钢琴基础教学计划

钢琴基础教学计划（共11篇）

钢琴基础教学计划 篇1

钢琴零基础教学

1、首先要学的当然就是认识五线谱了，可以在网上搜一些基础乐理知识来看一看，简单的了解一下，不要担心看不懂五线谱，稍微学一下就会的，刚开始识谱会慢一点，看多了慢慢就熟练了。

2、有了基本的理论知识后，接下来就是买钢琴了，品牌什么的请自行查阅资料。这里需要注意的是，千万不要因为便宜而去选择所谓“效果差不多”的电子琴电钢琴，这些琴会破坏弹奏的手型和音色，对后续学习有很大影响。既然下定决心要学了，就购买真正的钢琴嘛。

3、社会上大致有两种班，一种是传统学习班，另一种是速成班。不建议报速成班，速成班的曲谱属于傻瓜级别，一般只负责教你有限的几十首曲子，没有延续性，不过只想学会弹几首和比较忙的.朋友可以试一试。想认真学的还是报传统的比较好。

4、一切条件都具备了，接下来就该考虑学习了。建议报一个学习班，如果经济许可当然是一对一的小班最有效果，但如果想实惠一些，可以报一个几人一起学习的大班，一开始学习的内容都差不多，基本不需要老师单独教。

5、最重要的一点就是坚持。学钢琴最忌讳的就是三天打鱼两天晒网，就算是最优秀的钢琴家也不敢好几天不练习就随随便便演出。最好是每天都抽出一点时间进行练习巩固，重要的不是一天练习多久，而是能够持之以恒。

6、一开始老师布置的任务大多是比较枯燥的练习曲，不要着急，这是为你之后能弹好听的曲子打下手型、姿势、音色的坚实基础，只要认真学习大概不到一年的时间，基本功练习就算完成了。

注意事项：

有信心，有恒心，有耐心。

钢琴基础教学计划 篇2

一、规范严格的训练, 正确优美的音色

正确的钢琴弹奏方法经过了一个漫长的历史演变过程。从1 8世纪后半叶钢琴经过不断完善, 逐步取代了古钢琴以来, 先后经过巴洛克后期 (以巴赫等人为代表) 、古典时期 (以莫扎特、克列门蒂、贝多芬等人为代表) 、浪漫时期 (以肖邦、李斯特、车尔尼等人为代表) 、印象派时期 (以德彪西等人为代表) 直至近现代时期。钢琴的演奏、钢琴的作品已呈现一派辉煌。但是把钢琴弹奏与生理学、心理学、物理学等学科结合起来并进行科学的研究总结, 却是2 0世纪以后的事情。虽然从上个世纪至今钢琴音乐的流派众多, 弹奏上的主张也多种多样, 但得到绝大多数钢琴演奏家和教育家公认的科学的弹琴方法是:“弹琴不光靠手指, 而是要充分利用人类具有的全部生理上运动的可能性……弹奏时动作要协调, 避免一切多余的动作。要节约用力, 要充分发挥生理上的自然重量。在放松的前提下, 来进行积极的手指训练, 才能弹出好听的声音……” (周广仁《钢琴演奏基础训练》) 。

如何让学生从学琴之初就找到这种正确的弹琴的感觉和方法?我的做法是:通过入门阶段的断奏, 要求学生把手臂的重量通过坚实的手指放到钢琴键盘之上, 以获得通畅、饱满、圆润的声音, 即用正确的重量弹琴的方法。即使是幼儿, 其手臂的重量也足以使钢琴发出好的声音, 某一手指支撑手臂重量的紧张, 应换来其它手指的自然放松。紧张与放松的快速交替是钢琴演奏运动的基本原理, 没有“紧张”, 钢琴无以发声, 而没有放松, 则音色不能优美、演奏不能持久。因此初学者弹琴一定要用“重量”, 而不要用“力量”去弹琴, 断奏用手指支撑重量, 连奏则变成若干手指转移重量, 这种“重量转移”的方法可以有效防止“颠手腕”, 避免出现粗暴生硬的声音。

解决了钢琴演奏的基本方法之后, 要进一步加强基本功的训练, 让手指灵活起来, 掌握并获得对钢琴触键的强弱, 大小幅度以及灵活程度等的控制能力。有了这种控制能力才能演奏出好听的音色, 从而达到生动准确的表现音乐作品的思想内容, 演绎出作曲家所赋予作品的情感。要刻意加强听觉的训练, 提高对音色的分辨能力, 如不同的手指部位, 不同的力度, 不同的演奏方法来弹琴, 由此产生的不同的音色有什么区别, 感受各种触键的手感, 并将其运用到实际演奏中去, 在平时的练习过程中, 要认真体会, 仔细对待每一个音符。另外, 要多听好的示范录音, 有效利用前所未有的一切便利条件 (如C D、音像资料、包括网络等) 为自己的学习服务。

二、认真仔细的读谱, 音乐的语气和表情

准确的读谱是完成乐曲的首要条件, 但准确读谱的含义绝不仅限于音符的正确, 要特别注意音符上标记的连线和调音点, 以及乐谱上标注的表情术语。音乐是一种语言, 教师要把学生所弹奏的乐曲以语言的方式讲解, 让学生明确每一个乐句、每一个音符的语气和情绪, 并指导学生根据乐曲的内容在弹奏中加入各种语气和情绪。这种练习是需要教师有较高的音乐修养。

钢琴的连线如同语言文字的标点符号, 决定着乐句的语气, 关乎乐句的“呼吸”。呼吸是生命的基础, 音乐是人类语言的高级状态, 它同语言一样有着句子的长短之分, 有抑扬顿挫的语气变化, 有表达一个中心思想的结构性和完整性。没有呼吸, 就没有乐句, 没有起伏, 没有语调, 没有了结构, 也就没有了生命。

钢琴的“呼吸”就是演奏中乐句或更小结构之间自然的抬手。要仔细看好乐谱, 分析乐曲, 以及乐曲中的乐句, 哪里该连奏, 哪里该断奏, 哪里该停顿, 哪里该变换速度, 表情术语的含义等等。音乐是时间的艺术, 因此把握的呼吸 (抬手) 的时间和速度显得十分重要, 这个时间与抬手的幅度的把握应该与音乐本身的律动节奏 (打拍子) 相一致, 演奏者要善于体会这种包含着内涵的音乐感觉, 有了这种内涵的感觉体会才可能掌握正确抬手的时间和幅度。

呼吸与乐句的分解是完全一致的, 为了准确把握抬手的时间和幅度, 可以通过人声唱出乐曲的旋律, 这样比较容易找到和感觉乐曲的呼吸和气口, 要反复的唱, 加深体会, 然后, 将它运用到实际演奏中去, 即将自身的呼吸和音乐的呼吸融为一体, 将键盘转为自己手指的延伸, 进而努力做到“人琴合一”, 达到准确表现音乐内涵的目的。

三、多种渠道的积累培养, 培养丰富的音乐感

应该说, 一切演奏的技术都是手段, 唯有准确到位的音乐表现才是演奏的最终目的。弹琴的基本技术如同是盖房子需要的原材料, 没有材料, 无以造房子, 然而, 如果有了材料, 但却不知道如何使用, 盖房子的结构不合理, 那么, 材料再好, 房子也盖不成。如果弹琴没有音乐, 你的技术再好, 也不过是“匠气十足”, 只能弹出机械呆板的声音而缺少动人的情感, 根本谈不上艺术创造与表现。因此, 从学琴之初, 哪怕是很简单的作品, 我们也应先要求学生先理解音乐, 然后再去表现音乐, 根据音乐的要求, 弹出强弱快慢、轻重缓急、抑扬顿挫、或连或断、非连非断……, 举手之间都要恰到好处地把握音乐表现的分寸, 符合音乐的逻辑规律。如此, 我们才能自如地驾着技术之船, 翱翔于广阔音乐的天地间, 驰向美好音乐艺术的彼岸。

