钢琴基础课

钢琴基础课（精选12篇）

钢琴基础课 篇1

艺校音乐专业钢琴基础课所采用的是传统的一对一教学模式, 此模式从有钢琴教学开始已有近三百年的历史。针对目前音乐专业大规模扩招和钢琴教学飞速发展所引发的师资供求矛盾等现状, 本文提出在钢琴基础课教学中采用钢琴集体课教学模式的设想。

一、钢琴一对一教学模式利弊分析

在一对一钢琴教学历史中, 有关琴技、琴艺、琴韵等方面的理论文献可谓丰富多彩, 钢琴大师、钢琴家及国内外获奖者层出不穷。此教学模式在个体差异训练方面有较大的优越性, 比较适合于钢琴专业教学的需要。但在艺校音乐专业 (声乐、器乐) 钢琴基础课普修教学中, 却存在着诸多不利的因素。

其一:一对一钢琴教学是一种封闭的教学模式, 它带来了一种传统的、师徒制的教学体系。学生的钢琴知识和操作技能基本上来源于一位教师, 教学的效果基本上取决于教师的经验, 尤其是在教材的选择布局及技能传授程序方面, 可以说完全是以教师的经验为基础而进行的。教师的经验是否准确, 是否符合教学规律, 是否经过了科学的验证等, 是很难做出判定的。虽说各学校均有教学计划、教学大纲等, 但在此教学模式的具体课时中, 大纲的概念是极其模糊和笼统的。在这种封闭的教学模式体系中, 在以教师主观意识和经验基础前提下所进行的课时内, 极容易导致教师在技能传授、教学程序、教材选择、教材布局以及音乐知识等方面的随意性和片面性, 容易造成知识及技能结构上的断层。

其二:一对一教学在钢琴的初、中级阶段, 基本上是以示范模仿为主要训练手段。在模仿、概括、求解、推理、反馈等教法中, 模仿教法是较低级的教法, 其教学效率是较差的, 尤其在钢琴基础课的教学过程中, 学生往往只注意模仿的对象, 模仿对了就等于学会了, 不能站在理解的基础上进行, 忽略了钢琴综合音乐知识在初级阶段的作用。而实际上, 钢琴教学是由操作技能和音乐知识两大部分组成, 二者之间是相辅相成、不可分割的有机整体。在整个教学过程中, 二者随程度的进展不断发生变化。初、中级阶段钢琴音乐知识起作用较大, 随着操作技能的提高, 音乐知识的作用相对减弱, 而操作技能在教学过程中所呈趋势是由弱到强。由此可见, 钢琴音乐知识在钢琴基础教学阶段的重要性, 而一对一教学模式恰恰顾及不到这一点, 不能对其全面、系统地予以解决。

二、钢琴集体课教学模式的可行性

克服和解决钢琴一对一教学模式在基础课教学阶段的弊端, 在当今社会是完全可能的, 即采用钢琴集体课教学模式。所谓钢琴集体课是指在一位教师的指导下, 多人在同一场合同时学习钢琴的一种教学模式。此模式必须采用现代高科技产品电子数码钢琴作教具。该产品具有三角架钢琴的音色和键感, 有延音踏板、录音磁卡及多种不同的音色功能。它琴体低、重量轻、体积小。课时中可配戴耳机, 起到静音作用, 解决了相互干扰等问题, 使同时学习者有相对的自由度。学生的课后作业亦可在同一场合互不影响的共同练习, 并可将练成的作业输入磁卡, 教师利用磁卡功能像家庭作业那样进行批改。学习练习中, 教师还可利用监控装置随时检查或校正学生的练习状况, 非常适合钢琴集体课教学模式的需要。在高科技产品数码钢琴集体课教学模式中, 能解决一对一教学模式的诸多不利因素, 具体优点如下:

首先, 在钢琴集体课教学模式中, 教学的机制不再是一对一教学模式中封闭的、紧密的师徒制体系了, 学习的方法不再以模仿教学为一统。封闭的教学模式打破后, 师与生、生与生之间在课时中将会出现交互式的学习方法。钢琴音乐知识和操作技能在此模式中将综合化、系统化、程序化, 教学大纲将严格地规定课时的学习内容、方法、目的、要求和程序。教师在课时中照章行事, 什么时候弹断奏, 什么时候学连奏, 跳音怎么练习, 双音何时进入, 是先进行双音还是先进行和弦, 是同时进入还是依次而行等技术问题, 将按部就班地、系统地、规范地程序化, 甚至钢琴乐曲的基本表现方法及其演奏风格也将被系统地分析, 找出其基本的共同点, 依照科学有序地进行处理。

其次, 因器材的优点和有利的集体场合, 非常适应合奏训练。伴随着程度、技能、知识等方面的提高, 合奏训练在课时中将占一定的比例。有了不同声部的合奏训练, 有了不同声部的音色变化, 极大地丰富了弹奏方法, 提高了学生的学习兴趣和积极性。根据合奏训练的要求和特点, 学生的试奏能力、协作能力将大幅度地提高。在此环境中, 学生会产生强烈的竞争意识, 课时竞争机制的引入, 将会带来学生能力方面的飞跃和发展, 会形成相互促进共同提高的局面。

三、钢琴集体课教学模式的必要性

采用钢琴集体教学模式不仅是可能的, 而且是必要的, 其理由如下:

1.艺校音乐专业的培养目标是为社会和专业团体输送音乐人才, 其要求是多方面、综合音乐知识和多方面的专业技能的。虽然一对一教学模式在培养钢琴专业演奏人材上有突出的优势。但其优势对于以培养社区音乐活动和专业演出为目标的教学体系来讲, 恰恰成为劣势。

2.钢琴基础课的教学目的, 是让学生掌握有关钢琴的基本知识和基本技能, 是钢琴教学的初级阶段, 一对一教学模式在操作技能高度复杂, 演奏要求高度精确的中、高级阶段有其优势, 但在初级阶段其教育效益低下。而采用集体课教学模式, 却能够最大限度地满足教学目的需要。

3.艺校音乐专业钢琴课开设三年, 钢琴基础课为108个学时, 按每班三十名学生, 每课时上两名学生计算, 每周需安排课时十五节, 如采用集体课教学模式可成几何倍数地减少课时。如在集体课教学模式中增加课时, 其钢琴教学内容可成倍地增加。

4.按一对一教学模式每课时上两名学生计算, 其个体教学时间为平均每生二十多分钟, 集体课教学模式根据场地大小、器材的多少同时学习, 其个体学习时间不等于总体时间的平均值。采用集体课教学模式可增加教学内容, 缩短教学时间, 加快学习速度, 同时也减少了初级阶段教师的多次重复劳动, 节省师资, 解决了艺校音乐专业钢琴基础课及钢琴普及教学师资供求的矛盾。

5.目前, 全国各艺校教育经费缺口较大, 而音乐专业所需资金较多, 在器材、场地等不足的状况下, 采用集体课教学模式可节省教学成本。 (1) 表面看来, 电子数码钢琴价格高于普通钢琴, 但普通钢琴每年的维修、调律费用将是一大笔开支。而电子数码钢琴一般不需要维修, 更不需要调律, 所以, 采用电子数码钢琴可节省资金; (2) 普通立式钢琴不能静音, 每架琴必须独置一室, 建造每琴一室的琴房是一项较大的投资。电子数码钢琴因具有静音功能, 同一教室可置放几十架, 可节省场地, 减少成本。

综上所述, 笔者通过对钢琴一对一及集体课教学模式的分析, 论证了在艺校音乐专业钢琴基础课中采用钢琴集体教学模式的可行性, 并通过对艺校音乐专业的培养目标、课程设置、课时安排、成本核算等分析, 提出在艺校音乐专业钢琴基础课教学中采用钢琴集体课教学模式的必要性。

钢琴基础课 篇2

教学内容：单纯音符的双手配合练习教学目标：

1、掌握二拍子、三拍子、四拍子中单纯音符的双手配合，提高弹奏的协调性，加强双手的控制能力。

2、使学生能够完整、连贯地弹奏乐曲。教学重点：

不同拍子的弹奏特点。教学难点： 双手的协调配合。教学方法：

讨论法、讲解法、欣赏法、评价法、练习法等等。教学时量： 3课时 教学过程：

一、回课：

1、请2—3名学生到台上演奏《快乐的罗嗦》。

2、请学生点评，教师总结。

3、请学生回答上周教师提出的探索问题 *跳音能给你带来什么样的视听感受？ *如何获得干净、弹性的跳音效果？

4、教师总结跳音的弹奏要领并范奏《快乐的罗嗦》。

二、天天练练：通过讲述、示范、模仿、练习四个步骤来完成。

1、放松协调练习。

2、手指独立支撑练习。

3、节奏、节拍的练习。

三、节奏、节拍的练习。讲述：

1、节奏、节拍的概念。

节奏：长短相同或不同的音，按一定的规律组织起来叫做节奏。节拍：指相同时值的强拍与弱拍有规律地循环出现。在音乐中节奏和节拍总是交织在一起同时存在的。

2、常见节拍的节奏练习。

在进行二拍子、三拍子、四拍子等常见音乐节拍的弹奏时，注意强弱规律。二拍子——强弱、三拍子——强弱弱、四拍子——强弱次强弱。

练习：

1、从以前弹过的练习中，分别抽出有二拍子、三拍子、四拍子的节奏练习片段。

2、双手结合节奏、节拍的训练。

四、基本练习：

1、D大调和F大调音阶琶音（两个八度）练习：复习两个八度的C大调音阶、琶音。讲述：音阶：将C大调音阶中所有的音向上移高一个全音。第一个音从Re开始，结尾在Re上，将Fa和Do升高半个音（弹黑键），指法同C大调。

琶音：先找到Re升Fa、La三个音的位置反复进行练习。右手指法同C大调，左手上行指法5321321，下行原路返回。

归纳：扩指时手指伸开，手掌支撑到位，手腕横向移动重心转移快。

2、F大调音阶琶音（两个八度）

讲述：音阶:第一个音从Fa 开始，结尾在Fa上。将Si 降低半个音（弹黑键）。右手上行指法1234123、12341234，下行原路返回。结尾在4指上。左手指法同C大调。

