油画艺术创作论文（精选12篇）
油画艺术创作论文 篇1
我们生活在人类社会中, 直接或间接的品尝着生活的酸、甜、苦、辣, 并由此产生着喜、怒、悲、欢、乐的情感和个人对人生的思考、判断与追求, 当我们把这些创造元素组织到我们的作品当中时, 就形成了对社会生活某一面或多方面的反映。
根据我这次的创作感想, 追随艺术来源于生活这一意点, 艺术的内容与形式必须找到一个参照点, 在油画的绘制和写生中来体现对生活的感受。也通过在油画创作上进行一次学习上自我总结和体现, 从不成熟的阶段向成熟的阶段的一种学习呈现。通过风景与人物的结合, 促使造型能力的巩固和生动性, 使人感受生活无穷无尽的丰富性。我所描绘的油画人物风景主要是强调对色彩环境的运用和色彩外光, 色彩空间的理解。并通过学习对创作思维方法的认识和对创作思维图像构成特点的有效加强。通过风景人物的相结合, 体现艺术来源于生活的意点, 通过风景人物的相结合, 运用绘画的语言来描绘生活中流露出的自然美。
我的创作构图也是准备了很久的, 从一开始的下乡素材体验收集, 到后来的创作定稿, 准备绘画的这一整个过程, 是一个漫长的学习过程。我的创作画面主要是想表达朴实的民俗民风, 那种在我们日常生活当中无形流露出的一种最简单最快乐的感觉。根据写生拍摄当地的风土人情和自然风光, 我共创作了两幅油画作品, 两幅画虽然画幅都不是很大, 但却凝聚了我很多的心血和思想:第一幅画的大小是1.7*1.5米, 描绘的是在一片绿油油的草地上坐着一位朴实而又快乐的庄稼老汉, 身着简单的劳作衣服, 在暖洋洋的日光下晒着太阳休息的场景。身子旁边便放着劳作的竹筐和竹棍, 与人物之间形成明显的冷暖对比。再用绿色的大自然作为背景, 更显得贴近自然贴近生活;另外一幅画的大小是1.7*1.15米, 运用写实手法和自我创新的绘画思维、理念, 掌握干、湿画法相结合。描绘几位身着民族服装而又风趣的老太太, 聚在茶馆门口聊天的情景。用鲜艳而又对比明显的木房子、木凳子、土地砖和苍老的大树作为背景, 更可体现少数民族的一种风土人情, 但却与现代的社会相结合, 而不脱离发展快速的都市生活, 别具特色。这两幅画都是我们下乡拍摄的真情实感和真实感受, 他们虽然画幅不大, 但却凝聚了我对他们的许多丰富感情。
另外, 在这两幅画里我还强调了对色彩的表现手法和亮度冷暖对比。因为色彩是油画表现力的基本要素, 是油画迈不开得槛, 它的表现力是油画艺术的特征。培养自己对色彩的审美感受, 掌握色彩表现的语言规律是油画学习的核心。所以我很注意这一点, 也是我重点要学习的。例如我第二幅画的背景色与人物之间冷暖的对比, 红房子与地面明度、冷暖的对比, 人物之间色彩的对比。
所以说艺术与生活是一致的, 同样油画与生活也是一致的。生活和表现生活的艺术依赖着我们一条极其细腻的心灵来贯穿, 所以我们要用心的去体会。在我看来有形物体主要是由一块块色彩元素构成的, 也有赖于色彩周围的事物。因此一幅油画作品是沉浸在颜色颤动, 重叠交错的气氛当中, 在我的油画作品当中, 我始终追求着这种气氛感觉, 并成为我追求油画表现生活的重要载体和无限渴望。
我们需要观察生活体验生活, 不断地与大自然交流, 从中获得充满活力的感受。绘画是一种视觉艺术, 曾经有位学者说过, 面对丰富多变的自然物象, 我们将自然生活的美转化为艺术美不是靠文字或语言来完成的。观者之所以能从画中那些平凡的题材中看到自己从未发现的美, 那是缘于画家眼睛超常的敏锐。一片景物, 其所以美, 是因为含有一种微妙难说的意义。
通常艺术作品的内容是构成艺术作品最重要的因素之一, 是经过体验、加工创造的人类生活。油画创作课和下乡的课程在油画教学以它的独特性和针对性贯穿了我们对油画的学习, 特别是在训练我们造型能力与掌握绘画语言这两个因素里发挥其重要的意义, 在油画创作及下乡写生训练的教学独创性, 并且能有效通过造型和视觉语言的表现力度来表达出对人、自然、社会及个人的内心体验, 得到一次有意义的文化洗礼。一切艺术均是我们现实生活的反映, 社会现实生活是艺术创作的源泉和基础。
在这次的两幅油画创作中, 还有很多的不足和要修改的地方, 也有很多很多要再次学习的地方, 这些都需要今后我的知识积累和再度完善。学习用最基本、最简单准确的绘画手段表达出我内心最强烈的理念和情感, 言简意赅, 提高自身的造型综合能力和创作基本规律, 找到自我表现的个体性、独创性和丰富性。更加要注重画面造型和油画技法的相对视觉美感统一。在我今后的绘画道路上, 我也都会保持一种认真严谨的态度。
绘画作为一种造型艺术, 注重的就是画面的气质和神韵。油画创作和写生在油画教学以它的独特性和针对性贯穿了我们的学习过程, 特别在训练造型能力与掌握绘画语言两个因素里发挥其重要的意义, 在油画创作及下乡写生训练的教学独创性, 并且能有效通过造型和视觉语言的表现力度来表达出对人、自然、社会及个人的内心体验, 得到一次有意义的文化洗礼。我们应该看到, 无论是设计艺术大师还是绘画艺术大师.在通往成功的艺术道路上, 都是遵循着自然规律, 脚踏实地的以平静的心态, 用更多的精力和时间, 在创新研究艺术实践中探寻, 是我们走向成功之路十分重要的基础。
摘要：艺术来源于生活, 通过对油画的学习和写生来体现生活中的感受、进行一次自我总结和体现, 从不成熟的阶段向成熟的阶段的一种学习呈现。通过风景与人物的结合, 促使造型能力的巩固和生动性, 使人感受生活无穷无尽的丰富性。我所描绘的油画人物风景主要是强调对色彩环境的运用和色彩外光, 色彩空间的理解。并通过对创作思维方法的认识和对创作思维图像构成特点的有效加强。通过风景人物的相结合, 体现艺术来源于生活的意点, 通过风景人物的相结合, 运用绘画的语言来描绘生活中流露的自然美。
关键词：油画写生,创作构图,生活题材,色彩运用
参考文献
[1]《关于罗丹日记选抄》.雄狮图书公司出版.熊秉明著P50.
[2]《艺术的冒险》西洋美术评论集.谢里法著.P43.
油画艺术创作论文 篇2
浅谈绘画艺术创作
摘 要：绘画艺术创作是在继承传统的基础上进行革新创造的，因为历史年代的不同，其内容形式反映的思想、文化和时代背景也不同，艺术随时代而嬗变，才能使艺术源远流长。同时，绘画艺术创作还需要有好的素材，激发出灵感进行巧妙构思，才能赋予绘画作品之精髓、生命、风采、感情，来展现出作者的思想境界，理想追求，文化素养，从而折射出大千世界社会文化的多彩多姿。关键词：绘画艺术创作；继承性与革新；素材、灵感和构思；艺术欣赏；审美体验 创作一副绘画艺术精品，无论从内容到形式、还是色彩和意境，都必须要求其艺术性达到最完美的结合，这就需要创作者在有了好的素材和灵感后，还需要掌握牢固的绘画技能和创新意念。怎样才能创作出更多的绘画艺术精品呢？下面我就此谈一点关于绘画艺术创作上的几个问题和浅薄的见解： 1 绘画艺术的历史继承性与革新 艺术活动发展的内在规律主要是历史继承性和创新性的关系，两者是不可分割的，相辅相成的。但需要取其精华去其糟粕，继承性和创新性既不搁浅从前，也不一成不变，在保持优良品质的基础上进行创新，才能使艺术源远流长。作为绘画艺术，无论是中国画，还是油画，所使用的基本技巧和手段，都是继承了前人留给我们的遗产来进行创作的，然而，我们今天在绘画创作时，只能继承性地去学习古人的绘画技巧与方法，而不是照搬的去模仿。因历史年代的不同，其作品也都会局限在特定的思想、文化和时代背景里，故其作品有长处也有不足，所以，我们要在学习中取其精华，弃其糟粕，做到学古不泥古，用古不僵化，在绘画创作的承师过程当中必须做到灵活运用，克服死板硬套的教条主义。齐白石就是习得芥子园的传统程式，习得中国诗、书、画、印传统程式而不入牢笼的辉煌例证。艺术随时代而嬗变，我们在纵观艺术的发展史时，最突出的印象应该是：不同时代有不同的艺术。正如刘勰所说：“时运交移，质文代变”，“歌谣文理，与世推移”，格诸方面都会发生相应的变化。在欧洲中世纪绘画艺术最有代表性的，像达•芬奇、拉斐尔、米开朗琪罗等著名的画家，他们的绘画作品是那个时代精神体现得最为集中和鲜明的艺术形式。从写实到抽象或变异及后来各种现代艺术流派的艺术作品风格演变中，我们都可以看出时代演变的轨迹。艺术随时代而嬗变，“书画未必尽师古，文章贵在能通今”就是说明了这个道理。所以我们在绘画创作当中要不断创新，其内容和形式都应当反映当今时代的思想、文化和社会背景。要标新立异，不能重复古人，更不能重复自己，“重复代表生命的完结”，画家毕加索之说以被称为“世界上最年轻的艺术家”就是他有从来不重复别人，也不重复自己的艺术个性。因此，我们只有在继承中去革新创造，才能真正地拥有自己的一片艺术蓝天。2 绘画艺术创作中的素材、灵感与构思 素材是社会和大自然中人或事物的具体形象，是作者进行创作的源泉;而灵感则是艺术生命的闪光点，是一种独特的思维活动，是一种直觉的顿悟，是一种突然发现的心灵奇迹。