时装设计

时装设计（精选12篇）

时装设计 篇1

摘要：从社会学角度, 时尚被理解为个体在寻求社会一致性与个体差异性两极之间的平衡过程中做出的行为选择。而时尚的代表就是时装, 纵观时装发展史, 时装的出现与发展是一个成长的过程。十九世纪末至二十世纪中叶是西方社会意识形态产生巨大变革的年代, 受科学、经济和思想的多重影响, 时装吸收了现代主义艺术思潮的营养, 飞速发展成熟起来, 每一次变革都是大的社会景下社会思潮与价值观念发展的产物。而今, 面对物质膨胀、资源极大浪费与短缺的社会现状, 未来的时装设计将何去何从?

关键词：时装设计,时尚,社会学,设计方向

一、时装的出现与发展及社会背景分析

19世纪初至19世纪50年代时装诞生, 弗雷德里克沃斯被称为高级时装奠基人。十九世纪末女权运动兴起, 这样的社会大背景导致沃斯的极尽装饰的设计被取代。而保罗布瓦列特以高腰线以及胸衣的设计, 使女性摆脱了紧身胸衣, 开创了时装的时代而被称为第一个真正的时装设计师。与此同时, 他还将艺术创作直接印刷到丝绸面料上, 掀起了染织和面料工业上的一个重大革命。

一战期间, 复杂的服装成为奢侈品, 随意无需过多整理和清洗的水手装、海员装倍受欢迎, 成为战后主要流行式样之一。夏奈尔强调女性的独立和服装的独立性格的简朴设计取得成功, 她的“小黑衫”被称为时装中的福特汽车。这一时期的时装设计方向明了单纯且直接。二战后, 以装饰艺术为主要风格的艾尔萨西雅帕列利以前卫的设计带动了时装设计从三十年代到四十年代的转型。

20世纪50至80年代, 新贵们希望通过定制穿着来显示自己的财富和品味, 而设计师独立建立个人设计事务所, 由此形成了今天的高级定制。而后随着物质主义盛行, 设计元素与其美学价值本身, 或许可以作为个体独特的品味, 却很难作为时尚依附的对象, 也难以成为时尚建构成功的保证。设计的风格和理念, 总是需要和最具有文化资本的设计师联系在一起。

二、时尚的社会心理学简析

日本学者藤竹晓把时尚理解为:“不仅是某种思潮、行为方式渗透于社会的过程, 而且, 通过这种渗透过程, 时尚队伍的扩大, 还包括不断地改换人们的价值判断过程。”德国社会学家齐美尔更是对时尚做出了经典的论述:“时尚只不过是我们众多寻求将社会一致化倾向与个性差异化意欲相结合的生命形式中的一个显著的例子而已。”傅克斯说“时尚总是具有等级性”的。设计师的知名度本身就是权力阶级特征, 因此已经享有广泛知名度和话语权的设计师, 比设计本身更具有时尚权力。而接受这些设计师服务的顾客就更加显得位高一等的贵族。消费品一旦打上奢侈品的商标, 消费这些产品就意味着享受与曾经的贵族同样的待遇, 在这一过程中, 消费者自身也就实现了成为贵族的短暂的幻想。

然而时装设计却在他的成熟之后变得无比迷茫。自19世纪后期高级时装业出现以来, 设计本身不得不依附于享有权力的设计品牌和知名设计师。一直主导着时尚潮流的设计师的影响力到20世纪后期被品牌影响力所取代。许多人往往只知道“Dior”这个品牌符号, 却不再关注时装设计师的代谢和更迭。

三、时装设计现状及社会心理学分析与展望

从1986年开始, 西欧有关服装设计理论的会议把创作类型划分为:回复类、社会类、民族类、青春类和技术类五种, 完整地储存了服装设计的所有设计创意理论, 被称为“创意库”。之后一些人设计的作品看上去构思奇巧大胆, 无所顾忌。但从社会文化背景上看, 这些设计显得无序、松散同时缺乏内涵。反映了后工业化给人们带来的思想上的迷茫。

80年代后, 像香奈儿或者迪奥那样的时装设计的“英雄时代”难再重现。时装设计由最初的主导潮流转为迎合消费市场。设计师们不再做设计而是总结流行信息并复制产品, 成为生产企业的一个元素。时尚也更加依附于品牌、名人效应、传媒造势, 诱导着人们的思想和行为观念。工业化大生产促进的泛化时尚使人们逐渐失去了自我。对于时尚的追求, 由19世纪后期的社会现状需求以及意识形态的提升作为心理导向的状况, 向后慢慢发展为以提升社会地位与实现自我扩张为目的的对品牌的盲目追求。时尚变成价值观与世界观被物欲捆绑的有闲阶级的游戏。

美国社会心理学家索罗门阿希指出:“一旦一个人处于群体之中时, 就与该群体融为一体了。当个人独自一人时, 他可能以十分冷静和明朗的态度看待某一事物, 但是一旦置身于某一群体而且该群体表现出自己的倾向时, 他就不会再单独依靠自己的判断看待事物了。”当人们成为时尚泡沫的赶潮人, 他们意识不到这些复制品已经不再拥有的时代意义, 更看不到这种泡沫式的繁荣给生存环境和人类自身所带来的危机已经成为人类将要面临的最大的社会现实。而作为一个仅仅为消费社会提供物质享受的复制品的设计以及他的设计也不会具有社会意义。

优秀的时装设计师需要从社会现状出发, 迎合时代的特征, 从时代的精神诉求中发现社会需求, 从新的技术材料中获得启发, 创造出满足符合时代群体需求的设计。面临的泡沫式的经济炒作所造成的资源浪费与环境破坏的社会现状, 时尚有必要被重新定义。而作为设计师, 应该利用设计创造这种有组织的整合行为, 整合最新的社会现象、消费心理、大众文化、资源与专业知识等方面的讯息及资源, 树立全新的设计理念。将研究与分析成果体现在新的设计上, 推动新的时尚和消费观的产生。

参考文献

[1]王受之.世界时装史[M].北京:中国青年出版社, 2002:25~75.

[2]藤竹晓.废弃与采用的理论[M].日本诚文堂新兴社, 1996:104.

[3]齐奥尔格·西美尔著.费勇等译.时尚的哲学[M].北京:文化艺术出版社, 2001.

[4]爱德华·傅克斯.欧洲风化史:资产阶级时代[M].辽宁教育出版社, 2000:169.

[5]郑巨欣.世界服装史[M].浙江:浙江摄影出版社, 2000:235.

[6]所罗门·阿希.《社会心理学》.1952:483.

时装设计 篇2

当APEC遇见时装设计 篇3

2014 APEC新中装是一系列展示中国人新形象的中式服装，其根为“中”，其魂为“礼”，其形为“新”，采用“海水江崖纹”设计，赋予APEC21个经济体山水相依，守望相护的寓意。其中，“中”代表的是中国的传统和文明。款式上，融合中国历代经典款式。如立领对襟，明代就已出现，盛行于清；开襟，商代就已出现，盛行于唐宋；连肩袖，是中国最古老的服装结构。面料上，采用传统真丝面料。如宋锦，始于宋代，属世界级非物质文化遗产；漳缎，始于明末清初，属省级非物质文化遗产。纹样上，展示传统纹样的精华。如海水江崖纹，宋代已出现在服装上；万字纹，汉代已应用于服饰上。工艺上，采用中国特色传统工艺。如宋代就已使用的盘扣，盛行于清代的镶滚等。色彩上，选用了故宫红、靛蓝、孔雀蓝、深紫红、金棕、黑棕等厚重大方的传统色调；“新”代表的是传承基础上的创新。款式上，如“立领、对开襟”的创新款式更赋有传统正装意味，丰富的层次增添了生动洒脱之感。面料上，如电脑提花机织大大提高了宋锦的生产效率并降低了成本，少量的羊毛纤维、富于色彩变化的纱线，使其更为挺阔、保暖、鲜亮。纹样上，如海水江崖等传统纹样的创新设计，使其更便于传达21个经济体山水相依、守望相助的美好寓意。剪裁工艺上，如中西结合的剪裁方式，在表达中国意韵的前提下，使其更为合体、舒适；“礼”代表的是中国礼仪文化。2014年APEC会议是一个重要的多边外交场合，规格高、影响大、举世瞩目。领导人服装，既要传达“多元美好、开放包容”的理念，又要符合场合要求、人物身份；既要体现较强的仪式感，又要充分展现领导人的气质和风度。这一系列服装在款式上，既严谨、庄重，又包容、大气；在纹样上，既寓意吉祥，又华而不炫、贵而不显；在色彩上，既喜庆、热烈，又纯正、时尚。整体上气势恢宏，仪式感强，表达了中国人“有朋自远方来不亦乐乎”的好客之道。

品牌名片：

作为中国传统服饰文化的守护者和传承者，NE·TIGER始终秉承“贯通古今 融汇中西”的设计理念，致力于复兴中国奢侈品文明，新兴中国奢侈品品牌。早期，NE·TIGER以皮草的设计和生产为主，迅速奠定了在中国皮草行业中的领军地位。在品牌的发展历史中，品牌相继推出了晚礼服、中国式婚礼服和婚纱等系列产品，并开创性地推出了高级定制华服。

“中国有礼仪之大，故称夏；有章服之美，谓之华”。“华夏礼服”即是华服，是代表中华民族精神的国服。NE·TIGER華服的设计可以高度概括为五大特征：以“礼”为魂，以“锦”为材，以“绣”为工，以“国色”为体，以“华服”为标志，凝汇呈现数千年华夏礼服的文明，开创现代中国特有的一种服饰形象。

