时装表演

时装表演（共12篇）

时装表演 篇1

现代交通和信息技术已使服装业成为真正的全球化产业, 每时每刻都会影响全球民众的生活。而对世界服装业发展影响最大的是一些时装之都, 或说策源地。世界公认的五大时装之都, 首推巴黎, 与此基本齐名的有纽约、米兰、伦敦, 还有的日本的东京。世界时装之都是时尚流行的源头, 具有引导流行的特殊作用, 而这一作用的充分发挥必须依赖特定的时装发布机制和展示时装的模特。

一、服装发布与表演

根据消费心理的一贯性原则, 消费者趋向于把对一个人的评价统一起来, 当人们认为某人在某方面能力超常, 便会想象他在其他方面也同样出色。我们的社会赋予了形体魅力很高的额外报酬, 当魅力与服装有相关之处时, 形体的魅力有助于消费者改变态度, 这正是模特对于时尚产业的意义。

举办时装发布的品牌大多是设计师品牌, 几乎都是推销设计师自身的个性的品牌, 每年春夏、秋冬举办两次, 是面向时装记者和买手们发布最新时装的一种活动。在时装发布活动中, 最为古老的, 也是最知名的, 在世界上最有代表性的, 要数巴黎的时装发布会了。其次是米兰的时装发布会和伦敦、纽约、东京的时装发布会。时装发布会对“时装之都”起到了引领时尚潮流、流行趋势发布和吸引国际大买家的作用。

过去, 高级时装发表会为主流的时装发布, 最大的目的是为了让人们欣赏和出售那些时装, 因此, 那时的时装发布的做法与现在大不一样:每一套作品都有编号, 穿这些作品的模特们出场时手里拿着编号, 买手或顾客看到如意的就把其编号记下来, 时装发布过后, 再去定做。时装发布开始之前, 会把写有每一套作品特征和编号的宣传品发给买手和顾客, 请他们在这张纸上做记录。时装发布的演出形式十分朴素, 模特一个接一个地出场, 没有什么刻意编排的演出内容, 照明也没什么特殊效果, 只是很明亮, 不仅让人们看清设计款式, 连面料质感和缝制工艺以及各个细部都能看得清清楚楚。

过去的时装发布首先考虑的是时装本身, 推销商品是其目的。与其相比, 现在的时装发布则是以满足观众的视觉需求为目的的。时尚之都的时装发布更强调运用视觉手段, 来彰显设计理念和流行趋势, 大量的模特、造型、灯光、化妆等快速展现, 突出某种抽象的概念, 昭示时尚之都变幻多姿的生活形态。

服装发布与表演不仅展示了设计师的才能与创造力, 也反映了时装流行趋势;不仅展示了色彩、款式、设计和做工, 也反映了时尚风格、价值观和生活方式。时装表演是时装促销的一种重要形式, 可以起到提高企业和设计师的知名度, 扩大社会影响, 争取消费者的认可。

二、时装表演的类别

时装表演可分为以下六类:高级时装设计师作品发布会。设计师为表现设计才华, 提高自己的声誉而举办的一些主题性作品展示会。成衣商为向零售商或一般顾客介绍自己的产品而举办的专业性展示会。流行趋势发布会。以发现和培养人才为目的的服装表演。娱乐性表演。

服装发布的策划与实施是一项工程, 费用高昂。如爱妮·克莱因举办的一场针对客户的秋季时装发布会花费了13.9万美元, 其中包括21位模特的成本9万美元, 灯光、布景、和录象2万美元, 饰件1万美元, 设备租用6000美元, 发型设计师和两个助手3500美元, 音乐2500美元, 两个化装师加两个助手2000美元, 其他如邮资、请柬、节目单5000美元。

三、时装发布与表演衍生的模特业

时装模特最初是为了适应时装表演的需求而产生的, 模特作为时装特有的载体, 对于设计师作品的发布, 时装品牌的推广和促销的商业过程中, 起到了重要作用。优秀的时装模特不仅要求天生丽质、身材高挑等生理素质, 更需要对时装的领悟、理解和富有内涵的表现。

频繁的时装发布活动进一步促进了模特业的不断壮大和规范发展, 并为超级名模的诞生奠定了基础。值得一提的是著名模特的薪酬问题。当红名模的声誉、地位和收入已直逼好莱坞的大牌明星, 她们的生活、情趣和兴趣等也在人们的关注中。

超级模特的诞生起到了偶像效应, 名模自身的形象表达了特定时代、特定人群心目中的理想形象, 对于品牌的推广产生了极强的促进作用。时装表演因超级模特的到场而大放异彩, 时尚杂志因刊登名模风采而吸引大量读者, 销量大增, 广告利用名模可望不可及的气质塑造人们向往的美好形象大获成功。

四、模特经纪公司

由于对模特的需求增多, 专业化管理与运作成为必然, 职业化的模特经纪公司应运而生。新丝路模特经纪公司, 成立于1992年, 主要经营范围, 中国大陆地区的模特经纪和中介工作, 掌握著中国大陆地区百分之90以上的模特资源。模特经纪公司主要负责公司模特日常工作安排、宣传推广、营销策划、演出代理及商务谈判, 代表公司带领模特团队工作, 及时与客户保持联络沟通。

日常对模特的培养主要:

㈠物色模特新人

模特行业如同时装业本身, 需要不断的推陈出新, 发现新面孔, 启用新面孔, 不断地为模特大军输入新鲜血液是模特经纪公司的基本职能。同时, 模特的收入直线上升, 到20世纪90年代超级名模的身价已达每小时3000英镑, 更不必说日渐高涨的广告和约金。由于名模身价过高, 成为时装表演很沉重的包袱, 这一现象导致了模特经纪公司不断寻找新面孔, 积极塑造模特新人。目前, 世界上规模最大的模特经纪公司ELITE公司总部设在巴黎, 但在纽约、伦敦、东京、米兰、哥本哈根等18座城市设有事务所, 开展业务, 同时寻找更富有个性的面孔。

模特经纪通过挑选, 选拔, 大赛等方式, 招募有潜质的新人, 签约——培训 (缴费) ——演出——包装 (模特风格定位, 个人形象设计) ——推广——接受订单——整体包装出击高端市场。因此掌握好上述模特成长的环节, 经纪人工作过程各环节的技巧, 是模特经纪人成功的基础。

㈡对模特进行专业培训

目前国内大型模特公司逐步走上正规军道路, 如逸飞模特经纪公司旗下便有50%-60%模特是科班毕业, 签约前便接受过专业训练;之前没有受过专业训练但有潜质的新人, 签约后也得到针对性培训机会。还有一种形式便是在业务中锻炼, 如有业务时接受的急训, 在形体训练大厅、前往面试路上被告知应如何达到具体客户的业务需求等。

时装表演多数要么选在饭店大厅, 要么选在专门的表演大厅, 场地租金相当昂贵。时装公司通常只租用表演所需的半天时间, 表演前是不彩排的。模特经纪公司负责对模特进行专业培训, 包括表演和表现时装, 舞台现场展示, 配合音乐灯光及记者摄影等。模特只要在表演前到时装公司试衣, 接受时装公司的表演建议, 正式表演时便可尽情展示时装了。

时装表演是时装促销的一种重要形式, 时装模特是为了适应时装表演的需求而产生的。模特本身不仅具有优美标准的身材, 而且具备要有舞蹈、音乐、美学等方面的修养, 因此职业化的模特业是时装产业的重要组成部分。频繁的时装发布活动, 也成为时尚之都的一道靓丽风景线。

摘要：本文从时尚之都的时装发布会作为引证, 回顾了时装发布机制的历程并揭示了服装发布表演的意义, 进而引申到对时装表演类别的探讨。本文的重点是分析了时装发布与表演衍生的模特业的关系和模特经纪公司的相关行业情况。

关键词：时装表演,时尚模特

参考文献

[1]董军浪.服装表演的起源与演变[J].纺织高校基础科学学报, 2010, 01:114-119+122.

[2]吴志琴.时装表演的策划和组织[J].国外丝绸, 2008, 01:32-35.

[3]谈彬彬.我国时装表演业的现状与对策[J].文教资料, 2013, 33:99-101.

时装表演 篇2

班

级：10级服装

姓

名：康红良

学

号：201005301127 号

“崇尚时尚 彰显个性”

——海阔天空品牌服饰展示会策划书

一、目的

“天高任鸟飞，海阔凭鱼跃”彰显海阔天空人不凡的梦想与追求，勾勒出别样风情的海阔天空世，让钟爱它的您在海阔天空的世界尽情挥洒！

通过举办2014年秋冬动态表演会及发布会季品牌服饰展演活动，以期提升的品牌声誉，强调设计的原创性，推崇创意的独特和自我风格。招揽更多商家，吸引公众参与。每一款设计都阐述了现代的生活观念及女性追求的特质和风格，体现女性的知性与感性，极大的满足了现代女性追求时尚品质生活的需求。

二、主题

“崇尚时尚 彰显个性” —— 海阔天空品牌服饰展示会

1．以永恒的黑色、白色、灰色为主色调，并结合当季流行色彩，变化丰富、富有诗意。采用先进的立体剪裁工艺，面料考究，注重设计的细节和特质，并柔和东西方文化，凝练了一切的灵感、匠心与品位，每一款设计都阐述了现代的生活观念及女性追求的特质和风格，体现女性的知性与感性，极大的满足了现代女性追求时尚品质生活的需求。海阔天空代表一种新的服装文化，在喧闹的繁杂都市中，找回真实的自我，让身心在天空中自由翱翔，把不平凡的你从芸芸众生中托起。

2． 在2014年秋冬动态表演会及发布会季品牌服饰展演的推广活动中将推出以下系列的新品服饰：青春活力的休闲服饰、靓丽多彩的时尚服饰、端庄典雅的职业装服饰等。3．倡导个性化消费。

4．相信顾客朋友们一定会找到自己的定位，拥有色彩，才能拥有自己，穿出个人的品位！

三、消费者定位

城市追求时尚，品位高雅，有稳定收入的人群，年龄在25—45岁之间。

四、举办时间：2014年 12月22日 “ 2014年秋冬时装动态表演会及发布会” 报到时间：2014年12月21日-22日下午14：00点之前

六、具体活动安排

（一）前期准备

1．确定整场表演活动的编导（4名）、女模特（36名）、穿衣工（30名）、主持人（１名）、造型师（15名）、礼仪小姐（10名）、保安员（30

名），并明确分工。

2．邀请嘉宾：品牌服饰的销售代表，并酌情邀请新闻媒体参与。3．准备活动用品：主题背景板1个、T台、地毯、音响、话筒、彩色气球等。

4．现场活动的背景音乐，串联词（主持人自拟），有奖问答题题目的确定。

5．准备活动礼品：海空天空品牌商家提供的小礼品。

6．明确活动工作人员及分工并对部分活动工作人员提前培训。7．提前在深圳五星级酒店中华喜来登内、外场醒目处利用海报、POP等做告知宣传。

（二）舞台布置 1．Ｔ型台表演区

在中华喜来登内搭建Ｔ型舞台。Ｔ型台中央背景板上有主题背景画面。主标题题目：“崇尚时尚 彰显个性”—— 海阔天空品牌服饰展示会Ｔ台的两侧第一排安排厂家，经销商座位，前面安排煤体记者座位。

