爵士乐音乐鉴赏

爵士乐音乐鉴赏（共8篇）

爵士乐音乐鉴赏 篇1

广州市第五届中小学优秀音乐录像课、有效教学案例评比活动

爵士乐

郑中钧中学

张宇艺

教学目标：

1.了解，接受多元音乐文化，开阔学生视野。

2.通过中外爵士乐的欣赏，使学生感受，体验爵士乐音乐的风格特征。

3、学习布鲁斯音阶，感受布鲁斯音阶特点。

4、学习爵士乐的切分节奏。

教学思路：

1、作为对爵士乐的入门课，让学生对爵士乐有初步的认识，从而喜欢上爵士乐，在课外能积极欣赏爵士音乐。

2、在摹唱的过程中，领略爵士乐的音乐特点。

教学过程：

一、引入：播放爵士版《夜来香》，问题：音乐段落属于哪种音乐元素？带出课题——爵士乐。

二、爵士乐的起源

爵士乐是19世纪末20世纪初兴起于美国南部新奥尔良的黑人音乐,后来传入城市风靡美国，并成为世界性的流行音乐。爵士乐是美国最有代表性的一种民间音乐。独特的音乐语言，极具个性的灵活演奏，时而低沉忧伤，如泣如诉；时而强劲高亢，激动奔放，给人深刻的精神体验。

1、布鲁斯 学习“布鲁斯”音阶

2、拉格泰姆

三、感受爵士乐的切分节奏，节奏练习。

四、黑人有了自己的乐队，演奏着属于自己的音乐，贫穷卑微但快乐地活着，爵士乐融合着布鲁斯和拉格泰姆的音乐风格逐渐走向成熟。在爵士音乐史上，不能不提到一位大师级的美国黑人爵士音乐家——“爵士乐之父”路易斯〃阿姆斯特朗，欣赏《南部之子》

问题：有哪些乐器演奏，主奏乐器是什么？

五、爵士乐队常见乐器

爵士乐队总的来说可以分为两组：

1、节奏组

2、旋律组

节奏组主要乐器有：钢琴、低音提琴、贝司、鼓 旋律组：小号、长号、单簧管、萨克斯

其中打击乐器在爵士乐队中占有很重要的地位。爵士乐队中每个人都是乐队的主体，包括歌手。乐队中的每件乐器包括人声，并没有谁为谁服务，谁为谁伴奏的概念，而是通过合作使自己的价值得到更好的体现。

六、欣赏阿姆斯特朗演唱《What a wonderful world》领略大师风采。

七、欣赏《不知为何》试说出音乐的风格与早期的爵士乐有何不同。

八、总结：爵士乐的特点

（1）大部分音乐带有忧怨的情感色彩。演唱，演奏即兴性较强．

（2）爵士乐的旋律经常采用布鲁斯音阶（1 2 b3 3 4 b5 6 b7 7）来形容它的特点。

（3）爵士乐的切分节奏复杂多样，特别是跨小节的连续切分经常将原有的节奏整小节移位，造成一种飘忽不定的游移感。

爵士乐音乐鉴赏 篇2

对于广大中国音乐爱好者而言, 爵士乐显得既熟悉又陌生。熟悉, 是因为感觉上爵士乐似乎离我们的生活很近。在闲适优雅的咖啡馆里、很多流行歌曲里甚至数码音乐产品的DEMO里, 都可以寻觅到爵士乐那芳香迷幻的踪影;陌生, 伴随着“熟悉”接踵而至。这来自大西洋彼岸的音乐形式显得如此独树一帜, 她与我们受传统古典音乐训练而从小建立起来的听觉习惯有着太多的相异之处, 很多时候甚至无法用我们已有的经验知识去解释她的种种音乐现象, 是继耳熟能详的中国民乐、中国戏曲、西洋古典乐、普通流行乐之后又一对我们的听觉方式提出挑战的音乐形式, 让我们对她如此着迷却又欲罢不能。

何为“爵士”

爵士乐 (JAZZ) , 是十九世纪末产生于美国南部, 在布鲁斯和拉格泰姆的基础上, 融合了某些白人的音乐成分, 以小型管乐队的形式即兴演奏而逐渐形成的。她以布鲁斯 (Blues) 和拉格泰 (Ragtime) 为源头, 经过20世纪初的新奥尔良 (New Orleans) 爵士乐、30年代大乐队 (Big Band) 演奏的爵士乐、40年代的比波普 (Bebop) 爵士、40年代末的冷爵士 (Cool Jazz) 、50年代的硬波普 (Hard Bop) 、60年代的自由爵士 (Free Jazz) 、70年代以后的摇滚爵士 (Jazz-Rock) , 以及而后的拉丁爵士 (Latin Jazz) 、融合爵士 (Fusion Jazz) 、爵士放克 (Funk) ……

从音乐上讲, 早期的爵士是一种文化混杂的胚胎。那些为了开辟新大陆而被贩卖到美国来的黑人带来了非洲的音乐精髓, 因为音乐是他们赖以生存的重要手段。黑人的灵歌 (Soul) 是促使爵士乐形成的最早元素, 而新奥尔良则是将爵士从街头小调送往音乐学院殿堂的故乡。从1917年由“传统迪克西兰爵士乐队” (Original Dixieland Jazz Band) 开始录制爵士乐史上第一张唱片起, 爵士乐便显示出了巨大的发展潜力。经过一个世纪的发展, 如今已成为流行音乐及其重要的一个组成部分。

爵士乐与华语流行歌曲的完美交融

爵士乐要在中国广泛传播, 除了已有的高等院校理论教育体系、面向大众的纯爵士器乐演奏等方式作为依托外, 还需要将流行歌曲这一深受大众追捧的音乐体裁形式作为传播载体, 更全面地传递爵士乐的精髓品质;而站在流行歌曲的角度讲, 也需要不断展现新的音乐风格来赢取歌迷的需要和市场的竞争, 永葆其艺术生命。正是基于双方各自的需要, 使爵士乐与华语流行歌曲顺理成章地走到了一起。

爵士乐有着众多的风格, 其中的“布鲁斯”风格深受流行音乐人和歌手所宠爱, 布鲁斯音乐元素被大量地运用到他们重点主打推出的专辑或单曲里。这种现象在近几年的华语流行歌坛显得尤为突出。从中国内地到中国香港台湾地区, 众多知名一线歌手的唱片里几乎都可以找到带有布鲁斯 (即“蓝调”) 风格的歌曲。时下“R&B”这个时髦词语频繁地被众多歌手提及, 其实“R&B”是“Rhythm and Blues”的缩写, 译作“节奏布鲁斯”或“节奏怨曲”, 本质上依然还是布鲁斯风格。布鲁斯最常见的表达方式是“歌唱”, 最显著的风格特点是“忧郁伤感”。