素材和灵感在绘画创作中缺一不可。例如，山水画是表现画家对山水的气象、色彩、光影等具有特殊的敏感，从而引发起特定的情感而在头脑中形成色彩斑斓的图画。如果画家不到大自然中搜集素材，不了解山水的结构和气势，不被大自然中山水所呈现出的一幅幅或壮观或秀美，或雄浑，或恬淡的景色给打动，又怎么会有在头脑中形成色彩斑斓的图画这种创作灵感呢？山水画是这样，其他人物画、花鸟画也是如此。我们要创作出绘画精品就要到大自然中和社会各阶层中，去搜集素材，寻找灵感。现代知名画家贾又福不就是为此，十年登十九次太行山吗？在家闭门造车，有什么灵感可言，更谈不上有什么好的创作。在有了素材和灵感的基础上进行绘画创作，还要求创作者有一个好的构思，才能创造出一幅完美的作品。构思，顾名思义就是创造者对将要进行的绘画作品中要表达什么意念、思想情感或趣味而在头脑中形成的一种中心思想。也就是说当我们拿起画笔进行绘画之前，首先要考虑到的是这幅画作品的题材，表达什么样的内容和形式，要对其造型特点、色彩关系、意趣与结构的关系，还有构图等一系列的问题都要做到胸有成竹。创作一幅作品，思想上、艺术上的构思正确与否是决定一切的。构思是个纲、纲举目张。形神兼备的艺术形象，成型与构思，展现于笔端，这是关键的一步。构思艺术形象要善于表“情”达“意”展现事物的“内心世界”。例如，人物画是直接表达人物的各种形态，体现人物的内心世界。花鸟画、山水画等，是靠赋“形”写“意”、借“体”发挥，以它形之体，藏人心之魂，婉转地反映社会生活和创作者对于社会生活的态度，这是绘画艺术构思的要领。也就是说创作者通过精巧的艺术构思而赋予绘画作品之精髓、生命、风采、感情，这就如同展现人物的表情和内心一样来展现出作者的思想境界，理想追求，文化素养，从而折射出大千世界社会文化的多彩多姿。3 创作中的艺术欣赏与审美体验 艺术欣赏的提高与丰富的审美体验，是绘画创作中另一条途径。艺术欣赏之说以被称为再创造，是因为它和艺术创作同样，是人类高级的、复杂的、特殊的精神生活。艺术创作不仅生产了艺术品，同时也生产了艺术品的欣赏者；另一方面，欣赏者最终又实现着艺术品的再创造。艺术欣赏的总体程序则有对作品的审美观照，把握物态化意象，转形为和创作者心灵化意象相重合又相移位的再造性心灵意象，在审美心胸经受震荡和净化的过程中，回返自然。这一欣赏过程的完成，也是精神上一次飞升和自我超越过程的完成。因此，艺术欣赏给人带来新的审美体验、审美愉悦和审美快感，艺术欣赏和艺术创作所能达到的审美认识、审美体验和精神状态有着一定的共同性，所以艺术欣赏能力的提高会使自己在创作上更上一个台阶。绘画艺术，通过艺术的特定材料，凝聚着艺术家对自然现实中美的发现，传达其个人独特的审美体验和审美感受，从而唤起创作的欲望。法国十九世纪中叶的农民画家、现实主义巨子米勒，以他对农村生活的热爱和体验，才创作出了《拾穗者》《倚锄男子》等作品再现法国农村田园生活的美丽图画。其作品让人感受到劳动生活的真谛、诗意和艺术家心中淡淡的哀愁。因此，对社会生活，大自然中物象的审美体验丰富程度如何，直接影响着艺术创作的提高。绘画艺术创作是一种高层次、复杂的审美心理活动及其实现的过程。由于创作理论及创作类型的不同，在其制约和影响下的创作过程也不同。此外，由于艺术家的先天禀赋、个性气质智能心理结构、人生阅历和文化素质以及才能技巧的不同，其创作出的艺术作品自然会千差万别。参考文献： ［1］ 王宏建.艺术概论［M］.文化艺术出版社，2000.油画风景写生的地域性因素 ――云南、吉林油画风景为例石小花(曲靖师范学院 美术学院，云南 曲靖 655000)摘 要：地域性是影响油画风景写生的一个重要因素。本文针对油画风景写生中的地域性问题，从地域性人文因素和地域性自然因素对油画风景写生的影响入手，分析油画风景写生中的地域性因素。全文共分两部分：首先，地域性的人文因素、自然因素对油画风景写生的影响。其次，从绘画题材、绘画语言、绘画风格三个方面分析油画风景写生的地域性因素。从而得出地域性的因素决定我们对艺术的感受不同，作品中形成的画面题材、绘画风格，画面语言也就存在差异性。关键词：油画风景；地域性；创作风格 1 绘画语言与地域性 云南省是少数民族最多的省份，其少数民族美术特征具有象征性、装饰性、主观表现性。象征性如云南原始岩画、甲马、剪纸中的人、动物、植物形象。麻栗坡大王崖岩画的两个主体巨像通体都是黑色，采用白线勾边，背景用赤铁矿粉颜料涂成储红色。在当地人心中，这个图像是他们祖先和民族英雄的形象。同样，基诺族传统挎包上的五彩太阳花纹，底色为天蓝色布，象征着太阳所在的天空。装饰性：如少数民族的服饰、刺绣的制作。色彩通常强调补色对比、纯度对比，色彩呈现平面的装饰效果。其中色相对比是最常见的，如丽江纳西族壁画采用了色相对比而取得饱满亮丽的色彩效果。主观表现性特征是指创作主体对于自己内心世界的一种情绪化的把握，它追求主观情感的自发性。我们观察云南少数民族的服装，可以发现各种色调的都有，给人一种喜庆祥和的色彩氛围，具有很强的主观表现性。少数民族的这种色彩语言，正是我们在风景创作中值得借鉴的。风景创作中除了对景写生外，更离不开画家的主观情感的表现。在这方面做得比较成功地画家有我们前面提到的姚钟华，他的作品中体现了红土高原上特殊的人文内涵，在传统艺术、民族艺术中上下求索，找到装饰性、表现性民族色彩语言。还有曾晓蜂的《在高山之巅》以响亮明快的色彩及装饰性线条表现出独特的风格。2 绘画题材与地域性 云南，地处祖国西南边陲，拥有着独特的自然环境，地域特征和特有的少数民族风情为云南风景画的创作和发展提供了良好的素材和创作源泉。在这里聚集了丰富的地貌地形，如波状起伏的高原，大面积土地高低参差不齐，纵横起伏。怒江峡谷、澜沧江峡谷和金沙江峡谷气势磅礴。在 5000 米以上的高山顶部，常年永久积雪，形成奇异、雄伟的山岳冰川地貌。还有喀斯特地貌，曲靖的石林就是典型的喀斯特地貌。多彩的民族风情，云南的民族多，民族节庆更多，为广大画家心驰神往的傣族“泼水节”、彝族“火把节”、白族“三月街”、纳西族“三朵节”、苗族的“花山节”、傈僳族的“刀杆节”、哈尼族的“长龙宴”等已成为云南风景画家的重要题材。红土高原质朴雄浑，博大精深；有美丽的自然风景，原生态村落。石林大糯黑彝族村落位于石林县城东南30公里处，是石林县阿诗玛民族文化旅游生态试点村之一，2007年被评为首届“昆明市文化旅游特色村镇”。大糯黑村世世代代以山上的层石搭屋建房。这些青石层层叠叠地垒在一起，颜色深深浅浅，或朴素或沧桑，记录着岁月的痕迹和撒尼人的生活变迁。独特的石头景观为糯黑村赢得了“石头凝固成的村寨”“石中精灵”等美誉，深受画家、摄影家及众多旅游爱好者的青睐，一年四季到这里采风的文化人士络绎不绝。位于祖国西南边陲的云南省临沧市沧源县翁丁村，是保存最为完整的原生态佤族村落。近年来，翁丁村充分挖掘传统特色习俗，开展拉木鼓表演、佤族歌舞表演、佤族祭祀典礼等丰富多彩的活动，开发旅游项目并展示悠久的佤族文化，成为当地极具特色的旅游景点。这一切都是油画风景创作最好题材。3 绘画风格与地域性 艺术作品的风格是多样的，由于艺术家所受的文化和个人的审美情趣不同，对具体物象的感知和差异性也不同，因而形成了不同地域的绘画风格。在这里本人用云南油画家苏新宏和东北油画家李泰铉的油画作品做比较，分析不同地域形成不同的绘画风格的原因。苏新宏作为云南风景画家的代表之一，作品表现出红土高原本的面貌，画面中的色彩视觉冲击力很强、笔触的运用，透着画家的激情与力量，这种力量来自画家本人作画时的一种感受，作品中的线条呈现一种力量。油画作品《土地》，画面中大面积的红色，给人一种很强的视觉冲击力，很好的表现了云南红土高原的特征。李泰铉东北风景画家代表之一，作品大多表现东北山村题材，油画作品《春》描写的是延边朝鲜族人民早村耕种的场景。画面中的构图，很好地体现出东北平原的辽阔和黑土地的肥沃。油画作品《秋之韵》画面中使用的色彩绚丽斑斓，这与东北的自然环境有关，在东北四季分明，到了秋天，漫山遍野红色的枫叶，给画家以丰富的想象力。地域性因素是一个地区的自然条件、生活习俗、历史传统等综合因素所形成的行为方式和思想基础。生长在这个地域的人不自觉地就会具备地域赋予他的个性，流淌在血液里的文化基因，无形中规定了你的认识、行为和思想。参考文献： ［1］ 把艺术做旧――与画家苏新宏对话［Z］.［2］ 杨一江.方言语境与地域文化［Z］.［3］ 周文林.云南少数民族服饰［M］.云南美术出版社.［4］ 张胜冰.中国西南少数民族艺术哲学研究［M］.民族出版社.［5］ 陈兆复.中国少数民族美术史［M］.中央民族大学出版社.［6］ 宋文翔.地域性因素在云南美术发展中的主导性［J］.
