静物摄影教案

静物摄影教案（共4篇）

静物摄影教案篇1

第三章

摄影构成

教学目的与要求：

要求学生了解构图的概念，掌握构图的基本要求和各种结构构图形式。

重点：构图的基本要求

难点：各种结构构图形式。教学程序：

一、引人课题

展示两幅不同类别的摄影作品，请同学们欣赏。

提问：两幅作品它们在构图形式美方面有什么相同或不相同，画面这样处理对作品意图的表达有什么用处？进入新课。

二、讲授新课

摄影艺术的创作，在对着丰富多彩的现实生活，谁都想拍摄出生动感人的艺术作品。当你很熟悉了解自己的照相机和各种感光材料的性能并掌握了一定的用光，布光知识和技法；当你把镜头对着人物和具有典型意义的事件，对着雄伟的建设场景和壮丽的山河风光，你考虑的一定是如何构成一个理想的画面，创作出完美的艺术形象来。也许就在这个决定作品命运的一瞬间，你深深地感到构图是那么重要，那么关键。在很大的程度上，构图决定着构思的实现，决定着作品的成败。因此，研究摄影构图的实质，就在于帮助我们从周围丰富多彩的事实中选择出典型的生活素材，并赋予它以鲜明的造型形式，创作出具有深刻思想内容与完美形式的摄影艺术作品。

（一）构图的概念

1、什么叫“构图”

构图一词是英语COMPOSITION的译音，为造型艺术的术语。它的含义是：把各部分组成、结合、配置并加以整理出一个艺术性较高的画面。在《辞海》中，谈到“构图”为艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，在一定的空间，安排和处理人、物的关系和位置，把个别或局部的形象组成艺术的整体。在中国传统绘画中称为“章法”或“布局”。这个术语中包含着一个基本而概括的意义，那就是把构成整体的那些部分统一起来，在有限的空间或平面上对作者所表现的形象进行组织，形成画面的特定结构，借以实现摄影者的表现意图。总之，构图就是指如何把人、景、物安排在画面当中以获得最佳布局的方法，是把形象结合起来的方法，是揭示形象的全部手段的总和。

构图还需讲究艺术技巧和表现手段，在我国传统艺术里叫“意匠”。意匠的精拙，直接关系到一幅作品意境的高低。构图属于立形的重要一环，但必须建立在立意的基础上。一幅作品的构图，凝聚着作者的匠心与安排的技巧，体现着作者表现主题的意图与具体方法，因此，它是作者艺术水平的具体反映。概括地说，所谓构图，也就是艺术家利用视觉要素在画面上按着空间把它们组织起来的构成，是在形式美方面诉诸于视觉的点、线、形态、用光、明暗、色彩的配合。

构图是表现作品内容的重要因素，则作品中全部摄影视觉艺术语言的组织方式，它使内容所构成的一定内部结构得到恰当的表现，只有内部结构和外部结构得到和谐统一，才能产生完美的构图。

2、构图的目的

每一个题材，不论它平淡还是宏伟，重大还是普通，都包含着视觉美点。当我们观察生活中的具体物象-人、树、房或花的时候，应该撇开它们的一般特征，而把它们看作是形态、线条、质地、明暗、颜色、用光和立体物的结合体。通过摄影者运用各种造型手段，在画面上生动、鲜明地表现出被摄物的形状、色彩、质感、立体感、动感和空间关系，使之符合人们的视觉规律，为观赏者所真切感受时，才能取得满意的视觉效果-视觉美点。也就是说，构图要具有审美性。正象罗丹所说的“美到处都有的，对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现美。”；作为摄影者，不过是善于用眼睛渤视大自然并把这种视觉感受移于是画面上而已。

但构图不能成为目的本身，因为构图的基本任务，是最大的可能阐明艺术家的构思。

构图的目的是：把构思中典型化了的人或景物加以强调、突出，从而舍弃那些一般的、表面的、繁琐的、次要的东西，并恰当地安排陪体，选择环境，使作品比现实生活更高、更强烈、更完善、更集中、更典型、更理想，以增强艺术效果。总的来说，就是把一个人的思想情感传递给别人的艺术，这话可真切地表达了构图的目的。

3、构图的性质

构图和设计可以通用，因为它们的含义是一样的。设计的精确概念和它的原始含义是构思，即艺术家为了明确而动人地表达自己的思想而适当安排各种视觉要素的那种构思。

构图不仅指具体操作，而且还意味着把整个形态作为与复杂的摄影规则相联系而描绘的对象，把自然物象引入到一个现实的境界，成为不同于自然的一个独立存在的世界。任何一幅优秀的摄影作品都是一个复杂的思想艺术的统一体。作品的复杂性是由生活的复杂性决定的。然而在画面处理上贴切自然，五彩缤纷，浑然天成，绝少斧凿痕迹，这是什么缘故呢？原在就在于摄影者在创作时，就象“工师之建宅”，经过一番选择提炼，筹划安排，组织结构上下了功夫，在“经营位置、置阵布势”中体现了摄影者对生活的理解和匠心独运。因此，我们在创作中一定要进行一系列的组织安排，巧思结构，精心布局，突出主要的方面，强调出本质的东西，并把作品的主题思想体现到鲜明的形象组织中去。

构图学就是要研究一切构图的结构形式和规律，研究构图结构的原理和原则，研究构图和各种思维形式的对应关系。构图学必须建筑在全部思维科学的基础上。但构图是否也反映了客观事物的规律，至今人们仍有各种不同的看法。有人认为“画无定法”，因为客观事物千变万化，情感思想内容更是纷纭复杂，所以谁也讲不出构图结构的规律。恩格斯说“自然界中的普遍性的形式就是规律”，因此可见，规律就是普遍性的形式。实践证明，构图结构是有一定的规律的，在中国画论时的“经营位置、布置、布局、结构、光色”等都是有关构图规律精辟论述。

在中国传统绘画中把构图结构称为“章法”或“布局”，“展纸作画章法第一”。位置经营如同围棋，下子格格皆可落，切勿乱迷。素纸也可处下落墨，切记不可胡乱抒笔。棋有棋路，画有画理，一笔走失如棋败局。古人将章法（构图）比作下棋，摄影变如此，也要有一定的章法与布局，置阵布势。

因此构图称为画面总要，所谓总要就是纲要、概要的意思，画面构图象写文章一样，做到有章有法，有次有主，相互呼应，虚实对比，藏露隐现，简繁适中，疏密无间等的构图规律，服从于主题表现的要求，同时又要取得整体形式感的完美和谐的统一，这就是构图最终的目的。

（二）构图的基本要求

构图的基本要求是丰富、简练、有表现力。应该力求使整个画面干净，避免多余的物体出现在画面上影响主体。而且应以不同的表现方法，强调和突出想要表现的内容。

1、丰富——就是整个画面不拘一格，不呆板，无论是画面的形式还是画面的效果都是多样而不是单一的，被摄体无论是外观还是形状都应该多元化，这样整个的画面效果才会比较自然美观。

2、简练——整个画面的效果应该为主体服务，画面中那些可有可无的景物应该删去。因为整个画面的范围是有限的，不能因为一些多余的景物和个体影响整个画面和主体的效果。

3、有表现力——在安排景物的时候，一定要本着尽可能地让被摄体突出的原则，同时也兼顾与周围环境的和谐。这样拍摄出来的效果才会更有吸引力。

（三）构图的各种形式

1、线条——摄影要在画面中表现万物的形象美，就离不开线条这个基本因素。线条不仅具有形式美，而且还富有情感色彩，如果在画面中选用得当，可增强画面的表现力。

（1）线条的造型美

画面是用点、线、面结构而成的。线条在画面中的艺术职能，是连接各个物体或块面，使支离破碎的被摄体富有整体感，形成连贯的结构；线条又可使画面的块面分切明显，经纬清晰，主次分明，呈现出骨架脉络。线条的种种结构形式都有利于形象的塑造。如何在实景中提炼线条的美感？首先通过拍摄角度来强化线型的表现力。拍照时，我们围绕主体，通过相机的取景框仔细观察，选取最佳的拍摄点，使线条富有美的形态；其次，注意景物早晚的光影变化，即物体上明与暗的交界线，以及物体被照射而形成的投影线条，这类线条结构是根据光源方位变化而变化，形式简洁优美，清新悦目。

画面是两度空间的平面。为使它具有立体感，就要运用线条的透视规律，给人以三度空间的印象。因此，线条透视是画面空间造型的一个主要因素，它研究的是三个坐标向的点、线、角、面、体,伴随着视距的变化而变化的规律；画面线形的远近、大小、粗细，以及线条的发散与聚集，都随着视距变化而变化。因此。在画平面上能通过线条体现出物体的空间位置和深度，表现出物体的立体形态。

我们欣赏一幅线条比较突出的摄影画面时，视线往往会不自觉地随着画面的线条进行视点位移，最终被引向画面的主体或中心。画面中的线条对读者具有指向的引导作用，它用自身的走向来约束人的视线外流。我们在处理画面的线条造型时，要掌握这个特性，用线条抓住读者的视线，使其一步一步地了解画面的中心含意。

（2）线型的系列

线条指被摄体具有明显的线性结构，使得在画面中可以形成的一些线条，如轮廓线、地平线等。线条构成的作品是摄影中必不可少的一部分。线条的形式有很多，线型可分为两大系列，直线和曲线。硬线条的折线是直线向曲线的过渡，是两者的组合。

直线——可分为垂直的竖线和水平的横线以及有斜度的倾斜线。

竖线：给人有力、坚实、庄严、高耸的感觉。由于垂直竖线的透视汇聚，会使被摄体显得高大宏伟。若是单调、平行的垂直线则给人以沉闷、呆板之感。

横线；像画面富有静态美，它平稳而变化小，行进徐缓。横线条构图其画面视野开阔，场面壮观，宜表现宽广深远的场景。如拍摄清清的河水，静静的湖泊等景物。画面中的水平线能使构图均衡，但是又有单调之感。可用小的物体加以点缀，改变平静的线条，使之有变化。此外，横线结构也适于拍摄海洋、高山，农村一望无际的大地等。画面的横线构图，一定要注意水平线的位置，否则有等分画面之弊。

斜线：一般指上升或下降的，有变化的坡形线条，它具有运动的趋势，适于表现运动的物体。它有较强的视线引向作用，引导观众的视线到达主体，最能突出主体。它还有较强的透视感，可增强画面的纵深度。

曲线——曲线是富有自然美的、情感浓郁的、造型能力强的线条，在选择景物的曲线时，只能因势利导，使曲线的自然美上升到艺术美，曲线才有艺术的价值。曲线在画平面中或上下弯曲行进，或向左右两侧弯曲，或向画面的纵深远行，使画平面增强三度空间性。而波浪式行进，螺旋式旋转，蛇形蠕动的曲线，不但能加强画面的纵深感，而且线形弯转，流畅活泼，富有动态。