。2．后台

在Ｔ型舞台后侧搭建更衣室，放置衣架、工作椅、饮用水若干。

七、细节活动安排 14：30—14：35 在轻松的背景音乐中主持人出场，在讲话中拉开此次展演活动的序幕。主持人串词，介绍“海阔天空S&S、KUO阔、IMCO”品牌2009年秋冬时装动态表演会及发布会，14：35—14：45音乐起，品牌休闲服饰走秀。主持人同步渲染推介品牌。14：45—14：55 主持人串词，随着音乐，同现场观众进行互动有奖问答，由礼仪小姐给参与者发送精美礼品，现场气氛热烈。

主持人串词，模特谢场，在掌声和音乐声中宣布 “崇尚时尚 彰显个性” ——品牌服饰展演活动圆满结束。

八、活动预算

项目数量单价（元）T舞台 ：1套 4500元 专业音响 ：1套 5000元。舞台背景 ：1套 10000元。

模特： 36人，500元/人，18000元。主持人 ：1名，2次，500元/次，1000元。舞台编导：4名，3000元。活动策划设计及实施项 ：50000元 合 计：91500元 税 金 项： 1999元 总 计 项 ：93499元

九、总结

通过举办2014年秋冬动态表演会及发布会季品牌服饰展演活动推出，创造出独特的品牌风格与文化。设计灵感取决于人与自然的和谐，并柔和东西方文化，以专业化、国际化的视角及对时尚、生命的感悟升华了品牌的设计灵魂。深圳海阔天空服饰公司历经九年的岁月洗礼,经过自身的不断修葺调整,市场日趋成熟，规模不断发展壮大，在全国多个主要大中城市设有多家品牌专柜、专卖店，构建了较为成熟的营运网络和忠诚的品牌消费群体。

巴黎时装周：殿堂级时装趴 篇3

一座城市与时尚的不解之缘

诚如说到时装就会想到香榭丽舍，说到世界四大时装周自然会首先想到鳌头——巴黎时装周。凭借法国时装协会的影响，卢浮宫卡鲁塞勒大厅和杜乐丽花园被开放成为官方秀场。即便是二战期间，法国时装协会也没有停止巴黎时装周的进程。不过这时，关注时尚的人们早已统统跑去远离二战硝烟的纽约了。尽管如此，战争结束后，Christian Dior先生的“New Look”一亮相，就立刻为巴黎变本加厉地重新收回了失地。他们向全球的媒体与买手，推介时装周上将会露面的每一位设计师，全力为“法国制造”保驾护航。

在米兰和伦敦的时装周相当保守，它们更喜欢本土的设计，对外来设计师的接受度并不高，使这些外来者客居的感觉依旧强烈，而纽约时装周商业氛围又太过浓重，只有巴黎才真正在吸纳全世界的时装精英。那些来自日本、英国和比利时的殿堂级时装设计师们，几乎每一个都是通过巴黎走进了世界的视野。

一场完美的秀，更多的是坚定、准确地传递出品牌形象。能接到多少服装订单事小，能为公司带来真金白银的香水、化妆品、配饰销售额，以及价格相对便宜的基本款销量才是这场短短20分钟秀的真正任务——它正为崇拜者营造一个时尚梦。纽约展示商业，米兰展示技艺，伦敦展示胆色，只有巴黎，展示梦想。

发展至今，共计九天的秀场安排还能加上每天都有一个大众叫得出口的大牌，目前也只有巴黎时装周可以做到。这个敞开怀抱迎接外来设计师的城市，有流着西方血液的Issey Miyake、Yohji Yamamoto和Masha Ma等东方设计师品牌和个人风格化弥深的Junya Watanabe、Vetements和Lemaire；主宰世界时髦史的Chanel、Dior等宇宙大牌和这两年进入正式日程被认可的Anrealage、Shiatzy Chen等新进设计师自有品牌，在三月初草长莺飞的巴黎，卯足劲要给今年你的衣橱出一本穿衣指南。

了不起的设计师布秀大赛

这一季老佛爷和 Hedi Slimane 想到了一块儿，以“高级定制”为灵感创作了这个成衣系列。秀场布置正如邀请函上所写的——front row only，不过财大气粗的CHANEL 和神秘的 SAINT LAURENT不同，竟然给3000名来宾都设置了头排单人座椅！巴黎大皇宫这一季变身CHANEL康朋街31号总店，白色基调的内饰，阳光从屋顶的玻璃泻入，康朋街签名式的大面镜子也没有缺席，3000把仿拿破仑三世风格的单人座椅将硕大的空间隔开，整体宽敞明媚又相当私密，很有上世纪巴黎沙龙时装秀的感觉。

在教堂办秀Vetements不是头一家，特立独行的设计师如Alexander McQueen早在20年前就曾把秀场搬到了教堂，而Alexander Wang在BALENCIAGA 的终场表演和随后的个人品牌2016秋冬时装秀也都是在教堂举办。但与这几场发布会敞亮的环境不同，Vetements设计总监DemnaGvasalia和幕后团队相中的是教堂黑暗的气氛，这也相当符合Vetements的调性，搭配阴森的金属乐整场秀就是一个大写的哥特式叛逆。

Moschino以设计怪异和趣味的服装而著称，风格兼具高贵、时尚幽默与俏皮。这次的发布会上，它的秀场设计大胆而创新，令人印象深刻。整个秀场被打造成色彩缤纷的公路主题。工具、锥形路障、交通标志、霓虹灯、清洁器、洗车刷子，这些性质各异的元素随处可见，同样，这些还全都聚集在T台摩登女郎身上。而配饰也几乎都用“工具”这个元素来打造，十分有意思。

最炫目的比美秀

巴黎时装周向来一票难求，来巴黎享受闲暇好时光的明星多数为品牌特邀，刚刚过去的 2016秋冬巴黎时装周上，周杰伦昆凌夫妇、范冰冰、刘诗诗、马苏、井柏然等中国明星悉数到场。周杰伦昆凌婚后首度一起现身，观看2016巴黎秋冬时装周Chanel秀，服装华丽；马苏今年在巴黎时装周受到三个品牌的邀请，不管是什么风格都能穿出自信的感觉。宋茜作为Dior迪奥的品牌好友，对秀场并不陌生，再加上有着韩国多年的培训，衣品妆容自然是格外讲究。范冰冰、唐嫣、刘雯和杨丞琳同时受到LV邀请来看秀，比气势自然是范爷稳赢，不过从亲和力来讲刘雯则更胜一筹。

秀场之外，超模、博主、明星们的街拍也极具看点，这些“穿不错星人”也为巴黎时装周贡献一个又一个普通人也能借鉴的时髦穿搭和新鲜亮点。

不可不知的流行趋势

现实中前一个冬天的尾巴还没扫走，时尚圈已进入下一个冬天的节奏。2016 秋冬穿什么最时髦，巴黎的答案在这里。

Lady 也要倒三角

80 年代的复古潮流显然还没有褪去的意思，这一季夸张的肩部设计再度席卷巴黎T台。那个年代撒切尔夫人不仅领导着英国政坛，同时也引领着将铁娘子风格“权力套装”的流行。而今天下一届美国总统的有力争夺者中也恰好有一名女士，时尚与政治从来都有着千丝万缕的关联，因此我们显然不能单纯地认为夸张垫肩设计的套装在这一季复苏只是一种偶然。

V领新时尚

V领在我们的理解中一直等同于性感，尤其是深V，那就是女星战红毯拼曝光的头号助攻手。不过这一季巴黎呈现的V领设计倒是有那么一丝“改头换面”的新鲜感。首先是外套玩起了V领，设计师们直接将外套设计成了从肩头滑落的款式。同样的设计思路，在Dior这儿是优雅，到了Acne Studios和BALENCIAGA 那儿就变得街头范十足。

为自由主义代言的飘带

在立体建筑感强烈的设计风靡之后，必然掀起线条模糊的潮流。最近几季飘带以不可逆之势席卷T台，而它呈现出的面貌也相当丰富。或是大侠范的禅意风格，或是嬉皮士的不羁浪漫。飘带涉足的部位也从头蔓延到脚，最基本如CHANEL的胸口蝴蝶结飘带，Lemaire的腰部飘带。

用游戏的姿态品味时尚

如今所有一线奢侈品牌都面临着消费群体年轻化的处境，如何保持品牌格调又能接地气是急需解决的问题。而自去年Louis Vuitton邀请电玩人物做16春夏系列的代言人后，在本季许多品牌也都开始玩起“不着调”，将充满异次元即视感的连体衣和“宅”味十足的连帽衫&拉链夹克融入到成衣设计当中，把时装给“玩儿”起来。

浪漫维多利亚

虽然是秋冬成衣秀场，但这并不影响轻柔飘逸雪纺在本季的大活跃。无论是Chanel的精湛工艺、Valentino的唯美浪漫，亦或是Giambattista Valli的透视碎花，均通过结合缎带蝴蝶结与荷叶边元素，将优雅复古的维多利亚时期风情诠释出不一样的味道来。

浅析时装表演的组织与编导 篇4

1. 时装表演的主题构思

做为一场时装秀的编导, 要清楚了解以下方面: (1) 设计师的背景, 沟通后了解其作品所表现的思想及风格; (2) 了解时装秀的目的, 服装系列、套数配搭及饰品; (3) 进行发布的服装特点, 如面料、色彩、款式等。在此基础上进行对于整场秀的创意构思, 同时还要结合最新的流行趋势, 充分体现服装设计师的个人风格及编导的独特思想。

2. 人员配置

2.1模特的选择

模特的选择在正式演出前一至二个月进行, 选择适合的模特可以说是时装秀的关键。模特的选择途径一是与模特公司联系进行选择;二是选择模特学校或各类服装艺术院校的表演专业的学生。前者模特公司对模特的要求较严格, 可以保障展示会的正常进行, 如果出现问题可以由模特公司出面进行协商、处理;后者具有较强的组织性、纪律性, 有一定的文化内涵, 尤其是对服装设计理论的理解能力较强, 可充分地表现服装风格及其服装的功能特点。

