美术鉴赏齐白石论文（精选8篇）
美术鉴赏齐白石论文 篇1
齐白石的绘画题材很广泛，早年长于人物写真，作品工细逼真;中年变格转向写意，笔简意深，形象动人。60岁后变法，融合中国传统写意画和民间绘画的表现技法，大胆创造，形成独特的画风。《群虾图》是齐白石的代表作，此作品生动地表现出了虾的透明质感。齐白石一生特别擅作花鸟虫鱼，其中最喜欢也最拿手的是画虾，为了画得逼真，他曾亲自养虾放于案头，时常观察虾的各种姿态。他的画经过再三对照，反复修改，一直到自己满意为止。齐白石所画之虾除其笔墨技巧外，主要源于生活。白石老人说：“我从小就很爱水中游动的小虾，我为它们的自由自在高兴，也为它们的互相争斗担忧，更为它们的垂危和死亡伤心。”由此可以看出，白石老人和虾的情感是不言而喻的。
并且齐老先生的虾，栩栩如生，情趣盎然。懂得笔墨也善于操纵笔墨的齐老先生，他在下笔画虾时，既能巧妙地利用墨色和笔痕表现虾的结构和质感，又以富有金石味的笔法描绘虾须和长臂钳，使纯墨色的结构里也有着丰富的意味，有着高妙的技巧。尤其是对虾的精神状态，虾的有弹力的透明体，虾在水中浮游的动势。把艺术造型的“形”“质”“动”三个要素完满的表现出来。(白石翁画虾，乃河虾与对虾二者惬意的“合象”。——李苦禅)(虾的精神状态，虾的有弹力的透明体，虾在水中浮游的动势。把艺术造型的“形”“质”“动”三个要素完满的表现出来。这样丰富的内容，齐白石先生用的是及简练的笔墨，不能多一笔，也不能少一笔，一笔一笔可以数得出来。——叶浅予)这样丰富的内容，齐老先生用的是及简练的笔墨，不能多一笔，也不能少一笔，一笔一笔可以数得出来。齐老先生经过数十年的艺术探索，能够把握对象活的形貌、质量感、运动方式、环境关系及个性特征，否则画得再似，也形同死物。他画虾就是通过毕生的观察，力求深入表现它们的形神特征。齐老先生画虾已入化境，在简括的笔墨中表现了游弋水中的群虾。粗壮、浓厚的茨菇，与群虾的透明、轻灵纤细形成对比，体现出晚年的齐老先生画艺的成熟。下面从《虾趣》用墨、虾的形态、虾的用笔三方面对此画作简要赏析。
一、从墨法上看，用淡墨画虾体，用浓墨点睛，把墨、水与宣纸结合的气韵效果把握得很好，使虾看起来通体透明，形象生动。墨色的深浅浓淡，表现出一种动感。一对浓墨眼睛，脑袋中间用一点焦墨，增加了虾头的重量感，在左右点上几笔淡淡的墨，虾的头部在晶莹剔透中有显得变化多端。虾的腰部再用淡墨点出，与头部重墨形成明显的对比，把透明的、游动的、活生生的虾形象表现的淋漓尽致。形神与笔墨的完美结合，可以说前无古人，开拓了中国意笔写实型水墨用法，对中国一大批水墨写实画家有着巨大影响。
二、从虾的形态上说，齐老先生画虾，多为“长臂虾”，晚年的齐老先生画虾以“白虾”为模特，追求形神兼备，《虾戏》中8只虾形态各异，有的嬉戏打闹，有的左顾右盼，有的交头接耳。中间几只虾看似拥挤，实则繁而不乱，细细观察每只虾都清晰可辨，画的惟妙惟肖。虾是一种群居动物，最喜欢的就是在一块打闹，这幅画中的虾正是他们相互嬉戏时场景的在现，无怪此幅画称之《虾戏》。画作为人内心世界的反应，关于白石老人，我们从这幅画中也可追寻。虾极具有观赏性，需要很高文化素养的人才能欣赏到它的美，白石老人具有很高的文化修养。虾好动，充满活力，从中我们可以看到一个乐观、自足、充满活力和情趣的老人形象。
三、从作者用笔的变化看，简单几笔淡墨侧锋用笔，使虾的腰部呈现各种异态，有躬腰向前的，有直腰游荡的，也有弯腰爬行的，增添了虾的透明度和动态感，让人觉得它富有弹性和生命气息。虾的尾部也是通过寥寥几笔淡墨，使虾表现的既有弹力，又有透明感。虾的一对前爪，由细而粗，数节之间直到两螯，形似钳子，有开有合，用圆润而有力度的淡淡的笔墨使虾显得更有活力。虾的触须用数条淡墨线画出。此外，为表现出那种透视感，用虚实结合，简略得宜，似柔实刚，似断实连，直中有曲，乱小有序的线条，使纸上之虾看似在水中嬉戏游动，触须也像似动非动，力求深入表现它们的形神特征。
齐白石懂得笔墨也善于操纵笔墨所以表现的虾的形态，活泼、灵敏、机警，有生命力。是因为掌握了虾的特征，所以画起来得心应手。寥寥几笔，用墨色的深浅浓淡，表现出一种动感。齐白石的虾，栩栩如生，情趣盎然。齐白石的虾，灵动活泼，神韵充盈。他先用淡墨掷笔，绘成躯体，浸润之色，更显虾体晶莹剔透之感。再以浓墨竖点为睛，横写为脑，落墨成金，笔笔传神。后以细笔写须、爪、大螯，刚柔并济、凝练传神，高度地显示出画家高妙的艺术功力。
齐白石将中国画的精神与时代精神统一地完美无瑕，使中国画得到了世界的重视，他对花鸟虫鱼、山水、人物样样精通，在现代的中国绘画史上创造了一个质朴清新的艺术世界，他以经典的笔墨意趣传达着中国画的现代艺术精神，他深深得益于传统而又善于出新，由此他的画能够直接撼动人心并向我们传达着生命的智慧和生活的哲理。他的山水画表达他对自己艺术创新的自信与深刻体悟，他的人物画长于传神达情，他以简约大方、雄健浑厚的笔意融入其作品，使其做到尽善尽美。当今为世人所称道的是还他的写意花鸟，尤其以虾著称。
齐白石画的鱼没有一根线表现水，却能让人看到江河，嗅到水香，盛赞中国画的无穷魅力。我破门通过对了解齐白石及其《群虾图》的艺术和其画虾的历程，可以我们我深深的感受到白石老人伟大的艺术成就及其对艺术那种孜孜不倦的追求和刻苦钻研的精神，这种对艺术永无止境的探索是值得我们深思和学习的。
美术鉴赏齐白石论文 篇2
美感、艺术行为成为治疗的核心,那么《美术鉴赏》课程是否可以成为关键环节?
