素描与油画创作的关系

素描与油画创作的关系（共4篇）

素描与油画创作的关系 篇1

素描一般是指一切单色的描绘。素描是学习美术的一种技巧, 也是研究造型规律的方法, 素描一直被看作是决定画家创作水平和风格的基础, 是打开艺术殿堂的钥匙。素描练习能帮助我们认识和理解生活中的各种物象的形态, 培养对自然物象的观察能力和艺术表现力, 进而锤炼艺术语言, 探索造型艺术的规律。

一、素描培养造型能力

素描是学习美术的必修课, 要想提高造型能力就必须通过严谨的素描训练。。素描不受材料限制, , 随意性也很强, , 有利于提高初学者的造型能力。安格尔说, “除了色彩, 素描包括了造型艺术的一切”。素描学习将是一个漫长的过程, 它不仅是学习绘画的基础课程, 也会陪伴在我们整个绘画生涯。

我们通过从学习和认识造型规律的角度来分析, 不难看出素描是研究形体和积累造型知识的一种手段。因为素描研究物体的形状、结构、大小等基本形式以及物体透视的变化和视差的对比等变化规律, 所以在造型过程中用笔的方法、物体的结构、明暗关系、色调、体积、空间、透视等因素都是我们在素描训练的的过程中所遇到的。在素描的训练过程中, 我们从简单到复杂, 从几何体到静物到人物, 通过大量的写生练习逐一掌握这些因素。正可谓“不积跬步无以至千里, 不积小流无以成江河。”

在绘画的的过程中只要涉及到造型就必定包含着素描问题, 当我们把一幅画的色彩消除之后, 呈现的都是素描的研究范畴。在具象油画中, 素描的基础性体现的尤为突出, 具象绘画是指所表现的艺术形象与自然对象基本相似或极为相似的绘画, 是现实对象的再现, 这就决定了需要良好的造型基础作为前提。在具象油画的学习与创作中, 空间是非常重要的, 而早期的素描训练就是为了培养对绘画空间的理解能力。素描是通过明暗梯度、透视、叙事关系的处理呈现空间, 更重要的是, 通过素描学习来培养学生在平面上对空间表现的直觉。十九世纪新古典主义大师安格尔对素描有很深的造诣, 他曾说:“如果要我在自己的门上挂一块匾额, 我将在上面写上’素描学派’这几个字, 因为我坚信一位画家是靠什么在造就的。”安格尔的素描注重线的运用, 他的画追求一种理想美, 他有非常严谨的素描功底, 把线条运用的淋漓尽致。他刻画的人物形体动态准确、简练而概括。如他的《瓦平松浴女》中, 把人物的形体动态刻画的惟妙惟肖, 整幅画的空间、结构、透视、形体等因素表现的恰到好处。这无疑与安格尔一生中重视素描有重大的关系。

二、素描培养正确的观察方法

由于绘画是一种视觉传达艺术, 因而在绘画中最重要的是要有一个正确的观察方法, 如果没有一个正确的观察方法, 即使有再高超的技法也无法成为一个真正的艺术家。

素描可以培养正确的观察方法, 使我们对描绘对象有一个正确的认识。所谓正确的观察方法, 概括地说就是要从整体的形体、形式构成中去把握对象。也就是说, 无论是形体也好, 一幅画的形式也好, 整体是最重要的, 而我们天然的观察习惯是局部的, 对事物的视知觉是单纯视觉在时空之中与其他感觉方式综合作用的结果。若将这种视知觉反映到二维平面上则会造成混乱与相互矛盾的结果。西方传统绘画通过单点透视对视觉的表现进行梳理, 形成了可以理解的绘画错觉空间。非西方传统则通过视觉表现的概念化达到了另一种统一与和谐。

