油画创作中的情感因素

油画创作中的情感因素（通用8篇）

油画创作中的情感因素 篇1

在徐思民老师的教导下, 我了解了部分我国有关工艺美术的文献资料。中国古代的工艺美术没有专门的艺术文献。许多相关理论散落在诸多其它文字内容中, 比如孔子的观点认为可以通过玉之美比喻人类道德之美, 在美玉的发现制作过程中比喻引申君子的德行修养。庄子或老子都以实例为证说明人与自然以及社会关系中的各种道理。老子的著名教育言论“上善若水”阐述了水有滋养万物的德行, 它使万物得到它的利益, 而不与万物发生矛盾、冲突, 故天下最大的善性就像水的品性一样。水是不见其形的东西, 可以进入到没有缝隙的东西中去, 由此我们知道了“不言”的教导, “无为”的好处。这其中就蕴含了老子所论证的有和无的关系。韩非子的文章是为了给统治者说政。他的观点是“重本”而不要“重末”即重视物质生产并应轻视文饰。《考工记》是中国工艺美术的百科全书, 记录了诸如纺织品、铁器、木器、皮制品等各类工艺的经验。唐代《茶经》中也记录了很多的茶具的相关知识。《南窑笔记》、《丝绣笔记》、《梦溪笔谈》以及宋应星的《天工开物》等文献著作也都专门记载了各个行业工艺制作的流程方法等。近代以来的工艺美术文献相对比较多, 理论丰富详细。比如郭廉夫、毛延亭所著的《中国设计理论辑要》;郑振国著《美术丛书》;张道一著《风俗史》、《生活方式史》;刘敦愿《美术考古与古代文明》;陈炎的《中国审美文化简史》等优秀文献。

在学习中, 我了解到庄子的很多有关辩理的故事。故事的译文如下:庄子和惠子一道在濠水的桥上游玩。庄子说:“白儵鱼游得多么悠闲自在, 这就是鱼儿的快乐。”惠子说:“你不是鱼, 怎么知道鱼的快乐?”庄子说:“你不是我, 怎么知道我不知道鱼儿的快乐?”惠子说:“我不是你, 固然不知道你;你也不是鱼, 你不知道鱼的快乐, 也是完全可以肯定的。”庄子说:“还是让我们顺着先前的话来说。你刚才所说的‘你怎么知道鱼的快乐’的话, 就是已经知道了我知道鱼儿的快乐而问我, 而我则是在濠水的桥上知道鱼儿快乐的。”这段故事陈述了庄子在悠闲状态下观鱼, 是因为庄子心情好, 所以看着鱼游很快乐。也引申出对事物的理解和领会是和创作者或观察者本人的心绪及感情相关的。任何形式的美术创作都是艺术家对自己情怀的抒发。而面对同样的事物, 不同的人会有不同的看法, 所以要了解一件艺术品, 要先了解这件艺术品的时代背景和创作者的相关情况。“庄子观鱼”对我的启迪比较大。庄子是带着愉快的心情观鱼的, 表述对鱼的理解其实是在抒发自己的情绪。而惠子与庄子的心情不同, 对鱼游水中的情形理解自然不同。对于同一件事物, 不同的人会有不同的理解, 不同的艺术家会产生不同的灵感, 从而创作出皆然不同的作品来。所以在欣赏一幅作品时不能只依据自己的生活经历、社会背景、信仰爱憎等来评判作品, 而是应该了解作品创作的时代背景, 了解艺术家的社会环境、人生经历、感情归属、性格、修养及信仰等的影响因素。结合我的专业方向油画来说, 不同的画家就同一个题材会创作出大相径庭的作品来。比如, 同样是画基督像, 17世纪意大利画家圭多·雷尼在画十字架上的基督头部时, 无疑希望人们在这张英俊年轻的脸上看出基督受难时的全部痛苦和神圣光荣。基督的头抬起, 努力地仰视着上苍, 观众顺着他诚挚的目光林武他的思路, 信仰占据了基督也占据了观众的灵魂, 当我们看这幅画时意念也会跟着强大起来, 几乎肉体变得对疼痛感觉麻木了。在这幅画作面前精神升华, 而肉体似乎被渐渐忘却了。在其后的世界里, 很多人从这幅救世主画像中汲取了力量和安慰。这幅作品表现的感情是如此强烈、直白, 以至于贫穷的涂有四壁, 还是富贵的高楼大厦, 都可以看到这幅画的摹本。而中世纪托斯卡纳的画师所作的基督头像却风格迥异。他笔下的基督不年轻不英俊, 就连肤色也不悦目。托斯卡纳画师不像后来人那么善于表现人物的面目和姿态, 这是他的时代缺乏科学知识的原因造成的, 但画家对基督受难时的痛苦感同身受, 画作告诉我们他是理解是如此深切, 以至于当我们站到画作面前观赏时, 眼前就浮现出救世主为了拯救人类而被折磨得全身血肉模糊, 画像的表情是那么痛苦不堪, 强化了肉体正在承受的苦难, 那荆轲上的刺尖锐地刺入的是画像中基督的头部, 也是画家的头部, 还是观众的头部, 这样真切的表述比故事更感人, 甚至比17世纪画家所表达的更加真实。这画面中的真实几乎让观众相信这世间真的有耶稣, 耶稣也真的曾经为救世而遭此一劫。当我一想到这样的画家, 只要他们是如此努力地想表达自己的感情, 就能被深深地感动。只有最真诚炙热的激情才能创作出如此有感染力的作品, 只有最纯净的心理才能表达得如此畅快淋漓, 震撼人心;只有燃起激情、满载着可贵的情感, 才会感人肺腑引起受众情绪的波动。这就是感情因素对油画创作的影响。

乔托 (1266-1336) 意大利佛罗伦萨人。基督教圣徒方济各所创宗派的历史画家。教义以刻苦自卑、同情弱者为主。乔托正是怀着这样的信仰描绘了一幅又一幅圣方济各苦修布道的遗言轶事。与以往前人相比较, 画面中亲切的诗意替当时的人们找到一个发泄真情的机会。《圣方济各向小鸟说教》是乔托的代表作。没有一个艺人能像乔托那样把圣方济各的这桩天真故事, 描写得真切动人:圣方济各离开了他的同伴, 走到路旁, 头微微俯视, 举着手, 他正在劝告小鸟们“要赞颂造物, 因为造物赐予它们这般暖和的衣服, 使它们可以借此抵御寒冬, 并给予它们枝叶茂盛的大树, 使它们得以避雨, 得以筑巢栖宿”。小鸟们从树上飞下来, 一行一行地蹲在他面前, 仿佛一群小孩在静听功课。乔托没有把圣人描绘出大演说家的气势, 亦没有英雄的气概, 有的只是家人般的亲切, 从这样一幅画面中我们可以读出乔托朴实、单纯的真挚情感。

米开朗基罗与乔托同样的聪颖智慧, 却没有乔托的平和。他六岁丧母, 父亲一直不理解他对艺术的执着。这或许导致他性格内向、固执、桀骜、暴躁、古怪。米开朗基罗一生的杰作大多是与他同样乖僻暴戾的教皇的颐指气使下完成的。鉴于这样的性格, 这位旷世奇才一定会时常感到孤闷、烦躁、苦恼。这样的情绪在巨作《创世纪》中也有所渗透。主题明确是这幅巨作的鲜明特点。但是太明确了, 只有孤零零的主题。风景、树木、动物等的衬饰都没有, 甚至一般装饰上最普通的树叶、鲜花、鬼怪之类也找不到。目光落在这幅严肃中带着些许忧伤的巨作面前, 我们的精神是一直紧张着, 眼睛得不到休息。《创世纪》第九幕《神创造亚当》最为人知。亚当慵懒地斜卧在山坡上, 右臂支撑着身体, 左腿自然弯曲, 右腿伸长着摆在那里, 左臂无力地依着左膝伸向耶和华, 头悲愁地微微俯着。耶和华来了, 以他惯有的飞腾姿态, 不再是严厉的神情, 而是悲哀又充满温情地看着亚当。画中的悲愁气氛是圣者的悲愁, 也是大艺术家、诗人的悲愁, 更是米开朗基罗自己富于深思的悲愁。

