钢琴技术

钢琴技术（共12篇）

钢琴技术 篇1

钢琴音乐的一个很重要的表现手法就是钢琴演奏技术,观众可以感受到弹奏者的情感变化,很重要的原因就是演奏家熟练的演奏技巧,同时也可以看到音乐家在演奏时可以达到忘我的境界,将音乐更好地表现出来的一个重要因素就是高超的钢琴演奏技术。但不难看到,钢琴演奏技术不能脱离创作风格和音乐的灵魂,不管是哪个演奏者,在接触乐曲的同时也会面临音乐技术问题和乐曲风格之间的问题。成功的艺术家仅有吃苦耐劳的精神品质是不够的,还需要强有力的音乐敏感度,这样才演奏出一曲美妙的乐曲。

一、钢琴音乐

钢琴音乐是由主旋律和次要的旋律组成,这些组成了音乐本身复杂的结构,这给演奏者提出了更高的要求:要同时处理好音乐的主要关系和次要关系,这样才会避免演奏时整首曲子出现混乱,因此演奏者在进行弹奏时要妥善处理各声部和旋律之间的关系,增强它们的统一性。钢琴音乐的相关知识如下几方面:

(一)关于音乐段及过渡句。音乐曲目中比较长的乐句被称为音乐段,相比之下过渡句就是单一的短句。在音乐作品中,成段的琶音、和弦等音段经常出现,组成了曲式的主体,并且一直贯穿于音乐的全区曲之中;音乐中的过渡句起着重要的衔接作用,赋予音乐强有力的感染力和表现力。音乐中的装饰音、连续伴奏加深了音乐的感染力和难度。

(二)触键与音色、音量变化的关系。音色是声音的艺术,要把音乐形象化和语言化吸引观众的注意力,就必须要在触键上下功夫,熟练掌握了触键上音色和音量的变化,根据不同的乐谱需要弹奏出不同的声乐变化,让听众感受到触键表现出来的抑、扬、顿、挫,带给听众不一样的感受,同时也将钢琴演奏家的情感表现得淋漓尽致。与此同时,触键的手法有多种多样,进而使得触键和因素、音量变化达到有效的结合。单指、多指和整个拳头的弹奏甚至是它们的恰如其分的结合产生了无声、到中级以及高音调的声调变化,让人感受不一样声调变化。因此演奏者正确掌握和运用不同的指法是非常有必要的,这才有助于其进行艺术再创作。

二、钢琴演奏技术

有关演奏技巧的概述演奏家们从多个文化角度进行了阐述, 他们更为重视的是钢琴演奏技术和钢琴演奏教学。这些理论涵盖了《钢琴演奏技巧》、《论钢琴演奏》、《现代钢琴演奏技巧》、《论钢琴表演艺术》,在所有的理论之中我国出版的《钢琴艺术》,这对钢琴演奏技巧的概述最具有代表性。钢琴演奏技术是一门精湛的技术, 也是演奏家学习音乐风格表现力和思想文化的重要手段,钢琴演奏技术掌握得越熟练、水平越高,音乐家就能更好地将音乐风格和内容表现出来,因而可以看出演奏家练习弹奏技术并不是一种目的, 更多的是一份对音乐和创作深深的爱。

三、钢琴音乐与钢琴演奏技术的相互作用

(一)钢琴音乐是钢琴演奏技术的一个非常重要的部分。钢琴演奏家通过指力和臂力而给琴键了垂直的作用才使得钢琴发出了声音,在弹奏钢琴时触键的指法是丰富多样的单指弹奏,多指弹奏甚至拳头弹奏不同的指法弹奏效果有很大的相似之处。演奏者需要掌握扎实的音乐知识,更需要掌握熟练的钢琴演奏技术,钢琴音乐是一个很重要的组成部分,钢琴音乐是天籁之音,它是钢琴演奏技术的重要组成部分,钢琴演奏者只有赋予每一个音符以自己的感情, 才会演奏出更完美、更动听的音乐作品,好的钢琴音乐会让人在弹奏时更加运用自如,进而甲磺酸呢对钢琴音乐的理解,钢琴音乐与钢琴演奏技术是相辅相成的。