中国油画创作中的抽象艺术 篇3
关键词：中国油画；抽象；具象
所谓“抽象”就是“艺术家运用提炼、概括手法，抽取出形象的共性及本质特征，并把这些生活中常见形象进行抽象的艺术加工，创造出不同于具象写实的艺术的形象。”[1]抽象艺术思维是在油画创作的过程，是艺术家对客观事物内在本质性感受。抽象艺术思维是艺术家的一种语言表现方式，能以纯视觉的方式来呈现艺术家的心态和个人生活状态等。在创作中以人为中心和主体，突出人的作用和价值，以人的存在方式思考并认识客观世界，逐渐淡化艺术的写实性而加强精神性的探求。
根本的创作思维还是我们已经熟悉并潜移默化所接受的中国抽象艺术的丰富内涵，这是中华民族抽象美学意识对客观世界的独特认识和对艺术的独特追求。中国绘画的传神、写意、抒情是中华民族抽象美学意识的具体体现和结晶，它对于我们今天的油画创作具有重要的指导意义。
一件作品尚若没有基本的较为成熟的技法，就没有表达能力。但只有作画的技术与能力，无心灵的、感觉的意念，不求精神性之意义，作品必然匠气而低俗，不是艺术品。技巧与精神意念缺一不可。绘画形式的构成是观念之转换。它是纯感情的产物，必然自然成形。万万不可刻意制造。史前的原始艺术，以后苏不是那么成熟、合理，但形式很美而抽象，没有丝毫矫揉造作之感，以最直接的方式表达灵感，可谓观念至上的创作方法。
史前的原始艺术，虽然不是那么成熟、合理，但形式很美而抽象，没有丝毫矫揉造作之感，以最直接的方式表达灵感，可谓观念至上的创作方法。中国传统绘画中的“意境”、“境界”、“气韵”等等都是与人的精神、灵性息息相关。如何能把人的灵性、抽象性的情绪以及情感的冲动性，贯穿于油画色彩笔触之间，探索生命、情感与油画材质的内在联系，此乃前所未有之技法。
中国油画来源于西方，是西方文明孕育了油画。中国油画经历了启蒙，追随到回归这样一个发展历程，应该说逐渐找到了自身的定位。这需要我们有一个宽容的态度，谨慎的变通，在中西方艺术里找到共通点，结合点，两种艺术不会也不应该是完全的对立的。现代中国油画民族画是一个油画界的问题，并经过近年来艺术家们的辛勤探索，有着蓬勃发展的趋势。这是两种文化融合的结果，既受中国传统绘画艺术的影响，也受到西方抽象艺术的影响。更重要的是在中国传统绘画中“意境”、“境界”、“气韵”等等都是与人的精神、灵性息息相关，都是一种抽象艺术的精髓表现。
象中国画这样以笔墨宣纸为工具，以人物、山水、花鸟为题材，再加上由中国传统文化孕育而成的中国画特有的抽象意味，结合而成的绘画方式，历经千百年盛开不衰，在世界绘画史上绝无仅有。中国画是一种沟通人与自然的和谐对应，是关照心灵和精神的艺术，中国画作为中国传统文化的产物和体现，深深扎根于中国博大精深的文化土壤中。中国文化的抽象意味一开始就给中国画的创作以玄妙的定格。儒学、道学、佛学三家文化的哲学思想引导并影响着中国绘画，天人合一的宇宙观支配着中国画的进一步发展。中国绘画的艺术观倾向于把自然与社会，心与物，超越与内在视为一个连续的整体。儒家哲学讲求“仁”、“礼”，赋予画家和作品以道德使命；道家主张“人法地，地法天，天法道，道法自然"，追求“虚静”、“空灵”的境界；而禅宗的“悟”与“圆满”、“冲淡”与“禅味”都以抽象的意味强化着中国画的创作，揭示着世界自然相生的道理。这就要求中国画家在积淀深厚的传统文化底蕴的同时，在笔与墨、理与法上极力展现自我，在似与真、形与神上求理求趣，这便形成了中国画特有的艺术风格——意象。这种意象可以是一种视觉的“意象”，也可以是一种听觉的“意象”，因为意象的符号性、意象与真实形象的差异性、意象对思维的启发性，充分说明意象作为中国画表现风格的重要意义和独到之处。
语言是人们交流中抽象出的符号，中国人把汉字的书写发展成造型艺术，赋予用笔“以锥划沙”、“骨法用笔”的感受，赋予书画“横如千里阵云，隐隐然有形；点如高山坠石，磕磕然突如崩”的形象，赋予章法“担夫争道”、“俯仰揖让”的秩序，这些都是对万物的通感，对自然过程的通变，是纯意象的表现，是作品内涵的抽象。这种抽象的意境来自笔墨情趣，这种抽象的神韵来自离形得似，这种抽象的风格来自以形写神。这是有别于西方绘画的抽象。
19世纪末以前，西方造型艺术就一直高举着“艺术摹仿自然”[2]的大旗，到了19世纪末20世纪初，西方绘画出现了现代艺术流派纷呈的局面，绘画从具象走向抽象，不再以摹仿自然真实为己任，出现了“准确的描绘不等于真实”的观点。西方绘画由“极似”走到“极不似”，中国画始终坚持“似与不似之间”的美学观念。历代中国画家的实践都证实了中国画始终把具象性与抽象性巧妙地溶合在一起，铸成了我们独特的民族艺术风格——包含着抽象的意象造型。
艺术的形式可分为三大类：第一类“具象”的艺术形式，是指艺术作品中描绘了一些外界具体物象的艺术形象，西方自文艺复兴到前期印象派都属这一类；第二类“抽象”的艺术形式，是指艺术作品根本不去描绘任何具体物象的形象（以康定斯基为代表）；第三类介于具象与抽象之间的形式（以中国绘画为代表的东方艺术）。
总之，具象艺术给人的印象是真实的、立体的、可信的，但是有限的。而抽象艺术是广阔的、深远的、无限的，但是是朦胧的。具象能叫人信服，而抽象能使人去联想、去理解、去补充、去体味、去探究。
面临21世纪的到来，当代艺术家要经历更大的挑战，多种流派、多种风格必将呈现在艺术舞台上，我们要在多元化的道路上找到自我的存在，这就必须继承和发扬我国优秀的传统艺术，吸收其他民族的优秀文化，借鉴各种表现形式，最后走出自己的一条路。
参考文献：
[1] 厐均著，《油画论》，人民美术出版社2007。
现代油画艺术创作之思考 篇4
一、油画的本土化问题
油画本土化, 是油画移植中国后必须进行的一个重要的文化转化过程。油画真正传至我国只有百年的历史, 是伴随着科学、民主而来的, 之后油画一直充当着代表理想的贵族形象。然而最近几十年来, 由于绘画语言、风格的不同以往, 甚至出发点的转变, 使得油画艺术与其最初的形象相比发生了很大的变化。在不同程度上已渗透了很多中国本土的元素, 实现了本土化发展。面对油画的本土化问题, 有的学者认为, 中国油画要想获得长足的发展, 必须要进行本土化, 将其与传统中国元素进行融合;而有些学者却认为, 油画本身就是西洋产物, 令其中国化, 不过是旧瓶装新酒, 达不到预期的效果。
其实, 油画本土化和长期以来所谈论的油画民族化问题大同小异, 都是试图在西方油画体系之外建立一个可以与之相抗衡的中国油画体系。这一点有些不切实际。且不说当代艺术的文化竞争已不在油画领域, 即便是相互比较, 我们可能会在油画创作中产生出很多的个人成果, 但决不可能化出一个中国油画体系。中国油画创作中要有本土意识, 这是指本土的中国的现实的问题意识。西方油画之所以在中国扎根, 不是因为中国需要画“油彩的中国画”。中国油画的历史是直面问题的历史, 而不是油画意象化、文人化的历史。无论是在经济、政治还是在文化领域, 现代性都是不可避免也无须避讳的。对于移植自西方的油画而言, 如何在直面现代性以及后现代的浪潮中, 进一步使油画具有本土气概, 是需要我们每一位油画研究者认真对待的课题。
二、正确处理油画商业化和艺术导向之间的问题
改革开放以来, 对西方油画创作方式的学习借鉴, 使得中国油画艺术的水平获得了大幅度提高。虽然当代油画在中国的发展时间较短, 而起步之始又大都受西方艺术思潮的影响, 但我国的油画家经过多年的艺术探索与创新, 扩大了艺术领域, 使油画艺术在我国迸发出了新的活力与崭新的气息, 题材内容和形式风格也更为广泛, 展现了更加多姿多彩的面貌。然而, 从上世纪90年代初开始, 我国经济迅速发展, 艺术市场也随之壮大, 呈现出一片兴旺景象, 这在一定程度上促进了中国油画的进一步发展和普及, 不但壮大了艺术创作队伍, 也使得油画艺术进入千家万户, 形成良性循环的势态, 这是应当充分肯定的。然而, 由于中国艺术市场起步较晚, 不够成熟, 面对艺术市场的商业诱惑, 一部分油画家不可避免地会出现一些问题。如在写实油画方面产生了一些迎合低层次市场需要的琐碎雕琢、形象庸俗萎靡的人体作品, 缺少作为中国人现实状态的精神品格。为此, 保持创作头脑的冷静, 正确处理油画商业化和艺术导向之间的问题, 就显得格外重要。为此, 我们不应过多地步西方艺术流派与风格的后尘, 片面迎合西方艺术标准, 或者被艺术市场上的经济利益冲昏头脑, 失去艺术创作的本真, 我们需要在中国民族精神取向和艺术创造态度方面做好示范, 注重对艺术价值的真正追求。
三、重视对油画艺术特质的表现
在现代油画创作中, 有很多创作者都是以机器的视角和西方人喜欢的视角来创作的, 而作为中国艺术家的视角呢?油画尤其是写实油画是要用心体会、用眼分析、用手表现的, 而不少油画如果用机器代替眼和手, 那油画作品就失去了油画艺术的特质了。美术借鉴摄影图片的行为不是不可取, 但问题的关键是:如果把写实油画的终极目标变成模仿照片, 那就失去了油画艺术的特质, 那么油画也就没有存在的必要了。摄影和油画分属于完全不同的艺术领域, 有着完全不同的艺术特质。摄影艺术是以自然物象为对象, 摄影家可以选定视角和虚实转换, 它貌似真实但却是被动的;而绘画需要融入创作者对表现对象的心灵感悟, 需要眼、手、心的协同运作, 经过概括、提炼等艺术处理过程而创作的艺术形象。外表看似这两种都是图像, 具有真实的外貌, 其实有着质的区别, 不能等同对待。
那么, 我们的绘画艺术应如何进一步发展?我认为, 除了在创作内容中要贴近和反映当代社会生活和表现当代人的精神世界外, 绘画艺术的出路是必须要大力发挥其本身的功能——即用我们的眼睛和心智去观察社会, 以我们眼、心、手的结合, 集精神和技巧于一身, 去作灵动的激情表达, 产生多彩的艺术效果。这是任何别的艺术替代不了的。这也就是我们常说的, 绘画不要去“制作”, 而是发挥艺术家才情的书写性, 要有用笔的意蕴。我们的最终目的, 仍然是发展现代民族文化, 发展现代的具有民族特色的油画艺术。许多现代民族都在竭力寻找自己的根, 力图以现代观念和自己传统的民族意识之流接通, 召回自己民族的灵魂。只有意识到艺术发展的规律和油画艺术的特质, 顺着时代发展的脉络, 才能不断有新的创造, 而产生永久的艺术魅力。
摘要：新时期以来, 作为外来艺术引进的油画艺术, 在中国取得了令人瞩目的成就, 已经成为了当今中国现代化进程中文化领域的一种重要现象, 作为承载中华民族文明精神的载体, 油画艺术在我国艺术发展战略格局中的走向, 无疑成为了我们共同关注和研究的重要课题。本文主要论述了现代油画在当前我国发展进程中所遇到的各种问题, 以及应以什么样的态度去面对这种问题。
关键词：现代油画,艺术,创作,道路,思考
参考文献
[1]艾尼扎提江·伊米尔江.关于油画创作中几点问题的思考[J].大众文艺, 2013 (04) .