时装画与服装款式设计 篇4

生产力的发展, 科学技术的进步, 推动生活方式的变革, 艺术设计等同样受生产力的发展与支配, 生产力发展相对为一切事物的发展提供了条件, 使得时装画与服装款式设计在各自的领域里, 发挥作用也越来越明显。对于从事服装设计或一线教学的人来说, 光从字面上去认识时装画与服装款式设计之间的联系和区分是不够, 也是很肤浅的, 有必要从学术上厘清二者相互联系又相互影响、制约的关系。

一、从定义看时装画与服装款式设计

时装画以表现时装为主题且注重艺术感染力, 并能反应一定流行趋势和时尚主流, 生动准确地体现设计者的创作意图, 使未来的服装引起人们浓厚兴趣, 起到宣传、推广时装的媒介作用, 成为指导服装生产的依据, 也可以为服装设计师们提供创作灵感和设计源泉。它注重人物动态、姿势、角度与时装的最佳组合, 经常采用变形夸张手法, 不局限于一般性的动态, 追求对人体与服装之间的享受。

服装款式设计图则要求描绘的画面要工整, 比例准确、结构清晰, 其功能性大于装饰性, 能成为服装打板、裁剪到缝制过程的指导依据, 要能准确地画出服装的正面、背面的平面图和局部放大图, 如口袋、省位、线缉的宽窄、粗细等细节并加注文字等, 成为款式设计师与制作人员之间的桥梁, 从而指导生产。当然, 服装款式设计也需要时装画来传达、表现、渲染服装的款式、面料质感、图案肌理以及色彩的合理搭配。法国著名时装画家埃尔克逝世后, 巴黎时装界在讣告中这样写道:“对于时装设计师来说, 最能代表, 最能体现他们的设计, 莫过一张埃尔克的画了”。这也简要地概括了时装画与服装款式设计间的密切联系了。

随着国内纺织服装行业的蒸蒸日上, 国内服装院校都相应开设了时装画技法等相关课程, 大多很重视时装画的外观效果和表现手法。但对于服装专业来说过多强调时装画的视觉作用, 会背离自身的本行, 使得所学的时装画不能为服装款式设计服务。虽然服装款式设计师不一定都能成为时装画家:有的设计师会做不会画, 如夏奈儿;有的会画不会做, 如纽约的纽尔·布拉斯, 日本的矢岛功和熊谷小次郎, 台湾的萧本龙等, 但若想成为伊夫·圣·洛朗那样的大师, 就应该既是服装设计师又是时装画家了。

二、从服务对象看时装画与服装款式设计

不管从事时装画, 或者从事服装款式设计的人们, 他们都富有创造性, 都善于构思和创新, 构思和创新也许是他们的唯一共性, 不同的是服装款式设计又有其个性。由于服装款式设计是一个既追求艺术魅力又与人们生活紧密联系的领域, 服装款式设计不能无拘无束进入象牙之塔, 必须屈尊俯就地去取悦消费者。消费者是服装款式设计师们的上帝, 服装款式设计要依靠消费者而生存。因此, 其功能性和实用性要适应时代的发展与社会的需求, 从事服装款式设计时不能忘情于追求设计的完美, 过于强调纸面效果, 片面追求服装风格与环境、气氛、个人气质的搭配协调, 忽视对市场消费的把握。当然, 这也不是讲服装款式设计就不要求有漂亮的画面效果, 更重要的是如何将设计图完美地转化实物, 成为生产的产物, 服装款式设计应具有其装饰性、功能性的双层含义, 既属于艺术的范畴, 又属于工业产品设计的范畴。服装款式设计作为产品设计的一种, 其加工过程及加工手段又是极其复杂、重要的, 包含了对服装面料特性的了解, 服装结构的科学分析, 服装样板与工艺的合理处理等相关工业生产流程。

时装画往往更注重一定的画面效果与审美情趣, 要求突出表现服装的穿着效果。因此, 时装画中的人物形象、姿态总是美好的、理想化的、引人注目的。由于服装设计处在流行和不断变革之中, 为了能给人新的感觉, 具有一定的时代感, 时装画的形式也在不断变化着。现代时装画不但采用多种多样的绘画工具, 而且采用夸张、省略、装饰等各种表现手法。时装画吸取各种画派的特点, 如水彩、水墨、版画, 甚至油画等表现形式, 展现其丰富多彩的艺术风貌。可以说, 时装画是服务于服装设计中的绘画, 服装设计又不屈就于时装画, 两者之间是相互联系相互影响的。正由于服装款式设计属于一种产品设计, 一位成功的服装款式设计师, 如果他的产品在市场中占有一定的比例, 销售达到一定份额的利润, 才是成功的。服装款式设计的诀窍是要把握市场的共性, 力求在消费者和个人审美的差异中找到平衡点。对于市场流行趋势的把握以及对服装面料与色彩的搭配, 服饰的舒适性与功能性的合理化, 从事服装款式设计时都需全面的考虑与恰当处理。

三、从绘画与艺术的角度去理解分析时装画与服装款式图设计

时装画强调了艺术性和独创性, 它和绘画、雕塑一样能给人美的享受, 起到一定的精神食粮的作用。而服装款式设计则是精神食粮与物质财富的结合。由于时装画往往表现的是人着装后的艺术效果, 而不是仅表现人穿着的服装, 所以画面往往又借助于各种夸张、超常的动态, 来增强时装画的魅力, 其欣赏价值高于实用价值。它所要表达的不只是服装本身, 更重要的是表达了一种带有时尚性、艺术性的文化氛围, 带有标志性和宣传性。所以时装画在选择人体姿态上往往用一番心思, 着重表现出服装改变人的外观和人重新赋予服装的神韵。画中的服装更加注重画面的视觉效果, 构图形式和姿态不一, 要新奇, 耐人寻味, 所有的线条、块面、面料纹样的使用, 在表达款式的同时, 还要尽力刻划出时代的气息, 进一步的夸张变化, 但夸张应有审美的眼光和整体的规律, 否则亦是很难被人承认其艺术价值, 会失去原有的魅力。

服装款式设计则不然。服装款式追求的是对市场流行风尚的把握, 款式结构的科学性, 服装生产的工业化, 更注重其装饰与实用。它所表达的是服装的具体结构 (装饰性、结构线、造型线等) , 考虑与人体结合后达到一定的外观效果。在绘制方面, 或许不再强调时装画中的姿态的优美性, 故而选择人体的姿态应根据要求略为简单。人体姿态为服装设计中的款式服务, 突出服装设计中的最佳效果。款式设计图对人物动态的把握也可以相应地夸张一下, 但它仍来源于生活, 同时受服装款式、造型的制约。以最为常见的主姿态为例, 就连可以自由活动的上臂也不能过多地相抱, 以免遮蔽服装中的结构线, 影响服装款式设计的目的性表达。在绘制款式图时要依据面料的质感, 款式的设计更要结合市场和消费者心理, 结合工业化生产, 让技术工人能很清楚地把握款式设计的内在含义从而进行生产。在表现手法上没有时装画那样可以随笔运势, 根据不同面料而选择各种变化的线条, 当然时装画中服装款式也是考虑的内容, 一切不可过于教条。

四、从生产力的发展看时装画与服装款式设计

随着生产力的发展, 现代科技的进步, 计算机广泛运用到时装画和款式图设计当中去。用计算机绘制服装款式图非常方便快捷, 且款式设计师们可以随心所欲地进行修改调整, 运用不同的画面进行比较分析, 可以任意调配服装款式、色彩与模拟模特进行自由搭配, 可以使服装款式设计达到其实用性、审美性统一的境界。而时装画所表示的带有一定的艺术氛围, 在表现手法上, 在细部刻划上, 电脑与手工绘制永远是无法比拟的。因此, 电脑的运用将取代手工服装款式设计, 而时装画相对更有生命力及发展前途。

五、从形式语言上看时装画与服装款式设计

服装款式设计当然不仅仅指设计图的绘制测量或打版技术工作, 最重要的是设计师创造性思维的运用和展现。随着生产力的发展, 在现代文明社会里, 设计师的创造劳动是最宝贵不过的。服装款式设计, 其最了不起的贡献就是把现代人的审美情趣, 把最流行的时尚元素融合到其新颖独特的款式造型与色彩之中。因此服装款式设计必须要有必要的形式语言, 包括描绘方法、表现形式等。时装画是设计师把自己的创作构思及相应的文化氛围, 以形式语言表现出来的过程。另外一种形式语言即是表达了款式设计师构思, 色彩面料和细部, 包括必要的工艺加工要求的设计图说明。这种语言虽然没有固定的形式, 但显然不同于前者:前者追求的是时装画设计的整体风格和艺术效果, 后者则要求清晰、美观、准确。尽管服装设计不同于时装绘画, 但它的人物、形式、款式、质感和衣褶每一处的细节也可以看出艺术的魅力。这种设计的形式语言, 不仅是艺术创作的表现, 还应涉及对现代社会生产、生活方式的理解。优秀的服装款式设计必须要工业化、商品化、价值化, 从这个意义上讲, 服装款式设计本身就是一种价值的实现。

艺术留学之美国时装设计专业 篇5

一、美国时装设计专业介绍

时装设计，也称服装设计，该专业主要培养从事服装制板、推板、生产、管理、经营等一线工作，能应用所学的服装知识，解决服装生产和管理实际问题的高级技术应用性人才。美国大学时装设计专业学以培养学生人文素质与表达服装设计创作之专业技术与能力为教育目标，通过作品竞赛、展演等创作验证发展个人特质与设计创作力，同时为服饰产业人才需求以及扩展学生就业空间，分别规划设计、经营企划、生产管理、织品设计等专业辅助选修课程，为服饰产业培育全方位的专业人才。

