绘画创作中的情感表现

绘画创作中的情感表现（精选8篇）

绘画创作中的情感表现 篇1

物质文明飞速发展的今天, 人们对精神文明的追求致使大量的现代文化产生, 以传媒、网络蔓延开来, 面对物质文明的发展, 高品质生活、高效率工作、高幸福指数的需求与渴望, 疲惫感让人们越来越寻求属于自己的内心世界, 越来越注重以自身的体验与感受对生命的价值与意义再一次定义。艺术家们通过对生活的认识和理解以及人生的感悟以多种多样表达方式来, 创作出以情感人的作品才能引起观者内心共鸣的, 打动人心的作品才是成功的。

一、情感表现的内涵

1、简析情感

情感定义广泛, 有一种说法是:人受外界刺激而产生的心理反应, 如喜、怒、悲、恐、爱、憎等。心理学上把情感定义为:“人对客观现实的一种特殊反映形式, 是人对于客观事物是否符合人的需要而产生的态度的体验”。从这个定义可以了解到:情感是一种主观体验、主观态度或主观反映, 属于主观意识范畴, 而不属于客观存在范畴。情感伴随着人们的生活, 从古时候人类情感的表现在艺术中就已经出现。在西方, 法国美学家维隆给艺术定义为“艺术就是情感。”

2、艺术家的情感表达

艺术家的情感体验始终贯穿艺术创作。作品的取材、构图、表现形式, 方圆、气韵、虚实、笔触等体现了作者的情感和心境。情感的表达取决于艺术家对生活的体会和对艺术的把握, 秉着对生活的虔诚和对艺术的热爱发现艺术真正的价值, 从而创造纯粹的艺术。

随着人们生活翻天覆地的变化, 各种传媒和网络的发展带给人们新的享受, 生活中也出现了真实、虚拟, 艺术家们体味着当下的生活, 在纷扰的世界表达内心的追求和感动。绘画创作不是单纯的描述生活, 是艺术家营造了内心的情境, 是艺术家鲜活的、自由的、个性张扬、美好虔诚的情感体现, 反映着现在人们生活不同的内心追求与感受。

3、情感是绘画创作的基础

生活的真实、虔诚、虚幻、暴力等干扰着我们的内心, 艺术家寄情于自然界万物、寄情于生活, 将内心深处的思想情感用作品表现出来, 一幅富有精神内涵的作品都承载者艺术家们的思想和情感。没有充分的感情投入的创作不是好作品, 再好的技法也无法打动欣赏者。所以, 情感是艺术家创作不可或缺的力量, 是创作富有感染力作品的灵魂。

二、生活是绘画创作的情感源头

绘画创作是社会生活的反映, 用视觉形象来反映世界, 人们将丰富多彩的物质世界和精神世界组合起来, 通过绘画的艺术手段勾勒出高雅的、平实的、传统的、大众的各种创作类型, 一个优秀的绘画创作者同时拥有一双发现生活美的眼睛, 深入生活去挖掘绘画创作素材, 有了生活岁月的积累和情感的沉淀, 创作者们凭借自身的艺术创作才能, 发觉生命的本质意义, 绘画创作记录了画家张扬的个性和生活魅力。看《清明上河图》, 好像看到了北宋时期汴京的市井生活的情况, 看米勒描绘农民的画, 似乎就看到了法国19世纪的农村。这些作品的成功来源于生活情感的体验和感悟。

绘画是一种艺术语言、一种情感, 艺术家们丰富的内心世界反映着生活, 绘画创作不是生活的直白翻版, 它体现了作者的内心意念, 无声无息的表达着创作者的人生观、价值观、审美取向和生活志趣。艺术家凭借敏锐的观察力, 对生活的认识从现实到本质, 绘画中所体现的任何一种情感, 都是艺术家内心自发的对生活一种情感。古代文人往往与世俗不能谐和, 只能在市井田园间, 在自己的心灵中, 寻找一片隐逸之所, 以琴棋书画自娱自乐。

三、在绘画创作中情感的不同体现

古往今来, 多少名画及成功的作品, 无不体现着情感活动, 现实生活的情感是创作的源泉, 情感性也是艺术审美特征之一。不同的历史文化背景, 长期的社会背景和环境形成了不同审美心理和审美情趣。

画家们对生活的感悟、对创作对象的情感寄托使一幅幅优秀的作品诞生。徐渭的《墨葡图》, 以画家的感情用作品来感动人, 其形象简练生动, 用墨痛快淋漓, 行笔豪放泼辣, 其画中的线条柔中带刚, 正是画家不屈不饶的个性, 泼墨的痛快淋漓表达了作者的悲愤感情。这与他坎坷的一生经历和对生活所给予的情感是分不开的。徐渭是一个才华横溢的艺术家, 曾遭遇复杂的家庭变故, 九次自杀未遂, 坐过六年多的监狱, 其复杂坎坷的遭遇和丰富的人生经历让画家深切的感受了现实的和想象中的善、恶、美, 从而形成了绘画创作所需要的激情。欣赏者不仅可以从他的画中直观的感受到视觉享受, 还可以从画中感受到画家鲜明的个性和饱满的创作激情。

四、情感在艺术创中的作用

“胸有成竹”一词上学时便学过, 画家如实的想画好眼中所看到的竹子, 需要寄情于竹, 在胸中呈现竹子的情境。“胸中之竹”便是情, 是画家心灵中的情景, 情景交融, 于是就有了画中之竹, 情感是艺术创作的动力和灵感之源。

缺少对生活的激情, 你的绘画创作同样没有激情和感染力, 苍白无力的表述会让艺术作品枯竭, 对作品的把握和理解, 是对生活的感悟和热爱, 绘画创作的真、善、美来源于画家从事绘画的岁月沉淀和积累, 对生命的反思, 对生活的思考, 生命里的每分钟, 欢乐、痛苦、挣扎都有可能正为我们绘画创作的灵感之源, 成为绘画创作的对象。画家的用画纸表现的是生活的状态和知识结构的积累, 取决于画家对人类情感的把握和理解。

五、结语

艺术的表现和艺术所带来的精神实质的传达完美结合造就一幅好作品。绘画创作的取材和表现取决于对艺术创作感情的把握与认识。画竹前“胸有成竹”, 在生活实践中发现美, 塑造美。相反的, 对于丑恶, 我们不回避, 用艺术创作的手法揭示本质。艺术与生活息息相关, 在尊重个人感受的基础上, 艺术创作的种子萌芽来源于真实生活。绘画创作需要探险, 需要虔诚, 我们要明白是时代赋予我们的机遇和力量, 在广阔的思维空间, 用我们的心灵体会生活, 用真实的, 打动人心的情感去融入到你的创作中。

参考文献

[1]王宏建.艺术概论[M].高等教育出版社, 2000.

[2]黑格尔.美学[M].商务印书馆, 1979.

[3]徐湖平, 主编.古代名画赏析[M].天津人民美术出版社, 2003.

