达·芬奇

达·芬奇（通用8篇）

达·芬奇 篇1

达·芬奇全名列奥纳多·达·芬奇, 其出生于1452年, 故于1519年。短短在世60多年时间, 一生完成的绘画作品并不多, 但件件都是不朽之作。其中《最后的晚餐》则是他的代表作。他是一位天才, 他一面热心于艺术创作和理论研究, 另一方面他也同时研究自然科学。并善于将艺术创作和科学探讨结合起来, 这在世界美术史上是独一无二的。

《最后的晚餐》在基督教神话事, 历来为画家们描绘。《最后的晚餐》创作时间大约为1495-1498年, 现存于意大利米兰的多明尼加修院的圣母感恩礼拜堂的餐厅墙壁上。这幅表现基督被捕前和门徒最后会餐诀别场面的湿壁画, 是达·芬奇毕生创作中最负盛名的辉煌之作。在众多同类题材的绘画作品中, 此画被公认为空前之作, 尤其以构思巧妙、布局卓越、细部写实和严格的体面关系而引人入胜。达·芬奇的《最后的晚餐》有以下几个特点:

第一, 达·芬奇打破了15世纪以来的清规戒律, 不再把叛徒犹大和众门徒分开, 而把他放在众人之中, 甚至让他靠近耶稣就餐。从而深化了主题, 连耶稣最亲近的人都叛变了, 说明人心之不可测, 同时还说明金钱是怎样腐蚀人的灵魂, 犹大为了一点点钱财, 竟出卖了自己的老师, 出卖了自己的灵魂。因此, 这幅杰作直到今天还具有巨大的现实意义。

第二, 达·芬奇把耶稣和众门徒都画成普普通通的人, 他们具有与常人无异的思想感情, 不再是神, 他们的头上都没有神的标记——“圣光”了。所有的人物都来源于现实生活, 画家为了塑造叛徒犹大形象, 深入生活, 他花了差不多一年时间, 每天从早到晚深入到无赖汉聚集的地方去搜寻类似犹大的模特儿。

第三, 达·芬奇把《最后的晚餐》画成充满矛盾的戏剧场面。整个画面气氛, 人物的活动、表情, 都是围绕着耶稣所说:“们中间有一个人出卖了我”的这句话而展开的。从而为我们塑造了鲜明的典型人物:耶稣、犹大和众门徒。再现了典型环境中典型人物的典型性。耶稣光明磊落, 为了自己的神圣事业视死如归;门徒们忠诚善良、嫉恶如仇;犹大卑鄙、阴险, 背信弃义。总之画家对每个人物进行了深刻的心理描写, 刻画了他们的内心世界。

第四, 这幅画在构图上也别开生面。画家不照搬生活中围坐就餐, 而是让人物一字排开, 都坐在桌子一边, 面向观众。达·芬奇以耶稣为中心, 把人物左右平分为四组, 每组三人, 互相联系, 彼此呼应, 都向着中心人物耶稣, 保持着向心力。画面显得十分和谐、均衡。这一创造性构图, 使画面更加集中, 更加完美, 更具有形式美, 相反并不使人感到它违反实际生活, 而是起了突出主题的作用。艺术与现实生活既有联系又有区别、艺术来源于生活又高于生活的道理。总之, 这幅画是造型艺术中“多样统一性”的典范作品。

第五, 是画家在空间及远近法的处理上也有他独到之处。他巧妙而又精确地运用了透视法则, 把一切透视都集中在耶稣头上, 在视觉上使他成为统辖全局的中心人物;同时达·芬奇还巧妙地延伸了壁画地空间。整个画面远远望去, 感到纵深很远, 从耶稣背后的窗口, 可以看到耶路撒冷美丽的黄昏景色。专家们认为是画家用自己家乡佛罗伦萨的风景画成的。此外, 达·芬奇还正确地运用透视原理, 把《最后的晚餐》画在食堂墙壁上部, 使水平线恰好与画中的人物和桌子构成一致。因而使进入食堂的观众产生视觉和心理上的错觉, 仿佛自己也参加了耶稣和众门徒举行的晚餐, 有如临其境, 如闻其声之感。

达·芬奇选择的瞬间情节是耶稣得知自己已被弟子犹大出卖, 让弟子彼得通知在愈越节的晚上与众弟子聚餐, 目的并非吃饭, 而是当众揭露叛徒。当耶稣入座后即席说了一句:“你们中间有一个人出卖了我。”说完此话, 引起在座的众弟子一阵骚动, 每个人对这句话都作出了符合自己个性的反映:有的向老师表白自己的忠诚;有的大感不惑要求追查是谁;有的向长者询问;整个场面陷于不安之中。过去的画家无法表现这一复杂的场面和弟子们各不相同的内心精神活动, 唯达·芬奇从现实生活中对各种不同个性人物的观察, 获得不同的个性形象, 于是在画中塑造了各不相同的人物形象, 观赏者可以从自己的生活经验出发, 对画中人作出不同的心理分析。

达·芬奇描绘的弟子们的心理和情态, 在现实生活中都可以找到相似的模特儿, 可是叛变者的形象是很难画的。达·芬奇为塑造犹大的形象已停笔几天, 他常站在画前沉思。当时请达·芬奇作画是按时付酬金的, 后几天不动笔使院长十分恼火, 并打算扣芬奇的工资。院长将想法通过总管告诉达·芬奇, 他说了停笔的原因。总管虽能理解, 但扣工资非他本意, 而是承院长旨意。这时达·芬奇转首看看院长, 立即表示可以很快完成犹大的形象, 如果实在找不到犹大的模特儿, 就把院长的头像画成犹大, 总管会意地笑了。后来米兰大公来看达·芬奇已完成的画, 一见坐在犹大位置上的是院长, 他笑了, 并说:我也收到修士们的指控, 说他克扣修士们的薪金, 他和犹大是一个样的, 就让他永远地坐在这里吧。大公对达·芬奇说:“他对你不公平, 你巧妙地报复了他。”达·芬奇之所以用院长作模特儿, 并非完全是出于个人的报复, 而是发现院长和犹大都很贪婪金钱, 他们在本质上是一致的。所以犹大是作为贪财、叛卖、邪恶的典型而进入芬奇的作品的。

这副画中, 最引人注目的当属居于画最中间的耶稣, 他说完了那句话之后, 摊开了双手, 并垂下了眼帘, 眼神淡然。有很多评论说这是一个“悲伤的姿势”。但我觉得, 这时耶稣的心态该是古井水般波澜惊不起。这一点, 不仅是从画中门徒的手足无措以及惊恐之余仍握紧卖主钱袋的犹大, 在表现手法上应与中心人物耶稣形成鲜明对比的需要, 同时也在说明着这样一个事情——“如果生命预告死亡, 将会有什么表情?”既然已经注定, 而作为世人所谓悲剧中主角的神——甚至只是一个智慧渊博的人, 都会这样淡定的吧。预知死亡, 不再只是宗教的训示;预知死亡成为达·芬奇绘画世界中生命的必然结局。