素描的训练过程是一个调理视觉思维, 探索视觉表现的过程。通过对对象的观察、分析与选择, 逐步形成系统的观察方法。在这种观察方法之下, 画家将更从容地在自然中发现美、表现美及创造美。正确的观察方法在具象油画的学习与创作中是很重要的, 例如在德加的《贝尔利一家》这幅作品中的局部, 在空间的表现上非常精彩, 通过对手的刻画就可以体现出画家敏锐的洞察力, 对小女孩的手部的形体转折变化和起伏表现的准确实在。对妇女轮廓线的虚实空间位置和色调深浅都不重复。通过明暗和虚实的变化, 空间真实, 每条边缘线都经历了由实到虚, 又到实, 再到虚的变化, 这种虚实关系的表现不是通过主观想象和编造的, 而是需要真正的理解才能发现的, 而且这种观察一定是整体的, 眼睛始终在物象上游走做比较, 而不是只盯一个局部。

三、素描提高审美能力和创造能力

素描作为一种认识自然的手段, 在训练的过程中, 眼、脑、手是互相配合的。在用眼睛观察事物时, 形成整体观察和理性观察的习惯, 同时还要培养视觉对形体特征的直觉反应, 在第一时间抓住事物的特征及规律。此外, 要真正深化对事物的认识, 还需要不断思考分析, 能在自然中发现美、表现美及创造美。要想对物象真实的再现, 就要培养自己视觉过程中的分析、洞察、理解的能力。这种视觉能力所把握的将不只是表面现象, 而是经得起推敲的认识, 从而提高审美能力。

素描还可以培养创造能力。观察客观事物时, 画家在掌握其基本规律的同时加上自己的主观感受, 通过最方便的素描形式探索一种绘画表现方式, 以便更完美地呈现自己的观察和理解, 这本身就是画家个人绘画语言形成的基本过程, 是绘画创作的重要环节。通过素描写生积累的造型规律、观察方法和审美意识为创造能力的提高打下基础。

四、素描与色彩的关系

素描和色彩都是艺术造型的手段, 尽管两者的表现工具、表现方法和绘画语言等表达方式有所不同, 但它们有一个共同的目的, 就是塑造形象。素描运用其表现手法体现物体的形体、空间、光影、结构等内容。在用色彩塑造形象时这些因素也要考虑进去, 从古典大师安格尔的作品中可以看到, 和谐优美的颜色是覆与严谨的造型之上的。印象派虽然强调瞬间的色彩关系, 但其表现的对象的空间和体积都是与素描分不开的。

在素描中明暗关系则是色彩关系的体现, 在素描造型中不可缺少的研究课题就是三大面五大调子, 这是素描表现物体明暗的唯一手段, 它通过对物象的光影观察和理解归纳出不同的调子。从色彩的角度来看, 素描中的五个调子就是色彩的明度关系, 是在色彩造型空间形体表现中不可或缺的一部分。色彩的冷暖和纯度的变化暗示了物体的空间位置关系, 是一种梯度层次, 这种梯度层次表现为:素描利用明暗关系的变化, 表现形象、结构、空间、体积、厚度等一切物象, 而所有这些元素加上色彩元素, 也就成为绘画中色彩表现的重要因素。色彩和明度是完全不可分割的, 自然中的一切色彩关系都体现明度对比变化, 准确的调子会显示出对象所受的光和体积, 也就是说具象油画中的色彩离不开素描, 和谐的色彩关系必然具有和谐的素描关系。在素描中常出现的如“花”、“闷”、“灰”等问题, 直接影响到画面的整体、体积、空间等诸多因素。在色彩中明度关系同样直接影响到画面构图、形式感、情调的表现以及色彩质量、画面气氛等诸多因素。因此, 素描中对五大调子的把握会直接影响到画面的色彩效果。素描与色彩的关系是不可分割的统一体, 两者相辅相成。

塞尚认为:“素描和色彩不可分割, 色彩愈和谐素描愈正确, 色彩最丰富形体最充实, 色调对比反差中的关系要靠素描去润饰, 这就是秘密。”