使用线条结构画面，不仅整个画面效果鲜明突出，而且画面具有一种和谐的美。但是在使用的时候切忌贪多，过多的线条会让整个画面显得凌乱不堪、没有章法。

2、和谐

和谐就是按照烘托主体和保证画面完整的原则，把画面的各个部分协调地安排在一起，组合成一个整体。和谐分为均衡和对称两种。

均衡与对称是构图的基础，主要作用是使画面具有稳定性。均衡与对称本不是一个概念，但两者具有内在的同一性——稳定。稳定感是人类在长期观察自然中形成的一种视觉习惯和审美观念。因此，凡符合这种审美观念的造型艺术才能产生美感，违背这个原则的，看起来就不舒服。均衡与对称都不是平均，它是一种合乎逻辑的比例关系。平均虽是稳定的，但缺少变化，没有变化就没有美感，所以构图最忌讳的就是平均分配画面。对称的稳定感特别强，对称能使画面有庄严，肃穆，和谐的感觉。比如，我国古代的建筑就是对称的典范，但对称与均衡比较而言，均衡的变化比对称要大得多。因此，对称虽是构图的重要原则，但在实际运用中机会比较少，运用多了就有千篇一律的感觉。

（1）均衡和谐

均衡是为了打破较呆板的局面，它既有“均”的一面，又有灵活的一面。均衡的范围包括构图中形象的对比，人与人，人与物，大与小，动与静明与暗，高与低，虚与实等的对比。结构的均衡是指画面中各部分的景物要有呼应，有对照，达到平衡和稳定。画面结构的均衡，除了大小、轻重以外，还包括明暗、线条、空间、影调……等均衡的作用。如图所示。

（2）对称和谐

对称，象征一种高度整齐的程度。比如蝴蝶，它的形体和翅翼花纹的对称美，一直为人们所欣赏。在摄影作品中对称的画面也常可见到，特别在舞台摄影中用的较多。在摄影的构图中，绝对的对称会给人一种静止的，拘谨的和单调的感觉，生活中人们的审美要求仍然以追求均衡为多。

每一个画面都有一个中心，以中心为界限，界限两边的物体的数量、形状、大小等基本一致。对称和谐的画面显得稳重和庄严，一般可用于拍摄建筑、风景等。但是过多的运用对称会使画面有些死板，缺乏生气。如上图所示。

3、对比

对比就是把两种差异很大的物体放置在同一幅画面中，利用它们之间的不同产生对比，以达到增强表现力的效果。对比的类型和作用如下：

影调对比——借助景物明暗反差不同来进行对比，一般以明暗的和暗淡的进行对比

动静对比——利用比较慢的快门，拍摄运动着的物体，利用运动物体的模糊和清晰背景形成鲜明对比，以突出动体的动感效果

虚实对比——利用大光圈镜头适当提高快门速度的拍摄，把背景虚化处理，与清晰的主体做对比，以达到突出主体的作用

形状对比——用小衬大，以低衬高，以短衬长等等，用不同的物体外形来进行对比，使其效果更加突出

4、结构图形

结构图形是运用一些平时熟悉的形状来安排画面，使各种景物都能很好地融合在一起，使得到的效果更加和谐、统一。

（1）平衡式构图——平衡式构图给人以满足的感觉，画面结构完整，安排巧妙，对应而平衡。常用于月夜、水面、夜景、新闻等题材。

（2）对称式构图——对称式构图具有平衡、稳定、相呼应的特点。缺点：呆板、缺少变化。常用于表现对称的物体、建筑、特殊风格的物体。

（3）变化式构图——变化式构图故意将主体安排在某一角落或某一边，能给人一思考和遐想的空间，留下进一步判断的余地。这种构图富于韵味和情趣，常用于山水小景、体育运动、艺术摄影、幽默照片等。

（4）对角线构图——对角线形构图是最基本的经典构图方式之一，把主题安排在对角线上，能有效利用画面对角线的长度，同时也能使衬体与主体发生直接关系，富于动感，画面活泼，容易产生线条的汇聚趋势，吸引人的视线，达到突出主体的效果。这是一个非常著名的构图表现方法，利用了斜线作为主要的构图形式，因为斜线具有动感。在对角线构图在画面中，线所形成的对角关系，使画面产生了极强的动式，表现出纵深的效果。其透视也会使拍摄对象变成了斜线，引导人们的视线到画面深处。在摄影画面构图中，除明显的斜线外，还有人视觉感应的斜线，表现在形态的形状、影调、光线等产生视觉抽象线。因此对线性的把握是摄影构图运用线的关键。

（5）交叉线构图——景物呈交叉线结构，景物的交叉点可以在画面以内，也可以在画面以外。前者有类似十字形构图的特点，后者有类似斜线构图的特点，能充分利用画面空间，并把视线引向交叉中心，也可引向画面以外，具有活泼、轻松、舒展、含蓄的特点。

（6）椭圆形构图——椭圆形构图容易形成强烈的整体感，并能产生旋转、运动、收缩等视觉效果。常用于表现不需要特别强调主体，而着重表现场面或者渲染气氛的画面内容。

（7）X形构图——线条、影调按X形布局，透视感强烈，有利于把视线由四周引向中心，或者景物具有从中心向四周逐渐放大的特点，常用于建筑、大桥、公路、田野等题材。

（8）十字形构图——画面上的景物、影调或色彩的变化呈正交十字形，能剩余较多的空间，因而能容纳较多的背景和衬体，使视线自然向十字交叉的部位集中。多用于有稳定排列组合的物体，或者拍摄有规律的运动物体等。

（9）水平线构图——水平线式构图具有平静、安宁、舒适、稳定等特点。常用于表现平静如镜的湖面、微波荡漾的水面、一望无际的平川、广阔平坦的原野、辽阔无垠的草原等。

（10）斜线式构图——斜线式构图分立式斜线和平式斜线两种，常表现运动、流动、倾斜、动荡、失衡、紧张、危险、一泻千里等场面。也有的画面利用斜线指出特定的物体，起到一个固定导向的作用。

（11）三角形构图——以三个视觉中心为景物的主要位置，有时是以三点成面几何构成来安排景物，形成一个稳定的三角形。这种三角形可以是正三角也可以是斜三角或倒三角，其中斜三角较为常用，也较为灵活。三角形构图具有安定、均衡但不失灵活的特点。三角形构图，在画面中所表达的主体放在三角形中或影像本身形成三角形的态势，此构图是视觉感应方式，如有形态形成的也有阴影形成的三角形态，如果是自然形成的线形结构，这时可以把主体安排在三角形斜边中心位置上，以图有所突破。但只有在全景时使用，效果最好。三角形构图，产生稳定感，倒置则不稳定。可用于不同景别如近景人物、特写等摄影。

（12）S形构图——这又是一种基本的经典构图方式。画面上的景物成S形曲线的方式分布，具有延长、变化的特点，使画面看上去有韵律感，产生优美、雅致、协调的感觉。当需要采用曲线形式表现被摄物体时，首先应该想到运用S形构图。常用于表现河流、小溪、曲径等。S形构图具有曲线美的特点又能产生变异的视觉焦点，画面简捷明了。然而在安排主体对象时，必须安排在C形的缺口处，使人的视觉随着弧线推移到主体对象。C形构图可在方向上任意调整，一般的情况下，多在工业题材、建筑题材上使。此外，半圆式的C字形构图，留有缺口，其缺口不论向上、向下、向左、向右，都能给人活泼欢快的感觉，并有收敛视线的作用。S形构图是比较美的，也是常用的，它是双弯曲的正反两个方向的曲线组合，有对比又有变化，其双弯曲又相似而又相反，有统一的形，又有反向的对比，这种线条能充分利用画面空间。我们拍摄盘山公路，弯曲的河流，曲折的小巷，产品的自然序列，生活中的瓶瓶罐罐，以及人体的舞蹈姿态，都可采取单弯曲或双弯曲及S形的各种曲线结构。由于心理因素，曲线能引起人们感情上的共鸣，如凸形曲线使人有活泼激越之感，凹形曲线则使人感到低沉郁闷。只要曲线和画面内容配合起来，就能形成不同的思想情调。

（13）向心式构图——主体处于画面中心位置，四周景物呈现朝中心集中的构图形式，能将视线强烈引向主体，并起到聚焦的作用。具有突出主体的鲜明特点，但有时也产生压迫中心，局促沉重的感觉。

（14）放射式构图——以主体为核心，景物向四周扩散放射。这种构图方式可使人的注意力集中到被摄主体，尔后又有开阔、舒展、扩散的作用。常用于需要突出主体而现场又比较复杂的场合，也用于使人物或景物在较复杂的情况下产生特殊效果。

（15）垂直式构图——垂直式构图能充分显示景物的高大和纵深。常用于表现万木争荣的森林、参天大树、险峻的山石、飞泻的瀑布、摩天大楼等。

（16）九宫格构图——这是最为基本的构图方式之一，将主体安排在“九宫格”交叉点的位置上，一般认为右上方的交点最为理想，其次为右下方。这种构图方式较为符合人们的视觉习惯，使主体自然成为视觉中心，具有突出主体并使画面趋向均衡的特点。

（17）L形构图——用类似于 L 形的线条或色块将需要强调的主体围绕、框架起来，起到突出主题的作用。L 形如同半个围框，可以是正 L 形也可以是倒 L 形，均能把人的注意力集中到围框以内，使主体突出，主题鲜明。常用于有一定规律线条的画面。

（18）黄金分割式构图—— 所谓“黄金分割”，也就是“黄金比例 ”A:B=B:A+B，将之运用于美术和摄影的构图中往往提5:8的比率来表示，对于实用，尤其是摄影的构图来说，已经是足够准确了。在具体的摄影构图中，可将其应用于情节对比、虚实对比、动静对比、大小对比等。“黄金分割”是一种由古希腊人发明的几何学公式，遵循这一规则的构图形式被认为是“和谐”的，在欣赏一件形象作品时这一规则的意义在于提供了一条被合理分割的几何线段，对许多画家/艺术家来说“黄金分割”是他们在现时的创作中必须深入领会的一种指导方针，摄影师也不例外。黄金分割式构图又称三分式构图法（井字构图法）。将照片的横与竖各分成三等份。形成井字格。这种分割是符合黄金分割律的。井字格的四个交叉点是视觉重点，而右侧的两个交叉点又是视觉趣味中心。这是人的视觉心理的规律。它们往往是景物主体的理想位置。这种构图适宜多形态平行焦点的主体。也可表现大空间，小对象，也可反相选择。这种画面构图，表现鲜明，构图简练。可用于近景等不同景别。黄金分割的作用

●处理好画面的稳定感：稳定在摄影作品中一般指景物的水平线、垂直线是否正确。

●处理好画面的空白：空白指画面上的空间，一般在拍摄动体照片时，必须注意运动方向的前方要留有一定的空白，这样有助于加强运动的空间感。在人物拍摄时，人物视线的前方要留有一定的空间，这样就不会留下阻碍的感觉。

●调整视觉重点的位置：照片上最能吸引人的那一部分，就是视觉中心。若要突出主体形象，就要安排在视觉中心的位置上。

黄金分割—荷花

（四）摄影构图需要注意的地方

出色的构图，能使画面主次分明，详略得当，给人以美感。一幅照片，若不具备良好的构图形式，往往无法引人入胜，更不能尽兴地表达内容。在迈入摄影艺术的自由王国之前，只有掌握其基本规律和标准方法，才能避免出现画虎不成反类犬之现象。初学摄影者常犯的错误有：

