浅谈设计素描与绘画素描的区别

浅谈设计素描与绘画素描的区别（精选12篇）

浅谈设计素描与绘画素描的区别 篇1

浅谈设计素描与绘画素描的区别

李珍 阿拉木斯

（河北美术学院环艺学院教师）

摘要：设计素描与传统绘画素描存在很大的区别，然而长久以来很多高校一直沿用传统绘画素描教学模式，注重培养学生的写实能力，忽略了创新思维的训练，针对这种情况在教学中从以下几个方面进行改革，有目的的训练学生的创新思维。

关键词：设计素描 绘画素描 创新思维 哺乳式教学 设计

现今的素描教学模式源于西方，起初它是作为绘画专业的入门训练，自20世纪初引入我国，成为高等美术院校一直沿用至今的教学模式。在近一个多世纪里没有多大的改变，坚持了模仿式的教学方法，作为设计院校也是一直沿用这种传统教学方法，最终导致将艺术与实践需要脱轨，造成学生只会接受学习，创新能力不强。再加之设计专业与绘画专业教育需求的教育功能不分，缺乏对受教育对象和市场的调研分析，造成设计院校培养出来的学生与绘画类院校区别不大，初到设计公司很难适应快节奏的工作要求。因此我们必须弄明白一点，西方一百年前建立的素描教学体系是作为绘画教学的基础，而不是为设计教学服务的，今天的设计师需要的是表现摄影所不能解决的问题，那就是去表现现实中没有的东西——创新。

设计一词意为有目的的策划，是设计者的意图和构想。它与美术绘画不同，既要符合审美性，又要具有实用性，替使用者设想，以实用为根本。因此它是一种需要，而不仅仅是装饰、装潢。作为设计专业基础课之一的设计素描也就不再是单纯的再现，而是表现即创新。特别是对创新过程的注重，要求赋予作品以灵魂，这是上好设计素描的前提。

设计素描是从事设计工作的最初创意表现阶段，也可成为设计草图，它要符合实用的需要，因此设计素描在表现时除了要求具备绘画素描的准确性生动性外，还要强调严谨性。符合一定的“尺度”要求。设计师的工作是根据客户的需求展开的，面对客户时间总是被要求的很紧，因此，快速表现成为设计师必备的基本功。如何在短时间内将客户的要求转化成直观的设计意图及设计草图呈现出来，成为设计素描教学训练的最终目标。在教学过程中要十分注重培养学生的观察记忆和表现能力。

针对设计素描在应用上的特点，我们在开展教学时主要从以下几个方面入手：

第一，要有明确的教学目标，我们现今的教育应从培养学生的创新思维出发，这是今天的时代所要求的，千人一面的教育时代已经过去，广州美术学院教授尹定邦曾说过：“如果十万个学生学成一个样，中国设计的死期已到。”因此，在教学目标中从开启创新思维出发才能避免死期的到来。第二，倡导教师与时俱进。在特定的时代和背景下学习和改革教学思想。不同的时代对艺术家有不同的要求，20世纪的教育是知识教育，而21世纪则是创新教育。作为设计院校的基础课教师不能无视这些。要不断更新，密切关注市场动态，使培养出来的学生能够适应时代的要求，作为基础教师要不断了解专业课程，使基础课教学与专业课教学紧密结合，学生才能学以致用。

第三，从实际应用出发，实施教学计划。

在技能训练阶段，以往的设计素描教学十分注重光影表现，学生的写实能力都很强，做了很多照相机式的绘画训练，线描和线面表现的训练非常少。为适应设计素描的教学目标，应在教学计划中适当增加快速表现的训练课题，这样学生能够掌握多种素描表现手法，并且养成画速写的习惯，做到提笔就能快速将心中的想法表达出来，达到熟能生巧的境界。

设计素描的创意训练阶段是我们以往教学的最艰难阶段。教师无论如何启发，范例无论带了多少，到了提笔画的阶段总是很难，针对这种情况将以往的训练课题重新汇总分类，用学生更能接受的方式从小的点开始训练。

1.物的联想训练。先以最基本的几何形为训练元素，如三角形，圆形，正方形等展开联想，最初从形的相似角度入手逐渐到意的联系性，最终又回归为开始时的几何形。用简单的线条形式来表现。然后进入课题性联想训练，让学生自己去找一个小故事，用素描的形式将故事的内容绘制下来。

2.视觉蒙太奇即同构训练。以往的课程中我们称这一单元为意象性素描，训练时更注重结果，对于学生的创造性过程往往忽略不计。这样的结果导致学生上完课后仍然懵懂，不理解什么是意象素描，它和设计素描有什么关系。这项训练首先要明确目标即培养学生的创新思维。当然扎实的基本功更能表达想法，不过我们要明确一点，此时的想法要比技能更重要。素描是表达设计者想法最快捷的一种手段，是设计工作的最初阶段即草图。只要想法符合客户的要求最终效果可以通过其他手段实现，如电脑等。因此在课上尽量鼓励学生多提想法，并以简单有效快捷的草图形式体现，为了能让这门课最终有好的作品，可以从若干个创意图中选择一个去深入刻画。

3.构图训练。以往课程将这一单元用十分难懂的专业术语加以阐述，使学生理解起来很难，经过实践我将这一单元总结为构图训练，这样学生理解起来相对容易了很多，通过作业情况来看这样做的效果比以往好了很多。

第四，在教学方式上不断推陈出新，活跃课堂气氛。打破以往的“哺乳式”教

学方式，因为被动的接受只会事倍功半，多留一些课题性的作业练习，让学生课下主动的搜集资料。鼓励学生交换学习心得，将好的学习经验分享给大家，还能锻炼学生的语言表达能力。本着一个主题经常进行师生讨论，鼓励大家的表现欲。心理学分析，大家在一起讨论问题比一个人的时候想法多，人的脑子也灵活，自己一个人时往往容易思想懒惰。将学生所学专业相关知识与课堂教学有机的结合起来，使学生在训练的同时还能了解专业理论。

第五，作为艺术设计专业的基础教师还应考虑以下三个问题：第一，基础课教

学应该以创新思维为主线；第二，基础课程教学不仅要为专业课程服务，更要与市场需求接轨；第三，基础课的老实还应该了解专业，了解市场，只有这样我们才能保持新鲜状态，使自己不落伍。

结语：从教学目的着手改革，要创新，但不能仅仅是形式的创新，而是教学方法的创新，只有这样，教师教学才有内容，学生学习才学有所用。参考文献：《设计素描教学》，林家阳著，东方出版中心，2007年

《设计素描》，林家阳 冯俊熙著，高等教育出版社，2005年

浅谈设计素描与绘画素描的区别 篇2

设计一词意为有目的的策划, 是设计者的意图和构想。它与美术绘画不同, 既要符合审美性, 又要具有实用性, 替使用者设想, 以实用为根本。因此它是一种需要, 而不仅仅是装饰、装潢。作为设计专业基础课之一的设计素描也就不再是单纯的再现, 而是表现即创新。特别是对创新过程的注重, 要求赋予作品以灵魂, 这是上好设计素描的前提。

设计素描是从事设计工作的最初创意表现阶段, 也可成为设计草图, 它要符合实用的需要, 因此设计素描在表现时除了要求具备绘画素描的准确性生动性外, 还要强调严谨性。符合一定的“尺度”要求。设计师的工作是根据客户的需求展开的, 面对客户时间总是被要求的很紧, 因此, 快速表现成为设计师必备的基本功。如何在短时间内将客户的要求转化成直观的设计意图及设计草图呈现出来, 成为设计素描教学训练的最终目标。在教学过程中要十分注重培养学生的观察记忆和表现能力。

针对设计素描在应用上的特点, 我们在开展教学时主要从以下几个方面入手:

要有明确的教学目标, 我们现今的教育应从培养学生的创新思维出发, 这是今天的时代所要求的, 千人一面的教育时代已经过去, 广州美术学院教授尹定邦曾说过:“如果十万个学生学成一个样, 中国设计的死期已到。”因此, 在教学目标中从开启创新思维出发才能避免死期的到来。