如果说信仰、性格决定感情的走向, 那么社会环境和个人经中得到满足。这时期到处是演讲说教、舞会节庆, 人们受着各种情感的刺激, 呼吸新鲜的学术空气。这种生活丰富的社会, 自然给予艺术一种新材料。波提切利就诞生在这个时期并以他充满灵性的画笔赋予自然界的神灵们特有的妩媚与神秘。《春》是波提切利的著名代表作。作品描绘出春神怀抱着鲜花迈着悠闲的脚步, 轻盈的衣褶中满是撒落的鲜花, 她心态平和, 神情妩媚, 后面跟着花神和风神, 不远处三女神正牵手跳舞。她们稍稍扭动着婀娜多姿的身躯, 草地上五颜六色的鲜花散发出迷人的芳香。大地上洋溢着勃勃春的生机和神秘而又祥和、欢快而又庄重的气息。这正是当时社会人们普遍的心态与情感的写照。

鲁本斯作为宫廷画家和西班牙外交大使, 一生过着豪华安定的生活。这种安定的生活使画家投入积极的创作, 逐渐形成了自己独特的艺术风格。他喜欢伟大的景观, 庄严的场面, 富丽的色彩使得画面发出炫目的光辉。他特别注重夸大的手法加强画面的运动感。这种画风与他的人生经历是不可分割的。代表作如《强劫留西帕斯的女儿》画面中的男人、女人、马匹的交错运动强化了情节上的混乱。两位英雄一位身穿黑色发光的铠甲, 一位显示棕红健壮的肉体, 而画面中心两位女性的雪白肌肤在他们的衬托下就显得格外刺眼, 天蓝的背景、金色的朝霞、枣红的骏马、火红的飘带, 所有这一切谱成一曲狂热的色彩交响乐。当然, 这些健壮而充满激情的形象都是被那个时代的贵族所深深喜爱的。这就是说个人的情感或多或少都与时代有一定的关联。

说起人生经历, 蒙克的一生是用痛苦和孤独编织的。

爱德华·蒙克, 挪威画家。父亲是位医生, 笃信基督教。幼年丧母, 姐姐被肺病夺去生命, 妹妹患精神病。自己也因病险些失去生命。童年时代的不幸对其一生的创作有深刻的影响。蒙克的早期油画《病孩》 (1886) 、《在灵床旁》 (1895) 、《母亲之死》 (1899) , 多是童年和少年时代生活的回忆。90年代最有代表性的作品是《春情》 (1894) 和《呐喊》 (1893) , 前者描绘人对幽闭的恐惧, 后者刻画人对孤独与死亡的恐怖感。蒙克多以生命、死亡、恋爱、恐怖和寂寞等为题材, 用对比强烈的线条、色块、简洁概括夸张的造型, 抒发自己的感受和情绪。

艺术的空间无限大, 把可贵的情感真诚的爱恋都放进去, 认认真真地去填充, 不哗众取宠、不虚情假意, 就会在无限的空间中创造一切可能, 这, 就是一个画家能得到的最好的回报。试想, 如果画家本人都不曾感动, 又怎么能感动读者呢?但是仅有感动是远远不够的。画家更应当具备的对视觉语言充满灵性的感悟能力和娴熟的掌控能力。这样有话想说且有能力把话说得明白透彻。视觉语言的语言要素包括一切通过视觉可以感知的点、线、面、体、色彩、肌理、长短、粗细、疏密、构图等的组织经营。

从宏观方面绘画语言对感情的把握依靠的是构图、色彩、题材。构图是一个外来名词, 即国画中的经营位置。艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果, 在空间里安排和处理人, 物的关系和位置, 把个别或局部的形象组成的艺术整体。也就是将若干视觉形式要素-形状, 色彩, 肌理等在画面上组合布置, 使之成为一有机整体, 并能表达一定的内容, 情感和思想。所以构图的作用在绘画诸要素中居于首要的位置。

从画面边框方面来看, 依据不同的视点, 画面构图可以分为俯视、平视、仰视的构图。俯视;视平线在高处, 表现广阔, 纵深的景物。高地平线限制了描绘光线和天气效果的范围, 造成了封闭的感觉。爱德华·蒙克经常将高地平线和片断的任务结合起来, 以得到幽闭恐怖和强烈而又恰当的人物作品。高地平线也可以用来强调高山上的景色。法国画家保罗·塞尚自1900年直到他去世时所作的一系列作品《圣维克多山》中, 常常把山脉安排在画面的最顶部。天空围绕着山脉的轮廓呈现出一种附属的形态, 而人们的视线会移向山顶。平视;视平线在中部, 亲切自然。仰视;视平线在底部, 高耸, 挺拔感。当地平线定的比较低时, 就给天空的其他效果留下了足够的空间, 宏伟广阔的自然风光通常用低的地平线构图。库尔贝《无限》把焦点转移到色彩和秋云的掉地平线。

在生活中我们所能见到的最基本的视觉形式是:粒状物, 条状, 片状, 块状物, 在绘画中将他们转化成平面的点, 线, 面形。所以说, 点, 线, 面, 是最基本的视觉性要素。比如在西斯莱的作品——《从巴迪侬的花城望去的蒙马特高地》中, 草坪与天空是面, 零散的树是线, 画中的人物是点。在构图中组织这些要素, 就要先明白这些要素的特性。

点的形态有强烈的跃动感。西画用点状语言比较显著的是画家修拉, 代表作《大碗岛的星期天》。画面只有各种高饱和度的色点有序地并置组合在一起, 通过一定的观赏距离和视知觉柔和调配, 观看这幅画时, 似乎眼前就有明媚耀眼的光在闪动一般, 心情也自然疏朗了。

线在油画中常表现为轮廓线、投影线、结构线、肌理线等。与曲线相对应的直线类刚劲挺拔。粗直线充满结实有力细直线纤细敏感。垂直线高耸向上。水平线开阔平静。斜线为动感和速度代言。曲线柔和抒情。涡线;律动, 旋转感。

面的性格特点:画面中面积较大的团块形状有聚合感, 重量感, 坚实感。规则面, 矩形, 圆, 三角和有机形面。整齐感, 严谨, 精确, 理性感。自由形面, 活泼, 生动, 自由感。偶发形面;爆发感, 跳动, 激情, 微妙感。

美术可以再现生活真实也可以表现主观情感。色彩结构的设计与运用在塑造形象与表达情感、意蕴上有着重要的作用。所以了解并掌握每种色调的情感象征对绘画是非常重要的。比如红色积极、扩张、外向。橙色光明、冲动。黄色纯真、高贵。蓝色冷酷、空寂。紫色哀悼、潮湿等的意识。灰色消极、灰心等。黑色罪恶、恐惧。白色朴素、洁净。恰当选用颜色是准确表达画家的情感重要手段。

正确地表述画家的情怀, 选题是非常重要的。选择合适的题材, 可以使表达事半功倍。比如人物画中画家与人物的互动——对人物的热烈感受会影响画作。人物处在一个什么环境里, 应该选用人物的什么动作最有助于表达情绪等。感情影响绘画的表达语言, 而被描绘对象的感情也会影响绘画的表达语言。最后的晚餐中达芬奇对出现叛徒的事情带给大家不同的情感变化做了细致入微的描绘。