美育通过艺术教育,非艺术教育中的美育内容,以及艺术理论、美学理论学习实施。
美学(英语:Aesthetics),又称感觉学,是以对美的本质及其意义的研究为主题的学科。美学主要是研究审美,即心理学的分支学科。而美的对象,即自然美、艺术美、社会美等,无论是主观,还是客观的研究,都是经过人的感性、理性作用之后的结果。
从心理学角度看,自制力是克制个人行为的一个重要因素,而认识程度有助于改变心里状态。当一个人认识到其神秘本质,会在心态与行为上产生改变。为什么我们不让他们看清神秘本质。高中学生青春期、叛逆期的特点——独立意向及求知欲强,思想单纯,自制力差易受周围环境影响。他们处于儿童到成人的分界点,开始尝试独立思考,分析判断身边的事物。
推动思考与探索,追寻美的本质与意义。
FILMCLUB案例,TED《电影世界共同的奇迹》里面叙述的,“技术正取得史无前例的发展,而文化却变得前所未有的贫瘠。”1 000 多所学校要求加入FILMCLUB,他们已拥有近25 万儿童。将批判性思考和好奇提问的经历转化到日常生活中,心中的疑问激发他们通过影评来表述。
在很多人印象中,学生会更喜欢故事,但很多逻辑问题会让学生们积极参与其中。在学生身边会发生的事情都是他们思考的素材,人际关系、行为、个人经验……他们喜欢思考中检验自己。
教学案例:思考与探索,一个人面对两扇门,一条通往天堂,一条通往地狱。门边两个人,一个叫真实,一个叫谎言。只可以问一个问题,寻找天堂的路。
知识记忆是高中学习必须的环节,但是,在高中毕业后三至五年,高中所强化的知识记忆几乎淡忘……教育因此而失败么?没有,剩下的是能力,思考能力与解决问题的能力。
由数据,到信息,到知识,到智慧。渐进的层级关系,逻辑思维是必须的纽带。
《美术鉴赏》课程教学尝试
在《美术鉴赏》课程中,用美的对象(即自然美、艺术美、社会美)作为教学引导,切合美育目的,引导学生认清对网络、游戏、影视的“迷恋”原因。
1.由自然的感受开始,到本质与意义,自然美感。
自然美感与科学中的规则美感,由植物的自然美感,到高中数理的数列与几何分割的规则美感。看到图片的时候,很多学生都感觉很神奇,去追寻答。自然,每个人都很容易接触到的存在。人们喜欢美丽的环境,仅仅去感受还是不够的。提出高中的数列与几何分割,学生自然被导向数理的规则美感思考,加深对数学的兴趣。更深层的应用科学,也会给他们展开新的思考方向。植物叶片的立体螺旋结构,仿生学案例,空间构成,艺术美感的抽象等。科学给予你们理念,去解析这个世界。艺术行为,艺术作品,需要用理念来创造。给美丽图片,赋予符号创意的创作。
2.由个人经验开始,到社会事物、生活、现象,社会美感
《为了鸟儿们》这部奥斯卡获奖作品,用艺术美感的方式来展现人与人之间的关系,给你一个新的平台去思考。如果,你是其中一只小鸟儿……
《纸人》里,古董汽车、KTO海报、车站与报亭;办公室,眼镜,背带裤……你找到纸人的呆板与枯燥的根源吗?会滋生多彩生活的渴望吗?
BBC《角斗士》取材于一位角斗士的墓碑记录,从一个采石奴隶到成为角斗士的故事。让人身临其境,去感受古希腊与古罗马的这段文化情境。历史与思想政治教材,会成为学生最好的资料来源。另外,一些科技与信息更适合成为他们了解网络与媒体商业本质的教学题材。
3.由科技开始,揭开神秘的商业面纱
虚拟技术的高速发展,越来越真实的光影模拟,让人身临其境,极具美感却并不神秘。图片的直观,到抽象的文字,尝试图片与文字的融合———插画(插图),到漫画。由摄影到胶片电影,到计算机的虚拟技术。游戏的箱庭理论(马里奥兄弟),到红外线定位的体感游戏(xbox);“拟真环境动态群组”:*MASSIVE动态化任务面部动作模拟捕捉,这些都是影视动画作品量产的根本,看起来很真实确是程式化的量产。
例如,《冰河世纪》与《里约大冒险》制作花絮。一群热爱生活的人,寻找生活中的乐趣,并呈现在你们眼前。为什么不自己去寻找,把这些乐趣分享给其他人呢?
结语
美育的灵活取材,美的本质与意义的思考探究,可以让学生有更深刻的感悟。希望这样的教学尝试可以缓解学生身上发生的社会问题。就像宗教一样,揭开神秘的面纱,认清其本质。
摘要：尝试引导学生正确面对“网络迷恋”、“手游迷恋”等社会问题。以美的对象自然美、社会美、艺术美等展开美育教学,追寻美的本质与意义,发挥艺术类课程美育效用。
齐白石《六虾》鉴赏评析 篇3
关键词：齐白石；画虾；《六虾图》
齐白石先生是集诗、书、印、画于一身，将近现代文人画推向高峰的艺术巨匠，是近现代中国的绘画大师。白石翁擅长绘花鸟虫鱼，山水人物，意境浓厚朴实纯真，造型生动简明统一，色彩明快表现力十足，笔墨雄浑精微而滋润。其所绘的鱼虾虫蟹，更是天趣横生。齐白石画虾足以称得上是画坛一绝，所作虾个个栩栩如生，灵动活泼，而他为董其武先生所绘的《六虾图》也是传奇精品，整幅画流畅通达，意境丰满，六只虾也俱是传神妙笔。
一、齐白石其人
1864年元旦（清同治二年癸亥十一月二十二日），齐白石出生于湖南湘潭县白石铺杏子坞星斗塘。名纯芝，字渭清，后老师又为其取名为璜，取字频生，号白石，别号白石山翁、寄萍堂主人、借山翁等。白石生在一个贫穷家中，经历过从砍柴牧牛到学做木匠，又从雕花匠到画匠，最后由诗画篆刻渐渐成名。齐白石在他的自传中写道：“穷人家的孩子，能够长大成人，在社会上出头的，真是难苦登天。”这其中的艰辛困苦在白石先生回顾其一生时也是千言万语，百感交集。
齐白石四岁的时候跟随祖父初识字受启蒙，八岁时开始在外祖父周雨若公的蒙馆中学习。那时学习便是拿着书拼命死背以及写字，在读书写字有些腻烦时，齐白石便私下里画起画来，这大概便是他初拾画笔的时候。先是画人物神像，后又画了花卉、草木、飞禽、走兽、虫鱼，等等，凡是眼睛能看到的东西他都要画一画，从此，便对绘画有着莫大的兴趣。十六岁的时候，齐白石开始跟随一雕花木匠周之美学习雕花木工，在闲暇之余便临摹一部自己勾影出来的《芥子园画谱》，翻来覆去地临摹便也积存了不少画稿。之后正式拜了名传鑫、号芗陔的萧师傅为师学习画人物肖像。二十七岁时，齐白石拜胡沁园、陈少蕃两位名士为师开始专心学习诗文绘画，并靠画人像挣得稍许钱财养家糊口。之后又游历各地，结交了蔡锷、黄兴、陈师曾、姚茫父等名士。随着时间的推移，齐白石的绘画、诗书、篆刻的水平逐渐提升，方法也不断变换，成为中国画界的泰斗人物和一代宗师。1953年，更是被文化部授予杰出的“人民艺术家”的称号，当选为中国美术家协会的第一任理事会主席。1956年，齐白石被世界和平理事会授予国际和平奖。1963年，齐白石先生被评选为世界十大文化名人之一。