倡导教师与时俱进。在特定的时代和背景下学习和改革教学思想。不同的时代对艺术家有不同的要求, 20世纪的教育是知识教育, 而21世纪则是创新教育。作为设计院校的基础课教师不能无视这些。要不断更新, 密切关注市场动态, 使培养出来的学生能够适应时代的要求, 作为基础教师要不断了解专业课程, 使基础课教学与专业课教学紧密结合, 学生才能学以致用。

从实际应用出发, 实施教学计划。在技能训练阶段, 以往的设计素描教学十分注重光影表现, 学生的写实能力都很强, 做了很多照相机式的绘画训练, 线描和线面表现的训练非常少。为适应设计素描的教学目标, 应在教学计划中适当增加快速表现的训练课题, 这样学生能够掌握多种素描表现手法, 并且养成画速写的习惯, 做到提笔就能快速将心中的想法表达出来, 达到熟能生巧的境界。

设计素描的创意训练阶段是我们以往教学的最艰难阶段。教师无论如何启发, 范例无论带了多少, 到了提笔画的阶段总是很难, 针对这种情况将以往的训练课题重新汇总分类, 用学生更能接受的方式从小的点开始训练。

1.物的联想训练。先以最基本的几何形为训练元素, 如三角形, 圆形, 正方形等展开联想, 最初从形的相似角度入手逐渐到意的联系性, 最终又回归为开始时的几何形。用简单的线条形式来表现。然后进入课题性联想训练, 让学生自己去找一个小故事, 用素描的形式将故事的内容绘制下来。

2.视觉蒙太奇即同构训练。以往的课程中我们称这一单元为意象性素描, 训练时更注重结果, 对于学生的创造性过程往往忽略不计。这样的结果导致学生上完课后仍然懵懂, 不理解什么是意象素描, 它和设计素描有什么关系。这项训练首先要明确目标即培养学生的创新思维。当然扎实的基本功更能表达想法, 不过我们要明确一点, 此时的想法要比技能更重要。素描是表达设计者想法最快捷的一种手段, 是设计工作的最初阶段即草图。只要想法符合客户的要求最终效果可以通过其他手段实现, 如电脑等。因此在课上尽量鼓励学生多提想法, 并以简单有效快捷的草图形式体现, 为了能让这门课最终有好的作品, 可以从若干个创意图中选择一个去深入刻画。

3.构图训练。以往课程将这一单元用十分难懂的专业术语加以阐述, 使学生理解起来很难, 经过实践我将这一单元总结为构图训练, 这样学生理解起来相对容易了很多, 通过作业情况来看这样做的效果比以往好了很多。

在教学方式上不断推陈出新, 活跃课堂气氛。打破以往的“哺乳式”教学方式, 因为被动的接受只会事倍功半, 多留一些课题性的作业练习, 让学生课下主动的搜集资料。鼓励学生交换学习心得, 将好的学习经验分享给大家, 还能锻炼学生的语言表达能力。本着一个主题经常进行师生讨论, 鼓励大家的表现欲。心理学分析, 大家在一起讨论问题比一个人的时候想法多, 人的脑子也灵活, 自己一个人时往往容易思想懒惰。将学生所学专业相关知识与课堂教学有机的结合起来, 使学生在训练的同时还能了解专业理论。

作为艺术设计专业的基础教师还应考虑以下三个问题:第一, 基础课教学应该以创新思维为主线;第二, 基础课程教学不仅要为专业课程服务, 更要与市场需求接轨;第三, 基础课的教师还应该了解专业、了解市场, 只有这样我们才能保持新鲜状态, 使自己不落伍。

结语

从教学目的着手改革, 要创新, 但不能仅仅是形式的创新, 而是教学方法的创新, 只有这样, 教师教学才有内容, 学生学习才学有所用。

摘要：设计素描与传统绘画素描存在很大的区别, 然而长久以来很多高校一直沿用传统绘画素描教学模式, 注重培养学生的写实能力, 忽略了创新思维的训练, 针对这种情况在教学中从以下几个方面进行改革, 有目的的训练学生的创新思维。

关键词：设计素描,绘画素描,创新思维,哺乳式教学,设计

参考文献

[1]林家阳著.《设计素描教学》.东方出版中心, 2007年.

浅谈设计素描与绘画素描的区别 篇3

一、造型功能上的区别

造型功能是指造型的作用或效能。通常我们会根据习惯性思维看待绘画性素描的造型功能，即“它是造型艺术基本功之一，以锻炼观察和表达物象的形体、结构、动态、明暗关系为目的。素描是一切造型艺术的基础，同时是训练造型能力的基本手段。”反映在素描造型基础训练中，就是学生要培养和锻炼绘画创作上的写实能力。基本功练得越扎实艺术创作中的表现能力就越强。由此可见，一般绘画性素描的造型功能训练，追求的是富有感染力的生动的艺术造型，体现的是其造型的认识、教育、审美作用。总而言之，其是以精神、情感的陶冶或精神产品的本质特性来发挥其造型功能。

相比较而言，设计素描的造型功能则显得较为复杂而且不同。现代设计是科学、技术、艺术、经济相融合的生产物质文化和精神文化的综合学科，体现出科学与美学、技术与艺术的完美统一。设计的产品要符合人类的物质与精神的需求，达到人、机、环境系统和谐、赏心悦目的最优效果，满足人类生活需要，完善人类的生存环境，这是设计艺术家的使命。

二、造型方法上的区别

造型方法是指造型活动中包含感受、理解因素的表现物象的基本方法。绘画性素描与设计素描都是在二维平面上，借助一定的材料或手段，绘制出具有三维感的形象，其视感错觉显示出虚幻的真实形态。区别在于，绘画性素描的造型方法特别是其训练“主要就是在素描学习中锻炼我们对客观事物的观察、分析、认识、理解的能力，只有这样辛苦锻炼出来的技术，才符合创作表现上的需要，才能够与创造结合……在观察方法和表现方法上，只有着重于分析、认识和理解，才不至于照样模写，才有可能真实生动地表现对象”及写实造型。而设计素描的造型方法及其训练则注意到了绘画素描写实方法的训练，“尽管它有能力使素描在某一领域达到一定的表现高度。

然而，这种高度却挡住了人们对自然广泛探求的视线，使素描放弃了观察和表现的多层次、多方位发展的可能性，而以各自的模式把素描教育引入了比较狭窄的地带”。或者说“只有描绘能力没有造型能力。明显的例子是离开了模特儿就不能工作，不能创作”。因此，设计素描的造型方法“其重要的不是模仿，而是体验；强调的不是模式，而是思路；重视的不是结果，而是过程”。其旨在通过素描造型，感受与理解客观自然，发现与认识构想设计，训练与开发创新意识等。所以，设计素描的造型方法与一般绘画性素描相比，它更为注重理性的作用，它“更多的是凭推导作图，而不是对实物的感觉比较”来造型。它或者利用矛盾“透视法”将两个甚至三个形象“推导”地构成；其或者采用“透明画法”来“推导”地表现物象形体的内外部构造，而且“宁愿呆板，不因求生动而交待不清，此种看似艺术性不‘高’的技法，在工艺美术造型基础训练中具有重要价值”。

三、造型特点上的区别

1、绘画性素描讲究画面构图的完整性与完美性，追求构图的寓意性；设计素描则主要强调构图形式的恰当性，而将构图中的精神含义或审美追求放在次要的从属地位来对待。

2、绘画性素描虽然也注意形体内部结构的认识与理解，但一般只求对形体外部结构的造型表现；设计素描则一般强调要对形体内外部结构进行剖析与表现，也即“透明画法”。

3、绘画性素描也注重肌理、质感等造型表现，但它们是为衬托主题、渲染某种意境而服务；设计素描则将这些物质性、适应性、技术性等重要因素直接作为主题。

4、绘画性素描艺术越向前发展，物质因素会越下降，精神因素会越上升；设计素描越向前发展，则越是与其专业特性与特点紧密结合，而更为注重用“物质的因素”来提高与丰富其造型效果，拓展与创新其造型范围等。

通过这四个主要方面的比较分析，我们完全可以认为，设计素描与绘画性素描二者无论是在其造型起点、过程、终点上，还是在其造型的功能、思维、方法、特点等方面都存在着较大区别。