琶音:找到FaLaDo三个音的位置反复进行练习。

右手指法同C大调，左手上行指法5421421，下行原路返回。

归纳：

1、手臂、手腕放松，指尖力量集中。

2、转指、跨指动作迅速。

3、先分手慢练，熟练后再合手。

4、双手弹奏时声音要整齐统一。

五、练习曲 1： 599 第13首

感知： 教师示范该曲，学生初步感知旋律的节奏特点。

讲述： 这是首四四拍的练习曲，左手以两个声部的形式出现即在保持一个四拍全音符的同时，弹出三个四分音符的断奏在第一小节的右手最后一个音的上方出现了一个“＞”记号，这是一个重音记号，要求有“＞”记号的音要弹得重一些。练习：

＊ 带学生划拍唱谱，连奏连贯，跳奏断开。

＊ 带学生练习第一段，熟悉节奏型，八分音符、二分音符节拍弹准确。指法规范，连跳分明。

＊ 右手在第二行的第二小节出现了连续四个八分音符的小连线，即“落滚”，速度加快后可能会由于方法不当而造成手腕和声音的僵硬。左手也可能在照顾两个声部时出现手腕、手臂紧张的现象，所以要重点练习。

＊ 在练习左手二声部的伴奏时，若能让手腕在弹完第一个四拍的音后立刻放松下来，后面的断奏将会容易很多。

＊ 左手在第三和第四小节之间要求五指的B音和四指的C音保持连贯。在本练习里出现了5次，一定要注意它们之间的连贯弹奏。2、599 第28首

感知：教师示范，学生找出需要重点练习的小节。

讲述：这是首四四拍的练习曲，右手部分以大跨度的音符组成，旋律明亮，富有朝气，多为小连线结构。左手为连贯的分解和弦。练习：

＊ 带学生划拍唱谱，连奏连贯，跳奏断开。带学生练习第一行，熟悉节奏型，八分音符、四分音符、二分音符节拍弹准确。指法规范，连跳分明。

＊ 区别左右手在弹法、音色、力度上的变化。右手有连有跳，音色明亮而富有弹性，左手要弹得均匀、柔和、连贯。

＊ 单手熟练之后由两位同学进行合奏。

六、乐曲练习：《湖上天鹅》

感知：教师示范该曲，学生初步感知乐曲的音乐情绪。讲述：湖上天鹅是一首四三拍的乐曲，旋律体现了音调的明暗法正如画家用明暗法绘制美丽的图画似的，我们用音调的明暗法为音乐的景象增添色彩。要尽一切使我们的乐曲流动起来。乐曲由四句构成，八小节为一句。练习：

＊ 将学生分为四组，每组练习一句旋律。＊ 检查学生练习情况，进行旋律接龙。＊ 让学生自由配对进行合练。

＊ 记忆本首乐曲中所用的表情记号的意义。

七、课堂练习：

学生分手练习新学乐曲，熟练后，两个人一组合练，相互纠正。

八、总结：

钢琴基础课 篇3

在教学或考试中有些学生对乐曲没有真正理解，具体表现在不能正确把握乐曲的风格、把握不准对乐曲的速度及强弱等基本要求、演奏技术不能充分运用、心理紧张造成技术动作变形等方面。出现以上种种现象表明学生的音乐素养较差，作为教师在教学中要注重学生音乐素养的培养。

一、学生音乐素养较差的根源

1.学生在平时的学习过程中不注意知识的积累，主动性较差，依赖性较强。如：有的学生在老师布置一首新曲时，总是习惯让老师先给他示范地演奏一遍，否则就不知道怎样去练曲子。

2.不能把学过的知识运用到自己的演奏当中去。其实每首乐曲的演奏标记与要求通常是很明确的，包括速度、强弱、指法、弹奏技术等等。学生应该把谱面的要求看懂，按照要求去演奏，但往往一部分学生却不这样做，就好像这些标记不存在一样。

3.不了解各种技术练习的目的及其应用。课下练习无规律，不重视一些基本功的训练，不明确那些练习是每天必练的内容，表现在弹了几年琴连最基本的音阶都弹不好。

4.知识脱节，忽视了音乐专业课各个学科之间的联系。

5.教师的引导作用发挥得不好。在平时的教学中，忽视了对学生全面发展的教育，把自己的教学孤立起来，使学生对于某种技术训练的目的不明确，技术训练和实际演奏脱节，以至于造成学生每天的练习主次不分，顺序不分，没能养成良好的练习习惯。

6.集体汇课和舞台的锻炼机会少，在考试过程中，造成学生的心理负担过重，反映了学生的心理素质较差，影响了正常水平的发挥等等。

二、教学中应注重学生音乐素养的培养

学生的音乐素养差异，除了学生自身的原因外，更主要的是与我们平时的教学有着直接的关系，与教师的培养、引导、影响是分不开的。俗话说：“有什么样的老师，就培养出什么样的学生”，教师对学生的影响是非常重要的。那么，在今后的教学中注重对学生音乐素养的培养，应该引起每位教师的足够重视。具体做法应从以下几个方面考虑：

1.教师要面对新的形势、新的挑战，认清自己肩上的重担，在思想上跟上时代发展的步伐，不断更新自己的专业知识，提高自身的音乐素养，要不断地“充电”。

2.在教学中切记不要把学生培养成为一个“技术”能手，但这并不意味着技术不重要，应让学生理解技术训练在实际演奏中的作用，让学生练习的目的明确，技术的训练是为了更好演奏作品的需要，使他们练习时不感到枯燥。

3.要不断改革教学方法，充实教学内容，引起学生的学习兴趣和积极性，如：有部分学生对流行歌曲改编的钢琴曲比较感兴趣，作为教师可以选一部分和目前学生程度相近的曲目，充实到教学内容中去。这样做并不会影响整体教学，同样能够达到你的教学目的。

4.教学中要不断渗透、引导学生感到学校开设的各门专业课程，不是孤立的，对他们的专业课的进步与发展都是至关重要的。如学生乐理学扎实，那么在演奏练习中遇到的各种记号、标记，他们就会很自然的按要求把这些记号、标记的意思弹出来。

5.要引导学生平时注意知识的积累，养成一个良好的练习习惯，如：当教师布置一首新曲时，要首先养成先分析作品的习惯，然后再进行练习，这样就能够准确地把握住练习的目的、要求及作品的风格。

6.要培养学生的学习主动性，充分发挥他们的主观能动性，根据所学的知识，动脑思考去完成每一首乐曲，对所学的知识能够举一反三，能够对教师布置的新曲目，根据自己的理解进行处理，发挥想象力。

7.要在专业技能培养的同时，加强心理素质的培养。俗话说得好：“台上一分钟，台下十年功。”如果心理素质不好，前面的努力将付诸东流。◆（作者单位：沈阳铁路机械学校）

谈高师院校钢琴基础课教学 篇4

钢琴教学作为钢琴音乐文化整体的构成部分, 我们倡导把手指的技术训练及完成每一部作品, 与更为深层次的人文素质教育结合起来, 使其成为一名不仅具有扎实的钢琴演奏基本功, 同时在音乐的感悟、理解、分析、创造, 以及音乐表演诸方面具有较高素养的学生。

一对基本技能、技巧的掌握

技能, 即掌握和运用专门技术的能力;技巧, 即表现在某一专业方面巧妙的技能。诚然, 对于一名初学钢琴的学生来说, 技能、技巧的训练与文化艺术修养的培育应该同步进行, 但后者是建立在前者基础之上的。

(一) 读谱

读谱是初学钢琴者首先要面对的课题。西方浪漫主义时期著名钢琴家舒曼 (1810—1856) 曾说:“必须训练自己, 使音乐在纸上也能一目了然。”说的就是读谱。正确的读谱方法应该是, 当拿到一首陌生的钢琴曲谱时, 首先要看清所演奏之作品的有关各种标记。如⒈符号。谱号、调号、拍号;⒉速度术语。即音乐进行时节拍的相对快慢程度, 一般标在乐曲开始处的谱表上方。如最缓慢、缓慢、广板、行板、小行板、中速、小快板、快板等;⒊表情术语。与速度术语一起标在乐曲开始处, 以表明全曲的奏法与性格。如热情的快板、如歌的行板, 也可在乐曲中间对旋律片段、乐句提出情感表现要求。如激动地、活泼地等;⒋曲谱审读。即对曲谱应完整地从头至尾唱几遍。其顺序为:第一遍重点看清音符的音高位置;第二遍着重看清音符的时值及各种节奏的长短组合;第三遍和第四遍则是在看唱时, 将乐曲的乐句划分出来, 并形成乐曲的结构意识, 之后则可进行正式练习。

读谱是一个看似简单, 但常被一些练琴者忽视的问题。如果急于求成匆匆上阵, 结果就会事与愿违, 使演奏不规范, 错误百出, 反而延误了练琴时间。

(二) 手指训练

手指训练包括右手触键练习和左手触键练习。其训练方法是先右手后左手, 训练中要把握三个要领:保持手型、手指独立和速度适应。

双手并用训练的注意要点为:1.注意二分音符的实际时值;2.注意三指的主动性与发音点;3.注意手指平均、手型稳定;4.下功夫进行双音连奏练习。

对于一些正式的练习曲, 其教学可分以下三个部分进行。

第一部分:主要通过看谱、唱谱和数拍, 训练学生的视奏能力。其技术要求可先限制在五度音程范围之内, 通过一些练习曲有重点地练习。此外, 还要进行双手独立、乐句的同向与反向, 以及同度音连线和左右手移位的练习。

第二部分:在练习过程中, 一些难点如速度稍快的最小时值八分音符, 左右手突破五度出现六、七直到八度的大跳音程, 以及三连音节奏、强弱记号的准确把握等等, 都要在练习中力求突破。

第三部分:一些新的技巧如装饰音、同音换指、切分节奏、双手交叉, 以及转调、附点节奏、三度双音、分解和弦、半音阶等, 都要注意保证质量、严格要求 (表情术语尽量做到, 规定速度用节拍器练习) 。最后则是对音乐理论基本知识的掌握。如对调式的认识与运用, 都是在教学进入更深入阶段时要注意的事项。

(三) 乐感培养

乐感, 是指对音乐的感受、理解和表现能力。对于一位初学钢琴的学生来说, 打好扎实的基本功, 进行纯技术的训练固然重要, 但对其乐感的培养, 也是一项要同时进行的不可忽视的教学内容。它对学生的未来发展, 是关系到成为一个钢琴演奏“匠”还是成为一名有综合素养的钢琴演奏家的大事。

