大学美术鉴赏论文

大学美术鉴赏论文（精选8篇）

大学美术鉴赏论文 篇1

通过学习十几周的美术鉴赏，有了深刻的感受。美术鉴赏不仅仅是一门艺术课程，更是一门与个人的修养有关的素质教育课程。经过将近半个学期的美术鉴赏的学习，我对美术史有了从无到有的了解，至少是或多或少有了些了解。听了半个学期，我觉得山水画最吸引我，非常佩服画家们的才艺。

山水画是中国人所特有的一个文化概念。中国人的山水画不同于外国人的风景画，它不是再现自然景观，而是通过自然景观的表现，赋予自然以文化的内涵和审美的观照。山水画的缘起，使中国画发生了重大变化，形成了以山水为主，山水、人物、花鸟交替发展的格局。山水画虽起步较晚，但较之人物、花鸟却一直成为中国美学的主脉。下面选择了唐寅的《山路松声图》进行赏析。

唐寅，是我国绘画史上杰出的画家、文学家。吴县（今江苏苏州）人。初字伯虎，更字子畏，号桃花庵主等。晚年信佛，有六如居士等别号。数中国历代画家中，唐寅知名度最高，他的名字妇孺皆知，“唐伯虎点秋香”、“三笑”、在民间广为流传。

在《山路松声图》中，唐寅以清劲的细条长线勾皴(中锋湿笔)，随着山势变化，或用长线直皴，或作曲线孤皴，连皴带染。局部用侧锋勾斫，偶尔在皴笔线之间，留几道空白，好像黑中露出白线，更突出山石的硬蛸质感。整个画面线条轻松流畅，似柔实刚，画得非常率意，使山、石充满活力．与古松优美的姿态相映成趣，洋溢出一种飘逸洒脱情致。同时以淡墨渲染，浓墨点苔，明沽清润的墨色，更增加作品秀润雅逸之趣。

在表现技法上，唐寅以畅达自如的笔墨挥写山石树木，笔法上略近杜堇，较南宋画家更为洒脱灵活，与笔法匀细、设色秀艳的风格判然有别。此画以淡墨晕染，浓墨强调，浓淡枯湿，恰到好处，形成了生动的墨韵，令人感到色泽丰富无穷。用笔顿挫转折，遒劲飞舞，巧妙的点出了松声之意境。淡墨晕染，浓墨强调，浓淡枯湿，恰到好处，形成了生动的墨韵，令人感到色泽丰富无穷。

学习美术鉴赏这门课程，可以使我们了解更多的美术知识，提高我们的美术鉴赏能力，培养我们的艺术审美兴趣，而这对提高我们的全面素质起着十分巨大的作用。

大学美术鉴赏论文 篇2

一、结合中国艺术品鉴藏知识, 依托长沙理工大学公共艺术教育中心, 进行高校美术鉴赏教学改革

长沙理工大学公共艺术教育中心在学校主管领导与教务处的领导下, 积极开展全校公共艺术教育的整体规划、课程设置以及教学管理、教学工作。结合中国艺术品鉴藏知识, 以公共艺术教育中心为依托积极进行艺术品鉴藏与高校《美术鉴赏》课程教学改革。

以公共艺术课程教学为高校艺术教育工作的中心环节, 紧抓艺术欣赏和审美欣赏两个关键, 加强人文精神的传播和渗透, 强化课程的改革创新。继续认真落实教育部办公厅印发的《全国学校艺术教育发展规划 (2001年—2010年) 》《学校艺术教育工作规程》和《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》, 将公共艺术教育作为实施素质教育的重要组成部分, 并结合我校专业特点在公共艺术教育模式方面进行改革创新。积极推进素质教育, 遵循人才培养规律, 强化公共艺术教育课的主阵地、校园文化艺术活动的主载体、校外艺术交流的主渠道和学生艺术团体的主力军作用, 充分发挥学科建设优势促进公共艺术课程建设, 广泛开展艺术活动培养学生实践能力, 努力整合各类资源营造良好校园艺术氛围。

坚持艺术理论教学和专业实践教学两个基本点。始终坚持开放性的互动性艺术理论教学。由学生被动接受改为主动学习。始终坚持项目式的艺术实践, 由虚拟性的课堂作业与社会赛事为目标, 促进实战型实习。为此, 学生主动参与艺术理论学习与艺术实践的积极性被调动起来。继续加强常规教学工作, 鼓励师生参加各级各类活动, 在各方面取得一些成绩。积极参与省内外高规格艺术赛事和实践活动。

经过不断的努力和实践, 公共艺术教育课程改革与教材建设成效显著, 校园文化艺术活动丰富多彩, 已初步形成了符合我校特色的专业艺术教育和艺术素质教育的新体系, 大学生阳光艺术团在各级各类艺术活动和全国大学生艺术展演中也取得了突出成绩。

