管弦乐器的技巧

管弦乐器的技巧（共7篇）

管弦乐器的技巧 篇1

摘要：经过长时间的文化融合发展,扬琴已经成为我国优秀文化传统中具有代表性的民间乐器,扬琴的传统流派包括四种,本文基于东北扬琴流派基础上,分析了东北扬琴流派的主要特点,提出了东北扬琴流派的独特教学方式,并阐述了其未来发展趋势,具有较强的理论借鉴意义。

关键词：东北扬琴,民族传统乐器,教学方式与技巧

一、东北扬琴流派教学研究意义

扬琴是具有独特世界性乐器,扬琴在我国的发展历史已经超过了四百年,由传统民间自发性的口传教授逐渐形成了现代专业化的独奏乐器,在众多民族乐器中的地位更是极为重要。我国扬琴体系主要包括四大种类,分别是江南丝竹扬琴、四川琴书扬琴、广东音乐扬琴和干贝扬琴。

东北扬琴流派的特点鲜明、研究意义深远,作为民族传统乐器却没有得到音乐领域的重点关注,关于东北扬琴的研究文献资料较少,甚至没有得到东北地区人们的注意。由此,本文希望对东北扬琴流派进行全面仔细的梳理,对东北扬琴流派的历史发展、独特风格、演奏方式和教学技巧等方面进行深入研究,具有较强的理论借鉴意义和实践指导意义,从而能够弥补对东北扬琴流派研究的不足之处,引起更多人们对东北扬琴流派的关注,以最大限度发挥其具有的内在价值。

二、东北扬琴流派的主要特点

(一)东北扬琴的演奏技巧

据相关调查分析可知,东北扬琴流派的形成与当地地域文化和传统民族音乐密不可分。东北扬琴的独特风格和演奏方式,与东北地区传统民歌、说唱艺术可以说是一脉相承。东北地区传统民族音乐的演奏技巧和独特方式都能够在东北扬琴表演中找到与之对应的影射。东北扬琴的技巧共有八种,分别是弹、轮、点、拨、颤、滑、揉、勾。其中,东北扬琴流派的主要演奏技巧是颤、压音和滑音,从东北扬琴流派的独特风格和演奏技巧来看,主要以“颤竹”、“压音”和“上下滑音”的演奏技法来体现东北扬琴流派的特殊风格。

东北扬琴流派的产生属于自然形成的传统民族音乐样式,其主要源于东北地区民间艺术家对民间音乐的收集整理,与其他的艺术形式不同,不是由其他的音乐艺术形式演变而来。东北扬琴流派从最初就是独立存在的。由此,东北扬琴的不断发展和融合演变,大部分都是基于其自身演奏技法的创新,以及流派体系的完善。东北扬琴流派产生初期,演奏技法的创新主要是随着音乐乐曲的改编实现的,每一曲著名东北扬琴音乐的诞生,都代表了扬琴演奏技法有了创新的发展方向。而由于演奏技巧持续丰富,使东北扬琴的发展有了新的完善,形成了独特的演奏风格和特殊魅力。

(二)东北扬琴的旋律特点

东北扬琴流派的另一个显著特点就是其拥有东北地区音乐旋律的特征。主要有以下几方面:(1)由东北扬琴流派音程关系来看,一是东北扬琴流派的旋律音级进与不能高于五度的跳进相互融合,例如乐曲《我的家乡真美好》、《号角》等,这些音乐的旋律非常连贯流畅,容易上口;二是东北扬琴流派的级进与不能高于八度的跳进相互融合,例如乐曲《绿色的大地》、《春满人间》等,这些音乐乐曲旋律在完成跳进之后,通常以反方向的形式迂回级进,这些音乐乐曲华丽明快、轻松活泼,具有幽默的特征;三是东北扬琴流派的级进与高于八度的跳进结合,这种情况比较少见,例如乐曲《春播》等,这种音乐乐曲的音区和音色能够形成鲜明对比,特征十分明显。(2)从东北扬琴流派的节奏和节拍来看,其曲目种类很多,东北扬琴流派的音乐旋律与东北秧歌非常相似,大多数都是二四拍和四四拍,但是,音乐小节的第一拍并不一定是重音,重音极有可能出现在音乐小节中间的节拍。例如乐曲《秧歌》,它采用的就是东北地区秧歌音乐的曲调。(3)东北扬琴流派乐曲旋律的加花,东北扬琴流派以最初的乐曲曲谱为主,对音乐旋律进行装饰,使整个音乐乐曲更加华丽、更加幽默风趣。

(三)东北扬琴的情感表达特点

东北扬琴流派的情感以豪放粗狂为主,与南方轻松流畅、愉快舒缓的音乐流派不同,南方扬琴流派表达出来的音乐情感大多数都是细腻温和的,例如:乐曲《雨打芭蕉》、《早天雷》等。然而,东北扬琴流派由于受到东北地区地理环境、气候环境和人民生活方式的影响,更能够体现东北人们豪放粗狂、性格直爽和意志坚强的精神,东北扬琴流派的音乐强弱对比明显,其表达的音乐情感以豪迈粗野为主,例如:乐曲《木兰辞变奏曲》、《苏武牧羊》等。

三、东北扬琴流派的独特教学方式与技巧

(一)培养正确的执健演奏方法

东北扬琴流派正确的执键演奏是其表演的关键部分,也是东北扬琴教学中的首要任务。在东北扬琴教学过程中,学习者可以将小臂用力的方式改成小臂与手腕相互结合用力的方式。而且,在扬琴演奏轮音时,将原先的腕部用力方式,改变成为腕部、手指共同配合用力击弦的方式,会收到意想不到的效果。东北扬琴流派的击弦方式,主要是由于其大部分乐曲中音乐速度较快、力度较强。因此,手臂、手腕和手指的共同配合是演奏扬琴的练习重点,经过一段时间的配合训练,三者必然能够自然协调,由此,能够加强东北扬琴演奏的准确性。目前,“三指击弦”的东北扬琴演奏手法已经应用到了其他扬琴流派教学中。

(二)规范击弦动作,找准击弦位置

东北扬琴的教学应该规范击弦动作,找准击弦位置,由此才能真正提高东北扬琴学习者的演奏水平。相同的扬琴琴架可以由不同的人演奏出不同的音乐效果,部分音色圆润、富有弹性;部分音色悦耳,轻松灵动,给聆听者一种美的享受感觉。这都是因为扬琴演奏者找准了击弦位置,击弦动作正确形成的。

由此可见,东北扬琴的演奏找到正确的击弦位置是演奏出优质音色的关键。而且,扬琴琴竹和琴弦的接触也十分重要。琴竹与琴弦接触的最佳位置应该为琴竹的中间或偏后位置,由这个位置演奏出的扬琴音色润滑、实而不虚、饱满圆润。因此,在东北扬琴教学过程中应该对于其给予重视。只有东北扬琴演奏方法正确,找准正确的发音位置,经过长时间的刻苦练习,就能达到行云流水、圆润饱满、弹性丰富、连贯顺畅的演奏效果。