总之, 一幅好的表现具象形体的油画作品, 不仅仅表现深刻的主题, 呈现画面色彩的和谐与美丽, 更体现了作者深厚的素描功底。随着西方美术被大量介绍到国内, 我们开始为西方近现代美术流派的异彩纷呈而感到震撼。眼花缭乱的人们感到中国艺术的单调, 于是把矛头指向美术学院教学体系, 认为契氏素描对我国素描教学产生消极的影响, 制约了绘画创作的多样性。然而, 在浮躁的社会氛围中, 我们更应当冷静下来, 检讨自己, 我们究竟对素描知道些什么。

素描是造型的基础, 素描是色彩的准备, 素描更是油画创作的必要前提。另外素描也是独立的绘画形式, 拥有自身独特的形式表达, 因此, 我们在具象油画的学习当中要重视素描学习, 体会素描与色彩的统一关系, 这样创作出来的作品才会有生命力。

摘要：素描是一切造型艺术的基础, 它是对自然物象进行观察、分析、研究的一个过程, 通过素描训练可以提高艺术家的观察能力、认知能力、审美能力、造型能力以及创造能力。一幅成功的油画作品必定体现着作者扎实的素描功底。

关键词：素描,造型,具象,油画,基础,作用

参考文献

[1]张歌明, 张虹.《素描·色彩》.武汉:湖北美术出版社, 2001年.

[2]巫俊.《油画》.合肥:安徽美术出版社, 2007年.

[3]黄珂.《素描概论》.长沙:湖南美术出版社, 2002年.

[4]贾德江.《中国当代素描画风·杨飞云素描》.北京:华夏出版社, 2002年.

[5]上海书法出版社.《素描学习》.上海:上海书画出版社, 2003年.

[6][美]大卫·罗桑德.《素描精义——图形的表现与表达》.济南:山东画报出版社, 2007年

[7]张虹.《色彩》.北京:清华大学出版社, 2010年.

素描与油画创作的关系 篇2

1. 油画风景写生的发展历程

风景油画在历史上的发展步伐是相对缓慢的。最初的时候, 风景油画只是人物油画中的一部分, 并未获得独立的地位, 仅作为人物陪衬而存在。直到文艺复兴后, 风景油画的独立地位才得以逐渐确立。19世纪中叶出现的巴比松画派以写实的手法来表现大自然的真实风貌, 并将它视为一个拥有生命的个体来深入发掘其内在的生命力, 进而将画家对自然的真切感悟充分表现在作品当中。巴比松画派出现的几十年后, 印象派应运而生。印象派的出现将风景油画的成就和地位推向一个更高更新的层次。印象派强调绘画创作者要对外在的客观事物具有强烈的印象和感觉, 随着历史不断推演与众多著名油画家的卓越贡献, 油画风景写生成为了油画风景创作中必不可少的重要部分, 在一些情况下, 油画风景写生甚至被默认为与油画风景创作是等同的地位, 这也充分表明了油画风景写生在油画风景创作中的重要性。

2. 油画风景写生的应用

写生这种创作方法, 最初被西方画家看重并广泛运用于绘画创作。在学习绘画的过程中, 初学者一般都通过临摹的方法开始入门, 这样, 写生就成为了绘画学习者不可缺少的重要方法。临摹能够使绘画初学者在比较短的时间里了解并熟悉绘画创作的基本技法, 从而实现快速入门的学习效果。然而, 仅靠临摹并不能成为一名优秀的绘画者, 临摹的作品缺乏灵性, 无法体现出画家对于自然的深刻感悟。这个时候, 写生训练对绘画学习者而言, 就显得尤为重要。只有通过对具体物象的写生训练, 才能使学习者在传统绘画技法的基础上融入真实山水的灵性, 从而在绘画学习中获得优异的学习成果。

二、在油画风景创作中确立写生意识

1. 西方传统绘画观念中的写生

西方艺术发展过程中, 受到了基督教神学的很大影响, 因而, 与中国追求意境的绘画精神不同, 西方绘画更注重作品外在的精确和完美。西方绘画强调对自然风景进行创作时, 应该尽可能忠实于大自然的原貌, 将自然最本真的形态描绘出来。这种追求写实的艺术观, 也说明了写生对于油画风景创作具有十分重要的作用。

