油画创作

油画创作（共8篇）

油画创作 篇1

油画创作中的光

阳光、灯光、烛光，这些在我们的生活中极平常但不难想到他在我们生活中占据的地位，世间万物都需要光的照耀，在西方绘画中，物体的体积，形状，颜色，都依附于光的存在。十七世纪开始，科学不断的进步，人们对光有了新的认识知道了光的颜色，牛顿发现了光谱。艺术家们也开始探索在科学上的这一发现，不在因循守旧的只表现固有色而忽略了光照射下的环境色，印象派率先做了尝试终于让人们认识到绘画中光的存在与地位，并且在一段时间内，光的表现远远的埋没了物体本身的地位，占据了上风，那是光在绘画中的一次解放性的变革。光在油画中有两大方面的具体体现：一是，光体现了物体的存在，也就是说有了光我们才能看见物体的轮廓、明暗、大小、质感，光与形体如影随形。绘画创作也是采用光来进行形体的塑造的，是通过对光线照射在物体上所造成的明暗变化来表现其立体感的。如果油画只是表现一个物体的轮廓线，那么我们只能说这是在进行装饰绘画的创作称不上是一幅画的油画，是二维的，平面的但如果表现明暗关系，光影效果，那么不仅增加了立体感且有另一番不一样的视觉感受，让观赏者不自觉的发生视觉的错觉，就好比最近几年所流行的三维立体画，使其身临其境，难辨真伪。而且，有了光和光在物体的折射，每一种质感的物体在反射光线时都有其不同的表现，这也是油画创作时区分物体与物体之间关系的一个重要手段，即通过对物体受光面局部的观察与描绘，可以充分表现物体的真实质感。第二点，是光与色的关系问题在油画创作中的重要作用。大家都知道光源色是赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫，没被折射时光是透明的，看起来无色，但经折射后，却是五颜六色的。好比一块白色的衬布，我们在进行绘画创作时，就会有很好地发挥空间，因为白色衬布所折射的光线最为丰富。因此印象派画家曾经认为“光既是色”有什么样的光就有什么样的色，光的变化必然会引起颜色的变化。看来那时的人们就已经知道物质与意识的关系，知道自然是第一性的，一切创造活动要遵循自然规律。但印象派之前人们也只是单单对这个未知的客观世界的探索和研究，是科学驱走了我们人类的无知，但人类其实能够任由无知所宰割的呢？经过不断的探索和尝试，人们开始越来越关注自己的价值与存在，这种存在感表现在油画上就是人们开始利用光原色为自己情感的表达创立新的方式。利用光线的明暗关系、利用光的反射与折射得丰富色彩，表达自己内心的情感，这是用语言表达无法比拟的，创作出一幅幅壮丽的史诗，为今天的油画打下基础。我们谈了光，也在第二点里谈到了光色，那么色彩在油画中是怎样被艺术家们所认识和使用的呢？

油画创作中的色

油画是从西方引进中国的，西方的油画家大多会自己研究颜料的研磨，所以每一位画家的用色都不一样，都有其自己的个性特点。文艺复兴时期油画进入了一个发展的新阶段，色彩在绘画中尤其是油画的地位变得尤其重要。首先矿物质颜料的研磨就是一种艺术，颜色要润且不能过分稀释，艳丽但不能刺眼，稳健而透彻，色彩的搭配更是一门学问。色彩的搭配是赋予创作者的感情在内的，也是观赏者感情刺激的共鸣，色彩搭配有明度、纯度、饱和度的考虑，也有冷暖色调、主色面积大小，对比度和调和度的学问在里面。因此想要掌握好油画的色彩绝非易事，在印象派画家研究环境色之前，油画色彩只有固有色的表现因此更需要油画颜料自身的美感，能将这大自然给予世间的颜色充分表现。

油画是明代时期流传到中国的，但和中国画的画法完全不同，聪明的中国人试图找到中西方艺术的结合点，企图能够将油画颜料及颜色运用到中国画里面来，色彩的运用也都偏于中国人的视觉品味，在不断地探索中油画及油画色彩在中国一直处于动荡中求发展，绘画大师们对这一色彩的运用也有诸多争议，直到１９７７年才真正的开始得到发展，不短的探索让中国人掌握了油画的技巧，掌握了对油画色彩的运用，开创了属于中国人自己风格的油画。中国人的思维与西方人截然不同，中国画的风格亦如此，中国人喜欢在绘画里融汇自己的思想感情，例如对自然、对社会、对自身的赞美或是批判，所谓“外师造化，中得心源”。华中表达的是意境，在色彩上总是有种迷离的浪漫色彩，诗情伴随着画意。色彩上柔和委婉，不会只考虑毫无感情的光原色和物体的固有色，柔和有亲和力才是中国绘画色彩的主基调。这和中国人在国际上的字体是一致的，和谐柔美，共同创造我们的家园，不分民族和人种，热爱和平。中国油画的创作也是也是基于中国社会的，并高于中国人的生活，正所谓艺术源于生活并高于生活，因此绘画创作要回归原始，回归生活，色彩的表现也要和谐的表现现实生活，无论是写实主义还是抽象主义，中国的文化底蕴是中国最引以为傲的，色彩的使用上面也符合人民群众的口味，去除西方的野人味道，吸收西方人的先进科技。为我所用，比如，中国传统的色彩搭配，讲究配合的规律性，一切都是遵循客观规律的。先进的中国油画已经打上中国的烙印，被世界认可，这是中国人不断努力的结果，开拓的中国绘画在色彩上的新道路，为中国绘画的发展创造了空间。

油画创作 篇2

根据我这次的创作感想, 追随艺术来源于生活这一意点, 艺术的内容与形式必须找到一个参照点, 在油画的绘制和写生中来体现对生活的感受。也通过在油画创作上进行一次学习上自我总结和体现, 从不成熟的阶段向成熟的阶段的一种学习呈现。通过风景与人物的结合, 促使造型能力的巩固和生动性, 使人感受生活无穷无尽的丰富性。我所描绘的油画人物风景主要是强调对色彩环境的运用和色彩外光, 色彩空间的理解。并通过学习对创作思维方法的认识和对创作思维图像构成特点的有效加强。通过风景人物的相结合, 体现艺术来源于生活的意点, 通过风景人物的相结合, 运用绘画的语言来描绘生活中流露出的自然美。

我的创作构图也是准备了很久的, 从一开始的下乡素材体验收集, 到后来的创作定稿, 准备绘画的这一整个过程, 是一个漫长的学习过程。我的创作画面主要是想表达朴实的民俗民风, 那种在我们日常生活当中无形流露出的一种最简单最快乐的感觉。根据写生拍摄当地的风土人情和自然风光, 我共创作了两幅油画作品, 两幅画虽然画幅都不是很大, 但却凝聚了我很多的心血和思想:第一幅画的大小是1.7*1.5米, 描绘的是在一片绿油油的草地上坐着一位朴实而又快乐的庄稼老汉, 身着简单的劳作衣服, 在暖洋洋的日光下晒着太阳休息的场景。身子旁边便放着劳作的竹筐和竹棍, 与人物之间形成明显的冷暖对比。再用绿色的大自然作为背景, 更显得贴近自然贴近生活;另外一幅画的大小是1.7*1.15米, 运用写实手法和自我创新的绘画思维、理念, 掌握干、湿画法相结合。描绘几位身着民族服装而又风趣的老太太, 聚在茶馆门口聊天的情景。用鲜艳而又对比明显的木房子、木凳子、土地砖和苍老的大树作为背景, 更可体现少数民族的一种风土人情, 但却与现代的社会相结合, 而不脱离发展快速的都市生活, 别具特色。这两幅画都是我们下乡拍摄的真情实感和真实感受, 他们虽然画幅不大, 但却凝聚了我对他们的许多丰富感情。