(三)深入挖掘音乐作品的文化内涵

每个扬琴流派的音乐作品都有着其独特的文化内涵,东北扬琴流派与戏剧结合,形成了具有东北特色的音乐作品,例如乐曲《木兰辞变奏曲》,该乐曲采用了东北民歌的音调,以快节奏的变换形式展现了花木兰代父从军,征战沙场,骁勇善战,抵抗外敌的巾帼英雄气势。同时,《木兰辞变奏曲》亦塑造了花木兰的女性特征,身段纤柔、亭亭玉立的形象。该乐曲将戏曲演唱方式用于抒情部分,例如花木兰在代父从军之前,照镜梳妆的情境。《木兰辞变奏曲》中运用了大量滑音演奏技巧,该技巧借鉴的同样是戏曲演奏中的甩腔,更丰富了东北扬琴流派音乐的文化内涵。

由此,东北扬琴的学习者在拿到曲目初期,不能够马上急于练习乐曲。而是应该充分了解扬琴乐曲中包含的文化内涵,并对其进行仔细的分析和研究。在东北扬琴教学过程中,也应该将东北扬琴乐曲中的文化内涵传授给学生,有助于学习乐曲的演奏。

四、东北扬琴流派的发展趋势

(一)东北扬琴流派的继承与发展

我国历史经过数千年的发展,人们在创造各种各样音乐乐曲的同时,也大量吸收了外来的音乐乐曲,并且经过自己的改编、创新逐渐发展成为我国传统民族音乐乐曲,也形成了具有明显特征,与其他乐曲存在差异性的音乐体系。因此,东北扬琴流派的继承与发展极为重要。东北扬琴流派的发展要依靠将传统的东北地区音乐作为素材,经过改变加工创作成为拥有现代特征的音乐作品,对其传统的精华之处加以继承和发扬,不断发掘创新,积极与现代音乐乐器的演奏手法相互融合,例如采用其他乐器伴奏等,创作出更多具有东北独特风格的扬琴乐曲。

(二)创作更多的东北扬琴流派曲目

东北扬琴流派与其他扬琴流派的相同之处就是经过了长期的发展和变迁。东北扬琴流派是极具代表性的东北音乐,在其发展和完善的过程中形成了独特的东北扬琴流派体系,其演奏表现功能非常完善。但是,就东北音乐几十年的发展和变迁情况来看,东北扬琴乐曲中虽然进行了一定的创新和改编,大部分的东北扬琴乐曲仍然具有传统落后的观念,包括思维方式单一、演奏手法陈旧、以旧观念和旧规矩的方式套用等,在东北扬琴乐曲的创作中,改编创新的地方较少,这不但是东北扬琴流派发展中的恶性循环,而且会导致其停滞不前。由此,如何能够使东北扬琴流派在发展中保持独特风格,同时创造出更多的崭新作品,已经是亟待解决的问题。在东北扬琴教学中,教师指导学生在掌握东北扬琴乐曲演奏技巧的时,更应该教导学生了解更多的东北扬琴作曲技法,以东北民间音乐为主要素材,加上个人的创新观念,改变传统单向思维的方式,对原始音乐进行更深更远的挖掘和再创造,促进东北扬琴流派发展速度的提高。

(三)教学中要有东北扬琴流派教材

当音乐流派的发展已经到达一定程度时,其教材的创作是极为关键的。东北扬琴流派中,扬琴作为其主要演奏乐器,目前关于东北扬琴的学习教材却很少。在东北扬琴流派的发展初期,民间的东北扬琴教学以“口传心授,以曲代训”为主,而扬琴一直没有其专业性教材。虽然东北扬琴教材不能够作为学生学习演奏的唯一资料,但是教材的创作也是不能忽视的。教材作为新课程教学改革背景下的标准载体,是课堂教学的主要依托,也是学生学习的宝贵资源。教材的结构体系完整,每节课、每个单元都有学生必须落实完成的要求和内容,同样的教材虽然不能完全保证符合全部学生的个性发展,也不能满足不同地区的实际需求,但是教材仍然具有较强的权威性和普遍性。因此,东北扬琴的教育教学工作人员应该对教材加以重视,将原有的乐曲曲目、乐曲谱例和音频素材收集整合,完成东北扬琴教材的创作,以此促进学生对东北扬琴流派的学习。

五、结论

综上所述,扬琴经过数百年的发展和变迁,已经完全与我国民间音乐相融合,形成了具有独特风格的演奏特征。东北扬琴流派是我国扬琴体系中最具地方风格的流派,由此,在东北扬琴流派的发展过程中,我们应该重视保护具有东北地区风格的扬琴音乐,得到了越来越多扬琴学习者的重视,因此,我们更应该不断创新改革东北扬琴音乐乐曲,为扬琴艺术事业再创辉煌,为我国音乐文化做出更多贡献。

参考文献

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管弦乐器的技巧 篇2

关键词：拉弦乐器,二胡,艺术特色,演奏技巧,探析

中国是个有着非常悠久的历史的文明古国, 在漫长的历史发展过程中创造了光辉灿烂的文化艺术。拉弦乐器二胡就是发端于边疆少数民族音乐文化的一种民族器乐瑰宝, 因为二胡这种乐器有着丰富的表现力, 有着温润动听的音色, 二胡的音色同人声有非常类似, 所以在民间一直广为流传, 目前的二胡大多是被广泛使用在戏曲的伴奏中。当前, 为了能更好地继承和发展二胡艺术, 非常有必要对二胡的艺术特色及演奏技巧进行研究和探讨。

一、拉弦乐器二胡的艺术特色

(一) 拉弦乐器二胡的地域性特色明显。

二胡艺术的地域性特色非常明显。比如我国西北一带的二胡作品因为受到当地地理位置及人文习俗的影响表现出了非常热烈奔放的音乐风格, 代表作有周维曲的《葡萄熟了》及王建民的《天山风情》等等。而在我国南方的二胡作品中就表现出了完全不同的风格, 南方的二胡作品同样受到当地的地理位置及人文习俗的影响表现出了细腻柔美的音乐特色风格, 比较典型的代表作品有很多, 比如曾加庆

演奏, 根据一个共同的主题, 在事先没有创作和约定的情况下, 乐手们凭借自己对该主题的理解和感受各自同时做即兴演奏, 在演奏中相互照应、互相配合、互相补充, 从而使演奏形成一个不可分割的整体。只是在爵士乐在不断的商业化的过程中乐队不断扩大和正统音乐不断加入才形成的创作和总谱!即便这样, 在演奏的局部保留了相当的即兴发挥的特点。在后期的浪漫派时期, 像肖邦钢琴音乐中如此纤细优美且充满特点的演奏, 它的RUBATO可以说是功不可没的, 学术界也有大量的专题论述。当代流行音乐的崛起和普及, 更是大量的运用了这一方法。

三、节奏“游移”的几种不同情况

游移。这种现象, 我们可以将其归纳为以下几种情况:

1.是类似传统音乐中的各种节奏变化, 只不过是更强化了, 更自由了, 但还可以用乐谱准确的记录下来, 这就是从创作上已有这种设想, 演奏和演唱时应注意把握好这种特性。