绘画创作中的情感表现 篇2

关键词：色彩；油画创作；情感表现

1 油画创作中色彩的基本概况

1.1 色彩情感表现的基本内涵

色彩作为一种特殊的油画表现语言，其本身是不能够表现出思想和情感的，但是人们却能够从油画的画面色彩当中感受到某种情感。这种感受源于人们对生活的体验，源于人们对视觉经验的积累。一旦人们的经验和油画中的色彩产生了一定共鸣的时候，则会充分左右欣赏者的情感，使其产生兴奋、激动、恐惧等情绪，从而产生了一种情感表现。

1.2 色彩与人之间的关系

随着社会的不断发展，人们开始对色彩产生了不同的理解和认识，并且对色彩所产生的问题有了自己更为深入的理解和体会。康定斯基曾经在其文章《论艺术精神》当中这样表述过：“当我们提到色彩的时候，就会在思想上浮现出两大类，首先是一种鲜明和暗淡的，其次便是冷与暖的。”因此，在色彩与人类之间的关系上，我们可以分为以下几种：首先是由理论家、学者创造出来的一系列系统的色彩理论和相关体系；其次是生活中的色彩无处不在，人们对客观存在的色彩都会有最为直接的审美体验，因此人们对色彩的喜爱和熟悉程度都成了一种较为普遍的现象；最后由于社会的进步，新的材料、科学技术等的发展，从而科学家和艺术家不断创新，提供了一系列丰富的色彩经验。

1.3 色彩在油画情感表现中的重要性

色彩承载了太多人类精神上的升华，并搭建了人与人心灵之间进行沟通的桥梁。在一定程度上，色彩不仅仅勾画和形象地表现了事物的外部特点，而且还能够充分体现画家对世界的理解和自身的生活体验，进而揭示了创作者丰富的内心世界。色彩拥有丰富的内涵特点，它融合了艺术家对生活的认识、理念、价值观，而且还结合了各类信息，形成了自己独有的表现体系。这种体系的表现则会在一定程度上会与观赏者的心灵产生共鸣，从而引起人们的联想，油画创作在运用这种体系进行表现和创作时，会使创作者所表现的画面更具审美功能，而且能更好地表现和传达书法创作者所要表达的情感体验。

1.4 色彩的情感传达方式

阿尔艾姆曾经对色彩作出这样的评论：“大脑中的许多秘密都是通过人们的眼睛表现出来的，眼睛是对外部信息进行首次加工的重要场所。它对外界存在的客观对象进行加工之后，重新构建各种不同的视觉概念以及情感体验。”因此，对于色彩的情感传达是一个复杂的转化过程。在创作油画的过程当中，色彩所带来的一系列情感表现强烈地凸显了创作者的主观意味。只有在外部的事物对其大脑产生刺激的时候，在大脑当中存储的潜在的意识才被慢慢地释放出来，于是这些促使创作者混合了自己与客观事物，从而与欣赏对象产生了共鸣。从而我们也可以将其理解为情感体验主要是通过人们对色彩的视觉体验所感受出来的一种情感表现。

2 油画创作中色彩的表现特征

2.1 色彩情感的表现具有强烈的主观性特点

油画创作当中色彩所表现的主观性主要指的是创作者在创作过程当中依据个人的主观思维进行分析判断的结果。这些特点主要体现在以下几个方面：

首先对画面表现技法和所使用材料选择的多样性。随着社会的发展和进步，越来越多的新型的材料成了创作的主要构件。因此所形成的画风也呈现多元化的特点，但是这些作品都具备一定的审美性特点，同样也可称之为是一副好的作品。其次是色彩语言的主观性，色彩是创作油画的主要元素，在创作油画的时候，艺术家会按照自己的情感运用色彩进行图案描绘，运用色彩来传达自己的思想。再次是内容上表现的随意性，只要创作者喜欢，什么内容都可以成为其表现的主题；最后是形式上的主观性，这也是艺术创作最为基础的问题。在目前，很多艺术家都摆脱了条框的限制，运用独特的手法对自己的画面进行展现。

2.2 色彩情感表现中的象征性及装饰性特点

象征性在现实生活当中或者是艺术表现当中，通常运用象征手法借用有形的物体去比喻抽象意义上的事物的表现方式。而对于油画创作来说，创作者通常借用色彩的变化去表现某种情感上的意图，用色彩之间的对比来展现一种抽象的生命体验。例如，著名的画家高更，在其作品《天使与雅格的格斗》当中，运用大面积的色块以及色彩之间的反差和对比，来凸显其丰富的想象力。

装饰性色彩不仅能够对生活当中的小物件进行装饰（如各种瓷器表层），而且还能够对建筑的外观以及一些公共艺术进行独特的展现，而且在油画创作中能更充分地表现其装饰性的特点。在后印象主义、野兽派等不同的画派当中，油画的创作通常融合了东方的绘画手法。将比较简单的色彩通过重新组合、构建，再运用线条对这些大面积的色块进行分割、变形，使夸张的色彩之间形成鲜明的对比，从而展现出特殊的装饰性特点。例如，在克里姆特的绘画作品《接吻》当中，整幅画面采用大量的金色色调，在服饰上则采用镶嵌暗语的色彩进行表现，既凸显绘画者的思想情感，又起到很好的装饰效果。

3 色彩情感在中国油画创作中的表现

3.1 情感色彩在中国绘画史上的演变

情感色彩在中国绘画史上出现相对较早，起初，中国的画家采用泼墨的形式进行绘画，利用色彩与空白之间的组合，从而表现出画面的意境。

到了20世纪80年代的时候，中国的画家开始逐渐将自己的个人意识以及对生活的体验融入油画当中。这时候中国油画的表现也不再是传统上的一种技艺展示，或者是单纯的对生活事物进行再现的形式。绘画者逐渐摆脱了条框的束缚，摆脱了阶级性和时代上的局限性，从而进入了解放思想、百家争鸣的绘画时代。

3.2 中国现代油画中色彩情感的表现模式

在中国的现代油画创作当中，当打破一些客观的条框的限制后，色彩表现的主要功能性特点则演变成了一种“审美性”。这种转变从而使中国现代油画创作中色彩情感演变成对客观事物的美的升华，在某种程度上奠定了创作者拥有的自由、主体的创作地位。

在现代中国油画的创作过程中，画家要表现的一些主观上的情感和思想，又或者是对一种抽象性思想进行艺术展现的时候，都需要借助于色彩和线条来进行实现。因此，对于目前中国举办的许多绘画展览中，去强调色彩来展现绘画者思想的形式占据了很大的比重。因此在许多作品的画面上，相对简化了内容，而加强了色彩对画面的重新组合和表现，以此更好地体现创作者的思想感情色彩。

4 结语

在油画创作的过程中，色彩所表达的情感具有划时代的特征。通过本文的探讨，可以深刻感受到油画创作过程中运用色彩的重要性。它是再现绘画者精神世界的重要媒介，因此在进行油画创作的时候要格外重视，为以后创造出更为优秀的油画作品奠定良好的理论基础。

参考文献：

[1]原春鸣.论绘画色彩语言[D].西安美术学院，2007.

[2]李艳霞.色彩和情感在油画创作中的重要性[J].大众文艺，2010（04）.

[3]姜雨子.浅析色调在油画中的情感表现[D].首都师范大学，2009.