1、画面撑得太足：有些初学摄影者拍照时喜欢让被摄主体顶天立地充满画面，这很不利于照片后期制作过程中进行裁剪。同时也会令到作品显得拘谨、死板。

2、地平线倾斜：有的人为了将一些高大的景物拍全，便在取景时采取了让画面倾斜的方法。这实在是个得不偿失的做法。如此，势必造成地平线倾斜，画面失衡，视觉感受不舒服。

3、头撞南墙——拍摄侧面的人像或带有向前冲势的物体时，没有在画面主体的前方留一定的空间，给人一种头撞南墙的感觉，画面显得沉闷、压抑

4、附加物缠身——背景选择不当，产生了烟囱长在肩膀上、脑袋上冒出大树杈等现象，破坏了人物原来的形象

5、落格——当被摄者与高大的衬景在一起时，顾景不顾人，一味将镜头抬高，结果是拍全了，可人物在画面上常常只剩下个脑袋，落在画面的下端，非常难看。

6、画面分裂——取景时没有处理好地平线的位置，将其置于画面正中，于是画面被一分为二，呈分裂状，缺乏和谐、统一之感。

7、喧宾夺主——在画面中过多地表现了陪衬体，使主体物处于次要的地位，反而不引人注目。

8、缺乏趣味中心——取景时缺乏忍痛割爱的精神，“鱼”取、“熊掌”亦取，意欲兼收并蓄，反而造成了画面无主次、小头绪、结构松散、杂乱无章的现象。

9、各顾东西，神情不一致——在拍摄众人合影照时，人物的位置没安排好，不能形成一个向核心靠拢的趋势，画面形势呈分裂状，与作品所欲表现的主题不相符。

10、画面失衡——在构图时没有顾及画面的影调结构、色彩结构的协调，造成画面色彩，影调失衡，影像照片效果。小结：

构图的基本形式分为：线条、和谐、对称、结构图形等几种。思考题：

远景、全景、中景、近景和特写各有哪些特点？

摄影教案篇2

案

姓名：刘凯

1摄影构图的基本原则„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1 2摄影构图的基本要求„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1

2.1简洁„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1 2.2生动„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1 2.3完整„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1 2.4稳定„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1

3主体、陪体、环境„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1

3.1主体„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1 3.2陪体„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1 3.3环境„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1

4拍摄距离„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1

4.1远景„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2 4.2全景„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2 4.3中景„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2 4.4近景„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2 4.5特写„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2

5拍摄方向„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2

5.1正面„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2 5.2前侧面„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2 5.3正侧面„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2 5.4背侧面„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2 5.5背面„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„3

6拍摄高度„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„3

6.1平拍„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„3 6.2仰拍„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„3 6.3俯拍„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„3

7画幅种类及点„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„3 8前景和背景„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„3

8.1前景„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„3 8.2背景„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„3

9透视规律的应用„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„4

9.1线条透视„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„4 9.2阶调透视„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„4

10摄影构图的形式美法则„„„„„„„„„„„„„„„„„„4

10.1多样统一„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„4 10.2对比„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„4

10.2.1思想内容的对比 „„„„„„„„„„„„„„„„„„„„4 10.2.2形式的对比„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„4 10.2.2.1形体对比„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„4 10.2.2.2影调对比„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„5 10.2.2.3色彩对比„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„5

11对称与均衡„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„5 12节奏„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„5 13空间„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„5 14常用的摄影构图方式„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„5

14.1黄金分割式构图„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„5 14.2垂直式构图„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„5 14.3框架式构图„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„6 14.4三角式构图„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„6 14.5线条式构图„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„6

14.5.1对角线构图„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„6 14.5.2S形构图„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„6 14.5.3圆形构图„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„6 14.5.4斜线式构图„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„6 14.5.5放射式构图„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„6

14.6开放式构图„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„6

一、摄影构图的基本原则

（1）突出主体，揭示主题思想。

（2）从主题思想出发，正确处理好主体、陪体和环境的关系。

二、摄影构图的基本要求

（1）简洁

摄影的构图不同于绘画的构图，摄影构图是减法，任何与主题无关的、不必要的景物一律舍弃，只留下与主题息息相关的元素。摄影构图时要敢于取舍，做到画面简洁明了。

（2）生动

生动是指拍摄的对象要具有典型性，按动快门的瞬间要能将被摄主体最鲜明的特征、瞬间动态等畅快淋漓的表现出来。被摄主体要有生气，富于变化，并能带动观者的情绪。

（3）完整

完整是指画面中的各个元素相辅相成，形成一个统一而不可分割的整体，画面中没有任何的干扰因素。完整不等于完全，它是指画面中的被摄对象给人以相对完整的视觉印象。由于视觉的延伸效果，有时不完全的景物也会给观者一个完整的印象。我们在拍摄照片时，一定要注意将被摄对象拍的完整，尤其是被摄主体一定不能残缺不全，影响主体和主题的表现。

（4）稳定

稳定是指画面中的各个元素要给观者以均衡的视觉感受，除非摄影者有意追求某种特殊效果，通常情况下摄影的画面要有稳定感。初学摄影的人常常把握不好这个问题，尤其在拍摄水平线或地平线时，往往稍微的倾斜画面就会失衡。对称和均衡在视觉都会给人稳定感。

三、主体、陪体、环境

（1）主体是构成画面的主要组成部分，主体不但是画面内容的中心，也是画面结构的中心，主体在画面的安排上要明确、突出并引人注意，陪体和环境都是围绕它配置，与它关联呼应，形成一个统一的整体。

（2）陪体在画面上与主体紧密关联，用以陪衬、烘托主体，并与主体构成一定情节，帮助主体揭示主题，同时也起到均衡画面作用。陪体的安排和处理要起到对主体陪衬、烘托的效果，而不能喧宾夺主，破坏主体的表现。

（3）环境是画面的重要组成部分，一幅照片可以没有陪体，但一定会有环境，哪怕是拍摄一张标准一寸照片时，被摄主体后边也会衬一块背景布。环境也是为主体服务的，在画面当中用于烘托主体，表现一定的情调和气氛。环境的选择要尽量简洁，避免凌乱。

四、拍摄距离拍摄距离是指拍摄点到被摄对象之间的距离，在摄影中，拍摄距离会影响主体和环境的表现，决定作品的景别。景别是指拍摄距离的变化带来的画面结构的变化，它影响着取景的范围，决定着对象之间的相互关系和地位。一般可以分为远景，全景，中景，近景和特写五种景别。

（1）远景

拍摄距离远，视野广阔，画面容纳的景物范围大，最能表现远距离的人物，事物以及周围广阔的自然环境和气氛。远景的表达一般以环境为主，可以没有人。它的作用是展示巨大的空间，介绍环境，或者是表现大环境下主体所处的场景、环境、气氛与气势。

(2)全景

全景包括被摄主体的全貌以及”周围的环境。全景可以用来交代事件发生的环境，主体在该环境中的活动，以及主体和周围环境的关系。通常要将被摄主体置于画面的主要位置，通过特定的环境、气氛来烘托主体。

(3)中景

中景包括被摄主体的主要部分，如果主体是人，一般取膝盖以上的部分。在画面中，主体的形象形状占主要部分，常常用来表现主体与辅体的关系，以情节取胜。

(4)近景

近景较中景的取景范围更小，包括被摄主体的更为主要以上的部分。

(5)特写

特写只取景物很小范围的局部，并让其充满画面。

五、拍摄方向

（1）正面

照相机正对着被摄对象，拍摄主体正面形象，能获得对称美，体现庄重与威严。但缺乏透视感与立体感，画面容易显得呆板。

（2）前侧面

被摄对象正面与相机光轴呈45°角左右，这是摄影常用到的拍摄方位。从这个方位排出的影像透视效果明显，画面生动，立体感强。”

（3）正侧面

相机光轴与被摄对象的正面呈90°左右，被摄主体侧对着镜头，主体人物相对站立，为了照顾双方，只能从侧面拍；为了将被摄体侧面优美的轮廓表现出来，或者回避某一部分的缺陷，也可从侧面来拍摄。

（4）背侧面

相机与被摄主体的正面呈135°角左右，介于侧面和背面之间；多利用该人物视线的指引，强调和突出主体。

（5）背面

被摄对象背对着相机镜头，拍摄人物的背面，主要表现被摄对象背面轮廓，并且还能激发观者的兴趣，引发丰富的联想。4.拍摄高度

六、拍摄高度

（1）平拍

照相机镜头与被摄对象在同一视平线上，它接近人眼的视觉习惯，画面有正常的透视效果，给人一种亲切、自然、真实的感觉。

（2）仰拍

照相机镜头低于被摄对象的水平高度，由下向上看，有助于夸大和强调被摄对象的高度，画面给人一种宏伟、高大的视觉感受。

（3）俯拍

照相机镜头高于被摄对象，由上往下拍摄，景物在画面上得到充分展现，适于表现盛大的场面。

七、画幅种类及特点

横幅，画幅的高度小于画幅的宽度，强化景物的水平舒展与广阔性，在表现人物特写以及表现人物生活的环境时，横幅构图无疑是很好的选择。竖幅，画幅的高度大于画幅的宽度，强化景物高大向上的视觉印象，给人一种向上生长的动势。在拍摄肖像照片时，可以充分利用有效空间来安排人物形象，如标准照我们一般都是采取竖幅构图。方幅，画幅的高度和画幅的宽度等同，具有稳定、工整、饱满的视觉效果，120相机的胶片画幅是方形的，可以拍摄出方幅的构图。我们也可以通过裁剪的方式将横幅或竖幅的照片裁成方形的。

八、前景和背景

（1）前景

前景是指位于主体的前面，靠近镜头的景物。前景可以帮助观者了解画面拍摄的时间、地点和环境；框架式的前景可以使主体更突出；带有暗示性的横幅、标语或具有特定意义的事物等作为前景，可以直接阐明画面的主题思想；同时前景可以强调远景，增强画面的空间感；前景可以起到均衡和美化画面，渲染气氛的作用。并不是每个画面都需要前景，在运用前景的时候一定要有明确的目的，不能单纯的为了前景而设前景。前景位于主体前面，在使用时一定要弱于主体的表现，不能太突出，不能分散主体的注意力。前景的色调不能太亮，以深色为好。前景不能太清晰，调焦时不能对在前景上。

（2）背景

前景和背景都是为主体服务的，背景的作用与前景有很多相似之处。背景是位于主体后面的景物，是画面的有机组成部分。背景有助于突出主体，说明主题思想，营造特定的气氛及环境，增加画面深度，平衡和美化画面。一张照片可以没有前景，但是绝对不能没有背景。背景在选择的时候必须与主体有联系，相互呼应，不能太抢眼，不能喧宾夺主，破坏主体的表现。背景要简洁，避免凌乱破坏整体气氛，一切妨碍于主题表现的背景都要敢于舍弃。在色彩、影调方面，背景要与主体形成强烈的反差，反差越强，主体反而会在衬托下更加突出。

九、透视规律的应用

二维空间只有长度和宽度，三维空间除了有长度和宽度外，还有一个厚度。我们在日常生活中看到的所有物体都是立体的三维空间，而我们的摄影照片是二维的平面的，如何在二维的空间上表现出三维空间，这就需要我们了解透视规律。透视分线条透视和阶调透视两种。透视规律掌握的好，可以增加画面的深度，加大画幅的容量，增大画面的空间，丰富画面的层次。