课程设置：该专业核心课程为：服装结构设计与制作、服装生产管理与营销、排料与推板、服装立体剪裁、服装专业英语、服装设计、服装CAD、时装画技法、时装画基础、服装配色与图案设计、专业实训等，以及各校的主要特色课程和实践环节。

二、美国时装设计专业申请要求

创艺典艺术留学专家表示，随着留学热潮的到来，越来越多的艺术类学生涌向海外。我们知道，欧洲及美国等发达国家的专业教育已经经历了上百年的历史，无论是服装设计、营销还是视觉艺术等方面，都经历了多年的市场考验。下面为大家介绍服装设计专业的申请要

求：

●Bachelor Program: 认可的高中毕业，TOEFL，艺术作品(Portfolio)，修业四年。●转学Bachelor Program: 大学念一年以上或大学已毕业，TOEFL以及艺术作品，修业两年半至三年，视学分抵修程度而定。

●Graduate Program: 认可的大学毕业，TOEFL，GRE通常知名度高的综合性大学会要求，艺术学院的比较少要求GRE，另外学校一定要求的是作品集，内容可包括素描、油画、动画、网页、室内设计作品或可展现艺术天赋和室内设计的创作，通常以幻灯片或CD寄送给学校，大约需16-20张幻灯片。时间方面，大学有设计基础的修业两年至两年半，没有设计基础的修业两年半至三年。

三、时装设计专业就业前景

如今，电脑技术正在日益渗透到时装设计的各个环节，传统的制衣技术正在被革新。因此学生应该尽可能多的掌握各种电脑软件的使用。据统计，近三分之二的时装设计师集中在纽约和加州，也是时装产业最发达的两个地区。对于时装设计师的需求非常大。

学习时装设计的就业方向包括：设计师、助理设计师、制版师、服装设计师、插图画家、自由职业设计师。

四、美国时装设计院校推荐

经过以上创艺典艺术留学专家的介绍，大家对美国的时装设计专业有了全面的认识，下面为大家推荐几所美国的知名时装设计院校。

1.罗德岛设计学院(RHODE ISLAND SCHOOL OF DESIGN)

该校是私立学校，但在艺术类学校中却非常知名。学校成立于1877年，是一所评价很高的艺术学校，并以其多元化的六周冬季课程著名。专业方面，设有建筑学、服饰与纺织品研究、设计与实用美术、影视与摄影艺术、美术与艺术研究、室内建筑学、园林建筑学、木

工学等专业。

申请要求：服装设计专业有硕士学位，要求语言IBT 93/IELTS 6.5，不需提供GRE成绩。

2.纽约时装学院(FASHION INSTITUTE OF TECHNOLOGY)

该校为公立大学，1944年建校，位于纽约市中心。长年来该校与企业保持着良好的合作关系，因此学院在注重学生的创造力的同时，紧紧的把握商机，学生的能力在此得到充分的利用和开发。如今的FIT已经拥有正式学生11000人，开设了30个不同的专业，如服装设计、形象包装、电脑、市场营销、广告、商品营销等等。学校的教学风格独特，师资力量雄厚，培养出人才无数，他们现都活跃在巴黎的时尚尖端。

申请要求：

该校开设的服装设计专业有学士学位和硕士学位授予权。申请服装设计硕士必须提供GRE成绩(要求提供GRE成绩对申请艺术类专业的学生比较不利，因为在国内这些艺术系学生的本科课程设置里，是极少开设数学课程的，而GRE考试满分1600分其中有800分是数学部分，所以能考出GRE高分对艺术系学生不容易)，语言成绩要求IBT 80/IELTS 6.5。

3.帕森设计学院(PARSONS SCHOOL OF DESIGN)

该校共有1700多位学生，33位全职教师，为全美最大的艺术与设计学校之一。除纽约市的校区外，还设有巴黎分校，以及多美尼加、日本、马来西亚和南韩也有相关的姐妹校，是一个国际化的学校。Gucci 现任首席设计师Tom Ford，Donna Karan、山本耀司，为Louis Vuitton 打响服装设计名号的 Marc Jacobs，以及名摄影师Steve Meisel，都是由该校毕业的。

申请要求：该学校的服装设计专业既有学士学位，又有硕士学位。硕士学位称为MA of Fashion Design and Society,语言要求IBT92分以上，是否接受雅思还有待和校方确认，但是官网上只标注了托福成绩的最低标准，学校建议学生提供GRE成绩，所以能提供GRE成绩的学生在申请上肯定更具有优势。

4.加州艺术学院(CALIFORNIA INSTITUTE OF THE ARTS)

简称Cal Arts，成立于1961年，由一所艺术学院及音乐学院合并而成。原本是由迪斯尼集团投资兴建的非赢利性高等艺术学院，是目前美国最前卫的纯艺术学院之一。它一共包括6所学院：艺术、评论、舞蹈、电影与录影、音乐、戏剧，是美国高等艺术学院中拥有评论系的极少数院校之一。这个学校的服装设计只有学士学位。

5.芝加哥艺术学院(THE SCHOOL OF THE ART INSTITUTE OF CHICAGO)

私立学校，1866年成立，是美国声望最高的艺术学院之一。校风自由，学生并不被要求限定主修什么科目。学院专业包括：设计与实用美术、影视与摄影艺术、美术与艺术研究、室内建筑、音乐、视觉艺术与表演艺术等专业。其研究所提供下列主修课程：艺术与科技、陶艺、纤维与金属研究、艺术品修复、科技与社会、师范教育、特定理论与职业培训、影片制作、室内建筑、绘画、表演、摄影、版画、雕塑、录影、视觉传达、写作、艺术教育、艺术管理等。可授予美术学士、室内建筑学士和美术硕士、文学硕士学位。

申请要求：该校的服装设计专业既能发放学士学位，也能发放硕士学位，但是语言要求较高，最低标准IBT100/IELTS7.0，该校也是建议申请者提供GRE成绩，学费也比较高，一年学费将近4万美金。

6.旧金山艺术大学(ACADEMY OF ART UNIVERSITY)

该校成立于1929年，办学宗旨是为具有理想抱负的艺术家和设计师提供严格的专业训练。目前设有广告设计、动画及视觉效果、建筑、电脑艺术、时装设计、美术、平面设计、插图、工业设计、室内设计、电影电视艺术和摄影艺术等12个专业系科，其中以动画和平面设计最为出名。

申请要求：该校的服装设计专业既能发放学士学位，又能发放硕士学位，本硕都可以发双录取，而且本科阶段还能够转学分，虽然学校不给转学分报告，但是可以应公司要求，写一封助签信，在签证的时候证明学生是一个转学生现已有成功案例)。

7.萨凡纳艺术与设计学院(SAVANNAH COLLEGE OF ART AND DESIGN)

该校为私立学校，简称SCAD，1978年成立。设有建筑史、建筑学、艺术史、电脑艺术、时装设计、纤维设计、家具设计、平面设计金属与珠宝、绘图、历史维护、插图、室内设计、媒体与表演艺术、摄影、产品设计、戏剧美工、影片/电影制作等专业。可授予建筑学士、美术学士、建筑硕士、文学硕士和美术硕士等学位。

法国高级时装面料设计全记录 篇6

Text/Zeng/Yurong Editor/Perlin.Soung photo/Wu ying ji Art Design/Nomi

我们知道，这些漂亮的高级时装除了色彩搭配夺人眼求之外，点睛之笔大多是落在大量的手工创意设计面料上。在巴黎许多大品牌、大公司的背后都有无数的面料设计工作室为他们的高级时装提供局部的纯手工的创意设计面料。没有这些精彩的、点睛之笔的创意面料，高级时装也许就没这么出彩了(图3)。

那么，这些高级时装面料设计工作室是如何设计、制作出如此精彩的面料的呢?法国高级时装的面料设计方法是怎样的呢?“窥一斑知全貌”下面让我们顺着案例“城市的雨”的设计思路来领略法国高级时装的面料设计方法。

法国的高级时装面料设计是以“主题”研究的形式来展开的，通过对“主题”背景的层层分析来营造“主题”的意境，从而获得主题的色彩设计、提炼关键词和面料创意设计等内容，而“主题色彩研究”是主题研究的前提。

案例：主题——城市的雨

主题“城市的雨”是一位留学法国多年的面料设计专业的中国学生为法国某高级时装品牌秀所做的面料设计的主题。整个主题以色彩为主线，分三个部分进行研究。

第一部分：雨前——灰色

“雨前”的主题色彩研究：

“雨前”色彩背景分析：雨前的天空光线昏暗，色彩偏灰，所有色彩都失去了原有的亮度和艳度，变得灰暗。有时，闪电带来的一点亮色会打破灰黑色调的压抑感。雨前满天漂移的乌云越聚越密，既有重量感又有蓬松感。确定“雨前”色调：灰黑色系被确定为“雨前”的色彩主调。浅冷灰色、紫灰色、蓝灰色、绿灰色、亮暖灰色、发光的银灰色、深灰色、黑灰色、黑色等均是“雨前”色调里的色彩(图7)。

“雨前”面料、造型、工艺研究：“雨前”背景分析：蓬松又厚重的乌云，一团团，一片片，轻盈的漂移着，越聚越多，体现了厚度与轻度的对比。

提炼关键词：一团团，一片片，聚集，流动，厚重，轻飘，曲线，层次感

“雨前”作品分析：

戋灰色的羊毛线，流云般的穿梭在毛茸茸的蓬松的“乌云”间，自然型的曲线组合手法，表达着乌云的大自然感觉。暖灰色的带光泽感的薄纱上绣着毛茸茸的立体感很强的人造毛，犹如雨前昏暗天空中漂浮的朵朵乌云。深灰色带光泽感的尼龙线绣饰，好似透过乌云的闪电，精致的手工工艺秀出高级时装品牌的高贵品质。