二、结合中国艺术品鉴藏知识, 依托长沙理工大学艺术文化科普宣传基地, 开展艺术品鉴藏与高校美术鉴赏教学改革

长沙理工大学艺术文化科普宣传基地是在学校人文社科处的直接领导下, 以设计艺术学院为依托申报的“湖南省社科普及宣传基地”。设计艺术学院“湖南省社科普及宣传基地”以宣传、普及、推广设计艺术和其他艺术文化为主线, 将现代可持续发展的设计理念传递给广大群众, 建设和谐社会。

长沙理工大学艺术文化科普基地以全校公共艺术教育为依托, 拥有一个层次分明、效率较高的文化素质教育管理及运行机制——“公共艺术课程考核工作领导小组”, 是全校文化素质教育工作的领导、决策机构。学校教务处负责全校公共艺术教育的整体规划、课程设置以及教学管理、教学评估工作。

为进一步加强和发展艺术社科普及活动, 并把艺术教育作为全面实施素质教育的切入点, 凸现我校特色校园文化, 使艺术社科普及活动工作更加多样化, 规范化, 科学化, 更深入全面的开展艺术品鉴藏与高校《美术鉴赏》课程教学改革, 工作改革创新工作如下:

1.加强科普创建活动宣传, 营造良好氛围:积极向教育组织部门汇报创建工作, 争取上级组织的政策, 经费支持和业务指导;进行深入广泛的校内宣传动员, 使全校师生众志成城、齐心协力, 确保工作取得好成绩; 向社会进行宣传, 赢得广大社会群众的理解、认同和支持, 营造良好氛围。

2.加大艺术科普活动投入, 进一步改善活动各方面条件:充分利用和合理配置校内与校外的资源。学校增购公共艺术教育教学设备, 配齐与科普有关的多媒体、音响、音像等设计艺术及其文化资料。

3.丰富活动内容, 突出活动特色, 完善管理机制:在原有活动基础上, 继续突出书画艺术及其文化、审美文化及本原文化等的教学、欣赏、创作、设计、展览及参赛等各项活动;同时, 加强书画艺术及其文化、设计艺术及其文化、审美文化及本原文化活动中的文化考察和学术讲座、艺术科研力度;此外, 适当增设并加强节假日特别是寒暑假艺术文化下乡等社会实践活动。形成完备的常效机制, 明确管理机构, 健全管理体系;明确日常管理工作内容;确立师生结合的日常工作管理机制。

4.学校党政领导支持学生艺术社团的建设。中心常年指导的书画协会、摄影协会等十多个大学生艺术社团, 已经成为广大学生艺术实践的基地、陶冶情操的家园、展示风采的窗口和校园文化建设的生力军。中心常年举办“人文艺术系列讲座”, 每周邀请至少一位国内外的学者、艺术家来校举办讲座或开展艺术展演活动, 多年来从未间断, 已成功举办50余期, 成为长沙理工大学“一道独特、靓丽的风景”。

结合中国艺术品鉴藏知识, 以长沙理工大学艺术文化科普宣传基地为依托, 开展各种实践与探索, 把中国传统文化艺术知识, 有效的应用到高校《美术鉴赏》课程教学的改革实践中, 取得一定的成效。对弘扬民族文化精神和深入发掘中国艺术品都有一定的理论意义, 对如何提高高校美术鉴赏课程的教学效果、指导当前的中国艺术品鉴藏与投资和高校美术鉴赏课程教学改革实践具有实际意义。提高大学生人文素质, 逐步培养一批有文化、有思想、有能力的艺术爱好者、收藏者和经营管理者, 他们博古通今、融会中西、有深厚的文化艺术素养、有辨别真伪的能力、能选取艺术品和如何让持有的艺术品升值, 推动高校《美术鉴赏》课程教学改革实践, 同时, 逐步推动艺术品市场可持续繁荣发展。

摘要：当代的高校美术鉴赏教学, 被列为普通高校的素质教育课程, 本文以长沙理工大学美术鉴赏教学为例, 结合中国艺术品鉴藏知识, 依托公共艺术教育中心、艺术文化科普宣传基地等几个方面来进行美术教学改革探索。

关键词：中国艺术品鉴藏,美术鉴赏,教学改革

参考文献

[1]李泽厚.美学三书[M].安徽文艺出版社, 1999

浅谈大学生美术鉴赏课程 篇3

关键词：大学生；美术鉴赏；审美素养

一、普通艺术教育的现状概述

目前，我国开设的艺术教育分为普通艺术教育、专业艺术教育和师范艺术教育。普通艺术教育不同于专业艺术教育培养艺术“生产者”和师范艺术教育培养艺术的“传递者”，其对象是所有高等院校的学生，其目标是培养艺术的“消费者”。如此看来，普通艺术教育是涉及范围最广也是最为基础的一类课程，是所有艺术类课程的基石，也是作为一个现代化知识分子的必备课程。