2. 油画风景写生的创作特点

西方的风景画十分注重应景写生, 依靠对大自然丰富色彩和细腻光感的强烈感受进行写生创作, 在作品中充分表现出画家对自然的真情实感, 以此反映出画家对大自然及世界的独特感受。为能最大限度地提高绘画作品的真实性, 画家除了要运用高超的绘画技法尽力表现油画作品, 还要将自己对自然与生活的独特理解融入油画作品中, 使风景油画兼具真实美感与灵性特征。[1]

3. 油画风景写生的创作技法

风景油画在当代中国的发展, 出现了很多的新因素, 中国的许多画家为了寻求突破, 大都会从新观念出发, 尝试创造出新的创作技法。在风景油画创作中推广使用综合材料, 可以使风景油画在表现空间和表现可能性上得到很好的拓展, 从而让绘画作品与画家的内心达到高度的契合, 体现风景油画真实性的同时也反映出画家对现实生活的和谐构想。

4. 油画风景写生的现代发展

随着现代科技的快速发展, 油画风景的写生创作突破了传统的风景油画写生观念。尤其是摄影技术的发展, 给油画风景的写生与创作提供了更多的有利条件, 例如, 在自然条件不允许继续完成绘画的时候, 画家可以利用数码摄影产品拍摄下当时的风景, 然后将照片带回画室继续开展绘画工作。[2]

三、结束语

风景油画写生对于风景油画创作具有重要的基础作用, 是一种不可或缺的表现手段。一个优秀的风景油画画家必须掌握高超的写生技法, 并且在油画风景写生中融入自己对现实生活的感悟和理解。为了创作出优秀的风景油画, 画家在创作风景油画时, 应该树立起极具建设意义的写生意识, 并不断探索出新的写生技法。

参考文献

[1]阿荣, 媛媛.油画风景创作中对写生的认知问题研讨[J].湖北函授大学学报, 2015, 28 (01) :188—189.

油画写生与创作之间的关系探析 篇3

最早的油画作品出现在西方,主要为宗教服务,拉斐尔、达·芬奇等在油画创作方面都有许多的代表作,伴着清朝时期传教士的大量访华,油画也随之传入中国,但我国早期的油画作品多以学习西方风格为主,也带有浓厚的西方色彩。到现在为止,油画的发展总共经历了古典主义、现实主义、印象主义、后印象主义以及现代象征主义五个阶段。油画的分类与素描、水彩、水粉画一样,分为人物、风景和静物三类。油画教学中最基础的课程为写生,尤在风景油画中应用突出,所谓写生就是直接对客观现实进行描绘的一种作画方法。在创作过程中更多强调对客观事实的尊重,主要为油画创作搜集素材和提炼技巧,但随着后期的逐渐发展越来越多的油画创作者喜欢直接以写生的方式进行创作,这使写生成为了油画创作的主要手段之一。油画的创作相较于写生的直接明了就稍显间接,而且需要创作者长期的艺术沉淀和技巧锻炼,通过大量的时间、知识和情感共同融合来使作品得到完成,在这其中创作者的主观因素起到了决定性作用。因此,创作更倾向于主观思想的表达,创作者将自身的审美和修养融入客观对象中所描绘的作品便是创作。