在中国内地歌坛, 将爵士元素运用到作品中较为成功的音乐人有李泉、丁薇、三宝、胡彦斌等。李泉, 这位来自上海的音乐才子, 自2000年发行的唱片《走钢索的人》以来, 几乎每张唱片都散发出浓浓的爵士气息。慵懒并略带伤感音色, 缓慢摇曳的节奏, 淡淡的爵士钢琴声, 一副迷幻醇香的爵士画卷扑面而来……李泉的歌不仅受到内地无数大学生的欢迎, 还引起了许多港台知名唱片公司的关注, 纷纷力邀他担纲旗下当红歌手的唱片制作人, 继续发挥他独树一帜的爵士风格;由三宝作曲、丁薇演唱的《断翅的蝴蝶》, 以中国民歌《小白菜》为基本旋律素材结合布鲁斯的节奏、和声、演唱风格等音乐特征, 成为至今都广为传唱的经典流行歌曲;近年来颇为走红的歌坛新人胡彦斌、周杰伦分别是内地和台湾地区R&B曲风的典型代表人物, 人称“R&B人气小天王”。除了上述这些歌手外, 还有许许多多我们熟悉的知名歌手都在尝试R&B风格, 力求曲风的多元化。

可以这么说, “R&B”这个词已成为当今中国流行歌坛的一句时髦用语。甚至还可以这样认为, 爵士乐风格已经深深融入了当今华语流行歌曲中。本质上来说, 这是流行歌曲自身发展的需要, 是音乐产品市场的需要, 是音乐爱好者渴求多元化音乐风格的需要, 是时代前进带动音乐发展的必然结果。

爵士钢琴

爵士钢琴在国外的发展源来已久, 作为爵士乐两大起源之一的“拉格泰姆”

最初便是一种在钢琴上演奏的音乐。今天我们熟悉的《Maple Leaf Rag》 (《枫叶拉格泰姆》) 和《Entertainer》 (《演艺人》) 便是爵士钢琴的经典代表作。不仅拉格泰姆, 布鲁斯、布吉乌吉等爵士乐形式也常用钢琴来演奏。爵士乐史上著名的Duke Ellington (艾灵顿公爵) 和George Gershwin (乔治.格什文) 倡导的“交响爵士”更是将爵士钢琴的魅力发挥到了极致。

爵士钢琴, 这一在演奏方式、感官听觉等很多方面都与欧洲几百年传承下来的古典钢琴演奏有着很大区别的音乐形式, 自来到中国以后, 便受到众多乐迷的追捧。很多专业音乐工作者也开始对它展开了研究, 纷纷出书立著、发行视听光盘, 全方位地将它呈现给广大“爵士钢琴迷”。

1997年, 由上海音乐学院资深导师陶辛教授负责编写、世界图书出版公司负责发行的《爵士钢琴》一书出版了。此书的出版在音乐学术界和图书市场界都引起了相当高的关注, 因为在这之前, 几乎很难在专业的音乐图书市场上寻觅到有关爵士乐的专门书籍, 更别提专门介绍“爵士钢琴”的书了。此书按照历史顺序收入了各种爵士乐体裁中具有代表性的曲目, 还穿插介绍了一些爵士乐名曲的背景逸事和著名爵士音乐家的生平业绩。.所收入的曲目有些是根据原版乐谱简化而成的, 有些是根据有关的音响资料记录整理的, 还有一些则是由编者自己编配的。这本书通俗易懂、曲目动听, 直到今天依然是众多音乐专业大学生学习爵士钢琴的首选书籍。

在钢琴教育界, 钢琴教师也不再一味地要求学生只弹传统的古典曲目, 很多时候也会穿插些经典的爵士钢琴曲目, 多种音乐风格兼容并蓄, 培养学生多样性的听觉思维。这种钢琴教学方式目前在正规院校式钢琴教育和业余钢琴教育界正逐步流传开来, 对我国的钢琴教育发展起到了很好的促进作用。

结束语

爵士乐对当今中国音乐生活所带来的影响是多方面的, 以上列举的只是其中具有显著代表性的几个实例。来自上海的青年舞蹈家扬扬便是目前国内最有实力的爵士舞专家, 她将留学美国期间所学的爵士舞带回了中国, 并在上海成立了舞蹈学校, 将爵士舞广泛地传播开来。眼下, 众多的社会艺术培训机构均设有爵士舞培训班, 让更多的艺术爱好者有了直接接触爵士乐的机会。爵士乐搭上舞蹈的快车, 这不得不说是爵士乐在中国发展的又一次飞跃;在很多大型综艺晚会上, 一些经典老歌经过改编, 成了带有浓郁爵士风格的“新曲”, 深受观众喜爱;而在音乐教学课堂上, 钢琴教师会要求学生将一些短小的钢琴小品通过个别处旋律音、节奏型的修改, 把它变成具有爵士风格的钢琴曲。爵士乐正以她独特的艺术魅力, 逐步成为当今中国流行音乐界十分重要的发展潮流, 渗透到了我们音乐生活的方方面面。要让爵士乐长久保持活力, 还需要广大的音乐工作者不断地探究, 多角度全方位地发掘爵士乐的新发展空间, 形成独有的“中国式爵士乐”, 直到有一天“全民都爵士”。

走近上海音乐学院爵士乐 篇3

也许是仅依托舞厅和外国消费者的缘故，在外国消费者减少、新中国成立前后文化消费观念转型后，自五十年代起，爵士乐在沪上逐渐衰微直至匿迹。四十年后的上海，在改革开放的春风中，爵士乐再度复兴，而此时西方的爵士乐也经历了大跨度的发展，早已摆脱了四平八稳的伴舞的音乐形式，融合了多种音乐语言而达到丰富的音乐风格、文化特质和高难的演奏技巧，炫技而不失浪漫，奔放而不失唯美，使其更具音乐自身的魅力、表现力和感染力。加上专业作曲家如格什温等人的参与创作，西方爵士乐早已跻身高雅艺术的行列，而非仅作黑人乡野间激情的宣泄，登堂入室地成为音乐厅中的常备曲目，这为八十年代末爵士乐在中国的全面复兴积淀了更为丰富的表现手段，架起了较高起点，赢得更大的发展空间。

新世纪以来，各地兴起的爵士乐团队如火如荼，以爵士乐为主题举办的音乐节不断增多，大型爵士乐团（Big Band）的组建也风生水起，专业化的学院派的爵士乐发展已是大势所趋。上海音乐学院率先建立爵士乐专业，在音乐家朱磊、张旭儒、杨茹文等上音现代器乐与打击乐系领导的大力支持下，以章啸路、廖季文等演奏家为主体的爵士乐引领者，逐渐开辟出属于上海音乐文化品格的爵士乐，成为城市文化坐标的新符号。近年来，上海音乐学院除了设立爵士乐特色专业，建立本科的教育学制和教学体系，还广泛组建多种规格的爵士乐队，并积极在上海乃至国内外的广阔舞台上不断精彩亮相，使上海再次成为爵士乐的乐园。

我从2004年开始接触并关注章啸路及其爵士乐团队，在2007年的“爵士乐音乐周”上，爵士乐大乐队以国外经典曲目展演于贺绿汀音乐厅，成为上音八十校庆年的重要声音之一。章啸路出身爵士乐世家，又在欧美爵士乐圣地长期浸润，其技术与艺术已使其成为中国爵士乐发展中举重若轻的身影，多次在国内爵士乐展演中华丽亮相。尤为重要的是，自成立之日起，乐队就树立起高标准的发展目标，不断聘请国际顶尖级爵士乐大师如金·艾特肯恩（Gene Aitken）、马克·列文（Mark Levine）、肯尼·加利特（Kenny Garrett）、鲍勃·明哲（Bob Mintzer）等驻团指导，还多次外访和参与重要节庆的演出，在圈内外名声鹊起，充分展示了这一新兴专业的旺盛艺术活力。