风景也是表达情感的好题材。人们的情绪受天气影响——阳光明媚使人心情愉快, 雨天使人情绪低落, 迷雾使人害怕, 雪天给人以宁静和孤独。画风景的目的不在于忠实描绘天气、水、岩石、树木……而是心灵和感情在这些事物上的反应。所以画家需要通过观察大自然的情绪来提炼技巧。雷诺阿《阵风》是一幅值得注意的画, 在画中他很少关注景物的表达, 而着重表达了一种身处其中的感觉。如此令人信服以至于人们几乎可以感觉到微风。一缕缕白色灰色的飞云在天空中四面八方乱窜。厚厚的颜料——有模糊的, 有清晰的——给风以四处漂流之感。利用颜色、质感和生动的笔法, 描绘了, 而非复制了风景。

阿尔弗雷德·西斯莱《枫丹白露的小径》在他的天空中改变了笔法——在顶空运用粗狂醒目的笔画, 在接近地平线时换用细小模糊的笔画, 给人一种有深度的印象。这足以说明笔触对情感表述的帮助。

绘画工具材料以及绘画技法对感情表达也都有所帮助。湿画法、干画法、古典画法, 不同的画派传达了不同的时代信息表达不同感情。相同画派中的不同画家又千差万别, 因生活经历不同, 存在的差异导致了表现的差异, 一个人对于不同的事情会产生不同的反映, 激起不同的感情。同一件事情对于不同的人又会产生不同的影响。总之, 把绘画作为一种跨越国界的语言, 让我们的心声能够引起共鸣, 沟通无极限, 世界就不会孤单。

油画创作中的情感因素 篇2

关键词：油画风景；情感；创作

风景油画是绘画艺术的重要组成部分，是一种无声的语言，而风景油画的创作过程其实就是一个艺术家对自己油画艺术的成长历程和对生活感悟的情感表达。创作一幅好的风景油画不仅要在技术上精致入微，更重要的是要做到思想情感的表达，风景油画的创作要做到源于生活又要高于生活，能够观察、体验、感悟生活，这样才能使你的作品更加形象并且富有韵味。风景油画的创作是通过视觉向人们传递精神情感，是思想精神意蕴和绘画语言的结合体，是精神文化所依存的载体，透溢着时代韵律。

大自然是客观存在的，本身并没有任何情感，但是艺术家能够以当时看到景象的心情，赋予大自然以喜、怒、哀、乐，这样就做到了寓情于景。风景油画以大自然为题材，其价值的高低在于作者是否真实完美地将自己的情感融于画中，使被描绘的景物传达出人的神韵和人的生活气息；在于作者能否通过所描绘的景物来抒发情怀、寄托思绪，以使读画人感同身受。

油画风景创作中贯穿始终的灵魂就是情感。罗丹说过：“艺术就是情感。”我国清代画家孔衍拭也曾说过，“不论大小幅，以情造景，顷刻可成”。托尔斯泰也说过“艺术是情感的传递”。确实如此，康斯特勃尔的纯真、朴实，透露出雄浑、奇异，以及他们对大自然独特的诗意的感受，使每个欣赏者都受到启发，并感悟着自己的生活和人生。由此可见，情感对于一幅风景油画是至关重要的。除此之外，油画风景创作应该是客观和主观的结合体，是客观的大自然和所要表达的情感融合的产物，要求立意要深刻，表达和表现手法是含蓄的。一幅油画是创造者思想的再现，是某种特定情境的化身。由于创作者的不同或创作者所处时期的不同，创作出的作品风格也就不同。

西洋油画风景画诞生和发展于文艺复兴时期，而油画风景画真正成为独立的画种，是从 17 世纪的荷兰开始的。经过几个世纪的演化，出现了许多杰出的大师，使风景画在油画艺术中占有非常重要的地位。本文从写实、表现两个方面对风景油画中的情感因素进行探讨。

1 再现风景

“摹仿”“再现”的价值，在西方美学史上曾被多次强调，古希腊哲学家亚里士多德，提出艺术家之所以把艺术当作自然和现实的“一面镜子”，是因为艺术的本质是对自然的摹仿。因此，这个时期就孕育出了写实风景。

瑞士著名心理学家皮亚杰在《发生认识论》中提出：风景画的创作和欣赏活动应该是一个互逆的系统发生的过程，在画家和受众之间进行。在这种绘画中，画家借助对自然风景真实的描绘，向这个自然风景的容器倾注自己的情感，把自己对世界的理解和感受传达给世人。欣赏者既能在共鸣中寄托自己的情感，又能通过对这种景物的真实欣赏体会到画家的情感。那么在这幅画面前，就产生了一个共同的投射点，这是来自创作者和欣赏者的情感。19 世纪的英国风景画画家康斯特勃尔，一生创作了无数有关他故乡题材的风景油画作品。有人这样打趣道：他一生“就像蒙在鼓里的蜗牛一样，与故乡的磨坊相依为命”。确实，生活在故乡的小河边、树荫下是他的愿望，故乡的山山水水悄无声息地变化便是他取之不尽、用之不竭的绘画题材，正因为他对故乡有着无限的热爱，才能在他的作品中向世人展现出最完美的景色。

我们欣赏康斯特勃尔的作品，并能与之达到情感的共鸣：儿时的伙伴、成长的见证这样的角色都是被一座平常的山、一棵平凡的树来充当，这也是我们欣赏康斯特勃尔非常重要的原因——这种深深依恋故乡的情结。俄罗斯巡回画派画家列维坦，生活在俄国寻求变革的白色统治时期。他最具代表意义的风景作品是著名的《弗拉基米尔卡》《墓地上空》《傍晚钟声》等均呈现一种悲怆和凄凉的气氛，表达了当时压抑的社会情绪。相信每个欣赏者都被康斯特勃尔的直率、朴实，透露出雄浑、奇异，以及对他们大自然独特的、诗意的诠释而深深感染着。

2 表现风景

除了上述写实性较强的画家，在风景油画的创作历史上，还有一批画家，他们注重艺术作品独特的个性和鲜明的特点，认为自然景物只是一个载体，画家能够从自然景物中得到启发，利用构图、色彩、线条和笔触等绘画技术作为符号，构建一个个似是而非的轮廓，去创作具有鲜明、独特个性的艺术作品。在他们的笔下，传统作画中用透视、严格的比例等来制造一种视觉逼真的幻象效果的方法被抛弃了，风景的自然形态变得次要，甚至荡然无存。艺术家用带有情绪化的色彩、线条来创作，他们的作品带给欣赏者的是一种色彩和情绪上的纯粹美感。这种风格的艺术家，更强调情感和绘画因素的表现力。巴比松画派的柯罗被称为是梦幻诗意风格的代表，他的画虽然朴实无华，但是却有着深深的寓意，画中大部分描写的是清晨的静谧，有时还会描绘出烟雾缭绕的梦幻，色调柔和。例如，他的作品《疾风》，让人感觉到作者作画时的激动心情，那在狂风中不甘弯腰的大树，让人不禁想起创作者内心中不畏强权的大无畏精神，也反映着当时现实社会的情感态度。

印象主义画家是这种风格的先行者，印象派對色彩的运用开启了美术史上的一场真正的革命——它打开了光和色相互辉映的大门，使得传统油画中暗淡的画面像自然本身一样充满光彩。例如，莫奈的《日出印象》等，画中诸物象没有具体的轮廓，只有似是而非的光影与无比丰富的色彩。从后期印象主义画家凡·高的风景作品中，我们可以对他的色彩和笔触的精神内涵有更深一层的了解。凡·高生前不为人知，常常像梦游似的疯狂地作画，他极力冲破印象主义用光和色来表现瞬间印象的限制，追求个人的独立精神和主观情感的表现。这一切情绪全部化作扭曲、颤抖的笔触和强烈、明快、响亮的色彩。《普鲁旺斯的果园》《星夜》《村道》等作品的画面上挤挤挨挨、粗野狂放的线条，翻滚跳跃、尖锐刺目的色彩，骚动狂乱、焦灼不安的气氛以及升腾燃烧、充满张力的空间等，使有限的画面难以容纳，无法承受。

无论你高兴与否，风景都在那里，创作者给它以欢快的色调，它就会高兴，而赋予它灰暗的色调，它便会哭泣。油画风景创作有了灵魂才能鲜活、生动，才能引人入胜，这个灵魂就是创作者的真实情感——必须具有真情实感才能将生活的真实转化为作品的真实。艺术创作的源泉来自真实情感的体验和流露，风景画是画家心灵深处诚挚的、热烈的情感倾诉，康斯泰勃尔的纯真朴实，透露出雄浑奇异，柯罗的恬静温柔，无不表现了画家对大自然魅力和诗意的独特感受，作为欣赏者，只有进入创作者作画的情景之中，体会和感悟作画人彼时的情感，深入理解作品的感情内涵，才能静观自然，凝思自己，顿悟一切。

参考文献：

[1] 王宏建.艺术概论[M].北京：文化艺术出版社，2000.

