人物油画（通用6篇）
人物油画 篇1
一、创作前的准备
首先,挑选一块较好的油画布,布纹较密,相对的也更厚实,涂层均匀。油画框需要1.7*1米的,可以自己动手做。制框步骤如下:第一步,找木材。从地图上找附近的家具厂,那里的木条较多,一般较便宜。第二步,挑选木条。要想内框方正、结实,木料一定要直,锯开的时候横断面要平整,尺寸要测量精细。否则钉好的框不是弯曲变形,就是不平整。不仅会影响作画,也会影响到最后的装裱。在这里我需要1.7米木条两根,1米木条两根,用来做边框。再拿一根稍小于一米的木条,几根短木条,需要钉在中间做支撑。第三步,钉框。两人合作,用钉枪钉框。需要注意的是,画框的两个平面至少要有一个平面是很平整,没有突起物的,否则绷上画布,作画时也会不平整。
二、创作过程概述
材料工具都准备好后,准备开始构图。构图是对画面内容和效果的整体考虑和安排。构图时考虑以下几点:第一,画面主题图形的位置。采用渐变式构图,将主体物安排在画面的靠左位置,人物动态与竹竿构成一个三角形,景物在画面上半部分,船和鱼在画面底端,促使画面有纵深感、空间感。第二,将画面中处于背景部分的物体处理的虚幻和概括,辅助塑造空间感。想好了以后,用木炭条起稿,把大致的空间关系画出来。刷一层油以后,又用稀释的单色颜料固定底稿。在这个阶段,我发现用布擦是一个很好的方法。用单色打形,用布可以把亮面和高光揉擦出来,这个方法不仅出效果快,而且使画面过渡自然柔和。
下一步是画出大的颜色关系以及塑造形体。人的面部表情、皮肤都是很重要的部分。而我在创作过程中,对于人物的脸部色彩没有把握好,导致调出的颜色不协调,皮肤也不细腻,整个人物看起来是僵硬呆板的。经过认真观察,我发现自己最大的问题就是过于拘泥于脸部造型,而忽略了对人物整体的把握,没有做到形神兼具。我在查阅了相关书籍并做了一些尝试之后,总结出两种画皮肤的方法:一种是采用透明色层和不透明色层叠加的方法,在底层画完后薄涂透明色,这样不会显得太苍白,可以加强质感。另一种是色彩半干的湿画法,一层一层的画,要在有点干却没有干透的时候画下一层,让颜料比较柔和的融合,皮肤会比较细腻。最好用小的尖峰笔来画,更易刻画细节。
同时,我选择先着重刻画衣着。从衣着的刻画上表现出劳动人民的质朴,因此选择了较灰的颜色。然后认真的观察衣纹的走向,通过衣服的曲折变化间接地表现人物的动态。
在刻画背景的时候,我尝试用刮刀作画,这种断断续续、粗细不均的画面效果表现出不同的肌理效果。在空间的把握上也做出了调整,这幅画面的主体是人,所以我尽量把景物画的虚、淡,色彩相对暗一点,从视觉上把它们推到远处。
木船、鱼和渔网也是这幅画的难点。因此我特意去乡下进行考察,观察它的结构,材质。我发现里面居然还长有青苔。回到创作中,船只重点表现它的斑驳的质感和潮湿的感觉,我最后在上面加了一层绿色,表现青苔,并且和背景的大面积绿色相呼应。渔网是最难画的物体之一,画之前一定要了解物体的结构、材质。在没有了解之前,我以为网材质较硬,网眼是矩形的。经过观察之后才知道,我画成了海里捕鱼用的大型网。一般的划小船捕鱼的渔夫,用的是比较小且材质柔软的渔网,网眼一般呈菱形。还要注意网堆积在一起的结构,折叠的部分是看不到单独的网眼的。鱼的部分我只是用大的块面关系表现,并没有画具体的细节。水波的部分不仅要表现出倒影,还要根据划船的方向画出波纹。
三、创作后的反思
在创作完成之后,我总结了创作中的不足之处。
第一、不会把握整体。太过于注重局部,而忽略对整体的把握。第二、过度依赖照片。因为有照片作为创作的依据,在作画时不经意的就变成了画照片。鲁迅先生曾说,依傍和模仿,绝不会产生真正的艺术。学校油画创作不同于名家创作,其目的是引导学生将理论知识与专业技能相结合,充分培养学生的创新能力和表现能力,从而形成独特的绘画语言。但是一味的照抄照片,失去了自己对画面独特的理解与表达。长此以往,会抑制绘画思想的进步,失去创新意识。一幅画不是用来还原感动了自然原型的照片,而是在我们自己感受点上的形式加强。注意对照片的取舍,取其主体,舍掉无关的部分;采用强化与减弱的手法,从构图、色彩及主题等方面进行再创造。这样才能提高独立创造能力,对细节的捕捉能力,发散思维,将生活素材加以提炼、重新组织,让画具有情感和思想。第三、主次不分。对于画面的背景、人物、各种细节都有所描述,主体不明确。第四、缺乏情感。要想创造出有丰富情感的作品,就需要在日常学习生活中丰富自己的文化底蕴,多去欣赏优秀的文学作品与绘画作品,从根本上提升个人素养。
