让学生进行了颜色的观察转变认识，达到了与其的效果。
2、这节课对于下节课的实际操作有一定的帮助。课外作业：
1、准备一张实景的照片对下节练习课做准备。
教案编号:NO.8 课题：油画风景技法临摹-----风景油画色彩的衔接 教学时间：2015年4月28日、4月30日 教学班级：13民族工艺品班
授课类型：风景油画临摹绘画，以学生临摹练习油画作品，老师进行修改以及辅导。教学目的及要求
油色慢干，利于趁湿衔接；良好的覆盖力，利于叠置色彩；油色本身的滑腻，利于“涂”“扫”和运用除笔之外的其他工具（如：画刀、手指）制造各种效果。油画的这些特色对初次使用油画工具的人来说无需全部掌握，但应当了解和运用一、二种最基本的方法以解决形色结合中的色彩衔接问题。教学重点：
1、学会在临摹过程中利用之前所学的基础知识来学习锁临摹的作品的色彩衔接。
2认识几种常见及常用的色彩衔接的笔法。
3、掌握学会看在学会画的油画技巧。
教学难点：
1、对于聋生来说，学会观察以及作画缺乏想象。
2、油画对于学生来说有较高的绘画基础的要求。
3、认真观察对聋哑学生也是有这一定的难度。
教学方法的设计：按照锁指定的油画作品，先进行作品鉴赏和分析，观察油画的色彩衔接，对风景临摹作品进行绘画，引导聋哑学生理解色彩衔接的画法，去完成一幅具有感性意识的油画作品。教学过程：
一、教师带领学生认识临摹作品的色彩衔接。
二、深入讲解色彩衔接的几种重要的笔法。
（用色彩深入造型时，比如在形体转折处、形体外轮廓边缘处、形与形的交界处等等，这些地方最容易出现色彩的衔接的问题。
由色有自己的特性：油色慢干，利于趁湿衔接；良好的覆盖力，利于叠置色彩；油色本身的滑腻，利于“涂”“扫”和运用除笔之外的其他工具（如：画刀、手指）制造各种效果。油画的这些特色对初次使用油画工具的人来说无需全部掌握，但应当了解和运用一、二种最基本的方法以解决形色结合中的色彩衔接问题，比如：
“摆”的方法——将颜色一笔笔摆放在形体准确的位置上。这种方法的特点是，只要摆上的笔触色彩关系对，同时根据造型用笔，就可以很好地将形与色结合起来，因此它是训练中最常用的基本造型方法。它的问题是容易把形体画僵硬，因此还应与其他方法配合应用。
“接”的方法——用颜色趁湿衔接。它的好处是可以把物象形体处理得比较润泽、自然，这是油画中最常用的方法。但如果素描功夫不好，使用这种方法则容易适得其反，将形体画得更加模糊。
“扫”的方法——通过用笔“扫接”的方法将形体衔接起来。这也是油画中常用的方法，它要求画者必须有良好的素描基本功，才能做到下笔肯定、准确，形体衔接自然。
“抹”的方法——用手指轻揉，使两色融合的方法。尤其是在色彩关系都不错，只是衔接得有点楞时，用手指做局部修改是很有效的。在大师的作品中可以看到以手代笔的表现方式。
“先中间，后两极”的方法——在重颜色与亮颜色交界时，为避免过于生硬，通常先要在两者之间画上中间色、然后再压重色和亮色，使中间色从暗色和亮色之间透露出来，从而起到自然衔接的作用。尤其是处理发际与颜面部的交界处、脸的亮部与深暗背景的交界处时，经常使用这样的方法。
“透明罩染”的方法——当造型准确、笔触衔接也较好，只是色彩上稍微差了一点时，可不必着急改动，等干燥后再用调色液稀释油色透明罩染上所需的颜色即可。
以上都是色彩衔接的基本方法，希望会对读者有所帮助。色彩衔接得好不好直接关系到油画造型的生动、自然与否，色彩的润泽、美观与否，是画面上形色结合的重要方面。这一点，应给予足够的重视。当然，解决衔接问题还有许多方法，只要你去认真研读大师的作品，看他们是怎样处理的，从中必能得到宝贵
三、学生进行实际理解绘画。课堂小结：
1教室进行个别同学的作品进行讲解，同时也让学生进行了油画色彩衔接的内容在进行回顾。
2、同学的表现普遍较为优秀，看来分块式的教育方式对于聋哑学生的油画绘画学习较为有用。课外作业：
1、完成本次练习作业。
教案编号:NO.9 课题：油画风景技法临摹-----观察法实际绘画练习教学时间：2015年5月5日、5月7日 教学班级：13民族工艺品班
授课类型：实物风景照技法临摹绘画，以学生临摹练习油画作品，老师进行修改以及辅导。教学目的及要求
在油画的训练中，由于学生出于追求描绘真实色彩的期望，便认真地相把眼前色彩全部记录下来，结果发现他们总不能抓住眼前的色彩，因为刚刚画上的色彩这会儿看上去却完全不同了。这个经常发生在教室中的问题说明：假如学生还没有掌握有效捕捉瞬间的美妙色彩关系的方法，就不可避免地会随客观色彩的必然的微妙变化而不断修改画面，其结果可想而知。因此必须掌握把变化的自然色彩用颜色凝固在画面下的有效方法，其中首要的就是抓住第一眼的整体色彩印象 教学重点：
1、学会在临摹过程中想象该画面是怎样的实际画面绘画而成。
2、教室讲解怎样在固有色的基础上添加环境色等，使实际的景 物变得更加的唯美。
3、掌握学会看在学会画的油画技巧。
教学难点：
1、对于聋生来说，学会观察以及作画缺乏想象。
2、油画对于学生来说有较高的绘画基础的要求。
3、认真观察对聋哑学生也是有这一定的难度。
教学方法的设计：利用自己准备的实物风景照片进行绘画，引导聋哑学生理解实际的景物也可以通过自己对景物的色彩理解，去完成一幅具有感性意识的油画作品。教学过程：
一、理解自己准被的照片，进行整体观察。
成熟的画象与初学者的第一眼是有天壤之别的，初学者只有在教师的指导下，不断修正误区，才能逐渐掌握好。这里最有效的方式是尝试把瞬间的第一印象演化为画面的色调。以下，介绍几种有效而具体切实的做法。
（1）画室内的训练：可在画长期作业之前画一张快速的小色彩稿。目的是解决色调问题，注意构成色调的几个大色块的关系，坚决禁止画细节！要认真、反复地调整大色块，直至大关系正确。这种强迫式的方法可以帮助学生从大处着眼、关照整体，快速记录下开始的色彩印象，为长期作业打下基础。
（2）室外训练：一般多为短期作业，更要注意第一眼的色调感觉。并在一两个小时的作业中紧紧追踪这个感觉直至完成。
（3）色彩记忆训练：禁止面对物象写生，要求在短时间内尽量观察并记住眼前色调和色块的大关系，然后凭记默写出观察的结果。如果观察方法正确，你会发现，你只能记住物象主要的、突出的色彩感觉，那些多余的局部细节会被视觉自动省略，这正是整体观察所要求的。色彩记忆的训练应当成为学生学习色彩的重要部分，它方便快捷，在任何场合都可以进行，一场电影、一次音乐会、街上偶然所见、教室内强迫式训练等等。色彩记忆不仅促进了整体观察，而且对积累丰富的视觉经验大有益处。
二、正确运用“比较”的方法
在素描写生训练中经常使用的观察整体的方法是站得远一点，眯起眼睛看，这样可以从黑白灰的角度比较出各个细部是否统一在整体大关系里面。油画色彩写生中观察整体的方法也要站远看，但不是眯起眼睛而是睁大眼睛，目光散开来看，这样才能从整体上比较出大的色彩关系。这种观看色彩的办法被形象地比喻为“牛眼观察”。这样的观看方法要贯穿在作画的自始至终，不仅于作画的开始和结束要从大处着眼，就是在描绘各个局部细节时仍然要“牛眼观察”，才能比较出局部色彩在整体中的关系，才能正确表现出这种关系。
用“牛眼观察”所确定的色彩的各种关系，是由比较而产生的。“比较”是为了确定，“比较”是对色彩关系的斟酌，“比较”是整体观察的具体化。学会“比较”将为色彩进一步归纳、概括、组合打下观察上的基础。但是比较也要得法，要根据色彩自身的特点正确运用比较的方法才能奏效。假如不得法，不仅得不到正确的色彩关系，反而会造成画面色彩的混乱。正确的比较方法是：要在明度的基础上进行比较。首先比较重色和亮色，定下两极。然后是黑白灰三个区域分别作比较、重颜色与重颜色比、亮颜色与亮颜色比、中性色与中性色比，比色彩倾向、比冷暖、比纯度。而在调配颜色时则要关注饮和的颜色，即色相、纯度中所包含的明度关系。
三、油画实际照片临摹中一般的观察比较程序是：
首先观察色调，确定是冷色调还是暖色调、是亮调子还是暗调子或是中性调子、是鲜调子还是灰调子。总之，要把色调的色彩倾向确定下来。这种确定主要来自于平时对不同色调的经验，是在与心中的色调经验相比较。只有观察上对头，色彩的正确表达才有依据。油画的基础课题
形和色的油画的两大主要语言。为了能够自由地凋动形和色来构成画面、表现我们内心的审美体验，首先要对它们进行认真深入的研究，从形与色的基本规律出发，从形与色的完美结合开始。所以，形与色又是油画的基础课题。油画的学习始终是紧紧围绕它们展开的。