国家教委在抽样的364所《普通高等学校艺术教育调查报告》中显示，高等学校中开设艺术公共选修课的共301所，占被调查高校总数的82%。被调查的学校类型包括综合性院校、工科院校、师范院校以及医、农、财经、政法、外语、体育等院校，其中综合性院校开设3门以上艺术公选课的学校占被调查的综合性院校的36.36%，工科院校为48.82%，师范院校为50%，医、农、财经、政法、外语、体育等院校为29.59%。从调查结果来看，各类高等学校的普通艺术教育课程的开设率都不是很高，尤其是综合性学校和医、农、财经、政法、外语、体育等院校，并没有达到基础教育的普遍程度。

尽管有制度上的保证和鼓励以及国家教委的关注，但是不可否认普通艺术教育是现在高等素质教育的薄弱环节，需要社会上人们更多的关注与重视，以及大学生自身对其艺术鉴赏能力的培养的宿求。

二、美术鉴赏的作用

美术鉴赏作为普通艺术教育中必要的一部分，对于大学生的素质和素养的提高起到了很大的作用。主要作用有以下几点：

（一）美术鉴赏可以扩充审美知识

在进行美术鉴赏的过程中，通过了解美术作品的历史背景、民俗风情和文化内涵，广泛涉及古今中外的内容，可以增强大学生的审美知识。

（二）美术鉴赏可以丰富审美体验、陶冶审美情趣

通过教师的积极引导，可以带领同学领略不同的民族精神、人生境界，唤起同学们的理性思考，获得身心上的欢愉感。

（三）美术鉴赏可以提高大学生的创造力

美术作品可以说是艺术家们的创造性的完美体现，从每一件美术作品的欣赏过程中，学生可以体验艺术家们的想象和创造，从而反映在自己的现实生活中，提供了思维方式创新的灵感。

三、现在的大学美术鉴赏课程存在的问题

（一）学生的参与度不够高

尽管各高等院校开设了公共美术鉴赏课程，但是从公共选修课的课程的性质来说，首先需要学生有兴趣去参与这样一门课程的学习，然后是教师如何从那种一、两百人的课程中充分交给学生鉴赏的方式和锻炼学生的鉴赏能力。

（二）对于课程认识的偏差

对于美术鉴赏课程的认识偏差可以从两个方面来阐述。首先，美术鉴赏的对象肯定是美术作品，然而美术作品的意义实际是非常广泛的，包括绘画作品、雕塑作品、工艺美术作品等等，但是实际授课过程中，许多教师只是执着于绘画作品的介绍。另外，关于“鉴赏”二字的含义，“鉴”应该是鉴定，“赏”应该是欣赏。通过教师的讲解与启发，大多数学生是可以欣赏到美术作品的内涵的，但是说到鉴定，并不是每个人都能辨别事物的真伪优劣的，所以实际的课程中，学生接受到的都是欣赏的信息，而没有涉及到“鉴”。

（三）缺乏艺术规律的输入

许多教师的授课过程往往只关注某一件美术作品的外在表象，只接触作品所表现的内容，而忽视了艺术语言和规律的输入，导致学生们的整体审美水平无法得到发展，只是停留在表面的描述，无法举一反三。

四、对美术鉴赏的改进建议

（一）加强基础教育中艺术类课程的学习

大学生从小学到中学的基础教育中，接受过12年的艺术类课程的教育，但是反映在实际的美术欣赏的水平却是不够高，说明学生自身没有认真学习的意识，可能也侧面反映基础教育中学校和教师对这类课程的不重视。因此，作为一名想要成为新时代的素质教育下的优秀人才，大学生自己应该积极主动地注意培养自身的艺术鉴赏意识，在课外加强对于这类知识的补充和拓宽。

（二）改变课程性质

对于课程本身来说，公共选修课的形式注定不能满足其普遍教育的意义。因为公共选修课的上课人数过于大，一方面限制老师的授课形式，另一方面影响学生的学习效果。就现在的教育形势来看，如果想要真正培养有审美素养的学生，只有上层做出足够强势的动作——改变其课程性质。

（三）丰富授课形式

尽管在人数过多的限制下，但是教师还是应该尽力丰富其授课形式。不能仅仅限于讲解灌输，还可以采用小组讨论交流、学生自主观点的PPT展示、播放相关美术视频、参观美术馆等形式。更重要的是，课程形式的创新需要教师和学生共同的努力。

（四）结合大学美育等其他课程

鉴于其鉴赏类课程的性质，学生不能自主动手实践，但是可以加强对于艺术语言、规律、理论的介绍，既而可以跟大学美育等有关联课程结合，拓宽其实际的应用能力，打消学生们认为美术鉴赏在其他方面没有用处的想法。