(二)钢琴演奏技术对音乐风格的作用。不同的演奏方式呈现给人不一样的感觉,同样的,别具风格的钢琴演奏技术可以带给人多种多样的精神享受。钢琴演奏技术自身融入了很多的成分,这样才演奏出了美妙的音乐。这就需要演奏者需要具备丰富多彩的音乐知识,同时还需要具备吃苦耐劳的品质,但是钢琴音乐作品需要成器的积累和创作,它反映了人们对生活的追求和感情,这些促成了创作家的产生创作的灵感,不难看到很多艺术家也一直不断地探索钢琴演奏技术,力求把钢琴音乐演奏得更加完美。

(三)演奏技术要与钢琴音乐达到完美的结合。演奏者只有不断地改进演奏技术并且达到音乐风格与演奏技术的完美结合,才能更好地将乐曲表现出来。分析不同风格的作品可以看出作曲家创作的思想源泉是成功的音乐作品,它会增强音乐的感染力。因此,音乐家和演奏者必须要熟练掌握作品中呈现出来的演奏特色,这样才能把注意力集中在音乐的表现上。不难看到,好的音乐需要理解和情感的完美结合,只有达到理性和感性的结合才能将音乐的美表现到极致。

四、结语

钢琴是目前音乐界非常重要的演奏工具之一,钢琴演奏技术随着时间和年代的变化呈现出不同的发展趋势,熟练的钢琴演奏技巧和强有力的音乐表现力是音乐界长期以来坚持的,虽然还需要很长的路要走,但只要在钢琴教学中赋予十足的激情和动力,并持之以恒,不断求真进取,才能演奏出世上的天籁之音洗涤听众的感官和灵魂。

摘要：钢琴作为一种优美高雅的乐器,体现了音乐与演奏技术的完美结合。但不论如何,一名成功的演奏者不论演奏什么样的乐曲,必然会遇到钢琴音乐和钢琴演奏技术的相互结合问题,本文通过介绍钢琴音乐和钢琴演奏技术的相关知识,进一步探讨钢琴音乐和钢琴演奏技术相互结合而带来的价值。

关键词：钢琴,音乐,演奏技术

钢琴技术 篇2

由于钢琴结构的复杂性决定了其演奏难度并非一般乐器可以相比的,要想演奏出一首完美的作品更是面临着较大的挑战。“伴奏技术”的培养成为了高校钢琴教育的工作重点,这也是增强学生音乐演奏能力的重要途径,研究伴奏技术的培养有着重要的教学意义。笔者从以下几点分析了培养伴奏技术的途径。

一、调整动作,确保演奏协调

钢琴的演奏表面上看只有两只手在来回动作,而实际上却是要靠身体各个部位相互协调才能保证演奏的顺利进行。而当前的钢琴教育也深刻认识到了肢体动作在钢琴演奏中的重要性,其主要涉及到了手型、手臂、力度等三方面。

1.手型放置。钢琴的琴键数量较多,很多学生在放置双手时常常会放错位置,直接导致了最后的音效失误。教师应该对学生出现的错误及时改正,引导学生以正确的手势将手放在琴上。一般标准的要求都是指尖直对琴键,手指在弹奏过程中需“立住”,手掌则起到支撑的作用。

2.手臂摆动。手臂的协调运动能够使弹奏者的演奏技术变得更加协调,为整个演奏过程增色不少。手臂动作的调整协主要是参照乐句的对中心进行变动,其摆动情况不是固定不变的,而是要针对不同的钢琴作品做适当地调整,因而需指点学生掌握灵活应变的能力。

3.力度分配。对琴键使用不同的力度会带来不同的音律效果,多数钢琴教师认为连奏过程中用力弹奏后要立刻放松肌肉,利用手自身的重量按住琴健。而很多学生由于缺少足够的训练,在力度分配方面常常很难把握住要点,这也是教师在教学过程中需要重视的积极阴道的。

二、注重创造,发挥想象能力

钢琴伴奏最大的特点在于,其伴奏没有固定的方式,旋律,而是随着演奏情况随时变化的。这就要求学生在教学过程中不断学习伴奏技术,积极培养自己的创造思维,发挥出丰富的想象思维,把自己潜在的音乐天赋发挥出来。

1.加强学习思考。钢琴伴奏技术的灵活性要求学生不断学习,自我更新改进,在以自己的想象力与创造力为前提下做好思考工作。教师可以带领学生多参加一些作品的演奏,在伴奏谱中让学生掌握加工编配、弹奏的技巧,这样能够推动学生思考、创新,使得他们的伴奏水平得到质的飞跃。

