现代钢琴教学（通用6篇）
现代钢琴教学 篇1
钢琴被誉为“乐器之王”, 它拥有堪比一支管弦乐队的宽广音域 (从大字2组A到小字5组c) 、表现力丰富的音响结构、曼妙多变的音色, 这些都是其他乐器不可比拟的。钢琴的前身可追溯到最古老的古键盘乐器——管风琴, 这件乐器距今已有2200年的历史, 而钢琴自身的发展至今也已有300多年。在钢琴音乐发展的历史长河中, 钢琴制造工艺的发展对钢琴音乐创作及演奏技巧的发展起到了至关重要的作用。钢琴制造家一边从演奏家那里获得灵感, 一边最大限度地满足演奏家对于精确击弦机和获得高贵音色永不停止的追求。该文力求从现代钢琴制造工艺变迁为着眼点, 论述钢琴制造工艺对钢琴演奏技巧的影响。
1 早期键盘乐器的形制特点及演奏技巧
1.1 早期键盘乐器的形制特点
钢琴这件乐器经过几百年的变迁, 才确定为今天的形制状态。钢琴的前身来自于18世纪以前的早期键盘乐器——管风琴、击弦古钢琴及羽管键琴。
1.1.1 管风琴
管风琴是键盘乐器家族中历史最为悠久的乐器。它依靠气流带动音管内的簧片发声, 一般被构建在较大型的建筑物内。公元9世纪被引入教堂作为人声伴奏, 文艺复兴使其时期以后, 管风琴作为宗教音乐乐器被使用, 地位日益显赫起来。
1.1.2 古钢琴
古钢琴分为拨弦古钢 (Harbsichord, 也被称为大键琴或羽管键琴) 和击弦古钢琴 (Clavichord, 也被称为楔槌键琴) 。这2种乐器在文艺复兴和巴洛克式起盛行, 按照发声方式不同固分为拨弦和击弦。
1.1.3 羽管键琴
羽管键琴的制作起源于15世纪末的意大利, 后来传入欧洲, 并于16~18世纪盛行于欧洲各国。它的形制类似于现代的三角钢琴, 琴弦用羽管拨奏发声, 一般配有2层键盘及音栓。与击弦古钢琴相比, 羽管键琴的声音更清晰明亮一些。
1.2 早期键盘乐器的演奏技巧
早期键盘乐器因形制不同所需要的相应技法也各有差别。其中管风琴因结构复杂 (多层手盘及脚键盘、众多的音管和音栓) 、体积大、发声原理复杂, 演奏时需要繁琐的操作技术。这件乐器需要演奏者双手双脚的参与, 手盘的弹奏需要很多的力量外, 双手还要在演奏过程中控制音栓。楔槌古钢琴靠压力发声, 它的琴键不仅重量轻而且宽度窄, 触键灵敏, 演奏技术容易, 只须用中间3个手指弹奏。手指在琴键上反复加压可出现像小提琴揉弦似的颤音和近距离的滑音, 弹奏时通过手指的控制, 声音不仅可以延长而且还能继续增强。这需要与现代钢琴演奏法点式不同的触键法才能或得楔槌古钢琴特有的声音线条。羽管键琴琴家经常借助速度上的微小变化, 即用所谓“缓急法”来表现声音的强弱变化和音乐上的张弛感, 有时也用装饰音来表现重音。
2 现代钢琴的性质结构几演奏法变迁
2.1 早期的钢琴的制作工艺发展
上述3种乐器从形制构造及发声原理都不尽相同, 它们在表现力及演奏特点上各有所长, 在当时的音乐活动中都充当了比较重要的角色。可人的音乐审美和表达需要在不断地发展, 人们期待着更具有更多音量变化和更具有表现空间的乐器的诞生。直至1709年, 意大利人巴尔托洛奥.克里斯托福里 (Bartolomeo Cristofori) 制造出一架外形和大的羽管键琴差不多的乐器, 取名为“graviceembalo col e forte”, 意思是具有强弱区别的羽管键琴, 这架琴的诞生, 标志着钢琴时代的到来, 开创了钢琴发站史的新纪元。1730年, 德国人特福利德·希尔伯曼 (Gottfred Silbermann) 将钢琴音域扩展到5个八度, 并发明了手动的类似于延音踏板功能的装置。1783年英国人布罗德伍德 (Broadwood) 发明了踏板, 这时距第一架钢琴的发明已有83年。1821年, 法国人诶拉尔开始采用附加杠杆和簧条的方法改进了三角钢琴键盘机械的结构。这样的复震机械结构的优点是可以迅速地重复击弦, 所以可能在三角钢琴上弹奏比较复杂的乐曲。1825年, 为了增加弦的张力而开始采用铸铁架。1839年有用毛毡代替皮革制造小槌, 1855年出现了琴弦交叉排列的钢琴。到19世纪上半叶有3种形式的钢琴:翼型卧式钢琴、桌形卧式钢琴和金字塔式竖式钢琴。到了19世纪末, 翼形卧式钢琴变成了现代的三角钢琴, 竖式的变成了立式钢琴, 二桌形钢琴被淘汰了。
在一段时期内古键盘乐器和早期的钢琴平分秋色, 在当时很多作曲家的作品并没有注明是为何种乐器而作, 也就是说在其中任何一种乐器上演奏都可以 (当然有相对更适合的演奏的乐器) 。直到19世纪初, 钢琴取代了其他种类的键盘乐器, 成为了主角。很多作曲家, 如, 海顿、莫扎特、贝多芬都见证了早期键盘乐器的兴衰, 尤其贝多芬更见证了钢琴从早期制作到逐渐成熟的过程。
2.2 现代钢琴的性质结构
现代钢琴由键盘、音板、框架、弦列、踏板运作装置、外壳等16种零部件组成, 因形制和体积的不同, 主要分为立式钢琴和三角钢琴 (也称为卧式钢琴) 2种。音乐会所用的大三角钢琴是个庞然大物, 最长有9英尺长, 重量可达到79 t。立式钢琴占用空间小, 价格相对便宜, 是钢琴爱好者的购买对象。立式钢琴采用了一种琴弦交错的设计方案, 有效地节约了高度和厚度。最初的立式钢琴高达2.4 m。现在标准的立式钢琴高度为1.2~1.6 m。三角钢琴和立式钢琴在部分构造上有很多不同, 尤其是击弦机工作原理上有所差异, 而三角钢琴是作为专业演奏 (独奏音乐会、大型比赛等) 用琴。所以, 该文所介绍的钢琴形制构造及演奏技法都以三角钢琴作为标准来进行阐述和分析。
框架是钢琴的主要构件, 所有琴弦都经由此框架固定并被绷紧。早期钢琴的框架是纯木质材料构成的, 如今是由铸铁材料制造的。
击弦机是钢琴中最为重要的部件, 它是将演奏者的指尖运动转化为美妙音乐的装置。击弦机是一套组件:由若干个零件组合起来的自成一体的组件, 可以作为独立部分安装或者拆卸。键盘是击弦机系统组成部分之一。钢琴键盘由88个相同的杠杆机构组成, 是钢琴的操纵单元, 因此, 可以直观看到的黑白相间的前部分和触动击弦机的“幕后”部分组成。击弦机是一种高度精密复杂的机械装置, 以至于大多数钢琴制造商都不自己生产此装置, 而是委托供应商按照他们给出的具体要求生产制造。