2.是节奏变化较大, 甚至完全无视节奏的存在, 无法用乐谱准确记录。只能大致标注, 或标明“自由地”或其它。

3.是在创作中并无这种设想, 乐谱重节奏也是正常的, 只是在演员的二度创作中创作了一些细微的或是夸张处理。

如何正确运用呢?从理论上说, 节奏本身是一种无生命的精密的数学组织结构, 它和有丰富感情色彩的有生命的音乐是矛盾的, 风马牛不相及的。它之所以成为构成音乐的要素之一, 是因为音乐是一种时间艺术, 必须通过能容纳自己的一种载体才能表现自己。这种载体和主体又必须在互相遵守各自规则的基础上形成一种有机的结合, 才能成为充满生命力和感染力的音乐, 同时通过有特性的旋律特点和节奏特点在转瞬即逝的时空中给人留下深刻印象, 而完全打破节奏规律的游移, 他和节奏的矛盾就更为的《山村变了样》及邓建栋的《姑苏春晓》等等。通过以上的分析, 我们可以看出我国的南方和北方的二胡作品的风格是迥然不同的, 因为风格的不同决定了演奏方法也存在不同。对于二胡的这种地域性风格特色主要可以从以下几个视角来进行研究:首先就是从不同的地理条件及地域文化的视角来看二胡的地域特色。从这个角度看, 在中国二胡艺术界中影响较大的一个派别就是“秦派二胡”。另外, 还有京风京韵十足的二胡作品及在数量和影响力上都非常非常强的“长安乐派”。其次, 二胡的艺术高低虽然有地域性特色, 但是不能以地域为界来划分优劣。北京作为首都, 其二胡艺术有着明显的优势, 但是除北京之外还有很多的省市的二胡艺术也有着属于自己特色的独特风味。比如中原地区有《三门峡畅想曲》等富有中原特色的二胡曲, 草原上也有富有草原特色的二胡曲, 比如曾寻的《拉骆驼》及朴东生的等等。最后, 就是对于二胡的地域性特征分析不能只看二胡曲目的数量, 重要的是要看二胡曲目的质量及其反映的文化价值的高度和深度。

(二) 拉弦乐器二胡艺术善于表现中国传统音乐的情韵美。

所谓的情韵就是指情感和韵味的结合, 情韵主要是以情为核心, 其中的韵是对情的润色修饰。中国的的传统音乐文化在抒情达意的时候通常是在讲究余味之韵之余还非常讲究语言之韵, 并且二者在节奏和韵律等方面最好是能达到完美和协调的统一。二胡作为中华民族传统的民族乐器, 对于中国传统音乐所执着追求的这种情韵美也是丝毫不减的。因此, 二胡的发展过程就同中国的传统音乐发展过程密切结合了, 并且在这个结合共同发展过程中, 二胡成为了中国传统音乐最佳的物质载体之一。那么对于二胡艺

突出。因此二者之间更紧密, 更恰如其分, 更自然地有机结合就更为重要了。在我以往演唱实践中, 我觉得最重要的是把握好这个度, 这也是艺术类的共有特点, “度”不够就不能打动别人, 就不能形成鲜明的特点和风格, 但是“度”过了就会形成过犹不及的效应。

四、在演唱或演奏中运用“游移”的注意事项

总结多年的经验, 我觉得在演唱和在演奏上运用“游移”这一手段时应该注意以下几点:

1.在采用“游移”后在下一个乐节和乐句的开头, 还要再回到原有的节奏和逻辑重音上来, 不能从整体上破坏原有节奏和变化的均衡, 变化只应该是局部的、相对的。

2.即使在局部中运用了“游移”, 也应该保持良好的内心节奏, 这对演唱和演奏者尤其重要, 还要再准确的回到原节奏上来, 应该明白, “游移”是针对节奏而言的, 没有节奏也就不存在游移, 不能本末倒置。因此“游移”并不应该是盲目的, 随心所欲的, 而是在良好的内心节奏中一种夸张的技术性处理。

3.不可滥用。节奏的巧妙改变或自由移动, 是为了追求一种更加感人的艺术效果, 如运用得当, 往往会收到画龙点睛的奇效, 但并不是所有乐曲或一首乐曲从头至尾都需要用。正相反, 运用不好到会产生画蛇添足的反效果, 因此, 运用要谨慎, 而且要选择好最佳的位置。

4.不应人为的制造游移。如果刻意的, 生硬的, 去追求这种变化, 只会适得其反, 给人一种极不自然的矫揉造作之感, 这在当前的流行音乐中也是常见的一种弊病, 失败的例子也同样不胜枚举, 对这种拙劣的使用, 一定要坚决避免。应该从乐曲的内容出发, 自然地、恰如其分地使之水到渠成地自然产生。

术善于表现中国传统音乐的情韵美这一鲜明的特色, 我们主要可以从以下两个方面来分析。首先就是二胡的音色。作为中国传统音乐物质载体的二胡乐器对悠悠情韵的表现主要是依靠二胡那种特有的质朴、圆润、缠绵及酷似人声的乐器音色。通过操控二胡的音色来表现情韵美要学会对二胡的泛、按、散三种音色的恰当运用, 二胡的泛音发音清脆高远, 空灵飘渺;二胡的散音发音深沉浑厚, 而二胡的按音则圆润细腻。再就是要学会调配二胡揉弦的强弱来展现音色的对比美, 揉弦的强度大就会使二胡表现的音乐情感充沛, 而如果揉弦强度弱则会使得音乐情感隐而深。其次就是二胡形制。二胡特有的内外两弦及没有指板的形制特点决定了更适合左手的吟、揉、绰及注等, 这也给二胡能演奏出最能表现中国传统音乐情韵美的音色提供了可能。

(三) 拉弦乐器二胡体现出了浓郁的民族性特色。

二胡这种民族乐器体现出了浓郁的民族特色, 这种民族性特色主要体现在以下几个方面:首先就是从二胡的产生及自身的特点来看体现出了浓郁的民族特色。二胡的由来虽然众说纷纭, 但是根据科学的论证发现二胡应该是由我国部分民族的击弦乐器演变而来。另外, 二胡的音色特点也体现出了民族特色, 更趋向人声, 二胡的制作材料一般是由珍贵的天然蟒皮、紫檀木、乌木、竹及马尾等, 这样的制作工艺和材料充分体现了我国“天人合一”的思想。其次, 从二胡音乐作品的音乐语言风格及乐曲机构的高度统一及简便中求对比的特色来看也是体现出了浓郁的民族性特色, 再就是二胡乐曲调式和调性也体现了民族性特色, 多是采用单一五声调式, 比如代表作《北京有个金太阳》等等。还有就是二胡在乐曲旋律发展中使用的手法比如变奏、承递及展衍, 这些都使得二胡的旋律极富民族特色。还有就是二胡的乐曲开始的引子部分大多是采用散板, 并且散板是被安排在位于主体音乐中间, 散节拍则是出现在二胡乐曲的结尾处, 这些特有的曲式结构的安排也体现了二胡音乐艺术的民族性特色。最后, 二胡演奏中的“润腔”手法来看也体现了浓郁的民族性特色。通常来说“润腔”主要是起到对音腔进行润饰的作用, 这个特点恰恰是我国传统声乐及器乐表演中最具有中国民族风格和特色的元素。具体来说, 二胡演奏中的润腔手法是多种多样的, 其中最能体现二胡艺术民族性特色的就是变滑音和揉弦。