（1）线条透视

线条透视的规律是近大远小，平行线条越远越集中，最后消失于一点。景物前大后小的对比可以增强空间感，画面平行线条的收缩十分明显，最后消失于一点，这种空间感更加强烈。影响线条透视的因素主要有三种：一是拍摄距离，拍摄距离越近，透视效果越强。二是拍摄方向，对于立体形态的景物，从侧面拍的空间感要比从正面拍摄强很多。三是拍摄高度，俯拍比仰拍更能表现出空间深度。

（2）阶调透视

阶调透视又叫空气透视，它是由于大气层的作用，使物体所处的远近场景的色阶阶调产生一定的变化。距离近的景物暗，轮廓清晰度高，反差大，色彩饱和度高；而距离远的景物亮，轮廓清晰度低，反差小，色彩饱和度低。

十、摄影构图的形式美法则

（1）多样统一

我们的摄影画面包含了线条、形状、影调、色彩、主体、陪体、前景和背景等各种要素。多样体现了各要素间的个性的千差万别，统一体现了各要素的共性和整体联系，各要素协调的、整体的、有序的作用于视觉，使人们产生愉悦的感觉。

（2）对比

1、思想内容的对比

思想内容的对比一般是通过某些社会现象或历史事件来展示的，如新旧社会的对比，先进与落后的对比，欢乐与悲伤的对比等等。思想内容的对比，要突出画面的主要矛盾，使人产生联想。通过矛盾双方的强烈的对比，将阶级矛盾的激化、新旧社会的更替、人物情绪的调动，畅快淋漓的跃然纸上，使观者产生情感上的共鸣。

2.形式的对比

形式的对比分形体对比，影调对比和色彩对比三种。

① 形体对比

将不同的形体安排在一个画面当中，通过形体的对比来取得一种富有生气的画面效果，它符合多样统一规律以及人们的视觉特性和心理要求。形体的对比能打破单一的线形布局，如直线与曲线的对比、大与小的对比、疏与密的对比、藏与露的对比等，使画面丰富而多变。

② 影调对比

影调对比是摄影造型的重要手段，通过强烈的明暗影调对比，增强主体的表现力。影调的对比还能增强画面的空间深度，营造一定的气氛和环境。

③ 色彩对比

色彩的对比可以产生强烈的视觉效应，通过色彩之间的互相烘托，调动观者的情绪，增强画面的感染力。色彩的对比包括色相对比、明度对比和纯度对比，色相的对比又可分为同类色对比、类似色对比和对比色对比。

十一、对称与均衡

稳定感是人类在长期观察自然中形成的一种视觉习惯和审美观念。对称和均衡是平衡的两种形式，都能使画面产生稳定感。均衡与对称虽然不是一个概念，但两者都具有稳定性。对称的稳定感特别强，对称能使画面有庄严，肃穆，安稳、有序、和谐的感觉。但对称与均衡比较而言，均衡的变化比对称要大得多，画面富于动感。因此，对称虽是构图的重要原则，但在实际中运用的比较少，而均衡的形式用的情况比较多。

十二、节奏

节奏是指画面中相同或相似的元素，有规则的重复或交替出现，使画面产生韵律感和生命力，给人一种视觉的愉悦和情感的寄托。具有节奏感的画面很活跃，富有感染力，节奏有很多的表现形式，反复和渐变都可以表现出节奏感。反复就是重复，是指摄影画面中各元素有规律地交替出现，使人产生一种有节拍的感觉；渐变是指画面各元素的大小，高低，明暗、浓淡等逐渐的，不显著的变化，给人一种和谐的美感。

十三、空间

绘画中很讲究空间的布局，“疏可跑马，密不透风”，摄影也很讲究这种空间关系的布局，主体面对的空间大，较舒坦；主体面对的空间小，有压迫感；前方空间大，表示事件正开始；前方空间小，表示事件已结束。我们一般会在主体行进方向的前方或者主体视线朝向的前方留下足够空间，以给主体一个行动的轨迹或者观望的范围。

十四、常用的摄影构图方式

（1）黄金分割式构图

处于黄金分割线上或者黄金分割点上的物体，便是视觉中心的最佳位置，是最容易引起人们视觉兴趣的，在视觉上可以达到自然、和谐的效果。把长方形画面的长、宽各分成三等分，整个画面呈现出井字形分割，当主体形象较大时，把主体安排在画面或上或下，或左或右的三分之一处，都可以达到突出主体的作用。当主体形象较小时，井字形分割线的4个交叉点便是其最佳位置，至于放在哪个点上，要根据具体情况和摄影者的创作意图而定。

（2）垂直式构图

垂直式构图给人重心稳定、庄严、肃穆的感觉，能充分强化景物高大向上的感觉。当主体和画面的顶部边缘线存在一定的距离时，可使主体产生升腾之感；若主体触到画面顶部的边缘线时，就会产生下坠感。

（3）框架式构图

框架式构图除了能增加画面的纵深感和装饰效果外，还可以提供与画面主题相关的信息，如事件发生的时间、地点等，帮助观者了解摄影者的拍摄意图，而且更重要的是使画面的主体更加突出，视觉中心更加鲜明。

（4）三角式构图

三角式构图是最基本、最常见的构图形式，可使画面获得牢固、安稳、结实的效果，给人一种雄伟高阔和稳定的感觉。将三个视觉中心放置景物或以三点成一面的几何形式安排景物的位置，形成一个稳定的三角形。这种三角形可以是正三角、也可以是斜三角或倒三角。其中斜三角形较为常用，也较为灵活。正三角形有安定感，逆三角形则具有不安定的动感效果。

（5）线条式构图

1、对角线构图

把主体安排在对角线上，能有效利用画面对角线的长度，使陪体与主体发生直接关系，画面生动活泼，富于动感，同时根据线条的汇聚趋势，吸引人的视线，达到突出主体的作用。

2、S形构图

S形曲线是最常见也是最优雅的线条，有一种流动的美感，给人一种意趣无穷的节奏感，它可以起到美化和丰富画面的作用。把主体安排在S形曲线合适的位置上，可以利用S形线条的视觉引导作用突出主体。

3、圆形构图

圆形本身具有两个优势，一是圆形与其它形状放置在一起时，最能引起视线注意的就是圆形；二是圆形的完美对称使其可以和其它形状和谐共处，而不会发生冲突。利用圆形的这两个特点，在摄影构图时，将主体放置在圆形的背景前，就可以利用圆形的视觉引导作用，达到突出前面的主体的作用，同时画面也会产生和谐之美。

4、斜线式构图

斜线式构图的特点是透视感强烈，能充分利用画面空间，并把视线由画面四周引向斜线的汇聚点，也可将视线从斜线汇聚点向四周逐渐延伸，甚至引向画面以外。斜线式构图的画面具有活泼、舒展、倾斜、动荡的视觉感受，能增强画面的美感，同时利用斜线的引导将观众的注意力投到主体上。

5、放射式构图

放射式构图具有强烈的扩张性、爆发力和动感，使得画面具有丰富的形式变化。若把主体置于中心，利用四周景物朝中心集中的特点，就可以很自然的将视线引向主体，具有突出主体的鲜明作用，但有时也会给人一种压迫中心，局促沉重的感觉。

（6）开放式构图

水粉静物写生教案篇3

学时：40课时（10/周x4）

班级：14五专二班

一．教学目的：认识色彩规律，培养学生正确的色彩观察方法及色彩表现能力，使学生掌握一定的色彩理论知识和色彩变化的规律。从而能较好的掌握水粉工具与颜料的性能，并掌握水粉画的方法与步骤。

二．教学内容：色彩静物写生

三．教学重点：掌握正确的的观察方法和写生的基本规律。四．教学难点：水粉写生常见问题和解决方法。

五．教学要求：在教学中遵循由简到繁循序渐进的原则、因材施教的原则；启发学生的艺术感的同时注重学生的个性特点。

六．教学准备：在教学中根据需要准备好静物；范画3-4张；色彩幻灯（课件）资料等。

七．教学方法：本课题主要以课堂写生为主，结合理论知识的讲解采用直观的教学手段（教师改画和做范画）进行教学。八．教学过程与主要内容：

（一）色彩基础知识 1．色彩的基础理论知识有哪些内容？（1）色彩三要素：色相、明度、纯度纯度：色彩的鲜明、饱和程度，又称饱和度。

（2）色彩的混合：一般绘画学习讲的是颜料的混合。要想调配、混合出丰富的色彩，就必须掌握色彩混合的规律与特点。原色：任何颜料都无法调配和组合出来的色，又称一次色。例如大红、柠檬黄、湖蓝。间色：用三原色中任何两种颜色相混合而成的颜色。例如红与黄、黄与蓝、蓝与红等混合而成的橙、绿、紫就是间色。复色：任何两个间色或三个原色相混合而成的颜色就是复色。例如红与黄与蓝的混合所形成的黑浊色就是复色。

（3）色彩的冷暖：有些色彩会形成暖的感觉，例如红色、橙色、黄色等就会联想到火、太阳的炙热和温暖，也就会在心里产生暖的感觉。因此我们把红色、橙色、黄色称为暖色。当见到蓝色、绿色、紫色等则会联想到蔚蓝的大海、树荫的凉爽，就会在心里产生冰凉和寒冷的感觉。所以我们把蓝色、绿色、紫色称为冷色。2．如何认识物体的固有色、光源色、环境色？

当光线照射到物体的表面时，由于物体不同，其吸收与反射的色光也不相同。根据不同的物体分析不同的色彩关系，就要重视和理解物体三大色彩的变化规律。

（1）固有色：指物体本身的色彩，例如黑头发、蓝天、白云、红苹果等，其中的黑、白、蓝、红就是固有色。（2）光源色：指光的色彩，一般考场都是设在教室，光线是从室外射进来的太阳光，色调偏冷。另外其它有很多光源色，例如灯光。（3）环境色：物体周围环境对物体反射的色彩以及物体之间相互作用的色彩。一般情况是物体越光滑，受环境色的影响就越大。3．如何把握色彩画面的“素描”关系？

在认识和表现静物的色彩关系时，一定要用单色表现出物体的外形及明暗的变化，特别是学生一定要掌握用单色表现物体的明暗关系，在头脑里形成一种画面大的“黑”和“白”的素描关系，许多学生一开始就去分析和研究色彩关系，结果画面色彩和明暗关系越画越灰。要记住的是：只有当画面的“黑”、“白”、“灰”关系正确，这张色彩画面才会有较强的视觉冲击力。4．水粉画的基本画法有哪些？

水粉画介于水彩画与油画之间，既有水彩画的水色淋漓、流畅、飘逸的感觉，也有油画的厚重硬朗的质感表现。有“干画法”、“湿画法” 和“干湿结合的画法”。其着色方法一般为“先整体后局部”“先薄后厚”、“先深后浅”、“先暗部后亮部”的作画原则。（1）干画法：

又称厚画法，笔上水分少，颜料较多，有时直接用色与色调配，要求用笔肯定、准确，笔触感强烈。适用于山石、树木、陶罐、水果等坚硬的物体。

（2）湿画法：又称薄画法，在调色过程中，水分很充足，通常是在前面的颜色未干时就接着画第二笔颜色，也有先把画纸刷湿，然后作画。在静物写生中，背景部分，透明的暗部和柔软的衬布等适宜用此画法。（3）干湿结合画法：