五、总结

在如此强调全面人才的社会中，关于美术艺术教育方面的问题存在很久，但是总没有明显有力的措施使现况有大幅度地改变。本文希望通过对现状的分析、重要性分析、问题分析和建议，引起人们的关注与反思。最终使大学生能全面健康发展，发现美、创造美并且更有创造性的学习、生活和工作。

【作者单位：华北电力大学】

【参考文献】

[1]黄斌，我国高校公共美术鉴赏课的教学思想及设置概况，文艺生活·文艺理论，2011（6）

大学生美术鉴赏论文3000字 篇4

《《蒙娜丽莎》美术浅析》

摘要：蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。于美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。每一幅杰出的艺术品背后，都有它自己的故事，而这些故事正是吸引欣赏者的原因。

关键词：达•芬奇;女性美;思想寄托

转眼间，一学期又接近了尾声。经过一学期的学习,虽然在美术专业知识方面并未获得太多的了解，然而，我却从这门课中了解到很多美术方面的基本知识，并且了解到一些早期的绘画作品，增长了自己的见识。其中令我最为深刻的就是老师给我们讲解有关达文西的相关知识时，给我们放了一个有关“蒙娜丽莎”的视频。这个视频主要讲述了《蒙娜丽莎》的创作背景、画中人物的身份之谜以及传达的思想内涵等等。在看这个视频之前，我时常觉得《蒙娜丽莎》这幅作品没有可贵之处，毕竟对美术方面没有太多的关注与了解。而当我看完之后，我终于理解了为什么那么多人称它为经典之作，为什么她的微笑会令那么多人神往。

《蒙娜丽莎》是意大利著名画家达.芬奇在1503年到1507年间创作的，它代表达.芬奇的最高艺术成就。成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。这些朝圣般的观众心中装着各式疑问，他们渴望通过这一张温柔娴静的脸庞读出答案，然而离开时却将更多的问题带走。

画中人物坐姿优雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合,对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位,也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系,达到神韵之境。

首先是微笑的神秘，有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达.芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。

其次，蒙娜丽莎的真实身份为其添了一份神秘感。达芬奇不仅是文艺复兴时期意大利杰出画家，还在科学和哲学领域表现出过人能力，热衷于用符号和密码来传递信息。意大利国家文化遗产理事会主席西尔瓦诺·温切蒂借助显微镜观察油画中蒙娜丽莎的眼睛，发现了微小字符。发现眼中字符为蒙娜丽莎的真实身份更添神秘色彩。温切蒂推测，达·芬奇希望别人从蒙娜丽莎眼睛里发现她究竟是谁。名画问世后，人们对蒙娜丽莎的真实身份一直存在争议。

流传较广的一种说法是，她真名为莉萨·盖拉尔迪尼，是意大利佛罗伦萨一名商人的妻子;一些历史学家认为，蒙娜丽莎是达·芬奇的自画像，因为达·芬奇是同性恋，感情生活不为人知，所以他把自己画成女人形象;而美国作家丹·布朗在其所著的《达芬奇密码》一书中提到，蒙娜丽莎这个名字可能是字谜，暗指一位埃及神明。

再次，《蒙娜丽莎》背景之谜也引起很多人对其的不断的研究与探讨。加利福尼亚大学教授卡罗·佩德雷蒂认为，蒙娜丽莎身后的背景是意大利中部阿雷佐市布里阿诺桥附近的景色。佩德雷蒂的证据是，达·芬奇出生在距阿雷佐约100公里的芬奇镇，并曾经在阿雷佐生活过，这一地区的原始景观与《蒙娜丽莎》的背景几乎完全一样，因此，达·芬奇很有可能采用这一地区的田园景色作为《蒙娜丽莎》的背景。当佩德雷蒂的这一观点在达.芬奇绘画国际研讨会上宣布后，许多美术史专家都对他的研究结果表示肯定。

最后，最值得人们深思的是，《蒙娜丽莎》究竟想要传达的思想是什么?作者之所以创作这样一幅作品是有着怎样的思想寄托?

画中的蒙娜丽莎，从微笑中不仅显示出她的温雅、高尚和愉快，也显示出对新世界和新生活的欢欣和喜悦。这里没有丝毫的怀疑和恐惧，没有中世纪画家笔下人物的呆板、僵冷和对世界充满恐惧的踪影。也不像中世纪画像中那种作为神的奴仆的毫无生机的人，蒙娜丽莎是一个充满着青春和生命力的有血有肉的形象。达·芬奇用他的“蒙娜丽莎”，展示了那个伟大时代的人们新的精神风貌，揭示了人们对新生活的向往、乐观与自信。同时，也表达了他对解脱神的枷锁后的人以及人的美的热情赞颂。蒙娜丽莎的微笑，使这一人物形象具有了无限深广的意境。《蒙娜丽莎》具有了强烈的时代精神，蒙娜丽莎的微笑不仅成为了这幅肖像画的重要特征，而且成为文艺复兴时期女性美的典型，生动地体现了一个新时代的精神美。