马蒂斯说：“一个人在走绳索之前，先学会在地面上走路。”那么就让我们从基础开始。我们知道，油画的学习是建立在素描造型研究基础上的。但即便具备了一定的造型基础，我们也会由于在素描中养成了排除色彩因素只从黑白灰角度感受物象的习惯方式，在转入色彩表达形体时难免遇到困难。这就是油画写生中所必须面对和解决的基本问题：“形”与“色”的结合，这是“再现”性的绘画语言所必备的基本功。
三、学生进行实际理解绘画。课堂小结：
1教室进行个别同学的照片讲解，同时也让学生进行了颜色的观察转变认识，达到了与其的效果。
2、同学的表现普遍较为优秀，看来分块式的教育方式对于聋哑学生的油画绘画学习较为有用。课外作业：
1、完成本次练习作业。
教案编号:NO.10 课题：油画风景技法临摹-----形体的色彩变化规律 教学时间：2015年5月12日、5月14日 教学班级：13民族工艺品班
授课类型：风景油画技法临摹绘画，以学生临摹练习油画作品，老师进行修改以及辅导。教学目的及要求
除了要掌握物体明暗变化规律外，还要以此为基础对形成色彩的光源色、固有色、环境色作具体分析，从中找出色彩变化的客观规律。每一物体都有其基本的色彩特征（即物体的固有色），又都处于具体的光源和环境之中，物体的亮面总是受光源色的影响，物体的暗面则受到环境色或其他光色的影响，光线的强弱会增强或减弱光源色和环境色对固有色的影响 教学重点：
1、认识形体的明暗规律。
2、学习油画形体的色彩变化规律。
3、掌握使用油画色彩变化规律的技法。
教学难点：
1、对于聋生来说，一些规律的实际意义有写难懂，会导致有写同学理解上有问题。
2、认识油画形体明暗规律和色彩变化规律之间的关系。
3、认识抽象的只是对聋哑学生也是有这一定的难度。教学方法的设计：利用自己准备的实物风景照片进行绘画，引导聋哑学生理解实际的景物也可以通过自己对景物的色彩理解，去完成一幅具有感性意识的油画作品。教学过程：
一、形体的明暗规律
形与色本是客观物象不可分割的属性，然而据心理学家测定，人的视觉却可以分别从形、色这两个方面去认识和把握物体表象特征。人的这两种感受客观物象的角度，究其原因，是由于光造成的。光线照射物体使物体表面形成明、暗和颜色现象。有时我们会注意到，由光线造成的物体表面强烈的光影效果往往会“破坏”物体颜色的完整性。这种现象最早由占代的希腊人在他们的镶嵌中所采用的黑色表示暗部、白色表示明部的方法创造出来。经过文艺复兴时期的画家对透视的研究，使“黑白灰”表现三维造型的明暗画法更趋成熟。从那时起，通过明暗法理解、表现物象的形体成为学习绘画必不可少的基础。应该说，人类使用明暗画法（即用从黑到白的梯度变化）表现光影比用色彩的方式（采用色相、纯度的变化）表现光影要早得多。作为写实的色彩表现是建立在明暗画法基础的。或许反过来说会更加明白，假如离开“明暗”的基础，色彩的写实也就不存在了。
“明暗”基础既然如此重要，就不能不首先理解明暗和形体的关系。我们知道物象的结构表面是由各个不同朝向的面构成的，这种体积特征就是蒙上眼睛用手去摸也会感受到。光线从一定的角度照射物体就使物体不同朝向的面形成向光面、侧光面和背光面，不论物体的形状多么复杂人们都可以将各个复杂的面归入这三个基本面中感受到物体的体积空间关系。这就是被人称作“三大面”的概念。如果要把这种体积特征“再现”，在画面上，就必须利用从黑到白的梯度变化表现物体的光影效果，这个黑折的梯度是根据明暗变化的规律总结归纳出的，称作“明暗五调子”。这五个调子分别为：亮部（包括高光）、侧光部、明暗交界部、反光部和投影。由于视觉的特点，当观看距离我们近的物体明暗变化时，会感到黑白对比很强烈，而随着物体向深处空间远去黑白对比也随之逐渐减弱。
以上就是“三大面五调子”的基本内容。这是素描造型训练当中必不可少的研究课题，也是素描中表现物体明暗的唯一手段，素描就是通过归纳、概括调子的办法达到对物象光影的理解。从色彩的角度看，明暗五调子就是色彩的明度关系，是色彩表现不可分割的一部分，在色相的冷暖和纯度的鲜灰变化中同时包含着色彩的明度变化。本来在素描中具有独立意义的明暗五调子到了色彩里只是其中的一个要素——明度。正如在上一节中讲到的，在明度的基础上看色相的冷暖、纯度和鲜灰变化，在饱和的颜色（即色相、纯度）中包含着明度关系。让住这一点至关重要。
二、形体的色彩变化规律 除了要掌握物体明暗变化规律外，还要以此为基础对形成色彩的光源色、固有色、环境色作具体分析，从中找出色彩变化的客观规律。
每一物体都有其基本的色彩特征（即物体的固有色），又都处于具体的光源和环境之中，物体的亮面总是受光源色的影响，物体的暗面则受到环境色或其他光色的影响，光线的强弱会增强或减弱光源色和环境色对固有色的影响。那么，结合物体明暗五调子的规律具体到各个面的色彩变化又是怎样的呢？
（1）物体亮面的色彩主要是光源色与物体固有色的混合。亮面中的高光则基本上是光源色的反映。
（2）侧光部接受光线较弱，又受到微弱的环境色的影响，所以明度较亮部稍暗，呈现出较为复杂的色相关系。从颜色感觉看侧光部主要以固有色为主。
（3）物体暗部色彩主要是固有色与环境色的混合。反光是暗面的组成部分，基本与暗部色统一，更多地受环境色的影响。
（4）明暗交界部位的色感最弱，明度更暗。色彩基本与暗面相似，但要注意其特有的色彩倾向。
（5）投影部分的色彩要视具体情况而定。如在室外，阴影色彩大多是受影部的固有色加天光色；在室内，周围环境色彩会受影部的固有色。此外，阴影的深浅取决于光源的强弱和造成阴影的遮光物与受影面的距离，距离近光源强的投影深，反之则浅。总之，阴影的色彩虽暗却不灰，有着明显的色彩倾向，注意到这一点，就能将阴影的色彩处理得既透明又丰富。
相对于上面提到的：物体空间的远近所表现出的黑白对比强弱的变化，在色彩上则表现为色彩空气透视的规律。
物体距离人的视觉远近所造成的色彩变化叫做色彩空气透视，也称视觉透视。色彩空气透视的一般规律为近处色朋感强，即冷暖、明暗、纯度强，较远处色彩为暖；远处色彩感弱，冷暖、明暗、纯度弱，比较处色彩为冷。距离越远色彩就越带蓝味，逐渐呈淡灰蓝、淡灰紫感觉。
这一规律对识别那些不易看出的色彩变化特别有用，比如描绘人物的脸部，在距离你近的形体转折处的色彩冷暖对比特别生动、明确，随着形体向后远去这种对比便相应减弱。用好这个规律对于有序地组织物体空间具有非常重要的意义。
但是任何规律都不是绝对的，以上只是一般的色彩透视规律，在特定条件下也有例外。比如逆光下的黄昏，比如在远景和近景物体固有色存在较大差异时，比如在夜间处黄色灯光衬托下的近处冷色的物体。只有对具体情况作具体分析，充分相信自己的视觉才能表现出对色彩的真实感受。课堂小结：
1教室进行个别同学的照片讲解，同时也让学生进行了颜色的观察转变认识，达到了与其的效果。
2、同学的表现普遍较为优秀，看来分块式的教育方式对于聋哑学生的油画绘画学习较为有用。课外作业：
1、完成本次练习作业。
教案编号:NO.11 课题：油画风景技法临摹-----风景油画的基本技法 教学时间：2015年5月19日、5月21日 教学班级：13民族工艺品班
授课类型：风景油画临摹绘画，以学生临摹练习油画作品，老师进行修改以及辅导。教学目的及要求
1、与核心是“形与色”，但是，“形与色”只有通过油画的制作技术和表现技巧将其落实在画面上才会焕发动人的光彩。虽然研究形色结合的过程已经是掌握油画基本技术的开始，但对于油画种种丰富的表现技巧并未接触到，即便是在绘画中运用的直接画法也还有一个制作技术的再研究、再提高的问题。
2、掌握油画的基本技法，提高对油画绘画技巧的认识以及操作。教学重点：
1、学会在临摹过程中“形与色”的重要性。2认识几种常见及常用的油画基础技法。
3、掌握学会看在学会画的油画技巧。
教学难点：
1、对于聋生来说，学会观察以及作画缺乏想象。
2、油画对于学生来说有较高的绘画基础的要求。
3、认真观察对聋哑学生也是有这一定的难度。
教学方法的设计：按照锁指定的油画作品，先进行作品鉴赏和分析，观察油画的基本技法有哪些，对风景临摹作品进行绘画，引导聋哑学生认识油画风景的基础技法，去完成一幅具有感性意识的油画作品。教学过程：
一 认识油画的基础。