指干湿两种画法结合使用的画法。一般在背景和物体的暗部多用湿画法，在亮部和物体的主要部分用干画法。一般用干湿结合画法视觉效果会更好。

5．水粉画的用笔方法有哪些？

“勾”：“涂”：“摆”：“擦”：“点”：

“勾”：用小号的笔蘸适量的颜色，根据画面的需要画出长短、曲直、粗细、轻重、虚实等不同的线条。

“涂”：笔上蘸满颜料，在画面上到处涂刷所需要的色彩关系，注意色彩的自然衔接和笔触的变化，用笔宜大一些。

“摆”：按照物体形体结构的走向，一笔一笔地把色彩摆在画面上，要求用笔肯定、有力。

“擦”：又称“扫”，从字面意思即可理解为在画面上快速揉擦。分为干擦和湿擦。干擦可以表现物体的粗糙和某些物体的边缘，起色彩虚实过渡的作用。湿擦是用干净的笔在色彩未干和浓淡不匀的地方轻擦，可使笔触不明显，多用在湿画法中。

“点”：一般用来点物体的高光、画树叶、花瓣等。要求用笔准确、肯定。

（二）布置静物：布置静物是一件创造性的工作。在现实生活中，可供静物写生的题材很多，如室内一角、厨房炊具、文化用品、劳动工具，文物古董、蔬菜瓜果等均可入画。这种静物往往与其典型环境相配合，自然朴实，蕴含着浓厚的生活情趣。

（三）观察研究：

摆在初学者面前头等重要的大事是培养正确的观察方法，在作画之前，不要忙于下笔，先将静物之间的各种关系进行整体观察和分析，而整体观察应始终贯穿在整个作画过程之中，要从色彩诸因素的相互联系中观察色彩。从相互比较中找出色彩变化关系，在变化中找出主调色彩，要敏锐地捕捉色彩总的倾向，确定基调，然后再进一步分析研究局部的色彩关系。但又不能陷入局部孤立地观察色彩，还要回到整体以观察色彩。

（四）水粉静物写生的方法和步骤：

1、构图与画轮廓

经过观察研究以后，对所描绘的对象有了细致的分析和构思，在头脑中产生了未来的画面设想。构图的好坏是一幅作品成功的基础，也是作者艰苦设计的结果，同时也是作者的艺术修养水平和基本功的体现。构图要从形与色两个方面考虑，只有形与色的整体的结合，才能产生完美的构图效果。

2、铺大色调

铺大色调是着色的开始，要把握住静物第一印象的新鲜感觉，从整体着眼，主体物入手。把暗部色彩画准后，再画明暗交界线及中间色，然后逐步向亮部推移，最后加亮光。也可以从大面积的中间色画起，然后加暗部和亮部。画第一遍色一般从中间的色块开始，用较大的笔，调较薄的或不薄不厚的颜色画大块的色彩关系。将背景、主体物、桌面的区别及它们间的色彩关系画出来，然后将物体受光面的色彩画出，使画面形成一个基本色调。画时要胆大心细，要有激情又要稳重，因此在铺大色调时应根据水粉画的特点，用色时采用先湿后干，先薄后厚，先深后浅的步骤，最低限度地使用“白粉”。把大色调铺得既主体突出又与其他各部衔接得自然，对后来进入刻画和塑造形体阶段打下好的基础。

3、大体塑造

第一遍上色解决了大的色彩基调之后，即可进入大体塑造阶段。对静物每一个部分进行塑造，这是水粉画写生创作最艰苦的时期，这个阶段的主要任务是用色彩较充分地塑造对象的形体结构、质感和空间。可以从主体部分开始画起，随后塑造每一个静物局部的结构和形体及色彩空间等关系。在完成某一部分的塑造过程中不要忘记整体关系。要经常保持整体看、局部看。局部画又不能画得过分，要适可而止。

4、深入刻画

作为训练基本功的写生练习，细节刻画是必不可少的，一张画如没有细节，就不会有表现的深度；精彩的细节刻画，能获得画龙点睛之妙。

5、整体调整

画面的每一个部分都已进入深入刻画阶段之后，各部分可能会出现与整体不谐调的现象，这样对整体会有所破坏。这时，就要跳出局部的小圈子，检查整个画面，做出适当调整。

（五）水粉写生常见问题分析：

“火”：产生的原因主要是用色纯度过高，几乎用管装或瓶装的颜料原色未加调和即直接作画，给人以火、生、楞的感觉。此外，用色太厚，特别是用非常厚的颜色在画面上“干拖”、“干拉”都会造成画面的焦枯、火气。这些都说明初学者缺乏水粉画的调色和用笔经验。“灰”：是指在整幅画面中缺乏物体的暗部与亮部的色彩对比，这其中包括明度对比和色彩的冷暖对比。此外，静物中有些鲜艳、明亮的色彩因纯度不够从而产生灰的感觉。另外一个比较普遍的原因是用色彩表现某一物体时，调配色彩的种类过多，复色间相调必然产生灰、闷的感觉。此外，需要指出的是水粉写生用过量的水分调少量的色彩，画出的作品也会产生灰、脏的感觉。这是由于水粉颜料的特性造成的，因为水粉颜料主要由填充剂和着色剂混和而成，加水稀释后，饱和度就会降低，色彩会变得灰暗。它与水彩颜料的性能不同，稀薄的水彩会产生透明、柔和的微妙效果，而水粉颜色调了过多的水分就会变得苍白无光。所以调色时一定要控制用水量，以保证颜色的鲜明度。扬其所长，避其所短，才会最大限度地发挥水粉的优势。

“脏”：调配的色彩种类过多，最后导致色彩倾向不明确而成为脏色。

另外一个很典型的原因是，很多初学水粉画或经验不足的考生，在水粉静物写生中经常会用水或很稀薄的色彩在较厚的底色上刷抹、揉擦并加以修改，以求协调柔和的过渡面色彩。这样画出的物体色彩，干燥生就会产生脏、灰暗的感觉。

“花”：产生的原因是对整组静物大的色彩关系、大的明度关系缺乏把握的能力。有这方面问题的考生往往素描基础也比较薄弱，作画时容易一头钻进细节关系，一味去抠细小的色彩变化，从而丧失了物体大的色彩冷暖关系及色调倾向，特别是大的明暗层次关系。

（九）优秀作品欣赏：(略）

（十）课堂示范：(略）

（十一）学生作业点评：(略）

（十二）课时安排：

理论讲解 4课时

优秀作品欣赏 4课时

课堂示范分两次共8课时

学生作业点评分三次共2课时

1.简单静物写生练习（10课时）

2.较复杂静物写生练习（12课时）

3.复杂静物写生考试（8课时）

（十三）学生作业布置：

摄影基础教案篇4

本授课单元教学目标或要求：

了解摄影的基本概念、定义以及历史发展。了解摄影的基本制作流程。了解摄影与专业的关系。

本授课单元教学手段与方法：

理论课堂教学为主，穿插答疑和讨论，播放优秀摄影作品本授课单元的重点、难点：

重点：摄影技术与摄影艺术摄影的特性。

难点：摄影技术与摄影艺术摄影的关系。本授课单元思考题、讨论题、作业：

课下收集较好的摄影作品，了解摄影技术与摄影艺术的根源和发展。

上摄影网站寻找优秀的风景、人物、静物、动物、花卉、建筑、都市人文风貌等题材的摄影作品各一幅进行赏析评议。本授课单元参考资料

林路编著，《摄影艺术》，学林出版社，2005

第一节导言

l 9世纪上半叶。经过法国人尼普斯·达盖尔等先辈的不懈努力，在1839年发明了摄影术。从此，影像就逐渐被用于各行各业。特别是在商业艺术设计、印刷方面更是广为使用，它使原来需要经过很多年训练才能画出来的形象，只需经过镜头和显影等摄影技术就能轻易地反映出来，而且可以达到逼真的效果。我们现在所看见的许许多多的商业印刷品和商业喷绘作品都使用了影像元素。

目前人们对影像这一元素有着许多方面的研究，如艺术摄影、广告摄影、产品摄影、服装摄影等；但是从影像和艺术设计的角度进行系统研究却不是太多，因此，本课程从商业艺术摄影的角度进行探讨，使我们能够更好地利用影像这一元素为设计服务。

商业平面艺术设计是一种实用的美的艺术设计，包括了包装装横、各类平面广告、企业和产品画册等各类平面媒介的设计内容。这是一种纯粹为商业所用的艺术设计；目的在于提升企业和产品的形象。传达企业与产品的信息。沟通企业和消费者的联系，促销产品，最终使企业达到目前人们对影像这一到盈利的目的。影像与商业设计关系极为密切，是商业艺术设计的重要元素之一。

摄影实践是指摄影者运用照相机及其辅助器材进行摄影创作的具体过程。

①1839年8月19日，公布达盖尔发明银版摄影术的详细经过，摄影正式诞生。

②在我国远在二千多年前，科学家对摄影的几何光学进行了研究和实验。在《墨经》中，记载了小孔成像的实验，说明了物与型上下颠倒左右相反的现象，阐述了光的直线传播性。

③到了16世纪1816年，法国人尼斯得到世界上第一架照相机。到1826年，他终于拍摄成世界最早的照片，到1839年，才产生感光材料—银版

第二节摄影与摄影艺术

一、摄影的含义

二、摄影在社会的作用

三、摄影艺术的发展以及摄影与绘画的矛盾

摄影是：

用眼去观察、用心去感悟用脑去思维、用手去捕捉

第三节摄影的基本特征

一、摄影的技术特征

二、摄影的表现特性

1、记实性

2、瞬间性

3、选择性题材的选择最佳时机的选择拍摄技术的选择处理方式的选择

思考题：从摄影、数码摄影的发展历史来解读当代的摄影、数码艺术摄影的发展与变化。自学：将收集的摄影、数码艺术摄影作品进行分类和分析。 讨论：进行摄影、数码艺术摄影作品的风格和鉴赏讨论。

第四节照相机的基本构造

本授课单元教学目标或要求：

了解摄影设备的基本原理、对摄影器材有一定认识。了解摄影技术与摄影艺术的关系。

本授课单元教学内容（包括基本内容、重点、难点，以及引导学生解决重点难点的方法、例题等）：

本授课单元教学手段与方法：

理论课堂教学为主，穿插答疑和讨论，播放优秀摄影作品本授课单元思考题、讨论题、作业：

课下收集摄影作品，了解摄影技术与摄影艺术的根源和发展。引导学生解决重点、难点的方法：

作业一

题目：对光、影构成拍摄练习

目的：弄清光、影构成的概念，利用光、影构成的原理及形式，经过拍摄，反映不同的心理效应与情态；相应的，不同的情感意念，赋予摄影作品中，使摄影有情绪表现，具备一定的生命力。

要求：设计的摄影要有创意，拍摄创意20幅，从其中选出10幅，用4R的尺寸完成正稿，并用卡纸裱好。

作业二

上摄影网站寻找优秀的风景、人物、静物、动物、花卉、建筑、都市人文风貌等题

材的摄影作品各一幅进行赏析评议。以班为单位刻光盘交来

要求：每幅评议不少于二百字，有不明白的问题请提出来，我们下周课堂上讨论。以上内容的重点：拍摄的器材认识与了解。以上内容的难点：对拍摄的形式美及曝光原理本授课单元参考资料