2.关注听觉培养。教师在钢琴教育中对于学生的视觉判断能力要做好培养,尽可能从据音乐形象、情感变化、乐曲背景等方面来设置钢琴伴奏模式,以加强学生的听觉辨析能力。如:对锣鼓、吉他、钢管奏等乐器演奏的声音模仿后就能锻炼学生的听觉,让学生用心灵去感应音乐。

3.设置实践课程。音乐知识的学习,最根本的目的还是为了“学以致用”。当学生对于钢琴理论知识掌握的足够好时,教师可以适当添设实践课程,给学生提供演奏的机会,然后对学生的演奏水平给予及时点评,让学生在自己的演奏结束后树立起自己创作的信心。

三、学会伴奏,塑造完美音乐

钢琴伴奏形式复杂多样,运用到的技术也呈现出来多种不同的形式。教师应深刻认识到钢琴伴奏在音乐演出中的重要性,并正确指导学生掌握伴奏技术,为人们塑造完美的钢琴演出。提高学生的伴奏技术水平需要从下面几个方面开展工作:

1.实施训练。在钢琴演奏中,弹奏音阶、琶音是最为基本的工作。若学生能够掌握伴奏技术,则必将会更加顺利地弹奏出动人的旋律。在弹奏新调的音阶、琶音时,先让学生根据乐谱唱出音阶琶音,然后按照指法“空弹”音阶琶音给伴奏技术的提升创造空间。

2.学会分析。对于钢琴教育来说,弹奏练习曲能够让学生的弹奏能力得到有效地增强。而对于很多钢琴演奏而言,的弹奏是学生学习、掌握弹奏技术技巧最重要的一个内容。教师除了引导学生掌握练习曲的技术外,还应该注重培养学生分析乐谱的能力。

3.把握角色。钢琴伴奏在表演过称中只是演唱者的辅助者,扮演着“配角”的地位。教师需引导学生树立正确的思想意识,让学生明白伴奏是为了烘托歌曲的情绪,衬托演唱者的表现魅力。而钢琴伴奏应跟着演唱者及时变动,这是每个钢琴学生需要准确把握的。

4.运用踏板。美国著名钢琴家、音乐艺术家约瑟夫-班诺维茨曾指出“恰当的踏板法是一位具有艺术才能和高超理解力的标志。”,这充分显示出来踏板在钢琴伴奏中的重要性。学生在日常学习过程中需根据作品需要,正确采用踏板技术,保证踏板的效果与演唱者保持协调。

四、适当放松,构建和谐气氛

在钢琴伴奏过程中,伴奏者面对诸多观众经常会出现不同程度的紧张状态,这会给最终的伴奏效果带来不利影响。而紧张主要包括了生理紧张,主要是指肢体动作上的紧张;心理紧张,主要是伴奏者的内心状态紧张。在钢琴教学过程中要对两种情况给予引导。

1.生理紧张。在进行钢琴练习时,教师需要求学生把只手缓缓抬高,超过头顶后再自由自在地把手指落到琴键上以制造出声音。通过不断的尝试来锻炼学生手指下落的把握能力,保证落键的稳定性。以此来缓解伴奏过程中紧张的肢体动作。对每个手指循环练习后,能使得学生的手臂、腕、手指在演奏时保持灵活、放松的状态,提高钢琴伴奏的音乐效果。

2.心理紧张。钢琴家亨利、涅高兹均强调了“心理紧张对于钢琴伴奏效果是很不利的因素”。因而,在伴奏时必须要对自身的紧张情绪给予控制,不能因紧张而影响到演奏效果,因此,教师可制定科学的训练计划。

参考文献:

学习和掌握钢琴演奏技术 篇3

关键词：钢琴演奏;技术;触键

中图分类号：J624 文献标识码：A 文章编号：1671-864X（2015）03-0054-01

触键是一个非常重要的研究课题，触键质量的好坏决定了演奏者能否很好地完成一首作品。是一位出色的演奏者，或是一名平庸的弹奏者？弹奏的是一首打动人心的作品，或是一首平淡无奇的曲子？触键在这其中扮演了重要的角色。触键是一门大学问，学会运用和掌握不同的触键技法能使音乐作品的层次丰富多彩，呈现出不同的音乐。