将《最后的晚餐》中的一个小细节与《施洗者约翰》作类比, 并非偶然。请看耶稣右手边的那个人, 是不是很像位女性?有一些传说并很多迹象表明:那个人并非福音书中的约翰, 而是一位同样在耶稣神话中著名的女性——玛利亚·蒙大拿。从书及网上看到的《最后的晚餐》的图片, 个人也觉得这应该是位女性, 如果是约翰的话的确是太过眉清目秀了。但鉴于该画在500多年的风雨历程中已经模糊不清了, 所以不能定论这个人到底是谁。

在《最后的晚餐》中淡定的耶稣和姿势耐人寻味的圣人以及身份不明的女性出现在同样的一副画中, 似乎有些矛盾。当然首先这些地方在整幅作品中看起来还算正常, 与画面整体还较为协调, 这些分析也可以是超脱于作品之外对单独个体的赏析。还有就是, 这种对神或者是高尚人性的向往与追求和种种对神的疑虑和人性化, 是和“文艺复兴”息息相关的。文艺复兴时期的干将们往往是提倡人的精神、人性解放, 但同时相信神的存在, 达·芬奇作为这一时期的代表人物, 在这种矛盾中反复回旋并渐进是可以理解的。

达·芬奇是人类智慧的象征, 他怀有神灵般的无限理想, 试图重新创造世界的美, 解释世界的奥秘。可是他只有常人的生命和力量。他的抱负是发现一切、研究一切、创造一切。他的生命是一条没有走完的道路, 路上是撒满了崇高的未完成作品的零章碎片, 他在临终前心酸地说过:“我一生从未完成一项工作。他在自己的科学笔记的一页上, 曾经潦草的写上, 多才多艺是件多么容易的一件事情啊!。如果你听完一个普通人发出如此的感叹, 你反馈给他的, 一定是对他自大的一种反讽, 但是对达·芬

简要语言讴歌自然

——浅析华兹华斯其人其诗

王萍

(河北大学外国语学院河北石家庄050000)

【摘要】威廉·华兹华斯是西方文学史上著名的抒情诗人, 他一生中创作了很多讴歌大自然的诗歌且开创了活泼明朗的浪漫主义诗风, 是英国浪漫主义诗歌理论的奠基人之一。本文就其诗风及特色试论了华兹华斯本人及其诗歌创作。

【关键词】威廉·华兹华斯自然人生

一引言

1770年4月7日, 威廉·华兹华斯 (William Wordsworth) 出生在英国坎伯兰郡的考克茅斯, 父亲是个律师, 华兹华斯8岁丧母, 13岁丧父。作为英国浪漫主义文学的杰出代表, 它的诗以优美简洁的语言, 描绘了静谧安闲的自然田园风光, 抒发了对自然虔诚的爱, 尤其是华兹华斯笔下那些惟妙惟肖的儿童, 这一切都反映出诗人对社会人性的深刻探究与思考。

二华兹华斯诗的特点

18世纪的英国诗坛被以约翰逊为代表的清规戒律所禁锢宜濒临穷途末路。华兹华斯在理论上彻底抛弃了新古典主义诗歌的传统语言而选择了人们日常真正使用的语言。在华兹华斯的诗学思想中, 最具试验性与革命性的就是语言观。华兹华斯以反对诗以辞藻为中心出发, 进而扩展到对新古典主义的全盘颠覆。就内容来说, 诗歌的有价值的目的和微贱的田园生活的题材都新古典主义诗歌所少见的。“而表现这些内容的形式——从事提到语言韵律——也不是18世纪所习见的。”

他对诗歌的发现旨在通过重新发现“获得语言”而使人们富有创造性地感受力变得生动起来。华兹华斯并没有去创造语言, 而是力图重新摆正人与语言的主从关系, 不以语言的创造者自居, 而只是重返自然, 聆听还保存在自然的简朴生活之中得最初语言, 这种语言的特征就是自然性, 情感性和普遍性。在华兹华斯看来诗歌语言的选择既源于诗歌之目的 (给读者愉快, 不单为自己而写) , 也源于诗人之情感 (情感自然能消除日常生活语言的庸俗, 因为此时的情感就是艺术情感) 。华兹华斯的可贵指出就在于它不仅强调了语言的自然性与情感性, 而且也强调了它的普遍性, 这是与诗人关于诗歌的价值目的相关联的。“诗歌的目的在于真理, 不是个别的和局部的真理, 而是普遍的和有效的真理。”) 就语言而论, 普遍性也就成了其必要属性。诗人把生活作为一般人类生存中英勇气概的的象征来描绘, 他在普通的生活中看到史诗般的规模。虽然华兹华斯描写主观的感情, 但这种感情本身并非仅有个人的性质, 包括它的语言, , “从一般的角度来表达他对天地、神明和人类的态度”, 写普遍的人性, 采用普遍的语言。

此外, 华兹华斯在论述和诗作中多次涉及诗歌创作中语言的局限性这一问题。早在1798年《荆棘》一诗的注释中, 他就谈到了使用语言的双重困难, 其一是“语言的局限性”, 其二是语言使用者的“功力欠佳”。所谓诗人的“功力欠佳”其实是想象力超越了语言能力的限度, 使其不能充分加以表达。这是语言内在缺陷所致, 是诗歌这一艺术形式自身的特点之一。这一洞见与乔姆斯基关于语言能力和语言行为的理论几乎有异曲同工之妙, 对20世纪文论关于文学话语的讨论具有不可低估的借鉴意义。

三讴歌大自然

华兹华斯自幼父母双亡, 他和妹妹长期居住在英格兰北部的湖区, 过着田园生活, 性情深受陶冶, 自然景色和他的感情建立了息息相通的关系。哪怕是人们习以为常的自然现象, 对他也有奇, 你却给于瞻仰替代你原本希望给予的讥讽。但, 即便这样一个天才, 他的伟大也不仅仅来源于其非凡的天赋, 在他各种各样解决问题的纪录中, 人们会发现他多才的一些原因, 或者说, 他如何可以精通如此多的学科, 最大的原因在于他懂得如何类比和对比, 并且在其中和善的接受矛盾的存在。在达·芬奇眼里, 一切单独的事物并不会令他着迷, 只有事物与事物之间有趣的联系才令他觉得艺术的可行性, 在他的笔记中, 不止一次的明显将联系和类比作为自己了解事物的途径。譬如他将水的涡流和人的头发比较, 他将山脉河流类比于人类的血管, 达·芬奇将类比对着异乎寻常的魅力。他常常在山间漫步, 观察山石林泉的千姿百态和花鸟虫草的盎然生意, 这都成为他的灵感源泉。