从浪漫主义音乐美学的角度来看, 音乐是一种表情艺术, 是表达感情的, 能表现人的喜怒哀乐和复杂的心理境况。此外, 钢琴还能表现大自然的各种景致, 模拟自然界中美妙动人的音响, 这在许多钢琴家的作品中均有体现。如舒曼创作的《林中情景》 (包括九首乐曲) , 对森林的描写生动而又鲜明, 时而宏伟宽广, 时而神秘莫测。又如《幻想曲集》 (包括八首乐曲) , 其中有叙事的, 也有描写心理状态的。在这些曲子里, 自然景物被当作用以表现个人幻想和感情的媒介。训练时, 只有对这些音乐有了充分的感受、理解, 才能有利于学琴者的未来发展, 反之, 将会产生负面影响。

二对作品曲式结构及创作的文化历史背景的分析与了解

学会分析不同钢琴作品的体裁及所具有的曲式结构, 主要是弄清作曲家对本作品的整体构思, 以及每一部分的情感表现及技术要求。就如同建筑一幢房屋, 在施工前, 首先要通过房屋的设计图, 搞清整个房屋内部的结构布局。

奏鸣曲式是在钢琴音乐众多体裁中, 运用最为广泛的曲式结构, 是奏鸣曲第一乐章采用的一种结构形式。一般由三个部分构成:第一部分为呈示部, 包括主部、连接部、副部及小结尾。一般有两个主题, 彼此运用不同的材料, 并形成对比的关系;第二部分为展开部, 主要在不同的调性上加以发挥;第三部分为再现部, 即有变化地再现呈示部。对于奏鸣曲式的学习与分析, 初学者可以由浅入深, 由克列门蒂 (1752—1832) 的小奏鸣曲 (作品36之1) 开始。其虽程度浅, 规模小, 但整体的曲式结构完整。

回旋曲式是钢琴作品运用最早、最常用的曲式之一。是由同一主部和不同的插部多次循环交替而构成的曲式结构。它的特点是, 同一个主题中间插入多个材料, 从而使主题与新材料形成对比。但每个新材料奏出后, 必须回转到原主题, 使其成为ABACA的一种结构形式。

关于回旋曲式的结构特征, 可学习贝多芬 (1770—1827) 的钢琴小品《致爱丽丝》。该首钢琴曲, 是贝多芬为他的女学生爱丽丝创作的一首富于情趣、精巧别致的钢琴小品, 创作于1810年4月。全曲采用回旋式, 由五个部分 (ABA1CA2) 构成。主部 (A) 在全曲先后重复三次, 主部与主部之间, 先后有两个插部 (B、C) 加入, 并分别塑造了两个与主部不同的音乐形象。因此, 全曲鲜明展示了不同音乐个性的对比, 同时又有机地融合为一个整体。全曲充满情调趣味。

乐曲主部是以3/8拍的节奏, 在a小调上出现。旋律甜美动人。演奏时要注意旋律的流畅匀称, 其难点是旋律线从左手到右手, 两手衔接要天衣无缝。而其插部, 在技术训练上则要突破若干难点。

学会分析不同体裁钢琴作品的曲式结构, 对于演奏水平已达较高水平的学生来说固然重要, 但了解作曲家、作品产生的文化历史背景, 则是钢琴教学另一项不可忽视的内容。

西方音乐史表明, 处于一定时期的作曲家, 其创作理念和创作风格, 必然会受到他所处时代的政治制度、社会风潮、人文环境和价值取向等的的影响。

众所周知, 贝多芬是近代钢琴史上最伟大的钢琴大师。他所处的是作为欧洲资产阶级革命的主要标志的法国大革命时代。风起云涌的反封建斗争和蓬勃的资产阶级革命哺育了贝多芬;他创作体现出来的追求自由、平等和博爱, 以及资产阶级人道主义和人生观, 是他所处时代的具体反映;而人们对解放的追求、响往和对胜利凯旋的憧憬, 则是他创作的主要内容。如他的钢琴奏鸣曲《悲怆》, 全曲充满着斗争力量和热烈追求的激情, 是反抗残酷命运与黑暗势力, 企盼美好理想和幸福人生的雄伟诗篇。而另一首奏鸣曲《热情》, 则是一部规模宏大、气势磅礴的作品, 从另一个视角, 反映了贝多芬对时代的感触和认识。

肖邦 (1810—1849) 被誉为浪漫主义时期伟大的钢琴家、作曲家和“钢琴诗人”。他的可贵之处在于, 从不模仿前人, 完全按自己的标准创作, 从而极大地丰富了世界音乐文化的宝库, 使钢琴音乐达到了至高境界。

肖邦出生于波兰。他的祖国在近代数百年的历史中, 曾先后遭受到奥地利、普鲁士和俄国的瓜分, 直到第一次世界大战结束才获得独立。肖邦的一生, 就是在他的祖国失去独立的时期从事音乐创作实践活动的。可以断言, 如果没有肖邦, 波兰的音乐将黯然失色, 在世界音乐史中微不足道。肖邦通过他的钢琴音乐作品, 喊出了一个弱小民族争取民族独立, 反对外来入侵的不屈不挠的英勇斗争心声。这种宏大的时代激情, 可以说影响着他一生的创作。如他的《b小调谐谑曲》, 就是华沙起义之后的早期作品。起义激发的爱国热情和对祖国亲人的思念交织在一起, 构成了一幅既严峻而又温存的诗画。又如在巴黎全盛时期创作的《降b小调钢琴奏鸣曲 (1839) 其中的第3乐章《葬礼进行曲》, 全曲寄托着对华沙起义中为民族解放而英勇献身的烈士的哀思, 是肖邦音乐中最脍炙人口的篇章之一。

综上所述, 钢琴基础课教学是一项系统工程, 从内容上讲应包括技术性训练、音乐基本理论学习、作品及相关知识 (作曲家艺术道路及作品结构、精神内涵和创作的历史文化背景) 的了解和掌握等三个层面。教学中, 只要遵循科学的练琴方法, 必然水到渠成, 并到达成功的彼岸。

参考文献

[1]吴晓娜, 王健.钢琴音乐文化[M].武汉:武汉大学出版社2011.

[2]方百里.拜厄钢琴基础教程[M].上海:上海音乐出版社, 2013.

[3]人民音乐出版社编辑部.西洋百首名曲详解[M].北京:人民音乐出版社, 1987.

钢琴基础教学教案1 篇5

课 时：1 课时

课 型：集体课 执课教师：陈仕进 【教学内容】

1、基本技术：（1）熟练掌握《孩子们的哈农第2条》。

（2）熟练掌握双手弹奏C大调、a小调音阶。

2、练习曲：贝伦斯作品70之35。

3、乐 曲：学习《天真烂漫》 【教学目标】

1、基本技术：（1）能有针对性地训练各个手指，做到保持松弛的肩膀，完好的手型来弹奏。

（2）熟练掌握双手弹奏C大调、a小调音阶，熟练大、小调指法，能够积极主动挥动掌关节连接双手，使手指有力均衡发展。

2、练习曲：熟练掌握双音和跳音的演奏技巧，左手掌握好用正确的指法弹奏和弦的技巧，注意力度的对比变化。

3、乐曲：熟练掌握移位动作，做好手指转换练习，注意连跳结合，在十六分音符跑动时注意要均匀，注意乐曲中出现的音乐记号和小连线。

【教学重点】学习手指转换的技巧。

【教学难点】十六分音符的音阶跑动时注意手指弹奏的均匀和独立性。【教学过程】

1、强调弹奏的基本要求：

正确的坐姿：（1）重心稳定、靠前、身体放松，腰部要直，上身略向前倾；（2）座位的高低与座位离琴的远近要根据自身的条件来决定；（3）养成弹奏前调整座位的习惯；

正确的手型：最符合自然状态的手型就是好的手型手的状态是手指略向里自然弯曲，手呈半圆形，指尖和手腕基本在一条水平线上，手型既舒服自然、支撑力也最强。

利用以上要求来弹奏《孩子们的哈农》。

2、师：在琴上弹出《少女的祈祷》的音乐片段，并请学生注意乐曲中快速跑动乐句的特点。

生：思考乐句的规律是上行还是下行的？什么是音阶？

师：要求学生回答什么是音阶。

生：回答问题。

师：讲解C大调、a小调音阶的指法（圈起来的地方手指需要转换），即拇指应在3指下穿过，讲完后示范演奏一遍音阶，并请学生演奏一遍。

生：演奏音阶。

师：讲出学生的不足之处，并再一次示范音阶的正确弹法。

生：改正错误，然后先分手练习，后合手练习。

师：总结音阶的弹奏要点：能够积极主动的挥动掌关节自然连接双手，使手指有力均衡发展。

3、出示贝伦斯作品70之35

（注意圈起来的地方手指的转换和谱表的变化）

师：要求学生视奏练习。

生：认真视谱，并马上慢速练习。

师：总结学生的弹奏（指导学生练习换指练习是可以在弹奏前先将手放在键盘上，虎口张开，不必发出声音，在另四个手指相对不动的情况下，大拇指做转进转出的动作练习，并告诉学生手腕不可僵硬，应随着大拇指左右的动作来改变左右的角度，并细心体会手臂的放松感觉。）

生：按照师的要求练习。

师：示范错误的演奏，防止学生出现错误。错误的演奏即移位过程中出现声音不均匀，表现在拇指出现一个重音，师指出大拇指要有提前动作，转指是手腕左右的调节动作，不可向上抬起，大拇指正确的触键部位应是指尖的侧面，不能将大拇指一关节伸入键盘参与弹奏。

生：正确地演奏一遍。

4、师：示范演奏一遍《天真烂漫》，并请学生思考乐谱的曲式结构，乐曲的情绪和有关作曲家的知识。

（注意前面谱例圈起来处的手指转换，左手和弦的手位细微变化）

生：回答并思考： ⑴ 以自己所知道的知识简单介绍莫扎特； ⑵ 回答乐曲分为几段体和乐曲的情绪是怎样？

师：总结该曲为二部曲式，情绪活泼欢快。

（注意圈起来处的调号、断奏、连奏、F大调音阶、手指转换、高八度）

接下来讲解弹奏要点：（1）弹奏跳音时要注意放松把手臂提起来，手指自然弯曲手臂自然地落下来，按下键后要迅速提起；（2）十六分音符跑动时一定要注意均匀，双音要同时发出声音，不能一先一后，双音的跳音弹奏方法跟单音一致；（3）有小连线的地方一定要注意要弹连，如果是连跳结合要看好到底是跳音还是不跳；（4）弹奏音阶性旋律时，注意指尖站稳、撑住，手指第一关节不要塌下去，做到不要吃音、漏音，保持节奏均衡，速度平稳；（5）以不同的情绪及

