油画创作中的情感表达

油画创作中的情感表达（精选10篇）

油画创作中的情感表达 篇1

情感反映着人对于这个世界的客观事物的最直接的感知态度,是世界上最简单有效的联系方式。艺术创作一方面展现着艺术家的自我情感和态度,另一方面依靠着情感激发艺术家的创作灵感和绘画动力。

首先,艺术家通过对整幅画的主题内容构思来奠定整体情感基调,然后以画面中多变的线条勾勒出多样的创作情感,最后,以丰富的色彩使人们形成强烈的视觉冲击,传递出作者自己想要表达的艺术情感。接下来,笔者将对油画创作中的主题、线条、情感这三个方面所传递出的自我情感进行简单分析。

一、油画创作的主题与立意

油画的主题与立意反映着艺术家想要表达的情感与立场,根据绘画者的绘画意图呈现,表达真实的生活和情感,赋予作品灵魂。因此,油画作品常常以一副小小的画面挥散着无尽的思想内容,解释着艺术家的内心情感。

例如,著名画家米勒的代表作《拾穗》,远处忙忙碌碌的人群和高高堆起的麦垛与近处三个弯腰拾麦穗的农妇形成鲜明的对比,她们穿着粗布衣衫和笨重的木鞋,弯着健硕的身躯,黝黑粗糙的皮肤,谦卑地躬下身子,缓慢的在收获过的田地里寻找零散、剩余的粮食。作为一幅艺术品,它用纯粹、朴实、动人的画面给观众带来一种真实而伟大的庄严感。米勒采用横的构图,让纪念碑一般的人物出现在阴霾的天空下,富饶的乡村前,三个主题人物分别以红色、蓝色、黄色的装束,牢牢的吸引住观众的视线。不需要华丽的服装,也无需夸张的手法,她们的动作富于连贯性,沉着有序,整幅画仿佛是一个缓慢播放的动画,布置在画面左侧的光源照射在人物身上,影子洒落于身旁,使她们显得愈发沉稳而隐忍。尽管她们的脸部被隐去了,看不见的表情,而她们的朴实平凡的生命形象的表现出底层劳动人民的忍耐、谦卑、忠诚。也体现着米勒试图用运用平淡的手法展现出平凡人民的辛苦和劳动人民的艰辛的主观情感。

艺术家只有在创作的时候才能知道自己内心的真实情感,观看者也只有在面对富有灵魂的画作时才能产生心灵共鸣,对情感产生强烈的冲击和心灵的震撼。因此,一名成功的艺术家,是需要以生活中的情景为源头,把作品融入真实的情感,使作品富有灵魂,也使得生活中的一些真实情景经过画家的独特视角的描绘,而变成一幅永恒的美好的画面。

二、油画创作的线条与构图

点、线、面作为绘画的三大基本要素,正如同英语中的单词,汉字中的笔画,音乐中的音符一样不可分割。一副佳作必然离不开这几种因素的绝妙搭配,它是一副好的油画创作必须具备的基本绘画技巧,也是进行艺术创作的第一步。线是人类最古老的造型语言,而油画的初步创作也是以多变的线条搭配开始的。不同的线条代表着不同的情感,曲线比较柔和,展现的情感也比较柔软和优美,直线则显得正直、理性、硬气,给人以直面的视觉冲击,让情感在心中横冲直撞。

另一方面,线条所表现的上下左右方向、不同程度的深浅、粗细,以及长度的长短不一也呈现着不同的思想情感。比如奥地利画家席勒,他就是线条表现主义代表,其作品所表现得情感非常强烈,画面充斥着极具表现力和震撼人心的线条,呈现出灰暗、憔悴、扭曲、痛苦的情感,画面中所蕴含的错综复杂的情感,正是席勒内心的真实情感和人生感悟的真实反映。

油画创作者在进行创作的过程中,需要熟练掌握并运用各种线条的不同特性,把线条作为画中的灵魂与骨架,用线条去抒发情感,从整体上对作品进行掌控,创作者明确自己想要表达的情感,在画布上淋漓尽致的勾勒,创作出富有内心情感的艺术作品,直观的向欣赏者的展现情感,建立沟通。

三、油画创作的色彩与灵魂

相对于真实的事物和情境色彩的再现,油画更注能够反映创作者内心真实情感的主观色彩。

在油画创作过程中,创作者把自己内心的真实感情和精神实质融入到色彩中,不仅能够给欣赏者带来视觉盛宴还能够体会到创作者的意图。

谈到色彩的主观运用,必然躲不开表现主义的领袖——梵高。梵高注重画面的整体把握,并通过简单的色彩和线条勾勒出独特的画面。其中最具代表性的作品——《向日葵》,色彩鲜明情感强烈,呈现出阳光明媚法国南部情怀,华丽的色彩使画面上朵朵葵花绽放的夸张而激情四射的色彩,使人头晕目眩。画中的向日葵被梵高赋予了他自己的主观情感和认知,使得它拥有了自己的生命和情感,整幅画面有了自己的灵魂。

总之,在油画创作中,创作者应该结合自己的内心情感构思,运用复杂多变的线条搭配和感情鲜明的色彩,为自己的画作注入真实的情感,赋予画作独特的灵魂,为世界艺术宝库留下永恒的瑰宝。

参考文献

[1]毕文姣.浅谈油画创作中的自我情感表达[D].山东师范大学,2013.

[2]柯淑芬.浅析笔触在近现代油画创作中的情感表现[D].福建师范大学,2013.

[3]贺晓容.色彩在油画创作中的情感表达[D].西藏大学,2015.

[4]张华楠.论中国当代油画创作中线的情感表现[D].河北师范大学,2011.

油画创作中的情感表达 篇2

一、绘画创作与生活

从远古岩画受伤的野牛，还是达・芬奇的《蒙娜丽莎》。一幅幅画面栩栩如生。“最打动人心的艺术创作题材往往都是那些最平凡的，与生活最切近的事物， 并且这些被艺术家拿来表现的题材并非是特定的，而是这些事物发生了一系列有感情的行为后，才会在对生活有感受的艺术家面前脱颖而出，与此同时这种情感也是最先被那些对生活有感悟的人所发现的。”[1]因此，对生活的感悟积累的越深厚 的艺术家，越能创作出感动观众的有生命力的作品。绘画作品是在不断的摸索中创造而不是制作产品。产品是制作的，但是作品是创造的。 重复的东西永远是产品，是没有生命力。因此我们在绘画创作中要观察生活，发现生活，感悟生活。

例如《格尔尼卡》的创作者毕加索，他的作品就与他的`民族受到法西斯侵略息息相关。热里柯的《艾普色姆的赛马》不是再现他的所见，而是把他的所见情绪化地表现出来，代表了浪漫主义的特征。他们的艺术作品评都和时代、生活紧紧的联系在一起，用绘画创作的语言记录着这些事，也将自己本身的情感融入画面之中。

二、 创作需要情感真实

艺术，它对于我们更多的是情感寄托，精神上的追求。每一笔，每一画，都是画家的情感表达，对画面的布局安排，对关注点的选取，都透着画家的所思所想。伟大的艺术家能够通过有限的画面来表达，给我们展现一个无限的精神世界，使我们思考，这就是艺术的魅力。“达芬奇的《蒙娜丽莎》能够吸引无数的人为其微笑驻足，格列柯的基督与圣母是那样的空灵和神圣，拉斐尔一系列圣母画像，和中世纪画家所画的同类题材不同，都以母性的温情和青春健美而体现了人文主义思想。”[2]每幅画都能让我们感到生活的平实与贴切。我们说，艺术真实来源于生活真实，但又不等同于生活真实;同样，创作情感来源于生活中的自然情感，但又不等同于生活中的自然情感。实际生活中的快乐、愤怒、恐惧和悲哀，都还不是艺术创作所必须的自然情感。苏珊.朗格强调说：“一个艺术家表现的情感，但并不是像一个大发牢骚的政治家或 是像一个正在大哭大笑的儿童所表现出来的情感。”为什么自然情感不能自动成为创作情感呢?这主要是因为自然形态的情感往往只带有刺激人、折磨人的特征，而不带有可供享受的特征。政治家大发牢骚，可以刺激人，激起人的同感或者反感，但不能给人以享受的快乐。那么自然形态的情感要经历怎 样的转换、移置才能变成可供享受的情感。在这里最关键的是回忆与沉思，或者说是“再度体验”[3]。人们谈到英国18世纪著名诗人渥兹渥斯的艺术见解时，无不提到他的“诗是强烈情感的自然流露”的话，甚至把他的话加以曲 解，认为他主张的是人的丰盛情感的自然的流溢。那么作为绘画艺术的创作 者也必须具备这样的情感，一种起源于平静回忆中的情感。只有经历了这一平静回忆的情感，才是真正创作与自然情感的结合。