四、结语
艺术的道路是无止境的。我们在培养对艺术的兴趣的同时,可以主动地去思考一些问题,主动地去发现生活中的美,通过画笔在画布上表现出来。任何优秀的作品并非一朝一夕的历练,我们只看到那些灵动的线条、栩栩如生的色彩,却看不到画家投入了多少心血。所以说,任何成功并非偶然。
对于艺术的学习,不仅需要不断练习,更重要的是注重理论的指导与提高眼界。创作技法上,要大胆创新,不要以为模仿前人与沿袭传统技法。绘画工具不要拘泥于单一的表现工具,同样是围绕所表达的视觉感受进行选择。创作需要不断地调整与思考,在这样反复的过程中,我们会学到许多,包括形体塑造、色彩搭配、质感透视、韵律、节奏等,更重要的是体会到作品中不断融入的情感。
摘要：人是艺术表现的主体,从古至今,人物一直是画家创作的重要题材。人物画也是绘画门类中最难解决的难题。人物画需要了解人体解剖学、人体比例结构、运动透视学等方面的知识,同时还要充分把握人物写生中微妙的色彩变化。如何在实际创作过程中将这些知识加以运用是关键。本文从科学和艺术的角度,针对人物题材油画创作过程中可能出现的问题和解决方法提出一些认识和建议,对油画创作实践过程中的体验与反思进行了阐述,希望能够给予初学油画的同学一些帮助,也使自己在今后的油画学习中不断进步,得到升华。
关键词：艺术,油画创作,整体,情感,反思
参考文献
[1]《创作与思考:李木知道的和想到的》,李木,人民美术出版社,2005年
[2]《油画艺术导论》,郑岱,南开大学出版社,2009年
[3]《西方美术大师绘画技法》,英国昆腾出版公司,广西美术出版社,2006年
[4]《移花接木油画实验教学》,张淳,李晓晖,人民美术出版社,2012年
[5]《200个提升绘画能力的技巧》,[美]瓦莱莉科斯顿,上海人民美术出版社,2012年
人物油画 篇2
版权所有-中职教学资源网
半身人像写生中手的刻画是一大难题。我们首先要理解手的结构关系，以及大的体积变化，特别是在一定的透视当中的体积变化。同时我们要理解由于手一直裸露在外，在明度上要比身体其他部位要深一些，血色更艳丽些。还要注意手的关节处有明显的皮皱，相互形成一定的比例节奏，不宜一一刻画，平均对待，不能过于琐碎，脱离整体感。
5、整体收拾
到了这一步骤，画面有了深入的描绘，同时对模特的观察有了更深理解。当我们推远观察审视画面时，可能会发现整体上不足，所以整体调整是完全必要的。首先要看总的色块关系能否生动的体现对象本身，暗部色彩与亮部色彩是否连贯统一；各大色块之间的区别是否统一在相应的节奏当中，是否具有一定的次序感；主体与背景的空间关系是否明显。再有看人物本身是否有结构上毛病，特别是衣纹下的结构是否遵循固有的比例位置；最后看整个画面的艺术语言，特别是笔触的运用，能否恰如其分的体现结构，整体的笔触流动是否有节奏上的控制。
http://zj5u@163.com
对油画人物的形式美的教学探讨 篇3
关键词：油画人物；形式美；教学
中图分类号：G642 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2014）09-289-2
油画人物是人物画的重要组成部分，指的是对专门对人物进行描述的油画，描绘对象可以是历史中的人物也可以是我们现实生活当中的人物。在进行油画创作时，需要创作者对人物的形态、相貌、神情、特征等有充分的了解，提高描绘的生动性和真实性。我国的油画人物受传统国画的影响较大，对于抒情性和写意性也有着较高要求，更加重视对人物神韵和真实样貌的刻画，以求取得形神兼备的效果。
一、形式美的概念和特征