齐白石生在五十七岁后定居北京，然而“故里山花此时开也”，故乡的一草一木他都不曾忘怀，甚至于作为一种思想念拖跟随白石来到北京并以一种艺术的形式被展示传达开来，并且常会以农民眼中的花草树木来体现一种原生态淳朴的乡村风貌，以物传情，表达感情。齐白石笔下的许多作品都能体现出他的怀乡恋乡情怀，一种对本质的认可和守护。齐白石一生对艺术的追求从不牵扯仕途官场之意，他疲于应酬，与世无争，始终保持一颗纯真朴实之心，人们时常能在他的作品中感受到他的童真之心，童真之美。热烈活泼的明快色彩，浑厚简明的笔法，工与写的艺术语言和视觉效果都充盈在齐白石的画作中。晚年的白石来人更趋于简明之风，追求一种“妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世”的艺术态度，突破致力于形似，在简浅的一笔一画中凸显神韵，使得齐白石将艺术与民族，艺术与人民，艺术与社会，艺术与情感相融会贯通，创造出许多雅俗共赏的名作珍品。
二、齐白石画虾
齐白石八九岁跟着外祖父学习的时候，初拾画笔，因在农村，见到的鸡、鸭、鱼、虾、螃蟹、青蛙都会画一画。齐白石从小生活在水池边，家门前的池塘里有着许多鱼虾小蟹，他常常跑去钓虾玩，那时便对虾的形态体貌、生活习性有着细微的观察和了解。青年时他开始逐渐画虾，后又多以临摹为主，他临摹过明清画家徐渭、李复堂等画家画的虾图。六十岁之前都可以称得上是齐白石的模仿时期，那时候画出来的虾很单一，没有色彩，也没有动感。齐白石六十三岁时画虾已很相像，但是为了精益求精、追求神似以及“活”，他还特意在碗中养了几只长臂虾，置于画案上每日仔细观察，画法也逐渐变化，所绘虾有了重墨淡彩和活态。《齐白石·鱼虫虾蟹》讲述到：齐白石早期画虾，基本上是青虾（河虾）的造型，而且较多数为游动群虾，用小号羊毫笔，其质感和透明度不是很强，虾的腿和须画得短密且欠弹性，后腿呈排列状且多至八九条。为求神似，老人七十岁后画虾，与以往早年的画法不同，加大并明确了虾身的起伏角度。八十岁后，齐白石删繁就简，不再画繁复的群虾，只为几只虾传神，所绘虾灵巧生动活泼。
齐白石抓住虾的主要特性，寥寥几笔便能勾画出一只活灵活现、神气十足的虾，体现了他高超的笔墨技艺，将虾的体与态表现得淋漓尽致。虾的腰部由一笔一画勾出，由粗至细；虾壳硬而透明；眼睛浓墨有神；利用下笔墨水的浅淡浓重，凸显虾的活态。叶浅予曾评论道：“虾的精神状态，虾的有弹力的透明体，虾在水中浮游的动势。把艺术造型的“形”“质”“动”三个要素完满地表现出来，这样丰富的内容，齐白石先生用的是极简练的笔墨，不能多一笔，也不能少一笔，一笔一笔可以数得出来。”《群虾图》、《游虾图》以及《六虾图》都是齐白石虾作中的经典佳品。
三、《六虾图》
齐白石的《六虾图》是他在1948年八十八岁时，为贺抗日民族英雄董其武将军的生辰所作。这幅画横34厘米，纵108.2厘米，极具气势。
董其武，1899年11月出生在山西省河津市樊村镇的固镇村的一个穷苦人家中。1919年在太原考入学兵团，在1927年参加了北伐战争，随后在“绥远抗战”中一举将日伪军歼灭，被誉为“抗日民族英雄”，先后率部队参加过平型关战役、绥南战役、包头战役以及五原战役等，为迅速和平解放全中国做出了重大贡献。董其武将军是一位伟大的爱国主义者，在1955年被授予上将军衔，荣获一级解放勋章，被毛泽东评道：“董其武不可不授上将军衔”。1988年7月还被授予胜利荣誉章。
董其武可谓是一位高级将领和杰出的军事家，但他同样具有文人般的内涵和才气。在1941年举行的庆祝开国大典暨绥远和平起义大会上，他激动地赋诗表达内心：“为迎春风排万难，义旗终插青山颠。弃暗投明党指路，起死回生恩胜天……”他时常在迎喜事遇大事时吟诗表怀，也常与许多文化名人像郭沫若、老舍、臧克家、齐白石等人接触交流，常有往来。就在董其武将军五十五岁华诞时，齐白石大师挥毫绘出这幅《六虾图》赠送给董将军以贺其生辰，以六只虾的“六”来祝愿将军能够“六六大顺”。
《六虾图》创作时正值齐白石艺术创作的巅峰之时，而这幅画更是成为白石翁“画虾最成熟改造”后的精品之作。整幅画中，上疏下密，局部与整体布局独特而统一。六只虾跃然纸上，活灵活现，各具姿态，不禁让人觉得这六只虾实为可爱活泼。画中，最上方为一只虾，往下是与其相邻的两只相靠略近的虾，位于下方的是三只紧密围绕的虾。每只虾都是六根长胡须，但每根须又不尽相同，各具形态方向，落笔较轻，墨色较浅；虾的两只脚墨色则较须略深重，类似墨色的腰身由宽渐窄，且起伏弯曲尽显动态；一双重墨绘成的眼怕是整只虾身中颜色最为深重的，每只虾的那对墨眼都炯炯有神，极富神采韵味。从这幅画中可以深切感受到白石老人的真诚童心，下方的三只虾对头嬉戏，引得上方的三只虾也欲争相赶来一起玩耍，六只虾形态各异，有的屈腰前进，有的挺直休息，有的驻足观望，有的想凑似在耳语，有的追赶……愉快欢乐之意在画中的六只虾上随处可观可感。这幅画虽未见河流，但画中大片留白，给人以无限遐想，白石先生运用高超的笔墨技术，将六只虾在水中游走嬉戏的场面描绘得淋漓尽致。画面右侧为题写的直款，笔墨由深至浅，一气呵成浑然雄厚，最后落下一枚鲜红的印章。《六虾图》整篇和谐而趣味无穷，实属精品佳作。
《六虾图》是美国斯蒂娜艺术品拍卖公司的拍卖品，由收藏家张大千先生的好友朱继荣先生提供。这幅画被保存得十分完好，画面干净完整，墨色仍滋润有色，历经六十三年才从海外归来。由此可见，《六虾图》所具有的价值是极高的。而其所具有的情感价值为这幅画增彩无数也使得它的价值更上升许多。齐白石所绘的虾图中有六只数目的很稀少，这幅画凑得六这个数目就是想要借中国的俗语“六六大顺”来祝福董其武将军，而董其武先生始终为了中国的革命事业不断努力，为解放全中国的人民而奋斗，白石先生祝愿董其武将军“六六大顺”也就是在祝福中国的革命，祝福中国人民的解放事业一直顺利取得成功。《六虾图》深切地反映了齐白石先生和董其武将军强烈的爱国之心和民族精神，表达了中国人民迫切希望中国早日取得革命的胜利，获得解放和自由，过上像图中虾一样悠闲自在和平安宁的幸福生活。
一幅画能够为多数人所喜爱和认同，不仅需要画家有着高超的绘画技术，对色墨的敏感和掌控度，更需要对生活的感悟，对国家和人民的热爱，画中要寄存无限的情感。《六虾图》正是这样一幅受大众喜欢和赞赏的画。因为齐白石老先生将生活融入了艺术，从生活中寻找发现艺术，以生活为支点创作艺术，用艺术表达情感，鼓励他人，所以能够绘出这样出色完美的画作。
四、结语
“苦把流光换画禅，功夫深处尽天然。”齐白石在晚年所作的《六虾图》，六只虾形体各异，神态迥然，精力十足。整幅画卷浑然天成，笔墨落款恰到好处，意境十足，感情充沛。充分体现了白石翁的绘画技艺，对笔墨色彩的掌控极佳。像《六虾图》这样出色的画作，齐白石还画过不少，能够创造出这些佳品，与他的品性、人生态度分不开。齐白石一生为人谦虚务实，认真仔细，不断创新，热爱国家、人民，爱好和平。这些优秀的品质使得齐白石受到国人乃至全世界的赞赏和尊敬。
参考文献：
[1]刘传兵.齐白石<六虾图>[J].名作欣赏，2012，（15）：168.