华兹华斯在诗中表达对世上的一切自然物——飞禽走兽, 花草木石的爱, 对大自然风景, 乡村生活的赞美, 对儿童的尊崇。这里, “自然”这个概念在他们这里与城市文明相对而存在的, 并具有哲理意味。华兹华斯写日常生活, 写看来风平浪静的自然, 写他熟悉的湖畔, 他的诗朴素, 实在中显出神秘。当然, 华兹华斯并不是一般地写自然之美, 他诗中的一草一木, 一鸟一虫不是无关的外在存在, 而是诗人自己的生命, 喜怒哀乐, 与人性紧密相关。华兹华斯笔下的自然是在泛神论精神支配下写出来的, 是充满灵性的。他的《致云雀》, 《全局改观》, 《不朽的征兆》, 《丁登寺赋》等许多都以自然与人生的关系为主题, 表达这样的信念:大自然是人生欢乐与智慧的源泉。

华兹华斯还经常取材于普通的, 贫贱的乡村生活, 以一种真挚感人的凄恻之词描写下层村人的贫苦, 痛苦。如〈爱丽斯.菲, 或贫困〉写一个贫穷的小孤女失掉外套 (被马车轮卷破) 的悲哀;〈一群中的最后一个〉写一个牧羊人为了养活自己的6个孩子不得不先后把自己心爱的50头羊卖掉, 悲痛于绝。华兹华斯本人熟悉这种生活, 并且认为人类的诸多感情要素都可以在这一片乡村的静谧中得到比在城市喧嚣中更好的宣泄土壤。

就华兹华斯作品中的“童年主题”而言, 它不仅是个人借重温童年, 疗治心灵的伤痛, 而且也表征着人类在新的历史困境前, 又一次转向了“归根返始”的出路, 明确提出“孩子乃成人之父”, 认为从童年到老死是人的至真至善逐渐消蚀的过程, 因而成人应恢复孩童本性。情感与理想的危机都迫使诗人在反思中寻求人类真正的自由与归宿, 最终他放弃了社会能在理性的基础上靠政治活动得以改造的幻想, 而是完全转向了过去——童年, 企求在童年的回忆中找到欢欣、自由与新生的希望, 认为只有那些“最初的感情和最早的回忆”, 是任何力量都无法摧毁的。由此他提出了“时间之点” (spots of time) 的观念。他认为“时间之点”具有更新能力, 可以把人从一切困厄中解救出来, 可以向心灵提供滋养、暗中医治, 实现心灵的当家作主, 这种神奇的力量就藏在人生的某些断片, 最初的开始, 是在童年。于是诗人把全部希望寄托于过去, 把这种精神的复归作为自己安身立命之所, 作为拯救现实的唯一出路, 并以此形成了他的人生追求与社会理想。

华兹华斯作为浪漫主义的杰出代表, 它的诗经历数百年仍脍炙人口, 广为学者所推崇, 其中原因远非这片小文所能概括, 只一简要概述, 吸取力量, 更好的建设今天, 走向未来。

参考文献

[1]郭群英, 毛卓亮:英国文学教程, 河北教育出版社, 1998[2]刘炳善:英国文学简史, 河南人民出版社, 2000

[3]王佐良:英国诗史, 译林出版社, 1997[4]朱光潜:诗论, 安徽教育出版社, 1997

比作为他研究事物的重要手段。这个方式超越他其他任何手法。无论如何, 对现在来说, 我们可以借鉴到的, 就是尽量将不同的学科综合起来, 尽量制定多学科互融的教育环境, 这样的话, 在你学习计算机的时候, 你应该去学习美术, 而在你学习文学的时候, 你也应该学习科学, 这是个应该仔细考虑的问题。总之, 无论是他的艺术作品还是他的艺术风格都永远值得我们后人去学习、领悟。

达·芬奇 篇2

达。芬奇生在佛罗伦萨里一个叫芬奇镇的小村庄。他的父亲是当地城区里有名的公证人，他希望儿子也去佛罗伦萨城里面做一个有名望的人。达芬奇先是在数学名家那里学习了一阵，之后便拜了著名的画家开始了画画生涯，父亲觉得画画是门很好的活计，因为那时的意大利处于文艺复兴时期，于是达。芬奇就从那个时候开始了艺术之旅。他学画画，同时不忘学习其他门科，因此有人说：“达芬奇如果在别的领域深造的话，那么他也一定会成为那个领域数一数二的人物。”但是达芬奇对画画却情有独钟，他第一幅成名作是《天使来拜》，那幅画当时震惊了意大利佛罗伦萨城里的所有人，正处在艺术复兴时期的意大利，每个人都对这个年轻的画家期待不已。很快，达芬奇便从老师那里毕业了，开展了自己的画室。他中年以后一直在米兰和佛罗伦萨城里颠沛流离，经历了一起起战争，见证了许多民不聊生的场景。他深深地热爱着那些受苦难的民众，想帮助他们，但他自己去经常交不起房债。而他的晚年时期被接到了法国宫殿里面，因为当时的法王很欣赏他的画技，便给了他 一套住宅，他的.晚年就这样客死他乡。

有人说达芬奇的一生是璀璨的，有人说达芬奇的一生是衰败的。达芬奇一生都在为那些贵族人们所画画创作，但他更想进行自己的科学研究和艺术创作。我觉得他真正想做的是专心地弄好艺术，而不是为了那些权势们做些附庸之事。他有自己的主见，可碍于生活，还是得屈服于现实，我觉得他的一生虽然收获了很多名誉，但也是很悲凉的。

“业余”画家达·芬奇 篇3

为了得到大公的聘用，他在信末还表示，可为大公的父亲塑造一座世界上前所未有的巨型骑马雕像。

大公最终雇用了这个男子，并允许他和学徒开设工作室。

而这个男子，我们并不陌生。十几年前，第一次在小学语文课本里遇见他时，他是那个一遍遍不厌其烦画鸡蛋的老实孩子达·芬奇。在我们懵懂的童年里，我们只知道这个孩子长大了会画画，他背后更多的历史，我们却一无所知。

1460年，8岁的孩子达·芬奇，之所以被父亲从小镇芬奇带到佛罗伦萨第一流的艺术教师韦罗基奥面前，就是因为父亲发现在自己的这个私生子身上，有着惊人的绘画天赋。但在达·芬奇的内心深处，却有着更多的人生追求。

师从韦罗基奥做学徒时，达·芬奇有机会参与安装了佛罗伦萨圣母玛丽亚大教堂穹顶灯塔上的巨型铜球，目睹了三速提升机等机械装置的效率，并深感其中的神奇，这也成了达·芬奇对机械世界痴迷不已的开始。

在为米兰大公效力期间，他准备了弹射弹和飞弹等武器装备的大批设计方案。无论在佛罗伦萨，还是在威尼斯，达·芬奇所担任的职务都是军事和建筑工程师。这双画出了《蒙娜丽莎》的手，当时也画出了手榴弹、迫击炮、机关枪、人力或以马拉动的武装坦克车、子母弹、军用降落伞、含呼吸软管以猪皮制成的潜水装等的草图。