形式美属于人类符号实践中的特殊形态，是具体美的抽象体现，由各种自然因素和组合规律组成的一种符号体系。形式美具有独立性，在根本上与美的形式存在着较大的不同，主要体现在：美的形式能够体现目的性和规律性，属于一种感性形式；而形式美则更加宽泛和朦胧。另外，两者在存在方式上也有着较大差异，美的形式指的是感性的外观形态，而形式美的独立性较强，是独立的审美对象。
二、油画人物形式美的主要体现
（一）形式美在构图上的体现
构图主要指的是创作者在进行油画创作时，根据画面需要和题材特点，组织人物形象或者分割形象在画面中的位置，从而形成完整画面结构的过程。在进行构图之前，创作者要对画面分割线、画面视点、画面的平衡和尺度等有一个总体的掌握。对于油画人物创作来说，主要的构图形式有S形、三角形、中心式、水平式三种，每种构图方法都有着不同特征，对画面效果也有着不同影响。在进行创作时，要对造型、构图和色彩进行完美结合，刻画油画人物的特点和美感。另外，油画人物在构图上的形式美还能够在点、线、面的结合中体现出来，创作者在构图时，要将点、线、面进行合理运用，提高油画作品的自由度。
（二）形式美在造型上的体现
在近代油画人物创作过程中，造型指的是画家根据主观意图所创造出来的形体。不同的形体状况带给人的感受是不同的，要想让观赏者感受到油画人物的特征，创作者就要注重人物形体的创作。模仿自然是艺术形体创作的开端，但是艺术形与自然形体还是有着较大的差别的，真正的艺术体现在真实性上，不是单纯的模仿而是注重表现。绘画中的变形能够将创作者的视觉感受体现出来，是一种能够发挥与参照物相同效果的感性形态，但是与参照物的形象并不相同。这种印象能够准确清晰地反映画家的情感，因此，造型对于油画人物的画面效果有着直接影响。
（三）形式美在色彩上的体现
色彩对油画画面有着极为重要的影响，著名画家梵·高的《向日葵》《星空》等都是色彩运用的典型代表。创作者在油画创作过程中，画家要重视环境和光源对画面色彩产生的影响，通过色彩将想要表达的情感体现出来，合理利用变调的方式把油画的光源色和固有色转变为主观色彩或者其他色彩。画家要对真实物象的色彩进行概括、观察和提炼，对客观对象的形体和色彩做好处理，从而形成新的色彩组合。比如，蒙克的代表作《呐喊》中的色彩就保持了真实性，又与自然有着密切关联，利用色彩让观赏者产生惊恐的感受。油画创作者要尽量淡化固有色观念，认识到环境和光源对画面的影响，寻找多种多样的色彩关系。
三、油画人物形式美的教学策略
（一）加强写生训练
写生训练是油画人物学习过程中最常用的教学方法，是油画人物学习的前提和基础。在进行油画人物写生的过程当中，学生能够对人物的创造规律有基本的了解，从而掌握画家的造型艺术。从本质上来说，人物写生的过程也是学生进行思考的过程。因此，油画人物写生往往被当做油画的基本训练课程来开展，在写生过程中，学生能够更加明确地掌握色彩、构图和造型之间的关系。教师要增加写生课程，增强学生对人物体形、样貌和表情的敏锐观察能力，并且让他们更加熟练地运用色彩绘画语言和表现技能。另外，写生训练还能够让学生对人物周围的环境进行详细观察，从而对不同人物所处的环境和特征有更加明确的把握，将客观自然方面的真切感体现出来。但是，如今有些学生在油画人物写生的过程当中，没有重视形式美的把握，将写生当做一种模仿任务来完成。实际上，写生并不是一项简单的艺术活动，不是对自然的简单临摹，也不是对照相技术的模仿。因此，教师要转变学生的写生观念，让他们认识到情感的重要性，从内心出发，用情感进行创作，使油画人物作品实现情感体验与客观生活的统一。
（二）提高学生的创作能力
在进行油画人物的创作时，如何发现属于自己的创作特点是每个创作者需要思考的问题。在进行油画人物教学时，教师要培养学生的创作精神，让他们尝试着自己创作作品，然后不断深入探索和研究，从而提高创作水平。在创作过程中，情感是一个重要因素，如果不具备充沛的情感，那么就无法对人物的美有真切感受。在实际生活中，每个人的经历和观念是不同的，对美的看法也不同，故而在创作时拥有的情感也多种多样。因此，教师要重视学生的情感培养，在开展客观训练的基础上，帮助学生提高绘画素质和感受能力。如今，创作能力的培养成为各个艺术院校普遍重视的问题，在进行实际教学时，教师要让学生发现写生训练和自己创作之间的关系，将两者进行紧密结合，组织学生对各种优秀画展进行参观和学习，并且用自己的作品给画展投稿，培养学生的创作积极性，提高他们的自信心。