手工编织的凌乱线型结构灵感来自于被大风吹散的丝丝乌云飘散在天空。由浅灰到深灰变化的清爽灰色调色彩设计，金色超细丝线穿插其中，在浓密的团块“乌云“与飘散的丝丝”乌云”中一闪一闪的，犹如穿透乌云的一道道闪电。

深灰色调中透出的带光感的米黄色是用另一种语言表达从层层乌云中透出的圈圈亮光。深灰色的粗糙呢料，抽褶手法形成的曲线和流畅弧线外形遥相呼应，面料的层层叠叠营造出来的层次感，都很好的表达了关键词：流动，厚重，曲线，层次感。

灵感源于雨前被大风赶到一起的团团乌云相挤的景象。不同灰度、色相的毛糙线团相挤在一起，营造出雨前的天空色彩及雨前满天漂移的乌云越聚越密的意境。蓬松的线团堆出了雨前乌云的厚重感，密密麻麻的丝线手工刺绣，绣出了朵朵乌云单薄的影子。立体与平面，厚重与轻薄，毛糙与细腻的对比，和谐舒适的色彩组合，展现出法国服饰设计研究思路的魅力。

第二部分：下雨——兰灰色调

“下雨”的主题色彩研究

“下雨”色彩背景分析：灰蒙蒙的天空下，雨是凉凉的、冷冷的、透明的：有时它无色，而有时它有色。

确定“下雨”色调：暖灰色调兰灰色、透明白、银灰色、浅灰色、绿灰色、银色、黑灰色、深灰色等(图16)。

“下雨”面料、造型、工艺研究：

“下雨”背景分析：

雨，有时是密密麻麻的毛毛细雨、有时是稀稀疏疏的粗雨点、有时是倾盆大雨、有时却是温柔小雨……细雨就像雨帘，倾盆大雨就像从天上泼下的一盆盆水。

下雨会改变人的视觉，会让我们的视觉变得模糊，不清晰。雨也会让物体的型变得不完整；雨会让物体原有的色彩变得发灰或更明亮；雨会在地面上、墙上、玻璃窗上留下痕迹。

浅谈超现实主义对时装设计的影响 篇7

关键词：超现实主义,时装,影响

一、超现实主义简述

超现实主义之父安德烈·布勒东曾这样阐述:“超现实主义, 名词。纯粹的精神的自动主义, 企图运用这种自动主义, 以口语或文字或其他的任何方式去表达真正的思想过程。它是思想的笔录, 不受理性的任何控制, 不依赖于任何美学或道德的偏见。”超现实主义是以所谓“超现实”“超理智”的梦境、幻觉等作为艺术创作的源泉, 最真实地显示客观事实的真面目。超现实主义主张放弃逻辑、有序的经验记忆为基础的现实形象, 而呈现人的深层心理中的形象世界, 尝试将现实观念与本能、潜意识与梦的经验相融合。

二、超现实主义与时装设计

(一) 超现实主义作品与时装的对话

当超现实主义与时装完美邂逅, 所产生出来的奇妙世界令来自各大时尚之都的一大批一流设计师都追随旗下, 乐此不疲地加入超现实主义设计队伍。

在每季的时装发布中上演最多的就是超现实主义画家马格利特的作品, 像是在Commes des Garçons, Viktor&Rolf和Maison Martin Margiela的成衣发布中都可见一斑。无论是马格利特画作中经典的高毡礼帽形象, 还是迷幻错位的视觉效果, 都被设计师们巧妙的融入到设计中。马格利特常给予平常实物新的寓意, 将不相关联的事物扭曲组合在一起, 用他那摆脱理性的控制和审美上道德的偏见所营造的超现实主义梦境, 去启迪着设计师解放思想, 释放无限的想象力。

Maison Martin Margiela 2009年春夏系列的灵感就是来自马格利特著名的代表作《The Lovers》, 画作中接吻的男女被纱布遮档住了脸, Martin Margiela就用肉色纱布包裹住模特们的头, 这一做法也被日后很多设计师拿来借鉴。2011春夏伦敦时装周上, Mary Katrantzou那立体感极强的建筑风景图腾印花与马格利特在1935年绘制《The Human Condition》如出一辙, 超现实主义更进一步的影响到的时装的材料设计。而Commes des Garçons在2009秋冬系列中将《The Red Model》中的那双脚趾模样的鞋变为现实。

时装作为一种新兴的时髦艺术, 以通俗性和图解式的特征, 寓意丰富、内涵深刻的特质, 很自然地被视作适宜超现实主义的实验场所。无论是在设计所呈现的意象、表现方式、材料、产品的宣传上, 超现实主义都被时装设计师们大量采用。如同超现实主义绘画一样, 在风格上体现出新奇、俏皮甚至怪诞, 富有联想性和强烈的游戏意味, 设计不循规蹈矩, 令人惊奇。

(二) 夏帕瑞丽——时装界中成功的超现实主义者

艾尔莎·夏帕瑞丽可谓是最早超现实主义风格时装的践行者, 她创造了一个时装设计的全新领域, 为后来的设计师提供了经典的范本。出生于意大利贵族家庭的夏帕瑞丽从小就对艺术有浓厚兴趣, 特别是超现实主义, 她将意大利人的热情与超现实主义的趣味相结合, 创造出一件件前卫新奇的作品。

夏帕瑞丽用一种游戏哲学演绎着自己的超现实主义梦想, 超现实主义大师达利的身影都折射在其作品之中。1937年她与达利跨界合作完成了一条龙虾裙, 将高跟鞋倒立起来设计成为一顶帽子, 还有那件令她名声大噪的粉红, 粉红色丝质外套上铺满了华丽的图案, 还点着如艺术品般精致的纽扣。她以面料当画布, 任意挥洒她的想象力, 一件灰色西装式外套上绣着一张女人的脸, 长长金发顺着袖子流泻下来, 如随笔画作一样自然。她是第一个将拉链用到时装上、第一个把化纤织物带入高级时装的设计师, 她还把晚礼服从约定俗成的长度缩短, 都些都引起了时装界轰动。

夏帕瑞丽的设计打破了传统的认知模式、艺术与时装的隔墙, 她标榜的是一种艺术化的时装设计理念, 她是超现实主义时装的先驱并开启了时装与艺术相结合的新纪元。

三、超现实主义时装的流行演变

随着人类社会的不断进步与发展, 出现了丰富多彩的文化艺术风格, 而诞生于20世纪初的超现实主义艺术思潮, 也随着时间的增加更显其独特魅力。在经历了30年代的兴盛、40年代的战乱、50年代的恢复和60年代的动荡之后, 70年代的朋克在服装上也流露出超现实主义的痕迹, 各类原本不相干的材质、物件和图像被用于服装和装饰。

在30年代夏帕瑞丽的超现实主义时装大获成功之后, 在80年代, 超现实主义风潮再次席卷而来。时装大师伊夫圣洛朗通过对视觉的玩味技巧设计出了带有预示性和幻觉色彩的图案用于服装中;而娴熟的运用超现实主义手法的三宅一生, 通过将日本传统文化融于西方现代精神征服了巴黎时装界。

到了90年代, 超现实主义构思方法更加多样化。设计鬼才约翰·加里阿诺那充满戏剧张力的设计手法, 演绎出了一场场精美绝伦的梦境, 包括正反面颠倒的外套, “泪滴”形的腰带装饰, 以及服装上的手型图案, 无不令人惊叹叫绝。

步入了21世纪, 超现实主义风格在时装设计中达到了高潮阶段。Dolce&Gabbana在2009年秋冬的整个系列中向夏帕瑞丽致敬。用手套做成的发饰和领结, 玛丽莲·梦露的画像被印在了服装上, 还有夸张的羊腿袖和钟型裙, 将超现实主义表现得淋漓尽致。

荷兰的二人组Viktor&Rolf可以说是新世纪时装界中的超现实主义者, 他们每一场时装发布都会有一个主题, 诸如“红舞鞋”“蓝屏”“魅力工厂”、“黑洞”等。2005年秋冬的“枕边故事”系列就恰如其名, 模特们穿上了蚕丝被一样的长袍, 头靠枕头如同梦游般地走上伸展台, 就像是一幅幅移动的超现实主义绘画。2011年春夏系列, 他们将立体雕塑感设计推向新境界, 层层堆叠的纱裙被如同奶酪般的切割和掏空, 这充分利用了马格利特绘画的错位视觉效果。

通过对超现实主义的分析与研究, 发现它很有利于拓开我们的的创作思路。就像超现实主义所表现的梦境一样, 我们可以冲破现实去大胆的想象, 把毫关联的事物联想起来, 把矛盾的或者虚幻的东西与现实结合起来。时代在发展, 社会也越来越强调人的个性与创新能力, 而时尚又是勇往直前的, 更加需要创新精神。超现实主义对于发挥人的创造性思维、推动时装乃至整个时尚产业的发展与革新都起着不可磨灭的作用。