与核心是“形与色”，但是，“形与色”只有通过油画的制作技术和表现技巧将其落实在画面上才会焕发动人的光彩。虽然研究形色结合的过程已经是掌握油画基本技术的开始，但对于油画种种丰富的表现技巧并未接触到，即便是在写生中运用的直接画法也还有一个制作技术的再研究、再提高的问题。严格说，习作中的那种方法只是最初步、最粗浅的方法，与掌握油画的表现技巧还有不小的距离。一幅完整的油画其中既包含着造型、色彩的基本功，又包含着将形、色表现出来的制作技术与绘画技巧，是具有相当难度的综合技巧，缺少任何一方都会有失油画的水准。因此，在掌握了形、色的基本规律后还要继续深入研究油画的制作技术和表现方法。这就是本节所要讲述的“油画的基本技能”。
如果说在学习油画的初始阶段，必须采取面对自然写生的方式理解油画的造型和色彩规律，那么研究油画的制作和表现技巧唯有从前人所创造的诸多技艺中去汲取，在这方面，自然界没有现成的样式。所以，企图光依靠不断写生来提高油画的技艺是不可能，也是徒劳的。唯有将学习前人优秀技巧与写生实践有机地结合起来才能更快地提高油画技艺。在油画的制作和表现技巧方面前人为我们留下了许许多多宝贵的经验。德国慕尼黑大学教授马克斯·多奈尔（1870—1939）年1921年撰写的《欧洲绘画大师技法和材料》一书中，从油画五百多年的材料发展角度，结合历史上著名画家的典型技巧，综合、归纳出蛋彩画技法、蛋彩画与油画的混合技法、一次完成法、多层覆盖法，以及油画的直接画法。在这些画法中隐藏着大师技巧的秘密。这些方法归结起来不外是两种：一种是“间接画法”，另一种是“直接画法”。油画的技法与材质（材料性质）密切相关，材料性质不同会带来表面效果不同的美感。但是，透过材料仍然可以清晰的看到油不置可否制作技术中共同的、规律性的东西。以现代观点看，传统技法在色层处理、多重积累以及笔法的运用方面对我们今天使用的“直接画法”处理画面具有不可低估的价值。将传统技艺加以总结从中找出规律性的东西让学生去掌握，以形成他们将来深入研究油画技法的基础，这是讲授油画基本技法的主要目的。
二、通过教师讲解完成习作练习。
本节将从有利于提高学生的油画制作技术和表现方法的角度，介绍学生需要知道和需要掌握的油画的基本技巧，并使他们懂得怎样由习作向一幅完整的油画迈进。课堂小结：
1、老师对于学生对基础技法的操作来掌握学生们对本节课的理解，对学生做的不足之处再次计划如何解决。
2、对表现较好的同学进行表扬，并让学生讲诉自己是怎样理解和学习的。
课外作业：
1、完成本次练习作业。
教案编号:NO.12 课题：油画风景技法临摹-----风景油画的底色技法 教学时间：2015年5月26日、5月28日 教学班级：13民族工艺品班
授课类型：风景油画临摹绘画，以学生临摹练习油画作品，老师进行修改以及辅导。教学目的及要求
1、油画的底色技术是最具代表性的制作技艺，是油画技艺的重要组成部分。从传统的角度看，底色技术是画家为表现光暗效果、大胆简化繁琐作画程序提高作画速度所创造的有效的方法。在有色底子上作画曾一度成为油画制作的标准。
2、掌握油画的底色技法，认识几种早期的底色技巧，掌握现剪短我们常用的底色技巧。教学重点：
1、学会一些常用的底色技巧，将来在绘画中可以得意运用。2认识几种常见及常用的油画底色技法。
教学难点：
1、对于聋生来说，学会观察以及作画缺乏想象。
2、油画对于学生来说有较高的绘画基础的要求。
3、认真观察对聋哑学生也是有这一定的难度。
教学方法的设计：按照所指定的油画作品，先进行作品鉴赏和分析，观察油画的基本技法有哪些，对风景临摹作品进行绘画，引导聋哑学生认识油画风景的基础技法，去完成一幅具有感性意识的油画作品。教学过程：
一 认识油画的底色技巧。
掌握油画技能首先要对不同制作技术进行研究。其中，油画的底色技术是最具代表性的制作技艺，是油画技艺的重要组成部分。从传统的角度看，底色技术是画家为表现光暗效果、大胆简化繁琐作画程序提高作画速度所创造的有效的方法。在有色底子上作画曾一度成为油画制作的标准。历史上曾经出现过多种类型的底色：在“蛋彩画”技术中画人物肉色之前要先画一层绿色的底子；以后又出现了在暗褐色底子上、在各种颜色的底子（土红色、淡赭石色、黄褐色、灰色、淡灰色）上作画的技术，这些都属于中性底子的油画技术；只是到了19世纪才出现直接画在白色底子上的油画技术。到了近现代，底色技术已发展成油画的重要语言技巧。仔细研究底色技术并发挥这一技术的独特魅力是提高油画技能的重要课题。
二、学习底色技巧的效果。
油色的稠厚特点使它比其他任何性质的颜色都具有更强的遮盖力，实际上，这正是油色的魅力之一。即便这样，当把同一种油色画在不同的底色上时，仍会给人以不同的感觉。画在白色底子上的颜色明亮、鲜艳而透明，但也容易给人以单薄的感觉；暗色底子会使颜色厚重、沉着，同时也容易给人以沉闷的感觉；将白颜色分别画于褐色底子和黄色底子下，白色会呈现不同的冷暖区别。当我们把油色再稀释一点涂在有色底子上，底色层的颜色便会从半透明的表层色下依稀地透露出来，对油色的稀稠加以控制就会在有色底子上表现出色彩变化来；如果底色不是平涂而是也制造一些变化，那么就会产生出更加丰富的色彩变化。利用好底层色、控制好表层色就能以少胜多，以精练、概括的用笔和颜色表现出其他画种所无法达到的神奇效果。伦勃朗有油画《入浴的亨利克治》充分发挥了底色技术，塔称油画技巧的楷模。
2、中性底子的妙用
在所有成功地利用底色的油画中，尤以中性底子为多。它在制作中与上述的白底子和暗底子的表现不同。不论是红土底色还是灰底色，在视觉上都呈现为中等明度，画家以中性色为底，画上重颜色，加上亮颜色，方便地表现出明和暗的造型特点。戈雅的《自画像》清晰地显露出画家在红土底子上所使用的加暗提亮的方法。鲁本斯的《猎狮》可以看到用薄而透明的大胆笔痕涂刷出来的底色，画家用红土色、黑色和白色分别强调出造型上的明暗变化，表现出意想不到的轻松而丰富的效果。德加在《洗衣妇》中首先做一暖底子，然后画上各种冷的亮颜色，从冷颜色中透出底子的暖色，充分表现了现蒸汽弥漫的朦胧效果。中性底色，为向黑、白两极发展提供了表现的天地。中性底子不一定是作画之前涂好的色底，也可以在作画时用松节油稀颜料薄涂出来，这样的底色叮根据画面需要制造出随意的、有重有浅的效果，还可作出笔触效果。德加对底色技术颇感兴趣，研究他的作品会给我们许多启发。他的《抱腕舞女》先用稀释的颜色随意地涂刷底色，颜色向下流淌的痕迹依稀可见，然后把其他颜色叠加上去造成轻松的效果。
3、底色技术的特点
底色技术的最大特点就是通过颜色的“透叠”显出画面的色彩关系。这与直接调配颜色、摆色彩关系的方法是有区别的，使用底色技术必须考虑底层色和表层色的搭配关系，以透底的方式呈现色彩关系。它比直接调配出来的色彩更具有松动性、朦胧性和神奇的效果，因此历经数百年而不衰。到了近现代，画家将古典的底色技术加以改进，从表现明暗扩展为表现冷暖、鲜灰以及带有“笔墨”表现的意味，使底色技术更加丰富和奇妙。维亚尔的《室内》充分表现了这种色彩叠加的神奇效果。
4、底色技术对当代绘画的启发
底色的概念应是一个宽泛的概念。统一的有色底子叫底色；根据需要在一幅画中用不同颜色铺垫也叫底色；在表层颜色以下，即最后一层表现最终效果的颜色以下的所有颜色均应被视为底色。一幅油画的最终效果是由底层色和表层色共同“编织”起来的。但是假如能称得上“技术”，就意味着画家对底色具有控制和把握的能力，不像初学者因掌握不住而“乱碰”的无法状态。在布拉克的《静物》中，可以看到画家是如何有意识地在局部画上黑颜色，再以各种亮颜色“压”出变化的黑色边缘线的效果。画家越是有经验就越能在绘画过程中充分重视底色的作用或根据眼前画面的底层色彩随机应变地灵活处理表层色，使之达成不可重复的奇妙效果。这里可以给底色技术下一个定义：底色技术就是充分考虑底层色的作用，通过与表层色的巧妙配合达到特殊绘画效果的技术。
发挥这一技术优势的前提条件就是转变作画的立场，由依赖客观物象转变为对画面效果的关注，唯有转变这个立场才能从客观物象的制约中解放出来，掌握油画技术的主动权。
三、学习制作技法的比较
底色技术是油画制作技术的重要成就，除了在油画的制作程序上，在对形与色的控制方法方面也需要加以注意和研究，因为这会给油画带来不同的表面效果。以下通过对两种不同制作技术的比较分析来加以阐述。
1、局部完成的方法
是将造型与色彩分开解决的方法。它是从一种非常古老的技术发展而来。三千多年前，古希腊人就已运用这种技术制作湿壁画，此后，文艺复兴时期的画家将其用于油画的制作中。使用局部完成方法的主要优点是：