二、拉弦乐器二胡的演奏技巧探析

(一) 养成优雅从容的演奏姿势, 掌握科学正确的持弓技巧。虽然说目前为了对二胡演奏的技术和表现手法进行创新, 二胡演奏的姿势及持弓方法都有了很多的新的变化, 比如立式演奏, 比如演奏者的体位可以随意变换等等, 这些变化的确是有助于提升舞台演出的效果。但是二胡演奏的基本要素及基本的姿势不但不能丢掉, 而且还必须要通过训练不断加强。首先就是二胡演奏最好是能采取坐姿, 然后用左手持琴, 让左手的虎口“骑”在琴杆上, 同时拇指要稍微弯曲, 掌心悬空, 要将虎口与琴杆的接触面积降低到最小, 只有这样才可以增强按指的准确性, 同时还有利于换把动作。演奏过程中要做到整个左手放松, 小臂要自然下垂, 最好是与琴杆构成45度左右的角度。其次, 二胡演奏的时候要用右手持弓, 持弓的最佳位置要介于中弓和弓头之间, 右手要做到放松, 并且要将其弯曲呈半握拳状态, 要将弓根部位放在右手食指的第三关节处, 同时食指要做到自然弯曲, 要轻扶于二胡的弓杆之上。只有这样从最基本的姿势和要素做起才可以经过日久的训练, 最终养成优雅从容的的演奏姿势, 掌握正确科学的持弓技巧。

(二) 准确把握二胡演奏时的音准技巧。二胡是属于拉弦乐器的一种, 不比钢琴或风琴那样可以对琴键一目了然。这样的构造特点决定了二胡演奏的时候对音准的把握就有了一定的难度, 主要是要靠演奏者的听觉来控制和调节。二胡演奏中对于音高的变化主要是靠改变二胡琴弦的震动的有效长度来实现, 另外在二胡演奏中对于琴弦上每个相对固定的音位的把握都是要通过演奏者经过长期的训练来形成动作定势。为了能准确把握二胡演奏的音准, 演奏者在具体的演奏过程中首先要注意必须让左手充分的放松;其次要利用保留指来保持手型的稳定;再次要掌握好指距关系及换把瞬间的手指的灵敏度;最后就是要掌控好揉弦的力度及不同把位的指距。如果演奏者能通过日常的反复练习来多多揣摩, 最终灵活把握住这些要素, 就会对二胡音准的把握非常有帮助。

(三) 掌握二胡演奏的揉弦及换弦技巧。首先, 揉弦是二胡演奏过程中最为有力的表现手段, 不但可以对演奏者的声音色彩起到丰富作用, 而且还可以更加鲜明的体现二胡乐曲的风格特色, 提高乐曲对听众的感染力。但是, 二胡揉弦有自己的特殊性, 要使揉弦一定符合乐曲的内容需要, 要符合音乐的特点, 只有当真实需要的时候才去揉弦, 只要不需要的时候坚决不揉。为了表达激动的情绪可以快揉弦, 为了表达优美舒缓的情绪就要慢揉。需要特别注意的是当需要密揉的时候, 手法千万不能过于绷紧, 这样可以避免发出的声音过于干涩, 同时还必须要注意不能滥用揉弦技法。其次, 二胡的换弦是可以分为慢速换弦和快速换弦两种的, 两种换弦方法在动作上是不同的。当需要慢速换弦的时候, 必须主要依靠右手的中指及无名指来完成动作, 而手臂的动作只是起到辅助作用。而当需要快速换弦的时候, 就不能只依靠中指及无名指来完成了, 而主要要依靠右手其他的部位来完成。

(四) 熟练把握二胡演奏中的各种主要弓法技巧。

二胡演奏中主要使用的弓法有连弓、快弓及颤弓等。其中的连弓主要指的就是用一弓同时演奏两个或两个以上音符的弓法称为连弓, 连弓虽然非常复杂, 但是如能做到合理地分配弓段, 做到运弓柔软、均匀, 保持右手动作和左手动作的平衡就可以演奏好连弓。另外在演奏快弓的时候要注意必须使手和肘同时向对方的相反方向均匀地摆动, 并且要使手腕在整个运动中只是起一个调节力量的作用, 这样可以使快弓的动作更加柔顺。再就是要把握好颤弓的演奏技巧, 演奏好颤弓的前提是必须要控制好大臂的紧张度, 不能过于紧张也不能过于松垮。

(五) 深刻理解作品的内涵及风格特点, 确保演奏发自内心。

音乐艺术主要是通过有组织的音符来塑造音乐形象来表达感情的一种艺术。这种感情的表达必须是要发自内心的, 二胡演奏者为了能发自内心的演奏就必须要进入角色, 要将创作者的思想感情内化为演奏者自己的真情实感。为此, 必须要深刻分析和把握二胡作品的内涵及风格特点。一般来说, 中国的二胡作品都是有标题, 这些标题都直接揭示了曲目的内涵, 另外还要对二胡音乐作品的所处年代及创作的背景等进行分析。再就是因为我国地域非常广袤, 民族也非常多, 除了有共同的文化底蕴之外, 各个地方和各个民族也都形成了属于自己特色的音乐风格。北方的二胡作品演奏风格同南方的二胡演奏风格也是完全不同的, 演奏这些不同风格的作品的时候一定要把握住它们的音阶调式、音律、节奏律动及旋律, 还要多积累和熟练应用颤指技巧, 熟悉应用颤音、滑音及装饰音。最后还要注意在演奏不同时代的二胡作品的时候, 必须要深刻领悟和把握准这些不同时代的乐曲的不同风格特点, 只有这样才可以在演奏过程中真正融入到二胡乐曲, 才能确保演奏发自内心。

参考文献

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浅议管弦乐与管弦乐团的诞生发展 篇3

在管弦乐团体中,一些大型的管弦乐团被称为交响乐团或爱乐乐团。两个称呼之间虽然没有性质上的差别,但如果在同一个城市里这两个乐团同时存在时,就可以很好地区分它们。管弦乐团在演奏时并不一定要求所有的音乐家都参加,主要根据作品的需要而定。有很多管弦乐团也不具有全部乐器和所有的演奏家,但需要时他们一般会与一些独立音乐家联系合作表演。

管弦乐团主要由弦乐组、木管组、铜管组、打击组四大类器乐组构成。弦乐器是管弦乐团的灵魂,担任最重要的工作任务。其次为木管乐器,木管乐器音色清脆,听起来很吸引人,但时间长了会使人疲劳厌倦,所以木管乐器出现的机会不是很多,它起到的作用主要以配合为主。铜管乐器方面,小号与伸缩号可算是管弦乐器中的重要角色,特别是在加强音响时使用最为出色。打击乐器则有助于加强乐队的声势与节奏,不过这些特殊效果的打击乐器在作品特别需要时才使用。