林路编著，《摄影艺术》，学林出版社，2005

照相机的基本构造

照相机除镜头外可分快门、调焦和取景器、机身与卷片记数装置三大部件。快门是控制光线在感光片照射时间长短的机件，因此，快门就是照相机曝光的计时装置，它以秒为单位。快门的功能主要有两个方面：

快门与光圈配合，控制感光片的曝光量。

抓取瞬间动作使运动中的物体成像清晰或模糊。

其标准序列是：B、1、1/

2、1/

4、1/

8、1/

15、1/30、1/60、1/125、1/250、1/500、1/1000、1/2000、1/4000，快门的时间要求准确、稳定；误差不超过±40%；工作可靠，关闭时不允许有漏光现象，寿命应在3000次以上。

（一）快门的种类

镜间快门

镜间快门因受机械力及机械惯性的限制，一般最高速度很难超过1/500秒，最慢是B门和T门。镜间快门的优点是：

震动较小比较耐用

拍摄动体时不会产生变形

用来进行电子闪光摄影时，不受速度级别的限制，每一级均与闪光同步．

镜后快门帘幕快门

帘幕快门的缺点是：

在拍摄动体时，回造成变形。闪光同步速度低

钢片快门程序快门光圈先决式电子快门动态摄影和快门速度

第一种处理办法是用高速快门将运动中的景物凝结下来，获得一个清晰的影像。

第二种处理办法是如果物体来回运动，如荡球千、跳高、舞蹈等，这些运动均有一个瞬间的静止时间，摄影者抓住这个时间可用较慢的快门速度而获得清晰的影像。

第三种处理办法是对一些高速横向运动物体，如自行车、汽车、摩托车等，可采用横向追随拍摄法，使主题清晰而背景模糊，表现强烈的动感。

第四种处理办法是允许被摄物有一些模糊，选择适当的快门速度可达到这目的。

（二）快门的保护

1、上弦前调整快门速度

2、快门速度不能调在两级数字之间。

3、快门不能长时间处于上弦状态，以免弹簧拉紧容易疲劳。

4、拧不动时不要硬拧，扳不动时不要硬扳。

5、单镜头反光相机卷片与上弦联动，每次卷片时轻轻扳动卷片手把，一定要卷到头，不能中途停下来按快门，否则很容易损坏。调焦和取景器

身与卷片记数装置

（一）机身

照相机暗箱实际上就是它的机身，有了它才能装置其他各个部件。机身的材料有用塑料或金属的，照相机暗箱实际上就是它的机身，有了它才能装置其他各个部件。机身的材料有用塑料或金属的，总的要求是机械强度高、不变形、耐老化、质轻、不漏光。

（二）走片装置

第五节照相机的种类

一、大型照相机

二、中性照相机：使用120、220、127等胶卷的照相机均属中性照相机。

三、小型照相机：

1、平视光学取景式 2、135单镜头反射式四、一步成像照相机

五、特殊用途照相机：

1、显微照相机

2、工业用照相机

3、医用照相机

4、水下照相机

5、航空照相机

6、高速照相机

7、航天照相机

六、电子照相机（数码相机）

第六节照相机的正确使用和保养

一、照相机的正确使用

1、操作使用照相机之前，首先应该详细阅读使用说明书，了解它的性能、结构和使用方法。

2、要按照正确操作程序操作。⑴安装胶卷。

⑵根据景物亮度和拍摄要求，调节光圈与快门速度。⑶调焦（对光）和取景。⑷拍摄。

3、拍好一张照片的基本要求。⑴ 持机平直不歪斜。⑵ 拍摄稳当防震动。⑶ 测距准确。

⑷ 快门速度与光圈配合恰当，是曝光正常。

⑸ 注意检查镜头有无被物体遮挡，如镜头盖、相机皮套等。⑹ 必要时，戴上遮光罩。⑺ 注意用光线。⑻ 构图

二、照相机的维护和保养

1、注意防震

2、注意防潮

3、保持相机内外清洁

4、不要长时间对着太阳等强光体，否则镜头会开胶或上伤眼睛，甚至烧坏机内零件。

5、不使用时快门弹簧放松，距离标尺放置在无限远处，把镜头缩回，防止皮套紧压镜头。

6、先调好快门速度，然后再上紧快门弦，否则容易损坏。

7、快门速度不能放在两档之间，若放在两档之间，一是曝光时间不准确：二是容易损坏快门。

8、不要随意空拍，以延长快门使用寿命。

9、避免酸硷及有害气体的侵蚀

第七节照相机的附件一、一般滤色镜

滤色镜是照相机的重要附件，确切地应叫滤光器，它是一块有色的玻璃，使用时置于照相机镜头前面。

1、滤色镜的工作原理及作用： ⑴ 校正颜色对比 ⑵ 调整反差

⑶ 改变空气透视和调整天空色调 ⑷ 取消某种颜色、提高清晰度

二、特殊效果滤色镜

1、UV镜，即紫外线滤色镜，也称去雾镜

2、偏振镜，也称PL镜。

3、灰色镜，有全灰、半边灰、渐变灰三种。

4、近拍镜

5、柔光镜

6、雾镜

7、多像镜

8、星光镜

9、色散镜，即彩虹镜

10、晕光镜

11、半幅近摄镜，又称远近镜、双焦镜。

12、魔术镜

13、色散镜，即彩虹镜三、三角架

三角架是用来固定摄影机的金属支架。

四、快门线

是安装在快门钮上用来开启快门的。

五、遮光罩

六、近拍附件

七、多功能机身后盖，即资料后盖

八、电动卷片器

第八节焦距的功能与作用

在摄影上，镜头的焦距有五个功能和作用。

1、镜头焦距长短与成像大小成正比例。焦距越长，成像越大；焦距越短，成像越小。

2、镜头焦距长短与视觉大小成反比例。焦距越长，包括的角度越小；焦距越短，包括角度越大。

3、镜头焦距长短与景深大小成反比，能在感光片上结成清晰影像所对应的景物范围的纵长深度叫景深。镜头焦距越长，景深越小；焦距越短，景深越大。

4、镜头焦距的长短与透视感的强弱成反比。焦距越长，透视感越弱；焦距越短，透视感越强。

5、镜头焦距的长短与反差成反比。焦距长，反差小；焦距短，反差大。

第九节镜头的焦距

本授课单元教学目标或要求：

了解摄影设备的基本原理、对摄影器材有初步认识。了解摄影技术与摄影艺术的关系。

本授课单元教学内容（包括基本内容、重点、难点，以及引导学生解决重点难点的方法、例题等）：

本授课单元教学手段与方法：

理论课堂教学为主，穿插答疑和讨论，播放优秀摄影作品本授课单元思考题、讨论题、作业：

课下收集摄影作品，了解摄影技术与摄影艺术的根源和发展。以上内容的重点：光圈、快门的优化组合

以上内容的难点：构图的形式美的规律、方法

作业一

题目：对光、影构成拍摄练习

目的：弄清光、影构成的概念，利用光、影构成的原理及形式，经过拍摄，反映不同的物态与情态；

要求：拍摄要有对光、影有一定的物感、形式感。从其中选出10幅，以班为单位刻光盘交来

作业二

上摄影网站寻找以光、影、物的风景、人物、静物、动物、花卉、建筑、都市人文风貌等题材的摄影作品各一幅进行赏析评议。

要求：每幅评议不少于二百字，有不明白的问题提出来，我们下周课堂上讨论。以班为单位刻光盘交来本授课单元参考资料［1］王传东著，《摄影创意》，济南：山东美术出版社，2004年7月第一版［2］林路编著，《摄影艺术》，学林出版社，2005年7月第一版

一、焦距的定义

用标准镜头拍摄，被摄物离镜头25米以上，一般称之为无限远，用符号“∞”表示。从无限远物体射来的光线一般可以认为是平行光线（如太阳光），平行光线通过透镜形成的像点就是焦点。从焦点到透镜中心的距离就是焦距，用F或f表示。

除变焦镜头外，一般镜头的焦距都是固定不变的，照相机的镜头上一般均表明焦距，如海鸥DF相机的标准镜头上标有f=58mm即表示该镜头的焦距是58毫米。

三、光圈

光圈是用金属薄片制成的可调节光孔大小以控制通光量的机构。光圈一般安装在透镜组的中间。

各级光圈直径与焦距的比值叫做相对口径，计算方式与有效口径相似。

各级光圈大小的数字，叫光圈系数，以f/表示，它是相对口径的倒数。例如镜头的相对口径为1：5·6时，光圈系数标为5.6或写f/5.6.我国

部颁JB745—65标准，对f/制光圈系数的系列规定如下：

1，1·4，2，2·8，4，5·6，8，11，16，22。各级光圈通光量数倍数表：

光圈系数 1 1·4 2 2·8 4 5·6 8 11 16 22 通光倍数 512 256 128 64 32 16 8 4 2 1 放大与缩小光圈可以控制感光量是光圈的主要作用之一，此外，光圈还有调整像差改变成像质量和调节景深的作用。光圈的大小，直接影响景深的大小。光圈越大（即光圈系数越小），景深越小；光圈越小，景深越大。景深的运用在摄影中很重要。

第十节景深

一、什么是景深

摄影时向某景物调焦，在该（景物）的前后形成一个清晰区，这个清晰区通称为全景深。

二、决定景深的三个因素：

1、光圈对景深的影响：光圈越大，景深越小，光圈越小，景深越大。

2、镜头焦距对景深的影响

3、物距对景深的影响

第十一节摄影镜头的种类、特点和用途

一、定焦距摄影镜头

1、标准镜头

2、长焦距镜头

3、短焦距镜头（广角镜头）⑴ 焦距短、视角大 ⑵ 焦距短、景深长

⑶近处景物成像大，远处小，因此场面显得深远，有助于突出主体。⑷ 它容易使被摄物的影像变形，焦距越短，被摄物越近，则变形越大。

4、鱼眼镜头

二、变焦距摄影镜头

三、特殊摄影镜头

Δ业余摄影爱好者宜选择哪种类型的照相机 • 135型，旁轴取景手控暴光，如凤凰JG301、F1.8、38MM、1~1/500、270元江西产

• 海鸥205、F2.8、50MM、1~1/300、865元、江西产135型、串镜头反光取景如海鸥DF-

1、F2、、58MM、1~1/1000、1465元、上海产 DF-

2、F2、、58MM、1~1/2000、1760元、上海产

DF300配珠江S201、F2、58MM、1~1/1000、1595元、四川产尼康FM2、F1.4、58MM、1~1/4000、3600元 FM10、F1.4、58MM、1~1/4000、1800元

注：可配长焦、中焦、广角或变焦镜头及专用闪光灯如；１７－３５

２８－１０５ＭＭ

３５－３００ Δ购买新相机时如何进行检验挑选

⑴摄影镜头的检验

⑵操作机构的检验 ⑶电子系统的检验

Δ怎样为135单反相机选配镜头

镜头生产厂有滕龙（TAMRON）、图丽（TOKINA）、适马（SIGMA）霍雅（HOYA）、35M-70、28-85/28-85、80-200、70-210（以广角—标准—中焦—长焦）