色彩语言情感在绘画中的表现 篇3

一、情感与色彩的关系

色彩能够表现感情, 这是一个无可辩驳的事实。色彩是现实生活中的一种客观存在, 一种视觉感受。在绘画艺术中, 色彩是重要的艺术表现手段, 是最具有感染力的绘画语言, 色彩在绘画中发挥着独特的作用。在一幅作品中, 色彩的自身属性、面积、位置的处理与安排都有着独立的审美价值。色彩是表现“构图需要”、“内在需要”、“装饰审美需要”、“情感需要”的视觉象征符号, 是人的视觉在感知形象时的第一要素, 具有先声夺人的作用。也就是说, 色彩能够触及人的心灵最深处, 能够引起人的情感共鸣, 是绘画作品里最富有表现力的艺术语言, 具有独特的功能。

色彩语言是传达艺术精神的重要媒介, 它不仅是画者在自然物质中所看到的颜色, 更是视觉艺术的一种形式语言。画作中的色彩可以唤起观赏者的各种情绪、情感, 观赏者的情感使色彩超出了简单信息与素材的范围, 使色彩具有了象征意义和精神内涵。

艺术源于生活, 同时又是高于生活的。艺术家的创作是生活的反映, 色彩的调配和运用是绘画作品中不可缺少的重要因素, 同时, 色彩又体现着画家在作品中所要表达的思想情感和精神实质。“情”是客观的景与主观思想情感的统一, 是画家创造的一种特别的艺术境界。色彩语言是画家借以表达和传递情感的媒介, 通过视觉形象的表达完成传递作用, 画家不仅能使色彩传递感情, 赋予它们灵魂, 还能传递出自身对艺术、自然、人生的体验和看法。

二、色彩之情感表现的历史效应

在古典主义时期, 受古希腊哲学家亚里士多德“模仿论”的影响, 画家们所追求的为在画作中表现出“模仿”和“再现”, 致力于局部色彩丰富细腻的变化层次和利用色彩的色相及纯度孤立的视觉刺激。

以固有色自身明度的差别展开, 同样表现色彩的冷暖关系, 只是将微小的冷暖变化控制在大的色域里, 从而产生各种色相本身具有的力度。另外, 色彩语言还讲究各种色相的纯度秩序, 造成色彩的层次感染力。色彩在绘画中的表现, 完全依照严格复杂的程序, 采用的技术方法是多层叠色法或半透明染色法等, 使色与形完美结合, 从而产生古典主义色彩表现的审美标准, 此时的色彩具有服务于形体的庄严肃穆之情。如拉斐尔的色彩充满和谐之情, 有一种富丽柔和、协调的颂美特色;乔尔乔涅则冷暖色点并置, 着力于在画面上构建一个可以随观赏者视觉联想拓宽的“无限”空间;伦勃朗的作品暗部色彩薄而透明, 与亮部响亮浓厚的色彩形成诗般对比, 加之光线的微妙处理, 使画面充满亲切感和神秘感, 并显示出忧郁的感情因素, 带来真实美妙的形体质感。

19世纪以前的绘画寻求形色并重互补的结合, 在“色彩”方面, 主要体现在固有色基础的经营中。印象派动摇了模仿自然色彩为全部目的的传统绘画信念, 完成了西方传统范畴内的条件色体系的色彩探索。特别是印象派画家莫奈致力于大自然中环境与光线的研究, 突破传统绘画原来以褐色调子为主的基调, 采用鲜明的色彩和笔触直接描绘在阳光下的物象, 表现微妙的变化, 创立以光源色和环境色为核心的现代写生色彩学。此时的色彩语言融入了艺术家更多的主观情感, 他们对自然色彩进行重新组合、调配、强化, 可以说这一时期的色彩可以直接体现画家的思想感情。

不同风格的艺术作品, 不仅是艺术家技艺性情的不同造成的, 而且是艺术家不同的色彩观念造成的。莫奈运用灵动的色彩语言表现他的情感, 用创新的色彩观念在瞬间唤起人们的视觉注意与感情共鸣, 从而表现出艺术品真正的艺术生命力。

艺术家都给予自己的作品以感情的表达。莫奈作品的感染力不在于扎实的写实能力, 也不在于丰富的故事情节, 而在于色彩观念的转变有利于对情感的抒发。色彩艺术语言既要表现色彩敏锐的感觉, 又要表现色彩的规律性, 在此基础上对色彩进行综合概括, 从而完成艺术家情感的抒发。艺术家在缤纷的世界中捕捉有价值和感兴趣的事物, 富有感情地用独特的色彩语言描绘生活, 在作品中凝聚自己的心血和感情。

莫奈以纷繁复杂的色彩笔触赞美着自然界中光与色的多姿多彩;雷诺阿笔下沐浴在阳光的儿童妇女, 五彩缤纷的色彩表现了他对于生活的热情;凡·高以狂热的色彩语言描绘出他痛苦热灼的心灵;而塞尚则用色彩的秩序和结构, 为我们解释他对于自然界的本质与永恒性的理解。印象主义在色彩表现方面的实践, 将色彩与情感相融合的表现力推向了一个更高的阶段, 并使色彩形式自身获得了更大的独立性和审美价值。

色彩语言是传达艺术精神的主要媒介, 它不仅是自然物质中所看到的颜色, 更是视觉艺术中的一种形式语言。

三、色彩语言的情感意义

康定斯基说:“对一个较敏感的心灵, 色彩的效果就会更深刻, 感染力更强。”“在精神上引起了一个相应震荡, 而生理印象只有在作为通往心理震荡的一个阶段才有重要性。”色彩对人的有机体产生巨大的作用并直接影响着精神。色彩隐藏着一种力量, 虽然不为人们所感觉, 但却是真实的、显著的。这种色彩的力量指的就是色彩的情感表现力, 它是人能够直接意识到的:“眼睛受到明亮的纯净的色彩的强烈吸引, 而明亮的暖色吸引力更强。红色使人想起火焰, 它一直为人类所眷恋迷醉。浓烈的柠檬黄非常刺眼, 就像长鸣不止的尖叫声那样刺耳。为了缓和紧张, 人们会转向绿色和蓝色。”绿色在可见光谱中波长居中, 是人眼最适应的色光, 在色相中属中性色, 对人的心理和生理作用都较为温和。

绿色是自然界中植物的色彩, 是自然界中最为宁静的色彩, 并会随着四季的变化而展示它不同的色彩变化。鲜艳的绿色, 非常美丽、优雅。黄绿色调使人感到春天的到来和青春的气息。蓝绿色使人想到平静的湖水, 有安静、清秀、豁达、宽阔的感觉。当绿色里渗入灰色时, 仍有宁静、和平之感, 就像暮色中的森林或晨雾中的田野一样迷人。

歌德认为:“绿色给人一种真正的满足, 当视线落到绿色上, 心境就平静下来, 不再想更多的事情。”

蓝色在可见光谱中波长较短, 常用于表现某种透明的气氛和空间的深远。由于蓝色对视觉的刺激较弱, 当人们看到蓝色时, 情绪较为安宁、祥和, 使人联想到宽阔的海洋和蔚蓝旷远的天空, 在心情烦躁时, 蓝色能使人变得心胸宽阔。

色彩语言中的那种超乎于物象之上的非现实效果, 有时恰恰是艺术作品所体现的情感所在。色彩语言构成的张力和色块组合, 与对比形成的色彩韵律感、节奏感, 对画作中意境的表现和内在感情的传达起着重要作用。人们在生活中不断受到色彩美的影响, 并以美丽的色彩装饰点缀自身, 通过色彩的变化来表现感情的精神作用。无论是古典主义时期的色彩、印象派色彩、表现主义时期的色彩, 还是抽象派的色彩, 都把色彩作为各种绘画语言中最重要的一项, 去表达画家内心或热烈、或美好、或扭曲或奔放的思想感情, 去描绘画家心中之歌, 给世人留下许多感动人心的巨作, 成为人们世代学习的典范。

当代绘画的多元价值观, 让许多绘画者觉得无所适从。还有市场的导向, 绘画者面临着更多选择, 包括艺术观和人生观。每种风格、每位画家的探索, 只能是一种选择, 并不是发展的唯一出路或最佳出路。艺术家有必要从全方位去探索如何创造绘画色彩的生命力, 确立自己卓立不群的艺术品质。

绘画意义上的色彩不仅仅是对美的颜色的发现和创造, 更是画家的心与对象的色之间的碰撞与融合。色彩不仅具有物质属性, 还承载着精神因素, 具有文化性。绘画色彩的艺术魅力在于瞬间给人留下深刻印象, 并表达色彩背后所隐含的作者的思维、修养和精神境界。

摘要：绘画是一种艺术实践活动, 运用线条、色彩、造型和构图, 依据一定的形式法则进行搭配组合, 完成传达精神内涵的任务。正是基于这一特殊的表现方式, 画家才能将情感依托于绘画语言, 在作品中折射出人与客观世界种种简单、复杂乃至扑朔迷离的关系。本文通过情感与色彩的关系;色彩之情感表现的历史效应;色彩语言的情感意义三个方面, 阐述色彩语言的情感及其在绘画当中的表现。

关键词：色彩语言,情感,绘画

参考文献

[1]肖丹.心理学基础知识.北京:人民卫生出版社, 2008 (1) .