目前,享誉世界的管弦乐团主要有维也纳管弦乐团、柏林爱乐乐团、慕尼黑爱乐乐团、芝加哥交响乐团、费城管弦乐团等等。这些管弦乐团人才济济,拥有较高的国际水准,他们的演奏为世界各国人民带来美好的艺术享受。维也纳管弦乐团成立于1978年,是由维也纳的音乐家和来自世界各地的音乐家组成的一个充满朝气的优秀乐团。这个乐团不仅保留了维也纳音乐的优秀传统,还不断开拓和探索新的表现内容和演出形式。无论是乐团指挥、演奏家还是经理人,每个人都充满着创作的激情,大家一起分享着音乐演奏的快乐。

中国民族管弦乐队成立于二十世纪初,虽然发展时间不长,但目前已经在本国和世界各地许多国家拥有了一定规模和影响。很多优秀的艺术家都为中国民族管弦乐队的发展壮大贡献了力量,创作了大量的优秀作品。《花好月圆》《春江花月夜》《良宵》《丰收》等经典曲目家喻户晓,受到广大群众的喜爱。中国民族管弦乐队的发展不仅吸收了本国民族的传统音乐,同时也借鉴了西方管弦乐队的发展经验。在创作实践中,艺术家们始终在张扬艺术个性的探索中,牢记民族传统音乐是创作之魂,较好地继承和发扬了传统文化的精髓。但与西方国家相比,我国民族管弦乐还需要开辟更新的发展模式,还应该突现个性化的品牌产品,使中国民族管弦乐团尽快屹立于世界管弦乐团之林。

任何音乐艺术创造都凝聚着无数艺术家、作曲家、乐器制作家们的智慧和艰辛劳动,是他们的努力,才让美妙的乐曲在天地之间回响,让世人感受到浸润心灵的美好,我们将永远感谢这些伟大的音乐艺术创造者。

摘要：本文简要回顾了管弦乐自16世纪以来的发展历程,并分析了各个时期的主要流派与风格特征,进而对中国管弦乐队在近代的发展作了简要回顾。

管弦乐器的技巧 篇4

中华民族具有十分悠久的历史, 古老的中国人民通过自己的智慧创造了多种具有民族特色的乐器, 作为我国古老的“八音乐器”[1]之一的“笙”这种簧管乐器, 至今已有三千多年的历史文化, 在三千多年的发展历史过程中, “笙”在我国民间广为流传, 一直发展至今, 主要用于乐器的伴奏和合奏。由此可见, “笙”这种民族乐器在我国古代民族音乐中占据着十分重要的历史地位。

二、笙族乐器的特征分析

从古至今, 在正式的场合以及重大的宴会仪式中, 笙族乐器一直都是作为一种“定律”民间乐器备受人们重视, 可见其在我国古代民间音乐中具有很高的应用价值。与此同时, 在我国古代众多的民族乐器中, 唯一能够将和弦与和声进行演奏的一种重要的乐器就是笙族乐器。从笙族乐器的主要构造特性来看, 由簧片以及笙斗和笙苗三部分组成, 笙族乐器每苗一音, 固定音高, 特别是在具体的音乐演奏过程中音高一般不会受到指法控制以及唇口控制等演奏技法的影响而发生变化, 而我国其它种类的传统民族乐器都会由于指法以及口唇的变化而对乐器同一音孔的音高产生一定的影响, 并通过这些不同的变化情况来衡量我国民间艺人演奏技术水平的高低, 不同乐器和不同演奏技法会呈现出不同的音乐风格, 所以在我国古代民间有“活笛死笙”的说辞。

三、笙族乐器在管弦乐队中的运用效果分析

(一) 笙族乐器具有丰富的音乐表现力, 可以提高管弦乐队的融合性与稳定性

大约在上个世纪中期, 这种出自传统民间的民族管弦音乐体系在充分结合西洋交响乐的基础上, 又经过彭修文先生的努力, 逐渐创立了我国的民族管弦乐队体系, 与此同时不断融合我国民族乐器的演奏风格、特征, 重新构建了打击乐声部、拉弦乐声部以及弹拨乐声部和管乐声部四大标准的现代音乐声部模块, 从此, 我国的传统民间音乐在国内以及国际中占据了一席重要之地。

随着我国国力的不断强盛以及中外文化融合发展的步伐不断加快, 传统的民族乐器经过了大量的改良, 以本文重点叙述的笙族乐器为例, 在音色以及音键、音弦等方面都发生了很大的变化, 为了适应现代化音乐的发展, 经过改良之后的笙族乐器突破了调性的约束, 在音色以及整个声乐体系中都有很大的进步, 使其在管弦乐队演奏中的应用效果愈来愈明显, 不仅具有丰富的音乐表现力, 而且音乐可以自由转调, 进一步增强了管弦乐队的融合性与稳定性。

(二) 笙族乐器可以通过独特的音乐语言符号营造独特的音乐氛围

国内外音乐的本质不同之处, 就在于国内的笙族乐器在管弦乐队中通过十分优美的音乐旋律来激发观众的热情, 而西洋乐则通过音乐本身来营造一种“人、物合一”的音乐演奏氛围。我国的笙族乐器在管弦乐队中的应用形式与西洋乐器[2]在西洋管弦乐队中的应用情况不同, 主要的差异在于我国的民族管弦乐非常注重音乐旋律的横向思维模式的应用, 而西洋音乐恰恰相反, 在管弦乐队演奏中更加注重西洋乐器在管弦乐中的音乐氛围营造, 西洋乐侧重于乐队的纵向和声思维模式构建。笙族乐器由于其独特的材质以及不同的音色构造, 传统与现代融合发展的音乐演奏思维都会将我国笙族乐器在管弦乐队中的演奏效果独特地呈现出来, 或低吟或高昂、或抑扬顿挫或慷慨激昂、或缠绵悱恻, 总之, 笙族乐器通过独特的音乐语言符号营造出一种独特的音乐氛围。

(三) 笙族乐器使管弦乐队的声乐效果大大提高

由于我国是一个多民族国家, 历史文化经历了较长的发展变化过程, 再加上地域幅员辽阔, 所以在笙族乐器的演奏中, 更加注重演奏的技法以及演奏的音准, 而传统的笛子以及唢呐等常见的民族乐器在管弦乐队中都要借助笙族乐器的音准作为其演奏的重要基础, 因此, 当传统民族乐器“笛子”以及“唢呐”等与笙族乐器的音准融合在一起时, 会使管弦乐队的声乐效果大大提高, 而且可以将中音、低音以及高音等不同的音阶准确呈现。由于我国的笙族乐器可以将和弦乐器[3]与和声乐器进行准确演奏, 因此笙族乐器具有很强的开放性和包容性, 几乎涵盖了我国所有民族乐队中高频音、中频音以及低频音等不同音色阶段的所有音乐乐器, 使我国的民族管弦乐乐队的演奏视听张力不断提高, 从而营造出一种气势恢宏、和谐丰满的音乐演奏场面。

结束语:

综上所述, 笙族乐器是整个管弦乐队的演奏基础, 更是一个管弦乐队音准的有效保障, 只有在演奏的过程中不断加强笙族乐器的有效融合, 才能充分发挥笙族乐器在管弦乐队中的良好应用效果。所以, 笙族乐器在管弦乐队中的应用效果十分显著, 一方面可以有效促进我国民族管弦交响乐的发展演变, 另一方面可以通过笙族乐器的融合应用, 凸显我国传统民间艺术的巨大魅力, 从而为我国的民族管弦乐交响化的发展奠定重要基础。

摘要：“笙”是中华民族最具民族特色的吹管乐器之一, 也是我国古代“八音乐器”中的一种, 经常被广泛应用于我国民间的器乐独奏以及合奏中, 据殷商时期的甲骨文记载, 笙这种簧管乐器在我国古代的民族民间音乐中不可或缺。本文主要将我国民族乐器“笙”的重要特点作为分析的切入点, 对笙乐器在现代管弦乐队中的重要作用展开探讨, 并对笙族乐器的音色、在管弦乐队中的和声运用以及乐队合作等相关内容进行了重点论述。

关键词：笙族乐器,管弦乐队,运用效果

参考文献

[1]车永强.浅析笙族乐器在民族管弦乐队中的作用[J].大众文艺, 2011, 14:25.