参考文献

时装设计师品牌国际化发展研究 篇8

1 时装设计师品牌与品牌国际化的内涵

1.1 时装设计师品牌的内涵

时装设计师品牌是指由设计师设计的带有极强个人元素的时装品牌, 它以设计师强烈的风格为主导, 坚持发掘品牌的更多文化特征和形式, 着重突出设计师独特的设计理念和设计风格, 并在国际市场上知名度较高, 产品辐射全球的时装品牌。如Marc Jacobs, Tom Ford, CD, GUCCI, Vera Wang, CK, Alexander McQueen等。时装设计师品牌主要有三类:一是直接以设计师名字命名的时装品牌。目前国内此类品牌有:薄涛的“薄涛”高级定制, 叶青的“叶青”等。国外的品牌主要有:Marc Jacobs、Anna Sui等。二是另起一个名字作为品牌核心。目前国内此类品牌有:马可的“例外”, 姚峰的“洁”, 谢峰的“吉芬”。国外的品牌有MIUMIU等。这类品牌的特点相比于以设计师名字命名的品牌, 更加突出了设计师在某一方面的生活态度。三是由设计师主导的品牌。目前国内此类品牌有:卡宾、滕氏等。国外的品牌有DKNY等。这类品牌一般依附于一个比较成熟且知名的品牌。

1.2 时装品牌国际化的内涵

品牌国际化是指企业在进行跨国生产经营的活动中推出国际化的品牌, 并占领世界市场的过程。即企业在全球性的营销活动中, 树立自己的品牌形象, 确定自己的市场定位, 使其在国际上有较大影响力, 并且逐渐成为国际品牌, 达到全球化的过程。时装品牌国际化就是将有独特理念, 设计风格和文化特色的时装以一个或多个品牌的形式进入不同的国家, 在全世界范围内得到广泛的认可, 树立了该品牌的定位形象, 拥有一定市场份额, 从而在世界范围内建立消费者对品牌的忠诚和信赖, 最终实现服装品牌价值的提升, 从而带动服装产业链升级和产品附加值提升的品牌输出的过程。

2 时装设计师品牌国际化发展的现状

2.1 已形成若干具有国际知名和鲜明特色的品牌

从1993到2003年, 是中国设计师职业形成和发展的阶段, 时装和成衣设计师的产业和社会认知度得到提高。这10年, 时装设计师已经有了一个明确的定位, 并获得了社会的认同。陈逸飞于1997年创立的中国第一个获得商业成功的设计师品牌“Layefe”, 马可于1996年创立的“例外”、王一扬于2002年创立的ZucZug、谢锋于2000年创立的“吉芬”, 还有梁子的“天意”、杨紫明的“卡宾”、罗峥的“欧伯兰奴”和陈翔的“德诗”等等都是这一代中国设计师品牌的代表。2000年至2008年间, 大批设计师品牌和独立设计师逐渐兴起, 并在国际舞台崭露头角。2008年至今, 时装设计师品牌国际化深度逐步加强。中国时装设计师品牌经过多年的积淀和发展, 已经形成了若干具有一定国际知名度和鲜明特色的设计师品牌, 总体上来说主要有马可的“例外”、杨紫明的“卡宾”、姚峰的“洁”、谢锋的“吉芬”、薄涛的“薄涛”、滕家兴的“滕氏”、叶青的“叶青”、章晓慧的“章晓慧”、王一扬的“素然”、王慧的“一嘉”和胡蓉的“德诗”。其中, 薄涛的“薄涛”只有高级服装定做部分能够真正称其为“设计师品牌”, 章晓慧的“章晓慧”由于设计风格和品牌形象还只是偏居西北一隅, 只能称其为“准设计师品牌”。

2.2 时装设计师品牌国际化发展取得了初步成效

近年来, 随着中国服装出口大国地位的稳固增强, 部分国内时装设计师品牌纷纷采取不同形式的品牌国际化, 并取得了初步成效。国外的时装设计师品牌积淀深厚, 中国时装设计师品牌还处在方兴未艾的阶段。中国设计师一直在为走向世界舞台展示中国原创品牌的服装做着孜孜不倦的努力。先后走向巴黎时装周的“吉芬”的谢锋和“例外”的马可是其中最具代表力的人物。巴黎、米兰、纽约、伦敦四大时装周上都留下中国时装设计师的足迹。2006年, 谢锋携“吉芬”跨上了巴黎时装周的T台, 让对时尚百般挑剔的巴黎人刮目相看;2007年, “例外”携品牌“无用”应邀参加巴黎2007年春夏高级时装发布会, 让中国设计师走进时尚界最权威的殿堂;2007年, 杨紫明携“卡宾”登上了纽约时装周的舞台, 让中国式的休闲征服了纽约时装界。2007年2月, 卡宾在纽约时装周举办专场发布会, 成为第一个登上纽约国际时装舞台的中国设计师品牌, 整个美国时尚界为之震撼。参与世界流行发布体系当然并不能代表品牌国际化之路的成功, 但是, 也意味着未来成功的起航。他们让国际时尚界看到了中国时装设计师品牌的全新发展前景。中国原创品牌虽然还显得稚嫩, 但是影响力日益增强, 并逐渐走入主流市场。

3 时装设计师品牌国际化发展中的问题

总体来说, 目前时装设计师品牌国际化的进程在加快, 但国际化程度依然很低。在国内, 设计师品牌由于起步晚、公众关注度比较低等原因, 国际化发展仍举步维艰。我国的时装设计师品牌面临着很高的要求和挑战。

3.1 时装设计师品牌的国际化发展模式比较单一

根据品牌价值的不同以及国别的差异而采取的国际化主要有四种典型的品牌运营的模式:第一个模式, 纯粹的全球品牌;第二个模式, 全球品牌和本地品牌的组合;第三个模式, 本地化的国际品牌;第四个模式是纯粹的国别品牌。入世前, 中国服装品牌国际化一般选择第一种方式。这一方式的国际化成本比较低, 可以利用中国低廉的劳动力来生产服装, 然后再将产品出口到劳动力价格高的发达国家, 赚取利润。但是随着入世后, 各种贸易保护的降低, 支持政策的出台, 劳动力价格的增长, 很多服装企业开始选择第二和第三种方式进行品牌的国际化之路。甚至有一些著名的跨国公司, 自己并没有生产能力, 而是将产品的生产转嫁给其他生产成本很低的外国公司。时装设计师品牌因为其产品带有强烈的设计师个人因素, 不以迎合市场或商业活动而改变。因此, 时装设计师品牌的国际化品牌运营模式比较单一, 基本上采用第一种纯粹的全球品牌模式。因为设计师品牌的服装就是在大量服装品牌中的一个特殊标识。他有别于其他品牌的服装, 有着自己与众不同的独特设计。这种特殊性和差异化决定了时装设计师品牌在品牌的价值取向、资产构成、识别元素和管理方法上, 都要求在不同的国别市场采用完全相同的设计风格和店铺装潢。

3.2 面临来自国际设计师品牌和自身成长局限的双重压力

纵观国外设计师品牌的发展历程, “作坊式生产”与极具个性化的“服装订制”都是设计师品牌的典型运作模式。“作坊式生产”的“少数化、精英化”的生产理念成为“设计师品牌”运作的精髓。而“服装订制”更为设计师品牌培养了忠实而稳定的客户群体。而国内设计师品牌的运作必须在“少数化”与“个性化”上有所作为才能为自身的发展带来更大的发展空间。国外“设计师品牌””成长始终贯彻“自上而下”的服装流行传播方式。而我国是在最近几年在“商业服装品牌”的规模化发展无法满足个性时代的着装需求而逐步出现的时装设计师品牌。中国的设计师品牌与国外设计师品牌的营销渠道完全不同。国外成熟的买手制能让特立独行、有风格的设计师品牌迅速脱颖而出, 根据买手所下的订单, 公司有明确的生产量, 免除了销售方面的后顾之忧, 设计和销售独立运作, 成熟的分工使设计师可以专注于作品的研发。中国百货业的代销制使得风险完全由品牌公司承担, 设计师品牌缺少更好的, 可以支持其成长的销售体系。中国时装设计师品牌面临来自国际设计师品牌和自身成长的双重压力。

3.3 面临品牌国际化发展与品牌本土化经营的双重困境

中国本土设计师要走向国际, 就要立足本土文化, 把握住民族文化的精神内核, 在作品中体现中华民族的文化特征。品牌是服装最大附加值的体现, 品牌又是靠服装文化和设计水平来支撑的。拥有悠久文化背景的中国时装设计师并不缺少文化的积淀, 他们欠缺的是不能将东方文化与西方时尚进行有机的结合。设计师要具创新精神, 将本土文化精髓与世界潮流完美结合。在国际时装文化的舞台上, 真正有价值的东西不是最新潮的, 而是最能代表其民族文化精髓的东西。中国时装设计师面临着品牌国际化发展与本土化经营的双重困境。

4 结语

设计与创新已经成为产业链中最能实现价值增值的关键环节。时装设计师越来越受到重视, 它代表了一个国家的时装艺术水平。中国要建立世界时装之都, 拥有时尚话语权, 推动一批世界知名的时装设计师的出现是必不可少的。中国设计师品牌要真正走向国际化更多的是要体现东方文化的深厚内涵。就目前我国时装设计师品牌来说, 其设计的文化创意要立足本土, 定位明确, 走差异化的道路, 超越时间和民族的界限, 再与市场结合, 才有可能将品牌成功国际化。中国时装设计师品牌国际化是一项系统工程, 需要品牌的综合实力与品牌战略来支撑, 本土化的经营是品牌国际化的成功之本。

参考文献

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[2]孙强, 常永胜.品牌国际化:概念、测量与模式选择[J].嘉应学院学报, 2007, 25.

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[4]谢锋.时尚之旅[M].北京:中国纺织出版社, 2007, 152.

[5]关辉, 谢颖.品牌国际化概念和内涵的界定及模式分析[J].黑龙江对外经贸, 2006, 10.

[6]张璞.中国服装设计师品牌离国际有多远[J].中国服饰, 2008, 09.