[2]瓦尔特·赫斯编.宗白华, 译.欧洲现代画派画论选.北京:人民美术出版.

漆画材料与创作情感的表现技法 篇4

漆画的材料与表现技法是艺术表现的重要环节

漆画创作中髹漆情感语言的体现。漆画创作和其它画种既有区别，也有相互借鉴的地方，首先从材料、工具上来说，漆画颜料是天然漆掺入颜料调和以后而得，掺入的颜色粉很挑剔，正是有着如此严格的调配制作，而让漆的材料感更不同于国画、油画、丙烯等材料，有着强烈的表现性，大漆的覆盖力比较强，同时在调色时需要反复研磨搅拌成色，这样大漆特有的光泽度才可以保留住，有的画面可以做到像镜面一样光滑，而有的画面则是更为强调其沧桑、质朴的厚重肌理感等等。作画时，除了用画笔，更多的是用发刷、动物的毛发做工具更易操作，根据画面需要可以适度寻找作画工具。其次周期上，漆画创作的周期性很强，制作复杂，底板的制作更是需要反复加工。由于大漆特有的粘性，大漆可以和多种材料结合，比如蛋壳、螺钿、树枝、金属等等，从而使得漆画的画面更加丰富多彩，层次多样。多变的肌理效果，在经过打磨这道工序以后，会有着多层漆料叠加的色彩，有的斑驳，有的纵横交错，有的似图腾一般耐人寻味。再者漆的干湿需要一定的特殊温度和湿度，否则会影响作画周期。最后就是漆易使皮肤过敏，对艺术家心理会有一定的影响。天然漆经过磨显后会有着独一无二的润温光泽，美妙令人赞不绝口兼具视觉触觉的愉悦，首先从材料感来说，材料我想技法或许是前辈们自身经验总结而来的，而我们要更加认真的去耐心探索在实践中体会和掌握，将技法与创造巧妙地结合在一起而不是只注重技法的追求。

因此对于从事漆画创作的人来说，精湛的漆艺技法可以更好的为漆画创作者内心情感追求服务。而除了掌握漆艺的技法，更重要的修养。漆画创作的情感追求即为在创作漆画过程中作者的主观情绪影响，在创作过程中情感因素占主导地位，情感即是人对外部现实做出的反应，在艺术创作中的情感即为创作的动力源泉，内心想法的表现、态度、体会。总之，情感和艺术有着紧密的关系，卡西尔作为符号化的创始人提出了“符号化的思维和符号化的行为是人类生活中最富于代表性的特征”“艺术的真正主题应当从感性经验本身的某些基本结构要素中去寻找，在线条、布局，在建筑的、音乐的、形式中去寻找”但同时他是一个两面论者，他的学生和后继者尤其是朗格，她的理论核心是：情感意向=艺术符号=艺术形式=情感形式，这些无不都在体现着情感化的释放是在表达着艺术的真谛，艺术表现是情感的寄托。

漆画的表现技法的多样性

传统漆艺技法相似，都有较强的装饰性，在经历历史数千年的洗涤之后，形成了一套较为完整的体系。一般可归纳为：髹涂、描绘、镶嵌、刻填、磨绘、变涂、堆塑、雕漆等。髹漆《髹饰录》中集中，近代有《漆艺》等漆画实践较为充分的介绍，随着时代的推移，漆画家们不固守着漆艺技法的原始，而更多的渗入情感的表达，选取更为多材料、更易抒情的随性技法。

（1）在一幅漆画作品中材料和技法一般会比较综合，有的人追求大漆色彩之魅，而多用髹涂，尽情挥洒笔触的点滴，通常大漆的黑色和红色较为偏爱，而汤志义《蓝色月光》 平静而神秘的蓝色更为烂漫，静谧而深邃，星点的髹涂泛着蓝光的奶白色，洒在深邃的蓝色里，前密后疏，粗细自如，髹涂的薄厚适中，犹如月光在海面般散发出静静地忧伤。理性与浪漫，汤志义将传统漆艺技巧革新，大胆奔放的用色，加之大漆特有的肌理效果，使得内心情感充分表达，绽放流露创作时作者内心世界。 2004年，《渔舟飘至》获得了第十届全国美术作品展览的金奖。作者大胆采用变形的手法，将淳朴惠安女在晚霞中企盼远航归来的心理，缓缓地流露。作者将画面分割成不等比列，精挑细琢，形式感较强。画面中人物形体的夸张变形耐人寻味，打破以往的勤劳题材，更多加入作者本身自己的理解，烂漫而又轻松。汤志义在熟悉了大漆特有的材质基础上，以朦胧的灰调为主色系，采用了变涂、蛋壳镶嵌、漆绘、铝箔粉罩染等手法进行塑造。蛋壳的使用与乔十光有所不同，下面会介绍到乔十光蛋壳的画面。汤志义的蛋壳镶嵌体现在灵动、曼妙，不刻板、不生硬。整个画面给人以光感耀人、绚丽灿烂，那是由于箔面与透明漆相互作用，经过打磨而显现的，画面中的笔触更为整体的光感，增添了几分神韵，酣畅淋漓，体现了强烈的个人绘画风格。

（2）有的人钟情于画面的镶嵌，尤其是蛋壳的镶嵌，蛋壳的白色之美，细腻的纹理等等都展现着作者对大漆材料的情有独钟。例如唐明修的《唐古拉山》蛋壳的加入既有随意的凌乱感又有着白雪皑皑的壮丽，疏密结合，若隐若现，与唐古拉山的雄浑融为一体，后面由黑漆之魅给人一种肃静，而凸显山体的绵延，充满力量感，作者选用蛋壳与黑漆体现了其情感的挥发与画面的吻合，作者咸熟的漆艺技巧与含蓄雍容的性情，使得作品诠释的情感更加庄严绚丽，让品画的欣赏者在他面前显得有些渺小和卑微，而对他肃然起敬。

（3）有的人偏爱刻填，漆液调和粉状颗粒后可塑性很强，干燥以后使用锋利的刻刀划出的会产生国画白描一般的有节奏的线条，也可以刻完以后在进行填充色漆，再去磨显，一般在做人物创作用的比较多写一些，这种表现手法较为细腻，例如 陈思的《炫》图所示 人物的皮肤用了银粉和漆液的调和，在其基础上进行罩染，磨显。画面中银白的人物与室内的悠然宁静混成一体，热烈而又和谐，舒展而又奔放，画面所呈现的特质与作者的气质很符合，画面中综合了髹涂、镶嵌、描绘等好几种技法，经过打磨之后露出的箔面，若隐若现，层次肌理丰富，使得蛋壳的白色、碧如丝绸的绿色、清新淡定的紫色等等使画面的在我眼前自由的跳动，洋溢着青春的气息。自然、热烈、流畅明快。还有的人被变涂之后出现的天然肌理的抽象美所折服，他们会选用各种工具、媒介物进行起皱等等。因此在漆画色块、线条、肌理的完美搭配之下，越来越多的漆画爱好者形成自己的个人风格，而个人风格的形成、题材的选择、技法的偏爱等都是作者内心情感的驱使。一幅漆画创作中的技法不是单一的，作者大多采用好几种技法并用，互相补充，尝试探索， 使得画面充满灵动与交融