[2] 庞均.油画[M].北京：人民美术出版社，2007.

浅析油画创作中的情感表达 篇3

首先,艺术家通过对整幅画的主题内容构思来奠定整体情感基调,然后以画面中多变的线条勾勒出多样的创作情感,最后,以丰富的色彩使人们形成强烈的视觉冲击,传递出作者自己想要表达的艺术情感。接下来,笔者将对油画创作中的主题、线条、情感这三个方面所传递出的自我情感进行简单分析。

一、油画创作的主题与立意

油画的主题与立意反映着艺术家想要表达的情感与立场,根据绘画者的绘画意图呈现,表达真实的生活和情感,赋予作品灵魂。因此,油画作品常常以一副小小的画面挥散着无尽的思想内容,解释着艺术家的内心情感。

例如,著名画家米勒的代表作《拾穗》,远处忙忙碌碌的人群和高高堆起的麦垛与近处三个弯腰拾麦穗的农妇形成鲜明的对比,她们穿着粗布衣衫和笨重的木鞋,弯着健硕的身躯,黝黑粗糙的皮肤,谦卑地躬下身子,缓慢的在收获过的田地里寻找零散、剩余的粮食。作为一幅艺术品,它用纯粹、朴实、动人的画面给观众带来一种真实而伟大的庄严感。米勒采用横的构图,让纪念碑一般的人物出现在阴霾的天空下,富饶的乡村前,三个主题人物分别以红色、蓝色、黄色的装束,牢牢的吸引住观众的视线。不需要华丽的服装,也无需夸张的手法,她们的动作富于连贯性,沉着有序,整幅画仿佛是一个缓慢播放的动画,布置在画面左侧的光源照射在人物身上,影子洒落于身旁,使她们显得愈发沉稳而隐忍。尽管她们的脸部被隐去了,看不见的表情,而她们的朴实平凡的生命形象的表现出底层劳动人民的忍耐、谦卑、忠诚。也体现着米勒试图用运用平淡的手法展现出平凡人民的辛苦和劳动人民的艰辛的主观情感。

艺术家只有在创作的时候才能知道自己内心的真实情感,观看者也只有在面对富有灵魂的画作时才能产生心灵共鸣,对情感产生强烈的冲击和心灵的震撼。因此,一名成功的艺术家,是需要以生活中的情景为源头,把作品融入真实的情感,使作品富有灵魂,也使得生活中的一些真实情景经过画家的独特视角的描绘,而变成一幅永恒的美好的画面。

二、油画创作的线条与构图

点、线、面作为绘画的三大基本要素,正如同英语中的单词,汉字中的笔画,音乐中的音符一样不可分割。一副佳作必然离不开这几种因素的绝妙搭配,它是一副好的油画创作必须具备的基本绘画技巧,也是进行艺术创作的第一步。线是人类最古老的造型语言,而油画的初步创作也是以多变的线条搭配开始的。不同的线条代表着不同的情感,曲线比较柔和,展现的情感也比较柔软和优美,直线则显得正直、理性、硬气,给人以直面的视觉冲击,让情感在心中横冲直撞。

另一方面,线条所表现的上下左右方向、不同程度的深浅、粗细,以及长度的长短不一也呈现着不同的思想情感。比如奥地利画家席勒,他就是线条表现主义代表,其作品所表现得情感非常强烈,画面充斥着极具表现力和震撼人心的线条,呈现出灰暗、憔悴、扭曲、痛苦的情感,画面中所蕴含的错综复杂的情感,正是席勒内心的真实情感和人生感悟的真实反映。

油画创作者在进行创作的过程中,需要熟练掌握并运用各种线条的不同特性,把线条作为画中的灵魂与骨架,用线条去抒发情感,从整体上对作品进行掌控,创作者明确自己想要表达的情感,在画布上淋漓尽致的勾勒,创作出富有内心情感的艺术作品,直观的向欣赏者的展现情感,建立沟通。

三、油画创作的色彩与灵魂

相对于真实的事物和情境色彩的再现,油画更注能够反映创作者内心真实情感的主观色彩。

在油画创作过程中,创作者把自己内心的真实感情和精神实质融入到色彩中,不仅能够给欣赏者带来视觉盛宴还能够体会到创作者的意图。

谈到色彩的主观运用,必然躲不开表现主义的领袖——梵高。梵高注重画面的整体把握,并通过简单的色彩和线条勾勒出独特的画面。其中最具代表性的作品——《向日葵》,色彩鲜明情感强烈,呈现出阳光明媚法国南部情怀,华丽的色彩使画面上朵朵葵花绽放的夸张而激情四射的色彩,使人头晕目眩。画中的向日葵被梵高赋予了他自己的主观情感和认知,使得它拥有了自己的生命和情感,整幅画面有了自己的灵魂。

总之,在油画创作中,创作者应该结合自己的内心情感构思,运用复杂多变的线条搭配和感情鲜明的色彩,为自己的画作注入真实的情感,赋予画作独特的灵魂,为世界艺术宝库留下永恒的瑰宝。

参考文献

[1]毕文姣.浅谈油画创作中的自我情感表达[D].山东师范大学,2013.

[2]柯淑芬.浅析笔触在近现代油画创作中的情感表现[D].福建师范大学,2013.

[3]贺晓容.色彩在油画创作中的情感表达[D].西藏大学,2015.

油画创作中的情感因素 篇4

民间美术是由群众创造，来自于日常生活的应用美术，它的作用是美化环境，丰富民间风俗活动。在民间生活中，主要用于庆典、婚嫁、生子、祝寿等场合，表现形式为剪纸、年画、服饰、神像等，不同地域、不同民族所产生的民间美术各有特点，这些美术来自于生活，是最原始最朴实的艺术，它也是美术流派的源泉，各种形式的画派都可以从这里吸取灵感。油画创作也可以从这里获得创作素材和艺术灵感。

关键词：民间美术；油画创作；艺术灵感

油画创作起源于西方，是西方主题绘画方式，和中国的传统国画不同的是，中国画以线条表现物体的质感和体积，油画以光的角度来表现物体的质感和体积。最大的不同在于中国画不像油画那样用色彩的变化造就物体的质感。虽然油画和国画的技法不同，但他们都是用画面来展现生活的。在表现生活方面，油画更接近生活，而国画以意境为主，哲学的氛围更浓。

一、民间美术的造型特征

民间美术的主要特点是实用价值和审美价值相统一，民间美术的表现形式多样，有年画、剪纸、木雕、刺绣、泥塑等。它直接来源于群众之手，是真实的生活写照，它装饰美化并丰富了生活。还表达了群众美好的愿望，信仰和道德观。它既是世代相传，又有不断创新，既有传统意义，又有乡土气息。在构思上，大胆，巧妙又富有想象力，还能利用汉字的特点寓意美好的愿望。如利用“蝙蝠”寓意“福”，用“鹿”寓意“乐”，“鱼”代表“余”。有的借物体的形象特征来寓意，如“石榴”代表“多子”，“莲花”寓“连”，“牡丹”象征“富贵”，“寿桃”象征“多寿”，“鲤鱼跃龙门”则象征着改变命运。在一些少数民族地区，每一朵花，一片树叶都有象征性，女性衣服上的花纹都有讲究，从衣服上不同的刺绣可以看出主人的身份。