2.2后台人员的组织安排

2.2.1催场工作人员

催场员的职责是根据导演的编排, 进行模特出场顺序、出场时间与音效灯光的协调, 催场人员要充分的了解演出的顺序、演出的风格、演出人员的安排, 进行正确无误地催场。

2.2.2服装管理员

除了负责督促穿衣工给模特儿快速而准确的换装, 还要检查模特们的穿着是否正确。因此要熟悉模特们整场表演服装的先后次序以及穿戴的服饰, 防止失误。

2.2.3换衣工

彩排前应把每套服饰正确的穿戴完整的交待给换衣工, 最好以书面形式清晰的告知每个系列服装出场顺序、模特何时上场、每组模特之间的间隔是几场。

2.3其他人员安排

2.3.1接待人员

他们的工作是在正式演出之前几小时之内进行清场、签名登记、派送纪念品等工作。

2.3.2礼仪小姐

选择形象适宜的礼仪小姐, 负责贵宾的引领和媒体的接待安排等工作。

2.3.3保安人员

负责秀场安全秩序, 也包括后台道具、服装及其他用品的安全及防火等工作。

3. 舞美设计

3.1舞台设计

时装表演舞台的尺寸和形状一般根据演出规模, 模特多少, 场地大小, 服装作品数量及风格而定。展示台形状主要以T型台为主, 此外还有I、X、U、H、S等形状;通常台高20~120cm, 台宽100~480cm或更宽, 台长900~1600cm或根据实际情况进行缩放;模特们进出口的挡板设计常用平行开启式、旋转式、门框式或根据时装表演整体风格进行设计。舞台可用铁架搭建, 铺上木板、地毯、玻璃、包上结实的布;也可用现有台阶、实物背景做舞台。无论使用何种方式都要求台面结实平坦, 保证模特的活动及安全。

3.2灯光和背景

舞台背景常以简洁造型, 纯净素色为主, 突出服装, 常用屏风式、门板式、实物背景等形式, 也会依据不同的秀场构思, 设计出具有强烈个性的形式。同时结合灯光处理, 利用天幕的色彩烘托表演气氛。随着时装表演的进行, 再配以射灯、追灯、闪灯、投影等特殊的现代灯光技术效果, 用来表现每个主题系列的重点及风格特点, 突出服装的着色效果, 肌理效果及层次感。电脑设计的不同图案、形状、色调、流速的变化都会营造出独特新颖的时装表演艺术氛围, 使灯光魅力得到充分发挥。需编导对美学、色彩学、摄影学、光学等学科有所研究, 才可更好地驾御灯光效果。

3.3音乐选择

在时装表演的音乐选择运用中, 应注意与服装风格的协调统一, 与流行因素的和谐。多采用轻快、热烈、多变的节奏, 充分展示服装的风格和设计师的意图, 为服装展演营造出浓烈的情调, 同时运用节奏的松紧和动力的大小以及和声的强弱疏密浓淡来交替组合服装与服装之间节奏的变化, 达到渲染气氛的作用。时装表演音乐的选配广泛而多样, 主要可以在流行音乐、摇滚音乐、乡村音乐、爵士音乐、迪斯科音乐、鼓乐、钢琴曲、轻音乐、民族音乐等中采选。采编适合时装表演的音乐需要结合展示的服装全方位了解和熟悉音乐的种类、风格、特点。

4. 演出编排

4.1化妆和试装

时装表演化妆、发型的风格, 一般是由编导、设计师、化妆发型师共同应根据服装主题和风格的需要商量制定。从时装表演开始到结束, 化妆发型师始终要为模特儿进行补妆、整发, 保持舞台的专业水准和整体效果。

试装是时装表演工作进入有序工作状态的有效方法, 也是协调解决各方面问题必不可少的环节。服装管理员在试装前先要把服装系列登记清楚:服装的系列, 系列的套数, 每套的件数和配饰数量, 按照表演顺序有次序的试装。在试穿的过程中, 穿衣工要了解并掌握穿衣的顺序, 与模特儿加强配合。设计师和编导根据模特的试穿效果进行及时地修改, 做现场调整, 需调整修改的部位可以用大头针别住待作修改。试穿合格后, 将正确的着装方式拍摄下来, 以照片与卡号合二为一的形式指导模特儿的穿戴及出场次序。最后对每套服装填写试装单, 以保证对服装、服饰的严格管理。

4.2表演队型设计

时装表演中队型的变化保证了舞台整体的视觉流动性, 因此要具备整体性、连贯性和饱和性的特点。编排时无论是齐场或是散场应有统一协调, 兼顾左右的技术和技巧;不可出现不合理的停顿、冷场、漏场, 每一套系间都必须连贯, 一气呵成。充分利用场地横、纵的关系, 使舞台的层次有立体饱和感, 层次分明。同时编导应密切关注国际流行动态和表演风格变化, 才可编排出更强时尚性、流行性的时装表演。

4.3表演顺序的编排

编导根据总体构思创意要求, 使整场时装表演形成统一的整

也谈舞蹈的社会功能

王艺 (福建省宁德市妇女儿童活动中心352100)

舞蹈是人体动作的肢体“语言”。当人们的情感达到极至, 用语言与其他方式都无法尽情宣泄时, 舞蹈就是最好的抒情表意之举了。在所有的艺术中, 舞蹈是最早能直接表现人的喜怒哀乐。舞蹈来源于社会生活, 随着社会物质生活的不断发展变化而变化。随着改革开放、在人们物质生活水平日益提高的同时, 对文化生活的需求也不断有新的追求, 特别是舞蹈这种人们喜闻乐见的一种艺术, 已经成为人们精神生活不可或缺的一部分内容。舞蹈是一种生命形成的跃动, 有生命的地方就有欢悦的舞蹈, 舞蹈就是表达人们欢乐心情的手段。

舞蹈作为艺术表现形式之一, 作为一种特殊的意识表现形态, 对社会的作用与影响, 以独有的审美形式表现作为一种形象的情感语言, 发挥了任何语言文字都无法表现的情感语言的传感作用。舞蹈不断地熏陶、教化、影响和引导着人们思想观念、道德意识的改变, 成为提高人民群众综合素质与全面发展。群众文化及群众舞蹈的性质和特点, 决定了它在当今中国文化的整体发展中起着不可忽视的作用, 这是文化发展的必然趋势和文化进步的一个重要标志。

群众舞蹈以变化中的社会文化为依据, 尽可能融入与广大群众的互动联系之中, 使群众舞蹈具备与社会广泛接触的能力。面对人民群众精神文化需求的日益增长, 群众舞蹈的发展创新, 应把握时代现实特点, 用前瞻的眼光来审视探索, 要与时俱进、不断开拓新的表现形式, 在不断发展中提升群众舞蹈之原动力、想象力、凝聚力和创造力, 以确立符合时代要求的群众文化优势。随着人们生活水平的提高, 群众对精神文化生活提出了新的更高要求, 这就必然使精神文化产品的生产同人民群众需求之间的矛盾突出起来。因此, 作为群众文化工作者, 要努力研究群众舞蹈的发展创新问题。为满足人民群众日益增长的文化生活需求, 我们要做好以下几点:

一、坚持群众舞蹈面向现代化、面向世界、面向未来“三个面向”的原则, 处理好借鉴吸收与动态发展的关系

舞蹈艺术不但能激发人们的想象力、创造力, 还极大地丰富了人们的精神世界。群众舞蹈的发展是一个由量变到质变、在新的质变基础上再进行量变的过程。这就要处理好吸收人类优秀文化成果和文化民族性的关系, 将舞蹈这种人体动态文化, 融入深广的社会生活内容, 增添多姿多彩的表现方式, 让群众舞蹈成为体现民族精神和时代精神, 折射人们道德规范、伦理观念, 反映民情民风, 讴歌和表现社会主题风尚的艺术形式。使群众舞蹈真正为“和谐社会”的创建服务, 并发挥它应有的作用。

二、坚持群众舞蹈贴近实际、贴近生活、贴近群众“三个贴近”的要求

这既是群众文化工作者对群众舞蹈创作的着力点, 也是人民群众对参与文化活动的需求。只有保持与人民群众的密切联系与沟通, 才能把体现群众生活、反映群众心声的舞蹈创作搬上舞体艺术形象, 达到最佳艺术效果。时装表演中, 以服饰风格来编排顺序是常采用的手法, 把需要表演的服装归整组合为几种风格, 使每种风格的服装形成一整块, 如晚装、时装、职业装、休闲装、运动装、创意装等。以风格组建而成的时装表演, 整体系列感强, 统一又灵活多变, 不刻板。

5. 结论

时装表演是一门积多种学科为一体的综合艺术, 涉及到服装艺术、表演艺术、舞台美术、灯光音乐、化妆等多学科领域。时装表演编导除了具备深厚的艺术修养、审美能力、艺术想象力、必要的专业能力及实现艺术构思的创作力, 同时还要具备良好的团队协作能力和较深的组织能力、灵活果断的工作态度和吃苦台, 为群众所接受, 并让他们参与进来。文化创新是一个连续发展和的过程, 也是一个不断择优的过程, 这是文化创新的规律, 也是群众舞蹈的发展创新规律。随着社会的发展和物质生活的提高, 舞蹈所表现的内容不断丰富, 以它赏心悦目、深刻的动态意蕴, 成为人们自娱自乐、抒发情怀的活动, 成为感悟生活、歌颂祖国、陶冶情操的助推器。

三、坚持群众舞蹈发展创新

舞蹈作为一门独立的艺术, 源于生活又高于生活, 在生活的基础上, 进行艺术的提高再现。它既能反映社会生活, 也能塑造和刻画不同的人物形象和性格。我们应该让群众舞蹈通过肢体语言, 表达人们身心需求的本质特征, 通过潜移默化, 提高人的素质、思想境界、价值观念、达到健美肢体、美化心灵、陶冶性情的功能, 最终满足人民群众日益增长的物质文化和精神文化生活需要。所以, 群众舞蹈创作必须主题鲜明。根据现代社会的需要, 将专业舞蹈与群众舞蹈进行有机的结合, 在普及群众舞蹈的基础上, 创作出群众喜闻乐见, 艺术性和观赏性有机统一的优秀作品。立足社会、讴歌生活, 这是时代对我们的呼唤和赋予我们的任务。

四、坚持群众舞蹈与青少年素质教育紧密结合

舞蹈是人们表达情感的最古老也是最直接的好形式。然而, 在青少年与人交往中, 情感的表达方式都不一样。舞蹈教育一是在于提高个人对艺术的欣赏与参与能力。例如, 通过舞蹈教育提高青少年对艺术的感知、审美、鉴赏等能力, 从而满足人对美的高层次的追求, 通过舞蹈训练达到强身健体、美化身段的目的, 从而提高人对自己的欣赏和自信心;二是增进人类社会的情感交流。在这个“个彩纷呈”的世界里, 尽管青少年的交流方式多种多样, 但舞蹈以其独特的美的表现传达着人类共同享受、共同追求的情感。它为我们展现了人类心灵深处的情感不仅为特定民族所接受, 而且也引起全人类的共鸣:三是通过创作、训练、表演, 开发他们的潜在能力, 锻炼青少年身体各部分的协调能力、模仿能力, 增强对艺术美、形体美的认同和感知能力, 锻炼和培养他们的集体意识, 增强他们主动参与社会的能力, 进而增强他们对生活的热爱和追求。