[2]恽甫铭.功夫深处尽天然——齐白石<六虾图>赏析[J].收藏家，2011.
[3]齐白石.齐白石自传[M].南京：江苏文艺出版社，2012.
[4]饶微.学齐白石画虾、蟹[M].南京：江苏美术出版社，2010.
作者简介：
美术鉴赏齐白石论文 篇4
《人民艺术家——齐白石》是五年级下册第一课的教学内容，本课将通过欣赏齐白石的作品及了解其人其事，使学生初步理解中国画特有的表现形式和特点，感受画家的人格魅力，从而使学生提高对中国画的艺术审美能力，增强民族自尊心和自豪感。
在备课时由于本节课是欣赏评述课，学生是否对齐白石以及中国画欣赏感兴趣是我首先要考虑的。在导入环节，我播放了一段有关齐白石的生平简介的短片。出乎意料的是同学们立刻被短片中的人物介绍所吸引，对这位被授予“人民艺术家“称号的国画大师产生了浓厚的兴趣。接下来的讲课过程中，我采用学生自主学习的方式，将对齐白石作品的欣赏环节交给学生来自己主持和介绍。每一小组重点分析一幅作品，小组交流讨论后推选一位同学为大家介绍，然后小组其他同学再给予补充，最后教师根据学生的介绍情况，进行适当的总结和补充。同学们在整个过程中积极参与，踊跃回答问题。有的同学对齐白石的作品分析的头头是道，并大胆的说出自己的一些独特见解，让人忍俊不禁。在课堂上我并不批评学生的欣赏不正确，让每位同学都能轻松地讲出自己的感受和观点。这节欣赏课，学生们的积极性普遍很高，收到了良好的教学效果。
通过这节欣赏课，我发现不仅是画家画画时注重留白，为学生讲课也是如此，美术欣赏更是如此。教学并不只是教师一味的讲解，多给学生留一点思考的时间与空间，让学生自己回味，会使学生对美术作品有更深的体会。“蛙声十里出山泉”，白石老人的画深深的吸引了学生，也在教学上给了我一些新的认识和启发。五年级美术《人民艺术家—齐白石》教学反思
《人民艺术家——齐白石》是五年级下册第一课的教学内容，本课将通过欣赏齐白石的作品及了解其人其事，使学生初步理解中国画特有的表现形式和特点，感受画家的人格魅力，从而使学生提高对中国画的艺术审美能力，增强民族自尊心和自豪感。
在备课时由于本节课是欣赏评述课，学生是否对齐白石以及中国画欣赏感兴趣是我首先要考虑的。在导入环节，我播放了一段有关齐白石的生平简介的短片。出乎意料的是同学们立刻被短片中的人物介绍所吸引，对这位被授予“人民艺术家“称号的国画大师产生了浓厚的兴趣。接下来的讲课过程中，我采用学生自主学习的方式，将对齐白石作品的欣赏环节交给学生来自己主持和介绍。每一小组重点分析一幅作品，小组交流讨论后推选一位同学为大家介绍，然后小组其他同学再给予补充，最后教师根据学生的介绍情况，进行适当的总结和补充。同学们在整个过程中积极参与，踊跃回答问题。有的同学对齐白石的作品分析的头头是道，并大胆的说出自己的一些独特见解，让人忍俊不禁。在课堂上我并不批评学生的欣赏不正确，让每位同学都能轻松地讲出自己的感受和观点。这节欣赏课，学生们的积极性普遍很高，收到了良好的教学效果。
美术鉴赏齐白石论文 篇5
摘要：
关键词：美术
西方艺术
中国画
美育的意义
这学期我选修了薛文勇老师的美术鉴赏课，本来只是修着玩玩的心态去的，因为从小到大我都感觉我自己是一个没有艺术细胞的孩子，和美术这类艺术根本无法挂钩。可是近半学期的美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足的领域，带到了一个艺术的殿堂。尤其是课堂上老师的幽默谈吐、漂亮的PPT、精明的视频让我受益匪浅。这些都让我对美术鉴赏有了新的认识。
美术鉴赏 老师第一节课就给我们谈了，什么是美术，艺术，鉴赏以及为什么要学美术、会艺术、会鉴赏。通过他的一席话使我了解了学习美术的必要性。下面结合资料信息来了解美术鉴赏的含义。
纵观人类的所有活动，我们可以说，美术是最具人性意味的，因为它具有非常强的综合性，既诉诸人的心理，又诉诸人的生理，既针对人的理性，又针对人的情感、感性。在这方面，科学可能要逊色得多。因为科学主要诉诸于人的理性，如果处理不当，会人的其他方面造成影响。所以，鲁迅先生说∶“盖举世唯知识之崇，人生必大归于枯寂，如是既久，则美上之感情漓，明敏之思想失，美术活动一般而言，必须与人的理智发生联系，这几乎是无争的事实。文艺复兴时期美术中科学原则的确立，就已经说明了这一问题。
在美术活动中，主要诉诸的是视觉，而视觉又是人的主要感觉。心理学的研究已经证明，人所需要的信息，80%以上是通过视觉所获得的。视觉不仅给人的生存提供必要的信息，而且也是人生乐趣与幸福的一个重要源泉。
然而，我们中的很多人并不善于运用自己的视觉，这样既使得信息量相对减少，更使得生活的情趣大为降低。科学与美术一样，均需用眼，但两者运用的方式并不一样。科学只是将世界的表象作为导向把握其本质的一个途径，美术同样注意世界的本质，但似乎更为注意对世界表象的观察和玩味。我们的眼睛应该既看事物的本质，又看事物的外表，在这方面似乎只有美术家做得最好。一般人在儿童时期，还比较注意事物的外表，而一旦长大就抛弃了这一良好的习惯。
而所谓美术鉴赏是运用自己的视觉感知、过去已经有的生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏又称“美育”——美术教育。美术鉴赏有助于人的全面思维。美术鉴赏通过审美活动可以陶冶人的情操，增强人的审美感受，造就健全的人格。提高审美修养最终目的是使人成为个性全面发展的人，成为心理结构完善发展的人，成为与自然、社会和谐统一、协调前行的人。而在谈美术鉴赏之前先讲讲艺术是什么。艺术，此前一直以为只是人在物质生活得到满足之后，对精神生活的一种追求，直到选修了这堂美术鉴赏课后才对艺术有了一个大概的系统 的正确的认识。艺术不仅仅是人们在温饱之后才会有的消遣，事实上，只要有人类生存就有艺术的存在。比如远古象形字就是艺术。从网上得到的艺术定义为: 反映当地社会生活，满足人们精神需求的意识形态。事实上，艺术是一个空泛、混乱的词，通常需要更加空泛的 语言来描述这个词，结果导致人们知道有艺术这个词，却不知道艺术具体指的是什么；一个不能统一的概念，实际上人类不统一的感知系统才是 这个词的基础，也导致了艺术的相对有限性。然而，人们还是在一定程度上对艺术给出了定义：
1、艺术是对现实生活的模仿和再现。
2、艺术 是创作主题情感的传达和心灵直觉的显现。
3、艺术是一种有意味的形式。而对艺术的含义，还有一种相对抽象一点的诠释：所谓艺术,就是指人 类根据社会生活运用一定的物质文化实体,遵循一定审美或反审美规律，创造极具大美学特征的精神文化的创造性行为或结果。