（三）培养学生的写实能力
油画人物创作学习是从写生到写实的过程，要将前人总结出的精华进行合理取舍，为自己所用。对于绘画艺术来说，无论学习哪种门派，都要重视写实性的体现，并且形成一种共性，在保持共性的基础上，形成自己的风格和特点。在我国近百年的绘画发展过程中，写实依然是各个流派的主流，无论是表现派、印象派，还是写实派、立体派，都是将写实作为基础的。一些著名的画家都是从研究前辈的技术作品开始学习的，从而形成了比较扎实的写实基本功。写实能够使学习者的绘画技能和观察能力显著提高，而且训练方法比较简便，是加强学习者基础的有效方法。因此，教师在油画人物的教学过程中，要重视对学生写实能力的培养，从而提高他们的创作水平。
四、结语
在油画人物的创作过程中，形式美起着关键作用，对油画的画面效果有着直接影响。形式美能够提高画面的统一性和和谐性，体现社会氛围、精神情感和艺术环境。因此，艺术院校和油画人物教学者要认识到形式美的重要性，通过写生训练、写实训练等方式，从色彩、造型和构图等方面出发，让学生构建起油画人物画面的形式美，提高学生的创作水平，使油画人物作品的美学价值得到提升。
参考文献：
[1]吴梅.论中国油画人物的形式美[J].池州学院学报，2013，（05）.
[2]杨有良.小论油画人物创作中形式美的表现[J].美术教育研究，2013，（14）.
[3]鲍建新.中等美术教育中的形式美教学[J].上海师范大学学报（基础教育版），2006，（04）.
[4]杨飞，聂磊明.从具象写实油画看中西方油画人物的形式语言特征[J].美术教育研究，2012，（02）.
[5]谷大勇.油画人物教学新探[J].中国教育技术装备，2010，（18）.
作者简介：
色彩在油画人物创作中的应用 篇4
关键词：色彩,油画人物创作,应用
色彩是油画创作的主要表现手段之一。油画作品的思想和感染力可以通过各种艺术手段表现出来, 但作品留给观者视觉上的印象, 以及产生的感情和情绪在贴切地表达作品主题时就需要画面上色彩所产生的美感。色彩给人的心理作用和情感表现力量在观者的心灵和创作者之间相互沟通。
油画中的色彩, 须依靠思索想象和客观处理才能得到。色彩之于生活和绘画尤其是油画的重要性显然是毋庸置疑的, 优秀的色彩画家不仅能很好的处理画面的色调, 还要善于用色调来传神、写意, 最后使观者受到感染、产生联想, 进入审美的境界。
色彩依靠感觉, 而非分析。色彩的感觉可以通过训练得到和提高。在绘画中对比是普遍存在的, 只有对比画面才能形成统一的色调, 画面的色彩才有光辉。
在油画人物创作中, 色彩关系是突出的问题, 必须首先要考虑画面中人物的动态场景, 依此决定用怎样的色调, 通过典型形象的塑造表现一定的主题思想。创作中的色彩虽使人感到真实具体, 但却是在明确的主题思想指导下的概括, 冷暖的组合、颜色和谐与对比的安排, 都对突出主题思想起着重要作用, 提高画面效果的感染力, 所以色彩的处理要在构图合理的情况下, 服从典型形象的刻画, 更要服从整个作品的主题思想。生活中的色彩是客观存在的, 人类在生产劳动、社会生活和认识世界、改造世界的过程中, 因个人喜好而对有关物象产生不同的感情。而创作中的色彩是经过作者根据自己生活中的经历和人们对色彩的共识, 把我们的生活和色彩联系起来研究, 就会发现色彩和人们的情绪的联系是非常微妙复杂的, 而不是一成不变的。不同心情或情绪通过画面的色彩使观者的感受和情绪受到感染, 使观者在画面的艺术形象中感受色彩的魅力。
生活是艺术的源泉, 油画人物创作来自现实生活, 但不是照搬生活。而是画家对生活感性的、积极的思考后在心中对物质世界的自我认识和自我感受, 用自己的认识和感受, 选择自己心有所动的生活内容进行加工构思, 通过油画色彩的技法和技巧最终形成作品。