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[3]许君.差异与传承——浅析当代中国写实油画创作风格形成的思考[D].沈阳师范大学, 2012.
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油画创作心得体会 篇5
我会努力把喜爱的画家笔意带入，由于深知脱离前辈的积累乃无水之源。我喜欢对比色，柠檬黄加白的辉煌夺目，熟褐加土黄的沉稳而不失强烈热闹——这样的画面响亮打眼。我又会试图把每一幅作品拉开色调，争取给人以不同视觉感慨感染。刮刀是我的重要“武器”，我的画面中大部门竟会依赖它来完成。笔法的丰硕会让画面增色不少，追求多方向的笔触变化，画画对我来说是一种精神旅行，是件快乐的事。好与坏，只要真诚表达就行。
我热爱油画创作，喜欢以印象派表现手法来体现我的画风，那些沐浴在光线中的天然景色和光与色在瞬间相遇的感觉深深的吸引着我，我将尽可能的把这种瞬间感觉经验转化为感情状态。
我画花卉的时候感觉到，每一种花草都有自己的语言，都有自己的性格。花开花落都是诗一般的感觉，不管是娇艳迷人具有诱惑力的罂粟花仍是出于淤泥而不染的荷花或是具有顽强生命力的格桑花，芦苇花，它们都用生命的语言诉说着自己的故事。我想画的不仅仅是花卉，人物，动物，风景等油画作品，而是但愿能把我看到，感慨感染到的各种可以表达思惟的声音用绘画的语言表现出来。我以为无声的语言是最丰硕的，由于它赋予我们无限无尽的想像空间。人的思惟是自由的，艺术发展没有底线，艺术的美与丑都因各个的赏识角度而不同。大芬村
艺术创作之断想 篇6
艺术上的新与旧是客观存在的，随着时代的变迁，人们的哲学观念、精神价值、审美意识、人文思想、科技技术、工具材料、表现技法等等都会发生改变，而这些变化在艺术作品中必定会有所反映。艺术发展是一个以新语言代替旧语言不断向前演进的过程，新语言的诞生必定在视觉上造成一种陌生感，迫使人们要去探究其中的秘密，因而才更显其不同寻常的魅力。当一种语言被不断重复使用后，陌生感就会消失，因此，对新语言孜孜以求的探寻是艺术家不竭的创造动力。满足现状，不思进取，则是艺术家的头号敌人。德拉克洛瓦曾说：“作品需要属于你自己的时代，企图逆流而进或者模仿古人，都是很荒谬的。”现代画家的生存空间与视野，必然产生带着时代烙印的观念，时代的发展敦促着艺术家的作品应具有开拓与创新精神。
纵观人类美术发展历史的长河，继承与创造是美术史永恒的主题，也是作为有历史责任感，使命感的中国画家应该用心思考的问题。关于中国画的未来发展，人们关注已久，见仁见智，自在情理之中，一涉及“出路”和“发展”就必然涉及“来路”和“历史”，就要进行价值判断，就要在开出“处方”前对过去进行“诊断”。中国画的来路，当然酝酿于至少五千年以上的中华文明，其历史之悠久，积淀之丰厚，想必无人异议。尼采说：“亿万年的精神活动积淀在语言中”。中国画的笔墨语言正是如此。
艺术的发展离不开对传统的继承。在历史的长河中，尽管每一种形式、内容都在兴盛与衰亡中变化看，但总有一种相对稳定的内核贯穿其中，其审美价值是跨越时代的，这正是今天的艺术家所要珍视、研究和继承的东西。离开了传统之根基，国画创作将成为无源之水，无本之木，作品必然会流于肤浅、空洞和乏力。然而继承传统并不意味着陈陈相因。先哲曾说过：“善师者师其意，不善师者师其迹”。这句话强调的就是要学习前人的精髓而不是刻板地照搬某一技法程式。艺术在本质上是以创造作为其生命力的体现。创造与继承并不是矛盾的，从某种意义上来说，继承传统是创造的基础，而艺术家的创造则可以阐释和丰富传统，两者的辨证统一正是美术史演进的内在规律。唐宋文章直追汉魏风骨，举的是复古大旗，其实是张扬现实精神，纯粹的复古没有任何意义，也是不存在的，唤起人们对某种美好事物的回归和向往，才是真正的目的。创造，应该是在立足文脉的基础上以鲜明的个性化语言表达对生活的真切感受，因此，真正的创造与因袭无关也与矫饰绝缘。
进百年来中国人对自身传统的忽视与偏见，造成了中国画家艺术理论上的混沌，从而引发了中国画发展的徘徊。人们在学习西方的热潮中呈现出了一种偏激的心态，致使多数人忘记了“中学为体”，而过度强调了“西学为用”。只看到中西绘画技法上的差异，却没有看到中西哲学的差异，致使后来“中西结合”的思想诱发中国画走上了“形式”之路。中国虽然在现代科技上落后于西方，但在传统文化中却蕴含着比西方更为优越的哲学理论。中国画是中国文化积淀的产物，涵盖了中国传统的文化、哲学、美学与历史。两千多年来，中国画在中国传统文化的滋养下，形成了自身独立的艺术体系与艺术规律。传统中国画设色的“计白当黑”，“以素为云，借地为雪”，表现了东方审美的意境和笔墨分布的节奏，是中国传统绘画的审美习惯。但由于文化背景不同，我国传统绘画不能被西方人广泛欣赏。他们不明白传统中国画的山水和荷叶等为什么总是画成黑色，背景或天空为什么总是空白。这是西方文化欣赏习惯和审美修养的局限性所致，实在是一种遗憾，但也应该引起我们的反思。某种艺术生命的强大，稳固，容易产生文化上的惰性，人们不愿放弃千百年来惯性的鉴赏和表现方式，重复着历史的完美。
无可否认，艺术的创造离不开学习与借鉴，东西方艺术相互学习、交融当然是很正常的事。纵观历史，东西方文化多次大的碰撞、融合，都为推动中国艺术的发展注入了勃勃生机。如果因此而担心中国画会被全盘西化而失去民族性，这是杞人忧天。应当坚信，有着几千年文明历史的东方文化具有足够的力量借鉴异质文化，并且消化吸收，成为自己文化的一部分。如果因为担心被同化而拒绝学习交流，就如同害怕身上长出鸡毛而不吃鸡肉一样可笑。
中国画要向前发展，继承传统与吸收外来文化必不可少。继承传统应当是批判地继承，吸收外来文化应当是有选择地吸收。“取起精华，弃其糟粕，去粗取精，去伪存真”，是我们继承和吸收的原则。好的东西，有价值的东西，必定会有生命力，都可以拿来为我所用，无须为是中是西争论不休。继承传统不应把眼光只盯在某家某派的笔墨技法上，而应该从宏观上把握传统的精神，一种生生不息的创造精神。传统的魅力在于创造，而不是固守，传统因创造而得以延续。只是过多地纠缠于技巧层面的问题，会使我们忽视境界的提升和文化的追求。吸收外来文化，不能简单地模仿与盲目地照搬，而应立足中国哲学思想，从深层次上把握其精神内涵。要知其然，更要知其所以然。同时，吸收外来文化，不能良莠不辩。外来文化中，有与我们脾胃和情感相适应的，也有与我们的脾胃和精神相抵触的。生搬硬套只会是东施效颦，不伦不类，生吞活剥更会是消化不良，大倒胃口。社会和艺术的发展总是在革新创造与封闭自守的斗争中成长壮大的。创造力是艺术发展的生命。
艺术上的创新与其它新事物一样开始总是与不够成熟，不够完善相伴随，惟其不够成熟，不够完善才更需要加以呵护，加以扶持。要求一个刚出生的婴儿就具备成年人的体魄和思想是荒唐的。
浅谈电脑美术与油画艺术创作 篇7
电脑美术是随着计算机技术发展而形成一种艺术创作活动, 主要是应用Photoshop等计算机技术进行美术创作, 计算机软件的应用将复杂的创作技巧变得简单, 可以在一定程度上补充传统美术活动的缺陷。在进行油画创作的过程中可以结合电脑美术, 将两者有机融合起来, 这是一种新的艺术创作思路。
2 分析电脑美术的具体特征
电脑美术主要有以下两种特征:一是具有高效高质的创作过程。传统美术设计从构思至定稿整个过程, 需要经过一个长期的时间, 期间还需要受到多种矛盾的制约, 在此基础上已经设计好的构图, 通常又存在不同的表现水平, 这就在很大程度上制约了艺术的表现效果。然而, 利用电脑技术就可以有效避免这个问题, 可以大大的缩短创作时间, 使创作过程更加简便, 同时创作家可以反复调整构思, 从而取得最佳的效果[1]。二是具有良好的表现效果, 在艺术创作中利用电脑技术可以为创作者获取良好的平面视觉表现效果, 能够更加直观了解不同材质的肌理, 同时利用三维图像可以将静止的画面变化成不同的动画效果。
3 分析油画的具体特征
油画艺术主要是指利用利用不同的植物油调和颜料在木板上进行创作, 这是非常受大众喜爱的一种绘画形式, 相比起于其他绘画形式, 它的应用范围相对比较广, 除了应用于画廊中, 而且还应用于酒店、酒店的装修中。油画能够得到大众的喜爱, 与它自身的特征存在密切的联系, 首先, 油画的表现力非常强, 可以给人带来多样化的视觉感受。其次, 具有特殊的色彩造型, 油画创作过程中使用的颜料不仅黏稠性、覆盖力强, 而且品色也非常多。再次, 油画艺术融合了光与色的技术, 不管是从表现质感的角度来看, 还是从空间感的角度来看, 都远远超越了其他的绘画形式[2]。一般来说在油画的创作中, 主要是利用颜色明度、纯度等不同的特性, 将绘画对象充分表现出来。最后, 油画具有丰富的技巧, 油画的创作不仅可以利用厚涂法、点彩法的技巧, 而且还可以利用薄贴法、渲染法的技巧, 这些创作手法特点各有特色, 有的比较细腻, 有的比较粗犷, 但又色彩斑斓。