所谓乐感, 是指演奏者对音高, 节奏, 调式, 调性, 和弦, 曲式, 旋律的感觉或者说是反应的灵敏程度。对于作品来说是指演奏者, 对演奏的曲目, 是否能激起满腔的感情从而创造性地再现乐曲, 并通过演奏者的演奏传达给听者, 使听者通过声音的媒介去领会作曲者所要表达的一种情绪, 而最终达到共鸣。因此, 乐感即是对音乐乐曲本身包含的思想感情的一种准确深刻的表现。

人类的音乐感是有先天差异的, 有灵气的天才确实有, 但毕竟是少数, 就大多数人而言, 音乐感是可以经过后天的勤奋努力逐步培养起来的。它与个人的生活经历、受教育的程度息息相关。作为一名优秀的钢琴教师, 除了要教给学生演奏技术之外, 一定要鼓励学生多读书, 多欣赏、体验经典的音乐和一切文学艺术精品。如世界名曲、世界名著、古今诗词、哲学、心理学等方面的作品。培养音乐感和全面提高综合素质不可能一蹴而就, 需要有一个润物细无声、潜移默化的过程, “不积蹞步, 无以至千里;不积小流, 无以成江海”。综合素质的提高必然会在乐曲的演奏中充分体现出音乐的感情特征。

人都具有音乐的某种天赋与灵气, 只是多数人的这些潜能未经后天的挖掘而没有展现出来。因此, 后天的训练与培养十分重要。先天的音乐智慧与后天的开发训练相结合, 方能培养出具有良好乐感的钢琴演奏人才。

四、关于钢琴集体课

钢琴集体课能否完成教学任务?钢琴集体课能否取代个别课?我个人认为:虽然集体教学有诸如节省教学资源、提高教学效率等好处, 但从严格意义上讲, 准确细致的钢琴演奏技术、原理的传授仍必须以个别课为主。集体课更适合传授共性的知识, 如乐理、作品分析、演奏技术的动作要领、即兴伴奏的方法等等。笔者也曾进行过钢琴集体课教学的尝试, 但其结果不能令人满意, 问题主要是采用集体课形式教出的学生, 对钢琴基本演奏技术的细节掌握不够细腻准确, 一些不正确的弹奏方法如手指、手臂紧张僵硬、折指、颠腕等问题不能及时发现和纠正, 至使演奏不到位, 不够“钢琴化”, 集体课教出的学生, 自娱自乐尚可, 如欲培养师资, 则决不可放弃“一对一”的“面授机宜”和口传心授。

因此, 我认为集体课切忌一哄而上, 更不能试图取代个别课。比较理想的做法是:集体讲授, 传授共性知识;个别辅导, 解决技术细节。只有把集体课、小组课与个别课相结合, “多管齐下”, 才能达到教学质量和教学效益同步提高之目的。

以上是我根据老师所讲并多年学习、教授钢琴课的部分感悟和体会, 愿学生谨记, 愿识者指正。

摘要：本文系自己的教学、学习手记。从四个方面谈了自己的钢琴教学体会:规范严格的训练, 正确优美的音色;认真仔细的读谱, 音乐的语气和表情;多种渠道的积累培养, 培养丰富的音乐感;对钢琴集体课的看法。期望对钢琴教学的规范、钢琴艺术的正确普及发挥一定作用。

关键词：钢琴基础教学,钢琴教学质量,钢琴集体课

参考文献

[1]《钢琴演奏基础训练》周广仁高等教育出版社1990年10月第1版

[2]《钢琴考级与钢琴教学》周铭孙山东画报出版社1998年第1版

钢琴基础教学浅析 篇3

关键词：钢琴基础；教学

钢琴具有优美的音色、丰富的和声、高雅的织体，当仁不让地成为乐器之王。无论是专业的音乐学习者，还是业余的爱好者，对钢琴都钟爱有加。钢琴学习不断升温，钢琴教学骤然成潮。然而，钢琴演奏是一门讲究科学、讲究系统性的技术，钢琴教学必然更需要讲究科学、讲究系统性。特别是规范的钢琴基础，对于钢琴学习来讲，是基础也是根本。下面，从四个方面谈谈钢琴基础教学的体会。

1 姿势要正、稳而松

钢琴弹奏首先讲究的是坐在琴凳上的姿势，这既是外在形象上的主观要求，也是内在演奏上的客观需要。姿势的正确、规范与否，直接影响演奏的舒适、流畅。用三个字来概括具体要求：正、稳、松。

首先，要坐正。从身体上讲，上身要坐直，弯腰驼背既没有形象，也没有气质，更不利于演奏过程中身体的活动。从位置上讲要，要坐在钢琴的正中央C或G，偏向哪一边都将影响演奏的技术发挥。

其次，要坐稳。钢琴琴凳的高低、远近位置，要根据个人身高、身形进行适当调整，一般只坐琴凳的一半位置，甚至更少些，要保证双脚踩地且能支撑身体重心为宜。坐稳是为了演奏技术更好的发挥提供保障。

第三，要坐松。坐在琴凳上身体不能僵硬，特别是双肩、双臂要自然下垂，不能夹、紧。重心要落在臀部和两脚之间，不能完全在臀部，甚至两脚处于悬或半悬状态。要是小孩子身高有限，双脚不能着地，应该在脚下加个小凳子垫着，踩在小凳子上。松弛的坐姿能为钢琴演奏提供不受约束的动力和力量，要特别注意身体既要松，还不能垮。

2 手指要弯、抬而击

手指是钢琴演奏的主要部位，也是钢琴技术技巧的具体实施者，钢琴学习过程主要目的和任务，就是提高手指的独立性、灵活度、力量感。因此，手指的状态及训练是钢琴学习的关键。也用三个字来概括技术要点：弯、抬、击。

首先，手指要弯。这里的“弯”主要是指手型保持自然弯曲状态，手指触键不能塌指、塌掌，特别是第一关节不能塌，因为它起到力量的支撑作用，整个手臂的重量要落在腕关节至指尖上。手指的弯曲状态才能确保是指尖触键，而不是指肚触键。手指在键盘上的规范站立，是演奏力量能否贯穿到键底的关键。

其次，手指要抬。抬手指主要指第三关节（掌关节）抬起，只有抬起，才有击的力量。抬是弹奏的发力点，弹奏时抬起后把力量集中到指尖，并迅速地击下去，是弹奏过程的触键关键动作。

第三，手指要击。这里的击是指手指抬高后的击键，要使力量从肩部一直通到指尖，是击，二不是砸、按、推，要保证击键发出的声音集中、清晰、圆润。抬和击是手指独立性能的关键所在，是确保音色的颗粒感的关键所在，两个动作要一气呵成，不能只有抬没有击，当然没有抬更不谈击。

3 识谱要细、快而准

识谱是任何音乐学习的基础和基本能力，识谱的能力高低直接决定学习效率和效果。钢琴演奏对于识谱能力要求更高，由于钢琴谱是双行谱，并且钢琴音乐的织体非常丰富和复杂，所以钢琴视奏既考验识谱水平，又考验演奏能力高低。