二、写生与创作的关系

(一)写生与创作的联系

一直以来写生与创作的关系问题都是艺术爱好者们谈论的焦点。通常而言写生是油画创作的基础,它为创作者提供丰富的绘画素材,长期的写生训练可使其在绘画技巧、绘画信念以及绘画思维上得到极大的提升,让创作在写生的基础上得到继承和升华。人类自身处于一个变幻莫测的世界里,丰富多彩的物象世界为油画创作者提供了更多的素材选择,然而不同的事物在不同的视角下所展现的美大都不尽相同。油画创作者往往拥有一双与众不同的眼睛,他们善于寄情于物,通过选择不同的素材来表达自身眼中所观察到的不同美景。写生就是创作者获取素材的最好途径,在写生过程中随便一个简单的事物都可以给予他们美的感悟,进而激发他们对其进一步的创作。同时,创作者经过长期的写生训练后,对绘画题材的理解和把握通常会更精准,在绘画技巧和绘画思维上也会变得娴熟、灵敏,长此以往,创作者会为自己总结出一套适合自己惯用的作画经验和方法,为创作提供更加成熟的帮助,这些将会是他们绘画生涯中最宝贵的财富。

(二)写生与创作的区别

写生和创作之间除了密切的联系外,也还有许多不同之处。例如,写生主要是面对对象直接描绘客观因素为主旨,多数的写生是短时间的即兴发挥,太过在意眼前客观事物的形象和色彩就变成了普通的临摹或照抄,在情感表达上略显不足。创作则是对作品的间接修饰,多强调主观因素的作用,创作者在某一处或者某一瞬间事物的吸引下有了创作的欲望。通过对素材选择、整体构思、颜色搭配以及绘画技巧的反复琢磨再与自身想要在整件作品中所表达的情感相结合,经过长时间的尝试和修改才创作出理想的画作,作品所表现的主观思想是创作中最大的亮点。

(三)写生与创作的结合

在现实的油画创作中写生和创作之间并没有明确的界定,虽然在概念上存在些许不同之处但通过对实践操作的探索,我们可以得知两者的联系多过区别。多数是处于共同存在、共同发展的状态之下,创作离不开写生,写生同样也需要创作。创作者想要更好地完成油画创作,油画写生训练是不能被忽略的,走和跑的先后顺序是一个永恒不变的规律,只有遵循客观事实的存在才能在艺术创作中走得更远。写生和创作在油画绘画中是一个有机整体,写生是创作的先导,创作是写生的影响因素。成熟的油画创作者在面对创作素材时,首先应该对该素材进行客观判断,运用自己在油画写生中积累的经验选择适合自己的作画技巧,然后再加上主观意识对该作品创作的意愿和期望,通过主观因素与客观因素的结合把两者的优点共同融入到作品之中,如此才能满足油画创作的真正目的。当然写生和创作并不严格独立按照先后顺序出场,在写生中进行直接创作的大有人在,油画创作者的主观能动性、艺术感、色彩敏感度、油画技巧和丰富的个人情感等素养,都是在写生中进行创作的有利条件。因此,能否清晰界定写生与创作间的关系已不再重要,二者的共同合作各取所长才是油画创作中更重要的东西。

三、当今油画创作所面临的问题

油画创作发展到现在,随着科学技术的进步,信息化、网络化、影像化已逐渐渗透其中,相机和DV等影像设备为油画创作提供诸多便利,应用也变得越来越普及。大自然提供的素材多不胜数,通常转瞬即逝,油画创作者为了能够更多地收集到创作素材,留住每一个精彩片刻,往往会采用各种影像设备将其记录下来,然后回到家中筛选出自己最满意的创作素材,如此一来使得油画创作的风格、形象变得丰富多彩,这对油画事业的发展也是极为有利的。然而,影像设备运用得越多使油画创作者对图像资料变得越依赖,从而渐渐忽视了写生在油画创作中的重要性。许多油画创作者受高新科技的影响,错误地把影像、图片这类二手资料当成了油画创作的一手素材来进行创作,减少写生训练的时间,模糊了写生素材和影像资料的关系,无法正确认识写生在油画创作中的真正价值。这种过度依赖影像资料的创作行为,脱离了写生的本质,创作者已然无法通过写生的方式身临其境去亲身感知真实素材所带来的美感,更无法为油画创作赋予更多的情感和主观意识,造成油画的发展处于一个毫无生活气息、冷漠单调的艺术氛围里,完全违背了油画创作的初衷,是油画领域中极为危险的现象。