在油画的发展史上有许多优秀的画家在色彩方面为后人做出了杰出的典范。
委拉斯贵支是十七世纪西班牙伟大的现实主义绘画的优秀代表, 在用笔和色彩方面深受提香和鲁本斯的影响, 喜欢在有色底的画布上作画。他作画时注意画面的整体感, 注重外轮廓的作用, 不沉湎于个别物象的细腻描绘。更注重通过包围物象的光和周围环境去表现物象。《教皇因诺森十世》是他的一幅著名的肖像作品, 在这幅肖像中, 画面上火热的红色调子表现了特有的宗教的庄严气氛, 白色的法衣和红色的披肩形成了强烈的色调对比, 笔触用得十分自由, 表现了艺术家应用色彩的高超技巧。
法国印象派画家莫奈坚持户外对景写生, 善于捕捉光色气氛和瞬间印象, 他经常面对同一景物按不同时间、季节、光线的变化而随时调换画布, 并对同一对象作出了准确的记录, 表现出了同一景物在不同时间、光线下的不同色调, 将情与意巧妙地融合在一起, 并赋予作品以音乐感及诗意, 真不愧是一位色彩大师。《穿和服的莫奈夫人》以大红色的暖色调为主, 展现的是一种热闹的, 似乎像是传统中国新年的红火气氛, 凝重的暗青色是背景, 地毯用的是深色的格子, 而人物所穿的大和服袍子是明亮的大红色, 显得十分富丽堂皇。莫奈夫人白皙的脸被艳丽的红衣映的染满红晕, 背景和人物这种一亮一暗的强烈对比使画面产生了极强的色彩效果和光感, 是一种截然不同于古典绘画的风格, 在阴影部分的色彩莫奈处理的也很有印象主义特色, 画面中地毯、背景、人物的衣服都是充满了动态感的颜色, 多种冷暖色以欢快的节奏调和在一起, 房间暗背景的烘托, 人物呈现出生动而灿烂的色彩变化。
印象派画家对色彩的处理并不是简单的对客观自然的描摹, 它们不仅将光色效果发挥到了视觉美学的极致状态, 而且用小笔触构成的色彩画面由于采用的是纯色并置的方法, 使颜色在表现自然色彩的过程中以它们最突出的对比方式, 将色彩的美感价值推到了崭新的色彩表现的舞台中央, 成为我们驾驭色彩的永久典范。
色彩之于油画极为重要又极为复杂, 可以说, 没有色彩就没有梵高的《向日葵》, 颤动的笔触没有色彩时是无力的苍白的。色彩问题从根本上说是画家的感觉问题。在进行油画人物创作时, 尽量克服描绘对象的固有色, 物象处在特定的环境中, 其本身的固有色肯定会受到周围环境的影响, 因此, 淡化固有色的观念, 多注重光源和环境对物象色彩的影响。世界是一个色彩的世界, 所以画油画人物创作不能一味注重对象的固有色关系, 而要用眼睛找出各种微妙的色彩关系。培养良好的色彩感觉和运用色彩的良好习惯是进行创作极其重要的环节, 这是一个长期的过程, 需要不懈的努力。
参考文献
论具象油画中的人物造型 篇5
关于艺术的起源有着多种多样的说法:游戏说、巫术说、模仿说等, 但无论人类是以怎样的方式开始进行绘画, 其内心中都应该有着模仿出眼中所见自然地冲动, 而到要将之发展为艺术, 最理想的是运用最适当地材料, 以最适当地方式, 描摹最美的对象。所以艺术的过程终归是形式化, 是一种造型。 (1) 相对于抽象绘画来说, 具象绘画要求画面具有一定的写实性, 具有写实性的各个因素:空间、透视、体积等。在具象人物油画中, 人物造型可以看作是画面中的一个重要因素, 它本身具有着相对性, 是艺术家表达心灵的手段, 也是观众欣赏艺术作品的途径。而在合乎时代特征, 具备个人风格的同时, 最重要的也在于形式上是否出自艺术家的内在需要。
从中世纪的手抄本绘画与圣经插图中可以看出, 艺术工匠们已经开始科学性的运用空间的透视, 人物合理的比例, 较为简单的解剖, 以达到画面中的写实效果。乔托在绘画中开始努力探索对人物真实生动的表现, 研究透视与解剖, 主动处理画面中各个人物相互之间的关系, 加强绘画情景的表现, 形成了一种朴素无华与深刻性于一体的画风。此后从安吉利柯, 到菲利波·利皮, 绘画中人物的体积、透视发展的渐趋成熟, 人物姿态描绘也越来越复杂, 神态刻画更加生动, 服饰表现也体现出了较强的质感, 画面整体也处理出了空间层次, 直到波提切利, 不仅运用精湛的写实技艺, 同时也对人物造型作了一定的主观处理, 运用富有诗意的曲线创造出了个人对于人体独特的理解和艺术风格。在文艺复兴盛期, 达·芬奇可以说是一位将“艺术”与“科学”进行了完美的结合, 悉心研究人体比例与解剖透视, 探索具象油画中的人物表现的杰出画家。而这一时期米开朗基罗与拉斐尔在人物绘画上不仅已经娴熟的掌握了人体的比例、解剖, 更能够融入自我的情感, 创造出或悲壮或唯美的人物形象。