另外, 在这两幅画里我还强调了对色彩的表现手法和亮度冷暖对比。因为色彩是油画表现力的基本要素, 是油画迈不开得槛, 它的表现力是油画艺术的特征。培养自己对色彩的审美感受, 掌握色彩表现的语言规律是油画学习的核心。所以我很注意这一点, 也是我重点要学习的。例如我第二幅画的背景色与人物之间冷暖的对比, 红房子与地面明度、冷暖的对比, 人物之间色彩的对比。

所以说艺术与生活是一致的, 同样油画与生活也是一致的。生活和表现生活的艺术依赖着我们一条极其细腻的心灵来贯穿, 所以我们要用心的去体会。在我看来有形物体主要是由一块块色彩元素构成的, 也有赖于色彩周围的事物。因此一幅油画作品是沉浸在颜色颤动, 重叠交错的气氛当中, 在我的油画作品当中, 我始终追求着这种气氛感觉, 并成为我追求油画表现生活的重要载体和无限渴望。

我们需要观察生活体验生活, 不断地与大自然交流, 从中获得充满活力的感受。绘画是一种视觉艺术, 曾经有位学者说过, 面对丰富多变的自然物象, 我们将自然生活的美转化为艺术美不是靠文字或语言来完成的。观者之所以能从画中那些平凡的题材中看到自己从未发现的美, 那是缘于画家眼睛超常的敏锐。一片景物, 其所以美, 是因为含有一种微妙难说的意义。

通常艺术作品的内容是构成艺术作品最重要的因素之一, 是经过体验、加工创造的人类生活。油画创作课和下乡的课程在油画教学以它的独特性和针对性贯穿了我们对油画的学习, 特别是在训练我们造型能力与掌握绘画语言这两个因素里发挥其重要的意义, 在油画创作及下乡写生训练的教学独创性, 并且能有效通过造型和视觉语言的表现力度来表达出对人、自然、社会及个人的内心体验, 得到一次有意义的文化洗礼。一切艺术均是我们现实生活的反映, 社会现实生活是艺术创作的源泉和基础。

在这次的两幅油画创作中, 还有很多的不足和要修改的地方, 也有很多很多要再次学习的地方, 这些都需要今后我的知识积累和再度完善。学习用最基本、最简单准确的绘画手段表达出我内心最强烈的理念和情感, 言简意赅, 提高自身的造型综合能力和创作基本规律, 找到自我表现的个体性、独创性和丰富性。更加要注重画面造型和油画技法的相对视觉美感统一。在我今后的绘画道路上, 我也都会保持一种认真严谨的态度。

绘画作为一种造型艺术, 注重的就是画面的气质和神韵。油画创作和写生在油画教学以它的独特性和针对性贯穿了我们的学习过程, 特别在训练造型能力与掌握绘画语言两个因素里发挥其重要的意义, 在油画创作及下乡写生训练的教学独创性, 并且能有效通过造型和视觉语言的表现力度来表达出对人、自然、社会及个人的内心体验, 得到一次有意义的文化洗礼。我们应该看到, 无论是设计艺术大师还是绘画艺术大师.在通往成功的艺术道路上, 都是遵循着自然规律, 脚踏实地的以平静的心态, 用更多的精力和时间, 在创新研究艺术实践中探寻, 是我们走向成功之路十分重要的基础。

摘要：艺术来源于生活, 通过对油画的学习和写生来体现生活中的感受、进行一次自我总结和体现, 从不成熟的阶段向成熟的阶段的一种学习呈现。通过风景与人物的结合, 促使造型能力的巩固和生动性, 使人感受生活无穷无尽的丰富性。我所描绘的油画人物风景主要是强调对色彩环境的运用和色彩外光, 色彩空间的理解。并通过对创作思维方法的认识和对创作思维图像构成特点的有效加强。通过风景人物的相结合, 体现艺术来源于生活的意点, 通过风景人物的相结合, 运用绘画的语言来描绘生活中流露的自然美。

关键词：油画写生,创作构图,生活题材,色彩运用

参考文献

[1]《关于罗丹日记选抄》.雄狮图书公司出版.熊秉明著P50.

古典油画与当代油画创作差异分析 篇3

关键词：古典油画 当代油画 差异分析

中图分类号：J213文献标识码：A文章编号：1673-9795（2012）09（b）-0206-01

1 古典油画的创作特征

1.1 古典油画的绘画方法和技巧

透明覆色法比较常见，这种方法步骤比较繁杂，具体来说是先用油画底料做底子，然后待其干透之后，磨去之前的颗粒，然后，再用铅笔仔细的起稿，接着用熟褐等染料对其勾勒轮廓并且加以调色，这样效果就如同一副旧照片，在这之后，用色油给油画上色，一层干透了之后，再上一层，就这样层层累积，最后可以出现一种镜面的效果。最后，待油画干透了，再上一层油，这样就得到了油画的成品。不透明覆色法又被人们称作多层次的着色法，顾名思义，这种绘画方法跟透明覆色法相反，在绘画时，先用单个的颜色绘画出所画物体的形状，然后再用颜料进行多层次的塑造，中间的部分，颜色比较后，阴影的地方颜色比较薄，这样就形成了明暗的对比，显得富有层次感，在十九世纪之前，很多油画家都采用的这种绘画方法，直到十九世纪中叶，不透明覆色法才被不透明着色法所取代。

1.2 笔法上整体与细腻相结合

笔法上注重画面的整体性，在局部笔触处理上却显得非常细致。这样的创作方法能够将块色在画面中集中起来。使色彩的整体感更为强烈。古典油画的画家们在作画时注意自己的笔法的使用，由原来强调全局色彩发展为对细节色彩的描绘，画家笔下的物象与画面的中心焦点相统一，更加加深了画面的真实感，实现了视觉效果上的整体与细腻的完美糅合，增加了画面的真题美感，然而却在细微处也体现了古典油画的神韵。

1.3 创作理念上的纯艺术性

古典油画在画家心中被视为纯艺术性的产物，它与物质世界的世俗因素相分离，有自己的一套艺术氛围。古典油画的画家倾向于临摹真实存在，通过艺术的手法再现现实，为真实存在增添艺术色彩，赋予了油画艺术创作的气息。古典油画给我们的是纯艺术的享受，画家本身也享受古典油画带给他们的纯艺术感受，并且在创作的过程中发挥自己的艺术想象力。

2 当代油画的创作特征

2.2 创作理念及方式的丰富性

当代油画丰富多彩、多种多样，每一个时代都会赋予艺术作品不同的时代特征和时代内涵。在社会经济文化飞速发展的当代，我们所生存的自然生态环境却遭受着前所未有的破坏，自然风光已经不再是人类每天相伴的景色，自然已经逐渐远离人类的视野，尤其是随着城市化进程的加快，各式各样的高楼大厦此起彼伏，当代人尤其是生活在都市中的人接触到自然，感受自然风光大都来自于图像。而油画作为承载图像的重要方式之一，再加以其本身的艺术性自然受到了人类社会的广泛关注，油画的创作理念也为了迎合社会不同阶层及不同群体的需求发生了改变，由单一的为欣赏而作的油画逐渐发展为教育性、观赏性、收藏性等多元化的创作理念。画家们的创作内容也与千变万化丰富多彩的现实生活紧密结合，自然当代油画的丰富性便显现出来；另外，加之以现代制造工艺水平的大幅提高，油画以不同的方式出现在人类的生活中，因此，可以说丰富性和多元性是当代油画最为显著的特征。