分析美术绘画教学之素描 篇4

平果县第五小学

黄江红

绘画是美术教学的主要形式,在中小学美术中占教学量的一半,其任务是传授绘画基本知识,培养各种绘画技能,发展观察、记忆、想象、形象思维,创造和审美等多种能力。但是绘画门类众多,它们都离不开造型艺术的初级阶段——素描。素描是通往各个造型艺术专业的基础,素描是通往创作的桥梁。素描是学习各门类的起始,学习素描的观察方法、比例透视关系,这些都很关键。

一、观察和感受

观察和感受客观事物不同的特征,大小、形状、方向、位置、色彩、肌理等的能力,发展形象记忆、想象力和创造性的思维能力。学素描,最重要的是学会正确的领悟、推理和最后来到的感觉。素描是视觉的语言,我们是通过绘画形式而进行视觉交流的。素描的基本要领在于学会记录你在生活中看到及感受到的东西,而不是纯粹的手头上的技巧。老师应深刻认识到德拉克罗瓦的名句:作为老师不能只教学生技巧,而是教会学生观察事物的方法和思维,因为艺术不是靠技法,而是靠自己的思想去感悟,去创造。

二、临摹素描经典作品

初学者往往一开始就写生,是有一点难度的。那么找一些经典范画来临摹,就会起到事半功倍的效果。具体就是老师事先准备好临摹的经典素描作品或者图片作为摹本,具体方法如下。

1、可以提供给学生多个摹本,可以让学生选择其中最喜欢的一幅来临摹。这样可以使高中学生快速接受一些绘画方面的知识和基本方法。

2、可以选择一些不同画法、不同风格和不同内容的作品临摹。如结构素描,光影素描,景物素描,人像素描等等。

3、老师事先明确临摹作业的目标,例如是构图,结构,色调……而且不要求学生临摹得绝对酷似,而应注意学生的主动性,最好能调动起学生的主动性。

4、经典。摹本应选择一流的名家名作,优美的西方素描经典画作。名作在构图、造型、用笔和表现力等方面所具备的艺术感染力是不可替代的。

三、素描的造型

素描的造型是各种绘画都包括的最基本的规律,学生掌握了这一基本的基础,就能触类旁通地理解各种绘画的形式规律。

1、线。

自然界的线与作品中的线,粗线与细线,长线与短线,实线与虚线,粗糙线与华丽线……

2、形。形是具有长宽的二维空间形象。自然界有各种个样的形如方形,矩形,三角形,圆形……

3、体。绘画中的体是建立在艺术想象基础上的三维空间。既长、宽、高。如长方体、圆锥体、球体……

这些简单的几何形体贯穿于自然界一切复杂的物体。因此,在素描教学中,从简单几何体开始,在静态中研究形体与局部之间的组合关系,理解线的变化及体的变化、方法及步骤,对于初学这具有非常重要的意义。

四、构图

一幅好的作品首先在构图上就要做到位。如果将物体组织在一起,使它们放在一起给人一种愉悦的审美享受,这样的构图才能给作品增色不少。首先,在构图时应用软一些的铅笔轻轻地定出整组物体的长宽,注意整组物体在画面上的上下左右的位置。然后把你看到的物体再简化成基本形,或者把整组物体的中心点确定了,向四周发散的打开各个形大概的位置,做到眼中自始至终都要有两把无形的尺子,一把水平方向的长尺,一把垂直方向的长尺。看某一位置的点时,顺着这一点上下长出无形的垂直水平的尺子,顺着尺子经过的位置观察物体与物体之间正确的位置关系。其次,从广泛的意义说,构图是对线条、形状、明暗、质感、样式和色彩等的挑选和组织。体现出匀称和谐、节奏、重复、变化等原则。在一组物体前多角度构图,正侧面、俯视、平视、多角度训练才能真正掌握构图法则。

五、明暗

用明暗表现形体立体感是画家常用的方法。明暗色调变化体现在画面上就是平常说的三大面、五大调。

三大面是指物体在空间中存在的高度、宽度、深度的三维空间,在光照的条件下形成黑白灰三个大的面积区域。正所谓三面见体。五大调是指受光面、背光面、明暗交界线、中间调子、高光、反光与投影。受光面是物体被光照的一面,这个面是亮面。背光面是光照不到物体的一面,是物体的暗面。明暗交界线,并不是一条简单的线,它的宽窄、明暗、虚实是随着形体结构面的变化而变化的,是最重的面。中间调子,不同层次的灰色调子。介于亮暗面之间。这层调子最复杂,占的面积也最大,调子的丰富变化一层,要认真对待描绘。高光,反光与投影,高光是光源直接照射最亮的部分。粗糙物体高光不明显,光滑物体高光明显。反光是环境反射光的一部分,是物体暗部向纵深度转过去的面。反光统一在暗部面中,一般不要超过受光面调子。投影是物体遮住了光,在背景物上产生的投影。投影的明度以遮光体的大小、光源强弱、投影面积的远近等不同变化。素描是黑白明暗对比的绘画,但不要盲目机械地描摹物体。对比的调子可以多也可以少,要有思想有意识的做,而不是生搬硬套。

素描是属于绘画里的一门艺术作文 篇5

时间在一个大沙漏里慢慢流逝，从简单的圆形到复杂的组合素描，在这之间我画了多少幅画啊？从小到大美术就一直陪着我。

还记得第一次上素描课，大家伙儿默默无声地坐着，紧张地握着笔等待老师帮助我们一个又一个的调整握笔姿势，而现在已经是我第“n”次上素描课了，我一坐下来就和老师聊成了一片，毫不生疏，同学之间也有说有笑地闹着，一上课娴熟地握起笔来，丝毫没有一丝的慌张和紧张感，从容不迫地画着。

见证我进步的，除了我的家人们，还有我的画，这一叠画承载了我满满的回忆。我仿佛可以看见笔尖在纸上划来划去，划成一块黑色的不规则形状。

望着画,心中无比感动，初中了，学业繁忙，没有时间画素描了，也就是说，从这个学期开始，我就要与素描说再见了，可能以后也没有时间画了，其中十分不舍，学了三年的特长，就这样被我丢弃了，这些画也被我扔到了床底下，快要被我遗忘了。不过应该不要紧，说不定以后还会腾出点时间来学素描，我会更加珍惜的。

我望着我画的素描，呆呆地望着，怀着心中的不舍和对我以后有时间可以继续画素描的憧憬，把那一点画靠在我的书桌上。

浅谈设计素描与绘画素描的区别 篇6

教材分析：

交响素描《大海》是德彪西创作的一部音乐画卷，它由三幅交响素描组成。三首素描有机地联系在一起，生动地描绘了充满阳光的海面上变化无常的景象，描绘了海的气氛和海的性格。它们既像是一部由三个乐章组成的交响曲，又好像是一首庞大的交响诗。本课欣赏的是《大海》的第二首《海浪的嬉戏》。

《海浪的嬉戏》描绘的是浪花在欢快地嬉戏。如果把德彪西的三幅素描看做一部篇幅不太大的交响曲的话，那么这第二幅便是其中的一个辉煌的谈谐曲乐章。海有万千变化，有时安静沉着，有时又令人感到困惑。而这第二幅，作者集中描绘的却是它的自我欢娱——浪的游戏。在无数轻快典雅的乐句中，在色彩斑润的和声对置下，汹涌的波涛和腾越的浪花，以及后浪推前浪的不停顿冲击，成为乐曲的中心。轻快的舞蹈性旋律与节奏及其恢谐性的笔法，构筑成这一印象主义的音乐画卷。

教学目的：

通过欣赏《大海》，使学生初步了解西方近代音乐的风格特点。

教学重点：

赏析《大海》，感受、体验其音乐风格。

教学难点：

领会和理解印象主义音乐的风格特点

教具：

录音机、录像机、电视、投影仪、磁带等

教学时数：1课时

教学过程：

一、导入新课:

(一)交流本课预习

“关于海的文学描述

(二)讲明本课学习内容

1.了解印象派的音乐风格;

2.欣赏交响素描《大海》第二首《海浪的嬉戏》。

二、欣赏乐曲：

(一)展示思考题：这部作品与以往欣赏过的作品有不同吗：你能说出有哪些不同?