绘画属于精神文明范畴，其主要功用在于释放和洗涤人类的精神，传达人类的情感。情感是绘画要表现的主要内容，是绘画存在的根本。绘画创作情感是一种独特的艺术语言来表达绘画者内心的想法，传达一种奇特的艺术美。随着视觉艺术在现当代的巨大变化，艺术作品更注重画面带给读者和欣赏者感官的感受尤其是心灵的感受。创作情感以一种独特的姿态进入到艺术当中，为艺术带来了形式语言的深刻变化，使画面更具有新的生命力。“绘画艺术不能像镜子那样平面地不加任何修饰地反映客观存在的事物，它必须经过画家感情的滤化，就是说艺术作品要融入作者自身的情感才具生命力。否则，绘画艺术就失去了它活的灵魂，即便这样的艺术作品苟且生存，那它也很快会被时代的浪沙所淘汰。”[4]绘画艺术家的作品当然并非完全描绘可见的事物，它还能把不可见的事物创造出来，这种不可见的东西常常只有到他们的内心世界去寻找。因此绘画艺术作品一方 面呈现画家对主题的主动认识或被动认识，另一方面不能不反映画家的情感，包括艺术家向往和预感到的无限的可能性。情感与绘画是紧密结合的，这是由艺术作为一种审美活动的本质所决定的。任何视觉形象出现在艺术作品中，必须构成一定的情感意义，才能达到作品的内在涵义。我们往往很多人喜欢摹仿他人的画风，这样就使得自己堕入抄袭他人绘画语言的窘境。作为一个画家借鉴是必要的，从古到今不乏这样的先例。例如米勒的《拾穗者》描写农村秋季收获后，人们从地里拣拾剩余麦穗的情景，是现实主义美术风格的典型代表作。“他们的艺术作品都在诠释画面的灵魂”[5]。

三、绘画创作情感的研究意义

美术可以表现主观情感，但绘画情感不同于日常情感。绘画情感是审美的情感，它是对日常情感的提炼和升华，是对现实、对表现对象持特定审美态度的一种情感体验。审美情感还是我们在日常生活中所体验到的。绘画情感既是艺术家自我的情感，又是人类的情感;既是内容的情感，又是形式的情感，是对象情感与自我情感的神秘统一。 艺术家们以个人意识形态来关注现实生活，在真实的生活中品位生活、品位天地间的万般风情。绘画情感应多强调其画面带给读者的内心变化，善于从客观事物的外部表象中得到感受，然后去理性分析、判断，唤醒作画的感受，从而表现和提示客观事物所包含的深刻内容和内在的本质，赋予对象新的生命力。

参考文献：

[1]傅雷.傅雷谈艺录[M].新知三联书店.

[2]《艺术美学》[M].中国青年出版社

[3]王斌.浅谈绘画创作中的情感认识[J].美术大观.02期

情感在油画静物创作中的运用探析 篇3

关键词：油画静物；情感；创作；运用

0 引言

油画静物属于一种有着独立精神取向、审美价值的艺术形式，虽然它的取材多来源于现实生活中习以为常的一些事物，但是通过油画静物能够完备地呈现出创作者对生活的真实体验，对艺术审美认识，对事物的情感癖好等。[1]由此可见，研究情感在油画静物创作中的运用有着十分重要的现实意义。

1 油画静物的起源与发展

自绘画发展史角度出发，油画静物的诞生于发展属于一个十分漫长的过程，其历经了不同阶段时期的反复，被视作不同文化经不断碰撞、不断融合所形成的产物。在欧洲早期美术史上，静物画并未得到足够的重视，静物仅以宗教方面作品的背景形式出现。现如今可以明确的最早作为独立艺术形式的油画静物是15世纪90年代由意大利画家梅姆林创作的《瓶花》，直至17世纪，静物绘画才得到荷兰小画派的着手单独研究，并慢慢转化呈一种独立绘画形式，并于18世纪进入静物画成熟阶段。静物画发展至印象主义阶段，其关注的内容发生了极大的转变。[2]印象主义不但属于一场色彩革命，更是一场关注艺术自身问题、转变艺术价值取向的革命。基于此形成了画什么不是重点，重点是如何画的理论。经历了多个世纪的发展，静物画俨然不再为早期单纯装饰作用所局限。

油画静物画进入我国的时间大约是20世纪初，那一时期，受静物画无法对重大题材进行表现影响，使得其长时间处于被冷落地位，造成诸多油画家单单把油画静物视为自身练笔的一種方法，往往是偶尔画一画，鲜有终身研究者。经历了大半个世纪的发展，我国油画静物创作变得越来越活跃，越来越多的画家深入该领域开展研究。我国油画静物画已由早期重感觉、重表面转化成重表现、重感觉的阶段，又进一步发展成现如今的重认识过程、重意象表达，独立语言体系正逐步代替过去基础训练方式方法。[3]

2 油画静物的情感来源于生活

艺术源于生活，而高于生活。艺术创作的源头、灵感通常来源于生活原型、现象。换而言之，生活中各种点滴事物均可作为艺术素材的原形提供者，而画家采取艺术手段进行深加工，创作出一幅耐人寻味的作品。艺术创作源自抽象思维，抽象思维源自画家对生活的各式各样体会、感悟，具体来说就是通过由此及彼、去伪存真的方式对生活感觉材料进行改造，并用一系列手段将其表达出来。在生活中，众多画家通过绘画向人们展示着自身生活的小天地，如此小的一个静物却是真真切切来源于内心、来源于生活。[4]以当代画家孙昌武的静物油画作品为例，在创作期间他提倡一种简单、自然的艺术美感，他的作品没有艳丽颜色的交错，单单营造出一种恬静，创作时时不时形成的光源产生的律动感，全面平静呈现出十分朴实的艺术之美。这一特质在如今喧嚣的人文环境中显得尤为可贵。而其持之以恒的求学精神、脚踏实地的绘画作风为其稳步走在艺术道路上奠定了坚实的基础，并使其长久以来在那一片心灵净土维系，从此出发去观赏孙昌武的创作，观众往往会得到全身心的宁静。

3 情感在油画静物中的运用

3.1 静物选择是情感的开始

每一位画家在创作一幅静物绘画过程中，通常是特定物体对画家形成了强烈的视觉冲击及愉悦的感官，又或者是相关生活过往、视觉图像的颜色、线状及模块上的热爱产生兴趣上的情不自禁，从而使画家形成一种强烈的内心欲望，去将这一系列感受自我得以表达呈现出来。

通常情况下，画家会选取与自身生活紧密相连的物件及自身生命中不可或缺的事物，属于相恋、记忆及依赖等各式各样情感因素，如此才能够呈现其中对行、色的体验，表达画家自我精神兴趣。诸如莫兰迪的静物系列，梵高的向日葵系列，均属于画家极致热爱，致使对形、色的青睐，进一步获取形、色上的心理满足于慰藉。[5]单单就一幅静物油画而言，其有着属于自身的特定主体、人性、道德与美学方面的指向性，及创作者个人立场方面的审美观呈现。画家对在静物进行组合过程中，一方面要对其色彩、质感、线条等一系列构图要素进行权衡；一方面还要考虑对其所受情感等相关偶发因素构成的制约，该部分会贯穿油画静物创作过程始末，并对画家构成无尽视觉享受及身心陶醉，就好似牵一发而动全身，某一静物的所处位置，会紧接着牵引以外静物的又一次定位、互动，这一方方面面又均会受画家情感调节、技术操纵所影响。

3.2 静物构图是生活的情感

对于一个画家来说，其往往是通过构图来表达自身对世界的观察视角，也是通过构图指引观众自该角度客观物质世界。一个角度的选取受画家自身情感、审美、阅历及动手能力等多方面因素影响。角度的获取通常要经历长时间的累积，才会在偶然的时机境遇下获得它。通过对金字塔形构图自平时、俯视、仰视等不同维度方式展开思考，可牵引出无穷尽的视觉形式呈现的可能与追求，然而势必要对画家情感的呈现、近距离精神抒发的相伴进行依从。为了呈现某一特定主题，画家将该主题渗透进自身的生活中，进一步形成了相互间密不可分的依存，鲜明的情感抒发及极具的行为暗示，属于画家长期以来生活的左右，属于画家长期以来方法的粘连。

3.3 静物风格是个人的情感

选取哪一种油画静物风格属于画家艺术生活情感与姿态、习性与性格的真情流露，也属于画家对油画性能、材质及认识的一类反馈与策略，更属于画家对源远美术史的使命、责任及义务的一种承担与肩负，这其中势必会牵涉到生理、心理、地理等各个方面因素，但总的而言绘画始终属于情感方面的“物件”，也终将为理解成情感的功能体及人文精神产品，于此又需要画家对其画理、技艺展开深入地学习，对技术的融会贯通可使画家真实意义上进入绘画世界，实现自必然到自由的有效过渡。[6]

4 结束语

油画静物该一艺术形式语言仍然在延续、发展，我们需要做的便是在该领域不断钻研研究、总结经验，紧随我国艺术前辈脚步，创作出更多、更具情感的油画静物创作，促进油画静物技术发展，促进中国油画静物在世界油画发展史中占据有利地位。

参考文献：

[1] 薛新宇.谈中国当代油画静物的情感表达[J].山西煤炭管理干部学院学报，2014，27（01）：197-198，208.