2.2 绘画风格的开放性和独特性

随着照相技术的发明，曾经使得一大批人开始怀疑绘画本身的必要性，尤其是人物画的存在被认为没有照片来的真实。后来随着绘画艺术和创作流派的发展，油画本身的意义又重新突显出来，正如康德所言：“我们眼能见的不是实物的本质，而是它的表象，实物的本质是能通过人脑来演绎”。换言之，油画便是通过人脑对客观事物做出真实的反映，这种经过思想的方式更能比感官体验来的真实可靠。当代的油画画家是用自己的绘画风格在作画，当代的作品在整体风格上都展现了画家独特的创作技巧和创作特色。当代油画以一种更为开放、自由的方式观察和再现社会现实，体现了丰富的艺术性。

3 古典油画与现代油画创作的差异性分析

3.1 在精神表达上的隐晦与激化

由于受不同时代背景的限制，古典油画时期为等级观念强烈，对人的思想束缚较为严格的时期，一旦其油画作品反映了对教会、皇族等的讽刺和批判，古典油画时期的画家们甚至面临着生命的威胁。这在后期的抽象派和印象派画家的作品中可以明显感知，画家们通过一种比较隐晦的方式展现其精神表达的内容，尤其是在民族文化性的反思和批判上更是如此。而当代油画的创作背景是开放自由的时代，这是一个对艺术有着极大包容性的年代，对艺术创作给予了极大的自由和发展上升空间。当代油画家可以随意在其作品中表达个人情感，将个人思想体现在绘画上，并且使得这样的精神表达得以激化，引起观众的共鸣，达到绘画与心灵的统一。

3.2 现实与思维表达

古典油画作品讲求写实技术，因此，在创作上画家们大都直接临摹实物通过现实再现的方式以力求逼真的再现物质原貌，现实表达是古典油画作家追求的创作境界，他们渴望通过这样的方式表达自己的现实事物和环境的理解和感受，并且将现实逼真的展现在画面中以寻求一种现实美感；而当代油画作家却与古典油画家有着极大的不同，他们在创作前会对现实进行细致入微的观察，在观察后将个人情感和思想融入到绘画作品中去。因此，当代画家在油画创作上更多是倾向于思维的表达，是借油画创作抒发画家个人的内心情感和价值观、世界观。当代油画更加体现了画面整体的生命力和活力。因为他们是基于绘画本身的创作艺术，却在油画中融入了油画家的个人思想情感，将思维表达体现充分体现在油画中。

3.3 坐忘与宣泄

“心斋、坐忘”出自于庄子，是一种静坐的姿态，讲求一种身心上的相忘的生命状态，古典油画画家就倾向于这样一种情感表达，在创作时他们往往会将个人情感暂时坐忘，“心不动故”“形都泯故”实现内心的沉静。他们是在以一种回归生命原始状态的单纯心理来进行油画创作，因此，说古典油画的创作是坐忘中进行的。而与古典油画截然不同的当代油画，画家倾向于个人内心情感的宣泄，是在油画创作中极大的融入了个人情感，将自我内心宣泄与油画创作巧妙的结合在了一起。

综上所述，古典油画发展到当代油画经历了漫长的时期，在跨越了几个世纪的历史长河中，古典油画的精神底蕴与当代油画正完美的实现了融合，当代油画也在时代的进程中发展出了独属于其本身，拥有强烈时代特征和丰富多彩的创作特色和风格。

参考文献

[1] 张秀时.美术大观[M].辽宁美术出版社，2001（72）：18-20.

[2] 张育英.中西宗教与艺术[M].南京大学出版社，2003：216-227.

油画创作 篇4

台

学

院

教

案

2010～2011

学第一学期

课 程 名 称

油画材料与技法研究

学 时 学 分

72学时

专 业 班 级

08美术教育

授 课 教 师

系

部

油画教研室

2010–2011学第一学期教学计划

年级：2008级美术教育油画1画室 时间：1-6周 学时：72 课程内容：《油画材料与技法研究2》 教授计划：

一、课前备课内容：

1、理论讲授方面：（1）绘画综合材料媒介的美学特征和历史演变。

起始与变革—形式与空---观念与背景

（2）东、西方艺术的材料与媒介的应用 a东方传统绘画材料媒介 b西方现代绘画材料媒介

达达 超现实主义 非具象 波普（3）材料媒介在综合绘画中的作用与表现

纸媒介的使用与特性 基底的材质与制作

材料媒介的广泛性

（4）画面构想的能力训练（5）材质的肌理形态表现

2、写生实践方面：（1）综合材料作品制作的方法和基本要求

作品立意--材料选择--制作基底--材料处理-

-画面制作--整体调整

（2）综合绘画与材料媒介的创作实验

创意、素描、构图 主题表达 形式表达

材料的选择与审美价值的转换作品的整体把握

3、优秀作品赏析：优秀综合材料作品欣赏讲解，从经典综合材料绘画作品

中体会其中的形式和规律。

4、教学示范作品：按照教学计划的安排，有步骤有计划地制作教学范画，增加教学内容的直观性。

二、教学内容的作业安排：

1、油画静物写生与创作

（二幅）

32课时 画面尺寸要求：50cm ×60 cm 画面材料要求：布面油彩、综合绘画材料

2、综合绘画与材料媒介的作品实验

（二幅）

34课时

纸媒材的作业实验 画面尺寸要求：50 cm×60 cm 画面材料要求：布面或板面，各种纸媒介材料

三、教学实践过程：

1、使学生认识到综合材料教学的重要作用，并尽可能的扩大本次课程的知识接触范围，增加信息量。

2、本课程教学是以基本知识的整体讲授和针对每个学生的辅导为主，讲授过程中要结合相应图片资料，必要时示范演示，并辅以教师课堂示范作品。辅导过程中要以个别辅导与集体讲解结合。加强个体辅导，因材施教。

3、在统一要求下，注意发现与爱护学生的艺术个性及艺术探索，尽可能的让学生发挥自己的主观能动性。

4、布置课外相关作业，以达到课内外互补。鼓励学生在课外大胆进行作品实验练习，尽可能快地丰富课程内容的实践经验。

5、根据具体教学情况，适当安排座谈和讨论。

6、课程结束举办作业展。

四、课程学时分配：

第一章

西方现代主义绘画

36课时

第一节

西方现代主义绘画（理论讲授）

（2课时）

第二节

现代油画材料与技法（理论讲授）

（2课时）第三节

静物绘画写生与创作实践（实践练习）

（32课时）

第二章

综合材料绘画

36课时

第一节

综合材料与媒介的应用（理论讲授）

（2课时）第二节

综合绘画与材料媒介的创作实验（实践练习）

（34课时）

2010 –2011 学第一学期教学教案

年级：2008级美术教育油画1画室 时间：1-6周

内容：《油画材料与技法研究2》

一、教学目的：

本课程是在尊重传统油画的基础上，对新材料、新技法进行探索，来研究油画艺术在现代的表达与发展，寻找油画语言更适于时代的表达方式，创造性地表现主观感受中的客观世界，从而拓展油画创作的领域，提供出新的具有时代特征的视觉形象和艺术观念。通过对各种材料、技法和理论的学习与实验，培养和提高学生的综合学习能力，掌握更为全面的专业理论和技能。