风格来处理两段音乐。

生：听完讲解，弹奏一遍。

师：总结学生的不足之处，并示范一遍正确的演奏。

生：认真观看，并思考为什么自己的弹奏出现错误。师；总结。

5、布置作业：要求学生回去思考并总结老师讲过的弹奏要点，并复习这节课的内容。

【完课】

【教学札记】

1.音阶与和弦的分解练习是钢琴学习过程的基础部分，音清不清楚，有无颗粒性，手指触键部位对不对，弹得流畅否等等都会影响到以后的弹曲质量，教师要不厌其烦地强调它的重要性，而学生一定要弹熟。

2.随着时间的推移，可以把音阶与和弦的弹奏速度加快，八度增加，可以练到四个八度，然后做关系大小调与同主音大小调交换练习。

3.基础阶段要结合《哈农》与《599》来练习，增加练琴的趣味性，做到打好了基础而又不显得过于枯燥乏味。

4.虽然都是初学者，但由于每个人的身体协调能力都不同，学生完成作业的情况肯定也不一样，教师要有区别对待。对无法“喂饱”的学生可以适当加量，让他走快点对别的学生也是一种触动。

钢琴基础课 篇6

关键词：地方本科院校 钢琴课 “双基”教学 改革

地方本科院校在进行音乐教学的过程中，一项重要的专业主干课程就是钢琴。现阶段，我国地方本科院校在开展钢琴教学的过程中，针对“双基”教学方面还存很多的不足，包括课程设置不合理、教学模式单一、重视技能训练忽视技能的应用等。这些钢琴课“双基”教学中的缺陷，不仅不利于地方本科院校的钢琴课教学质量的提升，同时也不利于促进我国人才的全面成长。在这种情况下，本文首先对钢琴课“双基”教学进行了简要概述，并对地方本科院校钢琴课“双基”教学改革的必要性以及具体途径进行了详细分析，希望为我国人才的钢琴音乐素养的提升起到促进作用。

一、钢琴课“双基”教学概述

钢琴课“双基”包含两方面内容：一方面，钢琴理论知识的学习。其内容包含钢琴的音量、音色等具体构造；在钢琴演奏过程中应当掌握的基本姿势、手法以及最基本的乐理内容等。另一方面，钢琴基本技能的掌握。包括音程、琶音以及和旋等五种指法的练习[1]。教师在展开钢琴“双基”教学的过程中，应逐渐引导学生应用正确的指法对不同的曲谱进行弹奏，保证“双基”训练能够针对不同主题、风格以及内容的钢琴音乐展开。

在初步进行“双基”教学过程中，教师应引导学生对初级的乐理基础知识逐渐进行深刻的了解，并掌握一定读谱的技能。只有对这些基础知识进行充分的了解，学生才能够进行钢琴演奏技能的训练，也才能够在学习中取得一定成绩。

值得注意的是，在进行钢琴“双基”训练的过程中，学生必须拥有持之以恒的耐心，并在日非常练习过程中，不能够急于求成，而是应当做好循序渐进的准备[2]。教师对学生学习钢琴“双基”基础知识，应给予严格的要求，当发现学生技法以及对理论知识掌握不到位的时候，应及时的给予纠正，因此，教师在学生整个学习过程中的引导和指导作用是不容忽视的。

二、地方本科院校钢琴课“双基”教学改革的必要性

现阶段，我国多数地方本科院校在进行钢琴教学的过程中，都对“双基”教学产生了高度的重视，然而，在实际教学过程中，却仍然存在一定缺陷，具体内容如下：

（一）教学模式单一

同专业音乐院校相比，地方本科院校音乐专业学生具有基础知识和技能薄弱的特点，各地学生在对钢琴“双基”进行学习的过程中，教师必须采用有针对性的教学模式，才能够提升教学质量。这是因为，地方本科院校钢琴专业学生在学习过程中，部分学生拥有相对薄弱的钢琴基础，还有一部分学生甚至对五线谱等简单知识的识别都存在困难。针对基础知识差异性较大的学生，地方本科院校在积极对学生的钢琴“双基”展开教学的过程中，必须提升针对性，采用多样化的教学模式[3]。然而，现阶段，多数地方本科院校教师仍然沿用传统的教学模式，应用统一的方法对学生展开教育，这种教学模式不利于提升学生的学习效率。

（二）不合理的课程设置

现阶段，地方本科院校钢琴“双基”教学过程中，学生尽管能够对一定的钢琴演奏技能进行掌握，但是实际应用能力较低，这种脱节现象在技能掌握和应用中的存在，充分说明我国地方本科院校在对钢琴“双基”课程进行设置的过程中，已经无法满足社会对人才的要求。针对地方本科院校的学生来讲，其在进行钢琴知识学习的过程中，呈现出相对薄弱的基础功底[4]。现阶段，要想保证教师在教学过程中，提升人才的钢琴演奏能力以及内在素养，从而满足音乐培训机构以及教育系统的需求，必须提升教学内容以及模式的针对性，单纯的对学生演奏技能进行培养，忽视理论知识以及钢琴音乐情感的培养，从长远的角度来看，是不利于提升我国今后的钢琴音乐师资力量的。

（三）重视技能忽视运用

针对现阶段地方本科院校学生在学习钢琴知识过程中基础薄弱的现状，我国高校钢琴音乐教师在教学过程中，必须注重对学生基本功的训练，而钢琴教学的目的是实现对人才综合能力的全面培养，而不是以培养专业的钢琴演奏人员为出发点[5]。然而，我国多数地方本科院校钢琴教师在展开教学的过程中，都将重点放在了对学生演奏技能的培养上，课堂教学过程中，通过自身的演示，引导学生进行技能的模仿和训练，然而这种做法极大的忽视了对学生视奏能力的培养，学生尽管掌握了一定的演奏技能，但是在实际应用过程中，灵活性较低，演奏效果不佳。由此可见，现阶段积极加强地方本科院校钢琴课“双基”教学改革势在必行。

三、地方本科院校钢琴课“双基”教学改革的途径

针对我国地方本科院校钢琴“双基”教学中的不足，相关教师必须及时采取有效措施，对教学模式以及理念进行调整，从而为提升地方本科院校学生钢琴专业能力以及内在素养奠定良好的基础。在这一过程中，教师应当将钢琴课“双基”教学同练习曲、奏鸣曲等进行结合，引导学生对钢琴音乐进行欣赏的基础上，陶冶自身情操，在对钢琴音乐产生深刻认知的基础上，自主的进行“双基”训练，在不知不觉中提升自身的基本技能。

（一）应用练习曲加强对学生“双基”的培养

在“双基”教学中，练习曲作为重要的教学内容，其功能不容忽视。新时期，地方本科院校教师在积极提升钢琴“双基”教学质量的过程中，要想提升学生的学习兴趣，可以应用练习曲对学生的“双基”进行培养。即在教学过程中，同步进行练习曲和“双基”的教学[6]。多个乐句共同构成了每一首练习曲，在实际演奏过程中，演奏者需要对多种技巧进行应用，因此应用练习曲有助于提升学生的“双基”能力。例如，应用练习曲，有助于对学生音程、节拍以及和弦等的培养，同时也有助于对学生哈农、琶音等进行练习。学生较强的基本弹奏技能是保证学生更好的演奏一首练习曲的关键，因此二者同步实施，更有助于提升学生的钢琴音乐学习效率。学生进行相关的基本训练，才能够更好的掌握各种节奏以及和弦等知识，在对练习曲进行应用的过程中，能够有效的对学生的技能进行提升。

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通常情况下，教师在引导学生进行钢琴训练的过程中，对五指变奏、哈农、琶音等的训练都是以练习曲为主的，由此可见，练习曲同“双基”之间是紧密相连的，通过练习曲这一重要的媒介，才能够促使钢琴基本练习得到发展，这是因为，练习曲不仅建立在练习的基础之上，同时作为乐曲，其内部也包含着一定的音乐形象和乐句感[7]。因此，现阶段在积极提升“双基”训练质量的过程中，应当将练习曲的功能进行充分的发挥，这样一来，学生在长期的练习过程中，钢琴弹奏的能力将有所提升，同时自身内在的钢琴能力也能够取得一定发展。

（二）应用奏鸣曲加强对学生“双基”的培养

在所有的钢琴作品当中，奏鸣曲都发挥着基础性的作用，在促进学生弹奏能力得以提升的过程中，必须首先提升其对钢琴音乐作品内涵的了解，在大量接触各种钢琴音乐的过程中，逐渐形成特定的钢琴音乐组织结构以及逻辑思维，这些钢琴内在素养的锻炼，通常都需要对奏鸣曲这一重要的媒介进行应用。现阶段，我国多数地方本科院校在对学生“双基”能力进行培养的过程中，对奏鸣曲的应用通常都以《小奏鸣曲》为主，该钢琴音乐作品是由克勒编写的。

在对奏鸣曲进行升华的过程中，就产生了乐曲，这是音乐作品完整性的体现。乐曲具有自身的思想和形象，学生在对乐曲进行弹奏的过程中，必须将自身的想象力进行充分的发挥，同时将自身的情感进行充分的释放。而对各种钢琴技巧的应用，也是弹奏奏鸣曲的基础[8]。

例如，在对克列门第《小奏鸣曲》op.36N03第一乐章进行讲解的过程中，学生首先需要掌握的技能就是玄弹奏和断奏，在这两项训练过程中，学会需要有效的配合大臂和小臂的挥动，抓键感的培养需要对和弦弹奏进行应用，在以上基础训练的基础上，学生就能够灵活自如的把握弦跳音。而对琶音、音节等的训练，也有助于提升这一章演奏的质量。因此，双基在奏鸣曲的重要性是不容忽视的，而通过奏鸣曲的教学，也更有助于提升地方本科院校钢琴课“双基”教学质量。

四、结语

综上所述，同音乐专业学院相比，地方本科院校学生在学习音乐知识的过程中，存在基础知识相对薄弱的特点，因此，在提升其钢琴音乐素养的过程中，更应当注重对其理论知识以及演奏技能的“双基”训练。同时，要想提升教学质量，地方本科院校钢琴音乐教师在教学过程中，必须及时转变传统的教学理念及模式，综合应用多种途径，为提升学生的钢琴“双基”能力奠定良好的基础。

参考文献：

[1]周璇.基于全面素质教育理念下的钢琴教学改革探析[J].艺海，2014，（11）：142-143.