尽管这大多数的设计未曾付诸生产，但在IBM公司的赞助下，根据达·芬奇的设计制作的许多模型，如今陈列在法国昂布瓦斯的达·芬奇公园。

而達·芬奇曾经设计的桥梁，也难以逃脱相似的命运。2001年10月31日，挪威王后在一片寒风细雨中，为一座100米长、8米高造型独特的木桥剪彩。这座桥原本是1502年，达·芬奇辛辛苦苦为伊斯坦布尔鄂图曼苏丹巴耶塞特二世的土木工程专案设计的。只不过，当时为让桥梁跨越博斯普鲁斯海峡口的金角湾，制作出的草图里桥梁单一跨距达240米，最终因巴耶塞特二世认为无法建设而不了了之。

500年后，达·芬奇的方案才在挪威被替代性地实现。他们将这座桥命名为“蒙娜丽莎”。

而2006年5月17日，土耳其政府决定在实地建设达·芬奇设计的桥梁，跨越金角湾。

类似未曾了却的心愿，对于涉及解剖学、天文学、土木工程学、水利工程学、光学以及流体动力学等自然科学各个领域的达·芬奇来说，还有很多。

在1482～1499年效力米兰大公期间，达·芬奇用自己的天才想象和辛勤劳动，时常换来的不是赖以生活的金币，而是米兰大公口惠而实不至的好言好语。这让达·芬奇内心有些不满。1498年，为了安慰达·芬奇，米兰大公请他为米兰格雷契教堂食堂画幅画。

在这幅画中，达·芬奇一改前人绘制晚餐场景时围桌而坐的布局，让所有人物坐成一排，而耶稣基督在最中间。正是这幅名为《最后的晚餐》的画，让达·芬奇流芳千古。作为“历史上最著名的画家之一”尽管他一生完成的绘画作品并不多，但几乎件件都是像《最后的晚餐》这样的不朽之作。

即便如此，他临终前还是满腹心酸，因为在他自己看来，他“一生从未完成一项工作”。这个自小学画的人，晚年却极少作画，潜心于科学研究，1519年客死法国时，留下大量左手反写的笔记手稿，内容从物理、数学到生物解剖，几乎无所不包。

达·芬奇 篇4

《达·芬奇密码》一书自问世以来,吸引了众多读者的眼球。小说中的悬念设置令人在阅读时欲罢不能。扣人心弦的情节与史实和对艺术作品的分析交织在一起,令读者游弋在真实与虚幻之中,有时甚至分不清自己是在阅读一段尘封的历史,还是在欣赏一部扣人心弦的悬疑小说。小说中充满了符号、意象、宗教、词源学、以及对艺术作品的赏析,其中还出现了不少有趣而又玄妙的数字,它们或者隐藏着某种象征意义,或者向读者传递着某种特殊的涵义,使人读后不禁对数字,乃至数学中隐含的美的信息赞叹不已。这究竟是作者的杜撰,还是有其历史渊源呢?

二、《达·芬奇密码》中的“数字”游戏

1-1-2-3-5-8-13-21……——斐波那契数列。这是小说中多次提到的一串数字。它具有重要的象征意义,曾被男女主人公多次打乱顺序,又恢复原有顺序,原因就在于它是解开一系列字谜的关键。这个数列是13世纪数学家列奥那多·斐波那契创设的。它的特点是:数列中的每相邻两项之和都等于后一项。不过,在小说中,作者借用了男主人公——一位著名的符号学家——之口,指出:这个数列之所以有名的另外一个原因,是其相邻两项相除所得的商约等于1.618,即黄金分割率(PHI)注。而这个1.618则是小说中又一处美丽的数字风景,它被誉为“世上最美的数字”。首先,作者给女主人公起名为Sophie,这样一个普通的名字正与PHI有关,即s-o-PHI-e。其次,身为符号学家的男主人公不遗余力地向读者介绍了大自然中无处不在的PHI,如:在任何一个蜂巢里,雄蜂和雌蜂的比率都是1.618;一种名为鹦鹉螺的动物身上每圈罗纹的直径与相邻罗纹直径之比为1.618。不仅如此,人类的艺术创作也与这个数字密切相关,如米开朗基罗、丢勒、达·芬奇以及贝多芬、莫扎特、德彪西、舒伯特等人的作品中都不同程度地出现了PHI。小说的主人公对此作出了这样的解释:“纷繁复杂的自然界隐藏着规则。当古人发现PHI时,他们肯定自己已经偶然发现了上帝造物的大小比例,也正因为这一点他们对自然界充满了崇拜之情。”在这样一部以宗教为背景的小说中,看到“上帝造物”的字眼并不奇怪。那么,当我们发现自然界中存在如此之多的巧合时,又会作出怎样的解释呢?

三、“数字”美学之渊源

当我们回顾漫长的西方美学历史,不难发现西方人对于自然科学的偏爱。在早期希腊美学流派中,就有不少人物身为数学家、物理学家或是天文学家。毕达哥拉斯学派就是“唯数论”的突出代表。这一学派重视事物的定量研究,主张从自然科学的角度看待美学问题。他们对于音乐美的研究就是从数学和声学的角度出发的。在研究中,他们发现,音的高度和弦的长度具有整齐的比例关系,于是就首创了用数的比例表示不同的音程,如第八音程表示为1:2,第四音程为3:4,第五音程为2:3。同时,他们还发现了黄金分割率,认为最美的线形就是长宽比例为1.618的长方形。(朱光潜,1963:p32-33)在这一系列的发现之后,毕达哥拉斯学派认定他们发现了宇宙的终极奥秘,认为“宇宙的本质就在于数的和谐性”(夏基松,郑毓信,1986:p8)。与小说中有所不同的是,偏爱自然科学的西方美学研究者并未靠相信神力来解释“什么是美“,而是将美学引上了科学的道路,他们认定抽象的“数”才是世界的本原。这恐怕就是为什么包含着“和谐、数量”等意义的Cosmos一词被用于表示“宇宙”的原因吧!

“数学”美学的思想在欧洲的影响很大,时间很长,对柏拉图,亚里士多德,以及文艺复兴时期追求形式美的艺术家们都产生了深远的影响。这样说来,《达·芬奇密码》中多次提到“数字美”真是再恰当不过了。因为处于文艺复兴鼎盛时期的达·芬奇本人的确在数学方面表现出了极不寻常的兴趣。连恩格斯都称他不仅是画家,而且是数学家、力学家和工程师。他潜心研究解剖学和透视学,并将其运用于绘画当中,不仅如此,他还写有专著论述比例的问题。除他以外,这一时期的许多著名艺术家,如杜勒、安杰罗等都曾探讨过比例对艺术创作的重要性,杜勒就曾说过数学可以用来解决美的问题。

四、“数字”美学引发的思考和启示

数学对于西方美学思想的影响可以说从未停止,西方的哲学、美学一向都与自然科学关系密切。这与中国的古典美学很不相同。西方美学主科学,“讲究明晰。明晰和理性是古希腊和近代科学的传统。”(马奇,1994:p112)而中国人则讲究模糊,喜欢使用虚无飘渺的概念。“与中国的文深扎在政治伦理中不同,希腊的形式走向了科学的道路,精确些说,即数学的道路。数:各部分自身的大小;比例:各部分之间的尺度关系;秩序:各部分大小比例关系构成完美和谐的整体。这就是希腊人的美的法则。不是符合礼制的文物昭德的外观,而是遵循数学法则的形式。”(ibid:p176)可以说,中西方不同的美学思想,造就了中西方许多思想领域的巨大差异。以翻译理论为例,中国传统译论注重人的内心感受,缺乏科学性;西方译论侧重于从语言学等角度出发,对翻译进行量化,这就难免会忽略翻译过程中人的内心感悟。当西方美学家发现了数学与艺术的关联时,我们也注意到了这样一个事实:音乐不仅是数的形式上的构造,同时也是人心灵的律动;绘画不仅需要完美的比例,也需要人内心的感触。因此,我们恐怕要借助数学乃至自然科学的力量,加上内心对于美的感悟,才能在那些与美有关的领域发现什么是真正的和谐之美!