达·芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图,透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜·丽莎就显得更加端庄、稳重。在作画时，勾起了达?芬奇对生母阿尔别的回忆，似乎从丽莎的身影中看到生母的形象，丽莎成了阿尔别拉的神秘化身。因此，大师在画丽莎时，是用真诚而纯洁的情感去描绘的，他用对母亲和情人的双重情感来尽情描绘此人的肖像。不仅如此，他还把她作为一种理想，一种美的象征，作为人类世界的欢乐和光明来描绘，他要把自己的美感和体验，用画笔传达给所有的人。文艺复兴的到来使神从神坛上走下来，成为有血有肉、有情有欲的人。

蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。《蒙娜丽莎》的成功，在于作者准确的捕捉到了模特儿最微妙的表情和最动人的瞬间。达·芬奇这种现实主义的创作方法使蒙娜丽莎富有魅力的青春被永恒而鲜活的留在画面上。《蒙娜丽莎》如亮丽的玫瑰刺破了午夜的黑暗与沉寂，给人们的心注入一缕芬芳与希望，成为画家可以放开手脚倾心颂扬真善美的象征，成为西欧人结束了漫长中世纪痛苦生活的标志，如恩格斯所说的“这是人经受煎熬而取得的最伟大的进步的转折点”。这正是《蒙娜丽莎》历史意义所在。

我们生活中离不开审美活动的过程，即感受美、理解美、创造美或审美的发现、艺术的构思、情感的表达。因为我们在创作活动中，“不仅是单纯的美术技法，而是艺术情感的表达来实现审美的价值。”无疑，蒙娜丽莎是美的，她的美充分体现在人性美上，而不局限于女性特征;或者说，她的美已经超越了性别阻隔，但这并不等于连性别都分辩不出。对于显而易见的事实还要发出荒唐的疑问，若不是别有用心也是无聊之极了。面对一幅分明令人愉悦的肖像却偏要说甚么面部麻痹症，这简直令人愤慨。人们惊叹达.芬奇卓越的绘画技巧：画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。倘若没有真实人物作参照，达.芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗?为什么今人就摹仿不出?其实这样的问题很好解答。每一个了解绘画的人都懂得，肖像画并不等同于人物原型。一幅好的肖像画首先要体现作者与表现对象间的互动;画家将自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融铸进了画中人物，这样观众从画面上读到的肯定比真实人物要丰富的多。我们了解了达.芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，上述问题也就迎刃而解。既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达·芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。

美术欣赏与美术鉴赏的区别 篇5

什么是美术鉴赏？

是被动接受和主动参与的综合的审美活动。所谓美术鉴赏，就是运用我们的视觉感知、视觉经验和相关知识对美术作品进行归类、分析、判断、体验、联系和评价，从而获得审美享受。

美术鉴赏的对象是美术作品；美术鉴赏的过程是从感受、归类、分析和判断到体验、想象和评价；美术鉴赏的目的是获得审美的享受，并理解美术作品和美术现象。

在美术鉴赏中，“鉴”是手段、是基础，“赏”是目的，“鉴”是为“赏”服务的。

“鉴”，就是甄别、归类、分析、判断，具体说，就是要弄明白一件美术作品的作者、创作年代、材料、手段或方法、语言形式和内容等直接呈现给我们的东西，以及美术作品所产生的社会、历史、文化背景等相关知识。

“赏”，就是欣赏，接受者把鉴别美术作品所获得的感受、体验、联想等与自己的审美经验相结合，进行综合的审美判断和审美评价。美术作品的直观和相关知识是美术鉴赏基础，而鉴赏者的个人的创造性参与则是对美术作品的意义和价值的进一步深化和完善，二者是相辅相成的。

1美术欣赏与美术鉴赏的区别？

“欣赏”强调一个“赏”，表示看，可以是走马观花似的；“鉴赏”则强调一个“鉴”字，有鉴别之意，要对美术作品和美术形式进行评价。美术鉴赏的过程是能提高个人审美能力，在鉴赏中陶冶情操，提升素质，为了更好鉴赏必须掌握美术史、美术理论的基本知识，它的方法一般为对不同作品进行比较研究。对于一般人来说，能否欣赏一幅绘画作品常常是能否“看懂”，他们的欣赏步骤是：画的是什么？画得像不像？画家画这种形象的寓意是什么？如果都回答出来了，便认为是看懂了，如果回答不出来，便认为是看不懂。这种方法就是一种传统的讲“故事”的方法，他们对于绘画作品的欣赏往往过多借助“文学性”的描述。那么，用这种方法来欣赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实，看得懂。如果我们从以下几个方面去欣赏绘画作品也许更能理解一些。有人提出，艺术的欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段，那么从这样三个方面去欣赏绘画作品是很有道理的。