[2]郑国栋.音乐学教师教育类本科专业声乐课与钢琴课融合教学的改革思考——以钦州学院为例[J].艺术研究，2015，（03）：116-117.

[3]柳月.展示·问题与对策——从第三届高校音乐教育专业大学生基本功大赛谈音乐教学改革[J].曲靖师范学院学报，2015，（04）：122-124.

[4]周国安.对高师音教专业声乐、钢琴等技能技巧课实行“双选制”的利弊分析[J].艺术教育，2014，（02）：48-49.

[5]李梓郡.浅谈高师音教专业的改革与发展——参加音乐教育大学生基本功比赛有感[J].黄河之声，2013，（20）：28-30.

[6]马雁.高师钢琴课教学改革的构想——基于即兴伴奏能力培养的钢琴课教学[J].大舞台，2012，（02）：215-216.

[7]杨洋.转型背景下高师钢琴课教学改革的探索与思考——以肇庆学院音乐学院钢琴教学为例[J].肇庆学院学报，2016，（01）：85-89.

[8]郭春蓉.关于高等师范院校音乐专业钢琴课教学改革的探讨[J].长春师范学院学报（人文社会科学版），2014，（11）：160-162.

钢琴练习中应注重钢琴基础练习 篇7

钢琴的学习过程是不同于其他以传授知识为主的学科, 钢琴的学习过程基本是以实践为主体, 要经过反复的练习才能准确掌握钢琴的弹奏技能。钢琴的弹奏训练是一个漫长的学习过程, 在钢琴学习中基本功训练就显得尤为重要, 为此笔者在多年的钢琴教学中, 总结出一些行之有效的教学方法, 并在工作中收到了良好的教学效果。以下就是笔者在钢琴练习中认为最重要的几个方面:

一、正确的手型与正确的起步练习

这些是基本功训练中的基础, 也是钢琴弹奏的初学者必须掌握的。怎样掌握正确的弹奏手型很关键。有许多教师都要求学生的手型要做到“像握个鸡蛋一样”, 这种手型在实践弹奏中容易使初学者陷入紧张状态, 影响手指的灵活性。这些动作要领首先应找到双手放松时的感觉, 双手前臂平放桌面上, 掌心朝下放松在桌面上, 这时的手型必然是手掌稍微拱起, 手指成一个天然的弧线, 手腕部分是平放的, 这样的情况下学习者才能在自然的状态下进行训练, 让双手轻松上阵。手指的灵活度得到真正的释放。所以初学钢琴者应时刻提醒自己, 要自己始终保持最自然正确的弹奏手型。在弹奏中没有一成不变的姿势及手型。应在实践演奏中找出合理的演奏方式, 也就是不违背人体正常的肩、臂、腕到手的协调的自然的动作手型。将手自然平握放置到琴键上, 在肩、臂、腕的辅助作用下各指的力量才是均衡的。

二、手指在弹奏练习中的独立性

初学钢琴的人在掌握了正确的弹奏手型的基础上, 就要联系每个手指的独立触键能力, 即每个手指的独立性, 练习这一过程大多的人都会运用《哈农指法练习》作为教材, 但在练习时要时刻保持速度平稳, 指法稳定, 状态自然放松, 注意力集中, 手指起落动作要积极果断而又流畅自如。手指抬起的高度对于初学者的要求是尽量抬高手指, 但动作要合理不能过于夸张, 动作要求练习速度不要过快, 要准确到位, 下键的要主动、果断、快捷, 下键的同时各部要迅速放松, 保持掌关节积极主动, 手指自然柔和的弯曲, 用指尖中心去接触琴键, 这是保持手指独立性的关键。有些辅助动作也是必不可少的, 由上臂、肘、前臂、腕与手的协调动作来完成指尖的触键动作, 在乐曲进行中肩、臂、肘、腕要随时适应琴键运动的方向与琴键处于贯通状态, 所以说手、腕、肘、臂、肩保持着有机密切的联系, 良好的协调性对放松的弹奏大有好处。

三、钢琴的弹奏技巧训练

在钢琴演奏中有许多弹奏技巧, 多种技法都各有不同, 下面例举几种:非连音奏法:非连音奏法就是音与音之间应断开来弹奏, 联系中有点枯燥;但是这一联系非常重要, 在弹奏时应用

中经过再次的个人加工整理。要想更深刻、更形象地表现这些词句语气、腔调及歌曲的思想感情, 演唱者还必须依据歌词及其文学内涵充分发挥联想与想象, 即“未成曲调先有情”, 积极进行心理转换, 使自己完全进入角色和场景, 忘我地渗入角色的心境和情绪发展, 使歌声饱含情感, 在随同旋律的高低起伏中完美地塑造艺术形象。

结语

声乐主要通过歌词来传递情感, 而歌词作为语言艺术的表现对象, 文学性是它的基本属性。从审美角度来说, 歌词也不可能失去其文学性孤立地成为语言“声音”, 从而仅仅成为演唱者炫耀其声音技能所采用的一种方式。把握歌词中所包含的文学性内容, 对作品进行全面分析, 才能在演唱中真正做到词曲并茂, 和谐统一, 完美地表达歌曲的思想感情。

手臂带动手腕, 然后松弛下落在琴键上。非连奏要求——高音清楚、稳定。还有跳音、连音奏法等:都要准确掌握动作要领, 学生在掌握了简单技法之后, 音阶和琶音的联系也是非常必要的, 这里可选用大调和小调的音节及琶音作为练习曲目。首先音阶练习可以进一步加强手指的独立性喝灵活性, 并可以使所有的手指都能得到练习, 提高手指的控制与运用能力, 琶音演奏是和弦演奏的基础, 也是基本功训练的重要内容之一。初学者大都先练习三个音或四个音一组的琶音练习, 这种琶音练习还可以强化弹奏者手的开度。在琶音联系中最重要的是手位的转移, 手位的转移可以通过腕关节的带动和肘部的配合;要注意的是避免大指重音出现, 保证整体的均匀、流畅。

和弦的弹奏是基本功训练较难掌握的, 有些学生在弹奏中不注意和弦的练习, 经常会出现声音不统一、不饱满等情况, 要解决这些问题就要要求学生在训练时弹奏一些时值较长的和弦, 并要求弹奏和弦弹奏法的先决先解是, 从肩部至手部都要放松, 在弹奏中要进行科学的臂重控制;这样可以获得良好的指尖感觉和良好的弹奏姿势。正确的演奏方法可以使演奏者感觉到指端与全身所有部位却处于一种积极地演奏状态, 全身的活力集中在指端, 在开始弹奏的瞬间, 全身的重力切入琴键, 从而得到丰满的高音效果。

四、钢琴弹奏力度控制要求

钢琴弹奏的力度可以说是演奏中的调节剂, 合理的力度安排可以增强演奏作品的艺术表现力和感染力, 力度的大与小要按实际演奏作品来定, 在实际演奏中的强弱对比是钢琴演奏的重要表现手段之一, 鲜明的力度对比变化会丰富我们的演奏效果, 不断变化的演奏力度会最大体现钢琴演奏的艺术张力。改变钢琴演奏力度的方法有多种, 如:手指触键速度对钢琴弹奏力度的影响、触键高度对钢琴弹奏力度的影响、用力部位对钢琴弹奏力度的影响、手指触键的位置对钢琴弹奏力度的影响等。在现实演奏中我们要对不同时期不同风格的钢琴作品, 在力度上作出不同的处理与对待。

五、钢琴练习质量的全面要求

钢琴练习中的练习质量非常重要, 因为钢琴弹奏的技能有多种分类, 所以要求练习者要掌握的技术要领也是多样的, 如:分解和弦式进行技术、双音技术、八度技术等。练习者只掌握某种演奏技术就会在以后的练习中受到技术局限, 练习者应该对各种类型的演奏技术多要加以练习, 并做到大致了解和基本掌握。在作品练习数量上要有较广泛的练习范围, 不能只针对应急考试曲目或考级曲目做单调训练, 长此以往必然会导致练习者接触面过于狭窄, 直接影响练习者的快速提高。当然也不是所有的练习曲都要接触, 练习者应该遵循专业指导教师的练习要求, 有重点有选择性的练习, 把握好联系要领正确对待。例如:多练与精练、快练与慢练、主动练习与被动练习、灵活对待等。另外在练习时间上应该给予保证, 任何一位钢琴家, 都会保持每天不低于6小时的练习时间, 这足以证明练习时间不足或严重不足是不能取得良好练习效果的。

以上是笔者在多年的钢琴教学中总结的一点点心得, 在钢琴演奏中还有许多要求, 包括触键、音色, 还有呼吸、情感表现及再度创作等。所以说在钢琴弹奏中如果你想不断进步, 不断提高自己的演奏水平, 基础练习时相伴一生的良师益友, 也是你冲击钢琴演奏高峰的坚定基石。

参考文献:

[1]邹长海.声乐艺术心理学[M].北京:人民音乐出版社, 2004.[2]范晓峰.声乐艺术美学导论[M].上海:上海音乐出版社, 2004.[3]余笃刚.声乐艺术美学[M].北京:人民音乐出版社, 2005.

[4]姚以让.歌曲分析与写作[M].四川:成都科技大学出版社, 1987.[5]石惟正.声乐学基础[M].北京:人民音乐出版社, 2002.

[6]豐子玲.歌唱语音训练[M].北京:人民音乐出版社, 2007.