注:在这个数列中位于前面的各项相除所得的商与1.618的偏差较大,但后面的各项相除几乎都约等于1.618。

参考文献

[1]丹·布朗．《达·芬奇密码》[A]．朱振武，吴晟，周元晓．上海：世纪出版上海人民出版社，2004．

[2]马奇．《中西美学思想比较研究》[M]．北京：中国人民大学出版社，1994．

[3]夏基松，郑毓信．《西方数学哲学》[M]．北京：人民出版社，1986．

达·芬奇的美学思想 篇5

列奥纳多·达·芬奇是意大利文艺复兴时期杰出的艺术家，“文艺复兴三杰”之一，其代表作《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》是世界闻名的艺术珍品。尽管达·芬奇不是一位美学家，也从未提出过一个完整的、合乎体系规范的关于美本质的命题，但在他的艺术理论和艺术实践当中，却处处可以窥见其深刻的美学思想。

这里说的达芬奇的美学思想，其实应该算是艺术家的美学，讨论艺术创作的著作历来有两类。一类是作家或艺术家用来表述他们的创作思想，像托尔斯泰的《艺术论》，阐述的是他的艺术思想，不如说是他的艺术观，他并不标榜为美学。还有一类，例如达芬奇的《达芬奇笔记》，讲的是绘画创作和技法，可以说是艺术创作的方法论。这些艺术家们的著作中的议论虽然闪耀着真知灼见的光辉，给后人以无穷的智慧的启迪，但是却不能说这他们是一本美学著作。似乎，美学从来是哲学家的事情，从古希腊哲学起，美学就是哲学一个组成部分。从伯拉图、亚里士多德一直到康德和黑格尔，美学堂堂正正成为哲学体系中不可缺少的一个重要分支。所以我们只能说《达芬奇笔记》以及《绘画论》等著作中体现的美学思想是达芬奇作为一个艺术家对美学的自我思考。

不过达芬奇的这些作品中的观点虽然不是系统的美学知识，达芬奇却以其中的观点作为创作指导创作出了一系列的优秀作品。如在其著名艺术理论著作《绘画论》中，达·芬奇高扬理性的大旗，倡导艺术应像镜子一样忠实反映自然，艺术家应以理性为指导去反映自然，作品既要源于自然又要高于自然，这些观点实际上构成了其美学思想的总纲。与此相映的是，达·芬奇这一时期的作品，无论是《蒙娜丽莎》还是《最后的晚餐》，都无不以人性战胜神性、理性高于神权为创作思想，“艺术模仿自然”的美学信条在这些作品中均得到了完美的贯彻。

下列我们分别对他的作品 《最后的晚餐》和《蒙娜丽莎》进行简单的分析，看这两幅名作中何处体现了他的创作理念及美学思想：《最后的晚餐》是达芬奇作于米兰圣玛利亚修道院餐厅的壁画，取材于《圣经》新约犹大出卖耶稣的传说故事。无论是复兴时期，还是之后的数百年，同名作品虽然不少见，但是只有达芬奇的这幅千古不衰，长期为世界各国人民所看重，不厌百赏。这副画中体现的构思、透视法、人物心理、多样统一的原则等方面的技巧都在他的《绘画论》有所体现。中，另外这副画中以几何图形为基础来分布画面的原则，体现出几何的对称美，则在《达芬奇笔记》中有所体现。

身为画家的达芬奇，还具备丰富而精湛的自然科学知识，这也让达芬奇对科学和艺术有了更加理性与深刻的理解。他认为艺术也是一门科学，用科学的眼光来研究绘画理论，因此，他的绘画在构图上尤为细致和精准。如《蒙娜丽莎》这幅画，就创造性地解决了半身肖像的构图问题。因此《蒙娜丽莎》这是世界上最著名、最重要、最优秀的肖像画之一，是达芬奇最高成就的标志。这幅画最引人注意、人们评论最多的、最能引发人想象的就是蒙娜丽莎的“神秘”微笑。很多评论家认为，这个微笑，可随着欣赏者的心情的变化而变化。有人说她的微笑端庄而典雅；也有人认为她的微笑带着魅惑，还有些人认为，她的微笑透着邪气：甚至有人对她的微笑百思不得其解，而开枪结束自己的生命!能引起人们如此丰富想象力的画像，在世上艺术珍品中是绝无仅有的一件。这也与达芬奇平时自觉的美学思考有着分

不开的关系。

《达·芬奇密码》城堡主人 篇6

我们可以批评电影《达·芬奇密码》，缺乏“对历史的误读”，但丝毫不影响我们对《达·芬奇密码》传说和谜底的解码热情。

位于巴黎近郊的维莱特城堡(Chateau Villette)是《达·芬奇密码》中提彬爵士的住所，但现实中，它的主人则是一位经历传奇的中国女子。

买下座城堡只需要一分钟，但是维护它却是漫长的过程。

Olivia Decker告诉记者，在法国，你甚至可以以一美元买到一座中世纪的城堡，可是城堡维护、修缮等方面的费用，却有可能高达百万美元。她在买下维莱特城堡后，花在城堡改造上的钱甚至比买下城堡的价格还高。法国人会觉得她很勇敢，更勇敢的是，这样的城堡她买了两座，除了位于巴黎近郊的维莱特，另一座是位于普罗旺斯首府艾克斯的Grimaldi城堡。 上海出生的Olivia Decker的中文名叫徐文慧，很小就随家人一起去了台湾。离开上海时，一家人失去了所有家当。尽管过着清苦的生活，小时候的Olivia依然对漂亮的房子和装饰萌发了浓厚的兴趣。大学毕业后，她在日本关西电视台的一档综艺喜剧节目做主持人，之后在美国西北航空公司做了两年半的空姐。正是靠着这两份工作的积蓄，她才在后来进入房地产业，成为美国最顶级的物业经纪人之一，她的房产公司DeckerBullod Realty专门经营五百万美元以上的房产。去年，经她公司售出的豪宅总价就高达2．5亿美元。