美术鉴赏及其意义 篇6

随着社会的进步和经济的发展，人们在满足了物质生活的需要之后，对精神生活的要求也越来越高。当我们面对数量众多，风格各异的美术作品时，如何来辨别作品的好坏，如何认识和理解艺术家的表现方法，作品的意义，对作品的价值的判断以及会从内心产生喜欢或厌恶等的情绪反应。所有这些疑问的产生，都涉及到了美术的鉴赏问题。

我们闭上眼睛想象一下，我们现在身置天安门广场，天安门何等的壮丽和神圣，这是为什么呢？这来源于天安门广场的布局、空间和周围的建筑，更来自于我们对天安门的认知、回忆和想象。表面看来，它只是一座古建筑，但从审美的角度来看，它已成为象征中国历史的审美符号。我们来看一下这两幅作品，《捣练图》和《拾穗》都是以妇女劳动为题材的，前者画的是宫廷妇女捣练的场面，看上去优雅平和、富有劳动节奏的美感；后者画的则是三个妇女在麦地里急匆匆向前弯腰拾麦穗的情形，看了不禁让人产生同情。

为什么两幅同是描绘妇女劳动的场面会给人不同的感受呢？这就需要我们对作品产生的背景及画家本人来进行考察，才能理解画家的表现意图了。《捣练图》是盛唐时期的作品，从画家张萱擅长画仕女图来看，此画是以欣赏妇女劳动之美展现捣练过程为目的的风俗画，表现妇女捣练缝衣的工作场面。描绘了从捣练到熨练各种活动中的妇女们的情态，刻画了不同人物的仪容与性格。表现的是妇女捣练缝衣的场面，人物间的相互关系生动而自然。从事同一活动的人，由于身份、年龄、分工的不同，动作、表情各个不一，并且分别体现了人物的特点。人物形象逼真，刻画维肖，流畅，设色艳而不俗，反映出盛唐崇尚健康丰腴的审美情趣，代表了那个时代人物造型的典型时代风格。画家表现妇女捣练活动，不只是描绘捣练、络线、织修、熨烫等的活动过程，他既重视人物形象的塑造，而又注意刻画某些富有情趣的细节，使得所反映的内容，更具有生活气息，人物造型有唐代人物画的共同特点：脸型丰满，设色工丽。这对中国绘画来说是有积极意义的贡献。

《拾穗》是19世纪法国画家米勒所画，当时法国正处于贫富差距加大、阶级矛盾尖锐的时期，米勒居住于农村、亲身参加过田间劳动，深知农民的贫穷与艰辛，他是站在同情农村贫穷妇女的立场上来画《拾穗》的，画面的主体是三个弯腰拾麦穗的农妇而已，背景中是忙碌的人群和高高堆起的麦垛。这三人与远处的人群形成对比，她们穿着粗布衣衫和笨重的木鞋，体态健硕，谈不上美丽，更不好说优雅，只是谦卑地躬下身子，在大地里寻找零散、剩余的粮食。然而，这幅内容朴实的画作却给观众带来一种不同寻常的庄严感。米勒一般采用横的构图，让纪念碑一般的人物出现在前景的原野上。三个主体人物分别戴着红、蓝、黄色的帽子，衣服也以此为主色调，牢牢吸引住观众的视线。她们的动作富于连贯性，沉着有序，布置在画面左侧的光源照射在人物身上，使她们显得愈发结实而有忍耐力。或许长时间的弯腰劳作已经使她们感到很累了，可她们仍在坚持。尽管脸部被隐去了，而她们的动作和躯体更加富于表情——忍耐、谦卑、忠诚。

美术教师的美术鉴赏教学尝试 篇7

美感、艺术行为成为治疗的核心,那么《美术鉴赏》课程是否可以成为关键环节?

美育通过艺术教育,非艺术教育中的美育内容,以及艺术理论、美学理论学习实施。

美学(英语:Aesthetics),又称感觉学,是以对美的本质及其意义的研究为主题的学科。美学主要是研究审美,即心理学的分支学科。而美的对象,即自然美、艺术美、社会美等,无论是主观,还是客观的研究,都是经过人的感性、理性作用之后的结果。

从心理学角度看,自制力是克制个人行为的一个重要因素,而认识程度有助于改变心里状态。当一个人认识到其神秘本质,会在心态与行为上产生改变。为什么我们不让他们看清神秘本质。高中学生青春期、叛逆期的特点——独立意向及求知欲强,思想单纯,自制力差易受周围环境影响。他们处于儿童到成人的分界点,开始尝试独立思考,分析判断身边的事物。