此后的艺术家不断地探索与创造着自我笔下的人物表现方式, 已经不是单纯地追求对人物的真实再现, 而是更尽力的将自我的情感融入绘画。这一点从19世纪开始延续至今, 具象化的风格已越来越明显, 对人物造型的处理在传统写实的基础之上也越发主观起来, 自我强烈的性格特征与情感也越发显著地被观者认知, 使一幅绘画成为精神的有机体, 传达着艺术家内心的独特感受。从人类开始在岩壁上描摹人像之初到科学的掌握人体的比例、解剖等绘画技法, 虽然是在不断探索真实再现物象的技法, 但这之中的每一位艺术家都在自觉或不自觉的状态中将自我情感融入到了艺术创作中, 融入到了对人物造型的处理中, 展现出个人眼中的可见世界。
(一) 具有严谨再现性的人物造型
遵从科学的人体解剖、透视及比例, 而不强调对于人体的变形及表现性, 这样的人物造型我们可以理解为是具有严谨再现性的。文艺复兴的大师们研究出大量而丰富的理论成果, 使得这之后的现实主义绘画不再为写实的技巧而困扰, 可以去探索, 去表现融合了个人性格与情感因素的自我笔下的人物形象。17世纪的古典主义绘画与卡拉瓦乔为代表的现实主义画家在人物造型上仍然十分严谨, 他们不仅描绘普通人的日常生活并且以圣经故事或古代神话为题材进行创作, 但都在强调对人物性格情感的高度表现力与深刻的真实性。在继承写实传统下开辟出了现实主义绘画的道路。
写实性绘画中人物造型大都十分严谨, 艺术家遵循着严格的人体比例, 透视与解剖法则。从17世纪的巴洛克到18世纪的罗可可再到19世纪的浪漫主义, 这每一时期虽然有着明显不同的艺术风格, 但是艺术家们在人物造型上仍然遵循着科学的规律, 严谨的塑造着笔下的人物形象。这些艺术作品是在每一个特定时代之中所孕育出来的, 打下了每一个时代的烙印, 其中蕴涵着艺术家的感情, 艺术家高尚的理想, 艺术家内心的激动, 和无尽的热情。这些艺术作品并不是简单的复制我们的生活, 如果是这样那么艺术也就失去了它自己的灵魂。康定斯基说到:“如果艺术仅仅是时代的产儿无法孕育未来。这是一种被阉割了的艺术!它是短命的, 那个孕育他的环境一旦改变, 它也就立刻在精神上死亡。” (3) 艺术也应当是从属于一种精神生活, 是可以共鸣回响的, 给人们以启示, 对未来产生影响。此前提及的任何一个艺术种类无不如此。因此, 我们可以更加清醒地认识到在严谨的人物造型基础上并有着内在生命力的艺术作品并非对生活的复制, 它其中包含着艺术家的“内在精神”和时代的“内在精神”。
(二) 具有一定表现性的人物造型
油画艺术发展到19世纪变得丰富多彩, 出现了许多形形色色的流派与风格, 折射出尖锐且复杂的社会变革。在一系列伴随政治形势的变化中出现了一系列艺术思潮, 艺术家开始不拘泥于人物严谨的刻画, 更加强调“自我的精神”, 强调艺术作品的表现性, 通过对人物造型的变化处理体现出艺术家的精神与情感。
19世纪法国象征主义艺术绘画中如以莫罗、夏凡纳为代表的画家, 流派, 在对艺术不同的追求下, 总是会融入自我的“内在精神”转变其笔下人物塑造形式。文艺复兴时期西班牙的格列柯在一种对艺术巨大的热情和悲剧性的内心情绪中, 将笔下的人物扭曲、拉长, 使画中痛苦与骚动的情绪喷渤而出。这是15世纪艺术家通过“外表”的途径来探求“内在”的最好实例。19世纪哲学和文学等各方面都出现了反对科学的客观倾向的思潮, 而崇尚新的精神主义和理想主义, 所以在绘画中必须丢弃那种“科学的”“客观的”倾向, 而更多的带有一些主观的因素, (4) 后印象主义由此诞生。外来的影响和科学艺术的发展使艺术家们更加注重自我的感受, 追求及其个人的表现形式。勋伯格认识到最大的自由——一门毫无约束的艺术的自由不可能是绝对的, 每一时代都能达到一定程度的自由, 但即使是最伟大的天才, 也绝不会超越这一自由的界限。 (5) 后印象派画家便是如此, 虽然他们追求主观感受、情绪的描写, 甚至有时连色彩都是主观描绘, 但在人物表现形式上, 仍旧没有摆脱具象性的人物造型。虽在人物形象的描绘上进行了大胆的取舍, 甚至减化实体感, 但仍保有具象性的绘画因素。大胆的取舍使画面出现生动的力量, 显得更为含蓄而意味深长,