4 分析电脑美术应用于油画创作中的方法
艺术来源于生活, 同时又高于生活, 反映了人类的精神世界, 体现出不同文化观念。电脑美术从诞生至今, 主要是用在商业社会中, 但这并不影响它的文化功能, 电脑美术的应用可以开创更为广阔的油画空间, 从传统油画的角度来看, 它在画布、颜色画刀等各个方面都取得了至高的表现力, 是很难超越的一种境界, 这一点艺术家应当吸收和继承。从另外一个角度来看, 油画的审美情趣依然完全定型, 但是社会文化观念是不断发生变化的, 此时油画的审美情趣也会发生变化。所以, 在油画的创作中即使工具材料通常只作为一种媒介, 但它并不是一成不变, 随着艺术的不断发展, 它也会随着改变, 有可能影响艺术的创作。假设当前没有产生幻灯放大、喷笔等设备, 那么将不会有照相写实主义, 在现代画派中, 艺术创作离不开这些先进技术, 从根本上来讲这是一种观念上的更新[3]。与此同时如何才能将先进的电脑技术应用于油画艺术创作中呢?这是一个值得思考的问题, 也是一种全新的油画创作方式, 通常人们只是将计算机技术作为工艺美术范畴, 甚至很多人只是将其看作是艺术专业的设计工具, 这些观念都有一定的偏差, 并没有正确认识电脑美术。众所周知美术语言不同于日常生活中人们所用的语言, 这种语言主要是利用色彩、素描、线条等不同的元素表达, 如果创作者在对油画进行创作的过程中, 能够正确看待电脑美术, 将其看作是一种创作辅助手段, 将两者有机结合起来, 从电脑美术的角度对油画语言进行研究, 充分利用电脑美术的优势, 这样极有可能得到启发, 从而进一步提高油画艺术的创作水平。但需要注意的是在研究电脑美术语言的过程中, 不能忽略油画艺术语言的开发, 应当在此基础上深入挖掘油画艺术语言, 这样才能创作出具有艺术鉴赏价值的作品。
5 结束语
电脑美术的应用, 虽然可以简化许多繁琐的油画创作过程, 节省大量的时间, 但是有些东西是根本就不能完全仿真, 比如感觉、激情, 但是也不能将电脑与人脑完全对立起来, 也没必要争出高低, 应当正确看待两者之间的关系, 将它们看作是一种互补的关系, 在创作传统油画艺术的过程中充分利用电脑美术的优势, 将两者充分融合起来, 找到平衡点, 吸收和继承各自的优点, 将电脑技术作为油画艺术创作的一种辅助手段, 这样才有可能创作出令人惊叹的作品。
摘要：油画是一种传统的绘画形式, 在创作的过程中需要用到较为复杂的技巧, 此时可以利用相关的计算机软件进行创作, 将传统的油画创作与计算机美术有机结合起来, 这不仅需要设计者了解电脑美术特征, 而且还需要了解油画艺术的特征, 这样才能创作出优秀的艺术作品, 因此本文在分析油画与电脑美术具体特征的同时, 还分析了应用方式。
关键词：电脑美术,油画艺术,创作
参考文献
[1]杨萍.浅谈电脑美术设计与艺术的关系[J].中国校外教育, 2015, 10 (36) :102-104.
[2]刘欢.论油画同其他绘画形式的跨界与融合[D].沈阳师范大学, 2014, 09 (07) :97-100.
油画艺术创作论文 篇8
1、创作题材方面的特征
法国史学家丹纳说过:“伟大的作品产生于时代精神和周围的风俗。”[1]当今重视地域性文化在创作中的价值并不意味着“落后”和不“现代”。作为东北艺术家,由于地域因素远离艺术潮流的中心地带,他们则注重民间本土化题材的创作,以鲁美的领军人物韦尔申、宫立龙等一批艺术家孜孜不倦地埋头于民间乡土题材的艺术创作,众所周知,坐落在东北地带的松辽文化在中国区域文化中虽没有巴蜀文化与荆楚文化有名气,但它的独到之处是无可非议的。《中国区域文化》中这样写道:“越过山海关,你就跨出了‘闯关东’的第一步。继续前行,倘若是夏天,身边是青山绿水,生机盎然,一派南国‘春景’;若是秋天,成堆的玉米杆,铺满屋门前的大白菜,四处可见;要是换上冬天,浩白如银的冰天雪地,粗犷的酒令声,刺骨的寒风,此时才会让你真正领略到另一番天地景观。这就是祖国的东北大地。”[2]这些极富视觉感受的东北自然景观既是非常入画的题材,又是生活在这片土地上的人们所熟悉的景象。俗话说:“艺术来源于生活而高于生活”,把富有东北味道的松辽文化作为画面题材对于当地油画家来说恰恰可以丰富自己的油画语言,更重要的是能体现出东北的民俗文化与自然景观,譬如:勤劳、朴实、粗犷的东北农民形象,辽阔的北国风光,特色的建筑以及深厚、浓郁、独特的二人转风貌。
2、色彩、造型方面的特征
艺术的发展当然以孕育和滋养它的土壤以及传统文化为背景。长期以来,由于地域性文化的原因,鲁美油画形成了一种注重传统艺术的独特绘画样式,其显著特点是色彩艳丽饱满,充满了视觉张力,富有地域魅力。鲁美油画家往往喜欢用浓烈的色彩和颇为趣味的造型样式来营造画面的构成关系,在色彩与造型上尽量的单纯化,增强视觉感受,从而揭示东北纯朴的乡土气息。诚然,东北地域性文化为鲁美油画创作增添了色彩造型趣味。
3、创作风格与画面情感传达方面的特征
深厚的东北历史文化遗存,老工业基地的积淀,红红火火的大秧歌,热情质朴的人民,为形成宽厚、质朴、大气的东北绘画风格准备了条件。鲁美由于地处寒冷的东北,广袤的黑土地赋予其淳朴而豪放的气质,所以鲁美油画留给外界的总体印象是具有浓厚的北方乡土气息,画风纯朴,作品追求庄重与优雅,有一种厚实的感觉。在东北地域性文化的影响下,当地人们形成了自己独特的审美心理和视觉爱好,油画上也形成了自己独特的绘画观念和色彩表达,因此鲁美油画创作语言在情感传达方面就有着自己的地域性特色,充满独特的人文关怀。
二、阐述东北地域文化对鲁美油画家创作的影响
1、自然景观对油画家创作的影响
东北自然景观留给世人的印象就是辽阔的北国风光,但从自然风景转移到画面油画风景时,就形成了一个质的飞跃,因为画面中寄托了世人的情感。对于东北土生土长的宋惠民,在他的作品中不难看出他对地方水土寄予的一片深情,几十年来他致力于油画艺术的探索与研究,在不同的年代创作出具有时代性的作品,特别是基于北国风光的再现,譬如:《鞍山之春》《北方四月》《残雪·早春》,这一系列作品,画面传达了一种给人以空旷辽阔之美的情感。使我们能感受到他对北国风光的热爱。不仅如此,他还在东北白山黑水间不断地寻找着创作灵感,创作了大量表现北方原始生态的风景油画,豁达豪迈的意境使人的心灵得到升华。
2、民俗风情对油画家创作的影响
作为东北娱乐活动的民间歌舞,主要有秧歌、二人转等。在这些民间歌舞艺术中,人物的造型和服饰的色彩对油画创作有一定的影响。宫立龙的系列作品反映的都是一种民俗文化,采用了乡村爱情的题材,人物的造型较为夸张,动态颇有趣味,色彩综合运用红、绿等民间艺术常用的色调,整个画面的效果给人以朴实之感。东北二人转作为典型的歌舞艺术,人物形象塑造滑稽可笑,服饰搭配大红大绿而显得不和谐,有时候更显得扎眼,让人会感觉难登大雅之堂,颜色表现上也可以说俗不可耐,但我们能够从中感受到二人转中隐藏着耐人寻味的东北民俗风情,渗透着东北风土的味道。宫立龙的油画创作传达的不仅仅是纯粹的人物表现和简单创作的思想观念,而是创作观念与地域性文化的融合。在他的《二人转》《俺就爱你》等作品中,单看作品名称“俺”、“二人转”这个字眼就十足地反映了东北地域性的语言文化与民俗文化,且画面中的色彩脱离不了大红大绿,造型脱离不了笨拙臃肿,肢体动作与面部表情放肆夸张,表现了东北文化原生态的农民生活状态。
韦尔申在80年代中期创作历程中,题材集中于蒙古牧民形象,带有明显对民族精神和宗教崇高的敬意,人物形象刻画则趋向样式主义的概括与泛化。东北有着深厚的历史文化遗存,曾经是游牧民族的生活居住地,地形上与蒙古接壤,能够更加了解游牧生活的粗犷,这对于本土的他来说无疑不是创作必备的素材。
3、人文关怀对油画家创作的影响
作品中涉及个人情感因素是至关重要的,如果创作中缺乏内心情感的倾注,那么作品是没有味道可言的,更不能说明所要表达的创作主题。对于人文关怀,宫立龙的作品是极其到位的,他笔下的农民形象没有做任何的粉饰与渲染。他的作品强调了对现实生活和客观物象的感受,关注了人的生存的社会性,揭示人性的真实,以及结合了东北地域性文化,诠释了人文关怀的意义。他的创作是在对客体的直观感受中完成的,把握人物的内心世界,成为了他创作的主要特点。他想从农民的形象上找回并努力重现那种健康纯朴的活力,这些都反映了“当随时代”与“聊以自慰”的观念。他的创作都诉说了一个直接而原生态的农民生活状态,画面用提炼的艺术语言传达出一种回归本性的“真实”的存在,体现了他对东北农民,对这块独特地域的热爱之情。从鲁美这一创作群体来看,他们毫不逊色地传达了最具语言研究特色和表达人文精神深度的艺术作品,其特色的核心艺术观念是对人的生存、人的尊严、人的命运的高度关注。因此,鲁美油画美在人文关怀。