教学内容又涉及到综合绘画材料方面的内容。对材料的研究是一个发展的课题，它从审美观念、方式、媒介和技法上与时代同行，符合现代社会“人性化”、“多元化”的文化趋势。要对视觉语言有更广泛更深刻的理解，提高对材料的敏感性，学会如何运用各种不同材料媒介形成新的艺术审美价值，培养从材料媒介出发把握艺术作品审美趣味和品位的能力。

课程涉及到综合绘画材料的选择、材料的本质、材料的美学、新材料、材料的并置和使用方法等几个方面。对材料的研究是一个发展的课题，它从审美观念、方式、媒介和技法上与时代同行，符合现代社会“人性化”、“多元化”的文化趋势。

通过本次课程，要对视觉语言有更广泛更深刻的理解，提高对材料的敏感

性；学会如何运用各种不同材料媒介形成新的审美价值；培养从材料媒介出发把握艺术作品的审美趣味和品位的能力。

二、教授计划：

（一）理论讲授

理论讲授方面要注重实例，鲜活生动。准备相关课程内容方面的图片深入讲析，加强课程内容的可视化教学。

要求学生阅读本次课程内容县官的理论书籍、画册，用以丰富课程内容，扩大教学内容范围。

（二）课堂实践

每个学生对材料媒介的选择、理解、把握、运用、组合、想象完全是

自由的，有个人爱好和理解所决定。鼓励学生大胆进行作品实验，尽可能快地丰富实践经验。

综合材料在绘画上的运用不仅仅局限于架上、平面形式，但由于目前教学中某些硬件和软件的限制，还不能够进行大范围的试验，所以课堂实践的范围重点在于依托于平面基底的综合才料媒介绘画作品实践。

（三）作业辅导

指导学生按步骤要求对所选择的材料媒介进行思考和感受，在选择过 程中形成创作冲动与构思。随着创作的展开，必须理性思考材料所具有的社会信息、人文背景，恰当处理材料与主体的关系，深刻表达创作主题思想。

三、教学内容

（一）综合材料媒介（理论讲授）

1、起始与变革

古代，综合媒材在艺术创作中合理的运用，其重要原因是缘于古人与自然密切亲和的关系，人们的艺术创作与构思过程是以自然、朴素、本质、易得的媒材为主要轴心进行思考并创作的。

飞速发展的现代文明给社会带来了巨大的变革；艺术观念的变革必然导致材料媒介的变革。

2、形式与空间

艺术的创造包括两个部分：一是观念的变化与发展；二是形式上的创造。20世纪初，立体派首先开始了绘画观念的变革，并且首先使用了现成品与综合媒介。立体派沿用了塞尚的“用圆柱体、球体和圆锥体去处理和表现自然”的观念，但是它却展现出了完全不同于以往任何艺术的形式，是一种全新的创造。

艺术家对空间所持的观念和态度，是艺术的最根本问题之一。立体派颠覆了古典焦点透视的原则，随心所欲的改变视点，打破再现和制造空间的透视术，不再模仿与再现什么，使艺术回到了它自身，完全改变了现代人对艺术地观看方式。

3、观念与背景

艺术观念和创作的背景是人们理解、欣赏艺术时必须具备的前提。艺术作品承载着人们关于世界和生活的“观念”，也同样反映了人们对 待艺术 的价值和态度，即艺术观念。一部艺术史可以是说是一个“观念”的演变历史。不同的艺术观念往往是造成艺术形式差异的主要原因。

4、东、西方艺术的材料与媒介（1）中国古代绘画的材料与媒介

彩陶装饰绘画；岩画；漆画；壁画；卷、轴、绢、纸、与笔、墨。

（2）西方现代艺术对综合材料的运用

A 达达艺术对综合媒材的运用

从立体主义开始在作品中引入综合材料及现成品之后，从达达开始，综合材料和现成品的使用便日益广泛地加以运用。他们用批判的眼光重新审视传统的美、规则、秩序、基础等，他们幻想、幽默，对现实生活深感荒诞、失望，于是用玩世不恭的态度，把现成品当作绘画工具和颜料等同看待，借用艺术来表达内心的疑虑和不满。例：杜尚的《泉》、《加上两撇小胡子的蒙娜丽莎》。B 超现实主义对综合媒材的运用

达达对综合媒材的运用主要是在二维、三维的层面上达到了艺术的完美与自由，而超现实艺术则以发展出了一种“整体艺术”（即装置）。例：达利的《一个女人的脸部》。

C 非具象——二十世纪中期艺术对综合媒材的运用

“非具象”一书探讨艺术本身的规则，使艺术本身更为纯粹。“不定形艺术”是重要代表。塔皮埃斯的艺术强调过程、行动、自发、偶然等，其本质是不待任何愿望也不受任何先入之见的控制而进行创作。例：丰塔那、杜不菲。

D 波普艺术对综合媒材的运用

波普艺术不仅使作品形式丰富多样，而且更重要的事，他们创造性的赋予这些媒材以文化和社会含义，它有效地扩大了人们的想象，使普通的东西变得意味深长，艺术日益贴近并影响着大众生活。例：汉密尔顿的《是什么使今天的家庭如此不同，如此富有魅力》，沃霍尔的《二十五个梦露》。

5、材料媒介在综合绘画中的作用与表现（1）纸媒介的使用与特性

A 纸的人文背景与社会信息

纸作为材料的一种，具有相当特殊的质地和性能。他给人感觉温暖、亲切，它轻柔、易碎。纸在文明中诞生，留下人类生存的印记。B 纸在平面与空间上的表现力(a)纸的平面构成

(b)纸的半立面、立面构成（2）基底的制作与材质

由于任何一种材料总是有其特殊的质感和肌理，所以，基地制作也要有相应的质感与肌理。

肌理制作的三个原则：

一、与主要媒材的协调原则；

二、与主要媒材的对比原则；

三、与主要媒材的衬托原则。

（a）丙烯材料与塑型膏(b)厚重基底的制作

制作材料通常有:立德粉、钛白粉、石膏粉、荒沙、水泥、细石子、大理石粉。

(c)常用基底的制作与材料

6、材料媒介的广泛性

（1）自然材料（2）现成品与特殊材料（3）材料的人文背景（4）材质错位与时空错位

（二）综合绘画与材料媒介的创作实验

1、创意、素描、构图

2、主题表达

主体的确立，通常有三个方面因素：

（1）取决于个人爱好于兴趣和对艺术的看法和理解。（2）取决于个人的擅长。

（3）取决于个人对艺术种类、材料媒介、形式语言的熟悉、了解程度。

3、形式表达

在创作实验课程中，强调结合多种材料媒介进行艺术形式思考探索。

4、材料的选择

（1）从个人爱好和感受出发（2）从艺术观念出发（3）从艺术的形式出发

5、画面构想的能力训练（1）平面意象（2）有机构成（3）纹理组织

（4）构成分析（5）意象构成（6）形体变异

6、材质的肌理形态表现

（1）绘涂表现（2）拓印表现（3）拼贴表现（4）压揉表现（5）喷洒表现（6）烧烤表现（7）渲染表现（8）流淌表现（9）刻印表现

7、材料的选择与审美价值的转换作品的整体把握

在综合绘画中，正是对材料媒介的感受，在选择过程中形成了创作构思与冲动。随着创作步骤地展开，必须理性思考材料所具有的社会信息、人文背景，适当处理材料媒介与作品主题的关系，层层展开，反复思考、比较，最后完成作品。