(二)学生初听《海浪的嬉戏》。

(三)老师引导学生回答思考题

三、向学生展示法国绘画大师莫奈的风景画《印象：日出》：

1.学生讲述对画的理解

2.老师讲述：

十九世纪六七十年代.在法国兴起了一个画派。他们把颜色彻底分离.用颜色的冷暖来交织画面，是一种艺术的革命。他们采取交阳光下直接作画的`方法，主张捕捉自然界的瞬间印象.实际上就是冲淡理性的东西，追求瞬间的感觉。

《印象：日出》真实地描绘了法国海港城市早晨日出时的光与色给予画家的视觉印象，突破了传统画法的束缚，被称为印象主义绘画。四、简介印象主义音乐：(一)设疑：你了解印象主义音乐吗?

(二)学生交流和讨论。

(三)教师归纳：

印象主义音乐产生于十九世纪末，它是受象征主义文学和印象主义绘画影响而出现的音乐流派。它力求改变浪漫主义的主观情感表现，采用印象主义的创作手法，渲染神秘朦胧，若隐若现，虚无缘渺的气氛和色彩，主张捕捉自然界的瞬间印象。

四、赏析《海浪的嬉戏》片断：

(一)谱例1

(二)展示思考题：

1.这个片断是由什么乐器演奏的?

2.这个片断描绘了大海怎样的景象?

(三)教师归纳：这首乐曲几乎都是由这样短小的动机，和不大有规律的节奏型组成的。这些旋律片断生动而迷人地表现出海浪的泡沫和水珠，以及阳光在起伏的海面上映出的闪光。

这个片断是由长笛、单簧管及小提琴演奏的：

(四)作者简介：

德彪西是十九世纪末，二十世纪初法国杰出的作曲家、钢琴家、指挥家和音乐评论家，印象主义音乐的创始人。他著名的作品有管弦乐《牧神的午后前奏曲。钢琴曲《月光》，以及《云》、《节日》、《大海》等作品。罗曼·罗兰对德彪西是这样描绘的：“这是一“伟大的梦境画家。”

五、聆听《海与辛马德的船》片断(里姆斯基-科萨科夫曲)：

(一)展示思考题：

1.听后产生了怎样的联想?

2.你能哼唱主题旋律吗?能辨别音色吗：

3.里姆斯基-科萨科夫是哪一个音乐流派的代表?(民族乐派)

4.谱例2

在舍赫拉查达主题结束后，一望无际波光闪烁的大海主题出现了，接着长笛吹出了辛马的主题。它是那样地从容不迫，使人联想起辛马德的小船在平静的大海中缓缓行驶的情景。另一段主题描绘了大海的不平静，渐渐地风刮起来了，水面激荡起来了，暴风雨来临了，大海在怒吼。

六、复听《海浪的嬉戏》：

(一)思考题：

1.德彪西对海的描述与里姆斯基-科萨科夫对海的描述有什么不同?

2.展开丰富的联想和想象，记下自己瞬间的感觉。

(二)简单讨论分析作品，让学生辨别音色。

乐曲开始在引子中可以听到长笛和单簧管的对话，然后是英国管和双簧管。这时它的主旋律好像也在弦乐器的颤奏中发展着。

乐曲几乎都是由这样短小的动机和不大有规律的节奏型组成的，不太容易哼唱。

谱例4

这一段主题稍经反复，在木管乐器上列闪烁的伴奏音型，乐曲中段的新主题便表情地奏出：

这是由长笛、双簧管、英国管和单簧管同时演奏着的一个对题，它构成一个增二度的复调，第二主题逐渐成为乐章的主体。

(三)根据讨论分析归纳：

1.旋律方面：不易歌唱，瞬息万变，轮廓朦胧模糊，但有踪迹可寻。而在其他音乐流派中，特别是民族乐派的旋律，尤其易于歌唱。

2.节奏上不强调节拍重音。在作品中，音乐小心地柔和流动地遮掩了节奏的律动，从一个小节滑向下一个小节。

3.和声方面：追求模糊的混合色彩，具有捉摸不定闪烁的图画性质。德彪西强调音程八、五度的平行进行，而这样的平行运动在古典时期是禁用的，他多用其他乐派认为不协和的和声，如二度进行及九和弦等：这样就使他的作品出现了奇妙的色彩。

4.调式方面：由于更多地运用上述手法，使得印象派的音乐既不在大调上也不在小调上，而在二者之间摇摆，在各种调的边缘徘徊，创造出难以捉摸的效果，就像是印象派绘画中朦胧的轮廓。

5.在曲式结构上：倾向于小型作品，用简单灵活的形式代替奏鸣曲式结构。

七、再听《海浪的嬉戏》：

(一)要求学生边听边把自己想到的内容用文字或绘画的方式表现出来。(二)展示学生的文字描述或绘画。

八、总结：

(用德彪西的一段话)我非常热爱音乐。正因为我热爱音乐，我试图让它脱离使它受到抑制的贫乏的传统。音乐是热情洋溢的自由艺术，是室外的艺术，像自然那样无边无际，像风，像天空，像海洋。绝不能把音乐关在屋子里，成为学院派的艺术。

总之，印象主义的音乐就是打破传统的束缚，在艺术手法上追求更新的东西。模糊的轮廓，朦胧的色彩，不易分辨的色调变化，不连贯的短小动机的瞬息飘浮，都是印象派音乐明显的标志。它反映了时代变化的初步迹象，是现代音乐许多重要特点和精神意境的发端。

评析：

德彪西的《大海——海浪的嬉戏》是一部很难驾驭的教材。这不仅仅是因为作品的创作技法复杂、专业程度艰深，也因为我们过去对印象主义音乐了解太少、钻研不深。然而，作为近现代的一个重要音乐流派，特别是这一流派对当代音乐又有着深刻的影响，我们再不引导学生去认识了解它，将会给我们的后代留下多么巨大的遗憾?因此.即或是再难驾驭的音乐作品，我们也应当引导学生去认识、去理解。

在一般情况下，引导学生通过音乐要素、音乐表现手段去认识作品的风格特征是比较容易的。而类似《大海——海浪的嬉戏》这样的作品却困难得多了。因为它的音乐要素、音乐表现手段并不像常见的音乐作品那样容易把握。但是，任何事物总是在辩证地存在与发展着的。具体到这部作品上，直接感受、体验音乐的风格，而后再透过客观存在们的风格去认识、理解其音乐要素及音乐表现手段。这几乎反而更容易些。张亚红老师设计的这份教案正是从这里切入进去的。

在教学方法上，张亚红老师突出的使用了比较的方法以加深学生的认识与理解。其中，有两项比较是很得法的：其一，用德彪西的音乐《海浪花嬉戏》与莫奈的画《印象·日出》做比较。尽管这二者分属于不同门类的艺术，但在艺术思想、创作手法上都有共通之处。从他们的作吕中能够找出共同的特征。这就为学生认识、了解印象主义音乐的渊源及其基本特征提供了条件。

其二，用印象主义音乐与民族乐派音乐做比较。这样做，非常具体地从节奏、旋律、和声、音色、调式、调性、曲式结构、音乐内容等方面看到它们的不同。这同样为学生认识、了解印象主义的风格特征提供了条件。

在教学方法上。张亚红老师很注重聆听。仅《海浪的嬉戏》这段音乐就在一节课中聆听了三次。初听时，学生对作品得到一个粗浅的、不完整的印象;复听时，学生对乐曲的某些片断做了深入的分析，并且对各音乐表现手段在整体欣赏的基础上要求学生抓住瞬间感受;再次复听时，要求学生较为精细地、全面地感知、体验《海浪的嬉戏》，进而对印象主义音乐有一个初步的理性认识。