四、怎样提高油画创作者对写生的重视

著名画家陈丹青说过:“写生实践的长期匮乏,是当前传统类型绘画了无生气、僵滞不前的深层原因。”不难看出,如果油画创作中缺了写生这重要一环将会造成多么严重的后果。如何提高油画创作者对写生的重视度成为了现今油画创作中的首选要务。笔者认为我们可以从以下三个方面去解决这一难题:首先,油画创作者应该提高自身素质,学会用创新的思维看待油画的写生和创作,通过对油画家和油画作品的深入了解,提高自身的油画审美标准,认真学习著名油画家的创作特点,为自己总结出一条合适的油画创作之路;其次,将写生作为油画教学的重要课程,通过系统的写生学习,让油画创作者了解写生训练对创作所赋予的价值和体验,在潜移默化中提升对写生的重视;最后,鼓励油画创作者在写生和创作形式上进行创新,推翻原来一成不变的“临摹”写生模式,将技术创新和艺术创新相结合,采用开放性的创作思维将写生变得更加生动有趣。

结语

油画艺术从传入我国到后期的蓬勃发展是一个艰辛且意义非凡的过程,写生在油画艺术的发展中,不仅是一种创作手段而且是一种艺术,写生作为油画创作的基础引导着创作的发展具有导向作用。同时在艺术文化发展的今天,写生更是被赋予了更新的意义,其在油画艺术中的地位越来越重要。油画创作者在创作过程中应该提高对写生的重视度,将客观的写生与主观的创作相结合,成就油画作品的成功。

参考文献

[1]赖培文.浅析人体写生在油画人物创作中的作用[D].苏州:苏州大学,2015.

[2]石林池.贵州乡土油画创作研究[D].贵阳:贵州师范大学,2016.

[3]奚静之.俄罗斯美术十六讲[M].北京:清华大学出版社,2005.

素描与油画创作的关系 篇4

一、对写实油画创作中“技”和“道”的理解

“技”的字面意思是才能、手艺。是指为完成一项手艺活所具备的“技”巧和能力。“技”在油画实践中是指绘画的技能和方法, 具体来讲是造型水平的发挥和画面构成的处理以及对材料的运用。油画创作的“技”包括塑造技法、材料技法、构成技法等。塑造技法是主干技法, 是形成画面的基本要求也是艺术家穷其一生追求的技法, 它没有最好只有更好。材料技法是发挥材料特性的技法, 是对画面语言的物质承载的具体把握和表现, 不同的材料技法会形成不同的画面风格以适应所要表达的主题, 材料技法对塑造技法的发挥具有影响, 有的便于塑造有的便于写意。构成技法是对整个画面设计、把握、调整的能力, 是统领塑造技法和材料技法的技法, 构成技法直接决定画面的美感和艺术特征, 是技法层面较高层次的要求。

“道”的字面意思是道路、方向途径、道理等。是指达到目的的过程、路径。“道”在油画实践中是指在技法表达的基础上形成的形而上的精神所向和追求, 既是画外音也是作者的思想表达。道可道, 非常道;名可名, 非常名。1“道”是比较难以具象表达, 更多的需要用心体会。油画创作中的“道”包括对画面美得追求的“道”、表达人类情感的“道”和表达宗教信仰的“道”。对画面美的追求是基础的“道”的体现, 这种对美的追求形成了一种向上精神活动而感染作者和观众, 是“道”在油画创作中最普遍的体现。表达人类情感的“道”种类繁多, 包括人类的种种情感诸如喜悦、悲伤、恬静、骚动、爱情、孤独等等, 这种“道”是处于油画创作精神活动中间层次的“道”, 这样的“道”在文艺复兴以后出现最多, 也是当代油画创作的主流, 呈现出异彩纷呈的局面。宗教题材和宗教信仰的油画创作本来就是具有高尚意识的艺术活动, 这种“道”给人以精神指引和归属, 是古典油画创作最普遍的“道”的依存, 但因其精神的无比巨大有时会降低对“技”的要求。