每次触键都应是有准备的下键，每一个因素都能影响声音的质量，触键的高度、长短、力度都应配合好。肩和手臂自然放松，离琴键无须过远，声音一旦发出就不再对琴键继续施力，钢琴上的每一个音一触即发，靠压、挤和摁都是没有用的。下面我们就看看几种比较常见的触键技法。

一、指力触键

指力触键，以手指运动为主，发力点集中于指尖，指力触键主要考验的是每个手指的独立性、能动性、韧性和弹性，一般表现或轻巧灵动、或无穷动的乐段等。这类触键常出现在音阶、琶音、跳音和慢速的八度中，要求：手指主动积极，抬指弹奏。慢速时手指尽量打开，让其得到释放，高抬指;加速时抬指高度放低，下键速度快，手指站稳。音阶：注意手腕微小的顺势运动和力量转移，声音光泽有弹性，若想阻止处于联动环节手腕的作用，手指肌肉就容易紧张、酸痛，声音则干涩笨重、无弹性。琶音：除了应注意上述所提到的外，小臂也是一个重要因素，必要时手指应带动手臂向音的方向移动，感受力量的转移;注意手腕保持平衡，手臂动作不宜过大，以免影响弹奏速度和旋律线条感。跳音：声音短促有弹性，贴键弹奏，手与手腕应平行，手指抓紧，以免声音软化。跳音是最能体现声音集中与否的一个技术，是表现爆发力声音的一种触键。慢速八度：八度训练是一个非常重要的课题，特别是对于手较小的演奏者来说，训练手的扩张是一个不小的挑战。手指抓紧（八度音），掌关节撑好，手指通过手腕发力，一触即可，声音弹到底，双音整齐，手架子撑好。

二、手力触键

手力触键以第三关节（掌关节）为主要发力点，考验的是演奏者的手的重量是否到底、手指是否有韧性、是否能承受掌关节所带来的重力。这类触键一般運用在饱满洪亮的音响和兴奋高涨的情绪中，和弦、快速八度等技法都属于手力触键的范畴。手力触键要求掌关节不能松散，手指有韧性、弹性，指尖抓紧并能支撑住手掌所有重力。手力触键是通过手腕发力，故手腕应保持好弹性，使音色集中饱满。和弦：手指贴键，切忌‘甩下’、‘砸下’，而是从上至下的落下。手腕发力，掌关节撑住，手指站稳，声音有张力和爆发力。快速八度：弹奏灵巧的快速八度需运用手腕，手腕的上下运动应保持弹性，活动自如，并通过掌关节手力触键，八度音程的音色应保持光泽和弹性。当演奏音响饱满的快速八度时，不能单靠手腕的运动（因为手腕已不足以表现爆发力的音响），还需要前臂（小臂）的力量，要求指尖有韧性和弹性，以便能承受住手臂所带来的重量。结合手臂、手腕，通过掌关节的手力触键，使声音洪亮、爆发力强。

三、落臂触键

落臂触键也是比较常见的一种触键技法，在初学阶段，老师就要求学生用落臂练习断奏，学习和体会重量的放下、手的放松和手指的支撑。落臂触键要求整个小臂、手腕和掌关节自然向上提起（高度不能过高），手自然下垂，自然不施任何力量的落下，手腕放下放松，掌关节撑好，手指站稳，其他的手指也放松，手型保持好。落臂触键依靠的是自然重力，靠手臂、手腕‘压’和‘摁’琴键的奏法都是不可取的。音阶的起始音、（小）连线尾音、八度连奏（黑白键的交替）都属于落臂触键。音阶：第一个音落臂弹奏，重量下沉，音到底，后面音群弹奏的力量顺势移动。连线及分句：落臂触键与手力触键的结合，第一个音落臂触键，尾音为手力触键。第一个音将重量放下，尾音用手力触键的同时，将手腕‘带起来’，手臂和手也随之离键。这样弹奏后会发现，尾音在力度和音色上与前面的音符有所不同，其力度较小、声音较弱、音色柔和、有语气语感。八度连奏：第一个八度落臂触键，重量落下，手指稍粘键，手腕带动手臂和手指向下一组八度音的方向移动，循序渐进，以此类推。八度连奏的落臂触键应是‘推下’（琴键），不是‘敲下’，学习保持八度声音的明亮、重量下沉和动作的连贯。