以上3个部件是决定钢琴发声的重要部件, 此外能影响钢琴声音的还有踏板装置部分, 但该文集中分析与演奏者上半身有关的演奏技术, 所以将踏板部分的介绍略去。
2.3 现代钢琴制作工艺改进产生的演奏技巧变化
(1) 击弦机、音板及框架制作工艺及材料的改进给演奏技巧带来的改变。与楔槌古钢琴及羽管键琴的演奏不同, 由于前两者的规模较小键盘较轻, 音量小。所以一般只需要演奏者运用手指来控制琴键。但是随着钢琴制作工艺的发展, 尤其上文提到钢琴框架的铁质材料的运用, 使琴弦的张力增强了很多倍, 而大三角钢琴的总张力可以达20 t以上。钢琴的音板是木质结构, 它起到增强声音及增润音色的作用。如果单靠琴弦的震动发声所产生的声音是很轻微的, 或者根本不像钢琴的声音。琴弦和音板对于决定钢琴的音质有着重大的作用。三角钢琴的制音器系统比较沉重, 弹奏强的的部分时, 仅依靠手掌关节的爆发力已经远远不够, 所以基于以上一些特点, 钢琴演奏者需要练就类似运动员一样的肌肉强度和耐力。
现代钢琴演奏推崇“重量弹奏法”, 是指在手指具有充分弹性、灵活性、独立性及力量的同时, 要加入手臂、后背甚至部分身体的重量来进行演奏。运用重量法的好处是, 在演奏快速跑动段落时, 运动过程减少了肌肉紧绷状态 (尤其是手指运动时小臂的紧张) 造成的酸痛, 以不至于进入越跑动越紧张、越紧张越酸痛、越酸痛越紧张的恶性循环。在演奏浪漫派及以后时期的钢琴作品中的强而有力的和弦或低音时, 利用手腕及肩部的带动把前臂与手布置于相对放松的角度, 能获得更通透、自然、共鸣性更好的声音。
2.4 琴弦的制作工艺及材料的改进给演奏技巧带来的改变
现代钢琴的裸弦是采用高强度的特殊钢丝来制成的。曾加材料的应力对改善音色及音的清晰度是有利的。因此, 钢琴制造家们必须适当地选用那种能够承受集大压力而一点也不变形和没有机械损伤的材料来做弦, 所以钢是最适合制作琴弦的材料。钢琴琴弦对应每一个音 (每一个键) 由1根 (低音区) 、2根 (中音区) 、3根 (高音区) 组成。现代钢琴的低音区, 为了得到低频率的音, 会用软铜丝或者钢丝 (大部分是紫铜丝) 缠绕在钢丝上制作而成。
前文提到过, 音板和琴弦是决定钢琴音色的重要部件。这两个部件的现代化制作工艺的改进再加上灵敏的击弦机系统给了演奏者很大的表现空间。现代钢琴的力度变化可以从PPP做到fff, 如果拥有好的控制能力及踏板的运用可以把这个对比做得更大。关于强奏的演奏技巧前文已叙述过。弱奏的演奏也是通过重量的调配, 根据不同弱奏的音色和音乐内容需运用不同的演奏技巧。
3 结论
现代工业制造工艺的发展影响着钢琴制造业的发展, 钢琴制造工艺的精益求精及成熟给演奏家提供了更丰富的表现力, 也给演奏家带来了更多的演奏技术课题。现在钢琴演奏技术不单单是手指运动, 在对现代钢琴制造工艺了解基础上, 如何充分利用这样一种复杂并表现力丰富的乐器表达出最精确的音乐内容, 是每个具有专业素养及使命感的演奏者和钢琴教学工作者一生探索的目标和责任。
参考文献
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现代钢琴教学 篇2
摘要：本文围绕理念的基本概要、如何在高职院校钢琴教学改革中运用现代化教学理念两个方面展开讨论，对高职院校钢琴教学改革中现代教育理念的运用进行了分析，并提出了一些作者自己的拙见，希望能够对今后高职院校钢琴改革工作提供一些理论建议。
关键词：高职院校；钢琴教学；教学改革；现代教育理念
钢琴教学是高职音乐教学过程中的关键课程，同时也是一门实践性与应用性较强的学科。在开展学科教育时，音乐教育基础理论并不是唯一的教学目标，对学生审美情趣以及能力的培养也是十分重要的。随着我国文化经济时代的到来，社会对教育类人才的需求量也在不断增加，同时对于教育人才的综合能力要求也逐渐提升，而高职音乐教学中的传统钢琴教学法已经不能够满足社会对钢琴人才的需求了，必须根据现代教育理念对钢琴教学进行改革与创新。
一、现代教育理念的基本概要
现代教育理念是在新时代教育改革与人才需求的基础上形成的教学方式，它主要由以下几个部分构成。首先是以人为本的育人观念，以人为本的育人观念的对现代教学活动提出了以人才需求及人才自我发展目标为基础展开教学活动的要求，在教育活动中高度关注学生个性塑造以及个人价值实现，将实现个人发展以及满足社会人才要求作为教学目标，通过日常教学活动来充分挖掘每一位学生身上存在的优势与潜能；其次是全方位发展的育人观念，这一观念充分强调了教学活动必须满足全面性以及综合性两大要求，换句话说也就是需要通过教学活动来实现学生德智体美各个方面的发展，而不是单一的理论知识转化，因此，必须将以往单一的课堂教学逐渐转化为系统性教育。除此之外，现代教育理念中还包含了创造性理念、主体性理念、实践性理念以及个性化理念等气他多种理念，其中创造性理念所强调的是通过教学活动来培养学习者的创造性思维及能力，主体性理论是指以学生作为主体任务的教学方式等等。高职院校的钢琴教学改革工作离不开上述教学理念的支撑，它们将会对高职院校钢琴教学改革工作带来长远而深刻的影响。
二、如何在高职院校钢琴教学改革中运用现代化教学理念
1、改变高职院校钢琴教学的传统理念
高职院校钢琴教学传统理念的改变工作应围绕下述几个方面入手：首先，应将教学理念从“以教师为主体”向“以学生为主体”的方向转变。“以教师为主体”的传统教学理念很容易造成学生在学习过程中积极性的缺失，因此教师必须赋予学生充分的主体地位，让学生成为课堂的主导者。其次，应根据学生个体差异适当调整钢琴教学的教学计划。每一位高职学生都是不同的个体，他们无论是在性格、能力还是兴趣爱好方面都存在着一定的差异性，教师必须充分把握学生差异性，关注学生的个性化发展，根据每位学生的学习学习能力以及接受能力适当调整教学进度，确保每一位学生都能够跟上教学步伐。最后，应加强钢琴教学实践理念的实施。传统教学理念下的钢琴教学活动存在严重的单一化现象，教学活动基本是通过课堂形式来进行，很少与学生实际生活联系在一起，更缺乏相应的实践活动，最终导致学生的钢琴应用水平难以突破课堂范围，针对这一现象，教师必须坚持钢琴教学的多样化原则，将教学过程与实际生活紧密地联系在一起，并带领学生积极参加实践活动，实现高职钢琴教学的改革。