浅谈素描与产品设计的关系 篇7

素描与设计关系密切, 素描是设计的基础, 只有造型能力提高, 才能在以后的产品设计上准确的塑造和再创造。在这里应该重点介绍下新兴的设计素描 (也就是结构素描) 。设计素描也是现代设计绘画的训练基础, 是培养设计师形象思维和表现能力的有效方法, 是认识形态、创新形态的重要途径。它有别于明暗素描, 是以表达设计意图为目的, 重点就是要放在理解领会对象的结构方面, 它强调领悟结构比效果更重要。对设计素描来说, 作画的过程比画面的效果更重要。设计素描是以表达设计意图为目的, 重点就是要放在理解领会对象的结构方面, 它强调领悟结构比效果更重要。领悟结构必定要通过有条不紊的作画步骤才能达到。正确的、规范的方法步骤, 同时是分析、理解、思维、领悟、推理的过程。作画的步骤不乱, 思路清晰而有头绪, 在结束阶段就顺利地达到理解形体结构的目的。它是产品造型设计的一种表达方式, 也是一种贯穿在设计原创活动中最为基础的语言。设计素描就是为加强造型而进行的一种训练。设计素描是一种现代设计的绘画表现形式, 在工业设计过程中, 是设计师收集形象资料, 表现造型创意, 交流设计方案的语言和手段。它是贯穿在设计过程中始终常见的思维模式, 也是设计师表达设计思想和创意的载体。尤其作为工业设计的学生, 在产品设计时, 要准确明了的表达出产品严谨的特形, 又要不失生动的表现出自己的创意, 这就要求设计者学会掌握设计素描的技能, 从而会明确表现出产品。

二工业设计中存在的问题

然而在设计中普遍存在着两大问题, 一是作品形式的空间感不强, 二是作品缺乏想象力。两个问题都影响到作品的深度和质量, 两者都源自素描基础的训练和认识不足关于空间感的问题, 空间感是素描造型的第一位也是最后一位问题;。也就是说产品怎样从一个大的空间生动的表现在另一个空间, “形”是造型的第一位, 透视是造型的终结客观形状通过视觉变形产生“透视”, 规则的透视产生, 整体。这就要求设计者有很好的素描基础, 能够把握形和透视。其实素描是个理性的, 它有别于色彩, 应该深入的思考产品的这个空间环境。而想象力则是在作品正确的再现基础上加入主观意识, 在素描手段掌握了一定的技巧, 具备了相当的水平之后, 允许而且有必要突破某些步骤的束缚, 允许不择手段、不拘常法的特殊艺术处理打破某些清规戒律, 充分发挥个人的想象力和创造性, 为能获得更为理想的效果, 从而使

特勒将“卐”用作了纳粹党的党徽, 他认为这象征着“争取雅利安人的胜利的斗争的使命”, “卐”遂成为了法西斯统治, 暴力和血腥恐怖的象征。

设计师在进行现代标志设计中借用那些具有象征意义的原始符号来表达某种意趣、情感和思想;或者将原始符号的某些元素进行变化、重组和出新, 使其具有传统的形似和神韵, 又有现代设计的意味;或是将传统的设计方法渗透于现代标志设计的图形之中, 进而体现出某个地区、某个民族的气质、精神和理念。

原始符号作为一种视觉语言, 它是现代标志设计得以延续和发展的一个重要方面, 在此基础上发展起来的图形设计, 将使现得画面更加生动。在设计中, 空间化、多样化、人性化是我们追求的方向, 解决这三个问题基础也应当从素描或速写着手长期以来, 我们把人性化理解成“人类化”, 把生活化理解成“真实化”或“社会化”, 于是就出现了只有人拿着产品, 真实的用, 才能使人信服的创意。

三素描与产品设计的关系

在素描中也应该注重提高审美意识, 应该加强审美认知和多样化表现。所谓审美认知是素描的特征性整体观察, 多样化表现是素描造型能力的技能训练。这两项训练都是艺术想象力的前提。这就要求我们的素描不但是表现客观的工具, 而且是探索规律和规律转化可能性的工具。寻找我们需要的东西, 而不是改变那些东西, 这种改变只能使原本丰富的东西简单化。古人所谓:“从无法到有法, 再从有法到无法, 无法是为至法”。其实使作品再真实, 赋有艺术感是我们艺术类学生所追求的目标。怎样表现不重要, 关键是达到效果。其实这里说的是两个问题, 好比嫁接果树。一是树, 二是果实。素描好比是树, 树是共性的, 可教的。树上节什么果, 艺术家可以自己选择品种, 可以探索各种可能性, 属于个性, 是“不可教”的。但我不说树, 也不说果实。要说的是那个关系着两者的嫁接技术——审美认知 (或者叫形象思维、联想思维) 。审美认知才是规律转换的关节点。审美认知是可以教的, 也必须教, 如果我们造型规律应用的不顺畅, 问题就出在它那儿。

美国艺术心理学家阿恩海姆在《艺术与视觉》中强调, 一切知觉都包含着思维, 一切推理都包含着直觉, 一切观测中都包含着创造。形象思维既是对客观事物外部形象到内在关系的如实理解过程, 又是一个对客观实物虽尊重, 却又不照办的更新再创造过程。设计是一个又理性又感情的过程, 而素描就是打基础最好的方式。其实设计的不足源自于素描的不足。对素描客观形式的轻视和主观化, 导致了设计的简单和低层次。解决的方法是:加强物体空间复杂形式的认识和表现, 端正对自然的态度和目的。问题纠正的难度并不大, 归根结底还在于我们思想的选择。

素描不是白描, 在素描中应该学会思考, 理性和感性思维并用, 达到主观和客观的统一。使得素描成为一个系统, 在作画时增加自己的思想。同时又要加强速写的训练, 有利于提高造型水平。设计源于生活, 素描是设计师表达设计思想和创意的载体, 正确理解素描和设计的关系, 在产品设计道路上, 才会事半功倍。

代标志设计拥有更为深厚的文化底蕴和更为广阔的发展空间。参考文献

[1]符号正是利用......-《理论符号学导论》, 李幼燕著P2社会科学文献出版社1999年6月第1版

[2]陈新生.传统艺术与现代设计.合肥工业大学出版社, 2006.

作者简介

岳花娟, 1979年5月16日生, 陕西兴平人, 咸阳师范学院艺术学院助教。

摘要：素描就是从空间到平面再到空间的一个过程, 也就是把所描绘的物体从空间这个三维空间搬到纸上这个所谓二维空间, 然后再发挥自己的主观意识在纸上表现出更加完美和统一的三维空间感。在这个过程中, 素描要达到主客观的高度统一。作画者要准确把握好“形”, 在整体上的“透视”, 然后在纸上进行主观的表现。素描过程中要高度重视造型和结构的认识和把握, 在工业设计中, 素描基础的好坏直接影响到对产品设计形态塑造的质量。在工艺设计方面也更加突出, 因为设计更加依靠造型的原理。

浅谈设计素描与绘画素描的区别 篇8

素描是一门既严谨又自由的艺术，它是写实造型的基础又与艺术创作的灵感、智慧紧密联系，素描艺术非常“包容”，它从写生造型基础角度讲要严谨，严格，有法度，从艺术创作的角度来讲灵动，随意，有灵性。素描的学习是阶段性的，初级阶段的素描训练是要脚踏实地认真训练，要解决形体、明度、空间、光影等问题，这样的训练是学生通过一系列训练对画面有整体的认识。当然成为一名合格的艺术工作者光有写实的功力是不够的，还需要艺术家的灵性与智慧。

水性材料素描这一训练方法可以在学生具备一定造型基础的条件下进行，课程的目的在于使学生可以从另外一个角度思考造型、空间、节奏、整体等课题，从中激发对水彩等水性材料绘画的灵感，在各种实验中感受不同节奏的肌理、笔触、材料感等。水彩艺术有自身的特点，水性材料的颜料与纸本、布、胶、水等材料因素的相互作用形成丰富的视觉效果，是偶然和必然的综合呈现，一、二年级的素描基础课，既解决基础课的共性问题，同时也是培养学生未来艺术特点、个性语言的重要阶段。根据水彩专业的特点，在素描训练中鼓励学生尝试使用水性材料进行训练，这样使学生较早地接触水性材料的特点，有助于今后的课程衔接，并且可以碰撞出许多意想不到的效果，从而培养学生探索艺术语言的自觉。

我喜欢李晓林的作品，李晓林的水彩、版画、素描等作品展现着他坚实的造型基础与敏感的艺术感知。他的作品既有准确、生动的具体刻画，又有自由、奔放的艺术表达。版画作品矿工系列将材料美感与造型美感完美结合，作品给观众极大的震撼，李晓林先生通过朴实的描写深入生活的体会，给予作品十分饱满的情感和极高的艺术品位。作品绘画语言的形成是一个复杂的过程，主要有以下几个方面。