四、全臂触键

全臂触键，一是运用在力度强、音乐情绪丰沛饱满的乐句;二是运用在音乐表现力强、歌唱性的旋律中。从钢琴这一乐器制造的结构上来看，声音的发出是通过榔头敲击琴弦而获得，故也可以将钢琴看做是一个敲击乐器，但因敲击出来的声音生硬干涩，故要求弹奏者需改变触键方式。全臂触键是一个综合的发力（手臂、手腕、肩、手指和背），应熟悉和掌握全臂触键的发力点及整个力量的贯通，任何生硬的动作只会使弹奏出的声音单薄。全臂触键是一个心理到生理的过程，心理上积极能动了，生理上才能自然到位。情绪丰沛饱满的乐句：腰、背、手臂、手腕和肩的全部重量集中于指尖，掌关节撑好，身体各个部位的重力融会贯通。通过这样弹奏出来的声音才能饱满，另外手指的韧性、弹性及爆发力也决定了音质是否丰沛。这样一系列的动作需要不断地学习和研究、尝试和推敲，慢慢掌握其中的要领。歌唱性的旋律：发挥听觉的主观能动性，寻求音乐本身的声音，肩、手腕和手臂的重力贯通于指尖，有时需用到身体的其他部位（背、腰和臀）的力量，手指的运动方向不应垂直落下，而是渐渐、慢慢地‘推下’琴键，柔和地触键，指尖站稳，重量放下去。用指尖衬有肉垫的部位触键以产生美音，注意弹奏的声音‘传出去’，音色柔和，不能‘闷’、‘空’和‘虚’。学会感受每组旋律线的手的重量移动，弹出歌唱性和流动性的声音。

参考文献：

[1]（美）克·格·汉密尔顿著.周薇译.钢琴演奏中的触键与表情【M】.人民音乐出版社.2011

[2]葛德月.朱工一钢琴教学论【M】.人民音乐出版社.2010

钢琴技术 篇4

在钢琴的演绎中, 音色同样是弹奏者表达乐曲所包含的的感情的一个很重要的部分。音色的不同, 也彰显出其与众不同的特色与艺术造诣。比如《小夜曲》的舒缓、静谧。再比如《匈牙利狂想曲》的铿锵有力。不同的音色能够将不同情感表现的淋漓尽致。因此, 区分不同的音色, 才能够正确的把乐曲所表达的思想感情更好的还原

1 触键技术对钢琴音色的重要影响作用

上面我们说到, 在现实中, 钢琴的音色与触键技术有着实在关系。不同的触键技术能够产生不同的美妙音色。下面就具体说明不同的触键技术对音色有着何种重要影响。

1.1 触键弧度对钢琴音色的影响。

学习钢琴的朋友一定不会陌生G垂直触键。G垂直触键顾名思义就是指指尖与琴键保持自然垂直。一般来说, G垂直触键能够弹奏颗粒型较强的声音。但是光靠G垂直触键想要弹出美妙的音色, 是远远不够的。若想弹奏更为优美的音色, G圆弧触键是必不可少的。G圆弧触键因其自身的特点, 在弹奏过程中能够产生更多不同的音色。因为G圆弧触键不是用指尖触键, 而是用的指尖的肉触键, 能够很好的缓冲力量, 使声音更加柔和。

1.2 触键高度对钢琴音色的影响。

长期以来, 在触键技术上有两种不同的观点:a.认为手指贴近键盘是弹出好听的声音的必要条件或重要条件;b.认为G高抬指是使手指干净利索的唯一方法。

强调高抬指的练习方法是有意义的, 因为适度的高抬指练习可以使手指第三节关节充分打开, 积极运动, 使手指动作逐步达到迅捷有力的目标。但若片面强调高抬指, 则会造成音与音之间缺乏联系, 音质粗糙, 漏音, 手指不能把力量集中到键上之类的毛病。为克服这类弊病, 还需要采用手指贴近键面的练习方法。

1.3 触键力度对钢琴音色的影响。

对钢琴学习者来说, 触键力度是个常识问题, 力量越大, 声音越响;力量越小, 声音越弱。然而, 弹奏钢琴究竟需要多大力量?重量是怎样转化为声音的?这些问题, 是钢琴触键技术的根本问题之一。所谓自然重量, 首先是指手臂的重量, 进而是指身体部分对重量的补充及与手臂的配合。在弹奏中如不会使用重量, 声音必然会单薄、浮浅和缺乏表现力。对重量的运用与训练应有一个过程, 首先是要学会能把手臂的重量全部放下去, 不要把重量淤塞在手臂、手腕的某个部位。重量的调节必须建立在重量能全部自如放下的基础上, 根据音乐所需要的声音的强弱、厚薄而给予键盘以重量的变化。如果声音要强, 可补充以身体的力量;如果声音需很轻弱, 则可把重量控制到最小地步, 譬如仅一个手指的重量。但需要特别强调的是, 为了声音的通透, 重量必须通过指尖G送到键盘里去, 惟有这样才能使最轻的声音清清楚楚地传到很远的地方去。