2、提升钢琴教学的实用性
如何提升钢琴教学的适实用性，第一步必须明确地识别高职院校钢琴人才培养的目标，我国高职院校在钢琴人才培养工作上锁制定的目标并不是培养钢琴方面的专业性人才，更多的是通过钢琴教学帮助学生建立审美情趣，提升学生的音乐鉴赏能力，最终现“以美育人”的教学目的，这一目的充分地体现了我国新课标提出的“综合素质”培养要求。具体应传授学生基本的钢琴理论知识以及钢琴演奏技巧，并通过合理的引导让学生掌握如何通过创造性思维来解决钢琴学习过程中遇到的问题，例如即兴弹唱、即兴编曲等。因此高职院校钢琴课堂中必须重点关注下述内容。首先，应根据高职院校钢琴教学的实际需求为出发点，建立适合高职院校钢琴教学的教材体系。其次，应在传统的钢琴理论教学基础上增加一些伴奏类教学内容，伴奏曲目可以选择一些当时较为流行、且学生喜爱程度较高的流行歌曲或摇滚乐曲，这样可以有效激发学生兴趣，提高学习效率。最后，学校还应根据实际情况为学生增设钢琴文化课程，实现高职学生在钢琴教学上的全面性。
3、改善高职院校钢琴教学方式
在钢琴教学的`课堂部分必须坚持以下工作。一是鼓励学生进行课前预习，高职阶段的学生基本掌握了自我学习的方式与技巧，因此教师可以要求学生通过课前预习来探索学习内容，发掘知识中的问题点，在课堂中与其他学生或教师进行讨论。二是将协奏、弹奏等教学方式带到课堂当中，使钢琴教学不局限于传统的理论模式与示范表演模式，而是通过其他更多的元素来刺激学生的兴趣，提升学生的学习积极性。另外，高职钢琴教师应积极开展钢琴相关的课外活动，以此来满足学生的表现欲，并培养他们的舞台表现能力。例如高职院校可以组织钢琴表演晚会，鼓励学生通过各种方式将自己的钢琴才艺展现出来，使课堂中学到的知识得以应用。除此之外，高职院校还应针对钢琴教学的评价工作进行改革，引入学生之间的相互评价模式以及自我评价模式，通过多角度的评价模式对学生的学习成果进行公正、客观地评价，将过程评价与结果评价有机结合，提升钢琴教学的有效性。
三、结束语
随着社会的不断发展与进步，社会对高职院校钢琴教学的要求也逐渐提高，因此在高职钢琴教学过程中，教师必须充分运用现代教育理念，从教学理念、教学模式以及教学方法等方面全方位改革传统钢琴教学活动，使高职钢琴教学课程的质量得到保证，帮助高职学生建立良好的审美情趣。
参考文献
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[4]韩冬.论文化自觉下的中国钢琴作品教学(下)[J].音乐生活.(07)
现代钢琴教学 篇3
【关键词】现代数字技术 高等师范 钢琴教学 应用
【中图分类号】 G 【文献标识码】A
【文章编号】0450-9889（2014）03C-0154-03
现代数字技术是与电子计算机相伴相生的科学技术。在当今的信息化时代，现代数字技术已渗透到学习生活中的各个领域。计算机音乐作为音乐领域上的重大变革，就是现代数字技术与音乐艺术结合而产生的。它改变了传统的音乐教学、音乐创作、音乐制作、器乐演奏，把人类驾驭音乐、“玩转”音乐推向了一个顶峰。将现代数字技术应用于高等师范（以下简称高师）钢琴教学中，势必打破传统的教育教学方式，使得钢琴教学由单一变得丰富，由抽象变得具体，以至达到前所未有的效果，开创高师钢琴教学、研究的新领域。现代数字技术在高师钢琴教学中的应用主要渗透在以下几方面。
一、钢琴教学与视唱练耳教学相结合的教学
在高师钢琴教学中，不难发现在学生的练习中识谱、记谱、节奏是阻碍他们进步的因素，而这些因素都与视唱练耳教学有着密不可分的关系。学生得到一首钢琴谱例，应迅速分析作品的节奏群、调式调性；把五线谱音符“输入”大脑，并将注意力、记忆力、思维力进行整合，积极调动视觉、听觉神经，通过唱谱把音符表达出来，随之转换到手指的弹奏中。能力较强的学生得到一首钢琴谱例，即能一边看谱一边弹奏，这称之为视奏能力。视奏能力的训练与培养有助于学生钢琴演奏能力的提高。钢琴演奏能力强的学生在视唱练耳课程学习中是较为突出的，特别是在听辨音的高低、时值，听辨音程、和弦的色彩，旋律的模唱中会有所体现。因此，钢琴教学与视唱练耳教学是相辅相成的。
在钢琴教学中可将Auralia软件等现代数字技术融入视唱练耳教学中。Auralia软件是软件开发商Rising Software公司推出的一种视唱练耳软件，借助这个软件，可以对着话筒唱出音程、和弦、音阶、旋律，随后软件给予评判。软件的每个章节都有相关的理论介绍，配备音响资料及谱例。它的操作方法直观而明朗，简洁而方便。软件练习中分有级别考核，既可逐级考核也可跳级考核。电脑会对使用者的每一次考核作出评分和记录，由此可把持学习进度。软件中的多项功能均可自行设置，可根据教学的需求进行调整，使用于其他音乐课程，也可以根据学生学习进度而调整。由此，把钢琴乐谱中的旋律输入Auralia软件系统中，让学生练习，有利于提高他们的读谱视奏能力，达到有方法、有步骤地学习钢琴。
二、钢琴教学与即兴伴奏教学同步的教学
在高师音乐教育课程中，即兴伴奏是一门专业必修课。该课程的目的是使学生基本掌握不同体裁、不同风格歌曲编配的一般规律，培养学生的快速编配弹奏能力、创造能力及综合反应能力，提高钢琴伴奏的艺术表现力。高师音乐专业学生学习钢琴的主要目的是弹好伴奏，并具有一定的伴奏编配能力，能在中学课堂中胜任音乐课的独唱、小组唱、合唱伴奏，胜任校内外文艺演出的各种伴奏。在高师钢琴教学过程中结合即兴伴奏教学，丰富的教学内容、科学的教学方法及先进的教学模式，可以使学生不但掌握基础的弹奏技巧，而且掌握一般伴奏的和声编配及伴奏织体。可见，钢琴教学与即兴伴奏教学同步进行具有可行性与实用性，更能体现高师钢琴教学的目标和方向。
可考虑运用计算机音乐软件进行即兴伴奏教学。为了形象而直观地讲授即兴伴奏教学中所涉及的曲式结构、和声布局、伴奏织体、弹奏技术等理论知识和实际操作问题，在教学中运用数码钢琴教室及计算机音乐软件进行教学，加强教师与学生之间的交流，激发学生学习积极性，从而取得良好的教学效果。