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钢琴基础课 篇8

一、传统钢琴基础课教学的现状

1. 院校层面:生源质量和资金投入参差不齐

众所周知, “学习音乐不仅要有良好的先天生理条件和音乐感觉, 同时还应具有很好的文化功底与多种智能。音乐专业中的钢琴演奏对人才的要求更为严格, 一般的儿童掌握钢琴弹奏的基本方法和技巧大体需要花费八到十年的时间。而经过一筛再筛并扩大招生进校的地方院校生源, 大多只是在音乐技能方面经过一两年甚至几个月的匆忙备考就跨入了大学校门, 他们不只弹奏方法乱, 程度低, 对音乐的认识片面, 而且钢琴专业的学生错过了技术训练的最好时机”。生源质量的参差不齐在很大程度上给钢琴基础课的教学带来了困难。

学校面对不断扩招的高校学生, 在钢琴与琴房的配备上已经显得越来越捉襟见肘, 并不能完全保证学生的练琴时间与钢琴质量。

2. 教师层面:教学模式和教学方式尚未转变

目前, 教师绝大多数都是在传统钢琴“一对一”教学模式下修习钢琴的, 因此他们学到的教学方法也是传统的“一对一”教学模式, 这种模式显然不完全适应钢琴基础课的教学需要。

面对不断扩招的高校学生, 对钢琴教师来说增加了教学时数, 但是对于“一对一”的教学中还要不停的重复学生共同存在的弹奏问题以及理论问题, 这是对于教师教学时间与教学成果的极大浪费。

3. 学生层面:学习兴趣和学习态度差异很大

就目前而言, 很多学生尤其是主专业不是钢琴的学生对钢琴基础课缺乏学习兴趣, 对钢琴课的基础作用认识不足, 认为不是自己的主专业学多了也没有什么用;在学习中期望一蹴而就, 遇到困难时常常抱怨家境贫寒、天赋不够、起步太晚、师资太差等等客观原因, 没有意识到自己学习不够刻苦、学习态度不端正等等主观原因。

针对以上问题, 经过一系列的考察与研究, 只有对钢琴基础课的教学形式进行充分的改革才能使钢琴基础课教学达到事半功倍的效果。

二、钢琴基础课教学形式的改革

1. 院校层面:采取一次性投资, 使数码钢琴教室进入校园, 取代钢琴基础课“一对一”的教学形式。

首先, 数码钢琴教室的开发与利用使院校解决了因为学校扩招的情况与钢琴和琴房不成比例的问题。

其次, 数码钢琴不需要调琴, 在节省调琴费用的同时, 还可以解决十到十五人同时练琴且互不干扰的问题, 能够保证学生的练琴时间与练琴效率。

2. 教师层面:由“一对一”的教学形式改为集体上课形式。

在新生入学之后针对每个学生的钢琴弹奏水平以及理论掌握水平大致按照十到十五人为一组进行分组, 教师可以把原来“一对一”小课中不断重复的教学内容统一讲解, 把节约下来的时间在原来的教学内容中穿插进来更多的音乐理论、和声、曲式分析、基本功训练、乐曲创作背景、乐曲重奏、合奏、即兴伴奏、移调练习等内容, 更加充实与完善讲课的内容, 使钢琴基础课更加具有可操作性与实用性。

3. 学生层面:加强数码钢琴课上课时的合作与激励原则。

使学生在与自己钢琴程度相当的学生中找到自己的参照物, 在共同上课与回课的过程中准确找到自己的位置, 发现自己的进展与不足, 并能体会到“一对一”小课中不能实现的钢琴重奏、合奏、联奏等带来的乐趣与成就感。

在经过了一学期的学习后, 由于每个学生的接受能力与用功程度的差异, 在下学期伊始需重新按照学生的弹奏程度及考试分数各方面综合评定再进行重新分组, 这样的不断变化使学生有了一种竞争意识, 找到了激励自己学习钢琴的兴趣与动力。也因为在数码钢琴中可以进行的各种实用性的学习使学生对自己本专业有了相当程度的促进, 这就使原本懒散的学习状态得到极大的改善。

三、教学改革后的跟进与完善

教学形式的改革是改善钢琴基础课教学的一方面, 在实行后很大程度的提高了钢琴基础课的教学质量, 确实取得了事半功倍的效果, 但是也存在不断完善的问题。

1. 院校方面:

在经过数码钢琴教室的使用后要加大对数码钢琴设施的管理力度, 使设备能够更长远的使用下去。

2. 教师方面:

很多教师在经过数码钢琴教学之后, 感到从“一对一”小课中无限重复式的教学中解脱出来, 能够有更多的时间搞科研, 但是在上数码钢琴课时仍然还受原来“一对一”授课方式的影响, 只注重学生的技术技巧训练, 教学内容不够丰富, 教学方式还不够多样, 需要进行更多关于此类的研究与实践。

3. 学生方面:

数码钢琴的教学虽然调动了绝大多数学生的学习热情, 但由于有不断分组的危机感存在, 学生一味追求弹大而难的曲子, 所以有些学生忽略了综合素质的整体提高, 需要教师和学生共同努力形成一种学习氛围, 强调综合能力的整体提升, 并且在考核细则方面加上各类考试内容, 完善考核标准。

摘要：高等院校音乐专业的钢琴基础课多年来实行“一对一”的小课上课方式, 存在诸多的问题, 数码钢琴集体课的教学形式在不断的发展中取代了传统的上课模式, 取得了事半功倍的效果。

关键词：音乐专业,钢琴基础课,教学形式,改革

参考文献

[1]宋志伟.数码钢琴集体课教学实践与探索[J]高等教育, 2011 (6) .

[2]苏晨琦.高师数码钢琴集体课教学创新模式探析[J]边疆经济与文化, 2012 (5) .

钢琴基础课 篇9

一、规范严格的训练, 正确优美的音色

正确的钢琴弹奏方法经过了一个漫长的历史演变过程。从1 8世纪后半叶钢琴经过不断完善, 逐步取代了古钢琴以来, 先后经过巴洛克后期 (以巴赫等人为代表) 、古典时期 (以莫扎特、克列门蒂、贝多芬等人为代表) 、浪漫时期 (以肖邦、李斯特、车尔尼等人为代表) 、印象派时期 (以德彪西等人为代表) 直至近现代时期。钢琴的演奏、钢琴的作品已呈现一派辉煌。但是把钢琴弹奏与生理学、心理学、物理学等学科结合起来并进行科学的研究总结, 却是2 0世纪以后的事情。虽然从上个世纪至今钢琴音乐的流派众多, 弹奏上的主张也多种多样, 但得到绝大多数钢琴演奏家和教育家公认的科学的弹琴方法是:“弹琴不光靠手指, 而是要充分利用人类具有的全部生理上运动的可能性……弹奏时动作要协调, 避免一切多余的动作。要节约用力, 要充分发挥生理上的自然重量。在放松的前提下, 来进行积极的手指训练, 才能弹出好听的声音……” (周广仁《钢琴演奏基础训练》) 。

如何让学生从学琴之初就找到这种正确的弹琴的感觉和方法?我的做法是:通过入门阶段的断奏, 要求学生把手臂的重量通过坚实的手指放到钢琴键盘之上, 以获得通畅、饱满、圆润的声音, 即用正确的重量弹琴的方法。即使是幼儿, 其手臂的重量也足以使钢琴发出好的声音, 某一手指支撑手臂重量的紧张, 应换来其它手指的自然放松。紧张与放松的快速交替是钢琴演奏运动的基本原理, 没有“紧张”, 钢琴无以发声, 而没有放松, 则音色不能优美、演奏不能持久。因此初学者弹琴一定要用“重量”, 而不要用“力量”去弹琴, 断奏用手指支撑重量, 连奏则变成若干手指转移重量, 这种“重量转移”的方法可以有效防止“颠手腕”, 避免出现粗暴生硬的声音。

解决了钢琴演奏的基本方法之后, 要进一步加强基本功的训练, 让手指灵活起来, 掌握并获得对钢琴触键的强弱, 大小幅度以及灵活程度等的控制能力。有了这种控制能力才能演奏出好听的音色, 从而达到生动准确的表现音乐作品的思想内容, 演绎出作曲家所赋予作品的情感。要刻意加强听觉的训练, 提高对音色的分辨能力, 如不同的手指部位, 不同的力度, 不同的演奏方法来弹琴, 由此产生的不同的音色有什么区别, 感受各种触键的手感, 并将其运用到实际演奏中去, 在平时的练习过程中, 要认真体会, 仔细对待每一个音符。另外, 要多听好的示范录音, 有效利用前所未有的一切便利条件 (如C D、音像资料、包括网络等) 为自己的学习服务。

二、认真仔细的读谱, 音乐的语气和表情

准确的读谱是完成乐曲的首要条件, 但准确读谱的含义绝不仅限于音符的正确, 要特别注意音符上标记的连线和调音点, 以及乐谱上标注的表情术语。音乐是一种语言, 教师要把学生所弹奏的乐曲以语言的方式讲解, 让学生明确每一个乐句、每一个音符的语气和情绪, 并指导学生根据乐曲的内容在弹奏中加入各种语气和情绪。这种练习是需要教师有较高的音乐修养。

钢琴的连线如同语言文字的标点符号, 决定着乐句的语气, 关乎乐句的“呼吸”。呼吸是生命的基础, 音乐是人类语言的高级状态, 它同语言一样有着句子的长短之分, 有抑扬顿挫的语气变化, 有表达一个中心思想的结构性和完整性。没有呼吸, 就没有乐句, 没有起伏, 没有语调, 没有了结构, 也就没有了生命。

钢琴的“呼吸”就是演奏中乐句或更小结构之间自然的抬手。要仔细看好乐谱, 分析乐曲, 以及乐曲中的乐句, 哪里该连奏, 哪里该断奏, 哪里该停顿, 哪里该变换速度, 表情术语的含义等等。音乐是时间的艺术, 因此把握的呼吸 (抬手) 的时间和速度显得十分重要, 这个时间与抬手的幅度的把握应该与音乐本身的律动节奏 (打拍子) 相一致, 演奏者要善于体会这种包含着内涵的音乐感觉, 有了这种内涵的感觉体会才可能掌握正确抬手的时间和幅度。

呼吸与乐句的分解是完全一致的, 为了准确把握抬手的时间和幅度, 可以通过人声唱出乐曲的旋律, 这样比较容易找到和感觉乐曲的呼吸和气口, 要反复的唱, 加深体会, 然后, 将它运用到实际演奏中去, 即将自身的呼吸和音乐的呼吸融为一体, 将键盘转为自己手指的延伸, 进而努力做到“人琴合一”, 达到准确表现音乐内涵的目的。

三、多种渠道的积累培养, 培养丰富的音乐感

应该说, 一切演奏的技术都是手段, 唯有准确到位的音乐表现才是演奏的最终目的。弹琴的基本技术如同是盖房子需要的原材料, 没有材料, 无以造房子, 然而, 如果有了材料, 但却不知道如何使用, 盖房子的结构不合理, 那么, 材料再好, 房子也盖不成。如果弹琴没有音乐, 你的技术再好, 也不过是“匠气十足”, 只能弹出机械呆板的声音而缺少动人的情感, 根本谈不上艺术创造与表现。因此, 从学琴之初, 哪怕是很简单的作品, 我们也应先要求学生先理解音乐, 然后再去表现音乐, 根据音乐的要求, 弹出强弱快慢、轻重缓急、抑扬顿挫、或连或断、非连非断……, 举手之间都要恰到好处地把握音乐表现的分寸, 符合音乐的逻辑规律。如此, 我们才能自如地驾着技术之船, 翱翔于广阔音乐的天地间, 驰向美好音乐艺术的彼岸。