当我们以美好的、生动的、诗一般意境的舞蹈进行交流时, 让我们体验到的是对人类的热爱, 对和平的向往, 对真、善、美的渴求以及对人生的珍重。人类文明离不开文化的传承, 舞蹈艺术以超越审美活动陶冶人们的心灵, 塑造人们一种超脱的人生境界。发挥舞蹈艺术功能的社会价值, 旨在为推进社会文明进步、建设先进文化, 借艺术的功能起到鼓舞、团结、教育、服务于人的作用。因此, 舞蹈艺术功能在形成一种全社会广为传播、全民参与的文化现象时, 它必能担当起建设“和谐社会”的新使命的社会功能。

耐劳的工作作风。只有同时具备这些优良的基本素质才能保证服装发布的顺利进行与成功, 使时装表演的编排丰富多彩, 变化无穷, 不断地创新。

参考文献

[1]朱焕良, 向虹云《服装表演编导与组织》中国纺织出版社2006年3月

[2]包铭新.《时装表演艺术》东华大学出版社2005年09月

[3]徐青青.《服装表演策划训练》中国纺织出版社2006年10月

时装表演编导课程标准 篇5

一、概述

（一）课程性质

专业主干课

（二）教学目的

知识目标：

服装表演编导是一门综合性的艺术创造，是服装表演与营销专业学生的必修专业课。通过对本门课程的学习，使学生掌握“编”和“导”的双重技能，培养他们对整体方案的构思能力，及组织、排练、指挥各部门围绕演出所产生的综合舞台效果的能力。能力目标：

通过学习，同学们可以独立完成服装的分配与走台线路的设计、安排及舞台诸因素确定的合成效果，表演主题确定与音乐、服装风格的和谐一致，表演序列结构的合理安排。素质目标：

同学们可以独立完成服装的分配与走台线路的设计、安排及舞台诸因素确定的合成效果，能够以单个制作组为单位完成整台演出的编导与策划。

(三)教学内容：

女装的概念、类别。休闲女装设计、职业女装设计、内衣与家居服设计

(四)总学时（60学时）(五)教学方法：

根据该课程的性质和特点，新授课程以项目为导向，采用讲授和多媒体示例辅助教学，由学生学习理论、分组讨论、互动提问来巩固知识。在每次课程结束后进行该次课程的思考延伸。

二、内容：

第一章

时装表演编导的意义和作用

一、时装表演编导的概念和工作步骤

二、编导者的专业能力和基本素质

第二章

时装表演诸因素的确定

一、表演服装的选择和表演主题的确定

二、表演序列结构的设计

三、表演音乐的选择

第三章

表演设计、排练与合成

一、分配、试穿及服装管理

二、表演设计和排练

1、走台路线的设计

2、造型构图的设计

3、表演节奏及排练

4、表演风格及排练

三、表演舞台诸因素的合成

三、考核方式和评价标准

音乐加持时装，时装回向音乐 篇6

窦靖童在单曲MV《My Days》里身着男士风格的西装，头戴着发带，脖上系松垮的领带随着场地变化随意舞动，该曲在网络上大红，酷的是她装扮的是“帅男孩”。乐坛上从不缺“帅男孩”的形象，基本每个当红音乐流行天后都穿过中性风格的西装演绎“帅男孩”形象。80年代红极一时的英国组合Culture Club主唱Boy George的形象中性而妖艳，是那时候中性风格代表人物之一，性格模糊、雌雄莫辩带有阴柔气质不是娘娘腔的他成为了那时追捧流行的新偶像。对于中性的装扮还有电子乐女王闻名世界的Grace Jones，Grace的中性装扮是出了名的精彩，那是一种将鲜明的男子阳刚轮廓与她柔美的身形结合起来的风格，私底下经常身穿男士的套装，从不忌讳将流着汗的衬衫穿在身上。这也是她作为模特以及后来在影坛得以成功的关键因素，还使得她成为很多摄影师和艺术家的缪斯女神。Grace在70年代晚期名气鼎盛，参与了音乐界最具开创性意义的创新举动，她与艺术家Ean-Paul Goude和Keith Haring合作，让自我的音乐道路开阔更广。无论是男是女，在音乐人的穿着风格中，那时候早已打破成规。

当Lady Gaga不停挑战人类审美下限时、当Rihanna不断在嘻哈着装领域创新时、当伦敦Victoria&Albert博物馆展出时代音乐偶像David Bowie音乐战服时、当时装设计师不停地向音乐人发起灵感需求时，这一切都在告诉大家，音乐与时装是不能分割的天与地。

要知道唱天涯歌女曲风的女人穿不起黑暗哥特风、唱动感舞曲欢快节奏的辣妹子肯定不会瞧上飘逸保守的女神长裙，这一切都像她们所唱的歌曲一样，表达自我，忠于自我。

音乐让时装更加有范儿

魔幻妖娆使人灵魂新生

自从冰岛女歌手Bjork进入人们视野后，她便高高站在了远离人间烟火的神坛之上，成为了众多文艺青年顶礼膜拜的女神。即使在舞台之下，她身上也散发着“不平凡的气息”，实在难以融入到周围的市井氛围之中。幸运的是，她和最时尚的设计师、摄影师、制作人一同共事，Spike Jonze和Michel Gondry多次为她执导MV。她的MV画面和着装风格甚至放到今天都依然前卫另类，是很多人心中的缪斯女神。自然其中也包括天后王菲，以至于很久以来一提到王菲，很多人都将之与小红莓、比约克牵到一块儿，无非是讲她模仿前者唱歌一成不变，效颦后者造型不伦不类。久而久之，越来越多的人不论有没有认真听过The Cranberries，细眼瞅过Bjork。说到模仿小红莓的“咽音”，其实大可不必苛责，这只是梦幻色彩的音乐表达技巧的一种，只要是诠释歌曲意境的就没什么不可以。而说到抄袭Bjork教母的穿着，也是一笑置之，至少Bjork在公众场合的穿着每次以雷人宣告失败，而王菲每次都能惊艳全场，这就足以证明，颜值更高，更时髦的长江后浪已把前浪狠狠拍死在了沙滩上。

嘻哈音乐总能让人兴奋到天明

由Rihanna为首的嘻哈歌手唱队，最近两年在时尚圈异常火爆，无论是Nicki Minaj的高马达电动翘臀发出的时髦电音还是Miley Cyrus身穿趣味时尚的高衩连体衣，都让这股嘻哈浪潮变得时髦带范儿，并不再拘泥于棒球帽、棒球夹克的嘻哈年代，而Rihanna总能将嘻哈的时髦演绎到位，让这个看上去曾经带有脏范儿的文化变得高大上。再说说跻身“全球十大最会穿衣的男士”，韩国偶像天团BigBang队长G-Dragon，这个小个子男人能成为唯一入选的亚洲人，其个人魅力不可小觑。与美国嘻哈歌星Missy Elliott的友情，彰显了其乐坛地位，不可否认，他所混搭的嘻哈造型都堪称经典，如果Rihanna演绎的是时髦，那G-Dragon诠释的绝对是高级。从另类的发饰、项链、耳钉等首饰及饰品，到夸张的服饰，从Chanel、SLP到Givenchy的高级时装，到克罗心、Offwhite、Thom Browne这样的潮牌，经过他的一番Mix and Match后都会让嘻哈呈现另一种很妙的味道。任何的穿搭都轻松驾驭，也引得无数粉丝争相效仿，但凡他“临幸”过的潮牌都件件价码水涨船高。

朋克不再是吸血鬼的天地

朋克音乐绝对是伦敦人民叛逆的写照。这股音乐风潮不仅带动了潮流，更是影响了后来的高级时装。朋克之父、性手枪乐队的前任经纪人、永远的朋克教母Vivienne Westwood的前夫Malcolm McLaren曾说过：“我做设计从不为赚钱，而是为了激怒别人。”从1970年Malcolm McLaren与Vivienne Westwood伦敦国王路上第一家朋克时装店到如今T台上遍地朋克元素，40多年的变迁，Punk越来越主流，它不再是吸血鬼、异装癖的标志，更多的是代表着一种独立精神。掀起黑色朋克少女风的艾薇儿，更是将大家对朋克的印象定位在粗眼线、浓烟熏、铆钉、夹克加点少女萝莉元素，有英伦也有哥特，每次出场都能赢得各大媒体的惊艳，风格独特强烈的她在2008年自创品牌艾比道恩（Abbey Dawn），将属于她的朋克少女风发扬光大。或许很多人受不了这样的风格，觉得有点俗气，有点Low，但不可否认，越来越多的设计都融入这样的元素，看看身边的单品，从CL大热的铆钉鞋到Versace那些夸张配饰和光亮材质的夹克或多或少都能找到些许朋克的元素，去粗取精便是时装磨砺出来的精髓。

投入电子音乐的未来怀抱

什么是未来感的音乐？电子音乐应该能算吧。什么是流行，Lady Gaga的音乐一定荣登过搜索No.1的宝座。无论她给我们惊喜也好，惊悚也罢，不得不说，她身上有着太多的未来感。管它“肉片装”“三角饭团装”，还是“圣诞树装”，Anyway，都抹杀不了她的音乐才华，她是位了不起的歌手，有着优美的声音，各类乐器也玩得很溜，这也是即便她再怎么造型诡异出街吓唬你，对于她的唱片，大家依然愿意买单的原因。其实，想永远成为街头巷尾议论的焦点，除了必要的实力之外，总也少不了搞怪出位博眼球的出镜率。这一点在古怪精灵Katy Perry身上也是展露无疑。两人都曾被说过“雷”，只是“雷”得不尽相同。水果姐的风格与Gaga小姐的未来风格完全不同，她更偏向于甜美未来风，这一点从她的妆容和发型中就能窥见一般。虽然她也勇于尝试各种另类造型，但丰满的上围总撑得她像“乡村女歌手”。不过她的搞怪、她的另类、她的首首畅销单曲，似乎也都成为了她如今能够立足于歌坛的筹码。专业格莱美陪跑算什么？水果姐只要将电子音乐进行下去，她便是永远的Party Queen！

艺术表演舞舞者的表演意识 篇7

简单地说,表演意识是舞蹈演员在进行表演时对其表演范畴、舞种风格的意会和认识的能动程度。它既标示着舞蹈演员对其表演范畴的认识水准,和对体育舞蹈每一舞种的风格把握程度,又作用于舞蹈演员对客观表演范畴的再认识。作为一名优秀的艺术表演舞演员,其表演意识应该包括哪些特定的内涵呢?