推动思考与探索,追寻美的本质与意义。

FILMCLUB案例,TED《电影世界共同的奇迹》里面叙述的,“技术正取得史无前例的发展,而文化却变得前所未有的贫瘠。”1 000 多所学校要求加入FILMCLUB,他们已拥有近25 万儿童。将批判性思考和好奇提问的经历转化到日常生活中,心中的疑问激发他们通过影评来表述。

在很多人印象中,学生会更喜欢故事,但很多逻辑问题会让学生们积极参与其中。在学生身边会发生的事情都是他们思考的素材,人际关系、行为、个人经验……他们喜欢思考中检验自己。

教学案例:思考与探索,一个人面对两扇门,一条通往天堂,一条通往地狱。门边两个人,一个叫真实,一个叫谎言。只可以问一个问题,寻找天堂的路。

知识记忆是高中学习必须的环节,但是,在高中毕业后三至五年,高中所强化的知识记忆几乎淡忘……教育因此而失败么?没有,剩下的是能力,思考能力与解决问题的能力。

由数据,到信息,到知识,到智慧。渐进的层级关系,逻辑思维是必须的纽带。

《美术鉴赏》课程教学尝试

在《美术鉴赏》课程中,用美的对象(即自然美、艺术美、社会美)作为教学引导,切合美育目的,引导学生认清对网络、游戏、影视的“迷恋”原因。

1.由自然的感受开始,到本质与意义,自然美感。

自然美感与科学中的规则美感,由植物的自然美感,到高中数理的数列与几何分割的规则美感。看到图片的时候,很多学生都感觉很神奇,去追寻答。自然,每个人都很容易接触到的存在。人们喜欢美丽的环境,仅仅去感受还是不够的。提出高中的数列与几何分割,学生自然被导向数理的规则美感思考,加深对数学的兴趣。更深层的应用科学,也会给他们展开新的思考方向。植物叶片的立体螺旋结构,仿生学案例,空间构成,艺术美感的抽象等。科学给予你们理念,去解析这个世界。艺术行为,艺术作品,需要用理念来创造。给美丽图片,赋予符号创意的创作。

2.由个人经验开始,到社会事物、生活、现象,社会美感

《为了鸟儿们》这部奥斯卡获奖作品,用艺术美感的方式来展现人与人之间的关系,给你一个新的平台去思考。如果,你是其中一只小鸟儿……

《纸人》里,古董汽车、KTO海报、车站与报亭;办公室,眼镜,背带裤……你找到纸人的呆板与枯燥的根源吗?会滋生多彩生活的渴望吗?

BBC《角斗士》取材于一位角斗士的墓碑记录,从一个采石奴隶到成为角斗士的故事。让人身临其境,去感受古希腊与古罗马的这段文化情境。历史与思想政治教材,会成为学生最好的资料来源。另外,一些科技与信息更适合成为他们了解网络与媒体商业本质的教学题材。

3.由科技开始,揭开神秘的商业面纱

虚拟技术的高速发展,越来越真实的光影模拟,让人身临其境,极具美感却并不神秘。图片的直观,到抽象的文字,尝试图片与文字的融合———插画(插图),到漫画。由摄影到胶片电影,到计算机的虚拟技术。游戏的箱庭理论(马里奥兄弟),到红外线定位的体感游戏(xbox);“拟真环境动态群组”:*MASSIVE动态化任务面部动作模拟捕捉,这些都是影视动画作品量产的根本,看起来很真实确是程式化的量产。

例如,《冰河世纪》与《里约大冒险》制作花絮。一群热爱生活的人,寻找生活中的乐趣,并呈现在你们眼前。为什么不自己去寻找,把这些乐趣分享给其他人呢?

结语

美育的灵活取材,美的本质与意义的思考探究,可以让学生有更深刻的感悟。希望这样的教学尝试可以缓解学生身上发生的社会问题。就像宗教一样,揭开神秘的面纱,认清其本质。

摘要：尝试引导学生正确面对“网络迷恋”、“手游迷恋”等社会问题。以美的对象自然美、社会美、艺术美等展开美育教学,追寻美的本质与意义,发挥艺术类课程美育效用。

美术鉴赏教学刍议 篇8

关键词：美术；鉴赏；教学

现行的美术教学大纲要求我们：通过教学，使学生熟悉美术的媒介与形式，理解和运用视觉语言，更多地介入信息交流，共享人类社会的文化资源。这与戴博斯所提及的视觉素养概念异曲同工，他认为“人们通过看与此同时产生其他感觉，并将看与其他感受经验整合起来的一类视觉能力”对人类的学习尤为重要。进而他以三个层次对此进行论述：首先是视觉感知能力，其次是在此基础上形成的对“视觉行动、视觉物体以及自然的或人造的视觉符号”的区分理解能力，最后是使用视觉对象符号交流的能力。因此，如果能够将视觉文化的相关理念与当代美术鉴赏教学相联系，对于提高学生的视觉素养有着极为重要的作用。