[2] 王吉祥.欧洲17世纪至20世纪古典装饰绘画大师及其作品审美评鉴研究——基于欧洲古典装饰绘画大师及其表现花卉、静物、风景和家庭肖像作品的审美解析[J].中国美术，2015（03）：146-150.

[3] 梁婉秋.静物油画创作中的情感表现[J].文艺生活·文艺理论，2015（02）：158.

[4] 翟启兵.探析色彩在油画创作中的情感表现[J].青年文学家，2013（12）：223-224.

[5] 李亚平.静物，画室里画家的“尤物”——浅谈油画静物创作的情感表达[J].家与作品，2015，27（01）：71.

解读闫平油画创作中的情感表达 篇4

闫平的绘画题材多以身边周围的生活为主。她关注更多的是自身的感受,对周围人和事物的关注。闫平在创作的母与子系列中,大多是孩子和母亲相处融洽的愉悦状态,她通过柔和的色彩传达着她对生活的体悟,她的母爱,这主要源于她做母亲的切身感受。取材戏曲的小戏班子系列通过奔放的线条和色彩的搭配传达着她对那些戏班子的感动和了解。而花卉系列那艳丽的色彩更体现出她对生命的热爱,这些都是通过她作为女性视角的切身体会,感悟深刻,而这些绘画语言有着与生俱来的敏感和时代典型的特征。她那鲜明、浓烈的色彩是对生活自由的向往和热爱。她把自己对生活、对生命的热爱的这种情感通过色彩、通过笔触和独特的构图用油画创作来展现在我们面前,让看到的人们感受着她的快乐和幸福,接着也跟着幸福、愉悦起来。因此,本文通过色彩、笔触这两个方面来解读闫平艺术家的这种幸福的、对戏曲人群的关爱的,对生命力的热爱的绘画情感。

一、色彩情感分析

《欧洲现代画派画论选》中瓦尔特·赫斯写到:色彩是能够直接对心灵发生影响的手段,当色彩表面的印象发展成为深刻的内心体验,造成情或情感震动,像在一个回声里,使心灵的别的领域进入共鸣。色彩本身不产生情感,但油画作品中的色彩,却可以使欣赏者感受到艺术家心灵的情感,从而产生共鸣。王宏建美术概论中提出,色彩是绘画语言诸要素中最具情感特征的因素,闫平的绘画色彩浓烈、细腻,带着主观的人性思想。她绘画中的色彩将我国油画中的色彩推到别具一格的阶段,她绘画空间的表现方式不是靠古典主义的光影,而是靠色彩的排列和对比来表现的。马蒂斯说,色彩不是用来模仿自然,它是用来表达我们自己的感情。从她的画中可以感受到如马蒂斯艺术大师绘画中的用色鲜明。她的创作色彩艳丽明朗、独特,她通过这样一种独特的色彩搭配方式来表达自身的情感。如《清晨的鸡冠花》,

她用了红色和绿色两种互补的颜色,加强了画面的视觉冲击力,运用这两种补色的不同纯度、明度和冷暖对比丰富了画面的层次和趣味性,背景中使用了淡淡的清爽的粉色调让画面既有构成感,又有空间层次,也体现了清晨这样一种放松的心态,鸡冠花的生命力跃然于画布上,对生活的热爱便通过这种绿色和红色的交错呈现出来。而母与子系列的绘画则色彩对比柔和,大多使用黄色、粉色等亮色调,用这样柔和的亮色调来表达自己真实深切的母性情感,突显了画面中作为母亲的女性对孩子亲昵的情感,传达出母亲陪孩子的温馨的、幸福的、阳光的生活场景,通过母亲和孩子的柔软与周边环境事物及母性的信念的坚硬作比对,来体现母爱这一情感的永恒性,体现了女性艺术家独特的柔美,给观者以想象回味的空间。

二、笔触情感分析

闫平的绘画有中国绘画的元素,中国画中讲究线条传神,南齐谢赫的《画品》中提出六法论,其中的骨法用笔是最基本的要求,即用线造型。石鲁先生说过,线化为笔,以立形质、以传神情、以抒气韵,线虽简,然以其抑扬顿挫之变而化众美。闫平的绘画便是通过流动的线条来体现所要表达的情感。有缓有急,有疏有密,有曲有直,这些线条成为她绘画中最概括的表现形式,流动的线条,大刀阔斧的笔触,她创作的百合花作品,就非常注重线条的表现,《听风》表现了不同时期的百合花,有的含苞待放像现在的小青年,有的正盛开如正直中年有着辉煌成就的人,有即将败落的如衰老的人,通过粗壮有力的或是轻描淡写的等等的笔触线条体现出来,通过展现生命的不同时期让我们体会到她对生命尊重的情感,闫平创作的小戏班子系列的绘画作品中的人物大多是没有明显的面部表情的,而有的是这种中国式的线所表现的肢体,从而带来节奏感、写意与象形完美的结合。这一系列的创作主要是以中国的戏曲为题材的,画面中也同样有着浓郁鲜艳的色彩,有着大胆奔放的笔触,这些大笔触将画面分割成有序而完整的构图。如《唱戏的人》,在这张作品中,最前面的是一位戏子弯腰,单腿屈膝,正沉浸在自己的练习中,她的面部处理简单概括,通过这种简单概括突出了她的肢体语言,后面粉色的人突出的也是通过肢体语言表露出来的信息,感觉嘴里正在唱着戏曲自己沉浸其中做动作练习,她通过这种直的细的重的线条和曲的粗些的淡的线条表达这种肢体语言,拉二胡的人额头上密集的短线体现了他的专注,画面中很多短的粗的线条和细长的线条交错呈现,她用这种理性的线条来表达着早年的这些戏曲情感,使得整个画面变得既温暖又伤感。戏曲这方面的创作使得油画在她这里变得中国化、本土化起来。

通过作品我们能感受到闫平老师创作中通过对色彩、对笔触等安排融入她独特的对生活对生命的情感,从她的作品中欣赏者不仅有这种视觉上的享受,同时从她的作品中发现生活的美,感受这种美的享受。当然,这种美感除了色彩和笔触外,闫平的绘画中还有很多值得我们学习的地方。

摘要：闫平老师是中国当代最具代表性的重要艺术家之一。作为当代女性艺术家,她是通过自己独特的视角来解读生活,通过自己独特的方式来抒发情感。文章从色彩、笔触来具体分析闫平老师这种对生活、对生命热爱的情感表达,通过分析,笔者希望把这种绘画情感融入绘画,融入生活,带给更多人幸福。

关键词：色彩,笔触

参考文献

[1]王静.东方艺术家第三辑,岳敏君、杨少斌、闫平、崔国泰[M].北京:新星出版社,2010

[2](德)瓦尔特·赫斯.欧洲现代画派画论选.宗白华.译.[M].人民美术出版社,1980

[3]王宏建袁宝林.美术概论[M].北京:高等教育出版社,1994

浅论油画风景中的情感表达 篇5

关键词：油画风景；情感表达；艺术魅力

一、油画风景中艺术情感的表达与寄托

何谓情感？具体地说，情感就是指对外界刺激所持有的肯定或否定态度对人的心理反映，它反映着人们对外部现实世界的主观态度。油画风景中的情感，则是创作者表现在油画创作中的真情流露，这种情感流露是其内心在被现实诸多现象撞击之后产生的，它通过油画传达给观者，进而成为震撼众多人群心灵的特殊情感。它是一幅画面的灵魂，是画家进行艺术创作最根本的动力。

二、触景生情，由风景引发的情感共鸣

触景生情首先就是要有“情”，情感是一切艺术都必须具备的。所谓的情就是艺术家的自身感受，对事物的感受，对生活的感受，对周围一切存在的感受。艺术家是带着情感看待身边事物的，情感是艺术的灵魂。艺术家的情感不仅仅是个人情感，而是人类社会普遍存在的情感。人类的情感是很复杂的，人对自然有情感，对社会有情感，人与人之间有亲情、友情和爱情，这些情感都可以用艺术的眼光去审视。善于将个人的情感与历史民族的大情感联系起来，在时代的熔炉中熔炼、升华的人才是真正的艺术家。真正的艺术家是用自己的真心洞察所处时代的精神本质的人，也只有在此基础上，他们才能有的放矢地安排画面结构。

从油画的发展历程中我们可以看出，早期的绘画作品主要是再现物象的固有色。随着时代的发展、社会的演变及科技的进步，人们的绘画观念也改变了，油画家们关注画面色彩的方式有了变化，艺术作品的情感艺术慢慢得到了加强。一些不能打动观赏者的风景作品，从表面上看，好像是因为画家色彩语音的贫乏和表现技法的不足，但究其实质，其根本原因是画家不能通过色彩的丰富表现力将自己的情感和思想充分表达出来。

三、写景抒情是油画风景对风景的升华

和许多画家一样，油画家符国平对写生倾注了极大的热情，西方印象派的外光写生传统和中国山水画的师法自然传统被他巧妙地融合在一起。他笔下的田园、旷野、海滩、礁石、港湾、村寨、丛林、小路鲜活而凝炼，细腻而概括，色彩浓烈而厚重，笔触狂放而内敛。画家的风景写生已从写实主义的巢臼中脱颖而出，构建起个性鲜明、自立境界的“写意性”油画的绘画语言。