近年来，以章啸路为首的爵士乐人还参与创作，使该领域不断涌现高水平的具有爵士乐艺术精神的中国作品，爵士乐大家族中开始有了东方话语。章啸路作曲的《东湖1522》（埃里克·理查德编曲）一经亮相，迅速成为标签式的中国爵士乐作品。这首作品已经连同格什温的《如果你能找到美好的工作》、E.理查斯的《弗兰克与强尼》和《弯月城的舞蹈》、R.罗德格斯的《麻烦女士》、P.莫斯曼的《大猫的曼波舞》、M.纳西蒙托的《堂吉诃德》、C.波特的《黑夜与白昼》、西蒙斯与马克的《我的全部》、D.盖雷的《被时光遗忘的芝士》等爵士乐名作在演出后结集出版音像制品（上海音乐出版社2011年）。该DVD的出版标志着上海爵士乐真正具有了世界级的演释水准和高水平的创作技艺，曲目中既有国际影响的爵士乐大师的经典之作，也有中国爵士乐创作的小试牛刀；既有风格迥异的浪漫唯美之作，也有诙谐幽默、妙趣横生的小品。该作品集中的演释，既有独奏乐手炫目的个人能力展示，也有大乐队饱满和声音响的激情绽放。其中，爵士乐化的乐队色彩逐渐成熟，是之前大乐队2007年底首次亮相时无法比拟的，足見该乐队近年来的进步。

2011年秋天，贺绿汀音乐厅就曾聚焦过全国爵士乐爱好者的目光。那场名为“奋进·怒放”的爵士乐专场音乐会以更为中国化的爵士乐语汇的融入为主要标志。音乐会中除了前述的《东湖1522》外，还有李依诺作曲的《康定情歌》，张旭儒作曲、埃里克·理查德编曲的《奋进·怒放》等新作，而《春江花月夜》的优美旋律和意境也吸引了埃里克·理查德予以编曲再创作。音乐会中鲜明的中国旋律和韵味，引发了圈内乃至沪上的热烈讨论，以中国音乐意境之美与爵士乐和声、节奏之美为融合对象的艺术探索成为在中国发展爵士乐的又一发展主题。

音乐会中展演的中外爵士乐作品，以饱满的音响、自由奔放的个性演释和妙趣横生的艺术气质，博得观众的阵阵喝彩。在曲目的安排上，上下半场各有两部中国作品。上半场还有约翰·克莱顿的《投掷》（Soupbone）、比尔·伊凡斯的《最初》（Very Early）、比尔·里森的《无尽的夏日》（Summer Never Ends）、高登·古德温的《高度戒备》（High Maintenance），下半场还有鲍勃·佛罗伦斯的《比波普·查理》（Bebop Charlie）、弗兰克·曼图斯的《我的眼里只有你》（I only have eyes for you）、金·德鲍尔和邓·瑞的《你不知何为爱情》（You don’ know what love is）等爵士乐名作。这些作品不仅有单个乐器如萨克斯、小号、吉他的独奏炫技段落，更有发挥乐队整体和声音响的合奏段落，乐曲快慢兼有，音乐或轻松优美抒情唯美，或奔放跳跃激情张扬，展示了爵士乐曲调上的自由降低三音、七音和节奏上连续三连音、切分音型等特色，管乐器浓烈的金属色泽，玲珑剔透的吉他音色镶嵌其间，加上金·艾肯特丰富多彩的指挥和保罗·哈尔色彩绚丽的萨克斯演奏，大师和师生乐队激情演释而使上海爵士乐大乐队焕发出迷人的色彩。

当然，最值得一说的还是四部中国爵士大乐队作品。章啸路作曲的《东湖1522》以抒情曲调的多次变奏为主要手法，在曲调的设计上，旋律中突出了降低三音、七音的色彩性音阶运用，节拍虽变化较少，但不断融入具有爵士乐音型的新律动，使得作品结构简洁、曲调优美、东方风格明确，将“东湖”的烂漫与缠绵诠释殆尽。《春江花月夜》以柳尧章原曲旋律为主题框架，采用变奏的手法不断融入爵士乐新材料，其中第一部分以古筝、琵琶展示的原曲主题，为后来大跨度的爵士乐音型化的发展奠定了基础。尤为突出的是，作品在爵士乐化手法发展的同时，也不忘其固有意境的描绘，如运用古筝和琵琶演奏的原曲核心主题作为乐曲连接的纽带，展示了编曲者埃里克·理查德对中国文化的理解之深。李依诺作曲的《康定情歌》的手法与前述相似，但它在原民歌曲调变形处理时较多地注意了爵士乐的音阶和音型特点，使原形曲调与变奏曲调间形成强烈的反差和对比，暗示了作品在发展曲调上的大胆超越。

作为音乐会的“标题”音乐，由张旭儒原作敲击交响诗《本真与前卫的对话》中的第四篇发展而成的《奋进·怒放》（埃里克·理查德编曲），采用的是双乐队编制和双指挥表演形式，打击乐队（演奏原作部分）与爵士乐队（演奏新发展部分）交相辉映，将形式上的对比与音乐手法上的融合予以了“双窗口”式的拼贴与复合。其中在爵士乐发展部分，变奏手法上除了加强旋律曲调的爵士乐化进行外，还在乐段间的连接上注意了爵士乐式自由随性的音乐手法，其间饱含爵士乐艺术精神的蕴涵。其中在和声中，编曲者以七和弦为基础，大量地运用扩展音替代和弦，使融合后的作品呈现出丰富多彩的和声效果，由此而在原打击乐曲激荡昂扬的音乐情绪之中，注入了奋发向上的情绪活力，直至将情绪渲染到“怒放”的高点，无怪乎作者要将其名之曰“奋进·怒放”。

此次音乐会是上音爵士乐大师班高标准教育发展的又一成果。章啸路及其爵士乐日趋成熟的演奏技艺、初露锋芒的创作手法、日渐成型的研究理念，必将带领爵士乐在上海乃至中国大地上奋进，怒放于海纳多元文化的新媒体环境中。

美国爵士音乐论文 篇4

十八世杞以后，美国y治者为了l展大堑呐 庄，伴随着开荒事I的进展，从非洲掠来大批黑人。 在美国的密西西比河沿岸种植园主便用黑人的奴隶 劳动来开l这一Х饰值耐恋亍1掠来的黑人失去 了自由,过着牛R不如的生活。他一天劳累之后，唯 ―的世质窃诿髟轮夜孔攀殖着歌.用自己的手 脚按照忆起来的击鼓节奏拍击.用脚踏着地，就像 他在非洲的时候一样.唱着白天里所l生的事件。 于是宽产生了--神反映美洲黑人痛苦生活的新的民族 音乐.其中包括神灵乐(一神宗音乐形式的黑人歌 曲)、劳动歌曲和口鞲枨，以后又形成了布斯 (也是一种黑人音乐)等等。

黑人所用的乐器除了通常使用的五弦琴、班卓 之外，也使用一些其他乐器，如六弦琴、小号、位 管等。95年左右，美国人利用了这种音乐特殊节奏和 这种音乐的u兴演奏形式来演一些舞滔曲，由于这神 新f的节奏和L格很能吸引听众，所以这种演奏形式 以后就广泛的采用。这神演奏形式的乐队和音乐就被 人称为爵士乐队和爵士音乐，这便是爵士音乐的起 源。(爵士音乐这个名称跟一个黑人歌手Jasbo Brown 爵士波?布O的名字有关、)