教学内容的教学重点：

（1）材料媒介在综合绘画中的作用与表现

（2）综合绘画与材料媒介的创作实验

四、教学实践过程：

（一）教学实践过程教学重点：

1、材料媒介在综合绘画中的作用与表现

2、综合绘画与材料媒介的创作实验

（二）教学实践过程计划安排：

认真备课，准备好教学相关资料。提供教学用范画，并在上课过程中做好示范作品。深入到学生中间，加强个体辅导，因材施教，启发引导，激发学生学习热情。集中讲评作业，解决出现在教学过程中的具体问题，使整个课程有条理，有秩序，学习内容循序渐进。

做好课程的结课总结工作，明确成绩和不足之处，并提出解决办法，9

要求学生坚持课下的继续学习和自我提高。举办结课展览，检查教学效果，听取意见。留存优秀学生作业。

1、作业安排

2、作业考试评定

五、教材及参考书

1、《材料与艺术设计》

青岛出版社

藤

菲

著

2、《综合绘画材料与媒介》 上海书画出版社 陈心懋 著

3、《塔皮埃斯》

河北教育出版社

何政广

撰文

4、《解读材料》 上海书画出版社 周长江 著

5、《艺术材料的遐想》 高等教育出版社 张元 赵扬 著

六、作业安排

1、油画静物写生与创作

（二幅）

32课时 画面尺寸要求：50cm ×60 cm 画面材料要求：布面油彩、综合绘画材料

2、综合绘画与材料媒介的作品实验

（二幅）

34课时

纸媒材的作业实验 画面尺寸要求：50 cm×60 cm 画面材料要求：布面或板面，各种纸媒介材料

七、作业考试评定

本次课程采取随堂考试的方法，以学生的课堂写生作业为主，结合学生平时课内外的学习态度和课外作业情况、上课考勤纪律等，对本次课程所授知识的接受情况进行综合评定。

评分标准：（满分100分）

1、材料媒介运用合理，有选择性，有目的性。（20分）

2、画面制作步骤明确，技法运用合理。（20分）

3、画面主题表达明确，突出了真实感受。（20分）

油画创作 篇5

浅谈普通高校油画专业学生创作的局限性

普通高校的油画专业,不能像艺术院校一样,可以建立工作室,大多数普通高校,多是采取大班上课,创作态度的浮躁、绘画语言的.单一、内容趋向故事性情节性、风格过于“自我”或者“千人一面”等等,这些问题的普遍存在,使我们不得不反思在教学的过程有不合理之处.在此拟从四个方面进行分析,并提出改进意见.

作 者：苗琳 作者单位：菏泽学院美术系,山东・菏泽,274015刊 名：科教文汇英文刊名：THE SCIENCE EDUCATION ARTICLE COLLECTS年，卷(期)：“”(12)分类号：G642关键词：油画专业 创作课 普通高校 绘画语言 个性

油画创作 篇6

提及现代油画和传统油画，很多人会问，油画为什么会分成现代油画和传统油画呢，它们两者是怎么样来区分的呢?下面从两个方面对现代油画与传统油画划分进行。

1.1 时间上的划分:现代油画与传统油画的划分，一般认为20世纪初期以后的油画都称为现代油画，20世纪初期以前的油画都称为传统油画。20世纪初期为时间划分段的最根本原因就是在20世纪初期，现代主义的兴起，受18世纪欧洲哲学中重视个人人格和个人创造的“主体论”的影响，诞生了诸如：野兽主义，立体主义，表现主义和超现实主义等流派。使得20世纪初期，油画有了更好的发展，使油画艺术的语言更丰富多元化。所以说，时间上的划分是现代油画与传统油画划分的一种很有效的方法。

1.2 表现形式的划分:表现形式的划分也是现代油画与传统油画划分的方法之一。传统油画与现代油画的表现形式有很大区别。传统油画的表现形式以写实为主，在欧洲，从文艺复兴到十七世纪，十九世纪，诞生了很多的流派和大师，如意大利文艺复兴时期的佛罗伦萨画派、威尼斯画派，涌现出了达芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师，德国文艺复兴时期的丢勒、荷尔拜因，西班牙的戈雅，法国古典主义的普桑，以及十九世纪法国新古典主义的大卫和安格尔、浪漫主义的德拉克罗瓦等，是这些大师构建了写实的传统，其作品都是写实的，是传统油画的代表。而现代油画的表现形式与传统油画的表现形式是截然相反的，现代油画作品在注重反叛传统表现形式的基础上，注重画家个体的绘画语言独立价值的体现，在观念上追求“为艺术而艺术”，这是现代主义美术体系的理论基础。现代绘画追求语言的抽象性，表现性和象征性，这方面与传统写实的绘画语言在某些方面背道而驰，表现主义，立体主义和达达主义的艺术观点和表现形式是典型的代表。因此，表现形式的区分也是现代油画与传统油画区分的重要方法之一。

通过时间的划分和表现形式的划分，这两种方法来划分现代油画与传统油画是最基本的方法，现代油画在某种意义上，是对于传统油画的否定和超越，那么是怎么否定和超越的呢?

2 现代油画否定传统油画的表现

2.1 现代油画否定的是传统油画的单一写实表现手法:现代油画否定的是传统油画的单一写实表现技巧，现代油画否定了传统油画绘画语言的单一模仿自然，提倡理性精神和情感表达。由于一次和二次世界大战对人类社会和人性的摧残，由于工业和科技的发展，给社会进步带来促进的同时，也带来了新的问题，否定传统文化发展带来的可能性和由此产生的危机，都促使艺术革命在孕育中，不同于传统绘画，现代绘画采用的表现语言主要是荒诞、寓意和抽象的手法，如野兽主义，立体主义和超现实主义画派，在绘画中，可以感觉到时代的节奏，感觉到人们的精神创伤，表现强烈的个人主义和虚无主义，具有很强的社会价值和审美价值。因此现代油画从表现手法上否定传统油画的单一写实表现，是现代油画否定传统油画的表现之一。

新闻摄影与油画创作 篇7

历史的视觉文本

新闻摄影作品在完成其实效性报道职能后, 转而成为记录历史的视觉文本。自从摄影发明之日起, 我们就有了对于重大历史事件的视觉记录。新闻摄影涵盖了社会生活的各个层面, 为人类记录了丰富的视觉历史文本。对于油画创作来说, 早在法国大革命前后就出现了一种类似于报道文体的绘画, 它不但具有艺术通常所具备的审美性, 还具备了新闻媒介功能。美国画家本雅明·韦斯特于1770年的《沃尔夫将军之死》是最早将当代历史事件付诸油画创作的作品, 其影响已远超一般的文字类新闻报道。在一定程度上, 这种类似于新闻报道的绘画与新闻摄影有着相似之处, 但它所表现的内容是超越新闻图片的, 因为它不只是以图像来说话, 还包含着描述性内容和图示性内容。与新闻摄影不同的是, 画家不一定亲临现场, 有时画家可以在事后通过搜集资料、采访等方式描绘出事件的发生情形。在西方美术史中, 从大卫的《马拉之死》到契里柯的《梅杜萨之筏》, 都强烈震撼着公众的心灵。这种绘画作品不同于其他风格流派, 其作用如同新闻报道一样把真实信息传递给大众。2008年, 国家组织了重大历史题材的油画创作, 为了更真实地再现历史, 很多作品是参照当时的新闻摄影来完成的。如陈坚的《公元一千九百四十五年九月九日九时》、靳尚谊的《周恩来在万隆会议上》、马刚的《毛泽东会见尼克松》、郑艺的《历史的审判》等。画家在对于新闻历史照片的利用过程中不像新闻摄影在许多层面受到限制, 比如拍摄的角度、构图、光线等因素。油画家在创作的过程中既利用了真实的历史照片, 又在创作中加强了艺术性, 使得画面更加耐人寻味, 使人产生深刻的印象。从这个意义上来说其是对于新闻摄影作品在历史层面的重新解读。在当代, 反映重大事件的油画作品和新闻摄影作品都已经成为宝贵的历史视觉文本。