“写意性”脱胎于中国传统文化的精神资源，即如唐人张彦远所说：“意存笔先，画尽意在。”艺术创作并非仅仅是复制客体物象，只有画家主体精神与想象能力超越客观的形似，才是真正意义上的艺术作品。符国平以他对艺术的真诚，对生活、对自然深刻而独特的感悟，凭借他多年积累的造型能力和修养，逐渐从“艺术反映客观”的观念中解放出来，营造出一个“似真实非真实”的属于自己的写意世界。他的写意油画风景，兼具中国传统文人精神和现代意识，我们看到他所控制的画面，既有整体的适度把握，又有细节的刻画和整合。写景抒情蕴含着油画家在油画风景创作中所拥有的情感表达，并且是风景油画对风景的升华。

四、“情景交融”是油画风景的最終表达

油画家作画时在情感和风景的交织中，最主要的目的是要使情景能充分表达主题创作意图、思想情感和内心体验。我们要创作出情景交融、意趣高雅、引人入胜、意境深远的艺术作品，就要处理好情感和意境的关系。主题思想是艺术作品所要表现的主要内容是客观部分，而意境是通过艺术作品的主题思想表现画面以外的一种意味、情感，是主题情感的表现。中国唐代著名画家张璪的“外师造化，中得心源”就反映了事物与主观情感的联系。外师造化是我们从客观事物中吸取的创作原料，忠实于它描绘的对象，但是停留于此点是不够的，我们还必须深入地对它表现的对象进行分析、比较、研究、评价，在头脑中进行加工改正，这就是“中得心源”。

情景交融是油画风景创作的灵魂和生命。油画风景创作的情感与景物的关系是相互作用的，它们的关系就像人类与氧气的关系，虽然我们用肉眼看不见它，但是它是不可缺少的重要因素。油画风景中的情感表达从触景生情到写景抒情，最终达到情景交融，使油画作品中情感与风景交融互渗，完美统一。

五、情感表达是油画风景的本质所在

油画风景不仅是在画风景，更是在画自己。正所谓借物起兴、触景生情，这也是艺术的本质所在。油画风景中的情感表达，既是对大自然美的欣赏和领会，又是对大自然的索取与创造，同时也是向人传达和述说某种理念和激情的形式语言。油画风景创作是对景物内容的色彩组成进行深入分析与恰当运用，通过审美情趣、情感、色调等手段表达画家的思想情感和内心世界，使画面更具有一种形式美、秩序美以及超出大自然的意境美。情感表达就是油画风景的意味所在。

油画风景应将情感作为重要的表达内容，艺术家要用情写生，寓情于景，提高审美，做到情景交融，并能够体现出在油画创作中更深层的东西，即自然性，作品通过笔触倾注作者的情感后，最终使画面达到画家理想的效果。

油画创作中的情感表达 篇6

同时, 色彩理论不断更新发展, 十九世纪印象主义绘画的诞生, 艺术家们认识到即使是现实世界, 色彩也并非完美和谐, 艺术家们何不在不和谐中创造和谐。印象主义的色彩艺术是一种印象、情绪和主观的色彩艺术。这种艺术上升到情感的主观层面, 更具现实主义意义。

下面将从油画创作中的色彩表现、油画中的情感表达、色彩对情感表达的作用以及文艺复兴、印象派和中国当代油画代表作中色彩运用的发展和变化等方面进行讨论和分析, 展现色彩对于油画创作的作用。

一、关于油画创作中的色彩表现

油画创作中的色彩表现主要涉及到节奏韵律, 形式搭配, 色调运用, 对比色调和等方面的控制与把握。

1、油画色彩的节奏与韵律

油画色彩的节奏和韵律的表现, 与绘画的笔触和作画过程息息相关, 也与创作者的喜好和偏爱相关。色彩的节奏往往会通过各种要素来表达, 如画面的笔触、肌理、线条、物象边缘线的转折虚实强弱、块面的安排等。形式中的每一次转折变化都会引起色彩上的变化。尝试运用多种节奏和韵律把握色彩的表现, 提高我们创作作品的感染力。

2、油画色彩与形式的搭配

色彩是作品形式美表现的重要因素之一, 所以形与色的搭配一定要协调适当。只有在深入的了解色彩的造型意义后, 才能自由的利用色彩, 自由的表达色彩。自由的表达色彩, 要以画面的关系和营造的氛围为基础, 要符合主体的情感内在需要, 熟练掌握色彩的表现规律, 色彩在视觉上往往会给人强烈的心理暗示。要培养敏锐的色彩感觉, 通过在自然中对光色的捕捉, 逐步增强感受性。在对物象进行色彩表现时, 创作主体要处于主动地位, 根据情感的需要强化色彩关系, 对绘画中色彩的选择要有强烈的主观意识。当然色彩的表现也要配合点线面等抽象要素以及他们之间的距离和相互之间的转换, 架构起带有韵律美的色彩结构。

3、油画色调的运用

由于油画色彩所具有的丰富性和力度感, 因此常被人们形容为绘画中的交响乐。的确, 善于运用好油画中的色调, 既能表现对象丰富的色彩变化及整体气氛, 又能以色抒情、以色传神, 达到形、色、神浑然一体的效果。纵观油画, 我们可以列举出许多大师成功地运用色调表现意境的例子, 如波提切利、透纳、柯罗、列维坦等。画家们对不同色调的运用, 通过对不同色彩的感染力, 不仅表达了他们各自不同的情感, 同时也给予了人们以不同的审美感受。

二、关于油画创作中的情感表达

1、创作主体要不断的进行自我超越

创作中, 实现情感自由的表达, 也需要在意识和精神层面上树立自己的观点。通过形式来表达情感, 当然要通过“感受”的方式。体验作为一种感受方式, 比较贴切的反映生活真实, 与人的情感和生命需求有着紧密的联系, 总是在主体的心理情感层面上产生。通过体验的方式, 感悟生命的情态和强烈的生命力, 使主体和物象交融在一起。创作主体全身心的投入到客体之中, 两者彼此融合, 达到物我两忘的境界, 实际上是主客的高度融合。这正暗合老庄的“虚静”, 内心平静专一。没有杂念是艺术创作的一种心态, 也是情感自由飞翔的一个开口。体验的特点:从创作主体自己本身的切身体会和感觉状态出发, 把主体放置到到客体对象中来领悟, 需要全身心的投入。体验作为一种感受形式, 总是以现在状态的感觉存在着。在进行创作时, 需要以往经验的积累, 但开始创新的时候, 更需要对现实当下的体验。

王国维说过:“吾人之胸中洞然无物, 而后其观物也深, 而其物也切。”克罗齐也说过:“艺术家们一方面有高度的敏感和热情, 一方面又有高度的冷静, 或奥林比亚神的静穆。这两种性格并行不悖, 因为他们所指的对象不同;敏感或热情是指艺术家融汇到他心灵机构里去的丰富的素材;冷静或静穆是指艺术家控制和征服感觉与热情的骚动所用的形式。

2、创作主体要学会表达自己最真实的感受

创作者首先要表达的是自己最真实的感受, 创作主体要按照自己对物象的认识和理解, 不能完全照抄物象的表面, 要根据自己的情感感受适当的进行夸张变形, 把事物的特征情态淋漓尽致的表现出来。

3、创作主体要学会实现自己情感表现的自由

利用自己的头脑去思考认识生活, 积极地表达自己的审美情感和思想观点。艺术作品的个性也是情感实现自由表达的重要表现。即艺术作品的个性化是实现情感自由表现的结果。每个人都有独特的心理个性。创作主体在表现中所表现出来的感觉、兴趣、能力是不同的, 内心比较敏锐的可能喜欢表现一些细节, 有的表现的简约, 有的表现的繁复, 不同的笔触和色调, 不同的表现形式。创作主体在创作时一定要有自主自觉的意识, 利用自己的头脑去思考认识生活, 积极的表达自己的审美情感和思想观点, 实现自己情感表现的自由。

主体在创作中, 可以尝试用非逻辑的意识, 非理性的观念, 发挥自己的直觉和本能, 是自己融会于物象之中, 忘记了自己, 通过那神秘的下意识和情绪体验来实现对物象的把握和情感的自由抒发。

三、油画创作中色彩语言对于情感表达的作用

1、油画色彩是作者情感的表现符号

时代的变化带来生活的变化, 二十世纪的今天, 无论是西方绘画还是东方绘画在色彩上如同音乐一样、所追求的东西是各式各样的。从明确色调到西方某些作品中捉摸不定的色调, 从自然色调到抽象的色调, 说明人们对绘画的色调嗜好和创造是多种多样的。但对色调的追求一般都趋向新颖、单纯、夸张和风格化。

随着时代的发展, 思想感情以及绘画制作条件和工具材料的变化, 色彩的形式法则也在发展, 色彩的观念也在不断变化。而色调随着时代的推移也逐渐成为绘画中有力的艺术手段而被探索、创造和运用, 从而显示出它的相对独立的艺术价值。