1 丰富的想象力

想象,是舞蹈艺术魅力的源泉。舞蹈艺术的形成、升华和完善,几乎每一个里程碑上都打着想象的烙印。可以毫不夸张地说,没有人类的想象,舞蹈艺术的形成和发展也就无从谈起。表演者的想象力越丰富,他对舞蹈作用的内涵,即身体与表现对象之间关系的体验就越清晰,观众从他的表演中所感受到的情感与意境也就越鲜明。我们强调,舞蹈演员的才能表现在他的身体上,但演员的身体不是把杆,不是机器,而是有感情、意志、思维、想象的完整而蕴藏着巨大能动性的“人”。演员的身体是经过训练和改造的,具有丰富表现力的人体。

实际上,在舞台上的舞蹈演员是一种“传情达意”的再创作,是演员通过自身的心理过程,在编导的启示下创造出新的艺术形象。而舞蹈演员的想象起着承上启下的重要作用,他既要展示编导的心理过程,又要超越编导的心理过程,创造出感人的舞蹈艺术形象,只有这样,他才能出色地担负起启迪观众进行再想象的重任。

2动之以情,动之有情

在中国传统舞蹈里十分讲究“动之以情,动之有情”,即“手到、眼到、神到”,这一点在源于西方的体育舞蹈里也是同样重要的。作为“长于传情,善于达意”的舞蹈艺术,在谈论其表演意识时必然要把情的展示列入核心地位。既要以情促动,在情感中激发动作,又要动中传情,在动作中释放情感。从这个意义上说,前边谈到的“手到、眼到、神到”,确切地讲,应称之为“手到、眼到、情到”。

基于体育舞蹈的本体文化特征,以及人们对体育舞蹈片面的认识,越来越多的舞者在体育舞蹈艺术的道路上,只是一味地去追求技术和能力,不停地展现各种高难技巧和造型动作,最终成为丧失灵魂的舞者。其原因是忽略了“以情带动”,最终降低了体育舞蹈艺术的真正价值。“建立在单纯技巧基础上的舞蹈终究会使人厌烦,舞蹈永远不应该如此”。这是国外舞蹈大师杰克·安德森在他的一篇关于《舞蹈——头脑、心灵、肌体和艺术》一文中所讲到的。

3与观众共鸣

从宏观上看,任何艺术表演的成功都是演员同观众共同合力完成的。这是由表演艺术特殊的形式和规律决定的,因为任何表演艺术的进程都必须经过先有直观的形象,再有感观的联想,最后上升到思维的想象这样三个步骤。在剧场特定的环境里,演员观众的关系实际上是一种辨证的关系,二者既是对立的又是统一的。演员力求演好戏,观众希望看好戏,双方的愿望和心理是共同的。演得像与不像,看得动情不动情?台上是否有戏,台下是否入戏?除技术因素外,关键也在于能否产生情的交流和共鸣。

2006年,笔者曾与编导合作表演舞作品《爱,本该……》,它属于情节叙述性舞蹈作品,讲述了一个家庭夫妻之间的争执、无奈、破裂,到最后的悔恨。由于体育舞蹈本体语言的单纯性还不能完整、深刻地表现出情节叙述性舞蹈作品的意境,因此编导在探戈舞本体语言的基础上进行了拆分、加工、整合、再创造的过程,打破了常规的体育舞蹈动作编排方式,巧妙地糅合、添加了现代舞等元素,形象生动地表现了作品的故事情节性,同时也丰富、升华了艺术表演的张力,使得这个作品表现出来更加生活、自然,意境更加深刻。虽然这个作品在属性和美感的问题上有争议,但最终获得第八届“桃李杯”国际标准舞艺术表演舞比赛表演二等奖、第四届CCTV电视舞蹈大赛表演三等奖、第20届中国国际标准舞锦标赛艺术表演舞金奖的肯定。因此,是否能借鉴外体语言和拆解体育舞蹈本体语言动作,关键要看演员有没有真情实感地完成诠释使得作品打动观众。

4对表演范畴拥有明察之情

作为一个善于思考且有一定艺术素质的表演舞演员,当他进入表演之前,或者在表演之中,特别是在表演活动之后,都必须对其表演的人和事(舞蹈形象)进行一番认真的思索。即要要求自己不仅要知其然,还要知其所以然。一般的说,这种思索是围绕着合理性、合情性和完整性这样三个层次进行的。

当表演舞演员接受到编导者的具体表演任务后,第一个认识过程,即合理性思维活动便展开了。演员凭借着自身的生活阅历以及丰富的知识结构和实践经验,对拟将表演的人和事进行着无数次的肯定、否定和再肯定的思维活动,此时的思维活动方式基本上是属于逻辑思维的范畴。这是对体育舞蹈演员全面知识结构的第一次考验,其标准是所塑造的舞蹈形象是否合理。

表演舞演员的第二个认识思考是在排练和演出过程中进行的,这是把合理性的形象转化为合情性的舞蹈艺术形象的认识过程,也就是说,此时的体育舞蹈演员必须用自己全面的艺术素养和精湛完美的技能,把已经认定合理的形象塑造成栩栩如生的有血有肉的舞蹈艺术形象。这个由合理性向和合情性转化的思维过程,基本上属于形象思维的范畴,这是对体育舞蹈演员知识结构的又一次考验。

时装表演 篇8

苏州大学艺术学院前身为苏州丝绸工学院, 1989年开设时装表演专业, 培养了第一代服装表演学生, 填补了当时国内服装表演教育的空白, 为“第一夫人”彭丽媛设计出访礼服的设计师马可就是其中一位, 此外知名校友中还有如国际超模孙菲菲, 名模熊黛林等。在这些优秀学姐们的榜样引领下, 在校同学们充分利用暑假时间开展社会实践活动, 将T台延伸到社区、乡镇的大街小巷, 同时更是结合苏州大学“惠寒”与“手绘T恤”品牌, 掀起了一场形体礼仪与时尚文明的大众风。

模特业社会认可程度的不断提升, 时装表演活动的逐渐下沉, 都表明随着中国经济腾飞, 人们精神文化需求日益增长, 时装表演文化在现今受到了更多关注并兴旺发展。

1846年, 英国著名的服装设计师C.F.沃斯在向客户介绍自己的作品时灵机一动, 让女店员玛丽·威意娜小姐穿上作品进行现场展示, 由此开创了服装设计表演业的先河;至20世纪世纪上半叶, 服装表演从一种偶然的促销行为发展到相对独立的一门职业, 在欧美各国确立了一定的地位, 形成了较为完备的文化事业雏形, 并以欧美为中心向全球扩展, 波及到东南亚、前苏联及中国上海等地。

20世纪30年代, 上海等租界城市出现了时装表演。其中影响较大的, 是由美国留学归来的美亚丝绸厂总经理蔡声汉先生为庆祝美亚丝绸厂建厂十周年, 于1930年10月9日在上海著名的大华饭店筹办的时装表演, 主要展示该厂的丝绸面料, 许多著名的政商要人及社会名流前往观摩, 观众达2000多人, 上海《申报》对此作了连续3天的报道。此后, 在上海第三届国货展览会、广州市第一次国货展览会以及当时上海著名的游乐场所, 都有不同形式的服装展示活动举办。

新中国成立后, 一直到70年代末期, 在所谓全民“蓝灰黑”的语境里, 时装表演绝对称得上是一个惊世骇俗的名词。直到1979年初春, 法国著名时装设计大师皮尔·卡丹带领8名法国模特儿和4名日本模特儿分别在上海、北京举办了指定“内部观摩”的时装展示会。这场有着诸多诸多限制和硬性规定的展示会促成了中国第一批专业时装模特的诞生。1980年, 上海时装公司率先成立了新中国第一支时装表演队, 并于第二年在上海友谊会堂正式登台亮相。1983年4月, 改革开放不断深入, 时装表演队为配合全国五省市服装鞋帽展销会进京演出, 表演非常成功, 一举轰动全国。《人民日报》《北京日报》、中央人民广播电台、中央电视台打破宣传禁区, 对此予以热情赞扬, 海外媒体更是将这场演出看作是中国改革开放的一个象征。5月13日, 上海时装表演队被邀请到中南海小礼堂演出了两场, 受到了国家领导人的鼓励与肯定。中国第一支时装表演队所获得的荣誉是具有划时代意义的, 此后时装表演业如雨后春笋般在中国大地上蓬勃发展起来。中国时装表演也开始走出国门, 在国际舞台上一展风采, 如1986年中国模特石凯在第六届国际模特大赛获特别奖, 成为法国时装舞台上第一位东方名模;1987年中国时装表演队在法国巴黎举行的第二届国际时装节上以震撼的演出获得一致好评, 享誉世界时装界;1988年19岁的彭莉在意大利举行的“今日新模特国际大奖赛”中摘冠并荣获国际奖, 成为中国的第一位国际名模。中国的时装表演业也逐步与国际接轨, 在1989年首届新丝路中国模特大赛成功举办之后的第三年, 中国第一家模特代理机构——新丝路模特经纪公司在北京成立。此外时装表演教育也渐趋向高层次发展, 除卡丹模特艺术学校、大连市时装模特学校等职业培训机构外, 苏州丝绸工学院、北京服装学院、中国纺织大学、郑州纺织工学院、武汉纺织工学院、上海纺织高等专科学校等大专院校相继开办了服装表演系或专业。1996年, 中国纺织总会、国家劳动部联合颁发《服装模特职业技能标准 (试行) 》文件, 中国时装表演业向着正规化、职业化迈出了关键一步。

可见, 虽然如今的时装表演已经渐渐进入公众视野, 但在近百年的发展历史中, 很长时间仅仅是处于小众层面。这也集中反映了这一新事物在中国特定政治、经济、文化、思想等背景条件下所凝结的时代印记。然而我们也不难预见, 在国际交流合作空前密切, 世界文化创意产业大行其道, 高新科学技术突飞猛进的今天, 时装表演必然会同影视业、音像业、运动业一样, 对中国的社会文化及时尚文明产生重要影响。

苏州大学艺术学院党委书记李超德教授指出:“只有抓住了时代的脉搏, 才能抓住美学的脉搏。”党的十八大以来, 以彰显中国精神、中国形象、中国文化的中国表达已正式成为国家文艺事业发展战略, 国家文化软实力的建设环境臻于成熟。苏州大学艺术学院此次的社会实践活动, 更是以“勤绘青春故事, 致敬中国精神”为主题, 倡导文艺向中国精神致敬, 树立起了时装表演前进的正确方向。如何通过中国文化加强国际竞争力, 以文化影响力增强在世界舞台上的话语权, 将是中国时装表演接下来需要探索的命题。