（1）便于作者能在描绘小片局部色彩时集中全身精力和热情从而产生出精彩的效果；
（2）可以解决作画过程中的吸油问题，保持油画色彩的鲜明、生动，表面肌理平实、美观；
（3）局部画法可以在油色湿润时趁湿做衔接处理，将概括图形和色彩的工作以及画面虚实与精粗和等效果一次做好，任何一个小区域都不会被忽略掉。为达到上述的要求，需要将造型与着色分开进行。一般来讲，在作油画之前先在画布上画详细的素描，在素描中将画面结构、人物造型乃至若干具体细节都认真推敲，这一过程中，作者已经在心里描绘了未来油画的效果，所以，也可以把它看作是一次预习。经过这样精心准备之后便可在画布上着油色了。作者往往从一个局部区域开始画起，并且要尽量在油色未干时将这一局部画完，然后接着画另一局部，这样一个区域接一个区域地画，直至最后完成整个画面。到油画结束前，要对整个画面作最后调整润色工作，但那只是一些局部的小改动，已无碍大局。由于有了底层素描作为构图控制的依据，画家可以自如流畅地作画而不必担心造型失败。此种方法薄涂、厚积均可，但都轻重视一次完成的效果，以保持油画表面的美观。当然使用这种方法也可以与底色技术相结合，可以在素描完成后先薄刷一遍底层色，然后再部分地完成。那会方便画家在处理局部色彩的同时照顾到整体，并且会使油画看上去厚重一些。
这种方法要求作者必须具有扎实的基本功，否则很容易暴露作者造型、色彩等方面的弱点。另外，在局部一块一块地拼接完成的过程中必须对整体大效果做到心中有数，否则容易造成返工，油画局部完成的优点将不复存在，因为返工就意味着要在第一遍表面干而其内未干的油膜上调整，吸油是不可避免的；更糟糕的是返工造成一遍完成的表面肌理被破坏，要想保持完美的肌理、与其他不用修改的第一遍完成的油色结合得天衣无缝是非常困难的。因此，这种方法更需要卞富的经验和熟练的技巧。对主题的造型与色彩的全部细节越清楚，作品就越容易完成，并且共最终效果也将越鲜明和完美。
2、整体推进的方法
是与以上介绍的局部完成法相反的画法，是19世纪下半叶由印象派所开创的。这种方法始终将注意力放在整体的色彩关系上，注重大的色彩气氛，而并不关注某些局部细节，它是靠美的色彩关系和可见笔触的变化给人以画面整体的视觉美感。英国心理学家贡布里希在形容画家作画时这样描述道：“他把颜料涂在画布上——这里浅一块，那里深一块——直至看一块带有条纹的玛瑙石，然后他‘毫不费事地’使一片杂乱无章的颜色令人惊讶地显现出一幅完美的画。”运用这种方法的画家在开始作画时并不画初步的素描，而是只粗略地画上轮廓、定下位置便自由地将色彩大致铺展开来以取得一定的画画效果，为进一步的调整作底色的铺垫。从作画一开始到最后，画笔始终在全画面的各个地方、各个角落里寻找色彩关系，这是集形、色、笔为一体，下笔成形、成色，不像局部画法一个局部一个局部地完成。对于整体推进式的方法而言，只有在总体效果已经达到时才有节制地画上细节的“点睛之笔”，这些细节虽然有时很有效果，但也只起到点缀的作用。每一个局部都是整体的部分，为了整体气氛有时必须牺牲的牛动细节和严谨、清晰的和造型。另外，由于这种方法始终把注意力放在整体上，更多地注意造型之间、色彩之间的联系，因而，画面中的形、色、笔触都体现出这种联系，表现出一种“透气”性或称为“贯气”性。它不以局部清晰为能事，而以笔笔颜色相互贯通为目的，只要这个目的达到了，即便在结束绘画时某些局部仍很潦草，仍不失作品的完整。在莫奈的油画《峡谷》中，你所能感受到的只是那由笔触、色彩交织的“气氛”。因此这种方法的最终效果带着更多的朦胧感。重气氛而不重细节是这—画法的特点。使用这种方法既可以快速地一遍完成，也可以多层积累；既可以薄画，也可以厚涂。有着比“局部完成方法”更大的自由度。
这种方法于我们是再熟悉不过了，因为在油画写生的基础训练中所使用的就是这种方法。但是，由于学生的基本问题还没有解决，整体造型不过关，极容易将油画画“散花儿”，收拾不起来，或者容易把造型画得僵硬、呆板、拙笨。正像掌握“局部完成的方法”一样，要想掌握“整体推进的方法”只有在实践中不断积累经验，精益求精，那时才能体会到这种方法的妙处及魅力所在。
以上通过两种方法的比较分析，清楚地表明了绘制技术给最终效果带来多么显著的不同。这些制作技术本身不存在好与坏，任何方法只要与作者的内心追求相吻合都是好的。每个人的审美倾向、精神追求都会影响他对于制作技术的选择、关注和探索，所以就会形成多种多样的制作技术和绘制方法。以上所举的只是两个制作技术上的极端例子，并非指只有这两种制作方法，实际上许许多多的画家习惯于把整体和局部这两种方法合并使用，他们希望能够集两者的优点于一身；也有人先从局部画起，当画面铺满后再从头至尾调整几遍，直至满意为止。总之，分析研究油画的制作技术对提高油画质量有极其重要的意义。对某种绘制技术作深入研究必将带来画面效果上鲜明的风格倾向。通过努力，每个人都会在前人的绘制技术中寻找有价值的东西，都会建立起各自的制作程序、各自的油画技术语言，呈现出各自油画的新面貌。那时才可以说是在“画”一幅油画。
课堂小结：
1、老师对于学生对基础技法的操作来掌握学生们对本节课的理解，对学生做的不足之处再次计划如何解决。
2、对表现较好的同学进行表扬，并让学生讲诉自己是怎样理解和学习的。
课外作业：
1、完成本次练习作业。教案编号:NO.13 课题：油画风景技法临摹-----风景油画的笔触认识及学习教学时间：2015年6月2日、6月4日 教学班级：13民族工艺品班
授课类型：风景油画临摹绘画，以学生临摹练习油画作品，老师进行修改以及辅导。教学目的及要求
1、笔触——特指作画工具留下的痕迹。工具包括：各种形状的画笔、画刀、手等。各种作画工具蘸取颜料后采取多种运行方式，叫做“运笔”。生个画家特有的运笔方式，叫做“笔法”。通过运笔在画面上留下不同的丰富效果，就是油画“肌理”的组成部分。
2、掌握油画的基本笔触技法，提高对油画绘画技巧的认识以及操作。教学重点：
1、学会在油画风景的笔触怎样表达，增加油画技法的成熟性。2认识几种常见及常用的油画基础笔触技法。
3、掌握学会看在学会画的油画技巧。
教学难点：
1、对于聋生来说，学会观察以及作画缺乏想象。
2、油画对于学生来说有较高的绘画基础的要求。
3、认真观察对聋哑学生也是有这一定的难度。
教学方法的设计：按照锁指定的油画作品，先进行作品鉴赏和分析，观察油画的基本笔触有哪些，对风景临摹作品进行绘画，引导聋哑学生认识油画风景的基础技法，去完成一幅具有感性意识的油画作品。教学过程：
一 认识油画的笔触是什么？笔触——特指作画工具留下的痕迹。工具包括：各种形状的画笔、画刀、手等。各种作画工具蘸取颜料后采取多种运行方式，叫做“运笔”。生个画家特有的运笔方式，叫做“笔法”。通过运笔在画面上留下不同的丰富效果，就是油画“肌理”的组成部分。
二、针对已学“色彩衔接”里已经从形色结合的角度对油画的用笔进行过分析。油画的用笔是多种多样的，并不只用于表现具体物象，这里将从油画整体的角度再谈谈笔触的表现力。
油色粘稠、不易干等特点，使油画的用笔具有比其他形式的绘画用笔更为自由的表现力。它可薄可厚，可均匀地平涂也可画出清晰的笔触，可在底色上扫出“飞白”透底的效果也可细密衔接组成既丰富又平整的表面肌理效果。立体的厚笔触和润泽的融合是油画用笔的两大特色。
各种形状的画笔又可产生不同的表现力。平头笔、圆头笔、尖头笔、扇形笔，硬毛画笔、软毛画笔，还有从零号小笔到更为宽大的板刷等都可造成不同的效果。不仅如此，用画刀、手指作画也会产生出惊人的效果。在伦勃朗的油画中会看到最丰富的多种用笔的技法：库尔贝则惯用画刀作画：德加更是在画作中尝试多种方法，这幅《入浴》，德加用手指蘸颜色点在底色上产生出诱人的魅力。分析大师的油画，其中一项重要的内容就是仔细揣摩大师的用笔。笔触是画家心灵的轨迹、性情的流露。生个画家都有自己的用笔特点。凡高作品中的笔触让我们感到他那颗燃烧着的、炽势的心，安格尔的作品那平滑无痕的用笔蕴涵着画家内心的崇高理念。油画的用笔是如此的多样，就其丰富的表现力来看，只打中国的水墨画能与之媲美，值得我们借鉴。