2、色彩的表现节奏随作者情感自由变化

绘画中色彩的表现节奏是随着情感自由变化的。在画面色彩中, 相同或相近的色彩在画面中多次出现, 便产生了色彩的节奏感。只有是绘画色彩具有了节奏韵律的美感, 才能表达出强烈的艺术感染力。色彩节奏的交替出现也丰富了画面的表现力。色彩节奏作为一种抽象的形式表现因素, 需要主体具备自觉地发现和操控节奏的能力。

3、色彩表现与情感表达会产生互动与共振

色彩与情感共振, 产生强烈的生命活力, 造成主体内心的激动。色彩与情感发生共振, 便产生了感情色彩。感情色彩的表现也是创作主体艺术个性的重要表现。感情色彩自由顺畅的表现, 会产生强烈的生命活力, 造成主体内心的激动。创作者往往会通过感情色彩来组织画面的结构和秩序, 自然物象给创作者提供了敏锐的色彩感觉条件, 感情色彩和色彩感觉共同塑造出具有强烈个性的创作者, 使他们的情感得以自由的表现。

艺术作品的结构直接与创作者的情感紧密相连。作品的结构如何安排是由作者当时情感的状态决定的, 有什么样的情感就要表现出与之相适的结构形式。其形式结构的外在表现也是情感结构的表现, 所以对画面结构的操控能力演得尤为重要。对画面结构的安排首先要遵循一定的审美规律:对立统一。也要与画面的空间联系起来, 我觉得画面结构是空间的抽象安排。对结构的把握也要像大自然一样, 使其架构起来的形式具有强烈的生命力, 循环不息, 活力永在。

四、油画创作中色彩发展和变化

1、文艺复兴时期

文艺复兴期间的油画作品也是古典主义的代表作, 古典主义的作品建立在一种单纯而稳定的构图之上, 追求的是平衡和对称。正如米开朗基罗所说:“古典原则需要艺术家由理智、艺术、对称、平衡、精选、坚信来引导。”在达芬奇的画中, 无论是色彩还是线条, 都充分表达着和谐的比例和各个形象之间的平衡感。达芬奇提出:大面积的地方应该采用柔和的色彩, 比较艳丽的高浓度的色彩只适合在小块的地方使用, 同时, 要使两种或两种以上的色彩协调, 必须使它们在主要方面相互均衡。相对而言, 古典主义早期的画作中, 冷暖色彩变化较弱, 对比关系不强, 色彩并没有得到足够的重视, 以至于后代人们将它称作“传统的酱油色色调”。

但文艺复兴期间的威尼斯画派在色彩上的革命, 开创了近现代油画色彩应用的先河, 为以后的印象派提供了借鉴和灵感。在威尼斯画派中, 提香 (1487-1576) 是其中的接触代表。提香早期作品《人物》中, 人物的蓝袖子伸出在窗台上, 和身后的蓝色天空形成对应, 而脸和领口的强光则与须发黑圈呈鲜明的对比。蓝色的袖子夹杂着白、灰、紫、粉红、大红等色斑或彩块, 丰富艳丽, 令人眼花缭乱, 但在一定距离看来又和谐地统一于蓝色的主调中。提香的画正如瓦萨利所说“是一种印象的方式粗略地完成的。雄劲的笔触和小点, 从远处看来才收到效果。”这种使用富丽堂皇的色彩, 充满激情的笔触创作的油画, 将文艺复兴期间的油画推到新的顶峰。

2、印象主义时期

十八世纪开始, 随着启蒙运动的兴起, 一些艺术家开始对色彩平衡理论提出疑问, 英国著名古典主义画家托马斯·庚斯特罗 (1727~1788) , 是位充满反叛精神的艺术家, 他的《蓝衣少年》、《蓝衣女人》, 不是让柔和色彩, 而是让蓝色和紫色占主要位置, 并且大面积地使用了冷色调, 这两幅作品精美绝伦, 成为美术史上色彩使用的杰出范例, 向传统的色彩理论发起了挑战。

到印象主义时期, 艺术家们抛弃了先辈们所追求的让色彩在作品和主题精神统一, 抛弃了理想的和谐色彩。印象派绘画强调光色的表现, 把色彩从形体和明暗中解脱出来, 突出了色彩在油画艺术中的地位, 使其获得了相对的独立性。印象派艺术家完成了绘画中由素描造型向色彩造型的变革, 在色彩冷暖和对比方面革新了传统观念。莫奈曾说:“写生时要忘记你眼前的是什么东西, 你看到的只是色彩, 只是色彩之间的关系。”在他的《阿尔

3、后印象主义时期

后印象主义的画家们主张艺术应该强调个人的感受和经验, 进一步发展了印象派追求色彩美的技巧。保罗·高更喜欢用概括简化的轮廓线, 色彩上强调纯度和饱和度, 用强烈鲜明的大色块结合单线平涂的手法。在他的《三个窃窃私语的塔希提人》一画中, 赫红色的皮肤, 紫红色的衣饰和黄色的背景, 构成总体色调的大块颜色, 体现出土著人的风俗人情的色彩表情。于1888年画的《向日葵》、用色相轮中相隔较远的铬黄色的花与浅蓝色的背景形成色相、明度、色度三方面因素的对比, 又用茶色的轮廓线和少量绿时相对比。由于将整幅画面上的次要部分:背景、茶色线、绿时等来陪衬主要部分浓烈铬黄色的花, 取得所有部分在形体和色彩细节上相互谐调, ”统一在黄色调之中, 给人以平衡和美的感觉。《播种者》则以互为补色的黄与紫构成整幅画面的色彩基调。柠檬黄的天空和金黄色的太阳与占画面三分之二的蓝紫色地面形成强烈的对比。

4、中国当代油画

当代中国写实油画艺术中其风格和形式也各有特色, 这种特色是作者在长期实践中培养出来的, 在不自中觉形成的, 是作者内在修养的一种体现。

在当代写实油画中, 吴作人先生的《齐白石像》、《人体》等作品, 在整幅画面中, 人物的色彩语言提炼非常精到, 色彩高度概括, 用色非常讲究, 从同类色中找到不同, 作品中充分发挥了写生色彩语言经验, 统一中有变化, 色彩随着笔触在自然中柔和过度, 用色秉承了欧洲写实油画和印象派作品的优点。

丁一林先生《鹿咀风光》这幅作品中, 海景受阳光照射之后, 呈现出强烈的色彩冷暖对比关系, 作者抓住了那一刻, 用鲜明的色彩加上有力的笔触表现, 在色块的组合上作者把色彩和画面构成有机结合起来, 土黄色的海滩前面有一小块冷色的阴影, 和远处的海平面的冷色形成呼应关系。

色彩从生活中来, 只有在生活中观察、研究、表现色彩、才能孕育出新颖感人的色调并逐步形成个人的色调风格。在艺术中没有个性等于取消自己。从本质上说, 在色彩上强烈表露个性的特征, 是对生活的一种鲜明的思想和画家自身鲜明的个性在色彩中的反映。但无论是个性的展现还是风格的形成, 它们都是在生活的基础上, 发挥画家主观创造性和偏爱的结果。

五、结论

当代有影响的美学家苏珊·朗格强调艺术形式与情感表现的关系, 提出“艺术是情感的表现符号”这个具有理论魅力的新命题。科林伍德也直接宣称“艺术是情感的表现”, 对于艺术的本身看的并不那么重要。佛罗伊德的表现论学说, 以他的心理分析学为基础, 专门从潜意识和情感心理学的角度阐发艺术的表现过程。西方近现代种种艺术表现论反对客观现实内容, 而象征主义、表现主义、抽象主义等等, 把艺术的表现情感创作推向极致。凡此种种, 无一不说明艺术对于作者情感表达的重要, 而油画作品中色彩的表现语言是借以表达作者情感的最直接、最有效的手段之一, 因此, 创作者们应当更熟练的学习运用各种色彩表现的语言, 以达到完美表达自我情感的艺术目标。

摘要：艺术作品注重于表达情感, 而注重色彩表现的油画作品更是心灵的体现和传达。油画是平面造型艺术和色彩艺术的结合, 造型和色彩, 就是油画用以表达的基本语言。油画在视觉上的印象, 产生的感情和情绪的效果强烈与否, 取决于贴切地表达作品主题的, 富有魅力和独创性的色彩应用。油画的色彩语言的形式中也渗透着作者极富个性的情感体验, 油画创作者对色彩语言的把握和运用成了油画创作中的重要元素, 只有更灵活的掌握色彩语言特点与特性, 才会更充分的表达出创作者需要表达的内心情感和丰富内涵。本文将首先分析色彩在油画创作中的表现和对情感表达的作业, 然后列举和分析历史上各位大师对于不同色彩、不同调色技巧的运用, 从中体会到油画创作中如何发挥色彩的感染力, 充分表达了创作者不同的情感体验, 给予了人们不同的审美享受。

关键词：油画创作,色彩语言,情感表达

参考文献

[1]刘安.淮南子[M].重庆:重庆出版社, 2007.

[2]王国维.王国维文学美学论著集[M].太原:北岳文艺出版社, 1987.

[3]克罗齐.美学原理[M].北京:外国文学出版社, 1983.