结语

乔十光先生把漆画的传统形态推到了一个现代形态。因此在当代中国艺术的创作中，我们需要在以油画、纸墨等为媒介以及西方造型理念基础上，突破照搬挪用，真正进行探索、发现、琢磨大漆材料的特质，推陈出新，顺应当代漆画语言的转换，漆材料与表现技法的重要性不言而喻，两者相互制约，相辅相成，合理把握二者的关系，是漆艺表现的基本技能。如今许多艺术家在努力把漆画——具有非常浓郁传统文化特点的艺术形态，进行现代的转换，使它成为我们当代中国艺术的一个组成部分，使它不再是一个小画种，而要成为当代中国美术的一个重要的组成部份。

黑白极色在绘画中的情感表现 篇5

一、黑白极色在绘画艺术中的形态表现

黑白极色是美术作品的重要表现形式, 也是现阶段可以完美呈现出物象秩序与结构关系的主要色彩, 其具有一定的语言特点。黑白极色在绘画中可以充分体现出作者的情感以及理念, 起可以将不可名状的情感通过绘画表现出来, 这也是现代绘画教学中的重点。艺术家往往是通过黑白两种色彩的绘画来对自然进行反应, 这不仅是创造思维, 意识一种绘画能力的表现。这就要求在对高校绘画专业的而学生进行教学的过程中, 加强学生的艺术修养, 让其对自然进行观察与探索, 并在这一过程中掌握自然的思想、反应以及情感等等。黑白色彩是自然的媒介, 也是万物的根本色彩, 也是自然进行表现的媒介。通过对自然黑白状况的对称、分布以及组合进行研究, 可以让学生感受视觉上的愉悦, 不仅为学生带来视觉上的享受, 也在一定程度上提高学生的艺术素养。

黑白色形态的表现形式通常都是由简单的点面线来体现, 以此来展现层次上的变化。点主要就是指相对较为弱小的形态, 也可以说是在特定空间范围内的总体关系中, 通过不同物质材料所组成的小面积视觉形态, 都可以称之为绘画中的点, 其有规则与无规则的区分。在黑白绘画的过程中, 可以通过不同的形状来对视觉特点进行有效的构成, 这也是现在绘画教学中的特点, 要求学生对点在视觉中的作用进行有效的掌握。例如在对罗贯中的《围城》进行赏析的过程中, 要求学生掌握其墨色的分布与点得特点, 《围城》给人以“大珠小珠落玉盘”的艺术效果, 其中的点都起到特定的效果, 这就要求高校教学的过程中教师对学生进行正确的引导。线条也是黑白极色的主要体现形态, 其在绘画的过程中起着不同的作用, 不同形态的线条起到的效果也是存在一定差异的。例如在对庞薰琹的《无题》进行赏析的过程中, 就应该对于其静态的构图进行掌握, 虽然画面是以浓重与稳定起到主导的作用, 但形态上也具有一定的张力, 可以在强烈的运动感与节奏感中来体会画面的情感。黑白极色中面的应用相对较为广泛, 也可以说面在绘画中是通过空间来对意向进行表达, 对空间的布局、运用以及风格都是具有一定讲究的。例如书法中的黑与白, 通过黑色来装点白色, 这也是我国传统布局的特点。

黑白极色的运用在绘画中得到了广泛的使用, 不仅是我国的传统绘画, 还有很多其他国家也对其进行有效的运用, 例如毕加索在绘画上也比较重视黑白的特质。例如保罗.克利在《小孩》中主要体现的就是物我间的生命关系, 通过黑白极色来对物象进行表现, 这与我国传统绘画有一定的相同之处。由于各国之间的文化背景存在很大的差异, 所以相应的思想领域与意识形态也存在一定的差距, 所以黑白极色所展现出的形态也存在相应的差异, 其所蕴含的情感与内容直接也有一定的差异。

二、黑白极色在绘画中的形式规律

在黑白极色的运用过程中, 首先吸引人们视线的就是黑色的画面, 而白色的部分往往是被忽视的, 通常情况下对画面中的黑白色不是同时感知的。同时, 在黑白极色的运用过程中, 黑色属于实体, 白色则属于虚像, 而将二者进行有效的结合会产生相应实中带虚, 虚中带实的效果。黑白极色在画面中的有效运用, 是对色彩的归纳、提炼以及总结, 所以对形象的效果相对较为重视。黑白艺术两者是相辅相成的, 却以不可, 以此来达到艺术的效果。此外, 如果画面中有大面积的白色, 就应该通过少量的黑色来对其进行改善, 保障画面的稳定性;如果画面中有大面积的黑色, 就需要通过白色来进行处理, 降低画面的压抑感, 以此来提高画面的质量。平面画中使用黑色与白色, 可以提高画面的宏观视觉效果, 使画面可以更加自由。

黑白极色在绘画中的运用往往是通过对比的方式进行, 这也是高校学生在学习的过程中难以进行掌握的部分。通过黑白极色的对比可以体现出画面的明暗效果、色彩明度、纯度等方面, 以此来展现画面的层次化。如果画面中没有进行黑白极色的对比, 也就难以展现画面的魅力与韵味。

三、黑白极色在黑白画中的情感表现

在黑白艺术中, 绘画中复杂的色彩被逐渐简化, 并向着两极的方向发展, 黑白两极在绘画中所蕴含的情感与象征也是存在一定差异的。例如常见的黑色通常是代表着成熟、稳重、大方、忠毅、刚正等等;白色则是象征这纯洁、朴素、明朗等, 通过将两者进行有效的结合来提高画面的效果与艺术家的情感。人们以黑色为枢纽来讲画家与作品进行有效的连接在一起, 在喧闹的环境下对心灵进行洗涤。同时, 随着现代艺术的发展逐渐加快, 黑白极色所代表的含义也不在是传统的单一表现, 其通过对不同颜色的配比与搭配, 来体现不同的情感, 而黑白色则是我国绘画艺术中较为重要的部分, 也是经典的艺术形式, 这就要求在高校教学的过程中应该重视对黑白色的运用, 以此来提高形式语言的能力, 也是对时代特点的凸现, 具有一定的意义。此外, 黑白极色不仅可以对语言风格进行表述, 也具有一定的发展空间。

随着艺术的发展, 艺术的形式也发生了一定的转变, 黑白极色的应用逐渐受到重视, 其主要是对不同色彩的总结、提炼以及归纳, 以此来对创作人员自身的情感进行表述。黑白艺术不仅是对客观事物的放映, 也是对视觉形象的创造。

参考文献

[1]张映辉.编著.秘响旁通——现代黑白灰化论析[J].山东美术出版社, 2006 (05) .