结缘顶级房产

上世纪70年代中期的旧金山，房价和今天比起来低得离谱，地产商们都愿意在周末时向公众开放房产参观，希望能激起他们的购买热情。对房产毫无了解的Olivia，只是出于对漂亮房子的喜爱，常常也跑去欣赏新出的物业，恰值银行愿意向公众提供房价95％的贷款，她就用自己的积蓄，几年内一气购置了7套房产，并把它们装饰得精致、漂亮，再出租给别人，靠着租金来偿还银行贷款。

不想，到了70年代末期，旧金山房市疯涨，房价在两年内翻了一番，她所购买的房产也变得值钱起来。在朋友的鼓励下，Olivia专门去学校学习了房地产专业，并取得了房产经纪人的执照，那时候，她还在日金山君悦酒店做着经理助理的工作，房产经纪只是她的一份兼职。可是她对房产业敏锐的眼光，很快就吸引了酒店几位VIP贵宾的注意，并请她帮忙挑选合适的房产。

当时，菲律宾最大的企业集团Ayala集团有意购买旧金山的地标建筑马克·霍普金斯酒店。由于Ayala集团的高层人员常年住在君悦酒店，也是熟知Olivia眼光的VIP贵宾，就请她从中与马克·霍普金斯酒店的管理层沟通，并开出了4300万美元的报价。如果不是后来洲际酒店报了一个更高的价格，Olivia在房产业的第一笔大业务就将不同凡响。尽管如此，这些贵宾们中的许多人后来也都成了她的客户。

跻身名流圈

Olivia最早拥有的一辆名车是劳斯莱斯，说起来还是个有趣的故事。有一次，她的一位顾客买了一套别墅后，资金紧张，不得不用自己的辆劳斯莱斯来支付中介费。那是款经典的劳斯莱斯——银影，生性不爱张扬的Olivia并不经常使用它。奇怪的是，每次她开着那辆车出去，总会收到一张交警开出的超速罚单，最多的一年收到了8张罚单，并因此被吊销了驾照。

为此，法官为她指定了一名心理医生，以检查是否可以矫正她酷爱超速的习惯。哭笑不得的Olivia只得乖乖配合医生的工作，幸好，后来这位医生向法庭出具了一位报告，证明她没有超速的嗜好。不过，Olivia自此不敢再开这辆感觉平稳强劲，但却容易招致罚单的劳斯莱斯了。她把车捐给了地方医院，这辆车被医院以6．8千美元的价格挂牌售出，善款用于修建了外科手术中心。

现在Olivia拥有的车辆只是一部宾利Turbo R和四辆奔驰，全部是为了方便出行之用，分别配备在法国的城堡和她在旧金山的家，并非有名车收藏的癖好。朋友Arturo Keller以前是她的顾客，后来成了非常要好的朋友，Keller是世界知名的顶级豪华车收藏家，所以经常带着她去欣赏自己的珍品收藏，素来见惯了顶级车辆的Olivia，对于名车的喜爱，也就仅仅限于欣赏。

除了Arturo Keller，Olivia的顾客中还有许多名流，包括许多好莱坞的明星，像莎朗·斯通、尼古拉斯·凯奇、埃迪·墨菲等，一些人因此和Olivia成为了非常要好的朋友。莎朗·斯通2005年婚变前一直居住的房子，就是Olivia为她介绍的。那是处不在公开市场发售的房产，莎朗·斯通极为满意，于是邀请Olivia陪同她参加当年的戛纳电影节，并一起走过红地毯。她们还一同参加了AmFAR(美国爱滋研究基金会)举办的“电影反对艾滋慈善捐款晚宴”，参加一次AmFAR的晚宴，每人需要交纳5000美元，除此之外，它还限定在只有受到邀请的人才能参加，因此是非常苛刻的慈善聚会。Olivia向AmFAR捐赠了两年内免费使用自己城堡的权利，她还联系了她的朋友们，请他们捐出了自己岛屿、别墅和游艇的免费使用权。

古堡不易买

Olivia的城堡，全然不是我们想象中的灰尘密布、阴森恐怖的古堡。尽管这些城堡都有着久远的历史，可是经她亲自设计改造后，总会变得明快漂亮，奢华中尽显舒适，而不是正经得让人怯于把双脚放到咖啡桌上去。她在1995年买下GrimaIdi城堡后，就在城堡原来的一些残迹上修建了漂亮的泳池和网球场，以充分享受休闲的乐趣。

当初她买下古堡，是因为喜欢这种有历史感的东西，并且可以常常去法国享受生活。可是后来她才发现，每次为了去这座位于普罗旺斯的Grimaldi城堡，她都必须从巴黎转机，牺牲掉很多的时间。Olivia说，现在国内的一些有钱人也开始在国外购置房产，依据她的经验，一个很好的建议是要选在顶级地段，不能离机杨太远，这样不但有升值的可能，还能保障不在交通上花去太多的时间，将时间更多地花在享受生活上。所以，后来她就考虑在离巴黎较近的地方买座城堡，就这样，她才注意到了维莱特城堡。

维莱特城堡是17世纪，法国著名的建筑设计师曼萨特和庭院设计大师勒·瑙特在设计凡尔赛宫的同时，为法皇路易十四的威尼斯大使奥弗雷公爵设计建造的，因此维莱特城堡又有“小凡尔赛”的绰号。当初，LVMH集团的董事长阿诺先生也来看过城堡，迈克尔·杰克逊也曾来看过，并想买下维莱特古堡，但是，城堡的前主人不同意，因为担心这位名人会对城堡做出“疯狂”的举动。当Olivia表达了购买意向后，他们也很担心，后来，在她做出不随意更改建筑特色的保证，并有Grimaldi城堡的前主

人证明她“没有劣迹”之后，维莱特城堡才终于归到她的名下。

Olivia的城堡生活

买下维莱特城堡后，Olivia整整花了3年的时间来对它重新装修。

18间卧室和20间浴室都经过了重新改造，每个房间里都配有无线上网系统，厨房改建成适于烹饪美食，有非常完备的操作料理台和两个服务间。城堡内还有专业的健身房、台球室、宴会厅，园林中有温室、马厩、礼拜堂、游泳池和网球场。

城堡的园林非常宏大，古堡背后是两个对称的长方形人工湖泊，湖内有天鹅、野鸭、水鸟和鱼群，此外还有壮观的瀑布和喷泉，整个庭院的面积有200英亩，其中还有小片的森林。所以城堡的生活非常丰富，能够在私密的环境下享受自然的乐趣，Olivia的一些女性朋友们因此非常喜欢去她的城堡做客，哪怕是在湖边草地上裸身享受日光浴，也丝毫不用担心任何隐私问题。

不过，要把一座城堡总是维持得漂漂亮亮的，并不是一件容易的事情。因此，Olivia平时也会将古堡租出去，对她来说，这是个聪明的做法，因为她每年只有少部分的时间会在古堡里度过。在欧洲，婚礼或是派对租用古堡是很平常的事情，由于维持古堡的开销很大，因此主人们出租古堡的现象也很普遍。不过，维莱特城堡的租金可不便宜，7500欧元1天，每年Olivia光是从城堡上收到的租金就有120万美元。

惊人的偶然性

2000年，作家丹·布朗和他的妻子参观了维莱特城堡，布朗夫人后来还问Olivia要了些有关城堡的资料。后来，布朗夫人给她发了封电子邮件说：“我丈夫的新书里提到了你的城堡，这本书叫《达·芬奇密码》。”那个时候，没有人知道丹·布朗是谁，更没有人知道《达·芬奇密码》，她也根本没有在意这件事。直到后来过了一阵她才发现，从旧金山、巴黎到罗马，所有的人都在读一本名叫《达·芬奇密码》的书，甚至有人当面对她说，“书里写到了你的古堡!”