首先，识谱要细。要将乐谱上的信息应看尽看，眼到还要心到，心到还要手到，这是视奏的整个过程。要熟悉高音谱号和低音谱号与琴键的对应位置关系，识别谱面上所有内容。具体讲，首先要看清谱号、调号、拍号、表情术语；其次要看清楚音符、休止符及时值，这是记录音乐的关键要素；还要对谱面上的每一个演奏记号、标记、术语、指法看清楚，这些要素是决定乐曲性质的重要内容；最后还要看清分句、呼吸位置等。一首钢琴作品的准确、成功演绎，识谱是否仔细是起决定性作用的。

其次，识谱要快。识谱的速度要快，看乐谱要像看文字样的熟练，要有“一目十行”的功夫，识谱的速度直接决定视奏的效率。要想快速识谱，除了想尽办法记住音的位置，还要结合音乐理论识谱。比如，通过五线谱线与间之间的音程关系识谱，通过和弦的原位与转位的位置与形状识谱，还可通过织体等比较有代表性的音型识谱等。快速识谱还离不开大量的视奏练习，还包括视唱训练。

第三，识谱要准。这里的准是指要准确无误，不能看漏，更不能看错。首先谱号、调号不能看错、看漏了，这是能否正确识谱的第一关，要是谱号、调号都看错了，后面的识谱就没有意义了。识谱的准确性最主要的是音符不能看错，特别是加了临时升降记号或调号发生改变的音符，很容易因马虎弄错。还要注意指法不能看错，指法是钢琴演奏的基本规则，错误的指法会严重影响演奏技巧的发挥。总的来说，漏看、错看谱面任何一个信息，对于钢琴演奏都是致命的。

4 声音要亮、匀而圆

钢琴最迷人之处就在于其优美的音色，特别是丰富的和声与织体共同呈现出的整体音响效果，细若丝丝细雨、动若万马奔腾。要想能弹奏出变化莫测的音色，从开始学琴起，就要严格重视每一个音符的音色控制，具体来讲，还是用三个字来概括：亮、匀、圆。

首先，声音要亮。这里的亮主要指弹奏力量要贯穿到键底，出来声音要明亮，集中。但是，还要亮而不裂，亮而不燥，亮而不破。这就需要平时练习时，注意倾听自己弹奏的声音效果，要不断尝试演奏出最合适、恰当的声音。只有对每个音都讲究质量，最后才能演奏出动人的整体效果。

其次，声音要匀。在钢琴学习初期，由于手指力量的不均衡，演奏技巧的不到位，整体控制的不协调，都会导致声音的不均匀、不统一。在钢琴音色的控制方面，首要的就是能控制声音的均匀，只有先均匀，才能有变化，最后到自如的表现各种音色。钢琴声音的匀，主要现在三个方面：一是同样时值的音符的声音长短要均匀；二是声音的力度要均匀；三是声音的音质要均匀。这三个方面都是要求手指的控键要到位，特别是每个手指的灵活、灵敏要一致，由于人的手指天生长短不一、粗细不一、力量不一、灵活不一，还有左右手的差别等，这需要大量的基本功练习才能提高。

第三，声音要圆。这里的圆是指声音要圆润，不能尖、刺耳。由于钢琴是打击乐器，其发声的原理是榔头敲击琴弦发声，所以控制声音的圆润很难，需要触键的高度灵敏，特别是力量的恰如其分。不同的钢琴有不同的机械性能，也给演奏者控制音色带来了挑战。声音的圆润是音乐表现的基础，弱而不虚，强而不烈是声音控制的关键。

总的来说，钢琴演奏最终目标是演奏出的声音要尽可能明亮、均勻、圆润，还要饱满有力，变化细腻。科普兰说：音乐最有效的途径是聆听。钢琴声音的控制的练习也需要仔细聆听，只有不断舍弃不好听的声音，不断最求更好听的声音，最后才能演奏出美妙的声音。

钢琴的学习是一个漫长的过程，也是练习者不断挑战、战胜自己的过程，也是体验钢琴苦于乐的过程。俗话说，台上一分钟、台下十年功，用这句话形容钢琴一点不为过。只要严格规范的习惯，加上勤奋、刻苦的练习，钢琴的任何技术技巧困难都会不攻自破。常言道，宝剑锋从磨砺出，梅花香自苦寒来。钢琴的学习是考验耐力与毅力的过程，从基础开始，扎实走稳、走好每一步，完成每一个技巧的练习，只要坚持到最后，就一定能演奏出动人的乐章。

参考文献：

[1]周薇.钢琴教学中的乐智、乐感和乐技[J].钢琴艺术，2005（11）.

钢琴基础教学中训练手指的技巧 篇4

[摘 要]手指技巧是钢琴演奏的基础，手指技巧的好坏直接影响到对音乐的表达。因而，寻求科学的方法对手指进

行严格训练，对将来弹好钢琴至关重要。从手指的奏法、手指的触键、手指的技术类型三个方面来阐释钢琴基础教学

中训练手指技巧的步骤和内容。[关键词]钢琴教学;手指技巧;内容

关于手指技巧的内容是非常多的，先从哪个环节开始教最 合理，什么样的训练顺序最有助于提高学生的手指技巧，这就 涉及教学的步骤问题。关于手指技巧方面主要涉及以下几个方 面：1.手指奏法方面包括非连奏、断奏、连奏；2.手指的触键 包括手指、手腕、手臂；3.技术类型包括音阶、琶音、和弦、八度等。

一、手指的奏法——非连奏、断奏、连奏.非连奏。大多数的教师在教初学钢琴的学生时，一般 都是从非连奏开始的。因为初学者一般手指会比较“软”，缺 乏爆发力，手臂、手腕不会放松，从非连奏开始练习就容易克 服这些毛病。学生在学习非连奏时，要注意手臂、手腕放松，掌关节要撑住，指尖要牢靠，要使每个手指都能够“ 站立起 来”，保证每个手指都高抬指，并且保证每个手指在弹奏时要 独立、均匀。

学生在练习手指时会发现，每个手指力量及灵活性有先

天性的差异。拇指结实有力，对于以后的音阶练习有着重要的 意义，在练习断奏时要注意练习它的灵活性及第二关节的支撑 力。二三指天生有较好的独立性与灵活性，但是由于它的先天 条件较好，学生在练习时往往容易忽略对它的练习，致使二指 容易产生“折指”的现象，这时教师可以要求学生在用指尖触 键时可以“钩住”琴键，而不要用指尖“推”琴键，这就容易 克服弹奏时的“折指现象”。另外，在训练五个手指时，不一 定非要在钢琴上练习，也可以在桌子上训练手指的力量，通过 听手指弹奏桌子的声音来训练手指触键的力量。.连奏。连奏是三种弹奏方式中最难、也是最重要的一 种弹奏方式。练习连奏一定要在练好非连奏的基础上进行。可 以先从两个音的连奏开始学习，手指上也可以选在较好控制的 二三指上先练。两连音学好后再学三个音、四个音、五个音的 连奏，同时逐渐把拇指、四指、五指包括进来。另一方面，可 以先作相邻的音的连奏连接，再作相间或远距离音程之间的连 奏连接。这样可以逐步地学会手指的连奏与手臂的放松的关 系。在练习连奏时不但要讲究手指、手腕的平稳、连贯，更重 要的是讲究声音的平稳及连贯，每个手指之间动作要衔接好，只有后一个手指落键后，前一个手指才能抬起来；每一个音的 声响应该均匀，不能有的轻有的重。值得注意的是在均匀的连 奏中手指工作和手臂统一动作的严整，就很快可以达到完善的 程度。在连奏中学生应使手指进行自觉的弹奏。3.断奏。学生练习断奏时，有两个要注意的方面： 一是 指尖要牢靠；二是触键快，离键快。弹跳音要注意触键的弹性 感。左手由于没有右手灵活，指尖难以聚集力量，因此在弹奏 跳音前，可以做一些准备工作，例如：面对墙站立，用左手指 尖作推墙动作练习之间力量；用手臂作被火烫迅速收手臂的动 作；在琴上用指尖做快速的抹琴键上“污点”的动作，在这些 动作都做好后，将弹奏断奏的动作反复练习，在动作做协调后 再正式在钢琴上练习，这种做法有利于迅速掌握这项技术。在 断奏中要使手指进行积极的弹奏，永远像是手臂的延伸，就是 手指的独立动作要减少到最低限度，只保留最必需的。