在每一种艺术风格兴盛并得到人们的承认时, 便会产生众多的追随者, 但由于这些追随者仅仅是对艺术从形式上去复制, 而忽视其中的精神内涵, 漠视自我的表达需求, 使得这一艺术形式逐渐衰退。也就是说当方法变成基础时, 艺术便失去了它的生命。所以无论在人物造型的表现采用具象且严格的手法或是稍加变形, 这都应取决于艺术家自我心灵的表达需要, 使“形式”与“内容”紧紧贴和, 才能创造出具有精神性的, 真正的艺术作品。
摘要：在具象人物油画中, 我们会看到不同风格的人物造型, 虽然这些作品都在用写实的技法表现人物形体, 但在每一位艺术家笔下塑造出的人物又会各具风貌, 这必然与艺术家个人的性格气质, 艺术理念等等有关, 也就是本文所提及的“内在精神”。每一位成功的艺术家都是在探索中形成了个人绘画中的人物造型, 使形式与作品内容恰当结合, 成功表达了自己的理念与生活感受, 并感染着观众的心灵。
关键词：具象油画,内在精神,人物造型,再现,表现
参考文献
[1]邵大箴.《图式与精神——西方美术的历程与审美》, 北京:中国人民大学出版社, 1999
[2]达芬.奇.《达芬.奇论绘画》, 广西:广西师范大学出版社, 2003
[3]康定斯基.《康定斯基文论与作品》, 北京:中国社会科学出版社, 2003, 第12页
[4]《世界美术名家名作大典 (E) 》, 浙江:浙江教育出版社, 2002
人物油画 篇6
关键词：油画,人物头像写生
一、油画人物头像写生的教学思路
每一种教学模式都是一种艺术思想的体现。写实油画作为当今学院教学中的主导, 也有它的系统性和针对性。首先它有着坚实的传承基础, 历代的油画大师留下了丰富的遗产, 我们今天了解到的绘画原理和各种技法, 正是经这种师承、发明、演化而完善起来的, 我们只要抓住这种关系, 认真研究前人的作品是如何推敲、构思、经营构图的;体会它们的造型方法、色彩的处理、局部刻画与整体关系的把握;分析他们作品的前后步骤, 运用工具的方法;比较它们的个性与不同风格等, 就能有较深刻的体会。由于理解的程度和角度的不同, 决定着学画者的道路取向、品位和风格。另外, 写实油画离不开自然的造化, 怎样观察人, 研究人、表现人的形象就成了我们主要的课题。人物的情绪、气质、修养、职业、性格和生活经历等, 在我们笔下要有非常具体的形态表现, 五官之间有一毫之差, 神情就有所不同, 这种具体而细微的对人物性格的敏锐感觉, 是通过认真地观察自然和体验生活而得到的。在一幅完整的油画头像写生中, 人在画面中不是孤立存在的, 它与背景、光线、道具等都有很大的关系, 在这方面一定要全面而深入的去观察和理解。在教学过程中, 虽然不可能, 也不应该要求它解决未来油画写生中的一切问题, 尤其是学生正处在发展时期, 求知欲和好奇心都很强, 我们没有必要帮助他们去判定哪种风格的油画是值得推崇和肯定的。而教师要做的是积极启发学生, 调动自身的阅历、经验和感受, 努力去寻找个性化的语言。因为写生就意味着对个性的观察与想象的重视。米开朗基罗认为:“艺术不是一种知识, 而是一种表现手段。”每个人个体存在着不同的差异, 正是这些差异, 构成了每一个学生独一无二的生活, 这就需要我们鼓励学生, 在写生中去寻找自己的个性特征, 把握自己的感觉, 只有这样, 才能有不同的艺术追求, 从而形成不同的艺术风格。
二、油画人物头像写生的基本技法