对真实的表达

新闻摄影的最大特点是真实。油画创作需要一定的时间, 在传播速度上远远逊色于新闻摄影, 但由于绘画是以形象来表达内容, 它带来的真实感更加直观、强烈, 因而在对人心灵的触动效果上往往大于摄影。真人、真事、真场景是新闻摄影的前提条件, 真实地反映现实生活, 是新闻摄影的基本准则。新闻摄影要坚持现场拍摄, 具有很强的可信性。通常人们都认为新闻摄影是绝对真实的, 而油画创作是经过画家处理后的艺术真实。然而在数字图片处理技术越来越普及的今天, 新闻摄影的真实性在当代受到了前所未有的质疑。相比较而言, 在现实主义油画创作中的真实是通过画家对于事件的理解并加进了艺术归纳和情感投入的真实。今天, 画家也像富有社会责任心的新闻从业者一样挥笔而作。2008年中国写实画派29位艺术家创作的抗震救灾大型油画作品《热血5月·2008》表现了全国人民众志成城、奋力抗灾感天动地的悲壮情景, 以此表达对灾区的支援。展览中的油画作品多是参照救灾的新闻摄影照片进行创作完成的, 给人以深刻感受的是摄影家杨卫华的作品《敬礼娃娃》, 在通过油画的方式表现后更加突出了画面的感人气氛。油画作品中的人物不像新闻摄影那样绝对不可改动, 画家在利用新闻照片进行创作的过程中对照片进行适当的修改是为了强调艺术感觉的真实性, 使形象更加感人。当下无论是新闻摄影还是油画创作, 对于真实的表达和理解已经不是传统意义上的简单拍摄和描绘, 图片的电脑处理技术在带给画家便利的同时, 也给制作虚假的新闻摄影提供了可能性。所以, 在当代对于新闻摄影和油画创作中真实的表达更应该侧重于新闻摄影师或者画家的职业道德, 有真诚的创作动机和行为, 其作品也必然是真实可信的。

共同的艺术审美要求

新闻摄影是在真实性的基础之上强调艺术性, 从这一层面来讲和油画创作同属于造型艺术的范畴。摄影记者不能在拍摄前像画家一样先进行构图, 然后再按下快门。法国著名摄影记者布勒松说, 一位高素质的摄影记者, 在拍照时总会“在空间与时间的结合中完成构图”。从历届新闻摄影展览可以看出, 许多新闻摄影记者, 他们以娴熟的拍摄技巧, 以及他们对传统构图等美学理论的深入理解使新闻摄影的艺术表现力日趋丰富。提高画面的艺术性是增强新闻摄影艺术表现力的内在要求。拍摄的过程是体现摄影记者报道思想的过程, 记者通过对拍摄对象的合理取舍, 运用构图、色彩、光线等摄影造型手段, 把新闻事件中最本质的东西表现出来。新闻摄影要塑造真实感人的形象, 必须遵循形式美的规律。对于新闻摄影记者来说提高审美品位, 更好地建构对于造型艺术的理解, 只有在平时加强对造型艺术基本语言的理解, 把对造型语言的理解内化为一种自发的状态才能拍出优秀的作品。因为新闻摄影在很多情况下是在瞬间完成的, 这就对新闻摄影家的艺术素养提出了更高的要求, 要求摄影师在极短的时间内对于形象、光线、色彩、构图等因素作出判断然后按下快门。对于新闻摄影者来说, 建构对于构图、色彩、光线等造型因素的艺术素养的培养, 最好的方式就是研究写实油画作品, 因为写实油画表现和研究的重点同新闻摄影对造型的要求是完全一致的。油画作品的构图、色彩等造型因素是经过画家精心安排的, 其中的造型因素是可控的。新闻摄影家可以在研究油画作品中逐渐丰富和加强自己对造型艺术的理解和认知, 通过这样的方式提高对造型艺术的理解。布勒松就曾专门学习过绘画, 其摄影作品《穆费塔尔街》中小男孩的形象如同油画作品一样给我们留下了深刻的印象。20世纪70年代布勒松重探油画艺术, 可见绘画对于新闻摄影家的深刻影响, 共同的审美要求使新闻摄影和油画创作之间在审美的范畴内相互借鉴、相互影响。

殊途同归的情感表达

无论是绘画作品还是摄影作品, 它们都是作者感情的流露。新闻摄影和油画创作的主要对象是人, 新闻摄影表现的不仅是典型瞬间的真实, 也同样代表了与拍摄者的情感共鸣, 是拍摄者对现实生活态度的体验, 因为镜头是客观的, 而拍摄者的眼睛是主观的。对于油画家而言是要通过一系列的造型因素来传达情感的体验。画笔是画家完成作品的工具, 而摄影家的工具是相机, 同摄影作品比较来看, 绘画作品的情感表达更加充分。对于摄影师来说, 只有对生活无比的热爱, 对祖国未来的关注才能捕捉足以表现人物性格特征的典型瞬间。真正好的照片, 不但能真实反映现实, 而且要反映对事物本身的一种关怀和思考, 将一种悲天悯人的情怀渗透到摄影作品中去, 才能引起人们的思考、同情。从20世纪90年代摄影人解海龙的作品《大眼睛》中我们可以读出那种强烈的渴望。从新闻摄影意义上来说, 解海龙的作品已经超越了一般意义上的摄影作品, 他是在真实中注入了更多的情感因素, 他的作品如同一张油画创作。新闻摄影和油画创作所要表达的人类情感的精神内涵和人文关怀是殊途同归的, 两者可以相互借鉴, 在借鉴中相互提高。

在当代, 油画创作和新闻摄影结下了不解之缘, 对于新闻摄影作品的利用也在油画界成为不争的事实。由于新闻摄影和油画创作存在诸多相似之处, 所以梳理出两者之间的关系更有利于新闻摄影和油画创作相互借鉴和发展。

摘要：在当代出现了一大批利用新闻摄影创作的油画作品。由于新闻摄影和油画创作在对历史视觉文本的构建、对真实的表达、艺术审美、情感表达等几方面存在紧密的关联, 梳理两者之间的关系更有益于新闻摄影和油画创作之间相互借鉴和发展。

关于油画创作话题的问答 篇8

时卫平有平和散淡的一面，也有执着较真的一面。前者是他的生活状态，后者是他进入创作的状态。画中所透出的那种深沉浓郁的历史意识，那种对昔日革命理想主义的缅怀以及对前辈大师的追慕，处处折射出作者的人格理想、审美旨趣以及某种形而上的追问与思考。所有这些都使我们意识到：原来在他那率性随意的外表下，竟包藏着一种严肃认真的人生态度和一颗对某种精神境界执着追寻的灵魂。

采访时间：2013年1月23日

采访地点：时卫平工作室

受访人：时卫平

采访人：李向伟 黄文静

SHMJ：我们都是七七年恢复高考后的第一批大学生，毕业至今一晃30年过去了，虽说当时我们不在同一所学校，也许我们学画的经历很相象。记得那时我们都很年轻，学习条件也没有现在的学生好，但却很用功。