这当然是令Olivia感到惊喜的事情，不过，更让她觉得讶异的是，似乎冥冥中注定，她会和《达·芬奇密码》这本书发生点什么关系。书中写到了原本将会嫁给耶稣的玛丽亚·玛格达拉，她就在离Grimaldi城堡非常近的地方生活了30年，并且最后也葬在附近。早在《达·芬奇密码》成书前，就有一位历史学家在城堡附近的村子里组织有关玛丽亚·玛格达拉的研讨会，Olivia甚至还参加了其中的场。

达·芬奇 篇7

关键词：莱奥纳尔多,蒙娜·丽莎,渐隐法

莱奥纳尔多是意大利文艺复兴时期享有盛誉的艺术大师, 同时, 他在音乐、建筑、军事工程、发明等多个领域皆有突出成就。他的一幅肖像画《蒙娜·丽莎》声名显赫, 是莱奥纳尔多艺术上的杰出代表。初见这幅肖像最能引起大家关注的是蒙娜·丽莎看起来有血有肉、栩栩如生, 她的眼睛好像正在注视着我们, 而且有她的心事。她像真人那样不停地在与我们交流。她的微笑很动人又很神秘, 似乎在嘲笑我们又好像有种悲哀之意。这种微妙的效果的产生正是得益于莱奥纳尔多熟练并科学地运用光和大气的透视原理来表现空间的高超技艺。

一、莱奥纳尔多及其艺术理论

莱奥纳尔多1452年生于佛罗伦萨郊区的托斯卡纳。他曾在15岁时跟随一流的画家、雕刻家韦罗基奥在佛罗伦萨的兴盛作坊里当学徒, 期间探索了金属制品和雕塑作品的奥秘;细心练习了大量人体模特儿;也进行了各种各样动植物的描绘;还在透视光学和用色方面接受了全面训练。他是一位涉猎广泛且多产的艺术家, 他的学生收集和保存了他的笔记和速写达几千页之多。人们很难理解他是怎样在那么多的研究领域都做出了重要贡献。

他是一位天才, 充满了好奇心和创造力, 从不盲目跟从只是听说未经目验的东西, 也不轻易的相信权威。凡事追求更专业、更精确、更全面、更彻底, 都要通过亲身实验加以解决。他一方面致力于人体解剖和艺术实验, 研究用线条与立体造型法去表现人物的形体;另一方面也研究自然科学和规律, 将科学上的发现和实践成果渗透到个人的绘画风格上。在莱奥纳尔多的画中, 他将这两方面融合为一个不可分割的整体, 始终追求比例的和谐和各个形象之间的视觉平衡。

莱奥纳尔多这样为描绘光影定下来的规矩, 成为后来人们准确理解物体形体的有效办法。在《论绘画》一文中, 莱奥纳尔多认为在表现物体的时候, 近处的物体要用“清晰的界线来划定”, 远处的物体要“迷失在画中”, 要用“如烟雾一样的模糊界线”。他将其称之为“迷失透视法” (或称“渐隐法”) , 这个短语的使用同样表达了光在精神上的含义。

二、《蒙娜·丽莎》中渐隐法的运用

在这幅色彩以深褐色为主色调的肖像画中, 人物端庄稳重, 笑容含蓄。在中世纪基督教禁欲主义的控制下, 妇女的行为举止受到很多的限制, 她们不能肆无忌惮地哭和笑, 那是对上帝的不敬。所以在这之前的肖像画, 一般都被画得面部枯燥、僵硬、无表情, 与之有很大的关联。莱奥纳尔多在16世纪初人文主义思潮影响下, 力图摆脱教会的思想控制, 开始在表现人的丰富情感上下功夫, 为了画出蒙娜·丽莎活生生的真实形象, 他尝试运用解剖学和生理学上学到的知识, 探索在面部皮肤组织下的肌肉微笑时的状态, 研究人在微笑时的内心变化与肌肉反应过程, 力求使人的内心情感和外表达到完美的统一。

在表现蒙娜·丽莎的面部时, 莱奥纳尔多很好的运用了渐隐法。淡淡的阴影时而清晰时而模糊, 仿佛为她的眼睛与嘴唇蒙上了一层薄纱。而人的表情主要表现在眼角和嘴角上, 莱奥纳尔多恰恰把这些地方画得朦朦胧胧、虚虚实实, 没有明显的边界线, 所以才会有这种让人猜不透的“神秘微笑”。几个世纪以来, 人们被蒙娜·丽莎的微笑所折服, 这种微笑使太多人都沉醉其中。如此微妙淡淡的笑, 离多近也看不透彻;离的再远也能感受的到。微笑不止是体现在扬起的嘴角上, 而且是遍布脸上的每块肌肤, 乃至整幅画面, 以至于读者在观赏作品时, 自身也融入其中。

在这幅作品中, 背景气雾氤氲、过渡柔和, 远处的山川、小桥、流水、弯曲的小路, 茂密的丛林都仿佛笼罩在烟幕里, 被推向画面的远处, 正好与前面的人物形象形成鲜明的对比, 重点突出了蒙娜丽莎的地位。犹如他所说, “不依靠线条或笔触, 使背景与亮部融为一体, 仿佛烟雾一样”。这种在画面中巧妙地使用渐隐法的风格, 在《蒙娜·丽莎》这幅作品中它不仅被用来描绘光影, 更用来描绘一种氛围和情绪, 表现对秋天即将远去的怜惜。

三、渐隐法对绘画的影响

莱奥纳尔多清楚地看到15世纪意大利艺术家在征服自然 (真实) 之后有一个突出的问题摆在他们面前, 这就是那些艺术家的作品, 有一个相同的特点:作品里的形象看上去呆板、生硬、很不自然。然而这不是因为艺术家不够精心或缺少相关知识造成的。在表现自然的真实性上, 没有几个人能比杨·凡·艾克更细致;在造型与透视原理应用方面, 没有什么人能比曼泰尼亚更精确。但是, 虽然他们的作品宏伟和精致, 然而他们所刻画出来的人像却没有生命力。其原因就是在他们一条线一条线地、一个细节一个细节地去画人物形象时, 摹画的太具体、太精确, 就忽略了它是个有血有肉的人, 时刻在呼吸与运动中;这样看上去就仿佛是艺术家给所画的人物点了穴位, 强迫它固定在原地一封不动, 艺术家尝试过多种手段试图解决这个顽疾。但是, 唯有莱奥纳尔多真正找到了攻克这个难题的灵丹妙药, 这就是渐隐法的使用:在画中物体轮廓要模糊不清, 色彩要融合, 给人们留下猜想的余地, 那种生硬、呆板的的形象就能避免。在这幅画中, 他正是有意识地使用了模糊的轮廓线, 把色彩或形状渐渐融入柔和的背景中, 给观者留下了联想的空间。