最初的鲟士音乐还是和黑人的民g音乐有着一定 的联系的。它的黄金时代仅在第一次世界大战以前的 短短几年，流行不久便被音乐商人改变了原来的面貌。、

十九世杞末和二十世o初，正是资本主义进人帝 国主义阶段。美国Y产阶集团掌捏着政治、事、 济的权力。在文化方面也o断了所有的报，刊物， 印刷出版工I和艺术事I。丈化事I在它的金元威力 之下，都成为它的附Z品，为它服务，供它享乐，作 为它毒害人民的工具。就这样，爵士音乐也必然成为 Y产阶加以利用的一神工具。Y产阶y的音乐老板 到爵士音乐自从流入大城市后是这样流行，于是 便通过出版家和唱片公司加以哦稀K拚命去扩大 白人的乐队，排除黑人的自由的u兴的演奏和集体演

奏c用小号名手或者t歌星，作为招捭广蹋吸引广 大听众，使这种音乐形式服从美国Y产阶的生活方 式(因此我一殷所f的美国爵士音乐，实际上巳 落成为撤头撤尾反动音乐的代名~了。

爵士乐在形式上的特点有以下几个方面：应用切 分节奏，但这跟古典音乐中的切分法有根本不同的用 法。爵士是配合一种激狂的舞滔的音乐，舞?时，拍 手，D足，身体一上一下地蹯着。它采用4/4拍 子，但詹灰勒靶〗筛鲋匾舻慕谧嘟行，它避开 正的|音，而留待舞蹈者动作之后l出。

爵士节奏 的性|是反人性的，完全`反人类正常心理的要求， 而引导人走向反常的，近乎麻狂的境况中去，在和声方面，它的持点虽然詹煌怀觯但它跟爵 士节奏有着一致的A向。使用f艮多七和弦和非和声音 来掩那不逋康的u曳音{的进行，它用混杂和弦、 加六度和弦、倨吆拖遥代替了普通三和弦。在和声 进行或者曲{进行中使用所^“{色的音”，就是时常 降低三度音和七度音，造成一种非大{，又非小{ 的不不类的效果，它称为爵士色彩。

在曲{方面，有时使用五声音阶，故意模仿黑人 音乐的L格，或者如上面所f，有时降低音阶的`三度 音和七度音，造成模糊的{性，或者使用奇怪的音程 进行。

爵士乐音乐鉴赏 篇5

浅谈如何提高高中音乐鉴赏课的质量

摘 要：新课程标准下的高中音乐鉴赏教学，以音乐审美为核心，面向全体学生，注重个性发展，重视音乐实践，弘扬民族音乐，理解多元文化。教师要依据新课程标准，结合实际情况，课前多准备，采用适当的教学方法，提高学生的音乐鉴赏能力，使他们能运用感知、经验和知识对音乐作品进行感受、体验、联想、分析和判断，从而获得审美享受。

关键词：音乐鉴赏 教学方法

现在随着新课程改革的推进，赋予音乐鉴赏教学新的任务和要求。在《普通高中音乐课程标准（实验）》中指出，普通高中音乐课程与九年义务教育阶段的音乐或艺术课程相衔接，是高中阶段实施美育的重要途径，是面向全体学生的必修课程。丰富多样的音乐实践活动，有助于培养学生共同参与的群体意识和相互尊重的合作精神，使学生的团队意识与共处能力得到锻炼和发展。音乐是人类文化传承的重要载体，学习历史悠久、博大精深的中华民族音乐，有助于学生了解和热爱祖国的文化；学习丰富多彩的世界各民族音乐，拓展音乐文化视野，有益于学生对不同文化的理解与尊重。因此，高中音乐课程对于促进学生全面的、有个性的发展，具有不可替代的作用。

一、课前要精心准备

1.教师根据将要学习的内容用相关的

音乐作品及资料引发学生对题材的关心，并充分利用互联网的优势引导学生自行收集资料，准备相应的材料。

2.提高备课质量。《普通高中音乐课程标准（实验）》所倡导的音乐教学活动，需要音乐教师具有较高的艺术素养，其中包括音乐理论方面的素养、鉴赏音乐作品的素养等。高中音乐鉴赏课涉及大量的中西音乐史知识，教师必须做到所有知识融会贯通，运用自如。这些是备课的基础，加强了备课，才能驾驭教材，才能准确的把握教学的重点，安排合理的教学方法，使各个教学环节能顺利的进行，从而完成本节课的教学任务。备课很重要，我们可以充分积累教学设计，教学经验和教学素材。不备课会造成教师课堂术语表达不准确，提问方式不恰当，教师讲课的随意性。这种不严谨的教学是不可能完成教学任务的。因此，我们应该加强备课，不要凭经验去上课。

二、恰当的教学方法能有效地提高课堂教学质量

教学方法的好坏，决定了本节课的教学效果，也就决定了教学目标是否能够顺利的实现。高中学生的年龄特点、知识水平，以及高中音乐鉴赏课程的内容和义务教育阶段都不同。因此，教师所采用的教学方法及指导的侧重点也有所不同。

1.创设有新意的课堂导入，激发学生的学习兴趣，是上好音乐鉴赏课的前提。俗话说，良好的开端是成功的一半。音乐教学新课的导入的方法很多。常用的有：表演导入法、律动导入法、情境导入法、谈话导入法、复习导入法、电影导入法等。

2.多种鉴赏法的合理运用，让学生积极参与，是上好音乐鉴赏课的关键。普通高中学生的身心发展水平接近成熟状态，智力发展程度较高，在音乐鉴赏中如果一味的为鉴赏而鉴赏，容易使其感觉乏味而失去兴趣。因此，针对不同的内容，教师应选择合理的鉴赏法。常用的鉴赏法有：比较法、体验法、演示法、探索法、表达法、强化法、联想法等。

3.合理利用多媒体教学设备。高中音乐鉴赏课中涉及的知识面宽而广。需要大量声像资料，这个特点就使得音乐鉴赏的教学，相比其他学科的教学，需要更多的多媒体电脑课件来辅助教学。如果一节课让学生听书上的曲子，教师捧着书本在讲、在介绍作品，学生会感到枯燥乏味，听得昏昏欲睡。现代教育技术不断在提高，多媒体教学设备的广泛应用，改变了传统的教学方式。用课件上课基本上取代了“一支粉笔一张嘴”的老式课堂教学。一件准备充分、制作精美的课件能让学生目不暇接，拓宽学生的视野，也能让课堂效率有所提高，还可以让学生欣赏一些书上没有的作品内容，让学生有新鲜感。从而让上好音乐鉴赏课达到事半功倍的效果。

三、因材施教

我校的学生很多来自农村中学，学生的知识水平差异很大，有的学生对“音乐”概念还停留在“音乐就是唱歌”的水平上。有的学生在小学阶段上，音乐课就是随便唱几首歌就行了。到了初中阶段由于作业多，文化课压力较大，音乐课开设的也不充足，学生对许多基本的音乐理论概念、术语、作品都不了解。这样会让教学难度增加，教学效果大打折扣。对此，我采取让熟悉作品的同学先介绍作品再由我补充。再欣赏一些学生都陌生的作品，让学生聆听、讨论、评述、判断进而达到获得审美享受，并理解音乐作品，提高审美能力的效果。这样既可减轻教师的负担，也可让教学效果显著。