民间美术另一个特点是画面夸张，有时为了表现美好的祝福，一幅画面上会出现一些现实生活中不可能同时出现的景象，如太阳和星星月亮，牡丹和菊花，还有一些传说中的飞禽走兽，如麒麟和凤凰。尽管这样在逻辑上是不符合的，但这种大胆地想象正是民间艺术的特色。民间美术之所以这样大胆表现，包含着群众美好的愿望，在现实中不能得到的，他们就在画上体现。

二、油画创作与民间美术的关

油画作为舶来品，在中国的发展经过了几个时期的变化。在林风眠时代，画家学习油画不是简单地学习技法，他们将油画创作和中国传统文化相结合，创造了具有中国气质的油画风格，曾经有过中国油画的辉煌时代，但这种民族化的探讨活动随着抗日战争的到来结束了。到20世纪后期，随着西方文化的大量涌入，中国油画又出现了繁荣。与此同时，被文革禁锢的民间美术又得到艺术界的重视，油画家也从民间美术中吸取养分，开始了油画“新民间”艺术的新里程。但随着改革开放的到来，特别是“八五新潮”之后，随着西方艺术观念的渗入，一批青年画家开始放眼看世界，接受西方的艺术观念，渐渐地远离了本土的民间美术。这些远离中国本土文化，处处以西方艺术观念为真理的现当代油画家及其作品，由于远离大众，显得高不可攀，很难引起普通大众的共鸣，因而招来诟病，引起艺术界的反思。

进入21世纪，随着后工业文明的到来，城市化、现代化的进程越来越快，植根于农耕社会的民间美术渐渐失去了生存的空间，越来越多的民间美术在现代文明和商业社会的冲击下开始走向灭亡。于是国家开始了拯救民间艺术的“非物质文化遗产”研究，一些民间艺术重新走进人们的视野。对于一些油画家来说，吃遍了各种快餐式的视觉大餐之后，回过头来终于发现，中国民间美术那种源于生活又高于生活，审美价值和实用价值并存，造型、构图和色彩都独具特色，具有较高的审美意味，又蕴含着浓厚的文化特征，才是真正的艺术源泉。于是油画界又出现了一股倾向于原生态自然美学的艺术思想回归。在创作上，油画家们开始将西方艺术变现手法和中国本源艺术融合在一起的创作方法，开始了全新的油画创作。

在艺术表现方面，中国民间美术在构图上追求画面饱满而又匀称，简洁自由，这种风格的形成深受中国哲学影响，与中国人的宇宙观和人生观有一定的联系，也符合现代审美观的要求。油画将这种表现方式用在构图上，匀称的图式，平面化艺术处理的方法以及简洁的色块，都能体现画家传达文化痕迹和现实生活相融合的现代审美情趣。

在造型上，西方现代抽象派的物象造型和中国民间艺术有很多相似之处，抽象派讲究的随意性、概括性、抽象性，和民间美术“真、艳、粗、俗、野、土”其实是相通的，而这些特点也正是现代艺术所追求的。

民间美术在色彩运用上所推崇的鲜明热烈，单纯绚丽也是油画创作审美所追求的，油画创作充分利用色彩的纯度，色相和冷暖的对比以求达到画面相映生辉，整体效果鲜艳热烈，轻松明快这样一个和谐统一的境界，在这方面油画吸收了民间艺术的精华，不求写实，色彩大胆。

三、油画创作与民间美术相融合的实质

油画创作是画家运用油画语言表达自我内心、追求审美和理想的方式，作为生长在中国的油画家，受到传统文化多年的熏陶，民族特质早就潜移默化成精神内涵，在油画创作中，首先要有现代性，符合现代审美观，表达内涵只能将中国文化的本质和油画传统本体结合在一起，而不是生硬地将民间美术照搬到油画中。中国民間美术与油画创作相融合只能作为文化观念而不是作为工具融入到油画中，要从中国民间美术中吸取中国文化的养分溶解在油画创作中，使油画具有新的精神魅力。要从线条、结构、色彩及其他造型要素中吸取民间美术的方法，提炼出民间美术独有的技法和油画语言融合，增强油画技巧表现空间，丰富中国油画的技法和审美形式。

【参考文献】

[1]全香春.当代文化情境下民间美术对油画创作的影响[J].美术大观，2011（07）

[2]邓亮生.传统民间美术对中国当代油画艺术的影响[J].大众文艺，2011（12）

[3]白晋君.美术基础教育与油画创作对民间美术的吸收与应用[J].吕梁教育学院学报，2011（02）

[4]叶勇.民间美术对当代中国油画创作的影响[J].中国油画，2010（06）

浅谈油画创作中的意境与情感 篇5

关键词：意境,情感,油画创作

热爱生活、赞美自然是人类的天性。艺术家以个人的独特视角把对外部世界的感受表达出来, 他们的心灵和自然贴得更近, 他们以特殊的心灵感受, 运用艺术语言表现出了人们想说而说不出的, 甚至是存在于潜意识中的东西。外界景物在我们的现实生活中固然有其客观的审美意义, 但如果成为艺术作品却常常染上艺术家的感情色彩。所以说, 意境是客观的景与主观的情融合的结晶, 是主意向与客观景象相统一的产物。一幅画即一个世界, 让人眷念, 让人向往, 让人梦寐。这是一个物质的世界, 也是一个精神的世界, 更是一个异彩纷呈的艺术世界, 它陶冶着人们的情感生活, 启迪着人们追求美、探索美。美学家宗白华讲得好:“意境是造化与心愿的合一”。

在我的油画创作中, 我追求是热爱自然、关注生活、追求真实的美感, 通过不断地观察生活、发现生活积累材料, 然后运用画笔表达内心的情感, 这种情感包含了对生活的热爱, 对自己内心的关注, 通过不断地挖掘自我, 在画面中传达一种平和的心境。绘画作品中的“意境”表现是建立在构图、色彩、等元素在情景交融的基础上, 意境是虚与实的统一、是再现与表现的统一、是有限与无限的统一并在生活与自然的启迪之下得以在作品中很好的表达和体现。意境的高下是衡量作品成功与否的重要因素, 一幅油画作品如果没有意境, 就好像没有灵魂, 从某种意义上讲, “意境”是油画创作的主题, 是核心, 是油画创作的灵魂。意境是画家在创作过程中通过对生活和大自然的体检、观察、感悟, 是在作品中所流露出来的真实情感, 是客观事物和主观情感的统一。油画作品既是画家的艺术创造物, 也是欣赏者以油画作品为审美对象的创造物, 审美的愉悦不仅在于美的直接反映, 而且在于审美过程中美的再创造。而就在创造性的意境想象中, 审美者能获得无穷之味、不尽之意。因此, 作品有无意境或意境的高低至关重要, 是油画创作成功与否的一个重要鉴定标准, 无“意境”的油画作品则无艺术性可谈。所以我在油画创作中努力传达我内心情感升华出的意境, 更希望能使欣赏者从中有所体会。