而美术鉴赏的含义呢？美术鉴赏这门学问改变了人们的观看方式。美术鉴赏是运用自己的视觉感知、过去已经有的生活经验和文化知识对美 术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。欣赏一般局限于感知、想象、情感体验等感性认识方面。而鉴赏是运用视觉感知以及其他器官的综合作用、生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象。即从感性认识上升到理性的一种比较深刻的认识。在美术鉴赏的基础上就能够产生一定的“美术批评”，自己根据一定的标准，对美术作品或美术现象所做出的理论分析和价值判断。
而经过了一学期《美术鉴赏》课的学习，我欣赏到了许多中西方不同类型的美术作品、绘画风格，对西方美术的发展有了进一步的了解，并从中感受到了西方艺术的特点和与东方艺术的异同。
首先接触的是东方绘画，主要是中国画。对于此，我也有了一些了解：
中国画是中国传统绘画的主要种类。中国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方输入的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。
中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。
中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。
.而通过半学期的课程，我也了解到西方造型艺术是以模仿自然为目的。为了栩栩如生再现自然，西方绘画努力发明着种种技巧和手法来实现这一目的，尤其在以人物为主题的绘画中表现最突出。艺术家在模仿事物外在形象的时候，通过比例、对称、完美地表现事物。达芬奇的《蒙娜丽莎》、凡高的《自画像》、拉斐尔的《圣母图》虽然他们给人的感觉是不同的，但他们都很像，表现真实的一面，都达到了艺术的高峰。
在我欣赏的众多作品中，让我印象最深的是《蒙娜丽莎》神秘的微笑。它的神秘让我深陷其中……当我们注视画面上部分时，我们能感觉得到弯曲的嘴角，淡淡的微笑，然而当我们直视画面中蒙娜丽莎嘴巴时，那微笑又仿佛消失一样。确实，在不同角度不同光线下欣赏这幅画，人们都会得到不同的感受。那微笑时而温文尔雅，时而安详严肃，时而略带哀伤，时而又有几分讽嘲与揶揄，神秘莫测的微笑显露出人物神秘莫测的心灵活动。这神秘的微笑就是达芬奇利用了独特的技巧巧妙地勾勒出来的。数百年来，我们不断寻找那神秘微笑背后的故事……在反复欣赏幅画，我不得不感叹西方艺术的高超，并为达芬奇的才能所倾倒。是这位伟大的画家发明能创造神秘微笑的技巧，创造了让世人迷恋的《蒙娜丽莎》……
在课堂中鉴赏的绘画作品中，我还喜欢拉斐尔的圣母画。他的一系列圣母图像，都以母性的温情和青春健美而体现了人文主义思想。拉斐尔的艺术深沉，含蓄，富有理智，充满智慧……我喜欢圣母的慈祥，深情注视的目光，孩子的纯真、浪漫。在一系列的圣母图中，我们可以感觉到整体画面极具古典美，神圣，温馨。仿佛我们可以感受到人物里的温暖互动，深情的母爱。在《阿尔巴圣母》首先给我们整体画面感觉宁静、祥和。我喜欢这幅作品犹如天国仙境的背景，置身其中的圣母深情注视着她的孩子，孩子正天真玩耍。从画面传递的幸福是我们感觉得到的美。
对于这学期选修的这门美术鉴赏。我觉得这门课我选的很正确，我们每个人都应该有鉴赏的能力，知道好与不好，知道好在哪不好在哪。这样我们这些思维偏逻辑的人也能以艺术家的角度观察周围的一切，说不定会有新的思路，问题说不定会迎刃而解。
而大学开设美术鉴赏课就是为了更好的培养我们，提高我们的素质，最根本地是提升了我们的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。美术鉴赏有益于我们灵魂的雕刻和人格的完善。艺术教育注重开发和挖掘人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。人的全面发展，正如恩格斯所认为的那样，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是专一多能的素质型发展。鉴于此，大学生的艺术素养已经日益融入时代的潮流之中，倍受人们的重视与关注。
美术鉴赏 篇6
一教材分析：
1、教学目标：①什么是美术作品的艺术美和形式美②美术作品的艺术美和形式美的基本原则及其在作品中的主要表现。
2、教学重点：美术作品的艺术美和形式美并不完全是现实的直接反映，也不等同于人们一般所说的“漂亮”或“好看”，而是由艺术家借助美术的特定语言、手段和法则创造出美术自身的美，而这种美又是多样的，即不同类型的美术作品由于艺术家所采用的语言、材料、手段等不同而产生的艺术美和形式美就大异其趣。为了说明这一点，在这里就必须紧紧围绕美术的语言元素和语言规则两个方面来讲解，因为美术作品的艺术美和形式美主要就是通过它们来实现的。
3、教学难点：主要在于美术作品的艺术美和形式美既是具体的又是抽象的。应特别注意对概念的讲解，并在概念与作品之间建立联系，即注重通过作品来讲解概念，以使学生对美术作品的艺术美和形式美的认识有形象的依据。
这里的难点还包括对美术作品的艺术美与形式美之间异同的讲解，课文中并没有特别给予说明，只是在课文的第三部分简要地指出了这个问题，美术作品的艺术美和形式美之间既有重合的地方也彼此独立。艺术美包括内容与形式两个方面。也就是说，艺术美是由内容与形式的统一来实现的。而形式美更强调实现内容的手段，即手段本身的美，其中包括语言的构成关系和所使用的材料的特质。
二、教学方法：
1、利用图片展示介绍知识，吸引学生注意力，使学生在兴趣中学习。
2、充分利用多媒体教具和图片，不断采用欣赏·启发·归纳相结合的教学方法。
三、学法指导：
1、引导学生采用观赏观察、实践、讨论、归纳的方法学习，用多媒体展示相关音乐和建筑图片，并巧妙导出本课。
2、讨论法，小组合作法。通过学生的小组合作，解决学生的个别差异，要求全组同学共同讨论。
四、教学过程：
一、导入：用多媒体展示雕塑图片《欧米艾尔》。
小结：美术作品的艺术美是艺术所特有的美。美术作品是由艺术家创造出的不同于现实生活的第二自然。它的美不同于一般人的“漂亮”或“好看”的审美观念。这种根深蒂固的观念不仅影响了人们对美术的认识，也有碍于对美术作品的鉴赏。
二、新知探究：环节
一、什么是艺术美，它有哪些表现？
美术作品中的艺术美不等同现实在的“漂亮”和“好看”，而是通过特定的美术形象表现出来的艺术自身的美。艺术美又称第二自然。是相对自然美来说的。
1、美术形象：指一件美术作品中个别的、具体的、完整的艺术形象，也是指一件美术作品中由这种个别的、具体的、完整的艺术形象所形成的综合的整体的艺术形象。
教师活动：投放多媒体图片《艾普色姆的赛马》和《记录马奔跑过程的连续摄影》。结合第三课“艺术形象”这一概念进行讲解。