第一，利用Encore的乐谱显示功能进行讲解。Encore是美国Passsport Designs公司开发的专业五线谱制作软件，它以谱面规范、功能性强、智能性高等特点，给使用者以操作简便的印象。它即可以制作各式各样的五线谱，也可以用于教学中显示乐谱的声音和图像。在即兴伴奏和声布局讲解中利用Encore的乐谱显示功能把乐谱和声音同时展现在学生面前，还可以进行节奏、和声编配的练习。例如，教师在讲解乐曲中的和声连接时，可以通过数码钢琴教室中的MIDI键盘弹奏不同方式的和声连接，不同形式的伴奏织体。学生在听到音响效果的同时，还能看到乐谱显示，根据听觉和视觉来判断哪种编配效果更好。教师出示一些旋律让学生在Encore乐谱软件和数码钢琴键盘上完成和声的走向等问题。可以说这样的教学方式打破了传统理论讲解中的枯燥、乏味、难以理解的情况，让学生在轻松、自信、愉悦中学习。
第二，利用西贝柳斯7乐谱编辑功能进行习题示范和批改。西贝柳斯7乐谱编辑功能是目前音乐软件中最为出色的。学生在课堂上操作，教师讲解、批改和声编配习题时，使用西贝柳斯7乐谱编辑功能能取得事半功倍、融会贯通的效果。如在练习和声连接时出现倒置、平行八五度、隐伏八五度时，可使用西贝柳斯7乐谱编辑功能中的复制、撤销、恢复功能把出现错误的练习片段复制到下方音轨道的同一小节同一音符的位置上，并利用西贝柳斯7乐谱编辑中的撤销功能把多余的声部去掉，只留下出现问题的两个声部。由此学生对做题出现的正确或错误会有清晰的判断。
教师在教学生如何进行和声连接时，可以把同一旋律复制到相应的轨道中，学生可根据自己的观点配置和声，再通过西贝柳斯7乐谱编辑中的录音功能把配置的和声播放出来。通过教师的讲评与学生之间的相互讨论来确定最佳的配置方案。这样的教学过程避免了学习的枯燥、乏味，可调动学生的思维。
第三，利用Tonica音乐软件掌握不同乐曲和声风格及做题。在即兴伴奏和声编配的教学中，运用Tonica软件特有的练习功能，能节省大量的时间，提高效率。Tonica音乐软件是一款供音乐院校专门学习四部和声的教学软件，人们可以按照四部和声的S，A，T，B输入音符，在计算机上完成和声编配，也可以MIDI设备播放所连接的和声，与手上做题相比较，聆听到实际的音响更具直观感。另外Tonica音乐软件的自动配和声功能能够让学生感受到不同和声风格的变化，理解和声配置上的方法差异。
第四，利用Nuendo3录音功能指导和声连接弹奏。Nuendo3音乐软件中的录音功能分有手动录音、自动录音、循环录音三种。手动录音要先点亮音轨前面的录音键，然后单击工具栏中的“Record”按钮即可开始录音。Nuendo能够在指定位置从播放状态自动切换到录音状态，这就是手动录音方式。利用Nuendo3音乐软件中的录音功能和乐谱编辑功能，学生在做和声习题时弹奏和录音同步进行，随即把做好的题目以五线谱的形式输出，教师再根据五线谱指出问题。在和声编配恰当的情况下把它转变为伴奏织体，通过Nuendo3音乐软件中的录音功能输出，和声编配与伴奏织体相比较，大大提高了学生的动手创作能力。
三、钢琴重奏的教学
钢琴重奏包括四手联弹、双钢琴联奏、多台钢琴重奏。这些钢琴重奏形式广泛运用于音乐会上，在高师钢琴教学中也已展开教学研究与实践。
钢琴重奏教学中最难的是演奏合作者之间的配合，按照传统的教学方法，每个演奏者在课后练熟再在上课时与合作伙伴练习。这样的上课模式使得练习者要花费大量的时间反复磨合，而且练习起来比较枯燥乏味。把Nuendo3软件录音功能运用到教学中，则可以缩短练习时间，提高演奏者的听觉及演奏质量。
在钢琴重奏教学中，把低声部或高声部的乐谱弹奏进行录制，采样时可通过教师弹奏进行采样、录制、编辑。音频制作完成后分别给高、低声部的学生配合练习。练习时可以采取分乐段、分乐句、分重点、分难点进行训练。也可以通过Nuendo3软件中时间伸缩的方式把音频速度调整放慢练习。这样的辅助方式，避免了每个声部的学生练琴时间冲突，提高了练琴的效率，调动了学生学习的热情，缩短了教师指导学生练习的时间。
例如，教学美国作曲家格什温作品双钢琴《前奏曲第一首》，这首乐曲采用了布鲁斯和查尔斯顿等美国民俗音乐的节奏和旋律。我们把第一钢琴和第二钢琴分别进行录制。首先建立音频文件，设置采样率在44.100Khz至192.000Khz之间，采样精度选择24Bit，音频格式选择Wave File格式。再建立音频轨，选择录成立体声。接着进行录音，根据实际情况选择自动录音。因为考虑到真人演奏会出现停顿、小错、断开等问题，所以要对已经录制内容中的某些部分进行替换。在录音的同时可以直接加入效果或进行均衡处理，但是加入效果器录制就不能更改音频了。然后进行音频编辑，重复录制的、有错误的音频片段可以剪切，把完整的音频片段剪切下来再合并成为完整的音频。还可以利用淡入、淡出的功能对剪切合并的音频进行音量的调整，用采样混响器对音频进行混响处理以表现弹奏的真实感。
四、钢琴与小型乐队协奏的教学
高师音乐专业教学选修课中都开设有小型乐队排练，可根据各高校的实际情况组建小型管弦乐队、小型民族乐队、小型电声乐队、小型混合乐队。其中钢琴作为独奏乐器也尝试着与各种小型乐队合作，在音乐会演出中崭露头角。
（一）钢琴、小型乐队排练中的总谱
总谱指以多行谱表显示一首多声部音乐作品的乐谱形式。在钢琴和小型乐队的协奏中使用的是大总谱。无论是哪种小型乐队与钢琴协奏，小型乐队在乐队排列、记谱、演奏标记都有一定的要求。在乐器排列中要根据不同器乐的发生原理及音色的不同来划分；在总谱记谱中要按照乐器高、中、低由上至下的循序排列，其中小型管弦乐队的排列由上而下分别是木管组、铜管组、打击乐器组、弦乐组；小型民族乐队的排列由上而下分别是吹管组、弹拨组、打击乐器组、拉弦组；小型混合乐队的排列由上而下分别是吹管组、木管组、铜管组、弹拨组、打击乐器组、拉弦组和弦乐组。在大总谱记谱中出现有力度、速度、演奏的标记，力度标记是标在各乐器谱的下方；速度标记标在木管乐器组和拉弦乐器组的上方；演奏标记应清晰明了地标在乐器谱上方。钢琴作为独立的乐器，它的位置摆设在小型乐队的前方，指挥的左侧。
（二）运用Nuendo3软件进行总谱编配