教无定法，贵在得法。作为高中音乐教师，我们要结合新课程的特点，不断去钻研、探讨、思考，主动大胆地开展音乐鉴赏教学，这是时代对我们的要求，也是新课改对我们的希望。我们在教学中不仅要善于启发学生的真实感受，而且还要善于动脑，善于总结，一定会创造出多种多样的、符合学生年龄特点的鉴赏方法来。

参考文献：

音乐论文高中音乐鉴赏思考共 篇6

高中音乐鉴赏课的课程内容可以说得上是琳琅满目，丰富多彩。就类别来说，它包含了各种不同类别的音乐作品，比如歌曲有民歌、戏曲、说唱、歌舞剧和艺术、群众歌曲等;乐曲有民族器乐、管弦乐、室内乐、交响乐和协奏曲等。按照中外不同的时期分类，也可以分为中国古代、中国近现代和西洋古典主义、浪漫主义、民族乐派、现代音乐等几个不同的时期，在每个时期都有许多非常优秀的音乐作品。谈到音乐这个艺术学科，我们不能把它单独的列出来，因为它不是独立存在的，它和其他的学科都有着非常密切的关系。而高中音乐鉴赏这一门课程和其他课程的关系同样如此。所以只有在上音乐鉴赏这一门课程的时候注意将它和其他学科相结合，这样才能够达到提高学生的音乐、文化素质的效果。

【关键词】

音乐鉴赏;策略研究;乐感优化方法手段

在高中音乐鉴赏这一门学科的教学模块中，“感受与鉴赏”是非常重要的内容。它主要是通过欣赏各类优秀的音乐作品来培养学生们对音乐的兴趣，扩大学生的音乐视野，从而发展学生们的音乐感受能力和审美能力，达到乐感优化的目的。其中音乐感受能力是最为基础的，因为各个领域音乐的学习比如唱歌、乐器演奏或是音乐创作等都是离不开它的。在国家正大力进行新课程标准改革之际，本人有幸以音乐欣赏课《欢乐颂》参加了广东省第三届中小学音乐优质课高中组的现场比赛，又观摩了第四、第五届比赛。在此我来谈谈高中音乐鉴赏模块教学策略研究之乐感优化。

一、高中音乐鉴赏模块教学策略研究之乐感优化，首先要做到的就是把音乐放在第一位，从音响开始，坚持每天都要听音乐。要想培养人的音乐感知能力和鉴赏能力，最重要的就是音乐、音响和听觉三个要素，其中最主要的培养方式就是倾听音乐，并且还要持之以恒，不能半途而废。虽然在音乐鉴赏的过程中，也会有一些其他因素的帮助，比如图像、语言、道具等，但是这些辅助仅是一种媒介，而最重要的还是“倾听音乐”。而且在音乐鉴赏的课堂上所放出来给学生们听赏的都是最优秀、最具代表性、最能激发学生潜力的音乐作品。比如歌曲有民歌、戏曲、说唱、歌舞剧和艺术、群众歌曲等;乐曲有民族器乐、管弦乐、室内乐、交响乐和协奏曲等。向学生们展示最顶级的音乐作品，使他们从中能够获得非常美好的音乐享受，这样就能使学生对音乐的学习产生兴趣。之后再经过悉心的引导，让他们慢慢养成倾听音乐的好习惯，长此以往，他们就会积累下很多的音乐感受和对于音乐鉴赏的经验。高中音乐鉴赏模块教学策略研究之乐感优化的形式并不是只有单一的一种，而是多种多样的，这样才能更好地引导学生积极参与其中，体验到其中的美妙。乐感优化要能根据学生年龄特点来合理安排，要能适应学生普遍不太爱唱、不太爱跳的情况。形式上可以采用综合性的音乐欣赏活动，比如加上视频播放或者是他们喜欢的其他方式，调动起学生们的各个感官，特别是在思维方面，让他们积极的活跃起来，融入其中，得到更加深刻的体验。乐感优化单纯依靠听觉和讲解使课堂变得死板乏味，高中音乐鉴赏教学不在乎表演技能的发展有多高，而侧重于学生感受音乐、体验音乐的热情和能力的发展，从而使课堂气氛变得更加浓郁、活跃，增加学生的学习兴趣。

二、高中音乐鉴赏模块教学策略研究之乐感优化要做到能够激发学生的想象和联想，从而达到培养学生创造能力的目的。乐感优化是要是学生在听到音乐作品的时候，将作品的表现手段与生活经验相结合，从而产生丰富的想象和联想。想象力是十分重要的，没有想象力的话，知识就不能进化，世界也不能进步。而鉴赏音乐使学生产生想象力的形式有三种，分别是描绘性的音乐引起联想，情节性的音乐引起联想，还有就是音响情感和情感体验引起自由的想象。以描绘性的音乐为例，它其实就是对于外界的一些描述，它可以是生动形象的故事，也可以是动人的语言，或者是一些图像或者幻灯片等，让学生在自身生活经验上来理解音乐，从而产生想象和联想。比如我国唐代的大诗人白居易在琵琶行中就有关于描绘性的音乐引起联想的描写，他之所以会泪下青衫湿就是因为在听过琵琶女的哭诉后联想到了自己遭贬后无依无靠、孤苦伶仃而产生了共鸣。还有俄国的大文学家托尔斯泰之所以会在听过柴可夫斯基《如歌的行板》之后泪珠满腮，是因为这部作品就是以俄国农民歌曲为素材，将农民们的苦难深刻具体的展现了出来，从而打动人心，引起共鸣。除了以上的三种形式之外，在课堂上还可以用比较的方法，通过比较不同的音乐情感、表现手段、演奏风格等，让学生发表各自不同的见解，讲述每个人内心的审美体验。

三、高中音乐鉴赏模块教学策略研究之乐感优化中老师的讲解是十分重要的，讲解的风格要做到简洁生动。在课堂上老师要对每个鉴赏的作品进行适当的.分析和讲解，最基础的比如作品创作的时代背景、主题思想、曲式结构、风格流派等要事先对学生们进行一个简单的介绍，同时，还要注意在讲解过程中结合到历史、地理、文学、哲学等其他多个相关学科的知识，这样的话可以更加吸引学生们的注意力，让简单的音乐课堂变得丰富有趣，这样也能进一步提高学生的综合素质。如在欣赏钢琴协奏曲《黄河》时，就可以以伟大的抗日战争为历史背景，同时也让学生理解到“”的政治烙印;欣赏《伏尔加船夫曲》时，可以把列宾的油画《伏尔加河上的纤夫》展示出来，让学生们接触到更多的音乐之外的其他知识。高中音乐鉴赏模块教学策略研究之乐感优化中老师的讲解非常重要。要力求语言内容紧扣主题，语言表达生动干练、简洁。既不能像舞台表演那样夸张，也不能像和尚念经那样呆板。要多启发学生主动思考，积极表达，可采用简要提示——倾听音乐——讨论探究，最后引导大家得出比较合理的答案。