1绘画语言的形成与艺术家的生活经历、学习经历、文化思潮、艺术观点、画种、材料等多方面因素息息相关

（1）绘画语言来自于画家的艺术观点，画家的绘画语言的形成带有画家强烈的个人气质，画家独特的艺术观点给予画面强烈的个人风格。例如，画家凡·高，他着意与情感的再现，表现他对与生活的感受，而不是所观看到的客观表象。凡·高说“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系……”凡·高在世时绘画没有大红大紫，为了生活与绘画奔波劳碌，他始终没有放弃他的绘画信念。凡·高是表现主义的代表人物，他的素描与油画语言极其统一，激情的旋转、跃动的笔触，使他的麦田、柏树、星空等，犹如火焰般升腾、颤动，震撼观者的心灵。在他的画上，强烈的情感完全融入色彩与笔触的交响乐中。

（2）绘画语言来自于画家的学习经历，画家随所处时代的文化思潮等因素影响着画家的知识构架，无论是在美术学院还是拜师或自学，画家的成长与他学习经历影响着画家的艺术语言。著名画家安德斯·佐恩是19世纪与20世纪之交瑞典文化艺术最活跃时期突现出来的艺术家。受浪漫主义、印象主义影响较大，佐恩從小酷爱艺术，后进入首都斯德哥尔摩的皇家美术学院就读。后来出国留学英国追求自己热爱的水彩艺术，英国的水彩艺术对佐恩影响深远。后又到西班牙结识了索洛亚，婚后佐恩开始定期到国外游历，这一过程中使得佐恩感觉到民族的才是世界的，更加坚定佐恩表现现实生活表现民族题材的信念，在法国期间结识了法国著名画家马奈、德加、雷诺阿和雕塑家罗丹，还结识了美国画家萨金特、韦斯勒。佐恩与马奈、德加的交往最多，也最密切，在佐恩看来，马奈和德加的作品中更渗透着传统文化的精华，而这一点正是佐恩赏识的，马奈十分讲究运笔，通过笔触来表达作者的情感和客观对象，佐恩从中受到很大的启发，这在他作品里有所体现。[1]佐恩的学习与交流经历深深地影响着他对于现实主义和民族题材的追求，佐恩的水彩对当代的水彩艺术影响深远。

（3）绘画语言的形成与画种、材料等多方面因素相关，水彩画最早以蛋彩的形式出现，艺术家用蛋液所含有的胶质与色粉进行混合达到可以反复刻画便于保存的要求，随着凡戴克兄弟的实验将油性材质与矿物颜色结合扩展了绘画的要求，使绘画表现起来更加方便，保存更加长久。随着油画与水彩的长期发展，两个画种的形式也日趋丰富，并且由于材料的特性发展出各自不同表现技法，西方的水彩画与油画是同宗同源的。水彩画传入中国是在明清时期，中国水彩画的在很大程度上是受中国传统绘画影响的，中国人与笔墨、纸本是非常有亲和力的，所以当水彩画传入中国之后，它吸收了中国传统绘画需要的语言因素，早期的中国水彩画具有一些青绿山水的味道。随着国内经济文化的发展，水彩画也逐渐成长，尤其是在改革开放之后，经济文化与外界的构图联系增多，水彩画也突破了传统的壁垒，呈现出前所未有的繁荣景象，水彩画的形式语言的迅速拓展，文化思潮的影响使得各画种逐渐走向融合，对于其他画种形式的借鉴、自身艺术语言的探索都迈出了一大步。

2结语

当下水彩发展越来越成熟，伴随水彩画进步的就是美术学院的教学，笔墨当随时代，教学中的知识、信息也需要不断更新。无论从学术角度还是学生的就业角度考虑，都需要不读调整教学思路；拓展课程知识广度使教学体系更科学更合理。水性材料素描的训练拓展了素描表现的范畴，水性材料素描表现丰富画面材质美感；拓展画面表现可能性；承载更多表现思路；碰撞出更多表现形式，对学生绘画语言的形成很有益处，水性材料素描探索是教学思考中必要的出发点。参考文献：

浅谈设计素描与绘画素描的区别 篇9

第一节：设计素描的形成素描是一种用单色描绘物象的造型艺术样式。从我们祖先用红土、兽血、锐器在石壁上涂抹、刻画生活中的某个物象开始，就有了“素描”，它也是原始绘画的雏形。随着时间的推移、社会的发展与科技文化的进步，绘画从一般记录与表达，到“逼真”记录与细腻表达与细腻表达，再到主观反映与个性张扬，这些变化无法再用“素描”二字来涵盖。全世界不同地区的画家创造了种种不一样的画种画派，也产生了各种绘画工具、绘画材料和绘画样式，从其内在到外表丰富而多彩，但是素描并未因此而消亡，只是转变了角色----“草图”。其性质是构思的记录、预想的表现以及绘画创作的前期准备。素描始终伴随绘画的发展而发展。19世纪的绘画已发展到“立体派”、“超现实主义”、“构成主义”、“荷兰风格派”等抽象形式内容的表现，这样一种艺术风格取向对设计艺术的影响是深远的，它促进了设计素描的形成发展。1919年，包豪斯设计学院的建立预示着为设计服务的设计素描教学的产生，观念、目的、素描的方法围绕着设计这片天地发展变化，突破了以“模拟说”为理论核心的学院派素描的条条框框，从此分流出了设计素描。

第二节：设计素描是集观察、思维表现为一体的基础造型训练

设计素描是围绕平面设计、立体设计所需的思维、观察、与表现方法而展开的基础造型训练。观察、思维、表现是训练过程中不同性质的活动，有是互相联系的整体活动。或先有想法再去观察，然后去表现；或先有随意涂抹，再依据涂抹的形象去思考，再去观察。观察是眼睛的活动，观察分观察生活和观察画面两个方面。

生活是形象语言的源泉，画面是形象具体反映的场所，观察既是扑捉形象的行为，又是判断画面形象是否符合画意的行为。在观察过程中必然与大脑相联系，观察后的反映、感觉、感受就是大脑活动的结果，大脑的整理加工又需通过手绘制出具体的形象才能得到验证。思维是大脑的活动，大脑是表现的指挥者、观察整理的加工场，形象思维的过程中必然要与观察动手表现相联系。表现中的绘制是从工具、材料到具体画法的一种手的活动，如何来制作是大脑的任务，所以制作的过程又必然有一个思考的活动。

形象的表现也由眼睛来观察，再由大脑做出判断；形象的创造又必须有生活的积累，积累就要依靠观察，观察、思维、表现，你中有我，我中有你。虽然不可分割，但三者之间还是有相对的独立性，观察有观察的方法，思维有思维的变化，表现有表现的方法，在训练的过程中需分阶段专门进行。而在不同阶段，三者任然是联系在一起的，只是各有侧重。

第三节：设计素描要培养自身的造型意识

设计素描从绘画素描中脱胎而来，它与绘画有着密切联系，但它们的性质是有区别的。

首先我们从绘画艺术与设计艺术的创作过程进行比较，绘画是由画家自身有感而发，不受任何限制的艺术创作活动，而设计师是按某个产

品、某个商品制造、宣传的总体设计要求进行的。设计的目的是为促销商品以及制造新的产品服务，他为商业设计的一部分，具有商业的属性。另外针对设计的不同对象还有特定要求与方向，所以是受限制的创作。因而为设计服务的设计素描，其目的、方向必然受其影响，其思维方法、表现方法、观察方法也必然围绕设计的要求而展开，形成了自身的造型意识、实用意识、功利意识。

在高度商品化的今天，商业竞争越来越激烈。商品包装设计、广告设计、商品造型设计是创新和吸引人们视觉注意的重要内容，引起了人们的高度重视，创新与抢眼成为设计的重点，创新的意识也自然融合到设计素描之中。作为为设计服务的设计素描训练，应把融合创新意识的造型训练作为另一个特点。