Nuendo3软件的乐谱功能非常完善，与专业的制谱软件相比无懈可击。它包括音符的编辑、乐谱的布局、乐谱的输出。[Scoye Editor]乐谱编辑器窗口用五线谱的形式显示MIDI音符，并具备完整的谱号、拍号、速度、休止符及相关的音乐符号，还有各种排版格式。它还可以从总谱中把所需的乐器谱格外导出来，以方便演奏者练习。在教学中，创作出小型乐队与钢琴协奏的乐谱通过Nuendo3软件的乐谱编辑器谱写总谱，可以为钢琴教学提供方便。
（三）运用Nuendo3软件进行混响编辑录音
把小型乐队的演奏通过Nuendo3软件的录音功能进行录制，编辑中加入混响，把它录制完整后让钢琴演奏者在练习时结合小型乐队的录制音乐。小型乐队排练时同样可以结合钢琴的录制音乐练习。这样可以节省大家的排练时间。录制的音乐经过编辑、处理，可以达到立体声和环绕声的音质效果，演奏者在练习中能感受到美好的音质、音色，增进练习的干劲，增强音乐的感觉。
五、钢琴作品曲库的建立
钢琴作为乐器之王，能给人在听觉、视觉、感觉上带来震撼。许多音乐家、作曲家受它的独有魅力感染、吸引，创作出大量的钢琴作品。高师音乐教育专业的学生在三年或四年的钢琴学习中所接触的钢琴作品是有限的，只能接触一些富有代表意义的作品。钢琴作品曲库的建立无疑拓宽了学生的接触面。学生通过浏览、视听钢琴曲库中的作品，掌握与理解各个时期不同风格、不同乐派的音乐特点，有利于在弹奏中运用恰当的触键方法及正确的演奏方式表达出音乐的内容和风格。
在高师钢琴教学中利用数码钢琴进行小组课、集体课教学能更好地提高教学效率。数码钢琴教室由键盘系统、语音系统、音像系统、操作平台系统、计算机音乐系统组成。其中利用计算机音乐系统中的硬件、软件的装置建立 MIDI钢琴作品曲库，使学生在有限的学习时间里了解不同时期、不同乐派、不同作曲家、不同风格的钢琴作品，从而拓展学生的音乐视野，提高学生的音乐修养和弹奏水平。
建立曲库需要一定的硬件及软件。建立曲库的硬件，即计算机音乐系统，包括：计算机主机、MIDI接口、软件、打印机和扫描仪组成的电脑系统；采样器、鼓机、合成器和MIDI控制器组成的音源系统；双轨、单轨、多轨录音机、CD播放、刻录机、功率放大器、监听音响、调音台、效果器、均衡器组成的录音音响系统。在数码钢琴教室里，借助音像系统、教师用琴、电脑主机、MIDI接口即可配备好建立钢琴曲库所需的硬件。特别强调教师配备的高级、全方位的数码钢琴，它具备变化多样的重奏功能、多种乐器的自动伴奏功能、制作音乐的音序功能，它支持播放规范的 MIDI钢琴作品。建立钢琴曲库所需的软件较多，如Encore4.5、Nuendo3、Mw3、Cakewalk3.0、Cakewalk9.03及相关的钢琴教学软件、Midi播放软件、自动伴奏软件、多媒体软件，等等。
曲库的建立主要包括两方面内容：一是MIDI钢琴作品曲库的内容。根据高师音乐专业钢琴课程的培养目标、教学任务、课程性质，把曲库的内容分为练习曲、复调作品、奏鸣曲、乐曲四个部分。练习曲包含了拜尔、莱蒙练习曲、车尔尼599、车尔尼849、车尔尼299、车尔尼740、肖邦练习曲、李斯特练习曲、拉赫玛尼诺夫练习曲。复调作品包含了巴赫创意曲集、亨德尔作品。奏鸣曲包括库劳、斯卡拉蒂、莫扎特、贝多芬、海顿的作品。乐曲包含了各时期、各乐派作曲家的作品。歌曲伴奏编配也是钢琴教学中重要任务之一，在曲库内容中增添不同类型的歌曲伴奏及结合中小学音乐教材来选择，势必对学生掌握弹奏和伴奏技巧有很大的帮助。二是MIDI钢琴作品曲库中的曲目来源。自行制作MIDI钢琴曲，充分利用数字录音棚、电脑音乐制作室、数码钢琴室中的电脑音乐系统及带音序的数码钢琴、采样器、鼓机、合成器和MIDI控制器等来制作MIDI钢琴作品。购入MIDI钢琴作品磁盘，可以浏览巴洛克时期、奏鸣曲式的古典时期、浪漫主义时期、印象主义时期、现代主义与时代趋势时期极具代表的音乐大师的作品。随着电子数字化的飞速发展，网络上各种音乐网站的MIDI乐曲应有尽有，教学中可以根据需求下载。数码钢琴教室及音乐教学机附加配备有MIDI钢琴乐曲。
综上所述，当前高师钢琴教学中的教学内容、教学方法、教学手段、教学形式等在全球现代高科技、数字化的背景影响下有了很大的改变，高师钢琴教学研究正走向一个更为广阔的空间。各高师院校应脚踏实地，发扬勇于探索的精神，开创崭新的高师钢琴教学领域，在摸索中进取，在实践中育人，为培养弹奏与教学一体化的应用型、复合型人才而努力奋斗。
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【作者简介】卢婷婷（1978- ），女，壮族，广西宜州人，桂林师范高等专科学校音乐系讲师，硕士，研究方向：钢琴教学与钢琴演奏。
现代钢琴教学 篇4
论幼儿钢琴教学在钢琴教学中的重要地位 作者：王娜
来源：《现代交际》2012年第02期
［摘要］孩子从小受到良好的音乐教育，特别是学习钢琴，既可以使他们增长见识，拓宽视野，也可以让他们陶冶情操，提高素质和文化修养。因此，把握好幼儿钢琴教学至关重要。只有打下了良好的基础，才能使其今后在艺术道路上更加顺利。在儿童的音乐学习过程中，学习钢琴是培养儿童各方面综合素质的重要方式之一。优质的音乐环境是首要条件，精心的培养是手段，孩子审美情操的提高是结果。只有将这二者良好地联系在一起才能最终实现目标。［关键词］现状 重要性 音乐环境 精心培养
［中图分类号］G620 ［文献标识码］A ［文章编号］1009-5349（2012）02－0157－02我国幼儿学习音乐起步晚，而国外幼儿大都在3-4岁就开始学习音乐了。这是与国内外音乐环境有密切关系的，1-2年级的儿童不管是在生理的发展上还是在心理的发展上，都仍然或多或少带着幼儿的某些特征。从钢琴教学的角度看，激发和培养他们对钢琴的兴趣，开发他们对音乐的感悟能力，培养他们的表现能力和创造能力都十分重要。3-6年级儿童的特点相比1-2年级的儿童来说形象思维活动更多了，但是随着年龄的增长抽象思维也进一步增强了。从钢琴教学的角度看，这一学段儿童的生活范围宽广和认知领域也进一步扩展，感受经验和探索创造能力也进一步增强，那么钢琴的学习范围就非常有必要延伸，接触的音乐范围需要更加丰富，比如在音乐体裁、音乐表演形式、音乐常识上就很有必要增加内容。在教学方式上，要用生动活泼、富于艺术想象力的形式，来激发、培养、发展他们的兴趣。7-9年级的儿童已经进入青春发育期，生理机能逐步发育健全。正处于骨骼发育的关键时期，手指能力有所加强。这时候他们就需要进行各种各样的艺术实践活动，如钢琴演奏、表演等等来巩固并提高自己感受音乐、表现音乐、鉴赏音乐、创造音乐的能力。在此学段中，要注意的问题是作为老师要密切关注学生的手指保护。