学生活动：欣赏图片，小组讨论，分析美术作品的艺术美。
环节
二、什么是形式美：如何理解和把握形式美：
美术作品的形式美的构成：A、语言元素（点、线、面、色）及其构成的形态变化。B、语言手段（明暗、空间，透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象。C、语言规则（变化与统一，对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等）及其所构成的审美关系。
教师活动：投放潘天寿的作品《雄视》，讲解什么是形式美，指出美术作品的艺术美和形式美既相互包含、渗透又彼此具有独立性。
学生活动：欣赏图片，理解美术作品的形式美。
三、拓展：提高实践能力
1、以一件作品为例深入分析作品的形式及其形式美。
2、通过具体作品了解艺术美和形式美在形态上的差异。
四、要点回顾：
1、什么是艺术美？综合了主观与客观、个人审美与时代精神的艺术形象为“典型形象”或“艺术典型”，又根据它与现实生活的关系而称之为“第二自然”，即“艺术美”
它有哪些表现？
2、什么是形式美？美术作品除了艺术美之外还有形式所传达出的美，既形式美
如何理解和把握形式美？
如何上好高中美术鉴赏课 篇7
比起老教材,如今的课本更偏重于理论性和综合性。单从名称上来看,鉴赏,指的是人们在接触艺术作品过程中产生的审美评价和审美享受活动,也是人们通过艺术形象去认识客观世界的一种思维活动。由此可以看出,鉴赏相比之欣赏,更多了主观意识的参与。这也就要求教师在教学过程中,更多地让学生参与进来,让他们不只是去“赏”,更重要的是要学会去“鉴”。要让学生在面对古今中外优秀的美术作品时,能在教师的引导和自身的思考下,通过对美术作品的分析和评价,理解艺术家的创作初衷和体悟美术作品中内在的精神涵义,让学生拥有独立思考、评价、反思作品的能力,并能在鉴赏之后运用已有的知识完整地表达自己的观点和意见。
那么究竟该如何上好美术鉴赏课呢?下面谈一下我在教学中的几点探索心得:
第一,要激发起学生的兴趣。
兴趣是最好的教师,作为教师,如果让学生失去了对这门课的兴趣,那在新课程已步入课堂的今天显然是不合格的。
学生的学习兴趣、学习的积极性和课堂质量往往是在轻松、愉悦的课堂氛围中产生的。这样会使课堂变得活跃,只有课堂活跃了,才会使学生积极地思考,师生之间的配合与互动也油然而生。那么怎样才能达到以上教学效果呢?首先要动脑筋使得每一节课都让学生感到有新意,经常改变一下讲课方式。举个最简单的例子,可以试着在上课前的几分钟时间放一段音乐,比如讲中国民间艺术的那一课,可以选一些粗犷浑厚的陕北民歌;而讲中国古代绘画撷英的时候,可以放《高山流水》、《梁祝》等学生比较熟悉的曲目。这样很容易把学生带入到你所讲的新课中来,也为下面的开场白营造了一个良好的氛围,更让这节课的听众对你所要讲的内容充满了期待。
第二,要加强学生的参与。
这种参与可以是在教师讲课过程中进行的,也可以是在之前或者之后。比如艺术美和形式美一课,上课后先让学生分组讨论,然后组成正反两方,以辩论的方式进行探讨———习动力。
3.丰富教学方式
双语教学要把握“循序渐进”的原则。教师在授课中应积极探索现代教学方法与手段,实施多样化的教学方法。授课内容由浅入深,英语讲解由少至多。多采用讨论、练习与案例教学的方法,激发学生的主动性与参与性,鼓励学生用英语发言,教师或其他同学用英语作总结。选择适当的练习,要求学生用英文完成,以训练其书面表达能力。双语教师要尽可能运用多媒体授课,增大授课信息,丰富授课内容。双语授课初期,学生需要一个适应期,由于专业词汇与四、六级词汇重点有所不同,专业教师开始讲授本门课程前可先让学生熟悉核心专业词汇。随着双语课程的深入,双语课程信息量大,原版教材阅读量大,双语教师应培养学生自主学习的意识与能力,使学生做好课前预习,课下复习,在教师的指导下运用正确的学习方法掌握专业知识、熟练外语。
漂亮是否是美术鉴赏的标准,法国雕塑家罗丹的作品《欧米艾尔》究竟是美丽还是丑陋。等学生讨论到一定程度后,教师就可以顺势加以引导。导入这一课最重要的知识点:美术作品的艺术美和形式美并不完全是现实的直接反映,也不等同于人们一般所说的“漂亮”或“好看”,而是由艺术家借助美术的特定语言、手段和法则创造出美术自身的美,而这种美又是多样的,即不同类型的美术作品由于艺术家所采用的语言、材料、手段等不同而产生的艺术美和形式美就大异其趣,这其中重在内涵而非外在。使学生脱离只能分辨“漂亮”与“不漂亮”的自然状态,进入更高的审美阶段,作为“培养审美的眼睛”的开始。
除此之外也可以变换一下角色,让学生也当一回教师。可以选择比较容易理解的一课,比如中国民间美术。先布置学生预习,并在课下搜集一些相关资料。上课后还是以小组为单位进行讨论。为学生提供道具,将各组划分成“年画馆”、“剪纸馆”、“玩具馆”、“刺绣馆”等。在讨论过后让每组选一名“馆长”,在其他组员的协助下,向全班同学介绍讲解一下自己馆中的“收藏品”。相对于平时总是听教师讲,这种带有更多个人色彩和自由发挥的讲课方式会让学生感到新鲜有趣,也会使他们的注意力高度集中。等各个“展览馆”都介绍完毕后,教师再利用课件进行补充和总结。这样让学生了解中国民间美术代表性的艺术样式及其艺术语言特征,更重要的是了解各类民间美术与民俗相互依存的关系,了解我们民族古老的民族文化和这背后的凝聚力。
第三,要不断充实教师自身的知识含量和储备。
相较于原先的教材,新课改后的教材更突出了知识性和理论性的结合。那么作为教师就应广泛地涉猎专业知识,提高专业水平,丰富自我。首先要将中外美术史论理解透彻、梳理整齐,只有自己清楚了,在授课的时候才能将需要的知识点举重若轻、更有选择性地传授给学生。除了这些基础知识,新课程标准不仅对教师专业素质的要求越来越高,并且与其相关的知识面也越来越宽,教师可以通过网络和查阅资料获取更多的信息,尤其是学生们最感兴趣的名家名作背后的故事,将这些穿插在授课过程中,可以更好地让学生理解画家所处的时代和他的思想情感,从而更深刻地对作品加以理解。无论如何,教师只有不断地学习和吸收才能适应并胜任高中美
五、结语
我国的双语教学还需要一个逐步完善、发展、成熟的过程,为展现双语教学最佳的效果,不断地调查研究是必不可少的。只有在实践中不断探索、不断研究、不断改革,才是检验双语教学的唯一标准。
参考文献:
[1]Jack C.Prichards.朗文语言教学及应用语言学词典[M].北京:外语教学与研究出版社,2002.
[2]束定芳.外语教学改革:问题与对策.上海:上海外语教育出版社,2004.
[3]苏秦等.双语教学实施效果的调查与分析.中国大学教学,2002,10.
[4]王海燕,等.高校双语师资存在的问题与对策.大连海市大学学报(社会科学版),2005.