正如中国水墨用笔所讲究的“一画”学说：“一笔生万笔，笔笔相生”“千笔万笔又归于一笔”。油画的用笔也在遵循着这个规律，虽然欧洲油画并未产生“一画”之说，然而艺术到了至高的境界其道理都是相通的。这个相通的道理就是“笔触关系”、“笔触结构”。黄宾虹那沧桑的山与莫奈那绚丽的水在两位大师的笔下岂不是异曲同工吗？观以上所举的画例，哪一幅的用笔不是自成一体，哪一幅的用笔不是和谐一致、“气脉贯通”？
三、对于笔触的小结。
各画面的用笔，或薄、或厚、有笔触、无笔触都呈现出完整统一的效果，决无杂乱无章之感。这是一种驾驭用笔的高超技巧，以致观众迷恋于其中，为笔底流露的情感所倾倒了。
总之，若想发挥油画用笔的表现力，就要超越基础的形色结合这个阶段，从油画的整本效果出发去研究用笔的技巧，这样才能体会到“以少胜多”、“单纯中求丰富”的境界。
课堂小结：
1、老师对于学生对笔触技法的操作来掌握学生们对本节课的理解，对学生做的不足之处再次计划如何解决。
2、对表现较好的同学进行表扬，并让学生讲诉自己是怎样理解和学习的。
课外作业：
1、完成本次练习作业。
特殊注明：此次教案试试时间为8个课时，两周课。教案编号:NO.14-----NO.15 课题：油画风景——长期油画风景绘画练习
教学时间：2015年6月9日、6月11日至2015年6月16日、6月18日
教学班级：13民族工艺品班 进行修改以及辅导。教学目的及要求
1、本学期已经快接近尾声，我们利用之前学习油画分块模式来进行长期作业的练习。
2、要求是利用在本学期学习的油画基础知识来进行创作，并上交一份对油画学习的认识和心得体会，做为期末考试的评分材料之一。
3、检验本学期的教学方法是否适合聋哑学生的油画教育。
4、本次的悠哈练习作业作为期末作业。
5、学生用70x80的油画框进行风景临摹。
本次教学的目的：为了检验学生在基础薄弱的情况下，利用本学习的教学方法（分块式）进行教学，是否适合聋哑学生。
教学重点：
1、利用一节课的课时来复习回顾之前学习的构思、构图、大色块、颜色衔接、油画的笔触、油画的基础技法等等的基础知识来完成一幅带有主观意义的油画临摹作品。
2、临摹的程度要达到小地方也进行临摹。
教学难点：
1、对于聋生来说，学会观察以及作画缺乏想象。
2、油画对于学生来说有较高的绘画基础的要求。
3、认真观察对聋哑学生也是有这一定的难度。
教学方法的设计：按照锁指定的油画作品，先进行作品鉴赏和分析，观察油画的基本笔触有哪些，需要进行那几个步骤的临摹，对风景临授课类型：油画风景技法临摹，以学生临摹练习油画作品，老师 摹作品进行绘画，引导聋哑学生认识油画风景的基础技法，去完成一幅具有感性意识的油画作品。教学过程：
一、回顾油画风景油画的几大要素。
1、构图练习
2、练习铺大色调
3、学会“看”了再“画”
4、风景油画色彩的衔接
5、观察法实际绘画练习
6、形体的色彩变化规律
7、风景油画的基本技法
8、风景油画的底色技法
9、油画的笔触
二、对所临摹的作品进行赏析。
学生从自己的兴趣爱好出发，在教科书上选着一幅自己感兴趣的方静油画作品进行临摹。
在林密之前，学生要对次幅油画作品进行赏析，认识打的大关系，的色调以及形状的明暗、色彩关系。
对一两个同学进行可场上随堂抽问，了解学生对自己选着回话的油画临摹图，是否有足够的任曦，鉴赏分析的是否到位，看学生在随机抽查的基础上是否达到了一定的标准。
三、学生进行课堂的风景油画临摹，学生自主练习，教师进行知道。
四、每周的课程完成都要进行作品进度小结，对学生做得不足的地方给予帮助，对于做得好的同学给予鼓励。
课堂小结：
1、老师对于学生对学生所掌握本学期油画基础知识的操作来掌握学生们对本节课的理解，对学生做的不足之处再次计划如何解决。
2、对表现较好的同学进行表扬，并让学生讲诉自己是怎样理解和学习的。
课外作业：
1、完成本次练习作业。
风景油画课教学总结
时间过的飞快，转眼间，一个学期又过去了。回顾这一学期，在高效课堂的实施中，不断实践，不断创新，圆满完成了本学期的各项工作，现把本学期工作总结如下：
一、教学计划方面: 本学期前四个周的教学计划是按照用临摹的方式对油画有个初步的认识。但在四周下来以后，由于了解了所教授的班级处于素描、色彩回话的基础较弱的情况，又对整个学期的教学计划有力一个大方向的改变，由于本学期教学时间较短，我只能再次计划以临摹为整个学期的教学任务，在临摹的过程中，加入分块式的讲解油画一些较为重要，但不得不学的理论知识，希望能够通过边教学边实验的教学模式来寻找适合聋哑学生较为适合的油画教学方案。
二、教学工作：
（一）继续实施高效课堂：我的主要工作还是学生的自主练习为主，在练习过程中遇见问题解决问题。教学质量永远是教学的生命与核心。要提高教学质量，关键是要上好课，教会学生学习的方法。为此，我在前四周发现教育的计划不利于龙生教学，所以在后来大规模的改变了整个学期的教学计划。认真钻研教材，精心设计导学案，准备好较为完整完善的教案。本学期的教案因为需要较为完善的理论知识，从学生的角度精心设计，便于引导学生学习，但由于教科书中一图片较多，伦理知识缺乏，所以在做教案的时候理论知识的比例较大，有利用方便我开展教学。在改变了教学计划后，同学们都能把自己当成是学习的主人，在课堂上充分展示自己，课堂真正了变成了学生展示的舞台，老师只起到了引导，点拨的作用。高效课堂不但让学生活了起来，也让老师们活了起来，老师们制定导学案，互相配合，通力合作，实现了集体备课，导学案的呈现就是集体智慧的结晶。通过制定导学案，增强了老师们之间的团队意识，增进了老师之间的凝聚力。高效课堂的小组建设，使同学们之间增强了凝聚力，同学们的集体意识增强了，团队意识也增强，通过小组之间的竞争，培养了同学们的竞争意识。高效课堂锻炼了学生，也锻炼了老师。
（二）、要提高教学质量，还要做好后进生的辅导工作。要承认每个孩子的智力是有差异的，我们班的周世洋、永林富、尚国辉等几个同学学习吃力，接受知识比较困难，在老师和基础较好同学的帮助下，这些同学在学习上，各方面都有了很大的进步。
三、总结工作的得失：
起初，认为用一般的油画教育模式来实施教学，但在开学第四周就出现了瓶颈，学生的油画由于没有较好的素描基础、色彩基础，就连简单的构图都出现了问题。在第五周时，我改变了所有的教学计划，没有按照起初的教学计划进行实施，我希望说在这次的教学实践中可以找到稍微解决基础不还的学生怎么来完成油画绘画。
我使用的方法是:
1、整个学期的油画课以临摹油画作品来完成。这是考虑到对于聋哑学生来说“照葫芦画瓢”是他们的强项，希望在在临摹过程中然学生有所启发，学习好的绘画是有哪些要素构成。
2、在临摹的过程中，我每节课都授予油画的一些较为重要的基础知识。从鉴赏优秀油画作品的构图--油画绘画时的大色调铺设--学会看在画--观察法的运用--油画的基础技法--油画的笔触--油画的笔法--油画的底色技巧等等，这样的教学计划让我在最后两周的期末作品中看到了成效。学生作品二分之一达到了我的预期效果，同时也让我找到了一种授予聋哑学生油画课的方法。
3、本学期的油画课也存在着问题：
首先，初次油画教学由于自己没有经验，对于整个教学计划缺乏考虑，导致前四周的课没有成效。也由于学校处于特殊时期，教学时间有限，学生学以致用的时间太短，不能充分的进行练习，建议优化课如作为主课，克多开展一个学期让学生巩固学习知识，学以致用。
画油画心得 篇6
得知这学期要上油画课以后，心情不免有些郁闷。因为它对于我来说是那么的陌生。在此之前从未接触过油画。我曾欣赏过无数中外优秀的油画作品，陶醉于画家笔下那灵动的线条，丰富的情感和栩栩如生的色彩，但通过这次自身的油画课实践，终于明白了任何优秀的作品都源于画家对生活的热爱和追求，对艺术领域的积极投入。任何优秀的作品并非一朝一夕的历炼，它源于画家毕生心血的投入。所以说，任何成功并非偶然。通过这次的两次模特写生和一次临摹，让我从不会画油画，到会画一点油画，比想象中要简单一点。在此之前一直都没有接触过油画，认为油画很难画，不知道从哪里下手。但画了一幅再到第二幅的时候，慢慢的就得心应手了，就觉得油画充满了情趣。它体现了我们做事的态度。在绘画的过程中，不仅要仔细观察人物的外部特征，同时要准确地捕捉人物的内心世界，把握人物的喜怒哀乐，并通过造型和色彩将其生动地表现出来。