时卫平：是的，我是1978年初春离开工厂去南京读书的。我开始学画是在厂里干活时，那是“文革”后期，我用学画的方式来打发时间，跟着文化馆郑书道老师学习国画，郑老师是1950年杭州国立艺专毕业的，我常常看他画月季花和水鸟，也学着写些书法。

去南京读书后，我学的是油画专业，很快我发现中国人画油画有点拧巴。首先我们比较习惯毛笔传统的书写方式，对当时油画笔的方笔刷不那么适应。其次我们的祖先是用纸和绢来绘画的，没有油画的经验留给我们继承，我们没有油画名作、原作观摹，甚至连像样的印刷品都找不到。另外我一直肤浅地认为，中国人的面部缺乏体积感，不大适合油画表现，加上当时南师美术系写生教学条件简陋，没有天光画室，模特儿的光影效果不佳，写生总是画得不够满意。好在当时美术系有许多好老师，有秦宣夫、宋征殷、徐明华等。徐老师在随园池塘边平房画室画示范写生时，大家都蜂拥在边上看，有些同学甚至站到了凳子上。他的写生画，对我们班影响很大，他画的矿工肖像和大白菜静物，至今我仍记忆犹新。这一切对于我们学习油画，是一段难忘的经历。

我们是在毛泽东时代成长起来的，那个年代有很多可贵的品质。一种英雄情结和对历史的怀旧始终挥之不去。在油画创作题材上我对这一主题的表现和重复直至今日没什么改变。其实当下的中国，架上绘画题材和风格的选择是很多的，但我好象已经习惯了这样作画，我认为画画是我的一种生活常态。我喜欢画些油画，但是总感到画不好，也许画得太少了，我一直很敬佩徐明华老师和他几十年如一日坚持不懈努力写生的精神。前些年，我去俄罗斯画了点写生，虽说画得不好，却是一件快乐无比的事情。顺便去一些博物馆看看油画，才发觉中国油画界从前对前苏联油画的理解是多么的偏颇。我一直在想，油画不但要画出一种油画的味道来，还要表现出一种和本民族文化相关的东西，这才算是有了根。当然这还只是我的一个努力方向。我常对学生们说，学习油画的前提有两点：一为才能，二为技法，技法是要长期训练的，很惭愧自己没做到。2005年走进美术用品商店，看到好多工具材料，很兴奋。重新拾起笔来开始画画。说实在的，现在画画的条件比起当初学画时要好许多，我们应当画得更好一些。凭心而论，我对自己的油画是有要求的，就是尽量画得朴素一点，不浮躁，不随波逐流。

SHMJ：前年我看你画了一幅《1940·徐悲鸿》的油画，可否谈谈你关于这幅画的创作过程？

时卫平：徐悲鸿先生是上世纪对中国美术作出巨大贡献的艺术大师，是杰出的美术教育家。上世纪五十年代后，中国有很多的画家创作了一批表现徐悲鸿先生的油画和国画作品。如吴作人先生就画过油画《徐悲鸿》。我记得他画的徐先生是穿着西装坐在藤椅上的。我画这幅画最初动机有两点：第一，我学画时曾临摹过徐悲鸿先生的素描，对徐悲鸿先生从小就很敬仰，尤其是很喜欢徐悲鸿先生中西融合的画风。第二，是徐先生留学回来后，很长一段时间在南京中央大学艺术科主持教学工作，他教的一些学生，后来成了我的老师，可以说我是徐先生学生的学生，深受徐先生美术教学体系的影响，同时对徐先生也有一定的了解。所以我一直很想用这一主题来创作一幅历史画。

感谢省江苏省文化厅组织重大题材美术创作活动，使我有机会实现了这一愿望。首先，我选择了1940年徐悲鸿先生创作《愚公移山》这一情景作为主题，徐悲鸿先生当时感受了几十万中国军民为抗日修筑滇缅公路的情景，借用中国古代传说“愚公移山”来表现中国人民抗战的决心和信念。我觉得这幅画是徐先生的一幅很重要的作品，最能体现徐先生的人格和画技。在构图上，我用平视的焦点透视手法，让大家既能看到徐先生的侧面，又能看到他所画的愚公移山的画面。在色调上，我用暖色调来画，再加上煤油灯光的点缀，使画面尽可能显得温暖一点。在造型上，采用写实的手法来描绘徐悲鸿先生作画的情景。在创作即将完成的时候，有时一个人在深夜里会觉得，自己就象是徐先生的一个学生，静静地站在徐先生身旁，看他画画，画愚公移山的创作。徐先生用他的作品在教育我们，一个画家对国家，对民族应该具有的责任，这就是一种精神。徐悲鸿先生艺术的崇高和伟大之处，同样也是我们此次重大题材美术创作活动的意义所在。

SHMJ：对，艺术作品的精神性确实很重要。说到徐悲鸿先生，就想到他画的马，还有大量的素描写生作品，他所提倡的中西融合和现实主义的画风，影响了中国美术相当长一段时期。关于这一点当下美术界一直存在不同看法。你是怎么思考的？

时卫平：中西融合的画风还是利大于弊，对中国当代美术发展影响深远。我记得徐悲鸿曾在1947年的《益世报》上发表的《当前中国之艺术问题》一文中指出：“我们的雕塑，应当继续汉人雄奇活泼之风格。我们的绘画，应当振起唐人博大之精神。我们的图案艺术，应绍述宋人之高雅趣味。而以写生为一切造型艺术之基础；因艺术作家，如不在写生上立下坚强基础，必成先天不足现象，而乞灵抄袭摹仿，乃势所必然的。”为什么徐先生总是强调借鉴西方绘画艺术中写生对中国艺术复兴的重要意义？因为在他看来，中国绘画至明清推进缓慢，并出现了大量摹古之作，其原因是中国的画家们在素描写生上的欠缺。而这种现象直接引致的后果是，使中国绘画艺术走入了没有创造、缺乏出新和个性表达的穷途末路。徐先生的中西融合这一观点，就现在看来，仍不失为真知灼见。

徐悲鸿24岁在北洋政府的资助下远渡重洋，到法国学习西画，在巴黎美术学校学习期间，下午都去叙里昂研究所画模特儿写生，乐此不疲地进行西洋画的基础训练。后由于中断资助，被迫转至消费水平稍低的德国，在那里常去动物园写生，提高素描写生能力。后再次返回法国，绘制了大量肖像、人体、风景为主题的素描作品，为日后的创作打下了坚实的基础。他的许多创作，画面以人为主，突破了传统中国绘画以景为主体的散点透视法。人体肌肉结构在中国画中得到了前所未有的表现。正是徐悲鸿在西洋写生方面的努力，成就了他人体肌肉与力量表现的此番业绩。将中西技法融汇贯通，开创了一种全新的画风。徐先生画马和中国传统绘画中的马大为不同，自唐代韩幹画马以来，宋有李公麟，元有赵孟頫，至明清画马之术无太大进展。传统绘画中马的造型或肥或瘦，大多用线勾出轮廓，画法上没有大的变化。徐悲鸿画马，画风为之一变，他将明暗关系、透视关系和马的解剖相结合，所画之马气势磅礴，极富动感。有一个事情很有趣，黄纯尧先生是徐悲鸿的学生，他曾经和我说起他学生时代在课堂上观徐先生画马示范，宣纸铺开，徐先生寥寥数笔运用浓墨将马头画成，黄纯尧站在一旁暗自紧张，因为他觉得徐先生将马头画大了，按照传统画马的比例，这马是画不下去了。但是徐先生还是很快将马画完了。并在最后落款题字，黄纯尧这才发现，徐先生所画的马是一匹向前急驰奔腾的马，它的透视关系很强，马头在前面，自然就大一点。黄先生和我聊起此事时已经八十多岁了，只是他回忆当年的样子，还象是个学生。他最后说，徐先生画马是胸中有数，他画过大量马的素描写生，对马的结构动态相当熟悉。在课堂上，他是不会有失误的。由此看来，为什么徐悲鸿画马可以成为中国绘画艺术中画马的里程碑，这恰恰和素描写生有着密切的关系。徐悲鸿先生的马，在我看来是中国书法用笔和西方绘画原理相结合的最为成功的水墨杰作。