论刺绣工艺在时装设计中的应用 篇9

刺绣俗称绣花, 是用针穿引着绣线在布料、皮革等材料上进行刺绣的工作。刺绣作为我国的一项优秀的传统工艺, 在中国的历史中被广泛地应用到了服装以及各类生活用品之中, 对我国的装饰发展有着非常重要的贡献。刺绣工艺在我国已有4000多年的应用历史, 并随着时代的发展在我国的各地都取得了不同的进步。至明清时期, 我国的刺绣技艺逐渐在不同的地区得到了不一样的发展成就, 例如苏绣、湘绣、蜀绣以及粤绣这四大名绣的出现, 标志着我国的刺绣技艺以及刺绣行业的发展达到了一定水平的高度。

根据《尚书》记载, 刺绣早在我国的4000多年前在服装中即有运用, 在很早以前我国就有“衣画而裳绣”的记载。刺绣作为一种极具技巧性的装饰手法, 对于我国的服装发展历史也有着极其重要的意义。在我国的服装发展史上, 刺绣赋予了服装更高的价值以及审美水平。从民间日常的华丽服装到人们成亲时的喜服, 再到宫廷上官服上不同的“补子”, 都离不开刺绣工艺。

在我国的近现代, 19世纪中期发明了可以用于刺绣的机器, 这对于以往的刺绣工艺无疑是一项重大的改变。高效率、操作便捷的机器刺绣使得原本耗时过程长、极费人工地刺绣得到了新的发展。这种发展让刺绣能够更方便地应用于现代化的成衣批量化生产的现状。当代的刺绣在保留传统的刺绣方法以及图案的同时也被广泛地应用于各类的时装设计当中。传统的刺绣方法以及刺绣工艺蕴含着我国上千年的优秀传统, 它向人们展示着中国人独有的审美情趣以及高超的手工技艺, 将刺绣工艺继续运用于当代的时装设计中, 无论是对继承我国优良的传统还是将中国的优秀文化情结传扬广大, 都是有着十分重要的价值。

2 我国当代刺绣工艺发展过程中出现的问题

2.1 现代化技术对于传统刺绣工艺的冲击

我国作为一个历史悠久的文明古国, 所拥有的优秀传统技艺不胜枚举。在历史的发展过程中, 我国的刺绣工艺同其他传统工艺一样已经形成了一套自我的体系。但是, 随着世界范围内的科技大进步大发展, 由此所形成的新的技术生产体系对于传统的手工生产模式势必产生一定的冲击, 刺绣也是如此。随着各类服装设计装饰方法的不断进步, 更多新型的装饰设计手法逐渐取代了传统刺绣的装饰作用。

在当代社会, 随着人们的生活方式日益转变, 人们的生活节奏越来越快。当代女性主体大多有着自己独立的工作且要兼顾家庭, 因此若是像以往一样做到需要极其精到细致、极费时间与功力的“女红”显然是不太现实的, 因此在城市中刺绣的应用范围也就越来越小。当前只有在一些少数民族地区以及农村地区依然保留着传统的手工刺绣的习惯。时至今日, 随着城市化程度的不断加深以及现代化的生活方式已经融合到了我国的绝大部分地区, 因此追寻新鲜、追求现代已经成为了大多数人的首要生活选择, 而一些类似于刺绣的璀璨传统工艺也面临着巨大的挑战。

刺绣同很多我国璀璨的传统工艺一样, 它体现了我国的文化底蕴与手工艺的精髓。即使是在政治、经济高速发展的今天, 在这样一个文化多元化发展的时代中, 刺绣依旧以其精致、细腻的绚丽美感而有着其独到的特色。随着人们思想水平的提高, 对于各种历史遗留下的珍贵遗产的重视程度也在不断提高, 继承并发展优秀的传统文化也可以在全球文化的交流中展现出独有的光辉, 因此如何保护我国的传统刺绣事业, 如何继承发展我国的传统技艺使得民族文化产业能够在保有的前提下得到更好的发展, 这是非常值得我们深思的问题。

2.2 刺绣工艺应用的断层问题

在我国的现代生活中, 传统的刺绣方式在现代人家的年轻人中已经并不多见, 这种耗时长的工艺仅仅只在一些农村地区以及一些少数民族的地方得到小范围内的发展, 街头巷尾也依稀能够见到老人拿出售卖的精致虎头鞋、小香包等商品。这种方式虽然也是刺绣技艺的传承, 但却无法得到广大的受众群体认同。

其实, 我国的传统刺绣工艺在时装设计中的应用依然有着其非常重要的位置。随着民族产业的不断发展, 服装设计中的“中国风”也是越加浓烈, 一些高档的礼服设计正是由于追求极致的精美而采用人工刺绣这种传统装饰手法。例如曾经在戛纳电影节上大受好评的由范冰冰所展示的“龙袍”, 图1所示, 这就是刺绣工艺在细致高档的时装设计中应用得很好例子。

如此看来, 刺绣工艺在部分传统用品以及一些高档的时装设计中还是有其一席之地的, 但是在最广大的普通民众范围内应用却不广。没有广大的受众, 就自然无法得到有效的传播与发扬。

3 刺绣工艺在当代时装设计中的创新应用

在当今社会, 随着人们思想水平的不断提高, 保护人类历史上的优秀文化技艺已经越来越被人们所重视。在这种思想的引导下, 人们对于刺绣的认识程度也越来越高, 因此传统的刺绣工艺也得到了复苏的希望。传统的刺绣工艺在实际操作上还存在着一些不适应当今时代发展的地方, 因此要实现刺绣工艺在当代的时装设计中能够得到更好的应用, 就更应当注重其创新性。

3.1 创新刺绣图案

在传统的刺绣中, 刺绣图案是刺绣在服装设计中的中心之所在, 当传统的刺绣图案运用于刺绣当中时, 可以清晰地感受到其生命力之所在。但是在当代的时装设计中, 传统的刺绣图案与现代服装的舒适、简约等原则不相符合, 而且传统的图案数量有限, 无法满足众多服装设计的需求。因此, 对于当代刺绣在时装设计中的运用而言, 对传统的刺绣图案进行创新是极其必要的。

在当代的刺绣中, 刺绣图案要符合当代人的审美特点, 在注重刺绣本身图案美感的同时, 也要考虑到不同的图案在时装设计中的应用效果。在保有传统刺绣精髓的同时, 打破传统图案的固定模式。在塑造新的刺绣图案的时候, 要根据穿着人的体型来塑造更加能够体现人体美感的图案, 如图2所示, 这款迪奥的女士礼服, 通过合适的图案以及刺绣部位来对女性的身体特点做出极好的突出。

3.2 新材料在刺绣中的运用

可供人们选择的服装材质越来越多, 但传统可应用于刺绣的绣线以及布料有着很多的限制, 传统的刺绣都是使用彩色的绣线于丝绸、棉布这类材质的布料上进行刺绣。若想让传统的刺绣工艺能够更好地运用于各类时装设计之中, 就必须对刺绣的材质进行相对的创新。将新型的材料运用于现代的刺绣之中, 根据服装的类型以及穿着的人群, 将刺绣发挥出更好的装饰性, 使得原本单一的刺绣形式能够拥有更加富于变化的装饰美感。

在一些外国的时尚设计中, 将新的刺绣材料运用于时装的设计中还是很常见的, 如Temperley London的礼服, 图3所示, 将新型的珠绣工艺与透视结合, 营造出女性独有的华丽性感之美。

3.3 转换现代化的生产方式

随着各种绣花机器以及电脑刺绣等设备的越加先进, 越来越多的时装设计采用现代化的生产方式。同样, 刺绣工艺也可以使用先进的设备进行操作。相对于人工刺绣的方式而言, 高科技的刺绣工艺以其高效率、精工艺以及多种的花型图案而异军突起。随着时代的发展, 传统低效率的刺绣方式已经无法适应人们对于时装的需求, 因此使用现代化的刺绣方式势在必行。

将刺绣的重点转变为使用新兴的刺绣设备, 可以极大地节省人工与时间成本, 同时也可以大大地提高生产效率, 使刺绣工艺能够更加普及地应用于中端的服装设计与生产之中。

4 结语

刺绣自古以来就是服装设计与装饰的重要工艺。作为当代的服装设计者们, 更应在继承传统刺绣工艺的同时尽可能地为其注入新鲜的血液, 使富有独特美感的刺绣技艺发扬光大, 在当代的时装设计中展现出更加奇异的魅力。

摘要：通过对中国传统刺绣工艺的技法以及运用研究, 阐释刺绣工艺在现代时装运用的的意义。在了解当前传统的刺绣工艺的应用现状之后, 指出对当代刺绣技艺重视不足以及刺绣内容不够有新意等问题, 同时针对这些问题提出了创新刺绣内容图案、开发使用新的刺绣技术等解决办法。通过将刺绣传统的精髓与现代化的应用方法相结合, 对未来刺绣工艺在时装设计中的应用做出展望。

关键词：刺绣,时装设计,应用

参考文献

[1]李友友, 张静娟.刺绣之旅[M].北京:中国旅游出版社, 2007.

[2]张怡庄, 蓝素明.纤维艺术[M].北京:清华大学出版社, 2006.54-60.

[3]仉坤.略论中国刺绣服饰及其艺术特点[J].天津纺织工学院学报, 2000, 19 (5) :28.