“建构主义”观点在中职会计教学中的应用
倪国军
(浙江师范大学工商管理学院,浙江杭州
摘要:本文针对中等职业学校在会计教学中遇到的困境,积极寻求解决方法,提出教师必须有效运用“建构主义”观点,以学生已获得的经验知识为起点,帮助学生把会计知识建构为学生认知结构的一部分,以求学生真正理解会计,灵活运用会计,并在日常会计教学中积极实践,取得了初步的成效。
关键词:建构主义建构主义教学观中职会计教学
中等职业学校的会计教学,效果往往不是很令人满意。学生一知半解,似懂非懂,遇到实际问题时不知道如何下手解决,跟现代社会对会计人才的要求有很大的差距。究其原因,主要是“填鸭式”教学惹的祸———教师在会计教学过程中,并没有考虑学生现有的知识结构,并没有考虑学生的学习状态,“一言堂”现象严重。而另一方面,学生也并没有真正理解会计的意义,并没有把会计知识建构成自己知识的一部分,所以不能灵活应用。要解决这个问题,教师必须在日常教学中关注学生的知识接受状态,积极运用“建构主义”观点,帮助学生在原有知识的基础上作出有效建构。学生只有通过自己的思考理解才能真正获得新的知识,并且能够灵活应用。
一、“建构主义”的基本观点及其应用原则
“建构主义”(constructivism)也译作“结构主义”,是认知心理学派中的一个分支,20世纪90年代前后兴盛于美国,风行于西方,并逐渐引起世界上其他国家的注意和兴趣。
“建构主义”主张学习是心理的积极运作过程,“在他们看来世界是客观存在的,但对世界的理解和赋予的意义却是由每个人决定的”。所以,无论是儿童还是成年人,他们对客观世界的认识都依赖于自身的“认知结构”(由主体已有的知识和经验构成的关于自然与社会的认知框架),或者说,认识即是一种以主体已有的知识和经验为基础的主动的建构活动。也就是说,要有效地学习,必须有相应的知识储备,同时,新的知识必须同原有知识进行连接,形成一个新的整体。这里,“建构主义”又提出了两个关键的概念,那就是同化和顺应。同化是指把新的知识纳入到主体已有的认知结构之中,“只有借助于同化过程,新知识对主体来说才获得真正的意义”。当主体的认知结构无法“容纳”或“解释”新知识时,主体就必须对已有的认知结构进行变革,使之与新知识相适应,这个过程称之为顺应。正是通过同化和顺应,主体的认知结构不断重构与发展。也就是说不断地学习获得新知。
笔者认为,“建构主义”的精华就是对人类学习的本质作了一种新的比较合理的解释,那就是人类在遇到新的知识时,术教学,这是创新美术教学的一个大前提,也是教育的根本所在。
第四,要善于利用多媒体课件进行教学。
在步入数字时代的今天,运用多媒体电教设备进行教学,以使学生获得更直观和更感性认知效果的现代化教学手段,已经成为一种新的综合性教学形式,也被越来越多的学校和教师所接受。在制作课件的时候应该注意以下三点:
其一是添加音乐。有时候为了烘托气氛和导入课题,可以在课件的开头和结尾添加音乐,但应尽量避免在讲课过程中使用背景音乐。因为国内目前高中大都采取班级授课制,极少能为教师提供麦克风和扩音设备。而使用背景音乐如果音量控制不当的话,非常容易掩盖教师自身的声音,使学生尤其是后排的学生听不清楚台上的教师到底在讲些什么。
总是会不自觉地跟原来的知识和经验进行对比,然后顺应同化,在“平衡———不平衡———新的平衡”的循环中得到不断的提高、发展和丰富。
“建构主义”的关键是强调“知识的有效建构”。要在教学中有效应用“建构主义”,必须注意以下几条原则:
(一)学生中心原则
就是所有教学工作都以学生为中心展开。课前备课时要充分考虑学生的学习兴趣和需要,考虑他们目前的知识接受状态,然后选择最好的教学方法。在上课过程中,也要随时注意学生的反应,根据学生的状态适时调整学习计划。
(二)经验起点原则
即重视学生原有的知识结构,先分析学生到目前为止到底学到了哪些相关的知识,然后再找出新知识与原来知识之间的连接点,帮助学生“重新构建”新的知识结构。使学生真正理解所学的新知识,以便灵活运用。
(三)情境创设原则
因为人在具体的环境中学习特别快,所以有可能的话在教学中尽量创设相关环境,帮助学生理解接收。
(四)互动合作原则
即在学习过程中,强调大家之间的相互合作、相互学习、共同探讨。这个互动合作不光是学生与老师之间,更须重视的是学生与学生之间的联系。
(五)评价融合原则
即对于学生学习成绩的评价反对以前“一刀切”的做法,积极主张采用多种方法、多种标准,使对学生的评价更加全国客观,注重学生综合素质的培养。
二、“建构主义”观点在中职会计教学中的应用可能
“建构主义”观点在会计教学中的应用除了它本身具有传统教学观念无可比拟的优点外,还因为会计这门特别需要“建构”,特别适合“建构”。
(一)从现代社会对会计人才要求的角度
新时期会计服务的范围已经扩大,涵盖了会计、审计与咨询等许多方面。并且,随着经济的发展,会计服务的多元化趋势还将进一步发展。学校有限的专业教育已无法满足学生终生工作的需要。因此,会计教育应改变现有的培养目标,把教育的重点放在对学生素质与能力的培养上。美国会计教育改革委员会(AECC)第一号公报就明确指出:“学校会计教学的目的不在训练学生在毕业时即成为一个专业人员,而在培养他们未来成为一个专业人员应有的素质。”也许中职会计教育
其二是课件中的链接按钮应简单而不花哨,尽量避免使用音响效果。很多教师在制作课件的时候力求完美,运用了许多漂亮的链接装饰,有的还喜欢在链接上加按键音效果。但事实上这么一来很容易喧宾夺主,反而分散学生的注意力。
其三是课件中应尽可能多地使用图片,少添加大篇幅文字说明。我们运用课件,目的就是使原本枯燥的理论直观化、感性化。所以在课件中添加大幅文字完全是画蛇添足,只能让学生分出更多的精力从大屏幕上阅读原本从课本上就可以读到的东西。
西方美术鉴赏论文 篇8
印象派绘画的光与色
姓名：张雪涛
学院：计算机学院
学号: 08093556
班级：信科09-2班
印象派绘画的光与色
[摘 要] 印象派画家吸取了当时自然科学家对色彩的研究成果，经过反复的写生实践，印象派画家意识到潜在于自然表象中的视觉的内在真实性。与古典学院派相比，印象派在艺术创作中推崇的是人的感觉，而不是人的理智。印象派画家在艺术上表现的是自己对自然的真实感受印象派对光与色的迷恋，为西方绘画技法、观念革新起到了推波助澜的作用。印象派绘画的视觉革命在西方绘画艺术中占有重要的地位。
[关键字]印象派、光与色理论、色彩视觉、莫奈、德加、凡高
[正 文] 印象派是19世纪后半期诞生于法国的绘画流派, 他们吸取了柯罗、巴比松画派以及库尔贝写实主义的经验，根据光色原理对绘画色彩进行了大胆的革新，其代表人物有莫奈、马奈、毕沙罗、阿德加、莫里索、巴齐约以及塞尚等。他们重写生、重实践，主张走出画室，描绘外光和大自然的瞬息变化，用奔放的笔触和没有调和的颜色在画布上直接糅合，形成冷暖色调对比强烈的新画风。借用“物体的色彩是由光的照射而产生的，物体的固有色是不存在的”这一最新的光学理论，印象派画家认为，景物在不同的光照条件下有不同的颜色，他们的使命便是忠实地刻画在变动不居的光照条件下的景物的“真实”，这种瞬间的真实正是印象的表现。色彩成为了印象画作的主旋律，而整个画面的自然气氛则成为了他们追求艺术的目标。