绘画创作中的情感表现 篇6

基弗全名安塞尔姆·基弗, 1945 年出生于德国, 是德国绘画界著名的有着新型绘画表现方式的画家。基弗的作品有着鲜明的特点, 它充满张力和激情, 这为基弗在当代画坛中的发展奠定了坚实的基础。基弗较为常用的艺术表现手法通常是油画、摄影以及装置等。基弗的作品一般比较大, 其中不仅包含了基弗对人生、宗教以及历史等的领悟, 同时还包含了丰富的德国民族文化, 充分展示了基弗绘画的艺术表现特色。

在解读基弗绘画创作的艺术风格与表现形式之前必须要了解基弗作画的社会文化背景。基弗出生在第二次世界大战结束的时候, 那次战争之后德国战败了, 随之而来的是德国的政治、经济、文化等各个方面受到了前所未有的创伤, 国家发展一度停止不前。在这次世界大战之后, 德国被分割为两个部分, 这两个部分分别拥有自己的政治文化和意识形态, 与此同时, 这对德国人民的生产生活也产生了巨大的影响, 很多国民甚至出现了一定程度的“自卑心理”。随着时间的推移这些影响深深印在德国人民的身体上。而这些“特点”也成了基弗创作的思想内涵。在基弗的绘画创作当中, 他尝试着去理清历史, 去深入了解德国精神的精髓, 并且通过他自己独特的艺术表现手法呈现给世界人民。

其实, 一开始的时候基弗在大学里学习的是法律, 他是在转入弗莱堡大学和卡尔斯鲁厄大学之后才开始学习艺术的。1969年, 基弗以“占领”为主题举办了个展, 其中参展的作品包括他的摄影作品《占领》《致热内》等许多脍炙人口的作品。然而, 因为基弗在这些作品中运用了一些“敏感的”表现手法, 所以在当时基弗遭到了很多大学教授的反对。1970年, 基弗再次转学继续他的艺术学习, 在这期间, 他遇到了人生中至关重要的一个人——约瑟夫·博伊斯。基弗在艺术上之所以有这么大的成就, 离不开约瑟夫·博伊斯。博伊斯提出了很多新的艺术主张, 他对艺术有着独到的理解, 认为每个人都是平等的, 都可以成为艺术家。与此同时, 博伊斯还认为, 材料具有多种属性, 这些思想对基弗的绘画创作产生了很大的影响, 为基弗日后的创作奠定了坚实的基础。

基弗在绘画创作的时候把目光聚集在德国的历史和文化方面, 并且以此来命名他的作品。在艺术创作的时候基弗经常选用德国纳粹时期的一些历史、文化等作为创作题材。他曾经和人们解释过他的作品之所以和二战有着这般紧密的联系, 是因为他希望可以剖析这段历史, 让人们真切了解这段历史, 从而真正了解这个社会发展的需求, 去改变自己、改变世界。从此看来, 基弗对艺术的理解已经超越了艺术的本身, 上升到了一个新的层面, 一个可以促进自我提升的新层面。

众所周知, 基弗的作品一般都比较大, 在视觉效果方面给人很强的冲击感。基弗一般不会很刻意地去描画一个事物, 他会通过对其他事物的描绘渲染烘托出另一种事物。看过基弗作品的人们都会感觉, 他的作品给人一种大气磅礴、庄严激荡的感觉, 就像是有一个亲身经历过战争的人在你耳边诉说着历史和人民内心的创伤一样。在基弗的绘画作品里, 土地往往都是像被火燃烧了一样, 就像他的《启示录》中所描绘的场景一样, 让人感到战争过后的血腥和残酷, 引人入胜, 气势磅礴, 恢宏有力, 给人以深刻印象, 很难让人忘怀。在处理构图的时候, 基弗有时候会把地平线放在整张画纸的上方, 配上几株被大火焚烧着的植物;有时候也会把地平线放在整个画面的下方, 再配上稀疏的植被和惨淡的色调, 给人充分的想象空间。基弗打破了以往固有的三维作画空间, 结合现代开放性绘画的大胆理念, 把每一种材料的特点融合到他的作品当中, 充分展现每一种材料的优势, 综合运用抽象、虚幻、现实等多种表现方式, 呈现给人们一幅幅气势磅礴的巨作。

其实, 不难看出, 基弗在艺术创作的时候是下意识地想将自己的作品同其他作品区别开来。基弗研究宗教、文化以及神话等, 并且努力使自己的创作风格和这些相融合。基弗认为, 只有富有激情和积极的哲学思想才能够从根本上让人们满意。基弗所创造的艺术作品往往有着鲜明的特点, 它不仅有着强烈的视觉冲击而且运用了丰富的材料, 而这些特点也让基弗在艺术创作的道路上越走越远。

二、基弗艺术作品的特点

概括地讲基弗艺术作品的特点可以分为三点:

(一) 选材运用方面

在创作的选材上, 基弗经常会选用乳胶、沥青、沙土这些与自然贴近的材料。这些材料被基弗恰到好处地利用, 在充分展示每种材料不同性质的同时增强了整幅作品的画面感和视觉感, 给人强烈的视觉冲击。基弗的画作给人一种贴近自然的感觉, 从某种程度上增强了宗教的神秘感。基弗在创作的过程当中经常会选用“照片”作为创作材料。这种选材的钟爱程度似乎从他开始作画的时候就已经体现出来了。“稻草”也是基弗作画时钟爱的一种创作素材, 基弗会把稻草粘在他的画布上, 有时候也把成束的稻草扎在他的艺术作品里, 以此赋予并表达出“稻草”众多的意义。“铅”也是基弗创作时经常选用的材料, 在基弗看来, 这是一种“思想的材料”, 可以暗指一种精神水平, 基弗运用“铅”来更好地表达他对历史和文化内涵的理解。

(二) 色彩搭配方面

在基弗的艺术作品当中不难发现, 他的作品大多给人一种压抑的、强烈的视觉感觉, 整个画面都被一种很浓重的色调包围着。夸张的尺寸、沉重的色彩带领人们进入到他创作时的四维空间。暗红色、黑色等一系列浓重的色彩搭配, 恰好贴合了日耳曼民族那种忧郁不失坚毅的性格, 此外, 基弗经常选用那种冷灰色调的材料, 隐喻着对事物的批判。这些色彩的搭配都是艺术家内心的真实写照, 包含着艺术家对事物的看法, 对人生的领悟以及对自我的剖析。

(三) 文字、符号的使用方面

基弗在艺术创作的选材时经常会选用一些文字和符号。在基弗的艺术作品当中, 文字和符号有着非比寻常的意义。在他的作品当中, 有时候是运用了一首小诗, 有时候是选用了几个词, 方式多变, 并且这些文字在他作品当中的位置也是时刻变化的, 有时候会占据整个画面的中央, 有时候则会被分成几个部分, 又或者整张画里都是文字。在基弗的作品里, 文字代表着延伸, 一种对图像意义的延伸。在他的作品里, 图像和文字往往会结合起来给人们强烈的心理暗示, 更加增添了作品的神秘色彩和感染力度。在基弗看来, 文字是一种可以充分表达人主观感情色彩的事物, 充分利用文字可以做你想做的任何事情。基弗希望用文字来展现他作品更深刻的一面, 诠释艺术家的理想。在他的作品当中, 他钟爱于选用“调色板”作为材料符号, 这预示着基弗对绘画艺术的坚定信念和不断追求。

结语

在艺术界里, 基弗所带来的影响力是十分巨大的。基弗打破了以往的艺术形式, 创造出一种新型的艺术表现手法, 对艺术有着全新的诠释, 本文作者通过总结基弗绘画创作时期的社会背景等外界因素, 综合分析了基弗绘画创作的艺术风格及其表现手法, 以此对当代社会的艺术发展贡献自己的一份力量。

参考文献

[1]章文浩.基弗绘画创作的艺术风格与表现形式[J].艺术百家, 2012 (2) .