摘要：苏州大学艺术学院的暑期社会实践活动中, 将“时装表演”与“文艺下乡”结合起来, 在相对落后的地区掀起了一场时尚风潮。时装表演活动的逐渐下沉, 表明随着中国经济腾飞, 人们精神文化需求日益增长, 时装表演文化在现今受到了更多关注并兴旺发展。

关键词：苏州大学艺术学院,社会实践,时装表演

参考文献

论话剧表演与影视表演之异同 篇9

如今, 我国的影视事业飞速发展, 从事这一行业的人数不断增长, 人们对影视的关注度也日益升温, 对影视表演进行科学准确的界定显得非常有必要, 目前这方面的研究还不是很多。要对其进行界定, 就要认清其与话剧表演之间的关系。影视表演和话剧表演之间关系非常密切, 它们都属于表演艺术, 在均具备表演艺术特点的同时, 又有着各自的不同之处。深入分析二者的共性和个性, 不仅有利于研究表演理论, 对于指导表演艺术实践也有较大的帮助。

二、话剧表演与影视表演的相同点

影视表演和话剧表演都是表演艺术, 它们之间的共同点比较多, 其中比较典型的相同之处主要包括以下三点。

(一) 宗旨相同—创造人物形象

演员因为自身的差异, 对艺术的追求可能各不相同, 有的人表演只是为了体验扮演不同角色的感觉, 有的人表演是为了给他人带来欢乐, 也有人表演是为了锻炼自己的表演才能。但是表演作为一门艺术, 其创作的宗旨却只有一个——创造鲜活的舞台或者银屏人物形象。在这一点上, 无论是影视表演还是话剧表演, 都是共通的, 甚至可以说文学艺术在创作时都是为了实现这个宗旨, 不论是让我们记忆深刻的文学作品形象还是震撼我们心灵的音乐作品形象, 都充分体现了文学艺术创作的宗旨。

(二) 表演情景相同—在虚构的情境下

其实, “表演”二字的含义就说明了其背后情景的虚构性。无论是话剧表演还是影视表演都是在“表演”, 都是对现实或者故事的重新构建。观众在观看话剧时, 舞台上的道具清楚地展现出来, 他们很容易意识到情景的虚构性。影视剧最终在银屏上出现, 观众感觉非常逼真, 容易忽视其实在虚构的条件下进行的, 甚至会以为这是在真实情境下拍摄的。而实际上, 在这方面影视表演和话剧表演之间没有区别, 到处都充满着虚构。在话剧表演中, 观众很容易看到人物关系是假扮的, 发生的事件也是假扮的, 例如夫妻关系, 例如有人中弹这样的情节等等。影视表演时不直接面对观众, 但是这并不意味着其情景不是虚构的, 例如现在用水龙头制造大雨, 用泡沫表示雪花等等, 这在银屏上看来非常逼真, 但实际却是虚构的。

(三) 表演要求相同—力求真实和“生活化”

无论是影视表演还是话剧表演, 力求真实, 力求“生活化”都是它们创作的一项重要准则, 这样是观众以及业内的专家对话剧作品和影视作品进行评价的最重要的一项指标。只有足够真实, 才足够可信, 真实就是表演艺术的生命。演员的表演首先要达到这项标准, 才可以称之为合格的演员。

值得注意的是, 影视表演和话剧表演在真实程度方面还是略有差异, 影视表演的真实属于常态的真实, 话剧表演的真实则相对夸张一点。

三、话剧表演与影视表演的不同点

影视表演和话剧表演都是表演艺术, 所以它们都具有表演艺术的特点, 但是作为两种不同的表演形式, 它们之间也存在着一定的差异, 主要表现在以下三个方面。

(一) 表演场所不同—舞台上与镜头前

表演场所的不同是影视表演和话剧表演的一项比较突出的区别。话剧表演可以说是一项舞台艺术, 它的表演场所在舞台上, 在舞台上直接进行表演创作, 作品立时完成;而影视表演则是一项镜头艺术, 演员对着镜头表演, 表演完之后作品并没有完成, 而是要经过后期的剪辑和制作才能完成。表演场所的不同就对二者提出了不同的要求。话剧表演要在舞台上完成创作, 所以这一表演艺术就应该具有高度的浓缩性和抽象性, 其中的每一个动作和每一句台词都需要经过仔细认真地推敲, 演员在表演时也要力求清晰, 不能暧昧不清, 因此话剧总是略带夸张。影视表演则会在镜头的辅助下得到很好的呈现, 所以其表演只要与现实的生活相符就可以, 不需要太过夸张。

(二) 创作程序不同—连贯式与间断式

创作程序的差异也是影视表演和话剧表演的一项重要差异。一般来说, 话剧表演的过程是循序渐进的、连贯的, 其中的角色形象会伴随剧情的推进逐渐完整展示出来, 最终在话剧表演高潮时, 演员能够实现与所表演形象的统一, 进而获得创作的满足感。影视表演则是间断的、片段式的, 表演过程与故事发展过程不一致, 根据天气和地点等变化来确定表演内容。

(三) 与观众关系不同—即时反馈与非即时反馈

前面已经提到, 话剧表演和影视表演与观众之间的关系不相同, 话剧演员直接面对观众, 而影视演员的表演要经过后期的剪辑制作然后再银幕上放映时才能与观众见面。这就决定了话剧演员能够与观众进行及时的交流, 其表演在观众心目中所引起的反应能即时反馈到演员那里, 这种交流是非常明确清晰的;而影视演员则很难看到观众对自己作品的反应, 只能凭借收视率、票房等比较宽泛的指标来接收观众对作品的反馈, 而且这种反馈具有一定的滞后性。由此也可以看出, 话剧演员能够在与观众的即时反馈中不断发现自己表演过程中的优点和缺点, 从而能够尽快进行自我完善, 影视演员在这方面优势则不突出。

四、结束语

总之, 表演艺术之间是相通的, 影视表演和话剧表演同是表演艺术, 必有一些相同之处, 但是又各属不同的表演类型, 也有不同之处。了解了二者的异同, 并能够取长补短, 相互借鉴, 对于两种表演艺术的发展都大有裨益。

摘要：本文主要分析了话剧表演和影视表演的相同点与不同点, 分析得出, 二者的相同点主要包括表演宗旨、表演情景和表演要求;二者的不同点主要包括表演场所的不同、创作程序的不同和与观众关系的不同。

关键词：话剧表演,影视表演,异同

参考文献

[1]赵美成.影视表演与戏剧表演同异论[J].浙江艺术职业学院学报.2007 (03)

[2]黄迎.浅谈影视表演艺术中的“逼真性”[J].戏曲艺术.2003 (02)

[3]郭广平.浅谈话剧表演与影视表演的异同[J].剧影月报.2011 (04)

[4]董馨翳.关于影视表演艺术的思考[J].经营管理者.2011 (05)

浅谈声乐表演中的形体表演 篇10

一个歌唱家如果站在舞台上只歌唱不做动作, 演唱就会显得呆板缺乏传染力, 所以歌唱家在舞台上不仅仅要歌唱, 还要进行“唱作皆佳”的舞台表演, 美好的歌声, 再加以神形兼备的舞台表演艺术相辅, 歌声才能更传神, 表演更形象动人。《乐记·乐本篇》说:“凡音起, 由人心声也。人心之动, 物是指然也。感与物而动, 故形于声。声相应, 故生变, 变成方, 谓之音。比音而乐之, 及干戚羽为旄, 谓之乐。”《师乙篇》又说:“故歌之为言也, 长言之夜。说之故言之, 言之不足故长言之, 长言之不足, 故嗟叹之, 嗟叹知不足, 故不知手之舞之, 足之蹈之也”1。这说明人在内心激动的时候, 情感用语言和歌唱都难以表达的时候, 会情不自禁的手舞足蹈来表达感情, 这是音乐的本质和本源, 从远古时代起, 人类这种原始习性是共同的, 歌唱和形体表演是密不可分的, 共同构成了完整的声乐艺术。正如冷永铭先生所指出的:“嗓音技能的精练十分重要, 但它从属于艺术创造的目的。演唱中统治着一切技术的, 是心中所要表达的歌曲内涵, 是沉弥于音乐内涵中的心灵。心灵是赋予歌声以生命和魅力的源泉。”2因此优秀的歌唱表演者, 不但训练优美动听的嗓音, 还要专注于形体表演。中国传统戏曲演员在舞台上要体现出“精、气、神”, 即精神饱满, 气韵悠扬流畅, 神情专注投入, 一般来讲, 形体表演的基本审美标准为自然大方, 内蕴悠扬。下面结合舞台实践, 从三方面谈谈演唱中的形体表演。

一、歌唱形体表演与社会实践

俗话说;“没有离开体验的体现, 也没有离开体现的体验”, 艺术来源于生活, 又高于生活。人的情感与外部社会实践是密切联系的, 然而尽管艺术源自于生活, 但永远高于生活, 艺术是从生活实践中提炼出来的, 艺术形象更凝练、鲜明, 典型。因此在舞台实践中, 歌唱家除了将自身生活实践中获得的情感体验灌注于作品中之外, 还要从生活实践中进行有意识的选择, 提炼和加工, 以生动切合实际的形体动作塑造鲜明深刻的舞台角色。通过这样的形体塑造刺激创作主体情感的产生, 同时加深观众对作品的理解。

一个优秀的歌唱家, 首先要深入生活实践, 只有以丰富的社会实践做支撑, 才能更好地理解作品内涵, 情感交流是艺术的目的, 如果思想感情的表达和接受方的需求不一致, 就不能引起共鸣, 使彼此互相理解, 所以歌唱家需要拥有良好的修养, 在演唱之前就要对演唱作品的内涵和意境有深刻的理解, 声乐艺术取胜的关键在于表演者能否把人类共同的情感表现得入木三分, 所以歌唱家对生活有深刻体会, 对社会深入了解, 对自然不断认识, 不断提高自身的文化修养, 综合知识面和较广的生活经历, 只有深入接触社会实践, 增加阅历和知识面, 才能使感情有所依据, 更深入的了解生活中各种细腻的情感, 体会人间悲欢离合。一个善于歌唱的人一定也是感情丰富的人, 因为艺术的本质就是夸张的表现人的情感。

形体动作是用来补充语言的表达方式, 任何一种动作不能离开心理上的感觉, 没有心理感觉的动作只是僵硬而机械化, 只有歌唱家的心理上能体验和模仿作品中的感觉, 才能做出符合逻辑令人信服的形体动作。形体表演和体验虽然高于生活, 但必须符合生活规律, 才符合作品人物形象特征的需要。