第四节：设计素描要有效的传达感情/综合练习

任何设计都是为人服务的，人是需要情感交流的动物，设计艺术就是情感交流的样式。那些设计的产品不仅仅是被使用的关系，也是人的伙伴；那些平面的设计更似生活的一扇门，各种物象从中走进观众进行情感的交流。设计作品的交流方式，可以用歌唱和音乐做比喻，歌唱是一种直接而明确的传达情感内容的方式，音乐是一种让人意会的间接传达情感的方式。所谓“歌唱”就是用各种具象的内容，包括形式内容组织出来的形象语言。所谓“音乐”就是用一种抽象的形态组织让人产生感觉的形象。如生活中的优雅小轿车，除了告诉人他是交通工具外，还奏出了它的“柔情”，让人赏心悦目。再如那些优秀广告、招贴似乎都是你的朋友，面对着你说着动人的话。设计作品要表

设计素描论文 篇10

设计素描是一种现代设计的绘画表现形式，在工业设计过程中，是设计师收集

形象资料，表现造型创意，交流设计方案的语言和手段。设计素描也是现代设计绘画的训练基础，是培养设计师形象思维和表现能力的有效方法，是认识形态、创新形态的重要途径。

作为一门绘画艺术基础课，以质感、明暗调子、空间感、虚实处理等方面为重点，研究造型的基本规律，画面以视觉艺术效果为主要目的。通过量变到质变，从形变到

神变，从软态到硬态，从硬态到软态的转变我称它为改变！基础素描作为一种素描形

式，它的雏形和胚胎早在文艺复兴时期就已大体形成，于上个世纪初被引入我国，发

展至今基本遵循的规律，可说已相对确立。设计素描则相对年轻，虽说于1919年德

国包豪斯学校开创了设计素描教学。但是引入我国也是到了上个世纪80年代，90年

代才真正开始深入设计教学体系之中。

基础素描与设计素描同是艺术基础教学的重要组成部分，它是设计的基础，它又

是设计师的必经之路，要成为一名优秀的设计师，就必须通过这门课程来培养观察能

力与他的创新能力，与至能够达到质的改变！设计素描使我懂得改变的含意，它可以

是我们人生成长的改变，也可以是我学习的改变，设计素描里教会了我设计素描与以

前的基础素描的不同，设计素描是讲究创新与细微的观察能力，而以前基础素描切是

个应试教育.一个物体，你怎样让它从硬转变成软态而有不失与它的某些特殊的形态呢？

而这门课程教会我，一个物体的改变，你可以从它的质发生改变，也可以从它的裁制方面发生改变，这些看似大家多数人都会想到的。而更为特别更为有创意的是从

一个有生命的与一个没有生命力的改变更为吸引人，这就是设计素描的创新能力和细

微观察能力的结果。应老师的从简单画笔中的改变，转变成我们人生成长细微的改变，来引导我们怎样学好设计素描，培养我们要学会留意生活观察生活，从生活中的细节

来改变我们设计与创作能力，由浅到深的教育方式来开导我们，是我们更佳接受理解。

设计素描培养学生对转折点的把握记忆与用线的表现。虽然每个学生个有一定

认知水平和表现能力的基础上深入培养对物理事物的认识理解。但是还是要通过各种

观察研究。加上大量的变化练习。从而创造出新的事物。并给事物一美感。设计素描的表现力很强。提高表现力的方法就是多观察自然,多理解事物，多做速写练习。来

浅谈设计素描教学 篇11

关键词： 设计素描；教学模式；创造性思维

目前我国各美术院校的设计素描教学，其教学模式都不尽相同：有的以绘画性素描的造型基础训练为主，即重点培养学生的写实或具象表现的能力；有的以结构素描训练为主，即培养学生表现物象的内外形体结构的构造组合关系的能力；有的以抽象性的创意训练为主，即培养学生的抽象思维与意向性表现的能力……。当下，在设计素描的教学问题上，学校之间、教师之间都还存在着不同程度认识上的差异，有的认为设计素描训练主要是培养学生的设计理念，有的认为只要绘画性或写实性素描的基础很好，就可以完全解决艺术设计所需的素描造型。而笔者认为，各种形式的素描的理念都是相通的，写实素描是设计素描的基础，设计素描是写实素描的拓展。众所周知，素描是一切造型艺术的基础，同时也是一门独立的艺术。而作为艺术设计专业基础学科的设计素描，还有它更多的实际意义。它不仅能在专业学习过程中解决一系列的基本问题，同时也是设计专业的学生训练创造性思维的一种有效手段。??换言之 ，设计素描训练是发掘人的理性思维和创造性思维的一种方法，是艺术设计专业的一门必修的造型基础课程之一。

笔者认为，设计素描教学，其教学目的的实现形式应该多样化。众所周知，设计素描概念的提出还不足一百年， 1919年德国公立包豪斯学校（后称包豪斯设计学院）开创了设计素描教学。而我国也是到了上个世纪80年代才开始将之引入，90年代才真正将设计素描列入设计教学体系之中。应该说目前设计素描在我国还处于形成与发展的时期，许多学术问题还有待在实践中不断的探索和检验。但在教学过程中，有一点应该明确，即在设计素描基础教学中，应以培养学生的造型能力和设计思维能力为主，这对于培养学生的艺术设计能力具有十分重要的意义。

在设计素描教学中，除了培养学生正确的观察方法和敏锐的扑捉形体的能力外，更重要的是让学生充分发挥自己的创造性思维和特殊的观察方式 ，掌握物象形体内外的构造规律，在画面中重构物象的空间构造，从中寻找设计构想，并进一步激发设计灵感，这样既有效地开发了学生的创造性思维，又提高了学生的学习积极性和主动性。因此，设计素描基础教学的目标，应该是让丰富的想象力和创造力成为学生学习和创作的动力，进而达到培养创意思维的目的。那么，具体来说，设计素描教学的教学模式该如何构建，才能达到上述目标？这也是整个设计专业教学过程中普遍关注的问题。为此，笔者结合自身教学实践，在此谈谈个人的一些教学见解。

一、转变教学思路

我们知道，传统的设计素描教学与绘画专业素描教学并无二致，其最重要的一个特点就是过分强调写实或具象造型，往往是教师在教室摆放静物，并以一种固定的观察方式和表现方式要求学生，从而弱化了设计意识的培养，这种教学方法，至今仍然被许多院校沿用。因此我们应打破常规，在每个教学环节中因材施教、因势利导，启发引导学生，给他们更广泛自主的空间，调动他们的学习积极性和主动性，激发他们的创作热情，让每个学生的特长与优势得到充分发挥。这就要求教师转变教学思路，例如，改变统一摆放静物组合的教学习惯 ，让学生自主选择描绘对象，让他们集体讨论、自己动手摆放他们感兴趣的静物，甚至可以摆放学生们自己的物品。比如，他们的衣物、玩具、学习用品等符合他们审美要求或能调动他们审美兴趣的东西，充分调动他们的积极性和主动性。自然界中隐藏着各种各样形式美的因素，因此，在设计素描训练中应鼓励学生从自然界的各种物象中去观察和分析，而不应该仅仅在课堂的有限空间里。

其次，启发学生尝试多种观察方法。例如，舍大观小，即轻描淡写大而无用的整体，把原本很小的但形态、肌理都很有特点的局部进行突出表现；再比如，由内及外，忽略或剥离外部形态，把内部的结构进行外化表现，这样会让画面有一种新奇美、陌生美 。这种“换个角度看世界”的方法具有转变传统观察方法的意义 ，有利于学生在观察中发现美、创造美。

再次，鼓励学生采用多种表现方法，让学生尝试用不同的画面效果表现同一命题。在设计素描练习过程中可以让学生更加自由地、大胆地画，但教师在辅导过程中应提醒学生注意以下两点：第一，自由想象但不能缺少设计意识，否则就是盲目乱画。例如夸张要适度，要复符合命题的要求；变形要有分寸，要抓住对象特征；添加要合理，要符合画面构成的需要；组合要有序，要让画面充满联系……。 第二，大胆描绘但要注意画面构成。构成是设计素描的灵魂，设计素描的重点不是所描绘的事物，而是整个画面的构成设计。通过改变画面中点、线、面、黑、白、灰的组合，可以表现出多种多样的画面构成形式。通过多种表现方法的尝试，从而使学生感受到设计素描表现形式的多样性与无限可能性。