[2]刘海平.绘画的“回归”[D].北京:中央美术学院, 2012.

[3]李晶.物性与神思的遇合--综合绘画材料的拓展与艺术呈现[D].长春:东北师范大学, 2014.

新表现主义绘画的情感世界感言 篇7

当今, 商业问题泛滥, 信息技术爆炸, 人的价值观失重, 精神失衡, 人的尊严受到强大的挑战, 同时, 文化面临经济的重压, 商业的侵入, 使人的精神产生危机, 人的思想及行为出现躁动和迷茫。那么, 新表现主义在这种时期就担负着人的理想与精神信仰, 追求人的崇高价值与人文精神, 以追求人本身的自由解放为宗旨。新表现主义艺术重视艺术家的心理本能的情绪喧泄, 对现实社会的弊端的艺术批判, 强调人的价值与需求, 以象征或隐喻性的主观变形和重新组合构成, 建构震撼心灵的艺术世界;强调艺术家主体情感的抒发;强调直觉、灵感、顿悟、想象等主观心理因素为创造的重要地位。强化表现审美对象个性的神态、情态, 以变形、夸张的构成, 形成强烈的张力, 以达到极限的表达画家的灵魂深处的情绪、感受、心态。达到表现主体的情感化, 文化观念和价值追求。情感是一种纯自然的精神观, 是艺术家审美情感对事物的主观反映, 是自我表现和自我照应的结果;情感以心灵冲动为源泉, 重视形式语言, 重视激情而充满活力;重视文化内涵及冲击力。

90年代中国新表现主义, 不仅吸收了西方哲学思想和艺术精神, 而且更注重中国本土文化, 传统哲学与艺术观念的走向, 形成了中国独有的新再现主义特征。在吸收西方表现主义绘画方面, 首先是法国早期表现主义、德国表现主义, 美国的抽象表现主义, 德国新表现主义为核心。在哲学美学思想上吸取了叔本华、尼采的哲学思想的哲学、弗洛伊德的精神分析的无意识论 (潜意识) 。西方的这些流派和非理性哲学思想对中国新表现主义艺术有着极大的影响。而使新表现主义艺术的兴起和发展, 理论的内因是中国传统的文化及哲学思想。由以庄禅哲学思想而突出, 主张“从性而游”认为人生的痛苦解脱, 只能求于自己的灵魂和内心解决, 是一较高的精神理念。追求“情景交融”, “自性本自清净”的思想境界, 心的“顿悟”与艺术审美活动是相通的。中国传统的哲学理论不仅为中国历代各画派, 提供了理论依据, 而且为中国现代的各流派, 特别是中国的新表现主义绘画理论提供了理论依据, 并更适合于根植于这肥沃的土壤里。不仅影响了中国历朝历代的艺术家, 而且也影响了当今一大批学者和艺术家。在这种中西文化哲学的影响下, 新表现主义美术产生了许多著名的画家, 例如:北京的尚扬、东北的赵大钧、贾涤非、周卫等, 中原的段正渠, 西南的毛旭辉等。

情感化充分体现在新表现主义绘画艺术家的作品中, 如:尚扬的作品《黄土高原》系列, 以浑厚的艺术语言和变形, 表达了对中国文化渊源的追问。将西方文化和深厚的中国文化底蕴, 较完美的结合。《94大风景》以地质横断面的地质结构, 表明了对现代科技和历史文化的关注。地壳运动, 岩浆喷射出符号:小汽车、茶壶、飞机、钟表, 这些商品日益侵蚀到各个领域, 商业社会改变了人们的精神和价值追求。《诊断》系列以现代科技把人变成无性别的符号, 表明了科技对人的巨大的异化作用。对中国人当今的生存状态和文化走向深深的关注。他对生命很执着的追求。《状态》系列、《诊断》系列, 《大风景》系列, 都显示了这一观念。他以深厚的本土文化根基, 感悟到了人性与自然的配合。他从艺术的真诚, 自在净化的艺术表现, 通过画面上的张力和黑白灰高雅的色调, 以激情和诗一般的心绪, 以符号语言来展现内心和压抑及悲怆。以敏锐的直觉领悟和心灵的感悟, 即有理性思维, 又充满了激情和冲动, 建立了精典的现代艺术的精神。

挑战命运, 释放个性的画家要数东北的贾涤非了。他的大写意用笔, 狂放挥洒。理性在情感的渲泄状态下淹没了。作品《收获季节》以强烈的色彩对比和狂放用笔, 把一种肥硕充满张力的女人体置放于葡萄圆中的情态, 也证实和体验到他的思想和欲望。《有自行车座的母与子》以阳性空间回到现实生活的情景, 人性的情感有某种转移, 给观赏者很多想象的空间, 视觉上的强刺激, 体现了画家本能的自动发生发展, 也充分体现了禅宗哲学和弗洛伊德潜意识论。《尴尬图——弯道示意》使人联想到以京剧这种程序化的艺术形象, 表现了画家内心的压仰和反叛, 隐喻的手法, 暗示人类的尴尬, 现代人灵魂的尴尬。轻松自如的笔触, 充满激情联想、形与色无不流露出人文精神的大写意。

我们在赵大钧的作品中, 无不感受到他的真诚。他感悟到生命与自然的美妙, 从悲伤和慰藉中净化了灵魂, 他晚年醉心于音乐, 音乐的美感使他青春永驻, 从他的作品中我们感情到音乐的节奏性的美和旋律结构的展开, 色彩的情感紧奏而浪漫, 《我和小春》这样富于情感性的作品, 展现了一种平静中的满足, 又体现出生命中不可抗拒的青春的活力, 生命中崇高的理想离不开灵魂的期望和冲击。他的近期作品《一棵树》唤起了他的音乐情绪, 这是本原性的表现艺术。那么赵大钧他这种音乐的情感中, 感受到了音乐的哲理, 音乐与绘画融汇在一起, 净化了思想。他把音乐的梦幻通过绘画更于完美, 他的作品和灵魂饱受着痛苦和欢乐, 在欢乐中真诚的渴望着生命价值的展现。

段正渠以重低音符的分量把作品展现在你眼前, 特点厚重的黑色, 粗大的轮廓, 情感以象征性的发泄表现, 他把握着生命永恒的冲突。他对中原这片黄土深深地热爱, 对生长在黄土地的人们的喜怒哀乐深深地关注。《东方红》、《走西口》、《山歌》、《夏口黄河》, 暗示着民族的昌盛、兴旺、发达。他从西方的表现主义绘画中吸取了营养, 然后, 一头扎进黄土地里与黄土地的儿女们去实现民族的理想和愿望。

而马路也是一位天才画家, 他把东方艺术精神, 把现实世界和灵魂空间重合, 承受着外来文化的冲击, 受着德国新表现主义的影响, 受着意志的左右, 以东方文化精神来拯救自我。例如:《闹中取静》的梦境, 灵魂的净化。《天斗》对神灵的对白, 宗教的神圣, 灵魂同存于天地。《龟》系列, 感情制约了理性, 是对东方文化深深的思考。