[2]董颖.试论笙在民族管乐中的特殊性[D].中央音乐学院, 2010.

管弦乐器的技巧 篇5

一、有板有眼的器乐课堂

利用乐器进行节奏教学,是音乐教学中的一条重要途径。虽然巴乌很简单就能吹出声音来,但要吹出巴乌特有的民族音乐感觉,也还是需要大量的气息支持。所以每次上课前,我都让学生进行不同的节奏,由慢到快、有强到弱,这样进行合奏时,既有分明的强弱感,又有合奏声势。既培养了学生们的音乐节奏感,又培养了学生使用乐器的本领,更培养了学生的集体荣誉感,因为合奏的形式是集体性的。例如:在如三年级唱游课中要求学生掌握四分音符、八分音符、十六分音符,如果光听老师讲,学生对学习一点儿也没有兴趣而且根本听不懂,这是一个让所有老师都头疼的问题,于是我运用“搭节奏”的游戏,让学生自行组成活动小组,在搭搭拆拆的游戏中学习掌握到新知识。在他们的游戏过程中不单单解决了怎样搭节奏这个知识点,而且继续在研究搭完了节奏之后,怎样拆了节奏再搭新的节奏我们还进行了比赛,看哪一小组节奏搭得又快又好。这样的教学方式,不但使学生掌握了知识点,激发了学生的创造力,而且也锻炼了他们小组合作的能力,因为只有小组成员共同努力,才能得到最后的胜利。

二、未成曲调先有情

在音乐欣赏教学中通过让学生倾听主题旋律,辨别旋律的重复、变化和对比,感受音乐内容,情绪和感情的发展;通过听辨音乐的对比和再现来判断音乐作品的结构。要帮助学生顺利解决这一重点,较好的方法是选择一些浅显、易于掌握的主题音乐,指导学生用巴乌吹奏,引导学生积极地参与到音乐中去,这样既可以使学生对主题音乐有了进一步的理解,也培养了学生的音乐记忆力。例如:在欣赏管弦乐合奏曲《阿细跳月》时,这首乐曲音乐形象丰富、生动,情绪对比明显、突出。为了帮助学生感受其不同的情绪和音乐形象,在教学中启发学生用较快度和较强的力度吹奏主旋律,用于表现少数民族在跳舞时越跳越快、情绪越来越高涨。我在先没有告知学生我也加入其中的时候,学生听到我用如此的速度来吹奏,歌曲完毕后给了我热烈的掌声。

三、强弱对比和不同速度演奏的音乐更迷人

人们常说:“音乐是声音与时间的艺术”。音乐中音的强弱程度就是力度。音乐进行的快慢就是速度。学生们在演奏器乐的过程中,由于十指的协调动作,使左右大脑皆处于兴奋状态,通过复杂的思维活动过程,学生得到综合的技能训练,在潜移默化中受到陶冶和锻炼。例如:我在教授《瑶族舞曲》时,这首乐曲同时包含了强弱、快慢的对比。刚开始,松散的旋律,简单的节奏和速度,同学们练习的还是挺带劲的,而且乐句的重复带给我们一种抒情愉悦的情绪。可是,一到第二乐段的学习同学们就傻眼了,这么快速的十六分音符的节奏速度,吹奏起来手指和气息总打架。我说,不要急于求成,快了你们不行,那你们就慢慢来,先把手指和气息弄通了,再把速度加快。然后,我以稍慢的速度带领同学们进行练习,再点名好的同学进行表演,增加他们的信心。

四、以“和”为贵

音乐世界是丰富多彩的,音乐的表现艺术也是多元的。其中既有独唱、独奏、独舞等个人的表现形式,也有领奏、合奏、齐奏等集体表演形式。学生集体参与合作是共同表现美、创造美的过程,同时也是提高学生审美感受能力,审美表现能力,审美创造能力的过程。特别是在小学音乐教学中,合作学习是一种很好的学习方式,它促进学生互相学习、互相关心、共同进步。

在一段时间的班级器乐教学后,学生对巴乌的掌握程度会出现明显的分化。一部分学生学习能力较强,能够熟练地运用巴乌的演奏技法表现乐曲;一部分学生识谱准确,节奏感强;同时也不可避免的会出现一部分学生跟不上进度,演奏困难。面对这种情况,教师可本着因材施教的原则,对学生进行分工。让演奏熟练的学生担任主旋律声部,演奏相对有困难的学生担任中、低声部,甚至只吹奏一个固定的长音也未尝不可。只要乐曲的和声编配合理,同样能演奏出美妙动听的音乐。这样,每一个学生都能参与到班级演奏中来,在其中找到适合自己的位置。当学生具备了一定的演奏能力和欣赏水平后,便可根据班级的实际情况加入其它乐器,如:古筝、竹笛、电子琴、小提琴、萨克斯等,再适当加入各式打击乐器,这样一个“小小乐队”成立了。巴乌这样一种简单小巧的乐器,能成为连接师生情感的纽带。

管弦乐器的技巧 篇6

20世纪中期广州珠江钢琴集团股份有限公司蓬勃发展,作为后起之秀的珠江牌钢琴,仅用了短短的五十几年,便拥有全球最大的钢琴木材加工基地且成为全球最大的钢琴产销企业,具评估珠江钢琴的品牌价值已达16.8亿元。珠江钢琴集团2007年推出的“恺撒堡”专业高档钢琴被列入“2008-2009年国家重点新产品计划”,产品各项性能指标已达到欧洲中高档钢琴技术质量水平,填补了国内高档钢琴的空白。

为什么珠江钢琴能在如此短的成长时间内超越众多经营已久的品牌?在生产和销售模式上,珠江集团是以怎样的方式和理念让品牌得到大众的支持并开拓市场远销海外?从珠江钢琴的步步壮大来看,它达到品质的保证和品牌的成功确实能成为我国本土的乐器制造行业的榜样并带来启示,引导我国乐器制造行业蓬勃健康发展。笔者通过在广州珠江钢琴集团的实习机会,掌握了较全面的资讯,结合我国乐器制造产业现状,对我国本土乐器企业的品牌战略做出了如下思考:

一、以提高校园乐器配备率,带动乐器产业的发展

当代艺术教育作为中小学育人育才的着重发展目标,音乐课堂一直受到学生们的喜爱,课堂质量已越来越得到老师家长们的重视。乐器作为音乐教学中最主要的媒介、演奏示范不可缺少的器具,在教学中发挥着举足轻重的作用。自教育部1995年颁布的《九年义务教育中小学音乐教学仪器配备目录》中,首先就有钢琴、手风琴这几种。珠江钢琴集团为满足各大院校对练习琴的需求,在普及琴系列的基础上,生产出更高质量的教学练习专用琴,因琴价格适中、音准稳定性较好、音色声学品质基本满足专业用琴标准而获得各大院校青睐。

然而国内某些乐器制造商却在利益的驱动下,将学校作为低质琴倾销地。目前我国教育市场对乐器质量的衡量标准尚停留在无毒无害的健康层面,然而乐器的质检核心应是声学品质、原料工艺等要求。为更好地贯彻落实我国中小学规划纲要和教育目标,乐器制造行业就得做好保质保量的准备。在得到师生良好的产品口碑时,校园乐器配备率的加强在潜移默化中已对音乐产业起带动作用,无形中也可得到广泛的品牌宣传。

二、以提高艺术教育素质、重视艺术文化与商业的市场合作,加大品牌宣传力度

乐器产业扩大市场占有率最重要的任务是认清自身优势:因地制宜、学会跨界营销,将企业文化和优势与周边产业进行创意结合,这样才能最有效地深掘艺术文化的消费潜力。

20世纪80年代以来,珠江钢琴集团举办全国首次钢琴比赛,开创国内钢琴比赛先河。与教育部联手举办的“全国高校音乐教育专业大学生基本功比赛”、“全国青少年钢琴大赛”已成为我国音乐经典赛事品牌。长期以来,珠江钢琴以促进社会音乐文化建设为己任,尽力支持高雅艺术事业,每年出资冠名赞助全国性和区域性的音乐比赛和音乐教育事业,取得了以点带面提升审美和人文素养的良好效果,以实际行动引领着国家艺术教育改革的进程。

企业加强与音乐文化教育以及文艺单位的合作,积极举办艺术活动及演出,开展各类社会活动以提高整体人文艺术修养,创造“全民音乐”的艺术氛围,激发群众参与和学习的热情。在音乐培训的市场中,各类团体的汇报演出及比赛为全民音乐素质的提升做出巨大贡献,除了奉献出精彩绝伦的艺术盛宴,为民众普及器乐文化知识,传递了企业精神和文化。在得到品牌的宣传同时,也扩大了消费群体。

三、完善服务体系,建立品牌效应,增强消费信心

珠江钢琴专门为恺撒堡系列产品设立的特约服务是我国行业唯一一家设置特定品牌维修员的企业。为进一步提升珠江钢琴集团的品牌影响力,珠江钢琴多年对使用珠江钢琴各品牌各系列的专业院校开展上门维修服务。2014年珠江钢琴开展对凯撒堡系列“KA、KD用户免费调律活动”的举措获得各地区经销行及客户的赞扬,无形中建立的品牌效应在市场上获得的产品认可,增强消费信心。

产品质量是硬件,服务是软件,售后服务完善能提高客户的满意程度,从而得到好的口碑,口碑即为产品最好的广告。完善售后服务体系,无疑是产品质量的保障、提高品牌在市场占有率的有力举措。

四、确定主营市场,调整营销市场结构,避免因汇率等因素带来的冲击

珠江钢琴集团聚焦乐器文化产业,以钢琴生产(传统钢琴、数码钢琴)、音乐教育、文化娱乐为集团三大主业并行发展。在乐器生产中,珠江钢琴集团以钢琴生产为主,提琴、吉他生产为辅齐头发展,当数码钢琴在海外有趋势成为键盘乐器的主流产品时,珠江钢琴集团加紧对数码钢琴产品——艾茉森系列的研发。因人民汇率持续上升,具数据显示近几年乐器产品出口大幅下降、进口大幅上升。这种趋势也意味着中国国内乐器市场竞争更加激烈,即将面临在大环境下的国外市场滑坡。要避免因汇率等外部因素带来的市场冲击,企业应有敏锐的洞察力,调整营销市场结构,积极开发新产品。

五、积极参加乐器展览会,开发海外市场,经营向市场化、国际化发展

国内定期举办的乐器展览会为乐器制造商、经销商、音乐人士搭建了沟通交流的平台。例如每年秋季在上海举办得中国(上海)国际乐器展览会,汇集了国内外知名品牌的商家,为中国乐器走向世界、世界同行了解中国搭建了沟通的平台。珠江钢琴集团已连续12年参与国内、国际乐器展览,不断扩大品牌市场覆盖范围。参展商在展会上不仅能向大众展示最新产品,推广品牌,还能获得与各界专业人士及同行间的交流,在此倡导我国本土乐器行业积极参加各类展会,集合行内资源优质,促进同行技术交流合作,推广先进单位的创新经验,共同实现乐器企业进步。

六、积极配合质管监督,营造和谐乐器市场环境

首先是要建立规范的内销市场。琴行或乐器经营店作为企业和消费者沟通的纽带,应正确引导器乐文化消费,倡导诚信经营展开公平竞争,抵制垄断经营等扰乱市场秩序的行为。其次是加大对西南部地区的产品营销,促进中西部地区艺术文化发展的平衡。推动政府有关监管部门对乐器市场的监督与管控也是保护良好市场环境的重要举措,引导乐器制造业积极参与质量管理检查,打击假冒伪劣产品和侵害行业利益的企业,建立良性竞争,保护消费者、经销商和制造商的权益,促进乐器行业的健康发展。

七、结语

中国的乐器制造业正迎来繁荣发展的春天,在机遇和国内外激烈的市场竞争挑战面前,加大实施品牌战略力度,不仅能将产品向主流市场推进,还能促进企业做大做强,齐心打造“乐器制造强国”。

摘要：珠江钢琴集团作为中国钢琴产业的龙头企业,创造了全球乐器制造业的“东方神话”。结合我国乐器产业现状和珠江钢琴的名牌战略,笔者做出了如下分析,为我国乐器制造行业产品在如何提高品牌在市场的占有率、获得并巩固提高在乐器行业的话语权等问题上提出战略性建议。

浅析高丽伎的乐器特点 篇7

《隋书·音乐志》所载“高丽伎有弹筝、卧箜篌、竖箜篌、琵琶、五弦、笛、笙、箫、小筚篥、桃皮筚篥、腰鼓、齐鼓、担鼓、贝等十四种, 为一部。工十八人。”《新唐书卷二十一·志第十一·礼乐十一》中“《高丽伎》, 有弹筝、扫筝、凤首箜篌、卧箜篌、竖箜篌、琵琶, 以蛇皮为槽, 厚寸余, 有鳞甲。楸木为面, 象牙为捍拨, 画国王形。又有五弦、义觜、笛、笙、葫芦笙、箫、小觱篥、桃皮觱篥、腰鼓、齐鼓、檐鼓、龟头鼓、铁版、贝、大觱篥。胡旋舞, 舞者立球上, 旋转如风。”这些记录可以知道高丽伎中所含的胡乐器有琵琶、竖箜篌、篦篥、箫、五弦、凤首箜篌、腰鼓、贝、胡芦笙、龟头鼓、铁板;俗乐器有卧箜篌、搊筝、弹筝、扫筝、齐鼓、担鼓, 自己的本色乐器有桃皮篦篥、义嘴笛。其中胡乐器成分占总乐器数量的58℅, 俗乐器占32℅。由此可见其高丽伎的乐器构成上胡乐器的比重较大, 俗乐器次之。