从上文我们可以了解到, G需要的仅仅是自然的力量, 若是人为的进行力量控制, 那么弹出的音色是生硬的, 没有灵动美妙之感, 更不会包含情感在其中, 这需要广大的钢琴学习者多加重视并多加练习。这里所说的运用自然的力量, 其实就是指将自然的重力全部集中在手臂, 并通过自身的微妙控制, 将力量传达到指尖, 这样运用自然的力量进行弹奏, 弹出来的音色才是动听的。

2 不同触键方法对钢琴音色的影响

2.1 把手掌的架子作为力量的支撑点, 才能保证声音的质量。

弹强烈的声音时, 手掌架必须牢固;弹轻声时, 更需强调手掌架的牢固;哪怕是弹印象派的具朦胧声音特色的作品时, 手掌架依然不能松松垮垮, 而要保持有把握的控制。手掌架的训练应在入门时就开始, 在慢练时要尽量强调手形, 在较快的弹奏或正式演奏时则不必刻意强调外形, 而是凭内在

的功夫和力量了。

2.2 触键的主要动作部位要积极起来。

如果是掌关节, 就要充分打开, 主动抬指, 并把琴键弹到底。在慢练时每个手指应该独立不倚地进行G快下放松的练习。所谓G快下, 就是指手指向下, 特别是触键动作要快, 要敏捷, 这样能使声音明亮。所谓G放松, 是指声音一旦发出, 手就不能再追加压力;在弹长时间的音时, 手可以在发音后自然保持在琴键上。

2.3 以手腕为主导调节好左右、上下的动作。

手腕有许多上下、左右的动作方式, 其中有些是手腕独立完成的, 有些是和手臂结合起来协调完成的综合动作。这些综合动作使得不论何种位置时, 手臂的重量 (或大或小>都能通过手指而全部送入琴键。关键是要注意把手调节到最佳位置, 使手指充分起到后方支援前方的作用, 使每个声音突出、自然、通畅。

2.4 触键点要有集中感。

在指端接近键面时, 手腕应在不知不觉间摆平, 以便于手指触键时借用更多的重量。演奏者还必须了解每一架钢琴从最深到最浅触键的不同层次, 触键浅并不意味着没有力量集中点。从这个意义上讲, G点比G底更重要, 因为G集中点的概念比G弹到底的概念更能说明钢琴声音的品质。G弹到点是一个触键的概念, 这是保证良好音质所必须强调的。

2.5 身体各部位要协调。

弹琴时, 从身体接触琴凳到手指接触键盘, 应该是一个可以灵活调节的整体。当我们的身体处于自然积极状态时, 声音必然会丰润宽厚, 使人听起来顺畅、舒展。身体协调的关键在于腰骶部的力量能否调动出来。在弹最响亮、最丰满的声音时, 只要身体挺立, 用上腰骶的力量, 不需多大的动作和力气, 声音便可以很自然地弹出来。

2.6 发挥钢琴右踏板的延音功能来增加声音的共鸣并帮助声音的连接。

在弹奏上应掌握并运用重量的传递和贯穿方法, 同时要结合音乐中的渐强、渐弱及轻重缓急的处理, 安排好句头、句尾及乐句中的高点, 体会好乐句中的强调音、非强调音和语气, 掌握好乐句中节奏的伸缩变化, 设计好种种音色的变化与层次;另外, 用伴奏或其他声部进行烘托与陪衬, 来突出钢琴所独有的连奏性和歌唱性。

结束语

钢琴技术 篇5

摘 要：钢琴正谱伴奏只有依照原谱弹奏才会知道所弹作品的调式调性及运用了哪些和弦织体。也只有随着弹奏过程的逐步呈现，伴奏者才能慢慢地了解伴奏的整个框架结构等问题。但即兴伴奏只要根据一定的歌曲旋律以及演唱者的实际要求确定了调式调性，伴奏者就能很快地在头脑中反映出伴奏所需要选择和各弦、织体以及相关的和声框架。