参考文献

[1]《新课程标准》中华人民共和国教育部制定(北京师范大学出版社)，20xx(4)。

[2]《新课程标准解读》教育部基础教育司组织编写(北京师范大学出版社)，20xx(9)。

[3]《中小学教学评价——音乐》北岳出版社，20xx(9)。

[4]郑莉。现代音乐教学论文与方法研究。20xx(7)。

爵士乐音乐鉴赏 篇7

印度古典音乐历史悠久, 是为数不多、保存完好的音乐品种之一。今天印度古典音乐仍然具有旺盛的生命力, 在继承传统的同时, 印度古典音乐也朝着新的方向发展。源于对印度古典音乐的喜爱, 笔者对印度古典音乐新的发展方向也产生了浓厚的兴趣, 在印度古典音乐当今的新发展中, 笔者选取印度古典音乐与爵士音乐融合的体裁作为关注点。在这个领域中, 最为成功的莫过于英国吉他演奏家约翰·麦克劳夫林。据笔者所收集的资料来看, 对其研究多侧重于爵士乐角度, 笔者所做研究试图切换观察视角, 将研究重心放在其音乐中体现的印度古典音乐元素上, 以此展现印度古典音乐一个新的发展方向。

一、融合爵士音乐与约翰·麦克劳夫林及其乐团介绍

(一) 融合爵士音乐介绍

融合爵士音乐产生于20世纪60年代末, 它混合了方客音乐 (Funk) 和节奏布鲁斯 (R&B) 中的节奏因素与连续和声进行 (Groove) 特征及摇滚乐 (Rock) 的电声乐器等元素。[1]更有音乐家把世界音乐 (World Music) 作为一种新的材料加入爵士乐中, 拉丁美洲音乐、印度古典音乐等都作为一种新元素出现在爵士乐中。

印度古典音乐与爵士乐都强调即兴演奏模式, 所以当这两者相遇后就非常自然的融合在一起了。当时主要的创作手法是在爵士乐里使用印度乐器、并以印度的拉格 (Raga) 和塔拉 (Tala) 为创作基础, 同时有的音乐家还对印度的哲学和宗教产生了强烈的兴趣, 并用这些思想引导自己的创作。

在爵士音乐界中, 艾瑞克·多菲 (Eric Dolphy) 、约翰·科尔特兰 (John Coltrane) 、唐·艾利斯 (Don Ellis) 、考林·沃尔科特 (Collin Walcott) , 还有当时名气最大的迈尔斯·戴维斯 (Miles Davis) 都是尝试结合印度古典音乐与爵士乐的先驱。[2] (p.199) 不过, 将印度古典音乐和爵士乐融合得最为完美的就是约翰·麦克劳夫林。

这两种音乐的融合既是印度古典音乐和爵士乐的延续, 又是它们的升华。爵士音乐在融合了印度古典音乐之后, 那种频繁变化和弦的特征逐渐减弱, 即兴创作的特点上升到了更加突出的位置。[2] (p.190) 音乐材料基本都以拉格和塔拉为基础, 两种音乐风格的乐器音色也形成对比与交融。同时, 印度古典音乐的即兴

[6]樊华.《马太钢琴演奏理论初探》选自《钢琴艺术》.人民音乐出版, 社第67期2004年7月.

[7]周薇《钢琴教学研究的历史与现状.》选自《钢琴艺术》人民音乐出版社, 第73期, 2005年1月.

[8]周薇, 《钢琴教学研究的历史与现状》选自《钢琴艺术》人民音乐出版社, 第74期2005年2月

[9]周薇.《钢琴教学研究的历史与现状.》选自《钢琴艺术》人民音乐出版社, 第80期2005年8月.

方式也在适应爵士乐的即兴方法, [2] (p.200) 两种即兴模式互相借鉴、以便在演奏中两种音乐形式能够默契的配合。

(二) 约翰·麦克劳夫林及其乐团介绍

1. 约翰·麦克劳夫林

约翰·麦克劳夫林1942年1月4日生于英国的约克郡。受母亲影响从小就接触西方古典音乐, 11岁开始学习吉他, 后来在伦敦先后加入了两个乐团。这一时期他学习、演奏的都是传统的爵士乐。直到1962年, 麦克劳夫林开始对印度文化产生了兴趣, 至此之后, 印度古典音乐以及印度的宗教、哲学思想一直影响着他。据约翰·麦克劳夫林自己所谈, 对于印度文化的兴趣是在成为神智学会 (The Theosophical Society) 的成员之后产生的。当地有一个非常好的图书馆, 在这里, 他发现了印度的思想和哲学是非常奇妙、让人印象深刻的, 于是开始着迷于印度的一切, 此后他对于印度文化的兴趣就变得炙热起来。而拉曼那·玛哈施 (Ramana Maharshi) 一直对他有着非常重要的影响, 他引导约翰·麦克劳夫林理解印度哲学、瑜伽的精神以及印度的宗教神学理论, 这些对于约翰·麦克劳夫林学习与理解印度古典音乐都起到了重要的作用。对于印度古典音乐麦克劳夫林这样说:“我是第一个被印度古典音乐的美打动的人, 而且我还掌握了南印度和北印度古典音乐中的即兴创作手法, 掌握了这种即兴创作的规律, 并且把它们适当地用在我自己的爵士乐中, 这是非常神奇的。”[3]之后, 他又跟随印度古典音乐大师拉玛纳坦博士 (Dr.S.Ramanathan) 学习演奏维纳琴 (Vina) 演奏。后来约翰·麦克劳夫林还成为了赤牟尼大师 (Sri Chimnoy) 的信徒, 赤牟尼给约翰·麦克劳夫林取了玛哈维什奴 (Mahavishnu) 这个印地语名字, 玛哈是伟大的意思, 维什奴为创造者之意。

约翰·麦克劳夫林融合爵士乐与印度古典音乐的创作在他先后组建的两个乐团中达到了顶峰, 分别为沙克提乐团 (Shkti) 与追忆沙克提乐团 (Remember Shakti) 。

2. 沙克提乐团

沙克提乐团于1975成立, 沙克提梵语译为创造力。最初的成员包括雷姆纳德·V.拉加文 (Ramnad V.Raghavan木里丹佳鼓演奏家) 、L.香卡 (L.Shankar南印度小提琴演奏家) 和查克拉·侯赛因 (Zakir Hussain塔布拉鼓演奏家) 。后来拉加文因故离开了乐团, T.H.维纳亚克拉姆 (T.H.Vinayakram格塔姆演奏家) 就顶替了拉加文的位置。沙克提的建立要从1972年说起, 当约翰·麦克劳夫林在美国康涅狄格大学跟随拉玛纳坦博士学习维纳演奏时, 经人介绍结识了L.香卡, 此后, 他经常与L.香卡和查克拉·侯赛因在家里合奏, 令他惊奇的是他们合奏的音乐超乎他想象地美妙, 就此诞生了成立沙克提乐团的想法。[4]经过一段时间的学习, 约翰·麦克劳夫林意识到学习维纳演奏很难, 后来又转跟拉维·香卡学习西塔尔, 与此同时, 他还系统地学习了南印度和北印度的音乐理论。1974年, 在沙克提乐团正式成立前夕, 乐团成员们举行了一场小型音乐会, 引起了不小的反

[10]周薇.《钢琴教学研究的历史与现状》选自《钢琴艺术》.人民音乐出版社, 第81期2005年9月.

[11]江晨.《如何学习和演奏印象派作品》选自《钢琴艺术》.人民音乐出版社, 第74期2005年2月.