通过前两张人物写生，我认为色彩的运用很重要，一幅好的作品，给人的第一感觉应该内容丰富，感情细腻，色彩充满魅力，一开始我对于色彩的运用很生疏，尤其是人物的脸部色彩把握不好，导致调出的颜色不协调，整个人物看起来是僵硬呆板的，后来，在老师改画的过程中学到了一些技巧。初学者的我们，太拘，拘拟于造型，所以在绘画过程中忽略了整体的把握，导致画出来的作品缺乏生动性，但老师的绘画手法潇洒而富有活力，很注重整体效果的把握，做到形
中有神，神中有形，神形兼具是画人物画的关键。画最后一幅画的时候，绘画有了感觉，因为是临摹，所以激起了我很大的兴趣，首先从选材上再到上色的时候也是比前面的画更游刃有余。通过临摹，我学到了优秀作品中色彩的运用，画中的色彩统一而不单调，人物生动而富有内心独白。经过一番练习，惊奇的发现画油画蛮有趣的。看着自己认真画出来的作品，心中充满了对艺术的热爱。
通过这次油画课，我学到了很多画油画的技巧，同时认为做任何事的时候，态度很重要，绘画需要我们观察周围的事物，热爱我们的生活，同时把自己丰富的情感融入艺术。绘画更需要我们静下心来，运用自己的绘画技巧充分的把自己的内心世界充分的表达出来。篇二：油画学习心得
油画学习心得
作者：美术高考„ 教学来源：互联网 点击数：1780 更新时间：2012-5-31 油画它的概念很容易界定，那就是必须用油彩涂在布上或纸上或板上或是其他物品上成图画的一种绘画形式。它的最大特点就是必须用油画颜料。概念虽然容易界定，它的方式却是五花八门的。我们谈的是写实油画，古典写实也好，新写实油风也好，照相写实主义也罢，有明确的写实手段呈现意图的观念艺术也行，总之，它们在技巧上都有写实功夫这么一个基础。
油画没有标准，好的就是坏的，坏的就是好的，这是中国油画家的幸运吗？算是吧！生存在这个时代，我个人认为无论是观念如何更新，油画总还有 “技术”一说。我喜欢高超技术下所体现的现代观念，也喜欢高超技术下的古典观念。也就是说，它应当首先是好的，好的东西我想永远会是好的。画家可以在画中创造另一个天地，要如何去画，就如何去画，有时要表现现实，有时也不能太顾到现实，这种取舍，全凭自己的思想。画一件东西，不应当要求太像，也不应故意求不想。求它像，当然不如摄影，如果它不像，那又何必画它呢？所以一定要在像与不像之间，得到物的天趣，才算是艺术。
作画要明白物理，体会物情，观察物态，这才算是到了微妙的境界。由理生情，由情生态，由态传情，这是自然的道理。可以感觉到身边的东西是可以去触摸的，手伸出去以后，却发现它是“无限的”。什么叫“无限”，无限就是你掀开眼前的树枝看到前面有山，再往前走有羊，有更多的树，有鸟，穿过树林有条河。河边有草。。。全部都是细节，这才是无限，绘画的无限。
有人以为画油画很难，有说要生来有绘画的天赋，才能画好。鲁迅先生曾说“即使天才，在生下来的时候的第一声啼哭，也和平常的儿童一样，决不会是一首好诗”。学习油画要从最基本的着手，也就是基础。首先是素描，画素描绝不单纯是打轮廓，素描不仅由线条所组成，它还是具有表现力，有内在的形，有画的全局，是艺术的雏形。我知道在素描之后将产生什么东西，它本身包含着全画的四分之三强。阿佩列斯说：“不要虚度哪怕是一天连一根线条也画不出的日子”。他已经说的这样肯定，在研究描绘对象时，首先必须注意整体，向整体要答案。其次，色彩尤其是水粉，我们所要掌握的只有一般规律，即人物的基本解剖知识，基本形体结构，及明暗调子和色彩变化的规律。要表现出物体的质感或人的个性特征，空间感，色调和谐，色彩关系准确等等。我们在水粉写生中，要求形色合一。素描中的黑白灰概念在彩画中要以冷暖色块来代替，用改变色彩冷暖来表现形体的变化。再次，速写。绘画学习方面以速写最为方便，最简便的方式。速写语言简洁，生动，操作直接，方便，趣味的自由变化是它在艺术门类之中不可代替的。应该说，速写是一种综合能力的训练，有利于养成良好的观察分析的习惯，有利于锻炼迅速捕捉生活瞬间的能力，增强形象记忆能力与造型能力，保持画家与客观世界的联系与交流，更有利于艺术语言的不断探索和认识，而且，跟不同人的多样实践体会，应有很多特殊的收益。那么最终速写写什么呢？写形，写神，更主要的是写情。
油画人体写生心得 学习了近一个月的油画人体写生，我对油画人体的绘画技巧、方法有了进一步的了解。
油画的写实塑造绝不仅仅满足于结构、立体、空间等“硬性”指标的实现。首先写实的意义就不在于迎合人们的视觉经验，否则绘画的存在很容易就会被其它更为有效、便捷的形式所取代。虽然我们不可忽视绘画中手工的独特价值，但如果手工的结果是对自身特征的抵消，那么我们将要怀疑它的意义了。绘画中的手工特征是什么呢？道理很简单，手迹如心迹，手迹是心灵感受的物化。问题在于艺术中人的心迹是否趋于和自然形式的一致？虽然不能一概而论，但如果我们是处于对自然的模仿性塑造状态，那艺术中的“精准”将会是变异的，只能是降格以求。我们常说要画感觉，何为感觉？“感”是感知，是感官在起作用；而“觉”则是觉悟、发觉，是感知后的反应，即意识。因此怎样塑造，怎样表现心迹便是一种意识。
追求这一切的精神准备都将落实到一点，即“意在笔先”。面对女人体，不同的人有不同的感受与理解。每个人的意识可以不同，但庇荫在自然形式之下的绘画是失语的，更是失意的„„当然，要达到绘画艺术的至美境界是艰难的，我们都是在追求那一目标的途中，我们虽然还达不到大师般的成就，但我们必须要树立一种意识；虽然我们的笔迹还不能完全对应心迹，但只有意识到才会使这样的距离缩短。
虽然写实是西方的传统，它在中国当代文化生态中是否具有生命力，或许只有历史才能做出正确的评判。我觉得学习传统的精神并不在于恪守，而在于适变。因为任何有价值的传统都是与时代现实血脉相连的，如果只是出于对传统的挚恋，而无视现实的热烈，那么艺术的光芒将会黯淡。今天中国的写实油画必须放在美术史的角度来审视，我们不能以重复西方传统来定位自己的文化，更不能以模仿自然的视觉逼真来暴露我们意识的欠缺。值得乐观的是我们大部分写实画家都各自有自己的认识和探索，我个人体会觉得属于绘画性中的笔意既可以沟通写实绘画与自然的关系，又不失中国传统艺术的逸格。当然这一切不只是出于理念，而是由于油画材料特点及表现意趣，以及我们自身的文化气质所决定的。篇四：油画风景写生心得
油画风景写生心得 10月份中旬，我们开了油画风景写生课程。老师带领我们前往济源王屋山进行写生。下边，首先谈谈我对油画风景写生的理解和看法。
油画风景写生及其意义 ：
风景画是以大自然为题材的绘画。其审美价值的高低在于作者是否真实完美地表达出自己的审美理想，使被描绘的景物传达出人的神韵和生活气息，能否体现出民族的审美情趣。通过所描绘的景物来抒发情怀，引导观者的参与共鸣，并给予美的享受。
风景写生是油画家很注重的一种观察，是感受自然，体验生活，历练、提高自身素养的重要手段。从某种意义上说，写生不仅仅是画画，更重要的是体验，酝酿心中的意境。为使画面的构成和谐而具有美感，还有地域特点和画家的情感合拍等因素，“删繁就简”、“查漏补缺”是很好的取舍手段。色彩搭配的是否对比响亮、协调美观、情境合理，直接关系到作品的成败、优劣。对一个风景油画家来说，积累丰富的写生经验，真实地描绘出自己的情感和思想，表达出对自然的理解、感怀和认识，以此才能抵达美感追求的最高境界。发现美是艺术家的首要任务，艺术家的眼睛是敏锐的，也是具有穿透力的。画家面对大自然时，会在事物表象中发现内在的韵律，这韵律在画家的内心世界中构成美感。
我想要探讨的是油画风景写生作为绘画专业的基础课程——画家到大自然中去“师法自然”，培养画家良好的视觉阅历和高雅的审美能力，同时锻炼画家体会自然、观察自然、归纳自然和表现自然的能力，吸收传统师承方法的宝贵经验——有着其他写生课程所无法取代的意义。风景油画家要达到绘画艺术的最高境界，需要画家付出千百倍的辛勤努力。艺术是心灵的写真，只有真诚才能动人。我在写生过程中，渐渐对油画风景写生有了一些体会和感受，认为任何一个画家都难以避免原生态景物的“挑战”，如果蔑视自然写生，初学者就会显得很盲目，画得杂乱无章，既没有主题，又无法感染人。造成这种情况的主要原因是：一是没有用心灵观察感悟自然；二是掌握色彩基本原理的能力不够；三是绘画基本功粗浅，造成不能够驾驭画面。作为初学者，我认为应该多画多思考多尝试。我认为要注意以下几点：一是经常到大自然中去写生，丰富自己的内心世界，提升认知能力和感悟能力；二是用心去体会和感受物象，认真观察景物的内在美，从内心深处去感悟自然万物的美好属性；三是多尝试用主观色彩去概括物象，不要一味“对景写生”；四是多看古今中外大师的作品，从中体悟色彩语言的准确表达方法；五是要广泛阅读古今中外与油画艺术有关的文学、哲学、音乐学、影视学、戏剧学等书籍，把个人经验汇入整个文化的源流，以此训练自身更高的艺术境界。