对以上的几位著名画家在文化上、情感上的分析, 证明了中国表理主义艺术由于重情感化, 重西方文化吸取和对本土文化的宏扬, 理性的东西居于很次要的地位, 宏扬情感精神, 展示了新的精神结构。形形色色的艺术符号经过画家的精心安排组合, 形成解释现实与想象、虚构、灵感的形式和内涵, 产生了情感的思维逻辑, 理性的精神被情感的冲击而淹没。他们的作品都形成特有的奔放的艺术效果, 具有很强的感召力。以激情为动力, 任意挥洒艺术家的审美情绪, 使情感、趣味、立意发挥到极限;以非逻辑非理性的思维及情感把事物对象人情化和移情化。可以说情感是艺术现象最深层最内在的本质, 是艺术家潜在的内心需求和欲望。强调了审美主体的情感冲动, 也扣住了艺术的特质和核心。他们都体现了中国新表现主义的本质。即:人本性, 自由情感化的特征。重视精神信仰和人本能的价值, 对现实的超越和对文化的批判, 解放人本身。艺术家充分发挥了潜意识、直觉、灵感的心理因素。以独特的审美情趣和激情, 自我表现和发泄, 是中国新表现主义绘画重视对传统文化的吸取与发展的一大贡献。

任何艺术形式和内容都不可能绝对的完美, 总有许多的不足。而中国新表现主义绘画也是如此。

1.由于强调极端的自由情感化, 理性和逻辑淡化了。

2.淡化了造型的写实性, 观赏者对作品不易理解, 而陷入一种误读和费解的心态。

3.使艺术品脱离了大众欣赏, 从而形成“象牙塔”。也正因为这样才形成一种表现主义, 那么, 怎样去完善?怎样去发展?还有待于更多的艺术家们去付出艰苦的努力, 以使中国新表现主义绘画更加完善和成熟。

参考文献

[1].《情感的栖居地·新表现艺术》黄丹麾胡戎著

[2].《庄子与现代主义》张石著

[3].《贾涤非》画集

[4].《尚扬》画集

[5].《叔本华人生哲学》叔本华著?李成铭译

[6].《尼釆生存哲学》尼釆著?杨恒达泽

论油画创作中自我情感的表现 篇8

人的内心中蕴藏着十分丰富的情感, 有喜, 有悲, 有苦, 有乐, 艺术家们一直在寻求一种艺术的表现方式来诉说内心的情感, 油画创作作为一种特殊的方式可以直接抒发情感。追溯到19世纪的后印象主义, 画家最先强烈要求把自我情感表现在他们的作品当中。艺术作品是艺术家精神的物化形式, 饱含着艺术家的真情实感, 是更深一层的感情叠加与复杂化, 最后艺术家创作出能通过色块的堆积、翻转, 灵动的线条, 阔大有力的笔触, 强烈抒发内心情感的作品。画家内心孕育着的情感通过油画创作的方式展现在大众的视野中, 让他们洞悉画面背后的感人故事以及画面本身所呈现出来的情感意味。

二、油画创作中的自我情感的表现

(一) 色彩的情感表现

色彩在绘画表达中是最基本也是最关键的因素之一。鲜艳夺目的色彩在油画作品中是最能吸引人的眼球的, 也是最具代表性的因素之一, 红色代表热情, 蓝色代表忧郁, 黄色代表阳光, 不同的颜色抒发不同的自我情感。当代女油画家闫平多次强调追求艺术表达的语言便是色彩, 它的表现能力是极其强烈的, 是传达情感不可或缺的一种方式。闫平老师最喜欢粉红色, 因为它最吻合女人的心理, 可以带来无限的遐想空间。单纯饱满的颜色犹如欢快悦动的音符, 跳跃着生命的活力, 演绎着别样的精彩, 使画面充满了激情;冷暖色和补色的大量使用, 组成了一只高亢而华丽的乐曲, 热烈灿烂的颜色仿佛给饱受压力和痛苦的人们吹来了一阵舒心而愉悦的清风, 使身心得到彻底的释放与放松。后印象主义大师梵高通过互补色的运用来传达内心复杂的情感, 对比色的运用使得氛围变得浓重富有冲击感, 《夜间咖啡馆》为了表现出咖啡馆带给他的压抑之感, 把大面积的红色和绿色组织在一起, 通过他们所产生的不和谐, 相冲突来表达当时的情感, 让艺术成为一种纯个人化的表现方式。色彩是传递人类感情世界的一种最直观的方式, 颜色最能体现出人们心中的感情世界, 加之艺术的表现手法, 使之艺术作品给人以浑然天成的艺术效果。色彩的冷暖, 补色关系, 和纯色本身带给我们的视觉效果是表达人情感最有效的方式。

(二) 笔触的情感表现

笔触这种绘画元素在油画创作中复杂而又生动的杂糅在一起, 运用的十分广泛, 一般来说古典油画家对笔触的处理比较晦涩, 转折过度没有痕迹。但是随着对绘画语言本身的不断认识与提高, 循序渐进的努力与深入研究, 对笔触的运用和掌握在不断的进步。它可以跟随画家当时的心境和具体感受来进行感性而强烈的表达, 有些笔触用笔长, 有些笔触用笔短, 有些笔触顺结构而行, 有些则逆结构而行, 有些笔触混合大量色彩, 有些笔触用色单一, 有些笔触完全是适应物体的结构, 有些笔触是厚薄结合堆积产生不同的视觉效果。梵高笔下旋风般的笔触最能代表他自己当时的心境了, 《向日葵》所展现给我们的不是一株普通的向日葵, 而是带有原始冲动和热情的生命体, 不知不觉间可以感受到画家的强烈主观情感, 窥探到内在的深意, 也随着画家的笔触流动, 激情四射。被誉为表现艺术先驱的梵高, 用富有张力的条状笔触表达了一种不可遏制的激情和矛盾, 强调抒发自我感受, 表达主观情绪是梵高艺术风格的显著特点。他侧重于精神性的表现, 给予画面象征性的意味。其实艺术家们随意的笔触都是经过感情的驱动和多次的修改完成的, 表现真实的自我一直是他们不懈的追求和尽力传达的信息, 艺术作品本质上是人类精神的物化形式。

(三) 线条的情感表现

线条作为中国绘画最重要的表现手段, 贯穿在中国绘画史的始终。油画可以分为写实性油画, 注重用线条来造型和塑造对象, 还可以分为表现性的油画用以作为抒发情感的载体。线条本身有长有短, 长线条代表一种扩大与延伸, 短线条精炼中带有简洁意味, 有粗有细, 有弯曲扭转和宽窄的线条, 实现了线条自身价值。粗壮有力的线条可以有一种力量感, 柔美灵动的线条给人以华美动情的感受。时而曳长的线条, 时而短促的线条, 形象生动的交织在画面当中叙述着艺术家的故事。西方传统绘画中的蒙得里安, 用直线组合而成的画面当中给人一种安定, 平静的心态。蒙德里安作为荷兰风格派的创始人之一, 拒绝任何的具象元素, 他笔下的线条不是静止呆板机械的被组织到画面上的, 而是赋予了感情的色彩, 主观性的崇拜直线所带来的美感, 认为可以透过直线观察到万事万物隐藏下的安宁与和谐感。规格不同的矩形方格和条状线条, 给我们带来了不一样的审美感受, 被赋予安宁的线条让人们产生了对其深深的思考和哲理性的探究。人们越来越重视油画创作中线条的情感表现, 也许不像色彩那样浓重, 那般触目惊心, 但是却充满了探究性的意味。著名的艺术家吴冠中, 是中西方融合的典型, 艺术理念在东西方之间, 油画和水墨之间游走, 巧妙而又真实的结合在一起。在吴冠中的艺术作品中, 直线, 弧线, 收缩, 旋转, 翻腾, 各种线条竭力展现出线条充满饱和的力量与动感, 表达了生命的充实。线条同色彩一样可以抒发艺术家们的内心情感, 把他们的内心世界挖掘出来, 利用灵动的线条将其抒发, 主客观的完美结合, 演绎着动人的篇章。

四、自我情感的表现在油画艺术作品中的价值