作者简介:

李洁媛, 女, 1984年出生, 辽宁人, 助教, 研究方向:钢琴演奏与教学。

响。在之后的三年间, 该乐团共发行了三张专辑:《沙克提》 (Shakti1976) 、《些许美丽》 (A Handful Of Beauty1977) 、《自然元素》 (Natural Elements1977) 。1978年春天, 乐团成员之一的维纳亚克拉姆因其父亲在印度马德拉斯市建立了一所音乐学校, 所以他不得不回到印度管理学校;L.香卡的兴趣则更多地投入到了自己的独奏表演上。这样, 在几位音乐家密切合作了多年之后, 沙克提乐团解散了。这是该乐团爵士乐与印度古典音乐融合的最初尝试。

3. 追忆沙克提乐团

时隔二十多年后, 在1998年约翰·麦克劳夫林又沿着当年沙克提的理念成立了追忆沙克提乐团。成员略有了变动, 包括查克拉·侯赛因、维纳亚克拉姆的儿子赛尔瓦·甘纳施 (Selva Ganesh康吉拉鼓演奏家) , 还有当时年仅16岁的U.施瑞瓦斯 (U.Shrinvas曼德林演奏家) 及声乐演唱家香卡·马哈德万 (Shankar Mahadevan) 。约翰·麦克劳夫林对两位年青的音乐家非常欣赏, 他赞扬甘纳施是一个不可多得的打击乐手;认为施瑞瓦斯是他从未见过的、可以在音乐中表达情感如此到位的演奏家。[3]追忆沙克提乐团共发行了4张唱片:《哈里普瑞塞德·查瑞塞与追忆沙克提乐团》 (Remember Shakti with Hariprasad Chaurasia1999) ;《信徒》 (The Believer2000) ;《孟买星期六的夜晚》 (Saturday Night in Bombay2001) ;《集锦》 (Collection2002) 。

二、融合爵士乐中的印度古典音乐元素

虽然麦克劳夫林这阶段大部分的作品都是在印度古典音乐的基础上结合爵士乐的创作手法形成的, 但这两种音乐因素的结合却是多方面的。在此就几个主要的特点进行简要的分析:

(一) 吉他作为主奏乐器演奏阿拉普 (Alap) 段落

阿拉普是拉格的第一部分, 它既是一个结构单位, 也是一种即兴展开手法, 其特点是慢速的散板, 并带有一种介绍的性质, 阿拉普使表演者和观众都处于一种冥想的状态中。以《希望》 (The Wish) 为例, 该作品在一个持续音的基础上, 由吉他开始在低音区奏出了几个主要音型, 展示了拉格的主要音及固定旋律进行等因素, 而后转到中音区, 在一段即兴的演奏后结束了阿拉普的陈述。

(二) 持续音的新发展

无论是南印度的卡纳提克音乐还是北印度的印度斯坦音乐, 都有持续音的概念。在旋律开始前率先奏出持续音, 它可以帮助表演者找到基本音高, 同时也营造出一种宗教神秘的氛围。约翰·麦克劳夫林在《精神生态学》 (Mind Ecology) 中的持续音处理令人耳目一新, 它打破了长音作为持续音的印度古典音乐传统, 改为加有蛙音效果器的吉他演奏连续的符点音符的节奏型来引出乐曲, 并且持续到乐曲结束。爵士乐中也有持续音的概念, 基本上分为长音持续音、节奏型持续音、震音持续音三类, 《精神生态学》的持续音可以看成是在印度古典音乐持续音理念为引导、融入爵士乐的节奏型持续音的手法, 这样的处理方式使得乐曲风格别有一番味道。

(三) 作品突出东方音乐单线条型旋律特征

印度古典音乐具有东方音乐典型的线型思维特征, 约翰·麦克劳夫林在爵士乐中也沿用了这种音乐思维理念, 以吉他和其他乐器重叠演奏相同的旋律, 在西方音乐中很少出现这种齐奏的演奏方式。吉他重叠小提琴、人声等主要旋律部分, 这样的处理在麦克劳夫林这一阶段的作品中比比皆是。例如《幸福就是在一起》 (Happiness is Being Together) 的前半部分就有一段吉他重叠小提琴的旋律, 在《沮丧斯鲁提》 (Get Down and Sruti) 中也有以小提琴加吉他共同主奏旋律的形式。

(四) 延续印度古典音乐即兴中的竞奏手法

印度古典音乐发展至即兴部分有竞奏的发展手法, 约翰·麦克劳夫林在作品中沿用了这种方式。《鲁克》 (Luki) 一曲中电吉它与印度吉它以及与人声的竞奏气氛热烈、令人耳目一新。同样的发展手法在《水仙花与鹰》 (The Daffodil and The Eagle) 中也如此, 约翰·麦克劳夫林的吉它与香卡的小提琴在乐曲中段展开精彩的竞奏, 把乐曲推向高潮。

(五) 音乐中的科恩奈可 (Konnakol) 形式

科恩奈可是南印度卡纳提克音乐中的一种人声作为打击乐使用的表演形式, 以人声来唱读鼓语的节奏。在追忆沙克提乐团时期, 声乐演唱家马哈德万的加入使得这种形式得到了大力的推广与应用, 如在作品《鲁克》中, 人声与塔布拉鼓、康吉拉鼓一同表演的精彩的节奏炫技为这首作品增添了强烈的色彩。也正因为如此, 这首作品给西方的听众带来了极其深刻的印象及强烈的听觉上的冲击。[5]

(六) 拉格的应用

约翰·麦克劳夫林在两个乐团时期的作品, 基本都以拉格作为旋律创作的基础。例如《面对面》 (Face to Face) 使用了加非 (Kafi) 拉格。加非拉格表现力很强, 音阶进行中要降低第三级音Ga和第七级音Ni, 这样音阶中就有了两个小二度音程, 增强了音乐的色彩性。

《宝贝来和我跳舞吧》 (Come On Baby Dance With Me) 使用了比拉文 (Bilaval) 拉格。比拉文拉格音阶中七个音都是自然音。《幸福就是在一起》 (Happiness Is Being Together) 使用了戈马捷 (Khamaj) 拉格。其特点是降低音阶中的第七级音Ni。

(七) 吉它模仿印度弦乐器的演奏效果

约翰·麦克劳夫林的吉他除演奏爵士乐的一些常规奏法外, 还追求模仿印度乐器的奏法及音色, 使之表现更为细腻深情。为追求这种音响效果, 麦克劳夫林还将吉他进行了改造, 在传统的六弦基础上, 在四十五度角的地方额外加一根琴弦, 当这些独立的琴弦被当作共鸣弦弹奏后, 就产生了一种类似西塔尔和维纳的音响效果, 这样的吉它也能像维纳那样演奏带有微分音的旋律。

三、总结

在沙克提乐团未成立之前, 约翰·麦克劳夫林就已经有了在音乐中使用印度古典音乐的旋律和节奏的尝试, 沙克提组建后开始显示出他不同凡响的创作。他的融合不仅局限于印度古典音乐和爵士音乐的结合, 他还把北印度的印度斯坦音乐和南印度的卡纳提克音乐结合起来, 使他的爵士乐中包容了两种印度古典音乐因素, 在印度古典音乐融合爵士音乐的体裁中独树一帜, 同时也是印度古典音乐的一个新发展。在这种融合中, 最典型的表现是乐器组合的多样化, 其中既有西方的吉他, 又有北印度的塔布拉鼓, 还有南印度的格塔姆、康吉拉鼓和小提琴再加之印度的拉格演唱。因为所追求的精神理念是一致的, 所以这些不同乐器的合奏听起来是如此地协调、融合。[2] (p.202)