以笔者为例, 在分析作品过程中, 头脑中往往会有一系列的外部形体动作从长期的社会实践积累和以往的情感经验中条件反射出来, 以想象的方式参与到作品的分析过程中, 这种过程是下意识的, 社会实践能够良好的促进歌唱家对作品深入理解从而设计出形体动作。如在分析歌曲《黄河冤》时, 音乐前奏一起, 歌唱主体因为以往影视作品的熏陶, 脑海里就可能浮现出沦陷区被压迫、被侮辱妇女哀怨命运, 对日本鬼子强烈控诉, 以死抗争的的情景, 这种想象使歌唱主体对歌曲理解有了进一步的深化, 能够感同身受把歌曲中那种激愤的情绪表现出来。

二、歌唱形体表演与外部表演

歌唱表演艺术不光是听觉艺术, 而且还是直接视觉艺术, 可以利用外部形体动作调动情感。巴浦洛夫认为:“由于条件反射联系的建立, 无数的外界因素可以称为神经系统这种生理过程中极为错综复杂的相互关系的刺激物, 同时, 这些因素也可以称为内部器官反应的刺激物。”3形体表演还是调动歌唱家情感的有力手段, 形体表演是培植情感, 寻求外部表现手段的过程。

以笔者为例, 在排练时有时会感觉到即使能理解作品的感情, 但是无法建立起心理觉受的情形, 这时候笔者会采取用外部表演诱发情感的产生, 促进心理情感体验的方法。如刘诗嵘在其论文中写到:“20世纪80年代来华讲学的意大利歌剧表演艺术家吉诺·贝基曾给中国歌剧演员排练《茶花女》, 在排练薇奥列塔于病笃时与阿尔费雷德意外相逢重而燃起活下去的渴望这一幕时, 按照剧本的舞台指示和以往的排演都是让演员从坐着的扶手椅上奋力挣扎站起来的同时唱着:‘啊!我渴望重新活下去……’, 一直站着讲完这段咏叹调。当时排练的演员常常在这里找不到心理感觉。贝基先生在重排这段戏时, 要求演员在唱完了‘啊-’的长音后, 随之收腔并状似精疲力尽的跪在地上, 以跪姿将全曲唱完”4。这种形体动作的设计, 巧妙的展现了人物那种虽已濒临死亡, 但因爱人归来而燃起对生的渴望可是又力不从心的情景, 感情渲染得更加令人唏嘘, 又为人物即将而来的死亡埋下伏笔, 而且通过外部表演动作调动起歌唱者内心体验的动力和情绪, 更深刻的体现作品内涵, 堪称绝妙表演, 因此, 通过外部形体表演动作有利于调动和激活主体真实情感。

三、歌唱形体表演与表演技巧

古今中外卓越的歌唱家无不具备高超独到的表演技巧。苏轼在《书李伯时<山庄图>居》中说:“有道而无艺, 则物虽形与心, 不形于心。”意思是说, 尽管心里存在事物的形, 但没有技术、技巧基本功, 也难以转化为艺术形象。因此有造诣的歌唱家始终把高超的形体表演技巧作为日常训练项目之一。

改革开放之后, 中国歌坛出现了“戏转歌”现象, 有一批戏曲演员转行做歌唱演员, 因为这些戏剧演员戏曲表演功底深厚,

如何推进双簧管在中国戏曲音乐中的应用

徐溪 (杭州师范大学钱江学院浙江杭州310000)

摘要:中华民族有着五千年博大精深的文化传统。中国的戏曲音乐在民族文化发展进程中发挥了巨大的作用, 它折射出了中国传统音乐的精髓所在, 在世界文化艺术发展史上享有很高的地位和声誉。在新中国成立初期, 作曲家对戏曲音乐做了大胆的改革创新, 在中国传统的民间戏曲音乐中, 配器在原有的“三大件”“四大件”的基础上, 加强了乐队的配置, 融入了西洋管弦乐器, 并努力使西洋管弦乐器与民族乐器结合起来, 共同应用于中国戏曲音乐, 使音乐更加能够烘托气氛增强戏剧色彩, 丰富了音乐形象, 使戏曲音乐达到更加完美的境界。随着社会的发展和进步, 新剧目不断创新, 其中作为西洋管弦乐器的双簧管, 已逐步被采用在中国现代戏曲音乐中并发挥了很好的点缀作用。本文就双簧管在中国戏曲音乐中的运用及相关的技术特性和演奏技能做一些初步的探索, 旨在为双簧管演奏的民族化运用寻求更多的途径, 为今后中国戏曲音乐的发展及双簧管演奏和教学的多层次拓展起到一定的作用。

关键词:双簧管;戏曲音乐;运用;技巧

中国的传统戏曲音乐, 是由传统的乐器应用表现出中国戏曲传统独特的艺术观感、艺术形式。一般情况下, 只要传统乐器一响起, 观众就能知道这是哪种剧种在进行表演。在目前大量上演传统戏的情况下, 有的观点认为, 戏曲乐队一定要保持原来的演奏乐器和风格才能算是艺术的承袭, 引进其它乐器特别是国外乐器会破坏原来的传统和风格。但是随着新剧种的出现和改革开放中伴随着中西方文化的深入交流, 中国的传统戏曲音乐开始受到国外音乐的影响, 戏曲音乐的表现形式也更加多样化, 并对中国传统戏曲音乐的乐器使用和表现有更高的要求。要最大限度地发挥民族乐器的性能, 需要一些新的尝试。因而引进了双簧管等西洋乐器, 进一步丰富戏曲乐队。双簧管作为西洋乐器被引入到中国戏曲音乐中, 是中国戏曲音乐和双簧管艺术发展与创新的一个重要标志, 是长久发展的艺术现象。双簧管具有其独特的音色特点, 在中国戏曲中运用双簧管等西洋乐器, 在它独特的音色特点和音乐表现力的帮助下, 更加丰富中国戏曲音乐的表现力和表现

在形体表演上有很大的优势, 转行到歌唱领域, 将戏曲形体表演的高超表演技巧融会贯通到歌唱表演中, 因此这些戏剧演员在歌唱领域大都获得了成功, 引人瞩目。比如著名山西梆子演员郭兰英, 戏曲表演科班出身, 以出色的形体表演和优美嗓音, 塑造了喜儿、窦娥等一个个歌舞舞台上的典型人物, 至今仍是青年演员们学习的典范。

目前中国乐坛上存在“千人一面”的情况, 原因在于很多歌唱家认为歌唱技巧更为重要, 忽略了形体表演, 认为只要投入感情, 以情带声就可以很好的表现作品, 但在媒体科技日新月异的现代社会, 人们已经不满足于单纯的用耳朵欣赏歌曲, 而是寻求全方面的用眼用耳表现艺术, 舞台实践证明, 光有感情而没有表演技巧并不能完美的表现感情, 平平淡淡的演唱, 缺乏独特的舞台魅力, 在今天社会已经不能满足观众的审美需求。形体表演技巧和歌唱技巧一样需要经过刻苦的学习和训练, 但在目前中国的声乐教育中, 没有充分重视形体表演的重要性, 一些歌唱家没有学过形体表演, 在演唱时动作不是僵硬, 就是过分夸张, 动作奔放, 这些都严重影响歌唱效果。

如果能有意识的训练形体表演, 恰好好处的把形体动作与歌形式, 促进中国传统戏曲音乐的不断进步。双簧管运用于中国戏曲的实践已经走了大半个世纪的历程, 事实上, 双簧管在中国戏曲中已经占了不可或缺的位置, 并且仍然在逐步发展。随着两者之间有机融合的更加深入, 大胆探索双簧管在中国戏曲音乐中的道路, 无论是对双簧管的本土化发展, 还是中国戏曲音乐的艺术创新都是具有时代意义的。

中国传统戏曲的改革与创新的实践从未停滞过, 多年的实践告诉我们, 戏曲音乐不存在永久的一成不变的形式, 会随着社会的进步, 不断向前发展而日新月异。不再是“越老越好, 越正宗”, 也不再是不能越雷池一步的完全承袭。随着新剧种的出现, 需要我们开始探索一些新的尝试, 在实践中摸索, 在摸索中前进, 以求逐步完善尽美。随着观众对戏曲音乐的欣赏水平越来越高, 戏曲音乐开始吸收国际音乐的影响, 因而引进了西洋乐器来进一步丰富戏曲乐队。而双簧管的运用正是传统戏曲乐队诸种改革创新的实践之一。

双簧管是西方音乐文化的产物, 是在西方特有的人文背景下形成和发展起来的。双簧管进入中国不过近百年历史, 国人对双簧管的了解直到近几年才有了一些了解。一些作曲家、双簧管演奏家“走出去, 请进来”, 才使得中国双簧管有了很大的发展, 如今, 双簧管已经普遍地运用于不同形式的中国戏曲音乐中, 它对中国戏曲音乐作品的音响、色彩、风格以及音乐语言等都起到了较为重要的作用。双簧管运用于中国戏曲音乐的艺术实践一直在延续和发展, 而且越来越广泛越来越深入。

戏曲交响乐的广泛传播, 使双簧管在中国戏曲中的发展空间越来越大, 此时此刻, 双簧管作为戏曲乐队的常用乐器, 其技法语言的拿捏便成为双簧管艺术能否在中国戏曲中取得成功的关键。双簧管的母语来自于西方音乐的表达方式, 如何使双簧管更好地在中国戏曲中行神州之韵味, 就显得非常的重要。

一、双簧管在中国戏曲中普遍运用到的技巧

下面对双簧管在中国戏曲中普遍运用到的技巧做个简单分析:

唱技术结合在一起, 不仅演唱到位而且表演到位, 演唱者使用眼神、手势等身体语言深化歌曲内涵, 歌唱者的形体表演必须富含情感, 举手动足之间将观众带入声乐作品特定的故事情境, 感受身临其境。此外, 歌唱主体还需注意形象, 服饰要大方得体, 笑容恰如其分, 同时还包括演唱者的步伐, 要展现出潇洒、大方、得体, 以及对伴奏礼貌的示意, 谢幕时的答礼等。

综上所述, 形体表演对于歌唱者有着重要的现实意义, 在声音条件差不多的情况下, 具备优秀形体表演的歌唱家更容易获得成功。

摘要：歌唱艺术是歌唱家通过“演”和“唱”进行二度创作的艺术形式, 运用歌声和形体表演展现艺术形象, 展现作品内涵和思想境界, “演”和“唱”互为补充, 缺一不可。对于二度创作的声乐作品, 提供给观众听觉审美的载体是歌声, 歌唱家的形体表演则负责满足观众视觉审美的需求, 形体表演包括演唱时泛指演唱时五官四肢的动作表情, 与演唱相辅相成。形体表演的作用不仅能使舞台效果更为活跃, 更生动的表现歌声, 使之更具感染力和表现力, 而且通过歌唱家的神情动作, 能传情达意, 强调艺术形象以及歌唱的视听效果, 使之更具观赏性。同时, 形体表演还是歌唱主体歌唱心理的外在表现, 是向观众传达乐曲内涵和情感的重要衔接桥梁, 因此形体表演在声乐表演中占有十分重要的地位, 本文结合舞台实践, 从三个角度谈谈演唱中的形体表演。

关键词：声乐,表演艺术,形体表演,表演技巧,音乐

参考文献

[1]刘彩云.歌唱艺术的形体表演[J].海南大学学报人文社会科学版, 2001 (2) :34.