幼儿的年龄特点决定了他们自发学习存在局限，在钢琴音乐活动“手指的灵活”的过程中，每个孩子练习的重点各有不同，比如说：音阶、跳音、顿音等等。他们不但在自己的练习中获得一些感受，又在其他小朋友的学习过程中发现一些新的练习方法，从中选择适合自己的方式，从而有效提高练习效果。在这种过程中，作为老师要多给孩子创造有利于学习的条件及情景，多让孩子们在一起相互观摩、相互学习。这样孩子们才能通过自己的思维方式充分发挥想象，结合实际技巧，音乐造诣得到提高。幼儿的接受能力很强，通过老师的演奏，并且借助录音磁带让幼儿听一些优美的琴声或动听的旋律，那么就会有大部分的幼儿跟着这些旋律来哼唱，或者在他们的头脑中想象出一些画面和情景。任何一种学习，在开始之初，甚至整个学习过程中，兴趣的培养都占有非常重要的地位，有了兴趣，学习才会产生动力；有了学习的动力，整个学习过程中才会轻松自在，自觉自愿。作为教师，要有正确的方法来引导、教授。在学习钢琴之初，幼儿就对钢琴缺乏兴趣，那么就会对以后的教学产生阻碍，因为兴趣是学习的动力，那么老师的首要问题就是如何让孩子们对钢琴产生兴趣。作为教师，我们必须认识到，幼儿对钢琴的认识并不完整，也许只是听到某同学或某老师弹奏了一首曲子觉得好听，自己就想学习钢琴了，更认为只要老师上了一次课自己就会弹奏了，其实不然。他们不知道学习钢琴就像和学习数数一样要循序渐进，只要学习钢琴可以给他们带来快乐，他们就会乐于去学。相反，若在学习过程中遇到多次弹不好的曲子或其他困难，学生也许就会慢慢对钢琴失去了耐心和信心。对幼儿兴趣的培养大多数是在钢琴的教学过程中慢慢培养起来的。在钢琴教学上，作为教师就要引导孩子们深入音乐世界，感受其中的愉悦。让学生在快乐中学习，充分发挥其主观能动性。教师在整个教学过程中要扮演引导者的角色，给学生足够的想象空间和轻松的学习氛围。尤其在选用教材上要特别注意，教材要适合孩子的心理特点，符合其学习特征。幼儿教育强调快乐学习、游戏化教学，钢琴的教材也需要注意这一点。在教学中，我发现孩子们很渴望弹奏一些他们熟悉会唱的歌曲，经常在上课之余单手弹奏一些儿歌片段，那么我们就要选用一些生动活泼的教材来学习，孩子们才会喜欢。例如《小汤》教材，里面的旋律简单生动，插图与乐谱相结合，很容易让幼儿理解，并产生兴趣。或者选用《弹儿歌学钢琴》这本教材，教师主要是培养孩子的想象力，多用一些比喻的手法来启发他们，特别是一些技术性的问题。关于手型的问题让他们先左手握一个拳头，然后用右手轻轻放在左手上，这时候左手拿开，右手的手型保持不动，这就是钢琴的弹奏手型，这时要注意的是右手就像握住了一个鸡蛋，让右手的手心空起来，手指的塌陷也可以用比喻来形容，如像苍蝇脚等。还有很多的问题都可以运用比喻，如二分音符和四分音符还可以形容成“气球”和“蝌蚪”等。
在大多数的教学过程中可以发现，让孩子产生兴趣不难，难的是在整个学习过程中一如既往地产生学习兴趣，幼儿的心理没有发育成熟，但是他们的自我意识很强，绝大多数时候都是以自我为中心，时时要求表现自己、突出自己。所以，当他们的学习兴趣减弱时，就让他们停下来观摩一下其他的孩子演奏，适当地加以表扬或鼓励，让他们产生竞争的心理，这样便又可以激发他们对学习钢琴的兴趣。对于大部分幼儿而言，表扬和鼓励是可以促进他们学习、增强学习兴趣的好办法。老师在上课时多对幼儿进行表扬，就会增加他们的自信心，使他们对钢琴学习更有兴趣。在学习方面，由于幼儿们缺乏意志力，没有自觉性，作为家长要适当地加以约束和强制，每天都可以安排一定的时间让孩子来练习钢琴，但时间不宜过长，也不需要规定时间的长短，只要让幼儿自己养成一种习惯每天练琴就可以了。但是在练习的过程中，由于孩子自身的特殊性，很容易产生倦怠心理。学习过程的规律是：学习初期进步较快，然后经过一个明显的停顿期或者退步期，在学习后期则是缓慢但是会有较稳定的进步。在对幼儿的兴趣的培养上，中期是一个危险期，也就是间接兴趣培养的重要时期。此时，前期强烈的新鲜感和好奇心，即直接兴趣，已经消退，再加上快速进步后的突然停顿或后退，会使幼儿产生厌烦、倦怠等消极情绪。所以，作为教师和家长就必须使幼儿明白这是一个必然的过程，给幼儿以信心和动力，多肯定幼儿的优点，少给幼儿压力，鼓励他们突破当前的困难。在这一点解决后，作为教师就应该仔细观察幼儿的学习进步过程，发现一套适合幼儿的，可以维持幼儿学习兴趣的有效的学习方法。
幼儿教育是一种以情感教育为主要方式的特殊教育，音乐艺术教育更是其中一个重要的环节。在音乐教育环境中钢琴的学习又是重中之重。在幼儿学习钢琴的过程中，优美的音乐环境
是非常重要的。我们不论是作为家长还是作为老师都应该为孩子们创造一个良好的音乐学习环境，为之贡献出自己的一份力量。
【参考文献】
试析皮亚佐拉的现代钢琴作品 篇5
第二次世界大战后的世界音乐，派别林立，异彩绽放。其中阿根廷的现代音乐作品，作为一种气质独特的乐曲不仅在拉丁美洲有着深远的影响，在世界范围内也渐渐受到了大家的关注。皮亚佐拉（AstorPantaleon Piazzolla，1921——1992）是阿根廷现代音乐家的代表之一，被誉为“现代探戈的革命之子”。他以阿根廷原有探戈的乐器、节奏、编成等要素为基础，吸取了古典音乐及爵士音乐等一系列新的要素，创作出了新的探戈形式，开拓了新的探戈世界，在拉美及世界范围内引爆了一场探戈革命。目前，国内掀起的皮亚佐拉的热潮是以手风琴为主，他的钢琴作品还尚少渗透。为了让广大的音乐爱好者能够全面地了解这位不朽的探戈作曲家，以下以他的钢琴作品为出发点，介绍其音乐创作的背景，分析其音乐作品的特点。
一、影响皮亚佐拉创作的音乐背景
在皮亚佐拉的音乐中，继承了阿根廷传统的节奏模式，但在旋律的运用上却与传统音乐大相径庭。原有的阿根廷探戈是以欧洲流行的探戈轻音乐作为动机音乐，以波尔卡和华尔兹为主的舞蹈性探戈，而皮亚佐拉的作品则不然，他的探戈是为了听而写的音乐。在他的作品中既吸取了巴洛克时期赋格音乐的成分，同时又兼有了美国的流行音乐——爵士乐的要素，这使得探戈音乐在2拍子强烈的节奏感上，既充满了巴洛克时代的沉重感又兼有了爵士音乐的轻快感。