[4] (美) 杰克·德·弗拉姆编.马蒂斯论艺术[M].济南:山东画报出版社, 2004.

[5]黄宗羲.《明儒学案》卷三十四《泰州学案三》[M].中华书局, 1985.

[6]翟音.色彩设计/中国美术院校教材[J].北京:中国美术学院出版社, 2006, 8.

油画创作中的情感表达 篇7

关键词：情感表达,油画,艺术形式

油画艺术乃至其余的绘画艺术从其根源来讨论就是作者对于事物的理解和对其情感上的表达方式。油画艺术以其独有的魅力, 丰富的表现手法, 渊源的历史底蕴在当今艺术形式百家争鸣的情况下, 独树一帜, 占据着不可磨灭的重要地位。油画艺术之所以一直以来是众多艺术形式中的佼佼者, 不仅在于其材料本身的可塑性之广, 更是在于其画面所表达的情感更为真挚, 更为丰富, 更被大众所吸引、接受。我们在欣赏或者讨论一幅油画作品时, 更令我们着迷的是作者想通过画面来表达的一种情感, 或者对于一些事物的理解。

绘画或许是上帝赋予我们每个人的天赋, 人人都可以画油画, 然而好的油画作品绝非一朝一夕之功。即便坚定的信念和肯于吃苦的决心可以淬炼出一种纯熟的绘画技术, 倘若不假思索, 照猫画虎, 画面失去了最重要的思想意识和情感表达, 想必也只是画匠一名罢了。绘画绝不仅是对客观事物的再现, 它更是通过客观事物来表达情感, 并且对客观事物情感体验的形式进行美化和升华。马蒂斯说过:艺术家的表现手段应当完全从他的气质中产生, 他必须是通过一种谦逊的精神, 相信自己画的仅仅是他所看到的东西。不难理解, 其实画面主体所表现的情感很大程度上也正是来自于简单的点、线、面, 包括笔触和肌理的走向, 构图的安排, 前后的对比等方面, 它们直接的反映了主体的情感。

油画《自由引导人民》是被称为浪漫主义先驱的法国著名画家德拉克洛瓦的代表作品之一, 该作品取材于1830年七月革命事件。画面气势磅礴, 色调炽烈, 笔触奔放, 具有强烈的感染力, 带给人们一种激动人心的感觉, 画家的每一笔走向也好像是倾注了自己所有的情感。慷慨激昂的色调和真情流露的笔法, 让观者仿佛置身到那场为了自由而战的革命当中。毫无疑问, 《自由引导人民》是19世纪西方绘画最具代表性的或者说是最成功的作品之一。色彩和技术自然是油画创作中必不可缺的条件, 然而我们绝不能忽略一幅作品的选材和立意, 《自由引导人民》之所以能够达到流芳千古以至后人无法逾越的高度, 也正是由于它成功的揭示了当时的社会背景和作者的思想感情, 从选材和立意上已经达到了相当的高度, 更令人为之感慨的是, 作者的色彩表现和技术运用也在宣泄着自己的情感, 更将作品推向了一个新的高度, 因此, 情感在形式技术中的表现我们不容小觑。

生活中, 色彩总能给予人最直观的感受, 绘画亦是如此。红色让人兴奋, 蓝色给人冷静, 绿色让人舒缓, 黄色则最为醒目。画面的颜色也时常表达着作者对于事物的感触。当面对一个复杂的颜色时, 我相信每个人对它的感受是不一样的, 这也恰巧证实了人是存在个体差异的, 可想而知, 我们在面对同一个事物所表现的画面也一定是不一样的, 每个人都有自己的情感, 需要通过自己的方式, 通过自己对事物的认知来加以表达, 这也正是绘画的乐趣所在。

再比如蒙克的《呐喊》可以说是油画情感表达最为强烈的作品之一, 是非常好的范本, 那么蒙克是怎样使我们对这件油画作品表达出的情感产生强烈共鸣的呢?首先, 这是一幅简单明晰的作品, 主体比较明确, 视觉感受很直观, 经过抽象简练处理的人物放在画面的最前方;桥的斜线将画面一分为二, 画面的前一部分呈尖锐的三角形, 营造出了一种走投无路的心理感受;背景占了整个画面很大一部分面积, 将情绪笼罩在画面之上。然后, 从色彩构成上来说, 单纯的大面积颜色铺就, 鲜明的对比, 都给人以强烈的视觉冲击, 背景上半部分是跳跃的橙色, 似乎在表达着一种情绪的不稳定, 接着用蓝黑色刻画河流, 并将这阴郁的色彩直接运用到人物的面部, 这一系列的色彩运用无不让观者产生一种莫名的压抑感。再说这幅画的线条笔法, 强烈的扭曲变形, 人物被刻画成为骷髅造型, 前景的木桥和背景的天空以及河流都顺着笔触快速地流动, 产生了一种强烈的不稳定感, 仿佛临近崩溃的边缘。所有这些对构图、色彩、笔触、线条、形象的精心设计, 都是为了表现画家彼时彼刻的情感, 才让观者产生强烈的心理波动与共鸣。

可以说正是情感的加入, 才使油画“活”了起来, 才使油画从中世纪的枷锁中解脱出来, 画家们将世俗的情感加入宗教绘画, 带来了意义深远的文艺复兴。拉斐尔笔下的圣母眼中怜爱的深情, 和我们的母亲是多么的相似, 人们终于敢于表达内心真实的情感, 而不是在强权的压迫中苟且。我们所熟知的塞尚、梵高、毕加索等近代艺术巨匠也随之孕育而生, 人们的情感越来越自由, 艺术的流派也越来越丰富。不得不说的是艺术的发展, 更是人的发展, 艺术关乎于美, 更关乎于生命, 最重要的是它关乎于情感, 可以说, 一切艺术形式, 难道不都是为了表达情感吗?

现在艺术市场乱象丛生, 西方对架上艺术不再投入, 媒体装置等艺术形式大行其道, 其中不乏有表达哲思的佳作, 但是大部分都是空洞直白的艺术垃圾, 只为博人眼球。我认为油画艺术要坚持去表达人的情感, 只有表达真挚情感的艺术, 才有永恒的魅力, 才不会在历史的长河中被淹没。

参考文献

[1]学术期刊《美术教育研究》2014年4期作者:赵金圆篇名:《论油画色彩的情感寄托》.

[2]学术期刊《剑南文学:经典阅读》2012年3期作者:杜艺篇名:《浅析马蒂斯的艺术理论》.

浅谈油画创作中的意境与情感 篇8

关键词：意境,情感,油画创作

热爱生活、赞美自然是人类的天性。艺术家以个人的独特视角把对外部世界的感受表达出来, 他们的心灵和自然贴得更近, 他们以特殊的心灵感受, 运用艺术语言表现出了人们想说而说不出的, 甚至是存在于潜意识中的东西。外界景物在我们的现实生活中固然有其客观的审美意义, 但如果成为艺术作品却常常染上艺术家的感情色彩。所以说, 意境是客观的景与主观的情融合的结晶, 是主意向与客观景象相统一的产物。一幅画即一个世界, 让人眷念, 让人向往, 让人梦寐。这是一个物质的世界, 也是一个精神的世界, 更是一个异彩纷呈的艺术世界, 它陶冶着人们的情感生活, 启迪着人们追求美、探索美。美学家宗白华讲得好:“意境是造化与心愿的合一”。

在我的油画创作中, 我追求是热爱自然、关注生活、追求真实的美感, 通过不断地观察生活、发现生活积累材料, 然后运用画笔表达内心的情感, 这种情感包含了对生活的热爱, 对自己内心的关注, 通过不断地挖掘自我, 在画面中传达一种平和的心境。绘画作品中的“意境”表现是建立在构图、色彩、等元素在情景交融的基础上, 意境是虚与实的统一、是再现与表现的统一、是有限与无限的统一并在生活与自然的启迪之下得以在作品中很好的表达和体现。意境的高下是衡量作品成功与否的重要因素, 一幅油画作品如果没有意境, 就好像没有灵魂, 从某种意义上讲, “意境”是油画创作的主题, 是核心, 是油画创作的灵魂。意境是画家在创作过程中通过对生活和大自然的体检、观察、感悟, 是在作品中所流露出来的真实情感, 是客观事物和主观情感的统一。油画作品既是画家的艺术创造物, 也是欣赏者以油画作品为审美对象的创造物, 审美的愉悦不仅在于美的直接反映, 而且在于审美过程中美的再创造。而就在创造性的意境想象中, 审美者能获得无穷之味、不尽之意。因此, 作品有无意境或意境的高低至关重要, 是油画创作成功与否的一个重要鉴定标准, 无“意境”的油画作品则无艺术性可谈。所以我在油画创作中努力传达我内心情感升华出的意境, 更希望能使欣赏者从中有所体会。