[2]冷永铭.从心灵的世界中把握歌唱艺术的真谛[J].人民音乐, 1999 (5) :50.

[3]郑雪来.“斯氏休系”的方法论问题——形体动作方法及其他[J].戏剧学习, 1980 (3) :28.

时装表演 篇11

关键词：声乐表演 形体表演 训练

从歌词、曲调创作到演唱，从无声的书面声乐作品到有声的口头声乐歌唱表演，是使声乐表演艺术得到完整体现的过程，可见声乐表演的再创造是使声乐表演艺术得以体现的主导因素。声乐表演，应当是演唱者在当众的情形下与自己内心进行自我交流，并自如灵活地创造出符合角色规定情境的人物生活，使观众明白和感受到所要表达的内容，从而受到艺术的感染。

一、声乐形体表演的重要性

声乐表演是将“唱”和“演”两者紧密结合的艺术表现形式，随着传媒技术多角度、多元化、多样式的发展，观众对声乐演唱中的要求也越来越高，观众希望感受到“听”与“视”等多处感官的同步欣赏，因此“视听同享”则成为声乐表演的重要发展形式。声乐表演中的形体表演为声乐作品注入活力和创造行为，表演者通过肢体、表情等行为表述作品感情，诠释作品的思想内涵，形体表演是对歌唱起到协同统一作用，同时也是展示音乐作品魅力和提升质量的重要手段之一。声乐表演形体中动作设计是一个从无到有逐渐熟练掌握直到熟能生巧的过程，其中每一个形体动作都需要在上台前消耗大量时间进行设计、编排、训练等排练，需要演唱者对歌词、节奏和旋律进行细节处理，经过仔细推敲和设计，编排形体动作，再经过反复练习和运用达到理想的表达效果。

二、声乐表演形体训练

声乐形体训练可以培养演唱者独具魅力的台风和舞台形象，优秀的声乐表演者需要具备自身的优雅台风，声乐不仅是一种歌唱的艺术形式，更是一种全身心的运动，是表达演唱者丰富情感和过程，歌唱中要配合肢体动作。但是声乐形体动作时紧密联系作品特征而设计的，都具有一定的表达效果和艺术体现，以下主要从几方面进行介绍：

（一）身体姿态

声乐表演者的天职是对“美”的诠释和创造，身体姿态的美不仅仅表现在外表，而是行为美的表现，演唱者挺拔、自信、饱满、松弛的身体状态是舞台美的表现关键。身体姿态的美是根据作品内容和风格的不同而表现的，不同的音乐作品应该利用不同的身体姿态，例如潇洒、豪放、甜美等不同的姿态美来体现。同时针对不同的唱法对身体姿态也有不同的要求，在美声唱法中就要求演唱者身体姿态庄重、稳定；而民族唱法中则要求融入民族特色的表演身段；通俗唱法则一般是边歌边舞。但是无论歌唱作品表达的是悲伤或是痛苦，演唱者都应保持优雅大方的身体姿态，切不可出现动作随意、身体松懈等过于生活化的身体姿态。

（二）脸部表情

人类的情感可以通过非语言的面部表情来表达，人的诸多情绪都可以通过面部的变化来传递，并且比语言表达更为生动和形象。声乐发声方法应该讲究“眼眉舒展”、“抬笑肌”、“松牙关”等，这些脸部表情会帮助演唱者达到赏心悦目的演唱状态。尤其是演唱者的“微笑”表情，有利于抬起脸部笑肌，打开上口盖，从而利于鼻、口腔等部位的正确发音。脸部表情中重要的是眼神的交流，俗话说“眼睛是心灵的窗口”，观众可透过眼神体验到演唱者的感情，因此提高眼神的表达能力是声乐形体表演训练中的关键内容之一。这眼神训练的目的，是唤起表演者对歌词内在内容的体验，使与其相关的内涵更生动地出现，更有利于整体把握声乐作品的基调和丰富作品的内容，积累演唱者的经验。所谓内心视像，是演员在表演时能够在自己的内心视觉和想象中，形象地“看”到自己表现的一切。并通过眼神表达出来。演唱者可以根据歌曲的情景融入感情，并在眼神中与观众交流“有所见”“有所言”的感悟，观众则通过察言观色，分享到演唱者所要表达的感情和思想。脸部表情和眼神可以给观众传递对作品的直观感受，丰富生动的脸部表情可以充分地展示作品，而且给观众给观众留下深刻的欣赏印象。

（三）手势动作

手势动作起落是声乐表演者中又一关键的“亮点”，在演唱中要适当配合手势动作，其效果并不亚于指挥。首先演唱者要将手势融入到歌唱呼吸中，随着音乐的节奏成为流动的一体，而不是用手势打拍唱歌，这样会影响到唱歌气息的连贯性和稳定性，进而产生声音不够统一等问题。在演唱过程中手势可以代表个人的演唱想法，随着声音的强弱变化、扩展收缩，舒缓有力等变化，可以通过手势的变化来协助完成。其中手势动作分类较多，包含指示型、情绪象形型等，手势的利用可以更加细腻地传递音乐旋律，因此要根据不同的音乐风格加以设计、编排和练习。

（四）台位变化

声乐表演中还有一个重要的形体训练就是台位变化，是指演唱者的步伐移动，歌唱者大部分演唱时间都是站立原地，但是在前奏、间奏、伴舞配合、观众交流、舞台调度等实践段内都需要演唱者适当地变化位置，来满足演唱的整体效果要求。台位的变化需要演唱者注意以下几点：首先确定何时转身和换位，需要几步；而后注意移动步伐的节奏，步伐的幅度和优美性；脚下站立、换位时注意脚步重心的稳定和协调性；无论是在起步、转身、交流等各个环节都应该配合音乐的韵律；最后，注意男女生之间的站姿、步伐区别，做到大方得体与优雅。

三、形体表演总体要求

（一）形体表演要表达真实的情感，歌唱不仅仅是歌唱技巧的体现，更是一种全身心的运动，一场令人折服的演唱需要演唱者首先感动自己，进而打动观众。

（二）形体表演中的动作都要具有目的性、延续性和协调性，从头到尾地将演唱与动作连贯统一，切忌心猿意马。

（三）形体表演中动作的体现要依托于歌词内容、音乐风格和思想感情，演唱者只有事先充分掌握歌曲的内涵才能对音乐作品进行良好地传递和表达。

（四）形体表演要对演唱起到画龙点睛、锦上添花的效果。

参考文献：

[1]张锦华.声乐表演教程[M].福州：海峡文艺出版社，1998.

[2]谢伦灿.歌唱表演名师指点[M].长沙：湖南电子音像出版社，2001.

浅谈影视表演与舞台表演的异同 篇12

影视表演是利用摄影机把演员的表演拍制在胶卷或者磁带上,然后通过放映机投放在银幕上呈现给观众,它总体上的美学追求是生活化、自然化,并且它的拍摄可以具备无序性、不连贯性。演员在表演区里不但要考虑摄影机镜头里的构图要求、取景框限制,还要考虑配合摄影师、灯光师的摄影技巧上的要求。同时,演员的表演还要受限于不同技巧的处理,俯仰升降,推拉摇移,长焦距、变焦距等因素。这就要求演员应当具备相应的“银幕感”和“镜头感”。

舞台表演是在舞台上进行的表演,演员需要直面台下在座的观众。一者,为了让观众直观、清晰地观赏到表演,演员的表演会刻意带有夸张成分,以较高的音量、较大的动作幅度,来强化和突出表演目的;二者,舞台表演的场地限制较大,场景、环境等方面都无法达到与现实生活完全一致的地步,因此场景布置中存在许多假定性,这种假定性也决定了舞台表演方式带有写意化的特征。舞台表演需要根据剧情发展顺序进行表演,演员上台后需要快速进入角色,按照规定情景一气呵成地表演下去,演员的内在情绪与贯穿动作是连贯的、不中断的,表演的情感也与剧情的发展相贯连。舞台表演与观众是面对面的,演出与交流具有同步性,因此,观众和演员的互动对演员的表演有着非常大的影响。

二、影视表演与舞台表演的相似性

(一)在自我准备方面的一致性

影视表演与舞台表演都属于人创造的艺术,它们具有相同的本质属性,“三位一体”是影视演员和舞台剧演员所应当共同遵循的表演规律。

(二)创作原理与技巧的一致性

影视表演与舞台表演在技巧方面具有一定的共同规律,而且它们呈现的原动力是相同的。

(三)创造角色性格过程中体验的一致性

演员的创作离不开情感,不论是影视表演还是舞台表演,情感都应当是演员进行创作的基础。演员进行情感创造的过程是一个全息的流动过程,在这个过程中,不同强度的情感,能够塑造出不同性格的人物形象。在影视表演与舞台表演中,演员通过移情进行主观情感的转化,赋予角色一定的情感,并通过主体意识的活动将对象人格化为自我,将主体的情感辐射或者投射到客体的角色身上。同时,影视表演和舞台表演都需要演员进行积极的行动,通过行动将情感反馈到内心,最终完成角色的体验。最后,这两种形式的表演都需要演员把握好表演的分寸,这样人物形象的定位才更加准确。

三、影视表演与舞台表演的区别

(一)影视表演相对生活、逼真化,舞台表演相对夸张、写意化。在影视表演中,演员面对摄影机器进行表演,这时候需要演员与想象中的演员进行交流来完成表演,同时在影视表演中,演员细微的动作可以通过焦距的调整显露出来,这种特写是对演员功底的一种考验,表演难度细数也随之增加。而舞台表演和情感沟通的对象是真实的活人,演员面对着台下的观众,表演受到观众情绪反馈的影响,表演与观众的情绪同步进行。

(二)影视表演中演员在摄影机前的创作不具有连续性,拍摄中最长的长镜头不过几分钟,最短的甚至只有几秒钟,拍摄可以按照现实需要颠倒或者分类进行。这就要求演员必须能够快速地调换和进入剧情,不断适应拍摄的需要。而舞台剧都是按照故事设定的顺序一气呵成地进行人物塑造。

(三)影视表演因特写的拍摄手法,将演员的面部表情、细微语调的变化显露无遗,通过这些细微的变化来揭示角色的内心情感,这些细节的表现力是台词所不能展现的;舞台剧则更多强调演员在舞台上的表演,尤其是台词表演。