梵高是后印象主义画家, 他的油画作品更倾向于精神层面的东西, 他大胆的采用黄色、蓝色这些鲜明的色调, 并辅之以线条。我们看梵高的《向日葵》系列作品不禁感叹画面中色彩的冲击力和线条的张力。这是画家用他独有的表现方法传达出他对生命的热爱、对阳光的青睐, 用色的冲击、线的张力来倾诉他内心深处强烈激昂的情感。在意境中如何传达自我的情感, 如何运用材料表达出来, 怎样才能更好的结合是我在油画创作中的重点。一件绘画作品通常情况下向观者展示着他要或者必然传达出的精神层面的东西, 同时也展示着他绘画的技巧、色彩、造型、构图处理等等, 也就是我们说的对绘画形式语言的把握程度。或是注重内在、或是注重方法, 会因画画的人的观点和他所处的历史背景以及自己所处的社会阶层而各有差异。作为当代青年我们这一代没有经历太多的苦难, 相反我们的生活是安逸的、没有挫折的, 这也就导致了我们这一代对待生活是一种单纯的理念, 没有太多复杂的精神压力, 这种人生的态度自然地在我的作品中流露。根据画面的需要我把大色调调整到比较明朗、淡雅的色调, 明朗、淡雅的色调会给人一种宁静、安详、自然地感觉, 传达一种轻松、祥和的气氛。生活是丰富多彩的, 美术正是以这种在一定历史条件下多彩的现实生活为源泉而创造的, 油画的主题也可以说是油画的中心思想, 也就是一件油画作品要表达的内涵、是作者要传达给人的他的某种情怀, 更是一件作品能使自己存在的精神支柱。凡是对中外美术史有大致的了解的, 可以看到几乎所有伟大的作品都明确的传达着自己的情感思想, 所以我注重从生活中积累素材, 绘画要有生活气息, 从自己的生活经历中提取材料经过个人的思维加工, 赋至于画面之上。选择一个自己熟悉的题材, 然后用自己的方式方法去表现这个主题, 画面的形式与主题自然而然的就能较好的结合, 这样可以更加自然地传达自己的精神理念, 通过画面传达一种真实的感受。

作品反映着画家的情趣取向、以及要传达给欣赏者或者就那么自然而然的流露出来的思想情感。如何运用自己擅长的表现方法把要表现的思想传达给观者是我一直追寻的, 画面的艺术效果正是两者结合的成果, 在画画的过程中不仅仅是对画面的色彩、布局精心经营, 而且要通过这些以求获得更好的画面效果这才是所有形式表达的最终目的。我在作品画面中力求轻松、自然地气氛, 运用线表达这种“随心所欲”, 通过明朗、轻快的色彩传达对生活的感触, 对生命的热爱, 营造一种欢快、温暖的心境, 能使观者在画面面前体会出我所表达的情感与意境。

我深知这是很难达到的, 古今中外有很多大师在这方面都所建树, 他们都是我学习的榜样, 绘画之路本身就是艰辛的, 需要不断地学习和积累, 更需要莫大的勇气去坚持, 在绘画之路上我将怀着一颗赤子之心努力探索, 希望能在艺术之路上走的更远。

参考文献

[1]李泽厚《美学三书》天津:天津社会科学出版社, 2003.

[2]宗白华《美学散步》上海:上海人民出版社, 2005.

[3] (法) 葛赛尔《罗丹论艺术》团结出版社., 2009.

[4] (德) 伊曼努尔·康德《康德著作全集》北京:中国人民大学出版社, 2005.

解读闫平油画创作中的情感表达 篇6

闫平的绘画题材多以身边周围的生活为主。她关注更多的是自身的感受,对周围人和事物的关注。闫平在创作的母与子系列中,大多是孩子和母亲相处融洽的愉悦状态,她通过柔和的色彩传达着她对生活的体悟,她的母爱,这主要源于她做母亲的切身感受。取材戏曲的小戏班子系列通过奔放的线条和色彩的搭配传达着她对那些戏班子的感动和了解。而花卉系列那艳丽的色彩更体现出她对生命的热爱,这些都是通过她作为女性视角的切身体会,感悟深刻,而这些绘画语言有着与生俱来的敏感和时代典型的特征。她那鲜明、浓烈的色彩是对生活自由的向往和热爱。她把自己对生活、对生命的热爱的这种情感通过色彩、通过笔触和独特的构图用油画创作来展现在我们面前,让看到的人们感受着她的快乐和幸福,接着也跟着幸福、愉悦起来。因此,本文通过色彩、笔触这两个方面来解读闫平艺术家的这种幸福的、对戏曲人群的关爱的,对生命力的热爱的绘画情感。

一、色彩情感分析

《欧洲现代画派画论选》中瓦尔特·赫斯写到:色彩是能够直接对心灵发生影响的手段,当色彩表面的印象发展成为深刻的内心体验,造成情或情感震动,像在一个回声里,使心灵的别的领域进入共鸣。色彩本身不产生情感,但油画作品中的色彩,却可以使欣赏者感受到艺术家心灵的情感,从而产生共鸣。王宏建美术概论中提出,色彩是绘画语言诸要素中最具情感特征的因素,闫平的绘画色彩浓烈、细腻,带着主观的人性思想。她绘画中的色彩将我国油画中的色彩推到别具一格的阶段,她绘画空间的表现方式不是靠古典主义的光影,而是靠色彩的排列和对比来表现的。马蒂斯说,色彩不是用来模仿自然,它是用来表达我们自己的感情。从她的画中可以感受到如马蒂斯艺术大师绘画中的用色鲜明。她的创作色彩艳丽明朗、独特,她通过这样一种独特的色彩搭配方式来表达自身的情感。如《清晨的鸡冠花》,

她用了红色和绿色两种互补的颜色,加强了画面的视觉冲击力,运用这两种补色的不同纯度、明度和冷暖对比丰富了画面的层次和趣味性,背景中使用了淡淡的清爽的粉色调让画面既有构成感,又有空间层次,也体现了清晨这样一种放松的心态,鸡冠花的生命力跃然于画布上,对生活的热爱便通过这种绿色和红色的交错呈现出来。而母与子系列的绘画则色彩对比柔和,大多使用黄色、粉色等亮色调,用这样柔和的亮色调来表达自己真实深切的母性情感,突显了画面中作为母亲的女性对孩子亲昵的情感,传达出母亲陪孩子的温馨的、幸福的、阳光的生活场景,通过母亲和孩子的柔软与周边环境事物及母性的信念的坚硬作比对,来体现母爱这一情感的永恒性,体现了女性艺术家独特的柔美,给观者以想象回味的空间。

二、笔触情感分析

闫平的绘画有中国绘画的元素,中国画中讲究线条传神,南齐谢赫的《画品》中提出六法论,其中的骨法用笔是最基本的要求,即用线造型。石鲁先生说过,线化为笔,以立形质、以传神情、以抒气韵,线虽简,然以其抑扬顿挫之变而化众美。闫平的绘画便是通过流动的线条来体现所要表达的情感。有缓有急,有疏有密,有曲有直,这些线条成为她绘画中最概括的表现形式,流动的线条,大刀阔斧的笔触,她创作的百合花作品,就非常注重线条的表现,《听风》表现了不同时期的百合花,有的含苞待放像现在的小青年,有的正盛开如正直中年有着辉煌成就的人,有即将败落的如衰老的人,通过粗壮有力的或是轻描淡写的等等的笔触线条体现出来,通过展现生命的不同时期让我们体会到她对生命尊重的情感,闫平创作的小戏班子系列的绘画作品中的人物大多是没有明显的面部表情的,而有的是这种中国式的线所表现的肢体,从而带来节奏感、写意与象形完美的结合。这一系列的创作主要是以中国的戏曲为题材的,画面中也同样有着浓郁鲜艳的色彩,有着大胆奔放的笔触,这些大笔触将画面分割成有序而完整的构图。如《唱戏的人》,在这张作品中,最前面的是一位戏子弯腰,单腿屈膝,正沉浸在自己的练习中,她的面部处理简单概括,通过这种简单概括突出了她的肢体语言,后面粉色的人突出的也是通过肢体语言表露出来的信息,感觉嘴里正在唱着戏曲自己沉浸其中做动作练习,她通过这种直的细的重的线条和曲的粗些的淡的线条表达这种肢体语言,拉二胡的人额头上密集的短线体现了他的专注,画面中很多短的粗的线条和细长的线条交错呈现,她用这种理性的线条来表达着早年的这些戏曲情感,使得整个画面变得既温暖又伤感。戏曲这方面的创作使得油画在她这里变得中国化、本土化起来。