一幅绘画作品的高低不能最终由技法来判断, 但它是表现画面效果的必要条件。油画人物头像写生也不例外, 它也必须寻找某种技法作为支撑, 来表现人物形象, 而任何一种风格的作品又可能容纳多种技法, 因此我们最重要的是要寻找一个合适的切入点。古典油画的间接画法虽然作为油画的主要手段, 历经几个世纪的发展和演变, 博大精深, 但是从技术与材料上看, 离我们的时代, 比较遥远, 而这种技法使用多层罩染, 制作的周期过长, 很难适用于头像写生。随着科学技术的发展, 油画材料的改进、丰富和开发, 给直接画法的广泛应用提供了物质基础, 它利用油画颜料的不透明性和覆盖能力, 用色彩直接塑造型体, 厚可以堆积、薄可以流动, 可以用流畅的运笔绘写, 也可以用挺阔的刀法进行塑造。这种方法的最大特点是简化繁琐的制作程序, 在短时间内进行反复调整, 以达到所需要的最佳效果。而它表达方式的开放性和主体意识得到张扬的特征, 正符合我们写生的表现。一幅好的油画人物头像写生, 要求很多。我们不能苛求学生一张作业解决很多的技法问题, 每张作业、每个阶段都要有一定的侧重点, 只要集中精力解决其中一项、带动其他, 循序渐进地提高, 就能取得良好的教学效果。
三、油画人物头像写生的造型问题
在肖像画中, 造型几乎等于全画的生命所在。有表达价值的造型一定是形神兼备的, 所谓“善恶之像、刚柔之气、动静之态、贤愚之状是一种笼统的印象, 但在写生中却是非常具体的造型把握, 从而达到俏似, 以至于神似的目的”。 (《油画人物技法画例》) 油画人物头像写生的造型不仅仅是画的准确、表现的东西多, 而更主要的是恰当的归纳和概括形象, 把握局部与整体的关系, 表现出画面丰富的节奏变化, 捕捉人物最主要的、鲜明的特征。就整体意义上讲, 造型包括着很多因素, 但最主要的应该是画面构成, 因为它涵盖着丰富的理性内容。在西方绘画传统中, 体现了自古希腊理性精神延续下来的独特的数学般的结构认识。在教学中必须要尽早地向学生讲述这方面的知识, 培养学生主动处理形的能力, 构成画面的思路及对画面进行概括、选择、变化、表现的主动性, 从结构的角度寻找画面的格局, 从而提高学生认识绘画的总的概念, 拓展对整个画面结构的自觉认识, 使纯粹画面意义的造型视觉因素, 包括强弱关系、节奏感和色彩, 都和谐的有组织的统一在画面中。在油画人物头像的写生中, 造型与色彩是不可分割的两个方面, 每一笔上去都既有形、又有色, 它们始终统一在写生过程中。形是有效的通讯手段, 而颜色更具表情效果, 体会不足就会顾此失彼。康德说:“色彩往往受到对美的形的要求的颇大限制, 并且, 即使是在容许色彩刺激的场合, 也只有通过形才能提高色彩的作用。”一般的讲:有什么样的造型, 就应该有什么样的色彩。严谨写实的造型关系, 就需要有较为客观细腻的色彩来塑造;夸张强化的造型关系, 就需要强调色彩的对比关系, 强化造型因素。趋于平面的造型关系, 就应该在色块、面的组合上下功夫, 以达到统一的画面形式。我们不仅要提高造型与色彩的素养, 还需要积累写生的经验, 包括构思、构图、用笔、程序等技艺, 才能逐步提高学生的油画写生的水平。
四、油画人物头像写生的艺术语言
油画的艺术语言从某种意义上讲, 是油画家抒发情感, 交流感情的工具。它具有独特的主观属性。把有关的造型、色彩和技法用油画颜料进行综合绘制, 来表现一种美的图视和创造, 是油画艺术语言最本质的特征。油画人物头像写生的教学和所有其他艺术教学一样, 不是一种纯技术的传授, 而是一种艺术语言的掌握和创造性思维的开发活动。学生的个性、创造性语言要靠诸多方面的教育来共同完成, 包括油画学习中知识的规律性、逻辑性、语言样式性和结果的完整性, 来培养学生的油画语言的表现能力, 而非具体的画成某一样式作品的技术, 否则就会形成重单一技术, 而轻视艺术创造性规律的多元性现象, 其结果必然导致油画语言的僵化, 甚至使学生学到了教师的弱点和缺点。油画的技术是形成艺术语言的必要条件, 它与其他画种有所不同, 油画更侧重于“物质感”的表现, 只有很好的把握画面中的色彩、强度、丰富感、材料感等, 才能充分表现油画的艺术特点, 使其艺术语言更加充实, 表现力更强。
参考文献