在视觉文化的视野中，有一种重要的鉴赏方式，即形式分析，这一概念是沃尔夫林提出来的。他在《艺术史的基本原理》一书中，以巴洛克与文艺复兴艺术形式作为对比，阐述其形式分析理论的五对基本概念：线描与涂绘、平面与纵深、封闭与开放、多样与统一、清晰与模糊。同时，他提出了一种由“早期阶段、古典阶段、巴洛克阶段”组成的支配艺术风格历史循环发展的历史规律，这一点明显受到黑格尔的影响。紧接着，罗杰·弗莱在《塞尚及其画风的发展》中发展了形式主义，他对弗莱对塞尚作品中所描绘对象的形状、空间、区域、平面、比例、尺寸、光线等诸多因素进行了细致的考察，认为塞尚的绘画是希望通过一种几何架构对现象的无限复杂性来组织安排作品的布局结构，这种空间构成能够赋予画面一种立体感的形式。当代的格林伯格则在传统形式主义基础上，发展出新形式主义。他认为绘画之所以能够区别于其他艺术如戏剧雕塑等，最重要的唯一特性就是他的平面性，而平面性在抽象绘画艺术中的凸显恰好完整的诠释了现代性的全部特征。

因而，在我们美术鉴赏教学中，面对不同的艺术作品与时代风格，我们不应当只是孤立地照本宣科，讲讲小故事，而应该对画面中的形式问题进行前后联系，从历史与现实的交融中阐述相关问题。例如，我们在讲解文艺复兴时期的绘画作品时，就可以将文艺复兴的作品与巴洛克的作品并置在一起，将沃尔夫林的五对概念融入到讲解当中。当我们面对波提切利的《春》和乔尔乔内的《沉睡的维纳斯》，可以引导学生去观摩两幅作品在畫面形式表现中的不同，告诉学生波提切利使用的是意大利文艺复兴常用的线描技法，他在整个画面处理上并未完全采用后来达芬奇发明的空气透视与晕染技法，而是将所有物体的各个局部事无巨细地一一描绘。而乔尔乔内的作品中则采用文艺复兴威尼斯画派的涂绘技法，画面形式具有一种朦胧的效果，并非每个细节都一一交代清楚。同时，在画面整体布局中，虽然《春》的构图也独具匠心，但人物放置在整体效果上是相互平衡的，每一个人物形象都可以完全脱离其他形象而进行观赏。而在《沉睡的维纳斯》中，虽然只有三个形象（包括小狗），但形象之间具有主次关系，画面也显得更加统一集中。在此基础上，我们可以对文艺复兴时期意大利风格和威尼斯风格的技法进行常识性讲解，告诉学生，文艺复兴时期的油画技法和材料其实和我们现在的油画技法有很大的区别，《春》更多的是一种蛋彩画，而《沉睡的维纳斯》则具有了“油”的特性。

形式分析的策略是不是到此就结束了呢？显然没有。当学生初步了解了文艺复兴时期的艺术风格之后，我们可以将后来的许多相似题材作品与之进行形式上的对比。还是以乔尔乔内那幅作品为例，最典型的借鉴与区别就存在十九世纪马奈的《奥林匹亚》当中。我们可以将两幅作品放在一起再次进行比较，从而发现，虽然构图布局有很大的相似，但整体风格则明显不同，这种不同主要体现于马奈作品的平面性。正如格林伯格所述，平面性是现代艺术的最大特征，而这正始于马奈。

很多时候，我们在课堂讲解中对当代艺术中的抽象风格感到束手无策，我们无法对学生说明，为什么蒙德里安会画出那样的作品，为什么罗斯科简单地涂抹了两笔颜料，却引起了整个艺术界的轰动与随之而来的变革。主要原因在于，我们未能让学生更好地了解形式主义中的平面性问题。那么，通过对马奈作品的分析，尤其是将其与同样构图形式的乔尔乔内作品放在一起，这种视觉冲击性显而易见。通过这种并置，学生能够知道，即便是最具先锋性的现代艺术，其实也有传统艺术的根源。如果我们无法对其进行阐述，只是因为我们不懂。

通过这样的分析，学生可以大致了解形式分析的一些要素与方法，同时也可以将此带入到自己的日常生活当中，去发现我们平时认为理所当然存在的美。我们当下的很多经典设计，其实也和形式分析紧密联系。因而，通过相关策略的运用，学生可以将或许有些枯燥的课堂内容与身边熟悉的事物联系在一起，既增加其对美术鉴赏课程的兴趣，也激发起运用所学知识去生活中发现美、感受美的兴趣，从而让美术鉴赏课程在视觉文化社会中产生理应产生的教学效果。