油画风景写生的观察方法： 首先，观察是首要因素，在还没有观察之前，不要急于动笔，先观察，后思考，然后再考虑画面的色、光、点、线、面和所承载的意义。实践证明，针对一个要写生的风景时，我们要用近一半的时间静静观察，反复揣摩眼前的物象，通过充分解构与分析，深思熟虑后开始严谨地构图。作为画家，要培养独到的观察力，比如面前的景物，什么地方使你激动，什么使你产生“诗情画意”，要在整个写生的过程中，紧紧抓住这个令你心动的兴奋点，至于画面中的其他景物皆为陪衬，这样写生起来，就会随心所欲，体味出运笔写诗的感觉。在写生的过程中，善于观察会有意想不到的收获，如一处极为平常的景致，你也会觉得“有味”，突然产生创作冲动，有种值得一画的欲望。
油画风景写生和室内写生最大的区别在于，油画风景写生可以让画家获得一种既新鲜又兴奋的感受，作画时充满激情。这种感受和激情是单纯待在画室里所难以取得的，它是一种带有个人真挚感情色彩和强烈乡土生活气息的审美体验。油画风景写生和室内静物写生都要求画家对所面对的客观事物进行认真的观察和思考，对物象进行具体分析和取舍，根据艺术需要经过归纳、组织，使画面结构与表现语言整体概括，富有生气，达到形体与色彩、刻画与表现，整体与细节等各种因素的和谐统一。充分发挥自己的主观能动性，主动经营画面，运用光与色、明与暗、节奏与韵律等视觉语言，充分发挥主观表现功能，把对客观物象的认识转化为主题的感受和情感的抒发。
油画风景写生的色彩：
对自然写生，首先要采取定什么色彩，表达什么样的感情，定调是很关键的一个环节。每个人对自然的感受，都有自己的独到见解，所以画家们对同一个景物写生，表现出来的画面也是不相同的，怎样表达景物，怎样用自己的感受，把自然唯美的表现在画面上，进而达到欣赏者和你产生情感共鸣，重点就在于如何运用色彩语言的表达能力。对自然的感悟深浅程度，取决于一个人的意境历练的深浅程度。因此，许多油画家对同一个景物写生后，会出现不同的作品，意境是每个人内在思想的体现，加之画家对大自然抒发的情感，表现的技法，也存在着个体差异。油画风景注重光影与色调，调子要定准，用色要准确，避免反复描摹，防止匠气，尽量要一气呵成，始终保持画面的通透感，不浪费时间。因为光线透视，很可能在几分钟内，或几秒钟都会影响色彩透视，打乱你最初的意境，色彩微妙变化，也会使你束手无策。比如我们在秋季写生，时间是15∶00点以后，这个时间的自然色彩变化差异是非常大的，而且这个时间的色彩、光线、光影、明暗都是最佳时机。如果我们每个环节都不按写生正确方法操作，这幅作品就会杂乱无章，色彩不明快，画面不生动，所以，进入画家视野的景物最基本的方法之一就是定调问题。
油画风景创作的提炼 ：
大自然赋予我们美的景物，所以我们要用生命去阅读大自然，并在写生中提炼意境和主题。有时我们会面对一片杂乱无章的山间树林、杂草、乱石等无从下笔，这时，应先确定景物的大体走向，并对其适当地予以归类，有时是形的统一，有时是色的组合，均应根据画面的需求加以分析和把握。
多年来，笔者一直坚持风景写生与创作相结合，在写生中进行创作，受益匪浅。对于一些长期在室外写生的画家来说，只有把写生和创作有机地结合起来才能有所创新。把大自然的一山、一水、一草、一木、一束阳光用来表达自己的情感体会以及独特的艺术语言和风格追求。笔者认为，这是写生的最高境界。如果写生只是按部就班，看到什么画什么，很被动地跟着客观事物的形状和色彩走，不加入自己主观的情感和想象，写生将没有任何意义，而创作就更无从下手。那么，怎样才能把写生和创作有机地结合起来呢？笔者认为要做到以下几点：第一，必须要有量的积累。要多想、多看、多动手画，熟练掌握油画材料的特性。多去体验大自然，做到能够熟练地把大自然中各种美丽斑斓的颜色搭配出来，把千奇百怪的形状表达出来。要做到这一点，需要我们的勤奋努力和全身心地投入，需要有吃苦耐劳的精神和意志，做到“笔不离手”。第二，还要了解古今中外的大作和与其有关文化的源流，提高自己的见识和审美能力，这是写生的基本要求，更
是创作的基本功。只有具备了这样的精神和意志，具备了这样的感受和激情，具备了量的积累，才能真正把写生和创作有机地结合起来，才能把自己的情感和个性语言真正融入到自己的作品中去。第三，把写生当做创作来完成。在写生过程中，不要一味地跟着对象走，在造型上要多变化，大胆取舍；在色彩上主动用主观色彩再现对象，把自己的心理感受表达出来。
寻找适合自己的绘画语言：
优秀的油画风景作品都有其独特的个性化语言。油画风景中的个性化语言是画家将自己的审美与情感融入到客观自然环境中，并以独特的表现手段呈现出来的视觉形式，它涉及构图、色彩、明暗、笔触、肌理、意境等多种因素。风景油画的个性化语言的形成和完善，则与特定的地域景色、画家的审美观有关。任何一种创作都离不开生活，油画风景的创作也需要从写生中得到灵感，引发错觉。写生时画自己想画的，表达自己感兴趣的东西，并把这种兴奋运用到创作中是非常必要和有益的。写生本身就带有创作的意味，如吴冠中的油画风景有着中国画的韵味，点、线、面的结合、色彩的轻盈等，无不体现出他对景物的理解，在写生中搬动画具，把一切美好的东西都组织到画面中去，充分体现出他的审美观。贡布里希说过：“绘画是一种活动，所以艺术家的倾向是看到他要画的东西，而不是画他所看到的东西。”我们不可流于外表形式地模仿照搬，应该从提高自身修养入手，在主观内化的前提下才能在创作中流露出来。陈晓明
美教油画2班 101014072篇五：油画创作感想
《银月湖》——我的毕业油画创作
感言：
四年快接近尾声了，心想着自己这四年来的绘画作品，感觉在校基本就是为了完成作业去绘画的，作品中几乎完全没有自己的感想，同时那一大堆都属于写生作业说实话交作业也就是为了得到老师的好评所以每次考试作业很认真的画给给老师点评。
不过这次系里的毕业创作可是费了很大的精力和时间去认真着手的。在毕业创作还未进行时我那时就考虑绘画一幅油画油画风景，不过一般我觉得像我们这么大的男生都喜欢绘画一些美女，不过为了打破世俗我在找素材上花费了很多时间。首先找了一幅满足大众化的漂浮荷叶，我将这素材给了相应的指导老师让他们给于指导，老师看了说这种素材很适合但是可能会花的很平淡。时间过的很快应为外出自己耽误了创作时间学校即将要交毕业作品，这加快了我寻找素材的速度，猛的某天我在网上看到了一张新意的图片《莲花组图》，这张图片看上去最吸引我的就是那荷叶。看到了这些荷叶荷花我的绘画兴趣来了，创作的激情也随之到来。随后又找了大量关于荷叶荷花的图片。
找到这些图片立即打印到手，买好了相应的绘画材料工具，把所有准备工作做到了位。首先我看了这原始图片作了相应的构思，心想绘画时不能按部就班要画出自己的思想，画面面一定要有个吸引别人的转地方。在绘画过程中我省略了很多东西把一些次要的统统都去掉。构图完成后，型打好后就是上颜色和刻画。我沉思了好久后决定画面以绿色为主，整幅画面以蓝绿色调为主，这样突出淳朴的风俗。在刻画细节方面我思考的最多在荷叶刻画上我根据场景需求将枯黄的荷
叶莲蓬荷花刻画成主体，其次我都是统统粗略的带过。在描绘枯黄的荷叶时我心里很矛盾，心想究竟是画水墨画样子还是写实类型?经过一番斟酌，最终决定采取水墨感觉，这样更能充实画面内容。接着就是荷花，这些荷花都是很新鲜的，当画到这里时我想到的就是将鲜嫩的荷花跟莲蓬枯黄的荷叶做对比，这样加强了画面的对比效果。不过在绘画那么多的荷花的时候我只将几朵做了深入刻画其中以单独在外面的那些刻画最深入。
绘画过了很长一段时间看着画面就觉得有点不足，感觉画面对比度不够，吸引度不强。通过几天的停手思考终于想到了一些方法，一个想法就是将画面分组成两幅组图各有特色却相互关联而且有过度效果。一幅画面以成熟的荷叶莲蓬将凋落的枯黄荷叶为主，而另一幅则以含苞待放的鲜嫩荷花初生的荷叶尖为主。由左到右逐步变化。让两幅组图更具对比与吸引力。
选题：
荷花在我国已有三千年的历史。传说农历六月二十四是荷花的生日，所以古称荷花为“六月花神”。荷花，不骄不躁，宛如一个饱读诗书的女子，处事坦然自若，遇事信心倍足，在她面前，再名贵的花儿也得甘拜下风。她清爽脱俗，不妖不艳，象一个高贵的小妇，静静地为丈夫守候在家门。