所谓乐感, 是指演奏者对音高, 节奏, 调式, 调性, 和弦, 曲式, 旋律的感觉或者说是反应的灵敏程度。对于作品来说是指演奏者, 对演奏的曲目, 是否能激起满腔的感情从而创造性地再现乐曲, 并通过演奏者的演奏传达给听者, 使听者通过声音的媒介去领会作曲者所要表达的一种情绪, 而最终达到共鸣。因此, 乐感即是对音乐乐曲本身包含的思想感情的一种准确深刻的表现。

人类的音乐感是有先天差异的, 有灵气的天才确实有, 但毕竟是少数, 就大多数人而言, 音乐感是可以经过后天的勤奋努力逐步培养起来的。它与个人的生活经历、受教育的程度息息相关。作为一名优秀的钢琴教师, 除了要教给学生演奏技术之外, 一定要鼓励学生多读书, 多欣赏、体验经典的音乐和一切文学艺术精品。如世界名曲、世界名著、古今诗词、哲学、心理学等方面的作品。培养音乐感和全面提高综合素质不可能一蹴而就, 需要有一个润物细无声、潜移默化的过程, “不积蹞步, 无以至千里;不积小流, 无以成江海”。综合素质的提高必然会在乐曲的演奏中充分体现出音乐的感情特征。

人都具有音乐的某种天赋与灵气, 只是多数人的这些潜能未经后天的挖掘而没有展现出来。因此, 后天的训练与培养十分重要。先天的音乐智慧与后天的开发训练相结合, 方能培养出具有良好乐感的钢琴演奏人才。

四、关于钢琴集体课

钢琴集体课能否完成教学任务?钢琴集体课能否取代个别课?我个人认为:虽然集体教学有诸如节省教学资源、提高教学效率等好处, 但从严格意义上讲, 准确细致的钢琴演奏技术、原理的传授仍必须以个别课为主。集体课更适合传授共性的知识, 如乐理、作品分析、演奏技术的动作要领、即兴伴奏的方法等等。笔者也曾进行过钢琴集体课教学的尝试, 但其结果不能令人满意, 问题主要是采用集体课形式教出的学生, 对钢琴基本演奏技术的细节掌握不够细腻准确, 一些不正确的弹奏方法如手指、手臂紧张僵硬、折指、颠腕等问题不能及时发现和纠正, 至使演奏不到位, 不够“钢琴化”, 集体课教出的学生, 自娱自乐尚可, 如欲培养师资, 则决不可放弃“一对一”的“面授机宜”和口传心授。

因此, 我认为集体课切忌一哄而上, 更不能试图取代个别课。比较理想的做法是:集体讲授, 传授共性知识;个别辅导, 解决技术细节。只有把集体课、小组课与个别课相结合, “多管齐下”, 才能达到教学质量和教学效益同步提高之目的。

以上是我根据老师所讲并多年学习、教授钢琴课的部分感悟和体会, 愿学生谨记, 愿识者指正。

摘要：本文系自己的教学、学习手记。从四个方面谈了自己的钢琴教学体会:规范严格的训练, 正确优美的音色;认真仔细的读谱, 音乐的语气和表情;多种渠道的积累培养, 培养丰富的音乐感;对钢琴集体课的看法。期望对钢琴教学的规范、钢琴艺术的正确普及发挥一定作用。

关键词：钢琴基础教学,钢琴教学质量,钢琴集体课

参考文献

[1]《钢琴演奏基础训练》周广仁高等教育出版社1990年10月第1版

[2]《钢琴考级与钢琴教学》周铭孙山东画报出版社1998年第1版

钢琴基础课 篇10

(一) 学生基础弱

我院学前教育专业, 生源大多都来自农村, 少部分来自周边市区的高中毕业生。学生们大都在小学、初中音乐课上学过一些音乐基础知识, 主要以欣赏音乐为主, 对于乐器来说接触得较少, 对键盘类乐器特别是钢琴几乎是一无所知, 一切都要从零开始, 因此, 给学前教育专业的钢琴基础课教学带来了难度。

(二) 练琴时间少

“台上一分钟, 台下十年功”, 这句话充分说明了练习的重要性, 对这些没有一点音乐基础的学生来说, 要学好钢琴得需要花更多的时间。一般的初学者从启蒙到简单的弹唱, 往往需要七八年的时间。但是我们的学生必须在3年时间里, 学习各种音乐基础知识和演奏技能及如何运用正确的方法进行练习, 并达到一定的水平, 时间短, 要求高。往往在进行钢琴课教学中钢琴老师还要兼讲解乐理知识, 这样钢琴教学的进度就更慢, 由于学前教育专业入学率逐年增高, 学生越来越多, 学院钢琴资源有限, 一个学生一个星期甚至两个星期才能轮到一次练琴时间。这些不利因素大大降低了钢琴的教学质量。

(三) 学习内容多

学前教育专业的钢琴教学中需要掌握的内容广泛, 如弹奏方法、乐理知识、音乐术语、乐曲、视奏、即兴伴奏及综合性训练等, 这些内容要求比较高, 技巧性强。

二、如何提高钢琴教学效率

(一) 整合教学内容

我院学前教育专业的学生, 毕业后要到幼儿园当老师, 他们肩负着对孩子们音乐的启蒙教育, 以此, 我们现在的音乐课教学内容, 要从学生以后的工作需要出发, 这就要求将学前教育专业音乐课程的相关内容进行整合, 改革原有的理论脱离实际的教学现象, 及钢琴教学音乐学院模式化的现象。将音乐理论、弹奏技能、儿歌弹唱有机地融合起来, 教学效果会更好。因为学前教育专业即将面对的学龄前儿童年龄为三至五岁, 他们对音乐的认识与感知大多来自于各种儿童歌曲, 所以学前教育专业的学生不仅要掌握一定数量的音乐作品, 还要学习即兴伴奏课程, 因为即兴伴奏课程是课堂教学的重要工具, 也是儿童课外活动及演出的重要组成部分。因此在学前教育专业的钢琴基础课教学中应该加入儿歌弹唱课程, 并以即兴伴奏的有关内容, 特别是针对儿歌的编配和伴奏能力的掌握更应加强。

(二) 改革教学模式。

将多媒体信息技术与音乐教学相整合, 把信息技术作为工具和手段渗透到音乐的教学中去, 从而培养学生的学习兴趣及音乐综合素质。充分有效的进行音乐教学的各项活动, 学生可以最大限度的发挥自己的主观能动作用, 甚至可以超越老师的视野和想象, 更加直接、生动、全方位地去接触音乐资源, 达到教学最优化。利用具有先进的“管理系统”跟“系统集成能力”的数码钢琴, 音序器MIDI回放系统, 电子实物投影、多媒体课件、电子板书等, 给学生直接的音频、视频效果, 让学生利用教师范奏视频、音频解决模仿训练技术, 音乐表现问题, 利用投影和图片课件获得乐谱和相关理论知识。形象而直观地表现教学内容。

(三) 选择合适的教材

针对学前教育专业钢琴基础课程教学内容要求和学生实际情况, 结合人才培养目标和教学大纲, 编撰或选择可以体现理实结合、学用结合、弹唱结合的学前教育专业钢琴教材特色的“钢琴弹唱”课程使用教材:如主干教材《钢琴基础与弹唱》;学前教育专业的学生不具备音乐教育专业学生的钢琴演奏能力, 因此在教学中应多采用儿歌改编的钢琴曲, 比如学生们耳熟能详的儿歌《经典儿歌钢琴弹唱150首》, 这样学生可以很有兴趣的边弹边唱自己小时候听过的儿歌, 大大提高了学生的学习兴趣, 使学生们不会再因为弹奏一些枯燥的技巧练习曲而降低学习兴趣。

(四) 教会学生练琴方法

1. 基本功练习。

扎实的基本功是弹奏任何一首钢琴作品的基础。在学习钢琴过程中, 有很长的一段时间都是在练基本功, 要针对学生及其专业的特点进行练习, 音阶与琶音是学习钢琴必须掌握的基本技术。通过严格的训练使学习者熟悉各种调及调的特征, 了解主要和声及和声的特性, 掌握正确的逻辑指法, 使手指达到力度和感觉上的匀称、平衡。

2. 强化练习曲训练。

练习曲练习是每位习琴者学习钢琴演奏技术的必经之路。大多数练习者乐于弹奏有趣味性、好听的乐曲, 而对于基本功以及相关的练习各种技巧的练习曲, 往往就不太喜欢去弹。练习曲的训练, 有利于掌握钢琴的基本演奏方法与基本技巧。因为学前教育专业学生弹琴启蒙时间短, 弹奏的曲目遇到学生难以驾驭的技巧性的练习曲时就跳过不弹, 老师一定要注意到这点, 不愿意弹就是因为技术不到位, 所以必须要严格检查练习曲练习。

3. 上好钢琴集体课。

传统的钢琴教学采用一对一的模式, 不可否认, 这种教学方法的确能取得较明显的效果, 也必然会长期存在。而我们要采用更有效的数码钢琴集体课。经过钢琴基础训练半学期后, 学生钢琴弹奏水平可以逐渐看到差距, 此时把学生分成若干小组, 每个小组安排一个或者两个程度较高接受能力较快的学生, 学生有不懂不会的可以帮助老师进行初级指导。根据学生学习情况, 选择一些适合学生弹奏程度的四手联弹乐曲, 锻炼学生们的协作能力, 提高弹奏的节拍和识谱的准确性。到一定时期小组之间进行观摩, 给学生提供一个相互交流、相互学习的机会, 在教师指导下, 共同谈论钢琴弹唱的技巧。

综上所述, 高职学前教育专业钢琴教学的改革是学前教育专业中音乐教育教学研究的一个重要内容, 要改革, 也要在改革之后真正能使学前教育专业的学生们, 真的可以在短时期内使学前教育专业的学生在钢琴基础课的学习上达到钢琴弹唱的教学目标, 让学生能够胜任今后的学前弹唱教学工作, 这样就必须对旧的教学模式及教学方法进行改革对教学内容进行整合, 把各项改革落到实处, 增强任课教师的创新意识, 鼓励教师研究教学方法, 才能不断提高高职学前教育专业钢琴教学水平。