二、手指的触键——指力触键、手力触键、臂落触键、全 臂触键

在现代钢琴演奏中主要使用指力触键、手力触键、臂落

钢琴基础教案2 篇5

第二单元 连音奏法

教学内容：连音奏法 教学目标

1、掌握连音奏法的基本方法；

2、体验连奏中手指力量的传递；

3、学习穿、跨、扩指技术的基本要求。教学重点

1、手指的独立性。

2、穿指、跨指的弹奏要领。教学难点

1、连奏中手腕的放松与手指支撑的协调。

2、跨指的弹奏要领。教学方法

分析法、讲授法、讨论法、练习法、评价法、演示法。教学准备

1、数码钢琴、音响、摄像头、电脑。

2、错误弹奏方法的音像资料。

3、乐曲演奏音像资料。教学时量 五课时 教学进行：

一、回课

1、《玛丽有只小羔羊》、《伞兵》、《芦松舞》。

2、《扬基歌》、《黄河船夫曲》。

3、双音练习曲《回声》。演示：各请3—4位学生回课。讨论：学生评论、教师点评。

分析：弹奏中不良音色产生的原因及解决的方法。欣赏：教师范奏。

归纳：

1、左右手交替动作协调。

2、双音整齐，弱指站稳。

3、解决手指的支撑与臂腕的协调放松。创造：齐奏、合奏、小组接龙竞赛。

二、天天练练。（讲述-示范-模仿-练习）

1、手臂放松、协调的练习。

2、手指独立支撑的练习。

3、连音奏法（落提、落连提）的练习。

4、穿指、跨指、扩指的练习。

三、连音的弹奏方法和表现特点。导入

欣赏：教师用连奏的方法弹奏《雪绒花》。

讨论：这种奏法与非连奏有何不同？它表现了怎样的音乐形象？引导学生从音响、触键方式上分析。讲述：连音奏法（Legato）是较复杂的一种基本弹奏方法，手指的运动如同生活中的“走路”，你落我离，连绵不断，手腕的横向转动使手指力量不断传递从而将音连起来。它要求手指有一定的力量和独立性。主要表现优美、如歌、抒情的音乐形象。记谱方法是用连线将需连奏的音置于一个弧线之内。练习：

1、按照非连音奏法弹奏第一个音，手指站稳，腕、臂放松。

2、第二个（或以后的多个音）弹奏的手指放松地抬起，自然落下，将第一个音落下时手指承受的重量转移到第二个音，体会重心的转移。

3、弹完最后一个音，手腕放松地将手指带离琴键。

4、从两个音、三个音过渡到多个音一连的练习。感知：让学生感受触键方法与音响效果之间的关系。

探究：通过摄像头摄影观察几位学生弹奏中出现的问题，分析连奏中手指独立性及臂腕放松的重要性。

四、基本练习

1、C大调一组音阶、琶音。

讲述：大调式音阶由七个音级构成，琶音是主三和弦的分解。美妙的音乐往往是由调式及长短不一的音阶、琶音组成的，其练习就是为了更好地表现乐曲的内容。C大调音阶从C音开始弹到高一个八度的C再返回。练习：分手练习，注意指法正确及规律。

感知：体会技术要领：穿指时一指需提前准备，动作放松；跨指时手腕灵活转动；扩指时臂、腕放松。探究：通过摄像头摄影观察几位学生弹奏中出现的问题，分析穿、跨、扩指过程中易出现的问题及臂腕放松的重要性。

2、G大调音阶、琶音

讲述：调号：黑键为升F ；指法同C大调。练习：分手分别练习。感知：弹奏黑键的要求及准备。

五、练习曲——《拜厄》第23首 练习：读谱、视唱、找键、数拍、视奏。

讲述：本曲用连奏进行练习，主要训练右手，注意指法的准确性，及分句的自然。练习：根据教师提示，抽难点分手练习。

感知：

四、五指是弱指应多进行练习，教师根据不同的方法带学生进行训练。

六、乐曲 《布谷鸟》

练习：

1、读谱、找键，注意指法的准确性。

2、数拍、视奏。

讲述：本曲是双手落提的练习，双手起落动作的配合协调，必须先分手练好再合。五指注意放松站稳，下落的动作自然，连线后的每个音都要独立运动，声音干净，力度不求大。

练习：根据教师提示抽难点分手练习。

感知：师生讨论、分析音乐形象。（表现了清新的树林中布谷鸟此起彼伏的歌声。）《在公园里划船》

练习：

1、读谱、找键，注意指法的准确性。

2、数拍、视奏。

3、节拍练习。

讲述：本曲主要是练习双音与三个音及多个音的连奏的配合，双音注意弱指的支撑，手架子立稳。三个音中注意力量在放松的状态下进行力量的转移，确保手腕的通畅自如。手指抬起的动作干净，音色才能干净。练习：根据教师提示抽难点分手练习。

感知：教师范奏，学生体会、分析音乐形象。（本曲表现了在公园里玩耍的愉快心情。）《在五月》

练习：

1、读谱、找键盘位置，注意指法的准确性。

2、数拍、视奏。

讲述：本曲主要练习右手分句与左手全分解伴奏音型的配合。左手可将不同的和弦组合起来进行练习，注意五指的独立性，手腕可做由下而上的转动，但注意手指仍是主动的，声音连贯均匀的。双手配合时注意两手的协调性，右手保持独立的提腕动作。练习：根据教师提示抽出难点进行练习。

感知：教师示范，学生分析音乐形象。（抒情、歌唱）《热闹的街道》

练习：

1、读谱、找键盘位置，注意指法的准确性。

2、数拍练习。

讲述：本曲主要练习一组音阶的上下行进行和和弦的配合。注意穿、跨指动作迅速，节奏平稳；声音连贯、均匀，尤其注意一指的灵活性和放松，避免出现不当的重音。和弦弹奏时注意手指的支撑，五指的声音放下去，勿漏音。

练习：根据教师提示抽出难点进行练习。

感知：教师示范，学生分析音乐形象。（流畅、活跃的。）

七、布置作业，课堂小结。

1、教师总结课堂练习情况，提出鼓励和要求。

零基础学习钢琴的建议 篇6

1.1 如果你只是想自娱自乐，任何时候都是学琴的最佳年龄。

任何时候，都是最佳年龄哦

曼曼有十几个学生，都是年过半百的资深美女。其中有一位，学了3个月就学会了《梦中的婚礼》。像这种曲子，不需要手指的速度，只需要你感情的深度。而美女姐姐的阅历正好弥补了她手指跑不起来的缺陷，于是梦中那美丽的画面就在她指尖潺潺流动，令人陶醉。