三、结束语
对于我们世人来说,不管从哪个层面考虑,鲁美作为东北的艺术瑰宝,东北的地域文化为它源源不断地提供着艺术的养料,从而油画创作都渗透着地域性文化的熏陶。我们肯定的一点就是东北地区的人文风俗所造就的油画风格引人入胜、耐人寻味,其作品健康、朴素,正如唐代著名画家张璪所说的:“外师造化,中得心源”[3],强调的是艺术创造实际上是一个重视主观和客观、重视心物结合的过程,从这一理论命题中可以看出外在的客观形象对艺术家创作实践有着举足轻重的作用。正是在东北这种特殊的地域环境下,依照着艺术思维和现实生活中的感知把生活中的事物和景观转化为自己在艺术上的审美观,使得鲁美油画创作淋漓尽致地表现出北国风光和东北的风土人情。
如今生活在一个传播媒介发达、信息交流频繁的时代,画家是否能够保持清醒的头脑去审视现状,不让自己被商业化的市场所诱惑,不失去地域性文化的熏陶与个人情感的释放,这是非常值得深思的。可以说现今不管在哪个文化领域层面上都要提倡创新,艺术领域也无法逃脱。如果它主要观念传达的是“当随时代”,那么将不能在画面上通过独特的表现方式获得智慧性的观念表达,甚至违背了现实自然规律,当然朴素的地域文化更具有审美的直接性与说服力,同时这并不等于对当代生活中艺术表达的失语。总而言之,地域性文化是艺术家创作的底蕴,是作品的精神、灵魂和根脉。
参考文献
[1](法)丹纳著,傅雷译,《艺术哲学》,天津社会科学院出版社,2004年5月出版
[2]李勤德著,《中国区域文化》,山西高校联合出版社,1995年6月出版,第271页
油画创作教学探析 篇9
首先, 内容、形式与美感的统一创作原则应始终贯穿于我们今天的油画创作教学中, 并作为教师评价学生油画创作作品质量的重要标准。
自15世纪油画成为一门独立的画种以来, 历经无数画家的不断实践与探索, 积淀形成自己独特而丰富的绘画语言和绘画形式。这种绘画语言形式有别于其它画种的特性不仅在于它的材料技法上, 更在于它能完美再现和充分表达视觉感受的真实性。这涉及到科学地运用透视方法, 使二维的画面产生立体深远的空间视觉感受, 以深厚的素描造型训练为基础, 探究物象的明暗和内在的解剖结构关系, 并运用丰富微妙的色彩来造型、来构成画面, 以及其特有的画面肌理、画面经营等语言形式, 成功营造出一种扣人心弦的视觉真实感。这种独特的绘画语言形式是进行油画创作必备的基本功和条件, 是学生迈入大学校门的那一刻起就必须不间断地对它进行系统而艰苦的学习和探究, 只有熟练地掌握它, 才能自如地运用它为自己的创作内容服务。
创作内容也就是创作主题, 即创作题材。它来源于我们的现实生活。在油画创作教学中教师要引导学生学会深入生活, 了解生活, 并在生活中吸取和收集创作素材。在这个过程中重点培养学生如何在现实生活中去感受美, 发现美和品味美, 也就是培养学生对生活的一种细致、敏锐的审美观察, 一种艺术家经过训练而培养起来的特有的审美感受, 一种和“自我”联系在一起设身处地的感受, 并把“自我”与客观对象交融在一起的状态。这需要有意识地长时期注意观察、发现不同客观对象之间的差异, 发现它们各自独具的特点, 并对这种独具的特点表现出深厚的兴趣, 靠着这种能力深入事物的本质, 把握住客观事物突出的特征, 从而发掘和收集到现实生活中有意义的题材。
油画创作就是在这样的审美感受的作用下, 萌发的创作冲动, 并会积极的促使我们展开形象思维, 从而深化我们的题材主题思想, 拓展题材内容含量将审美感受上升为审美理想。我们再采用油画工具材料, 运用掌握的油画语言, 油画形式来表达我们的审美理想, 在表达过程中加以对我们审美理想的检验, 并给以修正, 深化和完善。这是一种把现实生活体验物化为艺术作品的过程, 是一种从现实生活中发现美, 感爱美、品味美, 运用油画语言形式来抒发美, 表达现实生活中美的本质的过程, 一种内容、形式与美感完美统一的创作过程。
内容, 形式与美感的统一创作原则不仅始终贯穿于我们的油画创作过程, 而且也始终贯穿于整个西方油画演进过程中。它是西方传统油画发展形成的一种优秀的创作法则, 能经历“时间和地域差异”的检验, 是属于全世界共同享有的优秀文化遗产, 是超越时空概念的。
同时, 内容、形式与美感的统一创作原则也是指导教师作为评价学生创作作品质量的重要标准。对于艺术作品的欣赏和评价一般人们表现为很强的主观性, 人们往往是从个人某一喜好的角度去欣赏和评价。作为油画创作教学的指导教师要从现实主义的观点出发, 以内容、形式和美感的统一创作原则作为标准, 客观地去评价学生的创作作品。并引导学生掌握和运用这一原则来欣赏、评价过去和今天令人眼花缭乱的艺术作品, 辨别绘画作品的是非优劣, 从而提升学生们的审美眼光, 促进他们的学习和创作。只有运用内容、形式与美感的统一创作原则作为艺术品评价的标准, 才能使艺术作品有了可比性。才能使不同观念、不同形式的艺术作品在内容上有了深浅, 形式上有了新旧, 艺术家品味上也就能体现出高低, 手法技巧上就有了优劣。否则, 我们只能根据自己的喜好片面主观的去品评艺术作品, 或是人云亦云了。
其次, 充分调动学生积极向上的创新意识和创新精神, 是油画创作教学衡量教师指导成败的标尺。
积极向上的创新意识和创新精神是油画创作必须具备的核心思想, 也是比较难以把握和不易驾驭的一种高级别的精神思维活动。
谈到创新我们会与破旧立新、标新立异等词汇联系在一起。但在油画创作教学中, 如果只是简单的把创新按上述的词汇本意来理解、来解读, 并付诸实践其结果导致的就是个性的泛滥、独创得没有了任何章法和原则, 一旦想尽一切办法玩“笔触”、玩“肌理”, 而忽略基本的创作规律和创作方式, 这样的创作结果, 艺术要么成了一种单纯的笔墨游戏与自娱自乐, 要么就成为了在90年代以后以发烧似的热度迅速传播的流行性病毒:后现代主义。
在油画创作教学中我们主张的是一种积极向上的创新意识和创新精神, 是在学习研究传统油画创作规律、创作方式的基础上, 滋生出自己对传统的批判性的创新精神, 并在历史唯物主义“扬弃”观的指导下, 实事求是地承传西方传统的油画的精华, 以当代的审美观念和本民族的理念去拓宽对西方传统油画的研究, 对西方传统油画精华进一步的审视和发掘, 拓展出具有自己本民族特征和时代精神的中国油画。
相反的, 如果我们在创作中过分强调传统, 一味地重复模仿他人的印迹, 甚至是完全借鉴前人, 直接挪用前人的艺术成果, 取代自己对生活与自然的感受, 完全进入前人的思维状态中无法自拔, 对传统过于依赖到不敢越雷池一步, 这种缺乏创新精神的作品是没有生命力的, 是艺术创作的大忌。因此, 在创作中把握和驾驭好创新这把标尺是创作成败的关键。
在创作教学中我们应该这样来理解传统, “传统”意味着能沿续和发展的民族文化, 毕竟它是数千年来民族精神和民族文化的沉淀, 它有着“温故知新”“继往开来”“望今制奇”“借故开今”“继承和发展的含义, 是推陈出新”进行再创造的“基业”。而承载了西方油画几百年视觉艺术表达语汇内涵和审美意识的传统油画的创作规律和创作方式, 是我们学习研究的保贵资源, 是我们进行油画创作的基石。在油画创作中, 我们强调注重现实生活的启迪以及对自然美的感悟, 并将生活美与自然美演进为艺术美。创作时对所触及的自然物象在心目中或脑海里, 必须有一个加以分析、整理、提炼、选择、美化组合的过程, 在这种过程中创作者要打开想象的翅膀, 把对客观物象的观察、体验, 通过主观的美化处理进而升华为美的艺术构思, 这也就是我们常说的艺术源于生活而又高于生活的形象思维。如果学生们对此领悟不深理解不透, 在创作中不经历或少考虑这个过程, 就会导致创作作品常常仅是对生活的自然模拟和翻版, 出现作品雷同、个性缺失的情况, 也即表现为缺乏创新意识和创新精神。
事实上, 在创作教学中我们提倡学生们运用反向思维、逆向构思的方法来概括、提炼和重组创作内容和创作形式, 我们可以在画面意境上运用象征与比拟手法, 或是绘画形式上进行节奏与组合的变化, 以及线条粗细、色彩的清新、浓烈方面来进行大胆的创新与变化等等, 使创作作品更具艺术化、个性化, 也更具新意, 一切独特的创作, 其奥妙不过如此。
总之, 在油画创作教学中教师的作为将直接影响到学生的创作观念, 审美价值取向, 以及创作教学的质量。因此, 我们必须以历史唯物主义的发展观, 来看待艺术新思潮和外来信息对我们的油画创作教学的冲击, 必须采取慎重的态度来对待和解答这一新时代带给我们的新课题。在创作教学中指导教师不仅要坚持内容、形式与美感的统一创作原则, 还要把握好传统与创新的尺度, 只有这样我们的创作教学才能有质的飞跃。
参考文献
[1]黄宗贤.创作[M].四川美术出版社.1996.