梵高是后印象主义画家, 他的油画作品更倾向于精神层面的东西, 他大胆的采用黄色、蓝色这些鲜明的色调, 并辅之以线条。我们看梵高的《向日葵》系列作品不禁感叹画面中色彩的冲击力和线条的张力。这是画家用他独有的表现方法传达出他对生命的热爱、对阳光的青睐, 用色的冲击、线的张力来倾诉他内心深处强烈激昂的情感。在意境中如何传达自我的情感, 如何运用材料表达出来, 怎样才能更好的结合是我在油画创作中的重点。一件绘画作品通常情况下向观者展示着他要或者必然传达出的精神层面的东西, 同时也展示着他绘画的技巧、色彩、造型、构图处理等等, 也就是我们说的对绘画形式语言的把握程度。或是注重内在、或是注重方法, 会因画画的人的观点和他所处的历史背景以及自己所处的社会阶层而各有差异。作为当代青年我们这一代没有经历太多的苦难, 相反我们的生活是安逸的、没有挫折的, 这也就导致了我们这一代对待生活是一种单纯的理念, 没有太多复杂的精神压力, 这种人生的态度自然地在我的作品中流露。根据画面的需要我把大色调调整到比较明朗、淡雅的色调, 明朗、淡雅的色调会给人一种宁静、安详、自然地感觉, 传达一种轻松、祥和的气氛。生活是丰富多彩的, 美术正是以这种在一定历史条件下多彩的现实生活为源泉而创造的, 油画的主题也可以说是油画的中心思想, 也就是一件油画作品要表达的内涵、是作者要传达给人的他的某种情怀, 更是一件作品能使自己存在的精神支柱。凡是对中外美术史有大致的了解的, 可以看到几乎所有伟大的作品都明确的传达着自己的情感思想, 所以我注重从生活中积累素材, 绘画要有生活气息, 从自己的生活经历中提取材料经过个人的思维加工, 赋至于画面之上。选择一个自己熟悉的题材, 然后用自己的方式方法去表现这个主题, 画面的形式与主题自然而然的就能较好的结合, 这样可以更加自然地传达自己的精神理念, 通过画面传达一种真实的感受。

作品反映着画家的情趣取向、以及要传达给欣赏者或者就那么自然而然的流露出来的思想情感。如何运用自己擅长的表现方法把要表现的思想传达给观者是我一直追寻的, 画面的艺术效果正是两者结合的成果, 在画画的过程中不仅仅是对画面的色彩、布局精心经营, 而且要通过这些以求获得更好的画面效果这才是所有形式表达的最终目的。我在作品画面中力求轻松、自然地气氛, 运用线表达这种“随心所欲”, 通过明朗、轻快的色彩传达对生活的感触, 对生命的热爱, 营造一种欢快、温暖的心境, 能使观者在画面面前体会出我所表达的情感与意境。

我深知这是很难达到的, 古今中外有很多大师在这方面都所建树, 他们都是我学习的榜样, 绘画之路本身就是艰辛的, 需要不断地学习和积累, 更需要莫大的勇气去坚持, 在绘画之路上我将怀着一颗赤子之心努力探索, 希望能在艺术之路上走的更远。

参考文献

[1]李泽厚《美学三书》天津:天津社会科学出版社, 2003.

[2]宗白华《美学散步》上海:上海人民出版社, 2005.

[3] (法) 葛赛尔《罗丹论艺术》团结出版社., 2009.

[4] (德) 伊曼努尔·康德《康德著作全集》北京:中国人民大学出版社, 2005.

色彩和情感在油画创作中的重要性 篇9

色彩像油画的外套,大面积的覆盖在油画的表面,给人以第一视觉冲击力;色彩是画家心情的晴雨表,观画者通过对油画色彩表现的观察和分析,来了解画家的内心思想感情;色彩是油画艺术的血液,贯穿于油画的生命体中,给油画以鲜活的生命力。

一、情感与色彩的关系

1. 情感的含义及与色彩的关系

所谓情感是指人的喜、怒、哀、乐和心理形式,它反映了人对外部世界和现实的主观态度。在心理学中情感的定义是,人对客观事物是否符合自己的需要而产生的态度反映。油画创作的过程就是创作者通过各种绘画语言抒发自己情感的过程,然后再把这种情感通过各种绘画语言传授给观众。

色彩是为情感服务的。马蒂斯说:“色彩的主要目的应该尽可能的为表现服务。”[7]这里的“表现”主要指画家的内心感受、情感等心理层面的表现。油画的创作过程也是情感宣泄的过程,同时也是情感振奋和升华的过程。纵观世界美术发展史,但凡倾注了画家全部情感所留下的传世之作,总能让人过目不忘,最使人感动的常常不完全是画家所揭示出来的那些认识,那些理念,而是其中深刻的永难忘怀的情感。

2. 色彩的属性

色彩本身具有色相、明度、纯度、冷暖等属性,画家经常运用色彩的这些属性来进行塑造。色调的不同运用给人不同的感受:色调是为作品主题服务的。出色的油画创作者为了表达作品的主题思想,运用不同的色调表现出不同的画面感受。例如:“伦布朗以棕色调表现带金盔的人那种雄沉森郁的情调;哈尔斯用轻松愉快的浅色调表现吉普赛女郎乐天开朗的性格;德拉克洛瓦以热烈的棕红色调表现希尔岛屠杀的残忍;不同的色彩象征意义不同:文艺复兴时期的基督教绘画中的圣母经常穿着具有象征意义的红色罩衣和蓝色斗篷。对于基督教来说,红色代表基督的血液,表示信仰与献身;蓝色表示天空,代表神性。罗马天主教会中教皇穿白色的衣服,也经常用白色代表神圣气氛。同一种色彩由于画家所表现的情感不同扮演不同的角色:从扬·凡艾克1343年所作的《阿尔诺芬尼夫妇像》中,不难看出,阿尔诺芬尼新婚妻子的小腹,已微微隆起,很显然妻子已经孕育了一个新的小生命,画家利用象征生命的绿色外套暗示了这种状态。但在凡高的《夜间咖啡馆》一画中,绿色也大量出现在画面中,绿色的屋顶,吧台,屋子中央的台球桌,甚至孑然一身站在台球桌旁边的老板的头发等,所有的绿色在这幅画里面,视觉上给人以强烈的刺激感,都让人感觉不舒服,产生一种阴森森的令人恶心的恐怖感觉,而这种感觉,正是凡.高对曾粗暴的赶走过自己的咖啡馆老板所要表达出来的不满。

二、从不同时期看色彩和情感在油画创作中的重要性

1. 巴洛克时期

鲁本斯利用色彩的表现力,注入自己的情感,使绘画表现出强烈的感染力和伟大的生命力。例如,在其作品《劫夺吕西普的女儿》中,为了利用色彩的情感表现力,大量使用鲜艳的红色、欢快的黄色以及强烈的明暗反差来增强画面的热量和运动之势。因为红色代表欢快、热烈,表现血与火的战斗,表现革命,也可以表现某种恐怖;而黄色在作品中则造成刺激和不安的情绪,作品中这种色彩搭配所造成的强烈的动态效果,既让画面变得富有生气,也使画面在运动中充满了动感与活力,给观赏者一种动态的心理体验和视觉上的调剂与刺激。

2. 写实主义时期

莫奈的作品被称为“绘画中的诗”,他认为,绘画不仅是一种手艺,而且是他们心底自然流露出的真实,在他的不少优秀作品中,用色彩描绘的场景、人物、景色、寄托了他对生活的赞美和忧伤。利用光和色来描绘自己的画面,抒发自己的情感。在其作品《圣.拉扎尔火车站》一画中可以看出他对于人和自然长期的喜爱,执着追求,这种对艺术的喜爱和追求已经完融入了他的生命状态,把它表现在自己的画面中,深深的感动着观众。

3. 表现主义时期

表现主义时期的色彩在油画创作中具有强烈而独特的魅力。表现性色彩更能体现出画家利用色彩来表现内心自我情感的特色。表现主义的奠基人凡高,运用对比的色彩以及夸张扭曲的线条来表现他的激情。他在获取自然色彩的同时又把自己被自然感动的情感带入画面,使他的画面色彩具有了很强烈的表现性。他通过色彩来表现自己对生命的热爱和对美好生活的向往。例如,他的名作《向日葵》便是他使用黄色来表现内心情感的经典之作,这幅画的整个画面都是由很强烈的黄色组成;画面色彩的对比很强烈,土黄色的花盆和柠檬黄的背景,以及中黄色的花瓣和花瓶等。画面虽然都是由黄色组成但它们之间又各有不同,画家通过对色相、纯度和明度以及色彩面积的调整和处理,使画面形成一种色彩关系,从而避免了色彩与色彩之间的孤立局面,在他的画面中常见的是黄色调,在绘画中黄色通常具有两种含义,一是表现画家对生命的热爱和希望,另一只是躁动不安的神经质的内心体现,这两种情感都反映出一个真实的凡.高。