1.2 如果你想拥有童子功，那就从4-5岁开始。

究竟是4岁还是5岁，只能说，学琴绝对男女有别，这和孩子的骨格发育息息相关。同一年龄段，男孩的手指骨格比女孩长得更硬一点，更容易掌控五指手位，所以一般男孩子四岁就可以开始学琴了，女孩五岁后比较合适。

当然，凡事都有例外，我们也经常在朋友圈会看到各类炫技的神童，他们弹琴如行云流水，就在我们还眼花缭乱之际已弹奏完毕。

所以如果你觉得自己的宝宝有做神童的潜质，乐感特好，也不妨让他早点学琴。

当然，也有一种观点是，等大脑足够发达，譬如6-7岁，再开始学琴。因为学琴弹到最后，不仅是技术的较量，而是知识，想象和眼界的深度和广度的较量。而6-7岁的孩子，更容易明白老师指出的问题，更容易展开想象的翅膀遨游音乐殿堂。

如果要问曼曼，究竟是哪个年龄好，还是要看你宝宝的慧根。你可以在宝宝4-5岁时带去琴行上试听课，细心观察孩子的领悟能力，再做决定。

2.学习钢琴的途径

网络发达让我们学琴的途径越来越多。但归根结底，学习钢琴分跟着老师学和自学两种。

学琴，还是找个老师靠谱

我们可以选择到琴行，到老师家里，到少年宫一对一地跟老师学习，也可以参加一对多的大班学习，上网络微课，参加钢琴社群跟着老师学，也可以通过网络视频，网络教程，看钢琴教程等进行自学。

如果你要问我自学好还是有老师带好，我当然说有老师带着好，无论是网络还是实体的老师。因为你自学的话，很容易在手型，技巧，情感等方面会走偏。有老师可以及时帮你纠正错误，弹琴便事半功倍。

钢琴基础教学计划 篇7

一、我校《基础钢琴》课程考评模式及有待改进之处

《基础钢琴》课程是本科院校音乐专业学生的专业必修课程, 在高校音乐教育中有着重要地位,因此,我校音乐学院也十分重视 《基础钢琴》课程的教学与考评。该课程的考试内容比其他技法课的内容都要充实,分为三个部分:第一部分是音阶琶音,一般有三至四组大小调音阶琶音;第二部分是三首练习曲;第三部分是乐曲和四手联弹。不同的学期对每一部分的考试内容都规定了曲目范围,学生必须在规定范围内选择。由于考试人数众多,考试时由监考老师在三个部分中分别抽查一首。考试采取的是教考分离,任课教师不担任所教学生的末考评分,以求客观公正。最后的总成绩按任课教师给出的平时成绩占30%,末考成绩占70%来计算。总的来说,我校《基础钢琴》课程的考评模式注重对钢琴技巧做全面的检验,实行教考分离,建立了相对公平的评分制度,但是仍然有许多亟待改进的地方。比如,该考评模式没有调动全体学生的积极性与能动性。一部分基础差又比较懒惰的学生不愿意准备如此多的考试内容,索性直接在考场说自己不会弹或者缺考。另一部分入学前就有较好钢琴基础的学生感觉考试内容较为简单,不认真准备,没有发挥出自己潜在的实力。诚然,一种考评模式不可能让所有学生满意,特别是像《基础钢琴》这样教学对象程度参差不齐的课程。但是,作为音乐教育工作者,我们有责任和义务让课程的考评模式更加完善,因此,笔者想到用钢琴教学音乐会来作为我校现有的《基础钢琴》课程考评模式的补充,以期调动全体学生学习钢琴、演奏钢琴的兴趣。

二、钢琴教学音乐会的优势

钢琴是一门表演艺术,最终需要通过舞台向观众展示。学习 《基础钢琴》课程的大多数学生在进校前几乎都没有钢琴学习基础,但是这并不妨碍他们对钢琴学习的热情。在系统学习了一段时间之后,他们内心也渴望能在舞台上演奏。尽管他们能掌控的曲目还比较简单,但是年轻人争强好胜,爱崭露头角的特点使他们很想在舞台上表演。然而学院组织的音乐会一般只让个别钢琴演奏水平较强的学生参加。大多数学生即使想在舞台上演奏钢琴作品,也没有机会,或者害怕与高水平的同学比较而选择放弃。而如果我们将钢琴教学音乐会作为期末考试的一种形式,不管演奏水平高低与否,大家都必须参加,这就解决了学生的顾虑,为学生创造了一个挑战自我、战胜自我以及检验自己学习成果的机会,将考试、演奏、舞台实践和继续学习有机地结合起来。通过钢琴教学音乐会, 学习经历相同,演奏水平相近的学生之间互相观摩,能促进他们的学习热情,努力克服自身的不足,积累舞台表演经验,提高自信心。闭门考试不仅无法衡量出学生的综合演奏素质,也不利于教师发现自身教学中存在的真正问题,因此降低了考评的内在价值与激励功能。

三、应注意的问题

选择钢琴教学音乐会的形式作为《基础钢琴》课程考评模式的补充应注意以下几个问题,才能使之发挥出它的最大功效,使我们的教学评价更加准确、真实,富有激励性。

(一)合理选择曲目

音乐会准备之初,任课教师要为不同程度、不同性格的学生精心选择演奏曲目。对于演奏水平较高,心性较强的学生,要鼓励他们把曲目放小,让自己的演奏留有余地,能将重心放在音乐表现上。对于程度较差,学习态度不认真的学生,要按照教学大纲的要求布置曲目,避免他们选择过于简单的曲子,应付了事。对于大多数程度一般,又信心不足的学生,鼓励他们选择一些旋律优美流畅,自身能胜任的曲目,切忌拔高。如果不同程度,不同性格的学生选曲不正确,很可能会影响他们在舞台上的表现,造成失落、自卑、自暴自弃等不良情绪,结果适得其反。

(二)克服心理障碍

俗话说:台上一分钟,台下十年功。钢琴演奏在舞台上是一次转瞬即逝的过程,一旦出错,无法补救,再加上钢琴演奏技巧本身难度比其他乐器更大,因此,要想在舞台上演奏好一首钢琴作品, 是一件不容易的事情。很多学生在舞台上发挥不出自己在台下练习的真实水平,有些是与能力、技巧有关,但大多数是与心理素质差有关。想要缓解舞台演奏的紧张感首先要有过硬的演奏技术。演奏者要在技巧上完全能胜任一首作品,才能在舞台上从容不迫。其次,要减轻心理压力,排除一切杂念,投入地演奏。不要过分强调演奏的完美,即使演奏中出现一些小纰漏也要及时调整情绪,继续精神饱满地演奏。除了以上两点,笔者认为在正式演出前多走台, 多彩排是克服心理障碍的一大法宝。教学实践证明,教师初次带学生走台时,他们的出错率很高,错音、漏音,甚至忘谱都很平常。 随着每一次教师的耐心指点与坚持,学生们也逐渐开始适应舞台演奏的感觉,一次比一次放松、自信,作品的完整性与音乐的表达也逐渐加强。师生们通过走台深深体会到,学习钢琴一定要接受舞台的检验,舞台的感觉只能在舞台上获得,关起门来练琴永远也找不到这些宝贵的经验。