巴洛克音乐是皮亚佐拉音乐的原创动力，皮亚佐拉深信在探戈中加入赋格的形式会让听众留下很深的印象，所以在作曲时吸取了很多赋格的形式，如代表作《赋格与神秘》。但探戈并没有因皮亚佐拉而进入古典音乐的行列，他的伟大之处是把自己民族的音乐提升到了一个比较精致的高度，同时又拥有着不变的自我准则。
在皮亚佐拉的作品中，不仅流淌着古典音乐的要素，各种现代音乐的要素也被有机地融合在一起，其中爵士乐就是最典型的代表。受皮亚佐拉所生活的纽约城市流行音乐的影响，在其音乐作品中反复地使用爵士乐的切分节奏，这使得乐曲强弱倒置的感觉异常突出，有着强烈的节奏感。同时，皮亚佐拉还特别爱用不谐和音程，如采用突然的变调，在音乐中插入奇妙的噪音，在主旋律中频繁插入装饰音，其目的不仅在于装饰，更多的像是在“游玩”。这些写法，使探戈产生了一系列新的特点。
二、皮亚佐拉的钢琴作品的特点
以下就皮亚佐拉的钢琴作品中富有特点的音型、节拍和节奏作一些简单分析。
1．音型的运用
皮亚佐拉在使用经过句音型的时候，有着他的独特之“笔”，他会在一个非常短小的经过句中，把<1－7>这七个音符全部运用。倘若再对这七个音符仔细研究一下，还会发现这些音程均为三度关系，而这七个音的组合其实是个由三度关系叠置的十三和弦。
谱例1：《斯坦塔托》（钢琴小品）
另外，由于皮亚佐拉从导师金纳斯特拉（Ginastera）那里接受了新古典主义的创作技法，因此半音阶的经过句在作品中也频繁地被使用。
谱例2：《斯坦塔托》（钢琴小品）
皮亚佐拉在音阶的使用上，还喜欢运用单纯的逐个递进的创作手法。如探戈曲《自由》。
谱例3：《自由》
2. 节拍的运用
在皮亚佐拉的作品中，节拍的运用也是丰富多彩的。如《钢琴奏鸣曲》（第1首）中，三个乐章的节拍各不相同。在第一乐章中，4/4拍的半音阶的第1主题和3/4拍的第2主题混合在一起，使主题产生了复杂的节奏感。在第二乐章中，连续的8个变奏更是频繁地进行着节拍的切换，主题先从4/4拍开始，逐渐变化为2/4－3/4－6/8－4/4－4/4－4/4－3/4，到最后回归主题，使得该变奏的形式呈着多样化的格局。第三乐章则为2/4拍，是以8分音符和16分音符为主的托卡塔形式。
又如《钢琴组曲》（第2首）中，首先在“前奏曲”（Preludio）中运用了12/8拍，紧接着在“西西里舞曲”（Siciliana）中则运用了6/8拍和9/8拍的形式，再在“托卡塔”（Toccata）的部分中运用了3/4拍，但值得注意的是左手却运用了6/8拍，该乐段中这两种音型交替反复使用，直至全曲结束。
从上述两例中，可以发现皮亚佐拉在节拍的运用上，不仅仅使用传统的单拍子形式(如2拍子、4拍子等)，混合拍子在作品中也屡屡出现（12/8拍、6/8拍和9/8拍等），音乐也由此变得复杂且有生机。
3.节奏的运用
探戈存在以下几种基本节奏：
a.康同贝（Candombe）：非洲的奴隶敲击太鼓进行跳舞的一种仪式的节奏（1870年左右）。①
b.古瓦希拉（Guajira）：18世纪起源于西班牙的3拍子民谣，运用在即兴诗和舞蹈中（1800—1850年左右），逐步转化为6/8拍和3/4拍两者结合的复杂的节奏型，到1870—1880年左右，转变成为吉他伴奏，节奏由复杂变为简单。②
c．哈巴涅拉（Habamera）：最初来源于古巴，后成为面向欧洲为主的意大利民谣，又称拉•唐桑（La-danza）（1855年－1875年左右），它与黑奴带来的非洲舞曲等构成了探戈节奏与旋律的原型。③
d．探戈－昂塔鲁斯（Tango-Andalonse）：a与c组合而成（即康同贝与哈巴涅拉的组合），是太鼓的节奏和悠扬的非洲舞曲旋律的完美结合，具有强烈的节奏感。
对于探戈来说，节奏是最为重要的，也是最容易被理解的。皮亚佐拉对阿根廷传统的探戈进行了彻底的革命，产生了一种新的探戈形式（QuintetoTangoNuevo），④具体表现为以下几个方面：
a．皮亚佐拉的音乐中不仅继承了阿根廷探戈的基本节奏 2拍子反复的强烈的节奏，在此基础上，皮亚佐拉还对其进行了新的改变。也就是在每拍的后半拍上加上重音，这成为皮亚佐拉创作中的一个重要节奏型。
b. 皮亚佐拉常用的节奏音型是由古巴草原向欧洲流传的哈巴涅拉以及西班牙的探戈混合而成的音型，原本是4拍子，但皮亚佐拉改变其拍子，使之成为3＋3＋2的音型。3＋3＋2＝8个半拍，皮亚佐拉还在拍头的第1拍上注上重音，丰富了节奏感。在《米隆加》(Milonga)的节奏音型中，全部55小节中就有44小节（占80％）运用了该节奏型。
谱例4：《米隆加》（钢琴小品）
如果用音符来表示则为
现在的皮亚佐拉将该节奏变化为⑤
c．皮亚佐拉在音乐中还喜欢运用切分音，以前的探戈中并非没有切分音，但皮亚佐拉在作品中却频繁使用，往往与低声部的固定节奏音型形成一定的对比，从不孤立地单独使用。因为皮亚佐拉不喜欢非常单一的以一拍一拍形式出现的节奏音型，而是在很长的乐句里加上细致的、微妙的节奏变化，使音乐富有动感，所以切分音就成为了他的所爱。
基于上述因素，不难发现节奏在皮亚佐拉的音乐中占有重要的地位。
三、结语
追述音乐的发展，探戈音乐与古典音乐在不同的阶层孕育和发展，它们有着很大的相异性，皮亚佐拉用他那充满个性的音乐语言，创造了一种脱胎于民间而风格庄重的绅士音乐，将探戈推到了一个无法估量的高度，给后人留下了丰厚的音乐遗产，成为此领域中一座难以逾越的高峰。现在，国内对皮亚佐拉手风琴演奏的探戈较为熟悉，但皮亚佐拉的钢琴音乐还尚少渗透，希望他的钢琴作品能逐渐被大众接受和喜爱。
附录一：皮亚佐拉的生平介绍
皮亚佐拉戏剧性的人生可划分为如下3个阶段。
第1阶段：初期（1921年——1953年）
成长在纽约——对手风琴的无趣——热衷于手风琴——放弃探戈音乐，寄希望于古典音乐——交响乐《布宜诺斯艾利斯》获国际大赛的第1名。
皮亚佐拉于1921年3月11日出生于阿根廷的马•德•普拉塔 (Mar del Plata)。为了孩子能受到良好的教育，1925年，全家移居到了美国的纽约。在皮亚佐拉8岁时，父亲花19美元买了一台手风琴送给他，最初的皮亚佐拉没有一点兴趣，但是到了10岁时，兴趣大增，每天要练习很多时间，奠定了作为手风琴演奏家的基础。1933年，皮亚佐拉在纽约听了移居匈牙利的演奏家Bela Wilda的演奏后，深受感动，并得到了大师的指点，学习了基础的和声和作曲技法。