通过作品我们能感受到闫平老师创作中通过对色彩、对笔触等安排融入她独特的对生活对生命的情感,从她的作品中欣赏者不仅有这种视觉上的享受,同时从她的作品中发现生活的美,感受这种美的享受。当然,这种美感除了色彩和笔触外,闫平的绘画中还有很多值得我们学习的地方。

摘要：闫平老师是中国当代最具代表性的重要艺术家之一。作为当代女性艺术家,她是通过自己独特的视角来解读生活,通过自己独特的方式来抒发情感。文章从色彩、笔触来具体分析闫平老师这种对生活、对生命热爱的情感表达,通过分析,笔者希望把这种绘画情感融入绘画,融入生活,带给更多人幸福。

关键词：色彩,笔触

参考文献

[1]王静.东方艺术家第三辑,岳敏君、杨少斌、闫平、崔国泰[M].北京:新星出版社,2010

[2](德)瓦尔特·赫斯.欧洲现代画派画论选.宗白华.译.[M].人民美术出版社,1980

[3]王宏建袁宝林.美术概论[M].北京:高等教育出版社,1994

色彩和情感在油画创作中的重要性 篇7

色彩像油画的外套,大面积的覆盖在油画的表面,给人以第一视觉冲击力;色彩是画家心情的晴雨表,观画者通过对油画色彩表现的观察和分析,来了解画家的内心思想感情;色彩是油画艺术的血液,贯穿于油画的生命体中,给油画以鲜活的生命力。

一、情感与色彩的关系

1. 情感的含义及与色彩的关系

所谓情感是指人的喜、怒、哀、乐和心理形式,它反映了人对外部世界和现实的主观态度。在心理学中情感的定义是,人对客观事物是否符合自己的需要而产生的态度反映。油画创作的过程就是创作者通过各种绘画语言抒发自己情感的过程,然后再把这种情感通过各种绘画语言传授给观众。

色彩是为情感服务的。马蒂斯说:“色彩的主要目的应该尽可能的为表现服务。”[7]这里的“表现”主要指画家的内心感受、情感等心理层面的表现。油画的创作过程也是情感宣泄的过程,同时也是情感振奋和升华的过程。纵观世界美术发展史,但凡倾注了画家全部情感所留下的传世之作,总能让人过目不忘,最使人感动的常常不完全是画家所揭示出来的那些认识,那些理念,而是其中深刻的永难忘怀的情感。

2. 色彩的属性

色彩本身具有色相、明度、纯度、冷暖等属性,画家经常运用色彩的这些属性来进行塑造。色调的不同运用给人不同的感受:色调是为作品主题服务的。出色的油画创作者为了表达作品的主题思想,运用不同的色调表现出不同的画面感受。例如:“伦布朗以棕色调表现带金盔的人那种雄沉森郁的情调;哈尔斯用轻松愉快的浅色调表现吉普赛女郎乐天开朗的性格;德拉克洛瓦以热烈的棕红色调表现希尔岛屠杀的残忍;不同的色彩象征意义不同:文艺复兴时期的基督教绘画中的圣母经常穿着具有象征意义的红色罩衣和蓝色斗篷。对于基督教来说,红色代表基督的血液,表示信仰与献身;蓝色表示天空,代表神性。罗马天主教会中教皇穿白色的衣服,也经常用白色代表神圣气氛。同一种色彩由于画家所表现的情感不同扮演不同的角色:从扬·凡艾克1343年所作的《阿尔诺芬尼夫妇像》中,不难看出,阿尔诺芬尼新婚妻子的小腹,已微微隆起,很显然妻子已经孕育了一个新的小生命,画家利用象征生命的绿色外套暗示了这种状态。但在凡高的《夜间咖啡馆》一画中,绿色也大量出现在画面中,绿色的屋顶,吧台,屋子中央的台球桌,甚至孑然一身站在台球桌旁边的老板的头发等,所有的绿色在这幅画里面,视觉上给人以强烈的刺激感,都让人感觉不舒服,产生一种阴森森的令人恶心的恐怖感觉,而这种感觉,正是凡.高对曾粗暴的赶走过自己的咖啡馆老板所要表达出来的不满。

二、从不同时期看色彩和情感在油画创作中的重要性

1. 巴洛克时期

鲁本斯利用色彩的表现力,注入自己的情感,使绘画表现出强烈的感染力和伟大的生命力。例如,在其作品《劫夺吕西普的女儿》中,为了利用色彩的情感表现力,大量使用鲜艳的红色、欢快的黄色以及强烈的明暗反差来增强画面的热量和运动之势。因为红色代表欢快、热烈,表现血与火的战斗,表现革命,也可以表现某种恐怖;而黄色在作品中则造成刺激和不安的情绪,作品中这种色彩搭配所造成的强烈的动态效果,既让画面变得富有生气,也使画面在运动中充满了动感与活力,给观赏者一种动态的心理体验和视觉上的调剂与刺激。

2. 写实主义时期

莫奈的作品被称为“绘画中的诗”,他认为,绘画不仅是一种手艺,而且是他们心底自然流露出的真实,在他的不少优秀作品中,用色彩描绘的场景、人物、景色、寄托了他对生活的赞美和忧伤。利用光和色来描绘自己的画面,抒发自己的情感。在其作品《圣.拉扎尔火车站》一画中可以看出他对于人和自然长期的喜爱,执着追求,这种对艺术的喜爱和追求已经完融入了他的生命状态,把它表现在自己的画面中,深深的感动着观众。

3. 表现主义时期

表现主义时期的色彩在油画创作中具有强烈而独特的魅力。表现性色彩更能体现出画家利用色彩来表现内心自我情感的特色。表现主义的奠基人凡高,运用对比的色彩以及夸张扭曲的线条来表现他的激情。他在获取自然色彩的同时又把自己被自然感动的情感带入画面,使他的画面色彩具有了很强烈的表现性。他通过色彩来表现自己对生命的热爱和对美好生活的向往。例如,他的名作《向日葵》便是他使用黄色来表现内心情感的经典之作,这幅画的整个画面都是由很强烈的黄色组成;画面色彩的对比很强烈,土黄色的花盆和柠檬黄的背景,以及中黄色的花瓣和花瓶等。画面虽然都是由黄色组成但它们之间又各有不同,画家通过对色相、纯度和明度以及色彩面积的调整和处理,使画面形成一种色彩关系,从而避免了色彩与色彩之间的孤立局面,在他的画面中常见的是黄色调,在绘画中黄色通常具有两种含义,一是表现画家对生命的热爱和希望,另一只是躁动不安的神经质的内心体现,这两种情感都反映出一个真实的凡.高。

4. 抽象主义时期

热抽象派大师—康定斯基说:“色彩对人的有机体产生巨大的作用并且直接影响着精神”。“色彩隐藏着一种力量,虽然不为人们所感觉,但却是真实的、显著的,而且感应着整个人体。”这种色彩的力量指的就是色彩的情感表现力,它是人能够直接意识到的:“刺眼的珠红像火焰般恣意的撩人,强烈的柠檬黄,使眼睛忍受不了它的刺激,就像喇叭地噪音震耳欲聋一样,使人不停的眨眼,以求得消沉在蓝色与绿色调的宁静深处。“蓝色加深了缓和与宁静,随着色的稀释,蓝就渐渐失去了它的青色……”。[6]实际上丰富的色彩可以更好的表达人的情感,反之,人的情感也会使我们所见的色彩发生变化。描绘者之情感因素所带来的色彩变化,正是追求个性和创作性的艺术家常常运用的艺术手段。