(三)注重音乐表现

钢琴教学音乐会不同于普通的钢琴考试,它是通过演奏者向观众展示音乐的美,使观众获得丰富的内心体验的过程。因此,任课教师始终要向学生强调音乐表现的重要性。多数学生在平时回课中只完成了乐曲的技术部分,作品虽然完整,但是音乐干枯生硬。 由于基础钢琴课受到人数、学生基础、教学进度等因素的影响,教师不可能像主修课那么细致地要求,这就导致了学生的弹奏缺乏音乐表现。而钢琴教学音乐会将促进教师与学生重视对音乐的表现。 毕竟上台表演与平时闭门练琴不同,学生在心理上会更为重视,练习上会更为努力,教师也都有以学生为荣的心理,教学也会更加认真、细致。受到思想上的重视,学生的练习时间会增多,弹奏技巧会更娴熟,再加上教师的精心指导,对音乐的诠释一定会更加到位。音乐的品味来自刻苦钻研的体验和发自内心的歌唱与感受。比如,刻画生动的、具有鲜明个性的乐句时,应追求声部的和谐,追求贴切于音乐形象的音色,注重结构布局中的整体感和细节的精心处理。总之,要以自我内心的感觉为先导,在音乐的贴切性上下功夫,让演奏者的内心真正动起来,去塑造音乐形象。

(四)规范评分环节

钢琴教学音乐会作为《基础钢琴》课程考试的补充,就不同于一般意义上的音乐会,教师将对每位演奏者给予评价。要想起到预想的效果,就要规范评分环节。由于学生入校时的钢琴水平不同, 所以在衡量标准上不能一刀切。因为,有不少学生虽然进校时没有任何钢琴基础,可是学习很努力,进步也很快,但毕竟底子薄,考试时只能弹一些简单的曲目,就得不到好的成绩,这样会使他们有挫败感,不利于今后的学习。所以,我们的评分标准要考虑到个体差异。按照学生的实际演奏水平分为几个级别,按不同的级别制定详细的评分标准。这样既能鼓励学习认真的同学,又能鞭策学习不认真的同学。避免了基础一般但是勤奋的学生得不到好成绩,也避免了基础好却偷懒的学生止步不前。在此基础上,树立考试成绩与演奏质量挂钩,而与作品难易程度无关的意识。演奏要点包括速度、力度、触键、音色、完整性、表现力和风格把握几个方面。评分标准要将以上每个部分细化,音乐会成绩体现出以上几个方面的分值总和。另外,音乐会成绩以分数和指导性、鼓励性评语同时体现,呵护学生的自尊心,树立学生的自信心,使钢琴学习更有乐趣。

钢琴基础教学计划 篇8

在教学或考试中有些学生对乐曲没有真正理解，具体表现在不能正确把握乐曲的风格、把握不准对乐曲的速度及强弱等基本要求、演奏技术不能充分运用、心理紧张造成技术动作变形等方面。出现以上种种现象表明学生的音乐素养较差，作为教师在教学中要注重学生音乐素养的培养。

一、学生音乐素养较差的根源

1.学生在平时的学习过程中不注意知识的积累，主动性较差，依赖性较强。如：有的学生在老师布置一首新曲时，总是习惯让老师先给他示范地演奏一遍，否则就不知道怎样去练曲子。

2.不能把学过的知识运用到自己的演奏当中去。其实每首乐曲的演奏标记与要求通常是很明确的，包括速度、强弱、指法、弹奏技术等等。学生应该把谱面的要求看懂，按照要求去演奏，但往往一部分学生却不这样做，就好像这些标记不存在一样。

3.不了解各种技术练习的目的及其应用。课下练习无规律，不重视一些基本功的训练，不明确那些练习是每天必练的内容，表现在弹了几年琴连最基本的音阶都弹不好。

4.知识脱节，忽视了音乐专业课各个学科之间的联系。

5.教师的引导作用发挥得不好。在平时的教学中，忽视了对学生全面发展的教育，把自己的教学孤立起来，使学生对于某种技术训练的目的不明确，技术训练和实际演奏脱节，以至于造成学生每天的练习主次不分，顺序不分，没能养成良好的练习习惯。

6.集体汇课和舞台的锻炼机会少，在考试过程中，造成学生的心理负担过重，反映了学生的心理素质较差，影响了正常水平的发挥等等。

二、教学中应注重学生音乐素养的培养

学生的音乐素养差异，除了学生自身的原因外，更主要的是与我们平时的教学有着直接的关系，与教师的培养、引导、影响是分不开的。俗话说：“有什么样的老师，就培养出什么样的学生”，教师对学生的影响是非常重要的。那么，在今后的教学中注重对学生音乐素养的培养，应该引起每位教师的足够重视。具体做法应从以下几个方面考虑：

1.教师要面对新的形势、新的挑战，认清自己肩上的重担，在思想上跟上时代发展的步伐，不断更新自己的专业知识，提高自身的音乐素养，要不断地“充电”。

2.在教学中切记不要把学生培养成为一个“技术”能手，但这并不意味着技术不重要，应让学生理解技术训练在实际演奏中的作用，让学生练习的目的明确，技术的训练是为了更好演奏作品的需要，使他们练习时不感到枯燥。

3.要不断改革教学方法，充实教学内容，引起学生的学习兴趣和积极性，如：有部分学生对流行歌曲改编的钢琴曲比较感兴趣，作为教师可以选一部分和目前学生程度相近的曲目，充实到教学内容中去。这样做并不会影响整体教学，同样能够达到你的教学目的。

4.教学中要不断渗透、引导学生感到学校开设的各门专业课程，不是孤立的，对他们的专业课的进步与发展都是至关重要的。如学生乐理学扎实，那么在演奏练习中遇到的各种记号、标记，他们就会很自然的按要求把这些记号、标记的意思弹出来。

5.要引导学生平时注意知识的积累，养成一个良好的练习习惯，如：当教师布置一首新曲时，要首先养成先分析作品的习惯，然后再进行练习，这样就能够准确地把握住练习的目的、要求及作品的风格。

6.要培养学生的学习主动性，充分发挥他们的主观能动性，根据所学的知识，动脑思考去完成每一首乐曲，对所学的知识能够举一反三，能够对教师布置的新曲目，根据自己的理解进行处理，发挥想象力。

7.要在专业技能培养的同时，加强心理素质的培养。俗话说得好：“台上一分钟，台下十年功。”如果心理素质不好，前面的努力将付诸东流。◆（作者单位：沈阳铁路机械学校）

学钢琴之开展少儿钢琴教学 篇9

孩子学钢琴最上心的就是家长了，恨不得能够亲自上阵，自己学的会孩子也就学会了，但是家长们要清楚，孩子年龄小，接受知识也会比较慢，这时候要让他们自己努力去学习，去思考，这样才能培养孩子独立思考，学钢琴，代替的太多反而是害了孩子。也不要因为学了一点时间没成绩而向孩子施压导致孩子对钢琴产生厌恶心理，家长更多的陪同和鼓励，给孩子正能量。

所以一开始老师要给家长明确几点，让家长不再盲目的焦急、苦恼，让他们有一个正确的前进目标来引导孩子。

1、耐心：家长要给孩子当榜样，正如孩子刚学走路不是家长一步一步带着孩子走的，这时候家长不能因为孩子没有成绩而焦躁，要保持足够的耐心来陪伴孩子学钢琴；

2、鼓励：家长适当的鼓励是带动孩子学钢琴的最好方法，孩子遇到难题的时候要陪伴孩子一起度过，并适当的给与提示，让孩子从提示中找到解决这个问题的方法；、3、准备工作：家长要先帮助孩子养成良好的练琴习惯,弹钢琴前要洗干净双手,修剪好指甲,检查琴凳与脚垫的高度、位置,学钢琴安置合适的灯光做好练琴的各种准备工作,使孩子努力做到一旦上琴便专心致志,直到完成练习要求；