在《蒙娜·丽莎》中, 我们只要仔细看看莱奥纳尔多所画的人物的手和衣袖就能发现, 他在用心摹绘自然方面下的功夫绝不逊于任何一位先前的大师。但是他已经不再做忠于自然的奴隶了。他在绘制人像时不仅保留了人物形象的真实性, 也用他独特的方式保留下了所画人物的灵魂, 使他笔下的人物具有鲜活的生命。

五百多年以来, 《蒙娜·丽莎》这幅画早已成为经典, 被不计其数的人们、艺术家和科学家所追捧、所质疑、临摹和研究。今后还必将继续下去。然而, 在这幅作品中所体现出来的具有生命力的“渐隐法”在艺术上成为了一种法则, 指引着后来人们在绘画上的创作和精神追求。

参考文献

[1]贡布里希.《艺术的故事》[M].广西:广西美术出版社, 2008.4.

与《达·芬奇密码》较真 篇8

在小说中雅克·索尼埃的孙女索菲·奈芙在卢浮宫现场一眼就看懂了祖父在一息尚存之际，将自己的形体刻意定格为《维特鲁威人》式的姿势，并猜到了祖父在喻示与达·芬奇存在着某种关联。应该说索尼埃呈尸的特殊姿势正是整个故事的第一个真正的“达·芬奇密码”。

索菲·奈芙对兰登教授道出了她祖父的用意，她说《维特鲁威人》“是达·芬奇画作中我最喜欢的一幅”。《维特鲁威人》的确妙不可言，是一幅经典之作。但是《达·芬奇密码》的作者丹·布朗为了编故事，为我所用，显然曲解了《维特鲁威人》这幅画，约掉了《维特鲁威人》姿势的美学与科学内涵，牵强地把《维特鲁威人》指称为单一的固定姿势。

达·芬奇的《维特鲁威人》太奇特了，有着深邃的美学与科学原理，可以说是人类艺术史上最奇幻、最奥妙的作品之一。事实上，没有谁能够在同一时间里摆出所谓的《维特鲁威人》式的姿势，因为这幅画是一系列人体动作的叠加和复合，可以说没有一个固定的姿势，所有的姿势都是相对的，即使有固定的姿势也远不止只是一个，而是16个！身为资深艺术史家的雅克·索尼埃在这一点上无异于常人，充其量在同一时间里，只可能有一种姿势，但这样的单一姿势已不能算是达·芬奇的《维特鲁威人》了。

达·芬奇《维特鲁威人》姿势的多样性可通过数学组合数公式计算出来，我们从《维特鲁威人》躯干以外的左手、右手、左脚、右脚中分别任取一元素，再将不同的取法种数相乘，列式如下：

我们再用电脑图形软件对《维特鲁威人》的姿势逐一分解，结果与数学分析的结果完全吻合。四手四脚的《维特鲁威人》包含了16种不同的姿势！

原来丹·布朗忽悠了全世界的读者与观众，他为了使悬疑环环相扣，最先呈现了索尼埃用鲜血画在肚子上的“五芒星”，然后又描述了索尼埃肢体四面张开，整个身体像展翅的鹰一样，加上头颅与脖颈，似乎是一颗更大的五芒星。电影也图解了这一姿势，这个姿势与我们分解出的图8完全对应。但是，其信息量仅相当于达·芬奇的《维特鲁威人》的1/16，两相对比，图8显得单调乏味，《维特鲁威人》所拥有的那种动感与奇妙顿时荡然无存。所以读罢小说，看过电影，我们完全有必要了解真正的《维特鲁威人》，探究一下这一“达·芬奇密码”的本来面目与真相。

《维特鲁威人》或称《维特鲁威人体比例图》，是达·芬奇于1490前后绘制的一幅奇特的杰作。文艺复兴时期的许多画家先后都画过类似的人体比例图，但是没有一幅能够与达·芬奇的杰作比肩。

维特鲁威是古罗马的一位建筑学家，他对人体比例有过一番描述，根据他的说法，达·芬奇创造性地绘制了这幅永恒的人体比例图，并以维特鲁威之名命名了这幅不朽之作。

图的含义是这样的：人体的各部分与身高可构成简单的整比数，还可以形成对称的几何图形。如面部可构成正方形，叉开的腿可构成等腰三角形，而肚脐正好是圆心，伸展的四肢旋转的轨迹刚好是一个正圆。从生理的角度看，肚脐正是生命之源，而四肢的活动范围正是生命的一种存在方式。圆在古希腊被认为是最完美的几何图形, 达·芬奇绘制的人体比例图直观而完美地再现了古希腊的审美理念，而且，创造性地把多变的人体与圆这种完满的几何图形结合起来，给人们一种理性的美感，这是文艺复兴运动审美理想的光辉典范。

达·芬奇在《维特鲁威人》画面的天头与地脚加注了文字，内容是这样的：“一座庙宇的各个部分应达到最大限度的和谐以及相对于整体的各个不同部分的匀称关系。进一步说，人体的中心部分自然是肚脐。因为如果一个人平躺下来时，将手臂和腿脚伸直，把两个圆规放在他的肚脐上，他两手的手指和两脚的脚趾正好处于由此画出的圆形的圆周上。而且在人体可以画出一个圆形的同时，它也能画出一个方形。”

我们在欣赏这幅杰作时还应该知道，达·芬奇还是一个科学家、数学家和解剖学家。在《维特鲁威人》中，达·芬奇不仅凝聚了人体解剖、比例、透视等知识精华，还体现了对数学组合妙曼律动的美也有着深刻的理解，并能形诸画笔，给人类留下了这样一幅寓艺术与科学为一体，奥妙无穷、无与伦比的杰作。

链接：维特鲁威

维特鲁威是古罗马著名建筑学家。公元前一世纪人，据说担任过罗马执政官恺撒

的军事工程师，为罗马帝国第一个皇帝奥古斯都监制军械，曾建造过罗马城的供水工程和法诺城的一所巴西利卡（长方形会堂）。著有《建筑十书》，该书是欧洲中世纪以前遗留下来的惟一的建筑学专著，对意大利文艺复兴时期的许多艺术家起到了启蒙和教导的作用。据说当今遍布世界各地的古罗马建筑的花型柱头是维特鲁威首创的。维特鲁威像就表现了这一创造的瞬间：维特鲁威被一个偶然的场景所吸引，一株叶面肥大卷曲的植物刚好长在古希腊废墟跌落地面的柱头前，维特鲁威受到了启示，创造性地设计了古罗马建筑的花式柱头，使之成为了欧洲古典建筑一种最经典的细部。