约翰·麦克劳夫林是演奏印度古典音乐最早得到印度观众喝彩的西方人。[6]他的追忆沙克提乐团在印度享有非常高的地位, 这不仅是因为团队中的印度音乐家, 最主要的是乐团的创作和演奏一直都遵循着印度古典音乐的传统, 而这点恰恰又是十分难得的。[5]

约翰·麦克劳夫林与印度古典音乐家的合作经历了两次乐团组合的过程, 虽然都是结合印度古典音乐和爵士乐, 但是两次的合作风格并不完全一样。根据约翰·麦克劳夫林的采访记录, 他认为二十年前同L.香卡和维纳亚克拉姆的合奏与今天和查克拉与维纳亚克拉姆的儿子的合作是完全不一样的。其一是乐器组合的不同, 追忆沙克提乐团用了电吉他、电曼陀林等新乐器形式。[3]另外演奏风格和对音乐的理解也有不同, 追忆沙克提乐团成立之时, 麦克劳夫林和查克拉已经五、六十岁了, 对音乐的理解显然与20年前不尽一致了。另外, 对于如何融合这两种音乐, 他的创作手法也更加娴熟了。

印度古典音乐与爵士音乐的融合, 是印度古典音乐的一个新发展方向, 它吸引了一批新的听众, 带来了一种新的音响效果, 引领了一种新的欣赏潮流, 这些都是它引人关注的方面所在, 同时也是笔者之所以选择这一现象研究的原因所在。

参考文献

[1]http://en.wikipedia.org/wiki/Jazz_fusion

[2]Gerry Farrell, Reflecting surfaces:the use of elements from Indianmusic in popular music and jazz.The South Asia-West Crossover, Volume 7, No 2, JSTOR Popular Music, Cambridge UniversityPress, 1988.

[3]www.innerviews.org/inner/johnmclaughlin.htm.

[4]http://www.johnmclaughlin.com/

[5]http://www.allaboutjazz.com/reviews/r1102_154.htm

音乐爵士爱德华·埃尔加 篇8

作曲大师爱德华·埃尔加被誉为是两百年来英国历史上第一位享有国际声望的作曲家。这样的评价毫不夸大，因为作为经济、科技强国的英国，18、19世纪，在音乐文化上却没有引领欧洲乃至世界的发展潮流。自亨利·普赛尔之后，英伦三岛似乎成了欧洲乐坛忘却的一块土地。

1857年6月2日，爱德华·威廉·埃尔加出生在英国伍斯特近郊布罗德西斯的一个音乐书商家庭。父亲是一个音乐爱好者，会管风琴、小提琴。埃尔加自小耳濡目染，爱好音乐，但少年时代的他，对音乐知识的学习更多来自于自学。他学习过小提琴、管风琴、大管等很多乐器，以小提琴最为擅长。对音乐的爱好与日俱增，埃尔加大一些的时候，立志成为一名音乐会小提琴演奏家，并专门去伦敦向名师阿道夫·波利策拜师求艺。但后来经过思想斗争，放弃了先前想法，转向作曲发展。他开始认识到，英国音乐的振兴首先在于创作。22岁时，埃尔加在家乡伍斯特合唱队和伍斯特精神病院管乐队担任指挥。1882年又接任了伍斯特业余器乐协会指挥一职。具体的乐队指挥工作，让他对音乐创作，尤其是音乐的色彩处理有了深刻的认识。

1889年，埃尔加与陆军少校亨利·罗伯茨爵士之女卡罗琳·爱丽丝结婚。婚后的甜蜜生活，让他进入了一个创作高峰。音乐会序曲《弗鲁瓦萨尔》、合唱曲《黑武士》、清唱剧《生命之光》陆续成功上演。然而，标志着爱德华·埃尔加进入一流作曲家行列的还是1899年创作的管弦乐《谜语变奏曲》，他本人也由此一曲成名。这部设计精巧的作品，由主题和14个变奏组成，每一个变奏代表着一个人。第1变奏和第14变奏分别代表他的妻子和自己，而中间的12段变奏则是他们的12位朋友，极富想象力。作曲家在乐谱的扉页上写道：“献给曲中所描写的朋友们。”《谜语变奏曲》在欧洲各地上演，大获成功，这对埃尔加的创作是一个不小的激励。

继《谜语变奏曲》之后，埃尔加又先后创作了清唱剧《杰隆修斯之梦》（1900）、管弦乐《威风堂堂进行曲》（1901～1903）、弦乐曲《引子与快板》（1905）、《b小调小提琴协奏曲》（1910），进一步巩固了他的国际地位。创作于1908年和1911年的两部交响曲被作为英国交响曲的典范对后世影响深远。他于1901年至1903年先后写了5首小进行曲，合称为《威风堂堂进行曲》。英国作家豪斯曼听到这首曲子，为之震撼，创作了抒情诗《希望和光荣的国土》。爱德华七世更是将这首进行曲的主题用作《加冕颂歌》。有着“英国第二国歌”之誉的《威风堂堂进行曲》在二战中，鼓舞着英国民众团结一心，顽强地抵御着德国法西斯的入侵。甚至在美国学生毕业典礼上，学生们也是在这首凯旋而庄严的乐曲声中接过毕业证书的。此外，《威风堂堂进行曲》还为美国迪士尼影片《幻想曲2000》增色不少，影片中经历了暴风雨侵袭的动物们，终于迎来了曙光，踏上归途；先前走散的唐老鸭夫妇也终归相见，他们在《威风堂堂进行曲》中挽手向着美好未来前行。这些都足见这首作品影响力之深远。

鉴于对英国音乐的贡献，1904年，爱德华·埃尔加被受封为爵士。1919年，他创作了著名的《e小调大提琴协奏曲》，同年，还创作了几部室内乐作品。值得一提的是，在根据英国大提琴演奏家杜普蕾真实故事改编的电影《狂恋大提琴》（又名《她比烟花寂寞》）中，埃尔加的这首作品作为音乐主题，贯穿于整部电影，从更广意义上，诠释出英国人那深沉的爱。

1920年，对于埃尔加来说是沉重的一年，与他相濡以沫31载的妻子去世。在以后的岁月里，他就少有创作了。4年后，被聘为英国王室御用音乐教师。在生命的最后10年，埃尔加更加内省，不再创作，身体也是每况愈下，1934年2月，埃尔加在家乡伍斯特辞世。

爱德华·埃尔加是一位富有个性和创新精神的作曲家。他创作视野宽广，注重吸收德奥的作曲技法，又立足于英国的传统风格。他的音乐，自然朴实，虽然属于后浪漫主义，但是有别于欧洲大陆的色彩，而从中展现出的是绅士、庄重的英伦气质，散发出的是高贵、典雅的不列颠气息。美国音乐学家格劳特和帕利斯卡在其著《西方音乐史》中曾这样评价埃尔加的音乐：“……他的音乐毫无民歌的影响，也没有任何得自民族音乐传统的技巧特征。然而，‘一听就是英国的’。”