二、培养学生“发现”与“抽取”的能力

任何一门课程，其教学的过程都是教师启发学生发现的过程。如上所说，设计素描作为一种艺术表现形式，其重点是训练人的创意思维能力，因此，在教学过程中教师应启发学生主动训练在具象中发现抽象因素的能力。

设计素描也是一种独立的艺术创作形式 ，而艺术创作需要创作者对生活的观察和内心的感悟。我们知道，在绘画创作时，画家需要在现实生活中搜集创作素材，寻找创作灵感，也即“发现”。而最终画家要从大量的素材中选出具有典型性的材料，也即“抽取”。设计素描也是如此，所以，在设计素描教学中，要培养学生通过素描这一载体去发现和抽取生活中具有典型性的具象和抽象的符号，并进行归纳和整理，进而为艺术设计提供思路，这一点对培养学生敏锐的观察能力和独立的思维能力起着关键的作用 。

让学生在发现的过程中培养自己的艺术表现力和审美品格，同时也让学生掌握一种能从普通物象中发现各种不同的艺术美感的能力，这是一种深层而有效的审美经验的积累。这一点对于设计专业学生以后的专业设计之路有着极大的帮助。

三、培养学生的抽象意识

谈素描在绘画中的基础作用 篇12

素描并非是学好美术的所有, 其主要就是对学生进行基础的培养, 在教学中的主要目的便是基础知识的灌输以及基础技能的培养, 只有在正确的目标指引下才能够打下坚实的基础。

基础素描也分为不同的风格, 但是作为基础, 无论什么风格, 其在基本的要求上都是一致的, 不同的只是对于造型的各个要素具有不一样的侧重点, 仅此而已。现实主义原则在素描的基础教育中应当占有主导地位, 对于物象应当采用写实的手法用以表现出真实的感受。在教学中教师应当围绕客观物象, 对作品进行描绘, 通过学生对于物象所产生的感受以及认知, 在一定的素描理论基础下, 通过艺术手段展现光影下的物象。在这里, 学生的感受是产生于客观的物象基础上的, 因此应当以物象为依据, 受制于物象。而艺术手法则是通过对表达的物象进行加强、取舍、概括和减弱等方式对作品进行处理。

素描的教学主要是通过训练对学生对于物象的观察认知、以及表现和审美能力进行培养, 通过系统的教学, 使得学生具备基础美术所应当具备的能力, 并牢牢的掌握基础的技能以及基础的理论知识。尤其是应当通过知道培养出学生将客观物象作为绘画依据的良好习惯, 真是的表现物象, 通过写实表达自己对于物象所产生的真实感受。

2 应当对素描的教学进行严格的把关, 保证学生可以在系统的环境下逐步的打下基础

素描的教学虽说是基础教学, 但是每个步骤都应当保证具有良好的效果, 保证学生在正统的轨道上受到最合理的培养, 而基础教学着重应当注意两个环节。

这两个环节分别是:轮廓的准确以及整体的注意。首先在轮廓的准确要求上, 必须严格的在教学中进行强调。素描本身就是一种写实的绘画手段, 在造型上应当严格的把握写实, 真是的去表达物象, 而不是似是而非。这种在造型上的似是而非在初学阶段会经常出现, 但是作为教师应当对学生进行严格的把关。通过在学习中对学生在轮廓的准确性上的严格要求, 培养出严谨的绘画作风以及求实的绘画态度。轮廓准确的要求并非要求初学者在刚开始就行进行轮廓的细抠, 而是在打轮廓时必须要有一个恰当的构图和准确的比例。这是第一阶段应当做到的, 并且除此之外, 还应当在形象和要点上鲜明, 这就是初学阶段准确的轮廓要求。

美术作品的整体是在画面处理以及物象观察的重要方法。一幅优秀的美术作品应当具备良好的整体性, 整体把握好了作品才能够准确的展现出美的感受。因此, 在教学中, 教师对于学生技法培养时, 应当引导学生通过正确的方法观察物象, 整体把握好了美术的学习进度才能随之提高, 美术成绩才可以显现出来, 这些都是教学中应当重视的问题。注意整体是观察物象和处理画面的一种方法, 这个方法掌握得是否恰当直接影响着作品的质量。因此, 教师在向学生传授技法时, 更要重视引导学生学会正确观察物象的方法, 它与学习成绩的优劣和进度的快慢有着直接的联系。

造型艺术中整体观察具有着根本的法则地位, 其实质就是比较。这就要求学生具备能够将所刻画物象定格在视域之内的能力, 这种有效的控制是整体把握的基础。另外, 还需要在处理细节的时候整体的考虑整个画面, 这一方面就需要教师进行不断的加强培养和体型, 使其养成整体观察这一良好的习惯。是造型艺术的根本法则, 它的实质是便于比较。学生能否把所要刻画的物象整个地控制在自己的视域之内。

3 应本着“由浅入深、由表及里、由简到繁、循序渐进”的原则进行素描训练

不仅要有长远的总目标, 而且要有分段实现的具体目标和要求。在不断循序渐进和适当重复的过程中, 才能牢固掌握造型规律及其有关知识和技能, 才能得心应手地表现各种环境下的复杂事物。

为了打好坚实的基础, 习作应以长期作业为主, 这样便于领会教师的指导, 便于深入理解、反复校正和进行探索。教学上的严格要求也主要体现在长期作业中, 教师要向学生说明长期作业的重要性, 对各种不良倾向要及时加以纠正。同时, 也要布置一些短期作业作为辅助, 使写生与构图相结合, 记忆、想象和速写相结合, 以避免学生在长期作业中容易出现的观察力迟钝以及画面板、腻的缺点。

习作的优劣还取决于观察事物的深度和知识面的广度, 取决于艺术修养和技术水平的高低。因此, 教师对学生的“画外功夫”要正确引导, 鼓励学生多掌握一些课外知识, 如文学、美学、历史等方面的知识, 使他们多了解不同素描流派产生和发展的过程以及它们的主张和特点。这样能够使学生扩大知识面、开扩眼界, 有助于提高绘画水平。

4 在教学中, 教师应要求学生善始善终

有的学生开始画的时候积极性很高, 新鲜感强, 观察力也比较敏锐, 但经过一段时间后, 观察力多少有些迟钝, 不能保持一种清醒和整体的感觉来检查画面的表现效果。有些学生则急于求成, 时间一长就有种画烦了的感觉。这时, 教师应及时提醒学生, 不要轻易地把调整修改这一步看做是作业结束时的修饰, 而应认真对待, 感到有不妥当的地方, 一定要找出原因, 下决心把它修改过来。

调整修改应本着整体的原则, 反复分析研究, 反复比较, 理解形与神的关系。要用第一眼看到物象时那种新鲜强烈的感觉来检查画面效果, 找出画面与物象之间的差距, 检查物象与物象之间的组织结构、形体比例是否准确, 质量、空间关系是否恰当, 主次虚实是否有序。这些因素的调整, 主要是通过反复的校对和比较, 能够更深入地研究对象和表现对象。

5 在素描训练中, 要注意培养学生的表现能力

学生进行素描训练, 不仅是描摹现象, 而且是艺术地再现;所画的那部分不仅是物象的一部分, 也是构成画面的有机组成部分;不仅要看这部分是否画对了, 而且还要看它是否有表现力。要求表现就是要讲究线条, 讲究黑、白、灰, 讲究概括, 讲究画面的构成和组织, 要力求形神兼备, 要像写文章那样讲究文采、像戏剧那样讲究韵味, 要通过表现使素描基本功成为创作性的艺术活动。

因此, 教师在教学中应注意发挥学生的个性特点。由于同一班的学生受教师的影响比较大, 要求他们做到风格多样是不可能的。所以, 教师不要要求学生的风格必须和自己一样, 而应正确地引导、培养那些个性不同的学生, 要跟他们共同探讨适合于他们自身的表现方法以及发展的方向。同时, 也要提醒他们, 在基础未打好时就过分地热衷于“个性”会给自己在一定程度上造成偏食的坏习惯, 不利于今后的发展。