摘要：钢琴课是我院学前教育专业学生重要的专业必修课程之一。学生在校期间提高他们的钢琴演奏技巧甚至以后当幼师时的教学水平是十分重要的。因此, 对高职学前教育钢琴教学进行教学改革是当务之急。那么采取怎样的教学模式和方法才能体现学前教育钢琴课的教学特点, 并在短时期内使学前教育专业的学生在钢琴基础课的学习上达到钢琴弹唱的教学目标, 让学生能够胜任以后的学前钢琴弹唱教学工作, 必须对钢琴教学进行改革。

钢琴基础课 篇11

关键词：钢琴学习；手指基础技术；中职

中图分类号：G712；J624.1-4 文献标识码：A 文章编号：1671-864X（2015）10-0114-01

钢琴课程是中职学前教育专业的必选课程之一，结合当前的教学实际来看，学生在钢琴学习方面普遍存在问题：一方面学生生源质量残次不齐，学生的基础条件相对薄弱，错过了学习钢琴的黄金时期；另一方面钢琴学习是一个长期的过程，而当前中职教育体制下，学生难以有更多的时间去接触钢琴学习，这就造成了学生的钢琴水平难以有较大程度上的提升。手指技术是钢琴的基础，加强手指基础技术的训练对提升钢琴水平有很大帮助，本文就手指技术训练的相关内容提出自己的见解。

一、了解手指基础的概况

每根手指所具有的特点都不相同，因此只有在充分了解每根手指特点的基础上，才能有的放矢的开展手指训练。

1.拇指。拇指（1指）粗壮有力，在横向移动方面优势明显，但因为拇指只有两个关键，所以灵活性一般，在上下的纵向移动方面能力不足，同时拇指的支撑点会延伸到掌腕关节。

2.食指。食指（2指）是五根手指中灵活性和独立性最好的手指，但也正是因为这种影响，食指会经常不自觉的出现塌指。

3.中指。中指（3指）具有很好的支撑性和独立性，且在钢琴演奏中，中指有很强的爆发力，但因为中指最长，所以在反应方面略慢，也容易出现塌指的问题。

4.无名指。无名指（4指）是五根手指中最乏力的一根手指，在灵活性、独立性和支撑性这些性能方面，无名指都不具备优势，且还会受到邻近手指的牵制。

5.小指。小指（5指）小指在钢琴演奏中地位高，但它的灵敏度和爆发力都存在明显不足。

二、手指基础技术训练的内容和方法

1.训练的基本内容。在了解手指的基本特性后，需要有针对性的加强手指基础技术训练，考虑从以下方面设定训练内容：①手指的独立性。每根手指都可以独立弹奏，且相互之间既不依赖也不粘连；②手指的协调性。每根手指都具有不同的特点，其能力之间也存在较大差异，在钢琴演奏中要能使手指之间协调统一，保证音色和音质；③手指的挥动性。手指的挥动能力体现在对钢琴弹奏的适应上，如手指下键时的力度，手指的张力等等；④手指的灵活性。要保证每根手指的灵活，反应和弹性。⑤手指的速度。以上就是钢琴手指基础训练的主要内容。当具备了一定的基础之后，就需要训练手指的快速跑动能力。

2.训练的基本方法。手指技术是钢琴弹奏的基础，也是最直接影响钢琴演奏水平的关键，在选择钢琴手指基础技术训练的内容时，要遵循循序渐进、由浅入深的原则，在训练的基本方法上，可以概括为以下几个方面：①落指。落指训练是手指技术训练的基础，这一部门的训练要由简到难且贯穿始终，要用单音落指、双音落指和和弦落指锻炼学生的手指支撑能力②走步。走步是音与音的连接，这一部分内容的训练要建立在落指训练的基础上。在走步训练中可由两指训练开始，逐步上升到五指练习。③五指练习。在五指练习过程中，教师可以为学生精选一些规律性强的练习曲目，帮助学生进一步强化手指基础技术训练，特别是要结合中职学前教育的特点，选用一些实用曲目。④音节练习。音节练习由于内容较多，结合中职学生的基础情况，不能做到面面俱到，可以考虑学生的实际能力和兴趣程度进行分层教学，像之后的琶音练习也是同样道理，要在学生的基础水平之上设置训练难度，提高其钢琴水平。

三、手指基础技术训练中的常见问题

1.手指第一关节塌陷。第一关节塌陷的问题会影响手指给琴键传递的力量，进而影响弹奏的质量。第一关节塌陷就是说手指的第一关节处呈现凹状，针对这一问题训练的基本方法有：①集中精神，下键时准确有力；②手指触建的用力方向要保持向下；③触键时体会一种抓握感。

2.小指无力。小拇指在钢琴演奏时所表现出的特点是缺乏力量，从手指的基本特点来看，小指最常出现的问题是无支撑力，我们常说小拇指是“躺着弹奏”。针对这一问题训练的基本方法有：①保持手型指型的正确，特别注意手的摆放不要倾斜在小指一侧；②锻炼小指关节，让小指主动下键，在弹奏的过程中切忌翻动手掌；③加强对小指支撑力和承重力的训练。

3.拇指纵向挥动能力差。从手指的基本特点来看，在钢琴弹奏过程中拇指的灵活性最差，拇指虽然有力，具有横向动势，但在纵向挥动方面却十分乏力，这是手指基础技术训练过程中最常见的问题之一，针对这一问题训练的基本方法有：①保持拇指的正确指型，在第二关节处不要塌陷；②有意识的强化拇指挥动，在手掌手腕不辅助的情况下让拇指独立运动；③下键支撑点延伸到手掌手腕的关节处。综上，不断强化拇指的灵活性训练，拇指将会更为灵活。

4.无名指独立、灵活性差。在五根手指中，无名指即4指是最缺乏灵活性和独立性的手指，很多学生在演奏时常常因为4指而影响其它手指，同时4指自身也存在无力、不稳、抬不高等问题。针对这一问题训练的基本方法有：①对4指要单独加练，强化它的灵活性和独立性；②做好4指与邻近手指的协同训练，可加强这三指的走步练习。

总结：综上所述，手指技术作为学习钢琴的基础内容，对于提升钢琴水平具有重要作用。在明确手指技术的基本内容后，教师要结合中职学生的学习特点，设定科学的训练内容，利用科学的训练方法，扎扎实实的为学生打好基础，使学生的钢琴水平上一个新的台阶，并最终为自己的职业发展提供坚实的保障。

参考文献：

[1]黄细英. 中职学前教育专业钢琴高效课堂探索[D].湖南师范大学，2014.

[2]王瑶. 谈学前教育专业钢琴技能教学中的音乐基础培养[J]. 辽宁师专学报（社会科学版），2010，02：88-89.

[3]谭洋. 试析中职学前钢琴教学存在的问题及成因[J]. 文理导航（下旬），2015，09：12.

作者简介：孙雪静，就职于葫芦岛市第一中等职业技术专业学校，讲师，主攻钢琴，声乐，音乐理论方向教学。毕业于沈阳音乐学院音乐教育专业，本科学历，文学学士学位。

浅论钢琴基础教学技巧 篇12

关键词：钢琴,基础教学,技巧

一、肢体的协调配合是打好钢琴基础的关键

弹钢琴是需要腰身, 肩膀, 手臂, 手腕, 手指等相互配合进行弹奏的连贯动作, 弹奏动作的训练就是对这些肢体控制力的训练。在弹奏时, 我们背部保持直立并要前倾, 和钢琴有一种亲近感, 肩膀, 手肘手腕要保持放松的感觉, 手腕一定要放平放松, 手臂自然弯曲, 手肘和身体呈三角形, 这样有助于稳定身体, 更好的把力量运送到手指尖。而手掌和手指的两个小关节要保持撑立的状态, 大拇指自然弯曲并和食指构成“C”的形状, 这样给手指的跑动提供了空间, 如果掌关节塌陷, 手指被挤压变形, 就像我们蹲下来跑步一样, 肯定跑不动, 更不可能跑快了。

我们在教学中一定要让学生体会到身体放松, 肢体协调的重要性, 该撑立的关节要立住, 该放松的关节要保持放松, 整个手臂就像是自来水的管道一样, 把从腰中推出的气息源源不断的运送到指尖。这样气息才能流畅, 音色才会饱满圆润, 穿透力强。

在教学中, 手指的快速跑动是个难点, 学生如果没有良好的手型和肢体的控制力, 那么反而是越想弹快就越弹不快, 手臂手腕手指变得很僵硬。像个“鸡爪子”。即使速度能够快, 大多也是连滚带爬、导致节奏的不均匀, 音色忽明忽暗…这时就需要我们慢速练习, 仔细体会肢体的“松”和“紧”的相对感觉, 保持平稳的气息, 充分打开掌关节, 高抬手指, 让手指有爆发力的下键, 而且一定要变不同的节奏型练习, 保证每个手指的下键力度。如果感觉哪个关节僵硬, 马上停下来进行调整。

二、情绪的控制力

人是一种感情动物, 我们弹奏钢琴也是在表达感情, 都带有一定的情绪和情感色彩。情绪和情感在一定程度上会影响肢体的行为方式和音色的感觉, 钢琴“Piano”它的全称是“Forte Piano”正是音乐中表现强“F”和弱“P”的标记, 那么我们在弹奏中, 情绪激动的时候音响效果肯定是强的, 而表现情绪哀伤或思念时一定会用稍弱的音响, 而控制声音上的强弱, 不仅仅是强就多用点力量, 弱就少给点力量那么简单的行为, 音色的变化和人的心态有一定的关系, 人越静, 声音越悠远, 越纯净, 人越温和, 声音就越有共鸣。人的情绪表现烦躁, 那么音色肯定是很脏很污浊的。所以一定要把情绪投入到音乐中, 必须和所弹奏的乐曲的风格, 作品背景等等结合起来, 这样表现的音乐才可以感染听众, 和听众产生共鸣。

三、怎样锻炼肢体的协调力, 把握情绪的控制力

在学琴的初期, 可以通过慢速练习和大声唱乐谱的方法来纠正自己的肢体动作, 调整和调动情绪, 慢速练习的目的就是要稳定情绪, 并且让自己有时间体会整个肢体是怎样配合协调在一起完成一个优美的乐句的, 而大声唱乐谱的目的就是要提起精神, 使人的状态兴奋起来。用兴奋的情绪来数拍子, 唱旋律, 以情带声, 训练自己所弹奏的每个乐句都富有歌唱性和气息感。