4、监督：家长要安排孩子每天的练钢琴内容，因为孩子小，没有自控力，这时候就需要家长来监督了，更利于把孩子弹琴中遇到的问题跟老师讲，能更好的解决问题；

老师的因材施教也是很重要的，就像一个人眼中就有一千个哈姆雷特，每个孩子都有自己的性格特点 和心理特征，学钢琴老师就要根据孩子的这些特点来教学，而不只是千篇一律的教学方式，这是对孩子的不负责。

孩子年龄小，肯定是听不懂钢琴技术的这些问题，这时候老师要用有趣的故事、图文等来引导孩子领悟，这就是趣味教学，学钢琴好的接受学到的知识，就是把无形的东西转化成有形的来教学。

在就是初学钢琴孩子肯定是放松不下来，这时候可以做一个放松操：让小孩的两手自然放松地垂于身旁,不要有主动的动作,由家长拿着两只手,把它渐渐提起,直到一定高度(最好超过肩高),前后左右轻轻地摇,在孩子毫无准备的情况下突然放掉,让其完全松弛坠落下来。在这个过程要注意手臂的活动不能主动地上举与坠落,手臂在家长的协助下要被动地进行活动，样孩子就能够更快的进入练习当中，取得的效果也就更好。

学钢琴名人演奏的音乐，培养孩子的音乐鉴赏能力，一个孩子的演奏具有较强的音乐感,指的是他对旋律、节奏、和声、力度等有较强的表现力,对于作品的音乐形象产生丰富的想象力,并通过自己的演奏把这些感受的想象力表达出来去感染别人，能够更好的辨别出音乐的好坏，风格特征，最好老师能够把名人的故事以趣味故事的形式展现给孩子，让孩子对音乐产生更大的兴趣，从而有探索的欲望，更好的去学习。

将练琴时间固定安排在学生精力充沛的时候,有利于集中注意力,保证质量,培养良好的学习习惯，5岁左右的孩子的注意力集中的时间一般在20分钟左右,每次练习时间安排20—30分钟为宜,每天安排两至三次，坚持天天练琴不间断,从中可以培养孩子的毅力和品质。

​钢琴教学计划 篇10

一；启蒙阶段

1、认识基本音级，能摆出正确的手型，会边弹奏边数拍子。

2、能双手演奏小乐曲，能弹出双音，达到双手的平衡，手腕保持放松状态。

3、左右手的七个基本音级全部学完，要求完全熟悉他们的位置，清楚各个节拍的强弱关系。

4、熟练弹奏左右手，掌握乐曲中多变的节奏型，完整弹奏乐曲。

二；初级阶段

1、掌握正确的弹奏方法，培养读谱能力。

2、做到手指自如、独立。

3、正确掌握音乐的节奏、分句、乐段，培养良好的音乐表现能力。

三；中高级阶段

1、进一步加强手指的独立性，训练手指灵活、流畅的跑动。

2、加强对声部及音色的控制能力，较好的掌握音乐风格。

四；高级阶段；

1、巩固提高以往所学过的技巧，熟悉24个大小调的音阶和琶音。

2、提高视奏能力，浏览中外优秀作品

漫谈钢琴学习中的基础训练 篇11

一、培养手指机能的灵活性、独立性和控制能力

手指是演奏钢琴直接触及琴键的部位。法国著名钢琴家玛格丽特。朗则这样来强调手指的意义，她说：“要能够清晰明了，意义清楚，表情丰富地说出音乐要说的话，钢琴家应有会说话的手指，”而要拥有这样的手指必须要有良好的手指基础训练，手指的力量、灵敏、速度以及基本的指触方式和控制能力是钢琴技巧最重要的环节，是钢琴演奏基础的基础。

(一)手指的灵活性

手指的灵活训练是一个独立而并不孤立的阶段，它渗透在基础之中。从学习手指独立开始，手指的敏捷灵活就介入其中了。我们在教学和辅导学生时要注意到这一点，要有意识地把它作为手指灵敏的起点来要求。手指灵巧的第一要素是手指触键和起键这一组动作的敏捷与迅速，我们在这里强调快捷下键的同时，特别要求迅捷的起键动作。“不仅要想到手指弹下去，还要想到手指抬起来，会不会把手从键盘上拿开和会不会放下是一样重要的，前者是后者的条件。”起键快捷的意义在于对即将出现的快速下键动作提前做好准备，这一时间和动作上的微量提前在连续动作中的积极意义不容低估，它将免除手指懈惰和瘫软带来的滞钝，从而赋予手指积极挥动的活力与灵敏性。手指灵活的第二要素是把每一单个手指敏捷迅速地触键连接起来。从最短小的两个音的连接开始，逐步扩展到多个音的连接，使手指培养起富有弹性的灵敏反应，在获得了两个手指间的灵敏触键的基础上，我们再进一步进行3个手指的灵活敏捷触键训练。自然还是从较强的手指开始，首先1、2、3指，再2、3、4指，最后3、4、5指。手指灵敏性训练宜提早进入，宜穿插渗透于非连奏学习过程中。早一些把枯燥的单个手指的爆发性击键练习引入各种较为有趣的灵活，活跃的音型式的练习，使弹奏者更快更早地掌握灵巧的快速手指的运用。

(二)手指的独立性

法国钢琴家玛格丽特，朗指出，训练手指的独立性，其目的是“统一强指和弱指的力量和弹性，使它们能够对付同样的困难，”手指独立性基础训练的第一个步骤是加强手指的支撑力。手指的独立支撑是手指独立动作的前提。因此，提高手指独立性训练必须以加强手指独立支撑能力为基础，从加强独立支撑能力入手。第二个步骤是增强手指各指的独立活动能力，主要是训练从指掌关节出发的手指挥动能力，它包括手指挥动的幅度，挥动动作的速度、力度和频率。对手指独立性训练比较有效的方法是：保留音练习和5指的非连音练习。保留音练习的方法是：将5个手指在一定的键盘位置上无声弹下，然后依次作独立的抬起和落键动作。练习要点：一是抬起、落键的手指动作尽力保持独立。二是起、落动作必须鲜明。训练允许一定夸张，如允许手指抬高到比通常弹奏运用的高度更高一些来锻炼它的运动幅度。三是注意放松。慢速练习击键落指后要有意识尽快松掉，一定要求在做到放松后再抬起作第二次，如此重复。四是要鲜明，独立动作养成习惯并取得放松协调的基础上逐步提高抬起手指击键的速度，五是逐步加快速度，提高起落动作的频率。

(三)手指的内控力

我们说连奏的触键是从声音效果到触键方式，这与非连奏恰好反向。它不是爆发性的快击挥动，而是训练有素的缓慢触摸，这种缓慢的触键方式就是依靠手指的内控力。触键不同，所要求触键速度、触键方式、松紧程度、保留时间等等因素也会不同。都需要有一种控制力，在学习运用不同触键来变化声音效果时，自觉地运用手的控制力是克服弹奏单一、缺乏变化的重要因素。手指内控力的练习掌握必定要同一定的触键形式相联系。譬如同歌唱柔美的声音训练联系在一起，音色不好，说明内控力的掌握度就不合适。当然这也需演奏者拥有“聆听”的艺术，能够辨别声音质量是关键。