油画艺术创作论文 篇10
1. 油画风景写生的发展历程
风景油画在历史上的发展步伐是相对缓慢的。最初的时候, 风景油画只是人物油画中的一部分, 并未获得独立的地位, 仅作为人物陪衬而存在。直到文艺复兴后, 风景油画的独立地位才得以逐渐确立。19世纪中叶出现的巴比松画派以写实的手法来表现大自然的真实风貌, 并将它视为一个拥有生命的个体来深入发掘其内在的生命力, 进而将画家对自然的真切感悟充分表现在作品当中。巴比松画派出现的几十年后, 印象派应运而生。印象派的出现将风景油画的成就和地位推向一个更高更新的层次。印象派强调绘画创作者要对外在的客观事物具有强烈的印象和感觉, 随着历史不断推演与众多著名油画家的卓越贡献, 油画风景写生成为了油画风景创作中必不可少的重要部分, 在一些情况下, 油画风景写生甚至被默认为与油画风景创作是等同的地位, 这也充分表明了油画风景写生在油画风景创作中的重要性。
2. 油画风景写生的应用
写生这种创作方法, 最初被西方画家看重并广泛运用于绘画创作。在学习绘画的过程中, 初学者一般都通过临摹的方法开始入门, 这样, 写生就成为了绘画学习者不可缺少的重要方法。临摹能够使绘画初学者在比较短的时间里了解并熟悉绘画创作的基本技法, 从而实现快速入门的学习效果。然而, 仅靠临摹并不能成为一名优秀的绘画者, 临摹的作品缺乏灵性, 无法体现出画家对于自然的深刻感悟。这个时候, 写生训练对绘画学习者而言, 就显得尤为重要。只有通过对具体物象的写生训练, 才能使学习者在传统绘画技法的基础上融入真实山水的灵性, 从而在绘画学习中获得优异的学习成果。
二、在油画风景创作中确立写生意识
1. 西方传统绘画观念中的写生
西方艺术发展过程中, 受到了基督教神学的很大影响, 因而, 与中国追求意境的绘画精神不同, 西方绘画更注重作品外在的精确和完美。西方绘画强调对自然风景进行创作时, 应该尽可能忠实于大自然的原貌, 将自然最本真的形态描绘出来。这种追求写实的艺术观, 也说明了写生对于油画风景创作具有十分重要的作用。
2. 油画风景写生的创作特点
西方的风景画十分注重应景写生, 依靠对大自然丰富色彩和细腻光感的强烈感受进行写生创作, 在作品中充分表现出画家对自然的真情实感, 以此反映出画家对大自然及世界的独特感受。为能最大限度地提高绘画作品的真实性, 画家除了要运用高超的绘画技法尽力表现油画作品, 还要将自己对自然与生活的独特理解融入油画作品中, 使风景油画兼具真实美感与灵性特征。[1]
3. 油画风景写生的创作技法
风景油画在当代中国的发展, 出现了很多的新因素, 中国的许多画家为了寻求突破, 大都会从新观念出发, 尝试创造出新的创作技法。在风景油画创作中推广使用综合材料, 可以使风景油画在表现空间和表现可能性上得到很好的拓展, 从而让绘画作品与画家的内心达到高度的契合, 体现风景油画真实性的同时也反映出画家对现实生活的和谐构想。
4. 油画风景写生的现代发展
随着现代科技的快速发展, 油画风景的写生创作突破了传统的风景油画写生观念。尤其是摄影技术的发展, 给油画风景的写生与创作提供了更多的有利条件, 例如, 在自然条件不允许继续完成绘画的时候, 画家可以利用数码摄影产品拍摄下当时的风景, 然后将照片带回画室继续开展绘画工作。[2]
三、结束语
风景油画写生对于风景油画创作具有重要的基础作用, 是一种不可或缺的表现手段。一个优秀的风景油画画家必须掌握高超的写生技法, 并且在油画风景写生中融入自己对现实生活的感悟和理解。为了创作出优秀的风景油画, 画家在创作风景油画时, 应该树立起极具建设意义的写生意识, 并不断探索出新的写生技法。
参考文献
[1]阿荣, 媛媛.油画风景创作中对写生的认知问题研讨[J].湖北函授大学学报, 2015, 28 (01) :188—189.
油画创作中对油画语言的认识 篇11
关键词：油画语言；情感；思想；素养
人类的语言，是用来表达情感、相互交流的手段，画家常常借用这个词，将自己绘画的表现手段，也称作“语言”，既是“绘画语言”。所谓油画语言，油画语言最基本的概念是指油画的造型语言，他是以油画构图的营造、色彩的冷暖、明暗的对比、形体塑造为词汇，来表现人物、景物、环境等这些客观事物的。面对客观事物，用什么方式方法，通过不同的构图、节奏、笔触、颜色等等很多因素来表现。色彩的工具包含了水粉、水彩、丙烯、油画四种工具。“如何用‘器（工具）来表达色彩情感和思想，对‘器得心应手的掌握和控制是要通过磨练的。”[1]
在观看老师示范油画过程中认识到没有笔者想象中的简单，因为老师是对油画材料、工具运用得心应手。当然在绘画的表现技法更是我们望尘莫及的。大笔的挥舞，看似简单的动作也是多年来经验积累的成果。特别是看了老师用gesture方式进行绘画创作，领略到艺术的高超境界，以秒速的技能毫不留有思考的余地对观察到的事物进行创作，真的达到忘我的境界。随着科技的发展，手机、照相机等是我们快速记录场景的工具。对于我们绘画者是一个好的帮手，因为在地域和时间上的限制，这样一来在我们对照片写生的要求就需要我们选择合适的角度去拍摄，才利于我们后期色彩创作。
油画绘画过程中对老师所谈到的“死去活来”定义的理解以油画绘画中固有色的语言来解释，即在白色阳光下一个事物本身呈现的颜色效果，被称之为固有色。也就是指物体在常态光源下呈现的固有的色彩属性。固有色常常受到不同光源的影响，一般来讲，物体呈现固有色最明显的地方是其受光面与背光面的中间部分，因为此處物体受外部条件色彩的影响较少。[1]在实际绘画过程中，我们常常会得出一个大致的固有色的印象加以描绘，并常常在整体审视中，将固有色加以调整。
在写实油画中，由于光的作用会使得物象的固有色而产生丰富的变化，因此千万不要以固有色代替眼睛的观察。绝对的固有色在自然中是不存在的，物体因受各种光线的反射、折射、散射等多重影响，每一个物象的色彩都产生多样性的变化。同时，也由于物体对光色的反射和吸收一般都不可能很彻底，物体本身就是环境的一个组成部分，存在于整体环境中的一切物体都必然受到环境、时间、空间距离的影响，从而使自身的颜色不断发生变化。因此，色彩的呈现就是一个客观物象的色彩关系。
自然中的构图存在着千变万化的可能性，比在画室完成的创作有更多奇异的生动性。在自然中发现构图的生动性，是写生的必要任务，切入式构图就是较为直观的有效方法之一。例如，电影的特写镜头，直接观察到最主要的东西。这东西是流动的瞬间存在，就如同德加笔下的构图，总是大切割的特写，似乎并不稳定，却揭示出动态的存在，从而获得生动活泼的视觉感受；又犹如博纳尔从室内望到阳台，从阳台望到野外，实景中的边线成为构图的主要依据，也成为画面的张力构架色线。切入式构图能聚焦审美点，集中地将趣味中心置于最引人注目处。角度也是选景的一个元素，从不同的角度、距离观察景物会产生不同的感觉。在角度的选择过程中，所选择的位置与高度都是重要的，高处的俯视，低处的仰视都会形成不同的画面。
取景时也需要有所选择，有所取舍。现实的依据和感动是重要的，不需要改变得面目全非。在油画风景绘画的构图过程中，要灵活适当地增减景物，可以将景物的位置做些移动，以使主体内容更集中、更鲜明，在构图形式上更加完美。也可以采用“移花接木”法，把美的和贴近自己情感的物象大胆地安排进来，使画面丰富生动。如何选择景象、如何在连绵不断的视线中截取最理想的部分，使之成为一张有意识的画面，以及怎样进行画面的安排，这就需要在画面中确定物象大体的主次关系。而主次关系不是完全凭自己主观决定的，要以客观的现实为基础依据，不过有时也需要自己通过调整来解决眼前不够明确的风景主次关系，例如，作品1就是选择近景构图，远处的山和树被弱化。主要刻画流水和倒下的树桩。树木可以根据构图有所增减和挪移，天地的比例也可以根据画面的处理来调整。
近实远虚的关系不仅符合着视觉基本规律，也加强了空间前后层次的关系。有时候，为了强调主体的存在，会有意识地加强主体的实在而让周围的事物虚一些，是主实客虚的表现，这种虚实关系在自然事物中一直存在，作品2远山和中景的树木也形成了虚实的关系。实，有时呈现为实实在在事物的描绘作品3；而虚，则可能是对整体气韵的渲染，可能是情景需要的要素，如作品1。有时，画面中色彩的冷暖也可以构成虚与实的关系。例如作品2，一个冷色调子中跳跃的局部的红色形态。构图中，起关键作用的亮颜色的位置的实在和恰当与否，对形象有着很强烈的视觉表现作用。所有的构图方法都应该综合灵活地使用，并不是割裂地看待，通过构图让审美有更突出的表现。
相信研究过程就是这样充满挑战与激情，当跨过某阶段厌倦的过程那也是进步的象征。绘画就是一种心灵的提升，就是让人能够静下来做事情。当然在我们日常生活中，一个会画画的人对生活的品味与追求也是不一样的，因为他们善于发现生活中美的事物。只要你热爱生活，热爱艺术创作，热爱这片土地，永不停歇地去探索属于自己的绘画语言，属于你自己的艺术特色。
参考文献：
[1]周至禹.风景色彩写生[M].北京：高等教育出版社，2013：70.