无论是以鲁本斯为代表的巴洛克时期的油画色彩,还是写实主义时期以莫奈为代表的印象派色彩,以凡高为奠基人的表现主义时期的色彩,还是抽象派的色彩,无不是把色彩作为各种绘画语言中最重要的一项,去表达他们内心或热烈、或美好、或扭曲或奔放的思想感情,去绘画画家“心中之歌”,给世人留下了大量的感动人心的巨作,成为人们时代学习的典范。

摘要：色彩是油画的灵魂,是表达画家内心情感的语言形式,色彩是观画者与画家之间思想和心灵沟通的桥梁,观画者通过对油画色彩的直接感受来了解画家内心的情感。无论是以鲁本斯为代表的巴洛克时期的油画色彩,还是写实主义时期以莫奈为代表的印象派色彩,以凡高为奠基人的表现主义时期的色彩,还是抽象派的色彩,无不是把色彩作为各种绘画语言中最重要的一项,去表达他们内心或热烈、或美好、或扭曲或奔放的思想感情,去绘画画家“心中之歌”,给世人留下了大量的感动人心的巨作,成为人们时代学习的典范。

关键词：色彩,情感,写实,表现,抽象

参考文献

[1]唐晶.凡高[M].北京:中国人民大学出版社,2002.

[2]常永旗.油画中的色彩[J].美术大观,2007,7(27)

[3]色彩艺术学[M].吉林:黑龙江美术出版社,1998.

[4]翟墨,王瑞廷.西方现代艺术流派书系[M].北京:人民美术出版社,2003.

[5]冯健亲.绘画色彩论析[M].上海:上海人民美术出版社,1990.

[6]翟墨、王瑞廷.康定斯基论艺[M]∥翟墨、王瑞廷.20世纪外国大师论艺书系.裔萼编著.北京:人民美术出版社,2001.

论油画创作中自我情感的表现 篇8

人的内心中蕴藏着十分丰富的情感, 有喜, 有悲, 有苦, 有乐, 艺术家们一直在寻求一种艺术的表现方式来诉说内心的情感, 油画创作作为一种特殊的方式可以直接抒发情感。追溯到19世纪的后印象主义, 画家最先强烈要求把自我情感表现在他们的作品当中。艺术作品是艺术家精神的物化形式, 饱含着艺术家的真情实感, 是更深一层的感情叠加与复杂化, 最后艺术家创作出能通过色块的堆积、翻转, 灵动的线条, 阔大有力的笔触, 强烈抒发内心情感的作品。画家内心孕育着的情感通过油画创作的方式展现在大众的视野中, 让他们洞悉画面背后的感人故事以及画面本身所呈现出来的情感意味。

二、油画创作中的自我情感的表现

(一) 色彩的情感表现

色彩在绘画表达中是最基本也是最关键的因素之一。鲜艳夺目的色彩在油画作品中是最能吸引人的眼球的, 也是最具代表性的因素之一, 红色代表热情, 蓝色代表忧郁, 黄色代表阳光, 不同的颜色抒发不同的自我情感。当代女油画家闫平多次强调追求艺术表达的语言便是色彩, 它的表现能力是极其强烈的, 是传达情感不可或缺的一种方式。闫平老师最喜欢粉红色, 因为它最吻合女人的心理, 可以带来无限的遐想空间。单纯饱满的颜色犹如欢快悦动的音符, 跳跃着生命的活力, 演绎着别样的精彩, 使画面充满了激情;冷暖色和补色的大量使用, 组成了一只高亢而华丽的乐曲, 热烈灿烂的颜色仿佛给饱受压力和痛苦的人们吹来了一阵舒心而愉悦的清风, 使身心得到彻底的释放与放松。后印象主义大师梵高通过互补色的运用来传达内心复杂的情感, 对比色的运用使得氛围变得浓重富有冲击感, 《夜间咖啡馆》为了表现出咖啡馆带给他的压抑之感, 把大面积的红色和绿色组织在一起, 通过他们所产生的不和谐, 相冲突来表达当时的情感, 让艺术成为一种纯个人化的表现方式。色彩是传递人类感情世界的一种最直观的方式, 颜色最能体现出人们心中的感情世界, 加之艺术的表现手法, 使之艺术作品给人以浑然天成的艺术效果。色彩的冷暖, 补色关系, 和纯色本身带给我们的视觉效果是表达人情感最有效的方式。

(二) 笔触的情感表现

笔触这种绘画元素在油画创作中复杂而又生动的杂糅在一起, 运用的十分广泛, 一般来说古典油画家对笔触的处理比较晦涩, 转折过度没有痕迹。但是随着对绘画语言本身的不断认识与提高, 循序渐进的努力与深入研究, 对笔触的运用和掌握在不断的进步。它可以跟随画家当时的心境和具体感受来进行感性而强烈的表达, 有些笔触用笔长, 有些笔触用笔短, 有些笔触顺结构而行, 有些则逆结构而行, 有些笔触混合大量色彩, 有些笔触用色单一, 有些笔触完全是适应物体的结构, 有些笔触是厚薄结合堆积产生不同的视觉效果。梵高笔下旋风般的笔触最能代表他自己当时的心境了, 《向日葵》所展现给我们的不是一株普通的向日葵, 而是带有原始冲动和热情的生命体, 不知不觉间可以感受到画家的强烈主观情感, 窥探到内在的深意, 也随着画家的笔触流动, 激情四射。被誉为表现艺术先驱的梵高, 用富有张力的条状笔触表达了一种不可遏制的激情和矛盾, 强调抒发自我感受, 表达主观情绪是梵高艺术风格的显著特点。他侧重于精神性的表现, 给予画面象征性的意味。其实艺术家们随意的笔触都是经过感情的驱动和多次的修改完成的, 表现真实的自我一直是他们不懈的追求和尽力传达的信息, 艺术作品本质上是人类精神的物化形式。

(三) 线条的情感表现

线条作为中国绘画最重要的表现手段, 贯穿在中国绘画史的始终。油画可以分为写实性油画, 注重用线条来造型和塑造对象, 还可以分为表现性的油画用以作为抒发情感的载体。线条本身有长有短, 长线条代表一种扩大与延伸, 短线条精炼中带有简洁意味, 有粗有细, 有弯曲扭转和宽窄的线条, 实现了线条自身价值。粗壮有力的线条可以有一种力量感, 柔美灵动的线条给人以华美动情的感受。时而曳长的线条, 时而短促的线条, 形象生动的交织在画面当中叙述着艺术家的故事。西方传统绘画中的蒙得里安, 用直线组合而成的画面当中给人一种安定, 平静的心态。蒙德里安作为荷兰风格派的创始人之一, 拒绝任何的具象元素, 他笔下的线条不是静止呆板机械的被组织到画面上的, 而是赋予了感情的色彩, 主观性的崇拜直线所带来的美感, 认为可以透过直线观察到万事万物隐藏下的安宁与和谐感。规格不同的矩形方格和条状线条, 给我们带来了不一样的审美感受, 被赋予安宁的线条让人们产生了对其深深的思考和哲理性的探究。人们越来越重视油画创作中线条的情感表现, 也许不像色彩那样浓重, 那般触目惊心, 但是却充满了探究性的意味。著名的艺术家吴冠中, 是中西方融合的典型, 艺术理念在东西方之间, 油画和水墨之间游走, 巧妙而又真实的结合在一起。在吴冠中的艺术作品中, 直线, 弧线, 收缩, 旋转, 翻腾, 各种线条竭力展现出线条充满饱和的力量与动感, 表达了生命的充实。线条同色彩一样可以抒发艺术家们的内心情感, 把他们的内心世界挖掘出来, 利用灵动的线条将其抒发, 主客观的完美结合, 演绎着动人的篇章。

四、自我情感的表现在油画艺术作品中的价值