二、培养运用“重量弹奏法”奏出宽厚的歌唱性旋律

在钢琴演奏艺术的发展中，触键法的演变是最具代表性的。著名钢琴家、钢琴教育家戈多夫斯基曾把触键法的发展分为三个阶段：第一阶段以车尔尼为代表，其特征是锤式击键：第二阶段以斯图加特学院为代表，其特征是压力触键；第三阶段即一个新的阶段，以重量为其特征。“以重量为特征的触键法撇弃了滥用‘手指技巧’的老学派，认为光靠纯粹的肌肉力量，尤其是光靠负责手指运动的那些相当弱小的前臂肌肉力量是难以驾驭现代钢琴的。”(乔治·桑多尔)到了19世纪末，除了一些追求特殊音响效果的作品外，这种重量弹奏滲透到每一部作品，它使演奏更富有弹性、歌唱性，为钢琴教学注入了新的血液。

(一)正确理解“重量弹奏”法

钢琴演奏中的重量，即人身的自然重量，在弹奏时，它的关键在于人脑对肩膀、大小臂、手指等各部位之间的重量控制。故称之为重量弹奏，它要求人体各关节之间保持一种相互联系、互为依靠的协调关系，然而，在力度强烈对比变化时，如何使上述要求得以持续的保证，则是一件不容易的事。必须由大脑通过指尖与键盘的触觉、听觉对音响的传递以及肩、大小臂对重量的感觉来协调各部分的关系，相互提出要求并调整。如果肩以下的任何关节在人脑的支配过程中处于过分主动或被动的地位，则会破坏各关节之间的协调平衡关系，在弹奏中会出现“酸”、“硬”、“僵”等感觉，从而，根本谈不上什么音色，作品的表现力也就无从说起。

(二)正确掌握重量弹奏法的关键在于放松

首先使全身各部位与关节处于松弛状态，断奏练习是学习重量弹奏的方法之始，也是初学者的必修学习。在进行断奏练习的过程中，教师应着重强调的就是手臂的放松，高抬手臂让其落下接触键盘，如果这时就开始强调重量弹奏法，将避免学生在其漫长的习琴生涯中走弯路。首先要明确自然的重量建立在自然放松的基础上，这是一种全身性的积极放松，并非人体在极度困乏下的麻木状态，在保持正确演奏姿势的同时，让学生进行断奏练习，让手指自然地落向键盘而非砸向键盘，若肩膀、大臂、小臂、手指中的任何一部分未能放松，都将使发出的声音生硬、苍白，反之如孤立地、人为地施加了力量，弹奏的音响将出现僵硬、刺耳的效果。在学生充分体会

到了利用手臂的自然重量进行弹奏的感觉并感受到其音响之后，教师与学生都将面临最重要也是最困难的问题，即如何对这种重量弹奏进行合理的控制，使各关节之间始终保持一种相互联系，互为依靠的协调关系，从而适应各种表现的需要。除了反复示范之外，教师最重要的是要让学生能通过聆听音色自己辨别，及时合理地协调这种关系。一个运用正确重量弹奏出来的音符，它的音色应该是丰富而富有弹性，明亮而富有张力的。

三、培养手指伸张及弹奏八度和弦的能力

手指伸张的能力不仅影响到能否弹奏远距离音程的音(即手指的伸张动作)，也会影响到手指的独立、灵活和控制能力(即手指的上下动作)，在五个手指中，任何两个手指之间的伸张能力都要加强。不仅要锻炼相邻手指之间的伸张能力，也要提高相隔一个或两个手指的两指之间(如1、3指之间，2、4指之间等)的伸张能力。然而，做伸张练习切勿过分勉强，必须保持肌肉放松，否则会把手练坏，伸张的弹奏必须合理运用腕、臂的协调配合，而不能单靠手指孤立地运动。在钢琴弹奏中，腕是演奏器官的“弹簧”，因此，有必要结合音乐表现的要求和整个演奏器官相互配合的演奏动作，专门去训练腕的弹性、适应性和稳固性，以使重量能够通过它毫不打折扣地传达到指尖上去。臂的训练，有必要分别训练下臂及全臂。首先应当精心训练，整个手臂(从臂部出发)控制弹奏的分量(重量、力量)，如这样控制练习：“ppp-PP-p-mp-mf-f-ff-fff’。除此外，还要进行左右方向运臂敏捷与准确的训练，除了分别锻炼单臂外，还应做双臂轮流分奏以及双臂交叉弹奏的训练。八度及和弦地弹奏弹也必不可少，找好支点，有准备地、稳固地下键，且各个手指又与将要弹奏的各音键盘位置完全地“合槽”即：把位。完成后的准备非常重要：眼睛始终走在手的前面。不用多想，立即就到达下一位置。而这一系列弹奏，既要放松又要保持稳固，也就是说，要培养“前紧后松”的感觉：手掌的支撑要牢：手指尖要紧，但腕、臂、肩就得松而不垮。

四、培养正确使用踏板的能力

踏板被人称为钢琴的灵魂。是钢琴演奏中极具个性的一部分，是现代钢琴在乐器改革方面的一个重大成就。踏板使用的规范与否，直接影响到弹奏的音效(色彩和表现力)。踏板作为钢琴演奏中重要的环节之一，具有不可取代的重要性。我们知道钢琴有三种踏板：延音踏板、持续音踏板和弱音踏板，这里我们着重谈谈延音踏板(右踏板)，弱音踏板(左踏板)，右踏板从机械角度讲，把键弹下去，锤子就敲击琴弦(同时制音器升气)，使之颤动，发出声音，等制音器一下去，声音就消失了，右踏板踩下去，可让所有制音器都升起来。因此右踏板的作用具有：(1)保留声音。在一些演奏中，可以保留一个重要的声部或一些和声，起着好像加了一只手的作用。(2)可使钢琴发出的声音更美，更谐和。因为用了踏板，把钢琴中所有的弦都打开了，当你弹一个音时就会产生很多的泛音，(3)可以使钢琴音色有更丰富的变化，特别在表现现代作品中，起着手和键盘所不可能起到的作用。(4)左踏板的作用是使键盘向左右移位，减少琴槌击弦的数量，以改变音色及减弱音量。左踏板的首要作用应是微妙地改变音色，这点常常被人忽略，因为琴槌打响两根弦，而第三根弦在踩右踏板的情况下产生谐音共振，这种声音加上另外两根弦的声音，产生一种特殊的柔和、清纯的音色，但经常靠左踏板减弱音量是不可取的，正确的方法是靠手的触键来控制弱奏。因此在踏板的学习中，不能把踏板单纯视作一个技术问题，而要认识到踏板的运用与表现音乐形象有着不可分割的联系，从而使学生在加深对音乐的理解，加强对音乐听觉要求的过程中，不断提高自觉运用踏板的能力。学生初学踏板时，教师要选择有针对性的作品来专门练习(如高师钢教一册的“致野玫瑰”、“瑶族长鼓舞”)。踏板的使用就比较灵活，很难用符号完全表示出来，即使在作品上标上了踏板的具体要求，也要通过演奏者的理解和听觉加以调整。那么，根据哪些原则来运用踏板，一般规律如下：(1)以和声为依据，一般说来，和声变化了，踏板也要换。(2)以节奏的需要为依据。如演奏圓舞曲，为了强调强拍，可在第一拍上使用踏板，(3)以色彩效果的需要为依据。如连续一串音阶或一串半音阶，为了使声音清晰，应不用或少用踏板；若要求类似微风飘拂的效果，则可用颤动的踏板。(4)以作品的不同风格为依据，一般说，巴罗克及早期古典作品要求声音透明、清晰，一般使用浅踏板。