艺术创作的形象提取 篇12
艺术离不开它的生存环境, 艺术行为总是要在一定外在环境中展开进行, 只有在这种特定的自然环境或是社会历史环境中, 才能接触到艺术的需要、产生艺术的主题、方案、手法和艺术的内在动力。
二、艺术创作环境的种类
章利国在《艺术设计学》中提到:无论从整个人类设计发展史来看, 还是从现代设计的诞生和成长的历史来看, 我们都能够清楚地发现环境对于造成和推动这种发生和发展的不可轻视的作用。任何设计大师的任何杰出的个人行为, 都是在环境作用下的设计发展历史潮流中涌现出来的。这类起到重要作用的环境分为两类:一类是自然环境, 一类是社会环境。
(一) 自然环境
自然环境可以细分为非生物自然环境和生物自然环境。非生物自然环境包括土地、河川、山脉、气候、季节等, 生物自然环境包括动物、植物、微生物、细菌等。
“仿生学”就是一门模仿自然环境中生物的特殊本领, 利用这些生物的结构和功能原理来研制机械或各种新技术的科学技术。仿生学一词是1960年由美国斯蒂尔根据拉丁文“bios (生命方式的意思) ”和字尾“nlc (‘具有……的性质’的意思) ”构成的。如人们模仿鱼类的形体造船, 以木桨仿鳍。
中国古时, 劳动人民就学会了从自然环境中吸取灵感, 充分发挥联想和智慧的力量, 制作出类似仿生的工具和器械。明朝14世纪发明了一种新式火箭, 海陆两¬用。明茅元仪《武备志》对此有详细的记载“用茅竹五尺, 去节, 并用铁刀刮薄。前后各装上一个木制的龙头、龙尾。龙头的口部向上, 龙腹内装神机火箭数枝, 把火箭的药线总连在一起, 由龙头下部一个孔中引出。又在龙身下而前后各倾斜装着两个大火箭筒, 把它们的药线也总连在一起, 更把龙腹内装神机火匍的总药线连在前边两个火箭简的底部, 水战可离水三四尺燃火, 即飞水面二三里去远, 如火龙出于江面。筒药将完腹内火箭飞出, 人船俱焚, 水陆并用。”……
到了现代, 自然环境甚至成为某些艺术家的构想未来的基点, 他们在自然环境中找寻找更环保、更健康、跟先进的生存方式, 提出“生态建筑”或称“仿生城市”的理论, 为人类若干年后的生活寻找更多的可能。
(二) 社会环境
社会环境是指人类生存及活动范围内的社会物质、精神条件的总和。广义包括整个社会经济文化体系, 狭义仅是指人类生活的直接环境。根据组成因素或成分的不同, 社会环境又可分为经济环境、军事环境、文化环境、宗教环境、技术环境、习俗环境等。
1907年5月, 毕加索在巴黎人类博物馆参观时, 偶然间看到非洲木雕面具, 他立即感受到了强烈的震撼, 预感到某种事情正降临到他的头上, 当时他正在创作《亚威农的少女们》。于是, 在完成的作品中, 人们会发现画面左边的一个人物和右边两个人物面部形象与非洲面具的形象极为相似。他曾经说过:世界上真正的艺术在中国和非洲, 这是毕加索从非洲木雕中吸收灵感的创作成果, 同时也是他对非洲传统艺术的虔诚的致敬。
社会环境所提供的形象更加直接, 也更容易提炼。但是, 提取形象的是时候, 要注意“提取”并不意味着抄袭, 需要我们时刻把握“提取”的内容和底线, 不能一味榨取他人的艺术成果而放弃自己的创作, 不劳而获。
三、艺术创作的形象提取方法
艺术需要创造的灵感和创造的平台, 站在了巨人的肩膀上, 可以瞻仰得更高更远。
(一) 提取元素
元素, 是形象构成最基本的实体, 具有众多的表现形式, 且能够传达丰富的艺术情感。提取元素可以从以下两个方面入手。
首先, 要具有发散性的思维, 要意识到提取元素的范围是非常广阔的, 随时随处都可以发现创作的灵感, “生活中不缺少美, 而缺少发现美的眼睛”。
人类在繁衍的过程中不断地创造, 即使在生产生活方式相对落后的原始时期, 有限的物质条件也没有妨碍到人类在科技与艺术上的不懈追求。人类在知识信息储备极端匮乏的情况下创造了文字, 产生了宗教和图腾崇拜, 艺术的形式开始慢慢多样化、复杂化, 其中包括绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、曲艺、工艺、文学等。这些众多的艺术领域, 都可以为创作提供可借鉴的元素。
其次, 提取元素的过程需要具备综合概括、弃芜求精的能力。并非所有元素都适合我们的创作主题, 因此, 要选择性的提取元素来使用。
(二) 提取结构
事物的内部构成框架及其构成关系被称为结构, 结构是建构图形的内在依据。每件艺术作品都有自身独特的结构特征。提取结构需要分析归纳原图的结构特征, 并运用这个结构组建自己需要的框架来创作。
(三) 提取内涵
内涵是一种抽象的概念, 它是指主体里的隐魂、气质、个性、精神被我们用情感创作出来的一切属性之和。内涵不是广义的, 它是某一特定人对某一特定人或某一特定事的看法, 具有明显的个人的局限性。所以, 内涵不是表面的, 而是内在的, 深层次的, 并且隐藏在事物表象之下, 需要深入研究才能捕捉得到。提取内涵, 需要提高自身的见识和修养, 广泛收集, 深入研究艺术作品的象征和涵义, 才能够提取其内在涵义, 旁征博引, 进而创作出富有丰富内涵的佳作。
(四) 提取主题
主题是指艺术家在作品中通过各种元素和构成所要表达的中心意思。它渗透、贯穿于作品艺术过程中, 体现艺术家创作的主要意图。它包含着作者对作品中所反应的客观事物的基本认识、理解、和评价。换一个角度来说, 主题是观赏者对作品中心内涵的一种独特理解。提取主题是找出原图的创作主题, 作为自己艺术创作的灵感来源来设计。提取主题, 就是对图形中心内容的提炼, 并再加工进行创作。
哥伦比亚艺术家费尔南多·博泰罗 (Fernando Botero) 的作品风格自成体系, 独树一帜, 他喜欢用自身独特的艺术理念和变形手法, 再现前人的艺术创作主题。他对自己艺术创作的评价是“the most Colombian of Colombian painters (最具有哥伦比亚人特征的哥伦比亚画家) ”。博泰罗善于改编前人的艺术主题, 用自己的艺术语言表达他对艺术的感受和体会。如文艺复兴时期尼德兰著名画家杨·凡·艾克的作品《阿尔诺非尼夫妇像》, 画中夫妇二人执手站立, 表情祥和, 体现了一种安静肃穆的艺术氛围。费尔南多·博泰罗借鉴了原画的肖像主题, 但是采用他“定型的”“圆圆的”“幽默的”艺术风格, 诠释处一种幽默反讽的艺术效果。
以上, 是个人对艺术创作中形象提取的认识和理解。本人虽尽力, 但学识有限, 谬误不免。艺术创作的形象提取是一门深奥的学问, 如何提取和应用要根据创作者本人的意愿和方向, 望在此仅提供的思路和方法对大家有所帮助。
参考文献