时装设计 篇10

一教学目标

知识目标:掌握时装纸样设计的方法, 运用纸样设计方法设计两款女装的纸样。

能力目标:培养学生服装纸样设计能力。培养学生主动学习行为, 提高学生发现、分析和解决问题的能力, 掌握服装纸样设计的方法。提高学生组织、交往与合作的能力。

情感目标:培养学生团结合作及互帮互助精神, 促进学生之间相互交流。

二教学对象分析

教学对象是2011级服装设计与工艺专业的学生, 目前, 学生已掌握了基本款式服装的结构设计, 能熟练进行服装原型的绘制, 并利用女装前胸省的转移原理进行简单的服装造型设计, 学生对服装结构设计课程很感兴趣, 并热爱本专业技能技术的学习。

三教材分析

教材详细介绍了服装各部位结构设计知识及整体服装结构设计方法, 但没有实践操作内容, 理论性太强, 有些内容对中职学生来说较难。

重点:学习时装纸样设计步骤和方法, 综合运用所学知识解决实际问题, 培养学生设计时装纸样解决实际项目的能力。

难点:对款式的细部结构分析、设计、变形基本样板;协调小组成员合作完成整个项目的能力;把所学知识与实际项目联系起来分析问题的能力。

四教学理念与教学方式

教学是师生之间、生生之间交往互动与共同发展的过程。服装专业课教学要紧密联系学生的生活实际, 采用项目教学法学习, 教师可以利用多媒体的优势, 成为知识的传播者、问题情境的创设者、尝试点拨的引导者、知识反馈的调整者。学生是学习的主人, 在教师的帮助下, 在小组合作交流中利用动手操作探索发现新知、自主学习。

五教学准备

容纳35人的多媒体教室, 每人准备一女装原型纸样板和制板工具。

〖教学过程〗

一导入新课, 引出项目

通过情景模拟, 引出项目, 让学生明确解决的问题。

具体作法:教师播放多媒体课件, 学生观赏服装款式, 分析款式特点, 思考讨论结构造型。

项目:某服装企业欲生产两款时尚夏季上衣, 现布置技术部门制作这两款服装的纸样。要求选用号型为160/84A。

二项目分析

本项目一般由服装企业技术部门来完成, 这两款服装纸样是在上衣原型基础上通过款式变化得来的, 要求学生利用所学的服装结构设计知识, 在教师的帮助下, 通过学生互相交流与探索, 寻找解决问题的方法, 即这两款服装纸样设计的方法, 并完成两款服装的纸样制作。

相关知识:教师播放多媒体课件, 让学生回想女装原型制板原理, 胸省的转移变化原理。胸省的转移原理是指导服装各种省缝变化及其应用的基础理论, 是服装纸样设计中运用的主要原理, 胸省转移方法有转动法、剪叠法、调整法。复习归纳这些相关知识, 使学生明确解决问题的思路。

三项目实施

1. 款式一的纸样制作 (剪叠法)

分析研究: (1) 款式特点。前片中心线处有横向分割线, 分割线下有细褶, 通过分析款式特点, 引导学生把学习的重点知识集中在以下两个问题上, 问题一:如何进行分割线设计;问题二:褶是怎样来的。 (2) 从原型入手, 认真观察款式中横向分割线的位置, 并本着分割线位置能体现款式优雅大方的原则, 合理确定分割线位置。横向分割线的长度是两胸高点的距离。 (3) 观察款式图, 基础省腰省转移至前中心线, 利用纸样剪开放出再折叠方法, 并在省位置设置细褶, 形成代表新涵义的结构图形 (见图3) 。

动手操作:全体学生参与动手操作, 小组成员之间互相交流、探讨制作纸样, 每个学生体验成功的乐趣, 同时培养技术能手, 在完成任务的过程中学习纸样制作的方法。

学生分组操作:将学生分成6个组, 每组5名学生, 每组模拟一家服装厂, 制作样板。

角色扮演:小组:技术部;小组组长:技术科长;小组成员:技术科员;教师:技术总监。

2. 款式二的纸样制作 (复合法)

分析研究: (1) 款式特点。前片胸部有横向分割线, 并设有细褶。 (2) 与款式相比, 此样板在省转移基础上对纸样进行了进一步的展开放出, 得到新的样板 (见图4) 。

动手操作:款式二是利用复合法进行纸样设计的典型实例, 所以要运用展放法和剪叠法同时使用, 较复杂, 有难度。

学生要分组操作, 增加小组成员人数。将学生分成4个组, 每组6名学生, 每组模拟一家服装厂, 制作样板。角色扮演同上, 在动手操作过程中, 教师应鼓励和引导学生以组长为核心攻克难题, 并根据课堂情况决定是否给予提示, 并和学生一起总结出最佳的解决问题方案。操作过程中, 教师对学生讨论过程中出现的问题进行点拨。

通过以上两款服装纸样制作过程, 对服装纸样制作步骤总结如下: (1) 先做出基本原型图, 然后在原型图上赋予款式的意义。 (2) 利用纸样设计方法对细部结构进行分析、设计、变形, 使之成为新结构的分解或展开形式。 (3) 对裁片及部位分解、展开的图进行整理。

四项目评价

每个项目结束之后, 各组的技术科长向全班介绍本组设计制作的纸样, 在介绍过程中要求说明制作纸样的思路, 遇到过什么问题, 学生互相评价。这样可以使学生在评价中学会自我认识, 学会欣赏他人, 使评价成为学生主动发展的动力。教师对学生的评价不能以“对”或“错”论成败, 更应注重对学生的情感态度。培养学生的语言表达、现场应变、逻辑思维等多方面的能力。

特别是通过款式二的纸样设计, 使学生明白纸样设计的复杂性。在项目评价过程中, 通过优秀作品的展示, 让学生看到评选出的“最优”作品, 给学生以美的欣赏和智慧的碰撞, 这样使评价活动很好地激发学生的学习积极性, 促使学生多方面思考问题, 培养学生的创新精神。

五后记

时装纸样设计是服装结构设计课中较难的内容, 也是结构设计课的重点, 学生不但要学会基本款式服装的结构设计, 还要学习变化款式服装的结构设计图, 在本节课中, 款式一的纸样制作做得很好, 款式二的纸样制作过程中, 复合法运用不理想, 教师可强调制板知识点, 以达到课程目的。

〖教学反思〗

中国时装设计新人奖初评揭晓 篇11

本届“新人奖”由中国服装设计师协会与九牧王股份有限公司共同主办，主题为天裁·梦想，组委会共收到来自全国72所服装专业院校的625位优秀毕业生和研究生的参评作品。

与往届相比，本届“新人奖”最大的变化是参评学生需要分别提交男女装流行趋势提案。对此，“新人奖”评委之一，十佳时装设计师、九牧王股份有限公司设计总监赵玉峰表示，男女装在工艺制作及面料的选择上是有区别的，如果将男女装混杂在一起进行设计，作品很难呈现理想效果。

评委们明显感觉到参评学生对面料的把控能力的提升，尤其是男装设计稿整体水平较高。另外，学生的设计稿更加注重整体结构的设计以及面料和元素的应用，尤其是在材料肌理上的变化有了更多的可操作性。

“九牧王杯”第20届中国时装设计新人奖终评将于今年5月在北京举行的中国国际大学生时装周颁奖典礼上推出。终评环节包括立体裁剪以及作品实物表现的综合评比，最后确定新人奖获奖人选，届时将评选出新人奖、优秀奖、优秀指导教师奖以及中国时装设计育人奖。

时装设计 篇12

拉尔夫-劳伦 (Ralph Lauren) 在美国乃至全球时装界的地位, 有着公认的影响力。他注重全方位、整体地刻画美好生活, 崇尚潇洒自信的美式穿着方式, 品牌旗下的产品包罗万象。拉尔夫-劳伦专卖店的布置是最高格调美式生活的缩影, 处处可见他的独到私人品位, 店中的布置古典与现代感交融, 传统樱桃核木的轮廓、奶白色的松软躺椅沙发、用来当咖啡桌的Louis Vuitton第一代大皮箱, 此外, 店里也售卖世界各地淘得的古董表与书籍。

这位目前身价至少30亿美元的设计师, 拥有的房产就价值1.5亿美元, 1.6万英亩的Colorado庄园, Architecture Digest式的青石深宅大院、纽约曼哈顿上东城的复式顶层以及各地的度假别墅等。但是说起他, 我们不应该只联想到经典的Polo Ralph Lauren品牌, 因为他的汽车收藏库是每一个车迷心中向往的圣地。他拥有的极品汽车超过60辆, 从1938年布加迪Coupe到绝美车体的1930年奔驰黑王子Count Trossi SSK, 每一辆都是传奇, 所有的古董车总值逾1亿美元。

2005年3月6日至7月3日, 美国波士顿美术馆那场名为“速度、时尚与美 (Speed, Style, and Beauty) ”的车展吸引了无数慕名而来的参观者。16辆古典名车无不散逸着香艳的气息, 这些堪称世界上最漂亮的汽车, 均来自拉尔夫-劳伦的收藏, 其中, 也囊括了1950年产捷豹X K120Alloy Roadster、1955年产捷豹D-type。

2011年4月28日至8月28日17辆来自拉尔夫-劳伦Ralph Lauren收藏系列的经典名车将首次在欧洲巴黎装饰艺术博物馆 (Musée des Arts Décoratifs) 展出, 这些名车均由策展人Rodolphe Rapetti精挑细选, 年份由1 9 3 0年代至今, 并由Jean-Michel Wilmotte设计陈列, 讲述欧洲汽车历史的重要历程。R a l p h L a u r e n通过这次展览向汽车业的巨子们致敬, 颂扬他们一手创造的艺术品:布加迪 (Bugatti) 、阿尔法罗密欧 (Alfa R o m e o) 、宾利 (B e n t l e y) 、奔驰 (Mercedes-Benz) 、捷豹 (Jaguar) 和保时捷 (Porsche) , 当然还少不了系列中的重头戏法拉利 (Ferrari) 。