笔者集合《新唐书》《旧唐书》《通典》《唐六典》做了下面的表, 目的通过介绍唐朝十部乐所用的乐器情况, 对高丽伎的乐器特点进行分析:

由上可知:几乎所有的伎乐都使用了笙、箫、管、琵琶, 高丽伎无疑也有用到这几件乐器。使用这些相同的乐器, 让高丽伎的音乐含有与其他乐伎相同的音乐基调, 使整个十部伎也就有着和谐、统一的相似之处。

高丽伎使用了与中国音乐相同的俗乐器:笛、卧箜篌、搊筝。胡乐器:琵琶、竖箜篌、篦栗、箫、五弦;与高昌乐相同的乐器有俗乐器有齐鼓、担鼓。胡乐器有琵琶、竖箜篌、箫、篦栗、五弦、腰鼓;与龟兹伎相同的俗乐器有:弹筝、齐鼓、担鼓。胡乐器有琵琶、篦栗、箫、五弦、腰鼓、贝。与天竺乐相同的胡乐器有琵琶、篦栗、箫、五弦。而高丽伎也使用了属于自己独特风格的乐器:桃皮篦栗、义嘴笛。而一些如葫芦笙、龟头笙, 因为在一些学者的文章中提到如葫芦笙、龟头鼓这样的乐器是否为文献上的误抄, 还有置疑 (见岸边成雄的《唐代音乐史的研究P546》) , 所以没有将其列在高丽伎的独特乐器范围之列。以上通过高丽伎与具有地方代表性的伎乐使用的乐器比较分析, 可以看出高丽伎所用的乐器成分, 较多使用了胡乐器, 也使用了中国的俗乐器, 当然也有属于自己独特的乐器。

通过与十部伎中其他伎乐的比较, 显示自己独特风格的高丽伎乐器无疑是桃皮篦栗、义嘴笛。这两种乐器其实与中国乐器有着一定的渊源关系, 这些乐器都是在中国相应乐器的基础上加以改造而成的。虽然外观上很相似, 但在声学上却有着很大的不同, 这导致了其乐器音色上的变化, 进而有了具有自己独特特点的高丽音乐音色。

据岸边成雄《唐代音乐史的研究》一书中介绍:桃皮篦篥并非篦篥, 两者在外观上极为相似。桃皮篦篥是以木或竹为管, 装置桃皮卷成吹口者。据《中国音乐词典》桃皮篦篥是篦篥中的一种形制, 即吹口的材质改变为桃皮材质。桃皮材质的疏密纹理会让空气流在管身中的反射和斜射方式与其它伎乐中所使用的篦篥的空气流动情况存在很大的不同, 这样的最大改变就是在音色上的变化:中国篦篥音色明亮高亢, 而高丽乐中的桃皮篦篥在听觉上除了具有高亢的音色外海给人一种干涩的感觉。义嘴笛, 则是唐代所用的横笛加一吹嘴而成。从音乐声学的角度分析, 横笛属于边棱音乐器:即起激励作用的气流与起振动作用的气流通过振动耦合过程而发音。 (耦合过程就是边棱音激发起共鸣空气柱的振动, 空气柱有反过来使边棱音离开自己的固有频率, 而以空气柱本身的基因或泛音来发声。只有在边棱音与空气柱频率相差无几时, 才会使空气柱振动频率升高或降低。) 发出的音色特点因为其泛音部分的丰富而显得音色较为丰富、饱满。而义嘴笛在横笛上加一吹嘴, 这样发音与横笛有相当大的改变。即空气通过双唇间的缝隙奔进吹嘴, 双唇会产生振动而发声, 唇的振动经过空气管的耦合得以增强, 共鸣管的长度通过手指按孔而使音高、音色有所改变。这样的一个装置的加入, 其音色上会有大的改变, 即音色明亮, 其中带有一种“粗旷”的成分。

这样的乐器使用, 我们可以了解到高丽伎的音乐存在这样的情形:高丽乐的音乐与西凉乐相接近, 其风格较清雅秀丽、婉转悠扬, 可又带着一丝丝俏皮, 有一股不经意的微、徽、淡、美。在十部伎中处在最后位置的高丽伎乐与最前面位置的燕乐有明显的风格差异, 与清商乐的风格相对应统一。这样一来, 整个十部乐的整个表演风格从热烈、恢弘到清雅秀丽转为风格迥异, 热辣奔放, 最后转为婉转抒情, 这样的风格让听者体会其中的跌宕起伏、音乐的美妙。由此可见高丽伎在十部伎中所起的作用是相当重要的——首尾呼应, 总结整个音乐。

综合以上, 笔者认为高丽伎的音乐特点就是带有中国音乐中正和谐的基调, 有着自己民族风格特点――淳朴、简单而不失柔美, 与外族音乐的交流, 让高丽音乐带上一丝丝异国风情的华美和俏丽。高丽伎音乐所使用的乐器, 主要在中国乐器的基础上加以改变的, 这就是高丽音乐与中国音乐有相同音乐基调的最大原因。而弹筝、卧箜篌、竖箜篌、琵琶等西域乐器的加入, 让高丽伎音乐融入了西域的丰富节奏、多元素的音色变化。在中国音乐与胡乐的相互包容与融合中, 高丽伎音乐在内容与形式上得到更为深层次的展开。高丽伎有着与中国及其他国家或民族音乐不同的特点, 即高丽伎本土乐器的使用, 如桃皮筚篥、义嘴笛等。这些乐器的独特发音和共鸣系统, 丰富了高丽音乐的本土风格――耐人寻味、淳朴而不失有节奏律动的丰富变化, 使欣赏者体味到乐器音色上的丰富和灿烂。

摘要：在隋唐建立的宫廷音乐体制中, 高丽伎始终发挥着它的作用。历经了好几朝代的磨练, 而沉淀在巍巍中华的十部乐中, 必然有它独特的魅力。本文通过对高丽伎和乐与其它十部伎乐器组成的特点进行比较, 分析高丽伎本土乐器的特点, 从而描绘出高丽伎在十部伎乐中的独特之处。

关键词：高丽伎,乐器

参考文献

[1]中国艺术研究院音乐研究所.《中国音乐词典》.《中国音乐编辑部》编.人民音乐出版社

[2]唐·杜佑王文锦点校.《点校本<通典>》.中华书局

[3]唐·令狐德棻、长孙无忌、魏征等撰.《隋书》.中华书局, 1973年8月版.

[4]宋·欧阳修宋祁撰.《新唐书》.中华书局, 1975年2月版.

[5]后晋·刘昫.《旧唐书》.中华书局, 1975年2月版.