二、“技”与“道”在写实油画创作过程中所占比重的变化

油画临摹、写生、创作是油画实践的三个阶段, 这三个阶段相互影响, 你中有我、我中有你, 程度上有些侧重。随着“技”的不断提高和完善, “道”的追求和表达显得越来越重要, 直接决定油画创作的精神层面的高低、优良和感染力。

一般情况下在这三个阶段“技”的重要性一直贯穿其中, 也有“技”的重要性随着创作水平的不断提高而减弱的情况。“道”在油画实践中的体现较之“技”的普遍性而言显得是作者和作品所想表达和呈现的特殊性。而大师的作品往往是“技”与“道”的完美结合。

在油画临摹阶段, 作者主要是学习范本是呈现出的形体塑造、色彩运用、画面组织等具体的技法。也只有技法较高的优秀作品一般才能作为临习者的范本, 而那些精神性比较高的注重“道”的作品往往不易于被临习者所重视和临摹。但如果范本“技”与“道”都很优秀, 临习者在关注技法的同时此作品中隐藏的“道”的内涵也会潜移默化影响和熏陶着临摹者。另外, 优秀作品中作者对完美技法的追求和表达在某种意义上讲已升格为一种“道”即人类追求完美的“道”, 这也将在技法影响中体现“道”的影响。

在油画写生阶段, 作者根据物象依托自己的技法尽力描绘出眼中的对象。“技”在这个阶段还是占据着重要位置, 但较临摹阶段已有所减弱。这个阶段大致可分为两种情况, 一是完全以对象为准绳以再现为目标的写生, 另一种是在写实的基础上表达作者的感受的写生。以再现为目标的写生是“技”的探索和表现的过程, 这一过程“道”的体现唯有对技法完美追求。注重感受的写生在某种意义上讲已向创作跨了一步, 行为上是写生, 内涵上已有了创作的因素。这种写生, “技”与“道”并行其间, 这个过程的“道”往往是小“道”, 一般是对物象的情感反映。

在油画创作阶段, 作者通过技法描绘画面表达想要表达的内容并表达作者内心世界。这个阶段“道”的比重明显增加, 也有纯粹技法表现的创作, 这样的创作往往缺少精神感染力但有时使人感受到对技法精益求精的孜孜以求也能给人以美感。大多数创作要求“技”与“道”的完美结合, 即要达到“技”的极致又要较好的表达出“道”。对观者而言往往引人入胜的是“道”的体现而不是“技”的高超, 因为艺术品的内核是精神层面的东西而不光是外在的形色造型。也有的创作主要注重“道”的体现, 技法则是随着“道”的发挥随意而出, 当然这是要建立在“技”的长期锤炼的基础上。

总的来说, “技”的比重随着油画实践层次的提高而减弱, “道”的比重随着油画实践层次的提高而加强。

三、写实油画创作中“技”与“道”的关系

“技”与“道”的关系的把握与处理是写实油画创作实践中的重要内容, 是创作者才能、精神和性灵的发挥与体现。“技”具有普遍性而“道”具有特殊性, “技”几乎是每个创作者要关注和表达的, 如果没有了“技”的内容就犹如没有文字的书、没有语言的话, 一幅画可以没有“道”但必须要有“技”。“道”是依附于“技”却高于“技”, “技”是“道”基础, 可以是金字塔尖式的“道”, 高超技艺表达下的“道”, 也有一般水平或低水平的“技”承载着“道”, 只要有“技”就可有“道”, 有低“技”高“道”也有高“技”低“道”还有常“技”常“道”。

(一) “技”对“道”的作用和影响

“技”是“道”的表达的语言, 没有“技”, “道”无法传达给观众, 即便是抽象画也有技法的要求, 更何况是写实油画呢。以伟大的天才大师达芬奇为例, 他冒死解剖人体研究结构是对“技”的追求, 而这样“技”的追求的目的并不是仅仅为了再现人的形象, 更重要的是为了表达人的内心世界所需要的语言, 只有精微的掌握了人的面部结构才能描绘出蒙娜丽莎精神世界的神秘微笑, 很难想象一位“技”术拙劣的画家会体会和描绘出那样微妙的表情。