我喜欢荷花，因为它美，不论是海棠般的红荷花，小姑娘般的粉荷花，还是那雪一样的白荷花，都那么美。它到哪儿，就会给哪儿增添一丝幽雅。莲与文化关系最深的是中国。自古以来，中国人便喜爱这种植物，认为它是洁身自好、不同流合污的高尚品德的象征，因此诗人有“莲生淤泥中，不与泥同调”之赞。周敦颐还在《爱莲说》中把莲和各种类型的人物联系起来，“菊，花之隐逸者也；牡丹，花之富贵者也；莲，花之君子者也。”从古至今，许多人都有这种想法。在中国文学里，与莲有关的诗词歌赋，不计其数，莲也有许多不同的名字，最常见的有荷、芙蕖、菡萏等。
中国画以荷花作为夏天的标志，在中国的瓷器、地毯和戏服上也常绘有荷花。荷花盛开是丰收的预兆，也是夏天有代表性的美丽景色。北京故宫附近的北海公园本来是御花园，园中有人工湖，湖面大部分为莲叶所覆，莲叶有时候高出水面将近2米，开着千万朵清雅芳香的花。莲叶下可以行驶小船。
中国有许多与莲有关的话语，莲子代表连生贵子，藕为佳偶。并蒂莲代表一对恋人，藕断丝连是指男女虽然分手，但情意未绝。据说在公元五世纪，南齐东昏候“凿金为莲花以帖地，令潘妃行其上，”曰：“此步步生莲花也！”因而后人称美人之步为莲步，又称女子之纤足为金莲。没有别的植物可以像莲那样把亚洲各种不同的文化和谐而完美地融在一起。
荷花是中国绘画艺术不朽的主题，古来就有“清除出芙蓉 天然去雕饰”的雅句来形容荷花的清新之美。中国画家更是以不同的笔法诠释和演绎了千变万化、多姿多彩的荷花艺术，将荷花的恬静温雅之美发挥到了极致。尽管一些新锐的艺术家，在创作国画作品时，艺术效果还不够稳定，但是他们也为中国的绘画艺术增添了新鲜的血液
西方也有不表现荷花的经典油画作品，寄予了人们对荷花的美好希望和理想，其中最值得提到的是印象画派。
克劳特-莫奈(1840-1926)法国印象派画家
在这些一流的印象派画家中，我愿举出克劳德·莫奈，他吸吮了我们这个时代的乳汁，在对周围事物的礼赞中，他成长起来，并将日臻成熟。
个人简历油画 篇7
李书成的油画创作涉猎的题材广泛,既关注宏大叙事和革命历史题材的表现,也钟情于描绘那些居于文化边缘状态的少数民族地区的人们,时而他会对生活在他周围的人和事抱有浓厚的兴致,时而他又去追忆远去岁月中的清宫佳丽,还表现令他感动的山乡村寨的美景。他塑造的人物形象,或纯真雅丽,或端庄沉静,或坚韧沧桑,其丰富的内心世界跃然眼前。显然,对人本质的尊重和认同,对绘画基本功能的肯定和运用,成为李书成油画创作的原则。从近期作品看,他的油画语言在深入探索中,创造了一种他称之为“金属晶体”的表现手法,即以短促而有力的笔触,形成酷似钻石、水晶的肌理结构。这种似网非网、大小不一的晶体块面,不仅分而不散,而且呈现出切割般的交错衔接。这里需要运用色调与光影的细微处理,取中国画中不同的线型、线性,通过颜料的不断堆积重叠以突现不同物象的质感、光感、体积感,构成了他每一件作品耐读、耐看的重要元素。
李书成执著于自己的艺术理想,不懈地探求绘画的本质及其内涵意义,用手中之画笔展现生活之真,展现人的内心世界的丰富情感,并以独具的表现技巧将这种生活之真升华为艺术之美,其中蕴含的圣洁与真诚,给人们以一种精神享受和艺术陶醉。
油画创作中对油画语言的认识 篇8
关键词：油画语言；情感；思想；素养
人类的语言，是用来表达情感、相互交流的手段，画家常常借用这个词，将自己绘画的表现手段，也称作“语言”，既是“绘画语言”。所谓油画语言，油画语言最基本的概念是指油画的造型语言，他是以油画构图的营造、色彩的冷暖、明暗的对比、形体塑造为词汇，来表现人物、景物、环境等这些客观事物的。面对客观事物，用什么方式方法，通过不同的构图、节奏、笔触、颜色等等很多因素来表现。色彩的工具包含了水粉、水彩、丙烯、油画四种工具。“如何用‘器（工具）来表达色彩情感和思想，对‘器得心应手的掌握和控制是要通过磨练的。”[1]
在观看老师示范油画过程中认识到没有笔者想象中的简单，因为老师是对油画材料、工具运用得心应手。当然在绘画的表现技法更是我们望尘莫及的。大笔的挥舞，看似简单的动作也是多年来经验积累的成果。特别是看了老师用gesture方式进行绘画创作，领略到艺术的高超境界，以秒速的技能毫不留有思考的余地对观察到的事物进行创作，真的达到忘我的境界。随着科技的发展，手机、照相机等是我们快速记录场景的工具。对于我们绘画者是一个好的帮手，因为在地域和时间上的限制，这样一来在我们对照片写生的要求就需要我们选择合适的角度去拍摄，才利于我们后期色彩创作。
油画绘画过程中对老师所谈到的“死去活来”定义的理解以油画绘画中固有色的语言来解释，即在白色阳光下一个事物本身呈现的颜色效果，被称之为固有色。也就是指物体在常态光源下呈现的固有的色彩属性。固有色常常受到不同光源的影响，一般来讲，物体呈现固有色最明显的地方是其受光面与背光面的中间部分，因为此處物体受外部条件色彩的影响较少。[1]在实际绘画过程中，我们常常会得出一个大致的固有色的印象加以描绘，并常常在整体审视中，将固有色加以调整。
在写实油画中，由于光的作用会使得物象的固有色而产生丰富的变化，因此千万不要以固有色代替眼睛的观察。绝对的固有色在自然中是不存在的，物体因受各种光线的反射、折射、散射等多重影响，每一个物象的色彩都产生多样性的变化。同时，也由于物体对光色的反射和吸收一般都不可能很彻底，物体本身就是环境的一个组成部分，存在于整体环境中的一切物体都必然受到环境、时间、空间距离的影响，从而使自身的颜色不断发生变化。因此，色彩的呈现就是一个客观物象的色彩关系。
自然中的构图存在着千变万化的可能性，比在画室完成的创作有更多奇异的生动性。在自然中发现构图的生动性，是写生的必要任务，切入式构图就是较为直观的有效方法之一。例如，电影的特写镜头，直接观察到最主要的东西。这东西是流动的瞬间存在，就如同德加笔下的构图，总是大切割的特写，似乎并不稳定，却揭示出动态的存在，从而获得生动活泼的视觉感受；又犹如博纳尔从室内望到阳台，从阳台望到野外，实景中的边线成为构图的主要依据，也成为画面的张力构架色线。切入式构图能聚焦审美点，集中地将趣味中心置于最引人注目处。角度也是选景的一个元素，从不同的角度、距离观察景物会产生不同的感觉。在角度的选择过程中，所选择的位置与高度都是重要的，高处的俯视，低处的仰视都会形成不同的画面。
取景时也需要有所选择，有所取舍。现实的依据和感动是重要的，不需要改变得面目全非。在油画风景绘画的构图过程中，要灵活适当地增减景物，可以将景物的位置做些移动，以使主体内容更集中、更鲜明，在构图形式上更加完美。也可以采用“移花接木”法，把美的和贴近自己情感的物象大胆地安排进来，使画面丰富生动。如何选择景象、如何在连绵不断的视线中截取最理想的部分，使之成为一张有意识的画面，以及怎样进行画面的安排，这就需要在画面中确定物象大体的主次关系。而主次关系不是完全凭自己主观决定的，要以客观的现实为基础依据，不过有时也需要自己通过调整来解决眼前不够明确的风景主次关系，例如，作品1就是选择近景构图，远处的山和树被弱化。主要刻画流水和倒下的树桩。树木可以根据构图有所增减和挪移，天地的比例也可以根据画面的处理来调整。
近实远虚的关系不仅符合着视觉基本规律，也加强了空间前后层次的关系。有时候，为了强调主体的存在，会有意识地加强主体的实在而让周围的事物虚一些，是主实客虚的表现，这种虚实关系在自然事物中一直存在，作品2远山和中景的树木也形成了虚实的关系。实，有时呈现为实实在在事物的描绘作品3；而虚，则可能是对整体气韵的渲染，可能是情景需要的要素，如作品1。有时，画面中色彩的冷暖也可以构成虚与实的关系。例如作品2，一个冷色调子中跳跃的局部的红色形态。构图中，起关键作用的亮颜色的位置的实在和恰当与否，对形象有着很强烈的视觉表现作用。所有的构图方法都应该综合灵活地使用，并不是割裂地看待，通过构图让审美有更突出的表现。
相信研究过程就是这样充满挑战与激情，当跨过某阶段厌倦的过程那也是进步的象征。绘画就是一种心灵的提升，就是让人能够静下来做事情。当然在我们日常生活中，一个会画画的人对生活的品味与追求也是不一样的，因为他们善于发现生活中美的事物。只要你热爱生活，热爱艺术创作，热爱这片土地，永不停歇地去探索属于自己的绘画语言，属于你自己的艺术特色。
参考文献：
[1]周至禹.风景色彩写生[M].北京：高等教育出版社，2013：70.