SHMJ：你近年还画了一幅油画《百万雄师下江南》，是战争题材的历史画创作，或许你可以谈谈有关创作战争主题绘画的想法？

时卫平：重大题材的美术创作我理解就是历史画创作。我画渡江战役这幅画，作为战争历史画创作，也就是在叙述一个历史事件。一个特定的历史事件不是一般的故事，它很强调事件本身的真实性和典型性。这就需要我们对当时的服装、道具、场景有一个详实的考证，这样才能真实的表现好战争和战役这一重大主题。

以前表现渡江战役的作品也有不少，我画《百万雄师下江南》主要着重在“下”字上作文章，构图自上而下，表现解放大军渡江登上长江南岸时的一个特定的历史瞬间。从画面上说，通过战士的近景、中景和在硝烟中过江帆船的远景组成一体，来表现一个宏大的场面。这幅画是去年创作的，领导和专家还有观众提了很多宝贵的意见，根据这些意见，我进行了认真修改。我觉得从前有句老话：在典型的环境中再现典型人物的性格，这是很有道理的，在修改中注意了人物性格的表现。现在战争离我们已经远去了，但是我们在当今再画一些战争主题的绘画创作，还是很有意义的。另外我对画面右上角的红旗做了比较细致的描绘，想让它有一种凝固的雕塑感，我想通过它让历史凝聚在一九四九年四月二十二日那天的夜间。我觉得我所画的这幅画主要是表现一种精神。

SHMJ：前些年我看过你一本素描写生的画集，其中有些是为创作收集素材用的。素描对于创作有着很重要的作用，你是否就素描与创作关系展开话题谈谈。

时卫平：素描是一种最直接、最朴实、最本质的绘画语言，在造型艺术领域有着无法替代的作用，倘若没有品质优良而又不乏纯真的素描作为基础，也就没有绘画创作的成功。因此素描作品的品质和画家的素描造型能力，直接影响着艺术作品的质量。在艺术家的创作实践中，素描有着非凡的意义。首先，它可以在创作开始的阶段，帮助我们进行思考。不管是任何一种绘画形式，素描都可以是一种思维方式。在西方绘画中，达·芬奇、米开朗基罗、伦勃朗、鲁本斯以及几乎所有的现实主义大师们，在创作之初，都采用素描草图的方法进行构思构图，用一根线、一片明暗进行思考。这种思考的方式，既简便又有效。其次，素描可以帮助艺术家搜集创作素材，通过写生获得创作所需要的人物、景物和道具的相关造型资料，同时在素描写生过程中，观察和表现物体的本质，加深对物体审美的理解。

在油画创作方面，素描更具有与生俱来的作用。用线条去思索，可以进行构图，写生人物可以积累形象资料。古典大师们都用素描作为创作前的准备。当米开朗基罗站在西斯廷教堂天花板下的木板平台上绘制壁画之前，他满怀热忱地绘制了大量的草图和素描写生。他很乐意画这些稿子，因为他喜欢画人体素描，他描绘着肌肉的起伏，从整体到细部。对于这些人体结构他太熟悉了。此前他早已在深夜不顾严厉的惩罚，借着神灯昏暗的光线在修道院地下室里解剖过它们。在他绘制素描草图时，眼前充满着《洪水》中的健壮裸体。接下去的创作显得痛苦不堪，在脚手架上工作弓着腰、仰着头的不自然状态持续了相当长的时间，《上帝创造人的最初时日》、《洪水》、《创造亚当》和《创造夏娃》相继完成。在这里我们看到，伟大的艺术并不都在愉悦的心情下诞生的，有时伴随着的却是痛苦。再说德拉克罗瓦，他生于法国南部罗讷河畔这个充满艺术气氛的环境中，他不但尊重当代进步的画家，而且对于古代艺术大师倍加推崇，有着极高的艺术天赋和才能。他曾师从法国古典主义大师大卫学习绘画，却非常欣赏尼德兰画家鲁本斯的色彩，他的著名作品《自由引导人民》运用浪漫主义手法，表现了法国大革命的场面，是对雨果小说《悲惨世界》的一种呼应。他的绘画作品可以说是古典主义的素描结构造型和色彩完美融合的典范，他在素描的基础上，用强烈的色彩创造了一种前所未有的油画视觉效果。初期的作品《希阿岛的屠杀》被当时古典主义画家称为“色彩的屠杀”。在德拉克罗瓦所处的那个时代，我们可以发觉，无论是古典主义艺术家，或者是现实主义和浪漫主义艺术家，他们有一个共同的特点，就是很强的素描造型基础。他们对形与表现的理解力，对人物性格特征和形象游刃有余的描绘，在西方辉煌的艺术史上是空前绝后的。在俄罗斯绘画中，列宾在素描创作上精益求精的态度和在历史画方面的成功，使整个俄罗斯民族感到骄傲。列宾一生都非常勤奋，为创作画了大批的素描写生，在他1870——1873年间创作《伏尔加河的纤夫》之际，曾两度到当地深入观察纤夫的生活，并进行实地写生，在创作过程中，先用素描的形式对模特儿进行写生，使作品所刻划的人物个性鲜明，反映了在社会底层的草根阶层的那种坚毅的生活状态，折射着人民坚强的力量和朴素的本质。列宾的素描作品，造型精准，形神兼备，重视个性化的直觉与感性描绘，这一画风日后影响了中国上世纪五十年代至八十年代将近三十年间的基础教学和创作实践。

SHMJ：有一个问题很重要，我注意到你近年来在创作选题上一直注重主题绘画和历史画方面，大多数内容都带有一定的政治性。当今绘画发展的多元化给画家们提供了很多的选择空间，你是否认为你所表现的作品有某种程度的局限性？

时卫平：首先，我并不认为这是一种局限，其实艺术表现的内容是十分广泛的，带有主题性、思想性或者说有政治倾向的作品作为不可缺失的重要部分也包含在内。假如一个民族忘记了自己的历史，丢失了自我优秀的传统文化，这显然是无法想象的。历史上有很多大师都涉及重大主题内容，如德拉克罗瓦的《自由引导人民》，大卫的《马拉之死》和毕加索的《格尔尼卡》等等。这些作品都没有因为政治主题的描绘而削弱了其本身的艺术价值。关于这一点，我和很多画友们都有一定的共识。其次，我们是上世纪五十年代出生的人，可能都有一种英雄情结和怀旧心态。在第二届全国青年美展时（1981年），我根据茹志娟小说创作了同名美术作品《百合花》，获三等奖，表现解放战争时期的军民关系，从那时开始到现在，三十年来，其实在绘画主题选择上并没有任何改变。近年来创作了一些主题性油画，并且为创作准备作了一些写生练习，有素描也有油画，对创作帮助很大。也许我还会这样画下去，可能主要的原因是我已经不会用其他方式来作画了，准确的说就是已经习惯这一套了。

SHMJ：最后能不能说说你在创作方面有没有什么烦恼和纠结的地方？