4. 抽象主义时期

热抽象派大师—康定斯基说:“色彩对人的有机体产生巨大的作用并且直接影响着精神”。“色彩隐藏着一种力量,虽然不为人们所感觉,但却是真实的、显著的,而且感应着整个人体。”这种色彩的力量指的就是色彩的情感表现力,它是人能够直接意识到的:“刺眼的珠红像火焰般恣意的撩人,强烈的柠檬黄,使眼睛忍受不了它的刺激,就像喇叭地噪音震耳欲聋一样,使人不停的眨眼,以求得消沉在蓝色与绿色调的宁静深处。“蓝色加深了缓和与宁静,随着色的稀释,蓝就渐渐失去了它的青色……”。[6]实际上丰富的色彩可以更好的表达人的情感,反之,人的情感也会使我们所见的色彩发生变化。描绘者之情感因素所带来的色彩变化,正是追求个性和创作性的艺术家常常运用的艺术手段。

无论是以鲁本斯为代表的巴洛克时期的油画色彩,还是写实主义时期以莫奈为代表的印象派色彩,以凡高为奠基人的表现主义时期的色彩,还是抽象派的色彩,无不是把色彩作为各种绘画语言中最重要的一项,去表达他们内心或热烈、或美好、或扭曲或奔放的思想感情,去绘画画家“心中之歌”,给世人留下了大量的感动人心的巨作,成为人们时代学习的典范。

摘要：色彩是油画的灵魂,是表达画家内心情感的语言形式,色彩是观画者与画家之间思想和心灵沟通的桥梁,观画者通过对油画色彩的直接感受来了解画家内心的情感。无论是以鲁本斯为代表的巴洛克时期的油画色彩,还是写实主义时期以莫奈为代表的印象派色彩,以凡高为奠基人的表现主义时期的色彩,还是抽象派的色彩,无不是把色彩作为各种绘画语言中最重要的一项,去表达他们内心或热烈、或美好、或扭曲或奔放的思想感情,去绘画画家“心中之歌”,给世人留下了大量的感动人心的巨作,成为人们时代学习的典范。

关键词：色彩,情感,写实,表现,抽象

参考文献

[1]唐晶.凡高[M].北京:中国人民大学出版社,2002.

[2]常永旗.油画中的色彩[J].美术大观,2007,7(27)

[3]色彩艺术学[M].吉林:黑龙江美术出版社,1998.

[4]翟墨,王瑞廷.西方现代艺术流派书系[M].北京:人民美术出版社,2003.

[5]冯健亲.绘画色彩论析[M].上海:上海人民美术出版社,1990.

[6]翟墨、王瑞廷.康定斯基论艺[M]∥翟墨、王瑞廷.20世纪外国大师论艺书系.裔萼编著.北京:人民美术出版社,2001.

油画创作中的情感表达 篇10

早在两千多年以前的西汉时代, 我国古代音乐理论著作——《乐记》就已经提出“凡音之起, 由人心生也”的看法, 并指出:“乐者, 音之所由生也, 其本在人心之感于物也。是故其哀心感者, 其声噍以杀;其乐心感者, 其声啴以缓;其喜心感者, 其声发以散;其怒心感者, 其声粗以厉, 其敬心感者, 其声直以廉;其爱心感者, 其声和以柔”, 该古文阐释了音乐是分别以噍以杀之声、啴以缓之声、发以散之声、粗以厉之声、直以廉之声、和以柔之声表达的哀心、乐心、喜心、怒心、敬心、爱心等各种各样的心情, 提出了音乐是由于人心被客观事物激发出了情感, 再由情感引发音乐创作的这一观点。

而在西方, 情感论同样是一种绵延几千年的、源远流长的音乐美学思潮。早在古希腊时期, 伟大的哲学家、教育家、科学家亚里士多德先生, 就把音乐与人类的思想感情联系起来, 认为音乐能表现出勇敢和节制、愤怒与温和等品质和性情。而后, 情感论在19世纪得到充分发展, 并且成为19世纪最主要的音乐美学思想之一, 堪称浪漫主义音乐的美学理论支柱。一些浪漫派作曲家, 如勃拉姆斯、肖邦、李斯特、舒曼、瓦格纳等的作品都是情感论的精彩体现。

音乐和情感的密切联系早就为古今中外大量成功的音乐论著与音乐作品所证明, 现仅从李斯特钢琴曲《艾斯特庄园的喷泉》入手, 以具体音乐作品为例管窥音乐创作与情感表达二者的关系。

钢琴曲《艾斯特庄园的喷泉》创作于1877年, 这个时期的李斯特已是一位功成名就的老者, 虽然在门徒的簇拥之下, 心灵却倍感孤独。晚年李斯特由于深受孤寂与病痛的折磨, 更加流露出对宗教的依赖, 并在此时所作的一些钢琴作品中充分地体现出来。这首作品描写的是李斯特晚年最爱的住所——位于罗马以东40公里处的帝沃里小镇上的艾斯特庄园里的喷泉。但该作品又并不仅仅旨在对自然风光进行简单的描绘, 其真实目的在于通过音乐来表达自己的内心情感。作品选自《旅行岁月》第三集, 是整部曲集中的代表作品, 它以多变的音型和明亮的和声描绘了色彩斑斓的台地庄园喷泉:阳光下, 水柱反射出耀眼的光彩, 它们就像无数小精灵在快活地嬉戏。是德彪西和拉威尔的印象主义钢琴作品的先驱。李斯特在作品第144小节处还引用《圣经》里的经句作为主题a的注释, 该经句出自《约翰福音》第4章, 耶稣说:“凡喝这水的, 还要再渴;人若喝我所赐的水, 就永远不渴;我所赐的水, 要在他里头成为泉源, 直涌到永生。”李斯特将这句话用自己的理解, 以音乐作品的形式表现出来, 可以看出, 他将“水”作为象征生命的载体, 来表达其个人的宗教信仰。

该曲由短暂的引子铺陈过后, 引出清丽的主题a, 好似从刚山涧流淌出来的第一股潺潺清流, 仿佛是大自然赠予人类的一份美妙礼物。该曲主题a建立在#F大调主和弦上, 旋律仅由do mi sol这三个音构成, 给人以稳定、安适的感觉。该旋律节奏舒缓, 在较高的音区开始, 让人感觉空灵、神圣, 配以的二分音符及四分音符震音作为伴奏音型, 烘托出庄严稳重的气氛, 象征着虔诚的信仰与安静的祈祷。这一主题代表着“神”。

主题b旋律中加入了更多歌唱性元素, 如附点音符及三连音的级进, 节奏显得没那么主题a那么庄严、平稳。该旋律在中音区以单旋律的方式展开, 色彩较于高音区的主题a偏暗, 显得更简单、更世俗化, 更多地表达个人的情感。因此, 这一主题似乎代表着“人”。

两个不同性格的主题a、b在全曲中多次交替反复, 通过调性及伴奏织体上的变法手法, 在主题形象与性格上进行发展与对比。最终, “人”的主题不停的向“神”的主题发展与追寻, 之前的附点节奏等不稳定因素逐渐减少。到最后, b主题不再是乐曲伊始的单旋律形式, 而采用八度音程在高音区以静穆安详的姿态奏出, 节奏上也没有了附点音符的推动, 更趋平稳。从这里可以看出, 李斯特已经在通过这种微妙的音乐形态的变化手法, 来表达他的内心世界的情绪转变, 体现李斯特内心对宗教的皈依。

李斯特利用两个主题在乐曲中的对比与发展, 展现了人类情感的变化过程。他将两个对比鲜明的主题放在一起:a主题“神性”的情感, 以及b主题“人”的情感。通过“人”的主题的不断追寻与变化, 直到“人性”被“神性”所感动。人的情感内心经过不断的净化、翻涌, 到最后的“人性”摒弃了世俗化音乐的干扰, 以一种祥和的姿态显现。尾声部分“神”的主题经过b E、G、C、b A四次的转调, 得以再次强调, 音域不断降低, 节奏不断放缓, 最后再回到主调安静的结束全曲。似乎喻示着一切暗涌起伏的内心情绪终于在上帝指引下归于平静。

李斯特在其著作中曾经写道:“艺术家把感觉和热情变成可感、可视、可听, 并且在某种意义上是可触的东西。天才用他所发明的新的形式来揭示自己的思想情感。”李斯特认为音乐是情感的容器, 作曲家把自己的情感通过一定的作曲技法融入到音乐作品当中, 当人们聆听或者演奏音乐作品时, 情感作为音乐的内容就传递给了欣赏者。同时, 他也认为, 音乐中一定要有真情实感, 那些在漫漫历史长河中不朽的的作品都是有着真实的、热烈的情感融入其中的。

通过对《艾斯特庄园的喷泉》这首钢琴作品的分析, 我们可以更加清楚地看到音乐创作是在对情感进行深刻体验之后, 再将其进行选择、强化、加工的创作形式。情感是推动音乐创作的动力和音乐作品的构成要素, 音乐家对情感的体验决定着作品的成败。优秀的音乐作品充分的、自由的表现人们的情感世界, 全面地、深刻地展示人们的情感欲望, 从而亦使欣赏者获得美的享受和满足。

摘要：本文从音乐创作与情感表达的关系的研究视角, 对李斯特钢琴作品《艾斯特庄园的喷泉》作了初浅的分析。试图通过具体的作品管窥音乐创作与情感表达的密切关系。

关键词：音乐创作,情感表达,艾斯特庄园的喷泉

参考文献

[1]张前, 王次炤.音乐美学基础[M].人民音乐出版社, 1992.