1939年，皮亚佐拉作为托罗依罗乐团的手风琴演奏者，在阿根廷首都布宜诺斯艾利斯定居下来，但那时的皮亚佐拉始终没有忘记要成为古典音乐家的梦想，跟随著名的作曲家希那斯特拉继续学习，从此奠定了正规的和声基础。此时的皮亚佐拉希望自己能够成为古典音乐的作曲家，他认为“我让我自己成为自学的天才，我对探戈的感觉不好，我已经放弃它了。取而代之的，我是个交响曲、序曲、钢琴协奏曲、室内乐、奏鸣曲的作曲家，每一秒钟在我的脑海中会投射出上百万个音符。”于是，皮亚佐拉几乎完全放弃了探戈音乐，开始探寻新的命运。1951年创作的交响乐《布宜诺斯艾利斯》获得了法比安•塞维滋基(Fabien Sevitzky)大赛的第1名。也正是由于这首作品，为皮亚佐拉赢得了法国政府提供的奖学金，从此创作有了质的飞跃。
第2阶段：中期（1954年—1960年）
巴黎留学——矛盾中摇晃、挣扎——茅塞顿开，锁定探戈——探戈革命——《阿帝诺斯－诺你诺》。
1954年8月，皮亚佐拉到法国跟随著名的作曲家纳第阿•普朗热(NadiaBoulanger) 学习。在这段时期里，皮亚佐拉在探戈和古典音乐之间摇晃。此时，导师给了影响他一生的珍贵建议：“探戈才是你的真正原创动力。”皮亚佐拉茅塞顿开，决定锁定探戈。
在探戈音乐的发源地——阿根廷的首都布宜诺斯艾利斯，人们穿也探戈、行也探戈，整个城市弥漫了狂野激情和悲伤哀怨的情调。20世纪20年代，卡洛斯•卡德尔和他的舞蹈队将探戈舞带到了巴黎，改变了探戈只在下层社会中传播的卑贱出身，从此，探戈征服了巴黎。同时为了迎合上流社会，又对探戈进行了一些修整，淡化了探戈中充满野性的成分，使之优雅，渐渐成为了一种国际性的舞蹈种类，在世界范围内拥有了无数的探戈迷。难怪阿根廷前总统卡洛斯•梅耶曾这样说过，“Tango is happiness!——探戈就是幸福！”探戈的激情和艺术，促使了皮亚佐拉的回国发展。
1955年7月，从巴黎学成回国的皮亚佐拉组成了8重奏乐团与管弦乐队，以演奏探戈音乐为主，使得布宜诺斯艾利斯成了一座充满别样探戈气味的城市。1959年，皮亚佐拉的父亲去世，皮亚佐拉写出了著名的代表作《阿帝诺斯－诺你诺》，对于这首作品，他曾说道：“当时，我好像被天使包围着，使我写出如此绝妙的音符，我甚至对这一切深感怀疑。”⑥对于这首作品，皮亚佐拉至少采用了二十种不同的配器来演奏，这是一首伴随了他一生的杰作。自此以后，代表作接连不断。
第3阶段后期（1961年——1992年）
九重奏乐团——《自由》——电子乐团——彻底的“自由”
1971年以后，皮亚佐拉结成九重奏乐团。1974年，他移居意大利，录成了闻名世界的探戈曲《自由》，全曲先以充满力量感的节奏出现，强大的力量逐渐转化为温柔，最后成为甜蜜。乐曲因有很强的艺术性，博得了大众的喜爱。1975年，他又组建了电子乐团，从这以后，皮亚佐拉在世界各地进行演奏。1987年8月，在纽约滞留期间写了钢琴曲《天鹅》与《前奏曲》（三首）。1990年8月4日，皮亚佐拉突发脑溢血，从此卧病不起，于1992年7月4日去世，享年71岁。
1马小芸.《現代のアルゼンチンのピアノ作品における特徴の研究―ヒナステラとピアソラを中心に》，2006.3：p52
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马小芸常熟理工学院音乐系讲师
现代钢琴教学 篇6
共有来自全世界的40岁以下的39位青年钢琴家，参加了本届比赛。其中日本8名，俄罗斯6名，希腊4名。台湾的詹昕婷小姐（英国籍）是唯一一位华裔演奏家（图左三），此次表现也不俗，获得了鼓励奖。
获得第一名的Wilhem Latchoumia在决赛中的室内乐演奏中，表现出出色的音乐素养。他将保罗·兴德米特的钢琴四重奏演奏得光彩夺目。此外，委约作品《Serie noire》是一首钢琴与电子音乐的组合作品，他的演奏不但与电子音乐配合准确，而且能够表现出鲜明的音乐个性。
“奥尔良国际钢琴比赛”每两年举办一次。今年是第七届。在欧洲众多的钢琴比赛中，它显得极为不寻常。比赛中演奏的所有曲目，都是创作于从1900年之后的近现代作品。此届比赛指定了4位作曲家的作品：如法国作曲家Andre Boucourechliev（1925—1997）和 Maurice Ohana (1914—1992)的作品作为第一轮和第二轮的必奏曲目。德国作曲家Paul Hindemith(1895-1963)作于1938年的钢琴四重奏和法国青年作曲家Pierre Jodlowski(1971)的委约作品《Serie noire》被指定为决赛曲目。
为了鼓励演奏尚未出版的新作品，该比赛还特设了一个作品奖。已年逾70高龄的该比赛组委会主席、著名钢琴家Francoise Thinat 女士（右一），独自操办这个赛事已经14年。她在比赛的祝辞中写道：年轻的钢琴家来到奥尔良，要为演奏20世纪的经典钢琴作品而努力，诸如从德彪西、斯克里亚宾到梅西安、施托克豪森等等，…… 而我们还希望能听到将来的重要作品。”
比赛评委会由来自不同国家的7位大师组成。中国上海音乐学院院长杨立青（图右二）教授也出任此届比赛评委。
第一轮的演奏时间每人40分钟，第二轮为一个小时。经过3天的初赛，有10位选手进入了第二轮。原定进入决赛有3个名额，但由于有两个选手分数相同，结果有四位选手参加了决赛，也使得决赛音乐会进行到凌晨一点。
当翻开比赛曲目单，让人强烈地感受到该比赛是对二十世纪所有钢琴代表性作品的展示与回顾。从德彪西、拉威尔、到斯特拉文斯基再到梅西安，从斯克里亚宾到肖斯塔科维奇，以及巴托克等等。二十世纪的几乎所有流派，所有地域的重要钢琴作品都被囊括在该比赛的曲目中。年轻的钢琴家应该如何演绎这些近现代作品呢？评委以何等的角度来评判？该比赛也给人带来一些有意思的悬念。现代钢琴作品中充斥着许多非传统的演奏技巧，如用手臂敲击音块，击打琴板等等。如何将这些特殊的声音效果变为能传达音乐的语言，就是对演奏家的考验了。