印象派画家吸取了当时自然科学家对色彩的研究成果，经过反复的写生实践，印象派画家意识到潜在于自然表象中的视觉的内在真实性，他们开始觉悟。莫奈的画描绘了从大自然中得到的稍纵即逝的瞬间印象，散涂的笔触急骤地涌上画布，给画面上最暗的阴影区也带来色彩。莫奈便是第一位以他的给画深入探讨这种视觉的艺术家。1874的一幅《日出印象》导致一个新的运名称（印象主义）由此产生。在他晚年的壁画《睡莲》中，他从自然中分离出各种亮色彩运用点彩的方法加以表现。已将光与色发挥的淋漓尽致，展现在人们的是以绿色调为主色彩，画面鲜亮而且活力。完会突破了形、传统用色的束缚，更多的是随心所欲，但任不乏色彩的科学存在性。印象派的绘画为了很好的表现光对色彩生成的规律，大多运用纯色，用点彩的方法使色彩在画面上达到一种空间混合的效果，要观众也参与到绘作中来，用眼睛来调和画面的色彩，这是印象派作品的一个普遍规律。这样更有利于观众及其作品的交流。
印象派画家不单纯只研究阳光对色彩的影响，也还研究室内灯光，室内舞台光钱的魁力。德加是一个喜欢表现舞台题材的印象派画家，他不同于莫奈、西斯莱、毕沙罗，他认为“我是善于用线的色彩画家”，颜色使物体表面光彩熠熠，让舞蹈演员们轻薄透明的短裙闪烁着光亮，他就这样达到了作为十九世纪末标志的最辉煌的一种仙境。
凡高是最具有情感个性的画家！他的每一笔都几近疯狂的流露出他的情感的内心世界。应该说他的画上的色彩并没有脱离印象派画的客观性，只是他次这种客观加入了情感而已。心高的《星夜》显示了如何运用色彩获得强烈的表现效果。深紫色的天穹，黄色的星光，向上缭绕的绿色柏树侧影都给人一种极其不安和骚动。他的这幅画运用了许多不安份的带有色彩的线条，略不同于点彩，但其空间混合的原理则是一致的。他对较深的色彩十分敏感，所以又在谈到《夜晚的咖啡馆》时说：“我试图用红色和绿色为手段，来表现人类可怕的激情。”《夜晚的咖啡馆》是由深绿色的天花板、血红的墙壁和不和谐的绿色家具组成的梦魇。金灿灿的黄色地板呈纵向透视，以难以置信的力量进入到红色背景之中，反过来，红色背景也用均等的力量与之抗衡。这幅画，是透视空间和企图破坏这人空间的逼人色彩之间的永不调和斗争。凡高把他的作品列为同印象主义的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。
印象派把精力主要用在探求外光和色彩的表现上，在光和色的追求中表现内心感受，表达客观物象的美，不仅为风景画开辟了新画风，而且还由此引发了西方绘画革命。这种变革不仅是在技术层面，更主要在观念层面，那就是艺术的自由。艺术从过去“画什么”变为“怎么画”，这也是世界美术史不断争论的话题。印象派告诉我们“画什么”不重要，重要的是“怎么画”。这是印象派的一个成就，它引起了艺术史上对于形式的变革，使艺术不断地花样更新，使艺术表现手法更丰富多样。
印象派尝试着纯粹的“外光”描绘，以及新的色彩关系分析，并把这种自然科学的法则和他们的艺术观点结合起来进行创作。他们认为自然界的一切物体都是光的照射作用，才显现出它的物象；而一切物象又是不同色彩的结合，太阳光是由七种原色组合而成。如果离开了光和色彩便没有这个世界。他们还认为：画家要认识这个世界，主要是从“光”和“色彩”的观点上去认识，“光”和“色彩”既然成为这个世界的中心，也是画家认识世界的中心，所以画家的任务也就在于如何去表现光和色彩的效果。“光”为“色”之母，有光才有色，世界上任何具体的物象和事件只是传达光和色彩的媒介罢了，它本身的意义是次要的！这种艺术观念成为他们的主导思想，从而支配他们的创作活动。为了对光和色的效果进行研究，印象派画家们把画架从画室搬到了露天，以便对日光——自然光下的事物进行研究，捕捉和描绘物体在阳光照耀下色彩的微妙效果。
另一方面印象派画家把注意力集中在光和色的效果上，即把光和色从事物中分离了出来。本来光和色都是依附于事物本身，或固着于事物本身的。现在它们被分离出来，成为独立的因素。这样，事物本身的实体感、实在性被抛弃了，由光和色所达成的组合效果来代替。所以在印象主义绘画中，事物的实在性消失不见了，一切都显得通体透亮，空灵无比。印象主义因此而形成了一种新的绘画语言，即依据其调子而不依据题材本身来处理一个题材，采用原色并列、重叠和补色手法。为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，印象派画家采用小笔触和色调并列的方法。有些颜色不再是在调色板上调配，而是红、黄、蓝三原色并列或重叠，并把红和绿、黄和紫、蓝和橙色互补对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。印象派新的“光色”技法形成了新的绘画语言，令人耳目一新。
可以说，印象派绘画在光与色的表现上取得了突破性的成就，他们的画在光、色中求形，以光与色的讴歌表现意和美。他们理解了光、色、形、意、美在绘画语言中的辩证关系，把闪烁的阳光和微妙的阴影引入画面，使得绘画变得清新明丽、生机盎然。在印象派绘画作品中，光和色是基本的绘画语言、艺术要素，是快速跳动的音乐旋律和慢慢流淌的文化符号。光和色是形、意、美的艺术起始点，形、意、美在光和色中成形、达意、示美。印象派画家最基本的绘画技法是竭力探索一种有效方法，以突破物体单一的、表面看来一成不变的“固有”色。他们力求捕捉物体在特定时间内自然呈现的瞬息色彩，亦即那种受一定环境条件、空间距离和周围其他物体影响的颜色。他们从画水开始，把水波反射出来的五光十色描绘得惟妙惟肖，进而扩大到从建筑物到天空的光与色的表达。
印象派继承了浪漫主义的色彩表现，而且进一步深入到绘画语言本身，展现了色彩动感、明亮的视觉感受。而古典学院派绘画只注重刻画形体，相对地不重视色彩的变化，认为光与色是两回事，色彩关系主要是用素描色彩，以棕色调为绘画的主要基调，以褐色或黑赭色表现物体的体积和明暗调子，用色相对淡出，仅仅是出于审美观的不同要求或者是为了作品的主题考虑。印象派绘画最突出的视觉革命就是摒弃了学院派绘画最为重视的固有色观念，由光的变化来决定色彩的变化，从而引发了一场色彩的革命。印象派画家不认同固有色，认为色彩的根源在于光，他们在直接的光线状态下观察事物，以描绘出大自然的光色变化，把握对事物的“瞬间印象”。他们改变了色彩单调的传统画法，采用一种符合光学原理的新画法，即按照“光谱色”选用颜料，以便充分表现大自然在阳光照耀下的复杂微妙的色彩变化，在这里阴影也不再是单调的灰色或黑色，而是画面上物体颜色的补色。由于不再使用轮廓线，物体的外形因而模糊，这使得印象派绘画变成了光影、气氛和色彩融合之作。