“技”的高低多数情况下会影响“道”的发挥, 写生油画创作中, 人们首先要解决“技”的问题, 当“技”还忙不过来的时候是很少顾及精神内涵的表达, 当“技”的水平不断提高的时候作者会渐渐有了精力产生表达“道”的想法。就像刚学画的人只想画出一张画来, 学了几年的想就画美了, 画了时间长了就想把情感表达到画面中。随着“技”的提高, 作者的思想情感也会随之提升和敏感, 犹如书读多了人的内涵就会有提升。

“技”有时会生成“道”, 对“技”的极致的追求会唤起人们内心对完美追求的共性, 这是一种精进的“道”, 给人一种向上感。如鲁本斯的画作, 其画面很少给人有深层次的感染力, 但他对画面结构、人体动态、形体色彩的表达都接近完美的层度, 他的画面也有了“道”, 给人以积极、向上的精神影响。

(二) “道”对“技”的作用和影响

“道”是“技”所表现画面的价值所在, 没有了“道”, 画作不是习作就是行画, 没有了精神层面的内核将会失去作品最打动人的东西。就像街头画像人画的明星像很像很真但那不是艺术只是画像而已, 没有情感没有精神也没有内在。而许多画家从艺多年后越来越重视“道”, 更多的是考虑“技”后面的“道”的存在与表达。

“道”左右着“技”的发挥, 决定着“技”的风格特征。追求技艺完美的“道”形成甜美的“技”, 表达情感的“技”形成不同风格的抒情、灵动的“技”, 表达信仰的“道”形成神秘、厚重的“技”。一个油画家技法的特色是在他的精神归属和价值取向的影响下形成的。同一画家不同时期的“道”的不同也会在“技”的方面有所体现。如大师米开朗基罗的壁画《创世纪》和《最后的审判》, 《创世纪》有着浓郁的人文主义情怀, 技法明快, 《最后的审判》是作者晚年巨作, 回归宗教, 具有较强的宗教的严肃感, 技法显得沉着、厚重。

“道”引领着“技”的提高, 不管是追求完美的“道”、情感的“道”还是宗教的“道”都提升着“技”。“道”是更高层次的追求, 在求“道”的同时无时不刻的影响着“技”, “技”为“道”服务不得不跟着提高。思想意识上去了, 技法的提升是迟早的是, 最怕的是意识上不去。纵观古今中外大师无一不是“道”中高人, 如达芬奇的对奥秘宇宙的探索, 米开朗基罗的完美追求和诗性, 梵高的情感喷发, 莫奈对光色的痴迷等等。

“技”与“道”的关系是存在于包括油画创作在内的艺术活动的重要关系, 很像中国道家术语中说的阴阳关系。表面看“技”是阳可见易理解, “道”是阴隐藏难体会。细细体会“道”是阳是主旨是内核, “技”是阴是从属是表象。真是阴阳相生、阴阳互补。

摘要：“技”与“道”的关系的把握与处理是写实油画创作实践中的重要内容, 是创作者才华、精神和性灵的发挥与体现。在油画实践中, “技”是指绘画的“技”能和方法, “道”是指作者的追求、情感、思想在作品中的表达。在临摹、写生、创作这三个阶段“技”的比重随着油画实践层次的提高而减弱, “道”的比重随着油画实践层次的提高而加强。“技”是“道”的表达的语言, “技”的高低多数情况下会影响“道”的发挥, “技”有时会生成“道”。“道”是“技”所表现的画面的价值所在, “道”左右着“技”的发挥, 决定着“技”的风格特征, “道”引领着“技”的提高。

关键词：写实油画,“技”与“道”,作用,影响

注释