注意：卡口连接方式不同：K接和MO接口

第十二节人像摄影

本授课单元教学目标或要求：

了解人物题材的拍摄基本原理、技巧，布光，对各人像题材有初步认识和提高。本授课单元教学手段与方法：

理论课堂教学为主，穿插答疑和讨论，播放优秀摄影作品以上内容的重点：各类人像题材的拍摄技巧

以上内容的难点：人像摄影的拍摄构图、人像造型的形式美、人像摄影的用光本授课单元思考题、讨论题、作业：

课后收集人像摄影作品，了解各类人像摄影题材的拍摄技巧。

思考题：如何用相机拍出各类人像摄影题材的创意作品。

自学：收集的较好的各类摄影题材作品进行分类和分析并参照较好摄影作品自己拍摄较满意的作品四幅。讨论：针对学生满意的作品进行交流、讨论。 作业一

题目：对人像的用光拍摄练习

目的：弄清光、影构成的人像造型，经过拍摄人像，反映不同的人物精神面貌和表情特点；

要求：拍摄以光、影为基础拍摄有一定物感、形式感、美感的人物形象。从中选出10幅作品，以班为单位刻光盘交来作业二题目：上摄影网站寻找以光、影人像、人文风貌等题材的摄影作品各一幅进行赏析评议。以班为单位刻光盘交来

要求：每幅评议不少于二百字，有不明白的问题提出来，在下周课堂上讨论。作业三

题目：按课堂学习内容分别拍摄头像、特写、胸像半身像、全身像好各一幅。以班为单位刻光盘交来，下周课堂上讨论。

目的：弄清全身像、半身像、胸像、头像，运用光、影构成原理及形式，以人物造型的综合印象来组织形态关系，反映不同的人物的精神面貌、个性特征。要求：拍摄人像要有创意，拍摄人像20幅，从其中选出10幅。用4R的尺寸完成正稿，并用卡纸裱好。本授课单元参考资料［1］王传东著，《摄影创意》，济南：山东美术出版社，2004年7月第一版［2］林路编著，《摄影艺术》，学林出版社，2005年7月第一版

人像摄影是一种最常见的摄影题材，对多数摄影者或观察者来说，最感兴趣的还是人类自身。作为摄影的一个专题，人像摄影的范围是以人的脸部为对象，现代人像摄影

已扩展到人的全身，甚至人的某个局部，只要有可能表现出人的某种神韵，刻画出人物内心世界的视觉语言，均可认为是人像摄影。

1、人像摄影的基本要求

真实、完美地再现任人物形象，刻画人物的精神面貌是人像摄影的基本要求，这意味着不仅要概括地表现人物外部形态，而且要揭示被摄者的内在性格和他的精神面貌。一幅优秀的人像摄影作品应该做到正确表现外形特征、正确揭示性格特点、正确把握时代精神三个要素。㈠正确表现外形特征

正确表现外形特征，酷似其人，是人像摄影最基本的要求。首先必须正确掌握拍摄技巧。例如拍摄的角度、光线的运用等因素，若处理不当，则会歪曲外貌的表现。其次，要善于发现人物的典型特征及其表现手法。此外还要注意人像艺术美的真实性，一味追求外表的漂亮，用摄影技巧过分修饰，将失去其真实性。㈡正确揭示性格特点

人像摄影要做到“形神兼备”。仅仅貌似或形似，就缺乏艺术价值。摄影艺术要求将人物性格和外表形象有机地融合在一起，充分利用人物形态语言，进一步展示人物的性格，即时捕捉人物情感的瞬间。㈢正确把握时代精神

作为一个现实社会中的人，离不开周围环境和特定的社会条件，他们的服饰、化妆都紧随着时代的潮流，除此之外，他们的职业、年龄、地位、爱好、文化、民族信仰等都与他们的形象有关，这些在人像摄影中都要有正确的表现。综上所述，人物的性格特点、时代精神都是通过同一人的形态和神态表现出来的。因此，人像摄影要求者着重刻画人物的精神面貌和人物的内心世界，这是人像摄影的主要特征之一。

2、利用自然光的人像摄影

在户外进行人像摄影一般以人物为主，现场环境为陪体，自然光为主要光源。由于在自然光条件下进行拍摄，受到时间、天气、环境、季节、纬度等影响。怎样选择光位，根据不同的太阳照射角度采取的表现手法也是各不相同的。

采用太阳的直射光线，可使被摄者有较好的立体效果。但光位的选择需要注意，通常以30℃～60℃之间的照射角度为宜。利用逆光和侧逆光摄影时，应选择深暗的背景，这样有利于突出人物的形象。由于运用逆光拍摄的对象脸部较暗，应注意暗部层次的处理，通常以暗部作为曝光标准，也可使用闪光灯或白色反光板打辅助光，以调节光比。户外拍摄也可选择在阴天或多云的天气，因为太阳光经云层的遮挡，产生漫反射，这样的光线，拍摄少女和儿童尤佳，若要在晴朗天气的光线下拍摄，可在背阳的阴影下拍摄，也可让太阳光投射在描图纸上，通过描图纸的漫反射，使光线变软，使影调变得较为柔和。也可使用太阳伞，让人处于太阳伞的阴影中拍摄，在这种情况下，要注意曝光量的选择。在中午阳光下进行拍摄，要充分利用太阳伞。

在户外进行人像摄影，归纳起来，需注意这样几个方面：使用三脚架，机位宜在被摄对象眼睛下方至腰部上方，这样能防止变形；让场景中的每个人轻松自如，使被摄对象的手有处放；北京的选择要有利于突出主体，尽可能不让被摄对象的眼睛下方产生明显的阴影；宜使用中、长焦距镜头进行拍摄，让脸部占满整个画面，清楚地显示出人物的五官特征；注意使用不同的光影关系，处理不同的拍摄对象，有利于表现不同的画面效果。

3、人像摄影的景别

在人像摄影中，景别可分为全身像、半身像、胸像、头像、特写等。

1、头像

头像是指比胸像景别更小一点且带有肩部或颈部的肖像，拍摄头像时，由于人脸的一切特征都将被放大，优缺点暴露无遗。五官的比例随机位与方向的变化有所改变，这时造型效果的成功与否起到了决定性的作用，为减少拍摄对象的拘谨，应尽量使用中长焦距镜头。

2、特写

特写是指以面部为主体的人像摄影，或以人体某一部位为特征的肖像，这种摄影称为特写摄影。特写摄影更强调人物特征的视觉效果，它往往能给人一种强烈的视觉冲击力。特写摄影宜选用长焦距镜头。在人像摄影中究竟使用何种景别、将由所表现的主题而定，这是人像摄影必须认真对待的问题。

3、胸像

胸像指拍摄到胸部位置的肖像，胸像的面部特征更为重要，要根据不同的脸形特征，采用不同机位，克服面部上的缺陷，遇到被摄者为大小眼的情况，可让小眼接近镜头；遇到被摄者嘴唇有高低，可使唇角较低的一端接近镜头，并采用较低机位，来弥补面部的缺陷。拍摄胸像以中焦距为宜，可采用较大光圈，使背景虚化，这样有利于突出主体。

4、半身像

半身像的拍摄范围以被摄人物腰部以上的部位为佳。半身像由于只选取人物面部为主的上半身，所以人物的面部与手显得尤为重要，面部表情要与手的姿势相呼应，手的形态在很大程度上能强化面部表情，这样有利于造型。拍摄环境人像时，一般不宜将人物放在画面中央，背景环境的取舍简洁，适宜用标准镜头或中焦距镜头拍摄。

5、全身像

在全身人像的姿态中，手与脚的处理极为重要，手的处理原则上要有动作、要有事可做，手的姿势、位置的处理要看作是一种形体语言，能有利于被摄主体的表现，能与对象的现实情况相符合，能符合人物的性格，要与人物的气质吻合，要与人物的年龄、职业相联系，使画面生动有趣。一般来说，拍摄全身像选用标准镜头较为合适，广角镜头虽然可以靠近拍摄，但容易变形，不宜使用，当然，有意识的变形处理也是可以的。

第十三节主题思想摄影画面构成的意图所在

主题是摄影者通过拍摄对象所要说明的问题.摄影者通过照片中的艺术形象和造型语言,引起读者在欣赏过程中产生思想共鸣和审美感受,从而表达出自己的创作思想,体现拍摄的意图.摄影画面构成的各个方面都应该是以突出主题思想为基本任务的.摄影构图就是要把所要表现的客观对象根据主题思想的要求,以现实生活为基础,运用比现实生活更富有表现力的表现形式有机地安排在画面里,使主题思想得到充分地表达.因此,摄影者在构图时应明确所要表现的主题思想是什么,并根据其仔细地进行构图.构图的好坏,将决定一张照片会被拍成什么样子,会产生什么样的艺术效果,摄影者要向观众交待什么样的拍摄意图;影响到一张照片的艺术感染力,甚至关系它的成败.摄影构图包括摄影艺术创作的整个过程,从主题思想的确定到画面艺术形象的完成.研究摄影画面构成就是研究注意思想内容与画面表现形式的统一.任何作品都是内容与形式的统一.其中内容是主要的,起决定作用的,它决定着作品的价值和生命力.在按快门前首先应明确你的作品将表达一直什么思想,否则你拍出的照片就会缺乏灵魂.就像一个人,如果没有个性,没有美的心灵,长的再漂亮也不会讨人喜欢.实际上, 摄影画面构成是十分灵活的,只有在实际创作中才能具体化.每一个新的主题,都会启发作者设计出特殊的拍摄角度、画面布局、光线描绘和线条影调组合等.俗话说“艺无定法”,为了表达主题思想,摄影者可以运用不同的构图手法.总之,摄影画面构成就是要选取典型的拍摄对象.并通过独特的造型来表达主题思想,这也是摄影构图的实质.景别——摄影构思不同意境的表达面对被摄对象,在取景时应选取多大范围?如何确定主题与背景面积大小?这就涉及摄影的景别问题.根据画面范围的大小,摄影景别可分为远景、全景、中景、近景和特写几种形式,不同景别的特点和表现力各不相同.1、远景:远景画幅包括的景物范围很广,它能显示出宽阔的场景和广大的空间.结构远景画面要从大处着眼,注意整体气势.远景画面有利于向观众展现被设场景总的印象,表现大的气势和气氛,但不能明显表现被摄主体的细部.2、中景: 只包容某一事物或某一具体对象的局部范围的画面.比如拍人物,表现人物膝盖以上相貌的画面为中景.中景画面的特点是以表现某一事物的主要部分为中心, 常常以动作情节取胜, 环境表现降到次要地位.3、近景:画面包括的景物范围很小,被摄对象能表现出更多的细部, 容易给观众留下具体而深刻的印象,不易表现环境背景的特点.拍人物通常表现胸部以上相貌的画面为近景, 能很好地表现出人物的面貌与表情.4、特写:较近景更进一步,被摄对象的某一局部充满画面,只表现被摄对象的某一细部,从细微处揭示物体的特点,给观众留下很深的印象.比如只拍摄人物的眼睛或双手,通过眼神或手的动作来表现人物的内心情感,就属于特写画面.作业