1 9 7 0年巴黎装饰艺术博物馆曾举办B o l i d e sD e s i g n展览, 展出多款赛车, 策展人极有来头, 包括设计师J o e Colombo、Roger Tallon和Pio Manzu, 及艺术家Jean-Paul Riopelle、Jean Tinguely和Victor Vasarely, 以及Robert Delpire和Francois Mathey。展览旨在展示汽车是一件设计品, 也是艺术品, 展示艺术与技术如何在各自的领域演绎人的创意及人与设计的关系。观众可从这个角度欣赏《汽车艺术—Ralph Lauren珍藏名车展览》。这次展览展出的珍藏汽车系列是Ralph Lauren花了数十载搜罗所得, 当中包括欧洲汽车历史上的闪烁瑰宝, 每一辆也是美丽的化身, 凭着对速度和性能的追求, 绽发慑人魅力。

展出系列囊括了汽车历史中最优雅独特及别具创意心思的型号, 如1930年宾利B l o w e r和1962年法拉利250 G T O, 声名显赫的1955年奔驰300S L及设计成令人一见难忘的鲨鱼鳍定风翼的捷豹D型, 曾于1955、1956和1957年在法国勒芒 (L e M a n s) 勇夺三连冠。除了赛车系列也有经典的豪华旅行车1938年布加迪57型Atlantic, 这款车只曾生产四辆, 它将赛车的卓越性能融入日常生活中, 再注入奢华设备, 带来惬意的驾驶体验。每辆名车均独特不凡, 是实至名归的艺术杰作, 荟萃突破技术与大胆的设计新意。

1938年Bugatti Type 57

1938年Bugatti Type 57可能是Bugatti系列中最棒的一种车型。Bugatti Type 57的动力是由一台直列8缸、3.3L、功率135马力的发动机提供的。加上Bugatti巧妙的设计, 经过生产制造, 机器加工, 组装, 就这样成就了Bugatti的经典之作。Bugatti可以说是最早出现的一种“超级跑车”。与其相比, 第一辆F e r r a r i是1946年生产的;波尔舍356是1947年问世, Lamborghini更是后生晚辈, 1966年才推出“Miura”, 较早些的“SS 100” (那时还不能称为Jaguar) 也要到1935年。

Type 57是Bugatti成为30年代主流车迈出的重要一步, 在五年困难的生产期间中大约制造了685辆。从Type 57标准车中衍生的各种不同版本车型的良好表现证明了Type 57车原有的高品质, 这其中包括了Type 57C, 短底盘的Type 57和Type57SC及Type 59赛车。

毫无疑问, T y p e 57的适应性与实用性不仅通过它的繁多和成功的运动改进型车来证明, 且可以提供众多的车身给于买家选择。有活动帆布车顶的双门小轿车, 而且引人注目又不失优雅, 有许多由Jean Bugatti亲自设计二门和四门轿车, 再加上有当时最好的车身制造商 (凡-沃伦就是当时最为有名的车身制造商之一, 生产的Bugatti车的底盘样式和质量特别著名。凡-沃伦的设计不显眼, 但是均衡得好并且尽可能按高标准建造) , 难怪Bugatti客户会对此着迷。Type 57是那个时候众多车当中最实用的的汽车, 但是Type 57最大的优点是典型法国式的壮丽, 续航力强, 可靠和舒适。30年代, Type 57自由地奔驰在不断被修建的高速公路上。它远胜过它的6缸竞争者们, 如Delage、Alfa Romeo、Rolls-Royce, 甚至包括笨重的Mercedes-Benz。

Type 57S是布加迪Type 57的运动版本, 搭载3.25L直列8缸引擎, 动力输出超过200马力。在30年代的意大利, 布加迪依靠Type 57S赢得了众多荣誉。

Type 57S Atalante, 更是Type 57车系在生产末期, 于1937年, 由T y p e 57S衍生推出的限量特别仕样车, 57S C Atalante限产17辆, 是以TYPE57为基础的增压车, 搭载一具可输出200h p最大马力的V8引擎, 此动力输出在当时可说是相当惊人。

宾利爬山虎B E N T L E Y B L O W E R 4, 5 L I T R ES U P E R C H A R G E D`B L O W E R`2 4 H L E M A N SBENJAFIELD/RAMPONI

1930年宾利爬山虎

这台超级“吹风机”在1926年宾利4.5升赛车的基础上, 增加机械增压器以榨取额外的45马力, 175马力的最大功率使之成为当时最强劲的赛车之一。它的机械增压器安装在发动机盖外, 因此造型十分独特。不过它的油耗大得令人咋舌, 每跑100公里要消耗102升汽油。加之一系列可靠性问题, 这款赛车从未在重要赛事中取胜。

1930年, 宾利生产出了B l o w e r车型, 这款只生产了仅50部的老式车, 其性能让人十分吃惊:四气门发动机、4.5升排量并可输出240匹马力, 最高时速达160公里, 要不是外形阻力太大, Blower完全可以跑得更快。当它驰骋在赛车场上时, 隆隆作响的发动机令旁人翘首盼望, 这让人对当时的英国造车技术刮目相看, 蒸汽车头般的设计似乎就能透出那个时代浓厚的工业气息。

宾利 (Bentley) 于1920年创建了自己的汽车公司, 开始设计制造他多年来梦寐以求的运动车。宾利运动车在1923-1929年期间的勒芒24小时汽车赛中大获成功, 但由于不善于经营, 1931年由罗尔斯-罗伊斯公司将宾利公司买下了。本特利作为劳斯莱斯的运动型轿车, 现在已达到约60%的产品份额。使这个已长时间枯萎的品牌起死回生的处方简单而灵验:宾利豪华轿车与劳斯莱斯车型的区别在于运动型车身版式, 偏紧的行驶结构调校和更大的功率。

兼并后的宾利公司也生产豪华轿车。“罗尔斯-罗伊斯”和“宾利”两个车名实际上似乎同一种车, 只不过根据不同的用户将两中车做得各有特色, 魅力不同而已。宾利轿车是为了满足富有的年轻人, 追求高速驾驶、寻求刺激的需要。

宾利轿车标志是以公司名的第一个字母“B”为主体, 生出一对翅膀, 似凌空翱翔的雄鹰, 此标志一直沿用至今, 过去曾用过一个展翅飞翔的“B”标志。

宾利轿车商标是一只展翅翱翔的雄鹰, 鹰的腹部有公司名称“B E N T I L E Y”的第一个大写英文字母“B”。“鹰”形商标, 喻示着宾利公司在全球范围内的无限发展能力。该公司主要生产运动车。1931年, 本特利公司被劳斯莱斯公司兼并, 但仍使用原来的名称和商标, 兼并后的宾利公司也生产豪华轿车。

“劳斯莱斯”和“宾利”实际根据不同的客户, 将两种车做得各有特色, 魅力不同而已。“劳斯莱斯”轿车代表着高质量及颇为讲究的工艺技术, 是达官显贵们的财富和地位的象征;而“宾利”轿车则是为了满足那些富有而事业有成的年轻人, 追求高速驾驶、寻求刺激的需要, 同时, 也会使这个阶层的人感到自己很有成就感。

1958年法拉利250 TESTA ROSSA

分采用手工制造, 因此具有极高的收藏价值。一台1961年250GTSWBCaliforniaSpider赛车的曾拍出1090万美元的价格, 一款1957法拉利250TR车型拍卖价格为1210万美元。

TestaRossa在意大利语中的含义为“红头”, 但这款经常创造记录的车型并非采用的红色车身。

250T R:1957年, 法拉利就已经设计出了250 T E S T A R O S S A。这种车子并没有采用当时一些最新的技术, 例如盘式制动器。这种车子采用3.0升的V12发动机, 可靠性不错。C M C选取的是250testa rossa中最有名的“pontoon fender”, 其前翼子板拥有美丽的弧线。这样的设计是为了让前轮巨大的鼓式制动器得到充分的冷却。

1958年250 Testa Rossa以平均时速170km/h在勒芒24小时赛称王。从1956至1961年总计诞生了34辆250T R, 是法拉利历史上仅次于250GTO的最有价值车型。

1962年推出的250 GTO

意指"符合赛车标准的公路版跑车", 也是汽车中的超级跑车。这让人不禁联想起两款堪称传奇的法拉利车型, 这两款车型早已成为卓越性能的象征。法拉利于1962年推出的250 GTO曾经横扫G T类比赛, 在60年代可谓叱咤一时, 时至今日, 该车已成为收藏家眼中的绝世珍品。

法拉利250 G T O型跑车是一款比赛用运动型车, 在20世纪60年代早期这种车只出厂了39辆。它赢得过众多国际性的赛事, 被誉为那个时代最为成功的赛车品牌之一。法拉利250G T O型跑车外形华丽, 性能卓越, 是全球顶级收藏家最渴望收藏的车型之一。

法拉利250 GTO是20世纪60年代最先进的跑车, 在鼎盛时期垄断了世界运动汽车的冠军, 它是法拉利250的变型车, 而250是法拉利历史上最重要的车型之一, 是第一种大批量生产的法拉利。生产时间一直从1952年持续到1964年, 在这期间, 法拉利250 G T O只生产了39辆。250 G T O至1964年停产, 也宣告250时代的结束。

从1952年开始至1964年, 三公升排气量的T y p e 125引擎统治了整个法拉利车厂的主要动力系统长达12年时间, 当中, 各250车型只有轴距的不同和调教上的区别, 共有250 GT Europa、250 GT Boano、250 GT Ellena、250 GT Coupe Pininfarina、250 GT Lusso、250 GT Berlinetta、250 GT Cabriolet、250 GT California Spyder、250 GTE/2+2等等, 型号也颇为繁复。从1963年起, 法拉利开始使用排气量为4.0升的Colombo V12引擎, 结合275的车架, 成为330系列车型。