上摄影网站寻找远景、全景、中景、近景和特写较好的摄影作品.并按照以上几种形式拍摄一张,以班为单位刻光盘,在下周课堂讨论.1、拍摄不同景别的街景照各一幅．

2、拍不同方向的风光照各一幅．

3、拍一幅背景简洁的人物照．

4、拍一幅前景优美的风景照．

以班为单位刻光盘,在下周课堂讨论.第十四节影调

摄影造型中最基本的因素

在摄影中影调的划分可以根据两个标准来进行,根据画面的影调层次可分为: ①硬调:相邻影调见过渡层次少,明暗对比强、反差大,给人明快、粗犷的感觉 ②软调:以中间过渡层次为主,反差弱,给人柔和的感觉,利于表现质感,画面平淡 ③中间调:影调明暗对比、反差适中的画面

根据画面的基调,从整体的明暗倾向又可划分为三种基本影调: ①高调:也叫亮调,大量运用白和灰色影调,只有很少部分的暗调构成的画面,给人轻松、明快、纯洁的感觉

② 低调:又称暗调,大量利用黑灰的影调,只有少许亮调构成的画面,给人肃穆、凝重、神秘的感觉

③中间调:在最常见的光线下摄影时所产生的影调效果,也叫灰调、一般调.影调在摄影画面构成中有如下几点作用: ⑴强化或弱化画面的空间深度和立体感,如暗影调的前景、亮背景可起到强化作用.⑵强调线条、形状、质感等构图的诸多因素,帮助进行画面造型.⑶组织视觉重点、突出主体.⑷烘托气氛,创造不同的视觉感受.在进行影调配置时应注意的问题: ⑴根据被摄对象的特征确定画面的基调.⑵影调配置要完美地突出主体.如果主体是深色调的则应选择浅色调的背景来配置,从而使主体形象完整清晰.⑶防止黑、白、灰影调的等量分布,防止色块的对称和零乱,画面的影调安排应有主次之分.⑷一幅黑白画面,一定要有最黑和最白的两极调子,黑处黑透,白处白亮,中有适度的灰,这样的画面才有黑白摄影的韵味.影调是指摄影画面中的一系列不同等级的黑白灰表现,它是黑白摄影构成可视形象基本要素.影调是构成摄影画面结构形式的造型基础.对比——画面构成中最为活跃的因素

对比是一种常用的艺术表现手法,也是表现事物存在状态的有效途径.所谓“全白非全白,有黑方有白”讲的就是对比的是手法.对比是对立统一的两个因素的比较,对比法则是艺术的辨证法则,广泛应用在各种艺术门类中,在藏与露、写真与写意、明确与朦胧、质朴与华丽、具象与抽象、雄浑与纤细、简洁与复杂等对比中显示出独特的审美价值.在摄影创作中,注重对比手法的运用,会增强图片的艺术冲击力.对比是摄影画面构成中较为活跃的因素,使画面显示出生动的效果.相反,如果缺少对比,画面就会显得平淡、单调.要形成对比效果鲜明的画面,就要善于从生活中发现对比因素,并借助相应的技术加以表现, 同时要与自己的构思相统一.在运用对比时要从实际出发, 从内容到形式巧妙地加以利用,在同一画面中也可以同时运用几种对比形式,从而使画面更加完美、生动.创作心得

拍一张照片，就是当所有感官汇集在流变的现实时，屏息以对。就在这一刻，抓住影像化为身心的极大喜悦。拍一张照片意味着——在同时与瞬间中——认知的事实本身与视觉形式的严谨组织，赋予影像以意义。它将一个人的头、眼、心，置于同一个轴之上。

第十五节摄影素养

本授课单元教学目标或要求：

1、提高艺术修养

设计学员是从事创造工作的，所以，各方面的修养就会显得比较重要。要使每个学

员认识到艺术修养和审美能力的提高不仅表现在理论水平上，更重要的是表现在设计者的拍摄作品之中。通过自己的拍摄作品，设计学员表达自己的情趣、感情、审美、爱好，并展示给人们，让欣赏者有同自己一样的感受。这就是一种既实用、科学却又有审美价值的艺术创造。

如同一个人的世界观的形成不是一朝一夕的事情一样，艺术修养和审美能力的提高需要一个长期的过程，它有一个由量变到质变的问题，这就要求设计者们通过艺术实践，在设计中多看、多练、勤学、深思，向有经验的前辈学习，不断在设计实践中提高自己的艺术鉴别能力和欣赏能力，打破那些陈旧，粗俗的审美观念，代之于富于新时代精神面貌的观念。

2、启发独创性

观念的更新才能带来设计的创新。有了新的观念，还必须在掌握前人传统技法及设计要领的基础上启发自己的独创性，创造出前无古人后无来者的优秀拍摄作品。

人与动物的不同点就在于人具有创造性。显然，作为设计师的全部教育除了观念的更新外，还要以培养独立的创造性为目的。造型基础是一种教育手段，通过这种手段可以发挥人的想象力和创造性，不断开发设计师的头脑，使之敏捷、活泼，达到对人类的目的和文明秩序，生活方式和社会意识有新的假设或明天的设想的目的。

因此，在拍摄练习中我们就要求学习者能抓住每时每刻浮现在自己头脑中的形象，像日记一样把它记写下来，使头脑能经常的训练。只有通过这样，才能训练自己的思维，时刻唤起自己创造灵感。

3、研讨表现的技艺

任何一种设想、形象在其没有表现在设计图中时，都是一种内在的精神，只有通过一定的成熟的技艺，把浮现的形象，刻意的设想记录下来，才能成为外在的使人看得见，悟得着的精神世界。这里技巧的表现就显得非常的重要了。同是一种的拍摄构成，技法的不同，会带来视觉心理的不同，只有成熟的技巧，才能更容易表现出自己的内在精神。

因此，在训练中，要求设计者熟悉各种拍摄的性能和美学特征，熟练掌握各种拍摄工具的使用，精通各种制作技巧，以便得心应手地表现出自己头脑中浮现的形象，培养出随机应变的设计头脑来。

第十六节摄影艺术

摄影是渗透许多科学的综合艺术。要成为一个优秀的设计家，既要有一定的艺术修养和创作构思能力，又要有相当广泛的专业设计知识和与本专业设计有关的其它知识作辅助。专业艺术设计师起码要具备四个方面的基础知识，其一是绘画基础，它奠定了设计家的“表达能力”，不同的专业对绘画的训练有所不同；其二是装饰基础，它很大程度是设计者通过对传统的学习和吸收；其三是设计基础，它启迪着设计家的构思力和创造力。只有具备了这四方面的基础知识，才能充分培养出作为设计师的描写力、表现力、构成力、创造力的基础造型能力，其四是摄影造型基础，它启迪着设计家的构思力和创造力。只有具备了这四方面的基础知识，才能充分培养出作为设计师的描写力、表现力、构成力、创造力的基础造型能力，为向真正的专业艺术设计造型做好必要的准备。这样，在设计师进行设计创造上才能够根据现代社会提出的要求恰到好处地实现技术与艺术、物质功能与精神功能的高度统一，使自己的作品能从性能到形式，均能具有时代的气息和精神的风貌。

培养专业艺术设计师，应该学习的知识是广泛的。但在处理实用问题之前进行造型基础的学习与训练是必不可少的。摄影作为一门基础的教育课程，它可以通过拍摄构成的训练，潜移默化地体现在学员的专业设计中。

若没有这样的基础，造型的行动就会失去头绪而不能推进，最终的结局是追随原来的造型，不可能进行充分的创作活动。显然，本课程作为设计学员的一门基础教育课，是相当重要的，它是通过设计学员进行艺术与技术的训练达到对拍摄构成的形态构成的再组合、再创新，培养设计学员的艺术审美观念，以便更好地为自己的设计专业服务。

作业四

题目：外出摄影风景、静物、花卉、建筑、人物、动物、都市人文风貌等目的：巩固课堂学习的内容，同事对摄影的原理，摄影的拍摄方法进行实践

用摄影的艺术眼光（点、线、面的组织结构关系）去观察具象形态，从中分析、归纳具象形态有规律的内在光、影关系。

要求：选择1—2个具象形进行摄影，完成2幅摄影作品，尺寸8R，并用黑卡纸裱好。本授课单元教学手段与方法：

教学方法：包括理论知识、课堂讨论、观赏优秀的摄影作品、自学。

(1)理论知识：以教师课堂讲授为主，认真讲解理论知识，让学生认真理解每一个内容，课堂理论讲课与个别指导相接合，使学生清楚的懂得构成的基本要素和基本形式。阅读参考文献、书籍、优秀的摄影作品为辅。

(2)课堂讨论：课前由教师布置内容、提供参考文献，学生自己准备，课堂上围绕提出的问题进行讨论。

(3)自学：由教师布置自学内容，提出重点，指导学生自学。课外教学要求：

首先，要求学生养成课外自学的主动意识，积极探索。认真完成教师布置的课外作业。教学手段：

学生可以利用电脑来制作作品，打破传统的拍摄习惯。利用多媒体现代教学，能变抽象的说教为形象的演示，培养学生艺术鉴赏力和审美能力。拍摄按一定的规律，组合而成的一门艺术，在预备年级要上好这门课，难度确实是很大的。以往在教授制作方法时我们光靠讲，看一些有限又小的图片，很难让同学理解、掌握。利用多媒体现代教学手段，把抽象的说教变为形象的演示，由浅入深，大量的生活中感性的东西让同学看，让学生从感性到理性，由形象到抽象，加强了同学对平面构成理解，掌握了美的构成规律，提高了对平面构成艺术作品的欣赏力，提高了对抽象形的审美观。如我们在进行拍摄的概念、方法与步骤时，我们用很多优秀作品，通过荧屏一步一幅幅优秀作品演示给同学看，学生很快就理解掌握了，教学效果提高了许多倍。以往我们光靠教师讲，费时费力，效果平平。利用多媒体教学手段在短短时间里很多形象展示给学生看，既形象生动，又使学生很快理解，及时掌握当堂的知识。

在运用多媒体教学手段时，还需要注意发挥教师课堂用语的情感、语言的精美到位、抑扬顿挫的语调，使学生和电脑之间的交流更生动更美。

艺术欣赏力的培养，需要大量接触艺术作品，审美能力才能大大提高。多媒体教学中你可以从书籍、计算机网络、电视节目、多种音像制品、现实大自然中获取教学所需

要的创意字体图片、作品。这样就可以及时、大量向学生展示艺术手法高超、审美特征突出的优秀作品，开拓学生审美的视野，使他们通过优秀作品的学习，更懂得随着科学的进步，现代生活促进人们的审美意识也发生了深刻变化，美同样存在这些摄影作品中，提高审美能力。

第十七节摄影实践

近几年来，我国的工艺美术院校和设计单位对摄影艺术进行了大量的研究和应用，对这门新学科有了更深的认识，并且收到了可喜的成效。目前这种研究和应用，正在进一步的发展中。

以上内容理论课学时：4学时实验制作学时：8学时以上内容的重点：

1、摄影的概念

2、摄影的造型要素—光、影的概念及构成原理、拍摄方法。以上内容的难点：学生通过对光、影的概念及构成原理的了解与学习，引发创意造型思维，为专业设计打下基础。

引导学生解决重点、难点的方法：作业一

题目：对光、影构成拍摄练习

要求：设计的摄影要有创意，拍摄创意20幅，从其中选出10幅，用4R的尺寸完成正稿，并用卡纸裱好。

打印成二张A4纸，以班为单位刻光盘交来