关键词：钢琴;正谱伴奏;即兴伴奏

钢琴正谱伴奏只有依照原谱弹奏才会知道所弹作品的调式调性，才会知道运用了哪些和弦织体进行伴奏。也只有随着弹奏过程的逐步呈现，伴奏者才能慢慢地了解伴奏的整个框架结构等问题。但是，即兴伴奏只要根据一定的歌曲旋律以及演唱者的实际要求确定了调式调性，伴奏者就能很快地在头脑中反映出伴奏所需要选择和各弦、织体以及相关的和声框架。那么，完成这些任务，就需要伴奏者在此前有许多已经牢记于心、熟练在手的技术掌握在手中。掌握这些技术就需要进行一系列的专项训练，而其中一部分基本功要素，具有比较稳定的形态，其变化方式也比较规范。它们就像学习语言中所要背记的单词一样，首先只要通过不断的练习，将这些伴奏手法、技术信息储存在我们的头脑当中。在我们运用的时候，就能很快从大脑的记忆资料存储库里面调出我们所需要的各种和弦、织体等材料进行伴奏。这些“材料”我们可以将其称之为“键盘硬性技术”。

即兴伴奏这种硬性技术的训练，其中心环节就是和弦。和弦是多声部音乐里面最小的基本元素;而在即兴伴奏中所运用的和弦总是依托于某种形式的载体出现，同时它也无可避免地与相关的调式调性相联系。因此和弦、织体、调式调性这几大元素相互影响、相互制约，它们是即兴伴奏键盘硬性技术中所要练习的核心组成部分。

1 和弦

即兴伴奏中，首先要求伴奏者对于和弦在键盘上的位置十分的熟练，其中各个调的正三和弦(在调的I、IV、V级上形成的三和弦)是首先必须要求掌握的。因为在即兴伴奏中I—IV—V的进行是最基础的和声功能进行，它们是确定调性的最基本的途径，在任何一个调里面都起着关键性的作用。

那么各类和弦按照和自不同的使用情况，大致可能分为三类：

a。常用和弦：大三和弦、小三和弦、属七和弦;

b。不常用和弦：大七和弦、小七和弦、半减七和弦、增三和弦;

c。极少用和弦：减三和弦、小大七和弦、增大七和弦。

以上和弦由于其纵向结构的不同，有各自不同的音响色彩个性。就如同是绘画色彩中的冷色调与暖色调的区别。按其色彩不同和弦又可以分为：

a。明亮色彩：大三和弦、属七和弦、大七和弦、增三和弦、增大七和弦;

b。暗淡色彩：小三和弦、减三和弦、小七和弦、减七和弦、增大七和弦。

根据和弦音响的协和性，和弦还可以分为以下三类：

a。协和和弦：大三和弦，小三和弦;

b。比较不协和弦：减三和弦、增三和弦、半减七和弦、减七和弦;

c。不协和和弦：大七和弦，小大七和弦，增大七和弦。

每个和弦还有不同的位置变化，其中三和弦有原位及两个转位，七和弦有原位及三个转位。随着和弦的位置变化，同一和弦在音区上也引起了变化，并且就影响到和弦的稳定性：

a。三和弦及七和弦原位：比较稳定;

b。三和弦和一转位及七和弦第一、第二转位：较富于流动感;

c。三和弦第二转位及七和弦第三转位：比较不稳定。

在和弦的弹奏过程中，我们还要特别注意一点，就是要有意识地培养一种手型框架感觉，这是一种固定的手指伸张控制感觉。这是针对于整个和弦体系而言，而并不是专指单个和弦。

例如，在键盘上弹奏所有c自然大调的三和弦(以柱式和弦音型为例)。因为和弦各音都是在白键上弹奏，那么相同音型、相同原位或转位的和弦在弹奏时一样的。由此，我们在弹奏的`过程中，首先可以熟练地将某单个和弦在键盘上的位置和这个和弦在弹奏时的手型练熟，如果能将这种固定的感觉扩展开来，举一反三地运用到其他的分解和弦织体、琶音等音型的训练和弹奏上，将起到事半功倍的效果。

即兴弹奏的思维与动作都是一种在瞬间发生的快速行为，执行头脑指令的动作既要灵敏也要准确。这就要求在训练和弦的硬性键盘技术，是要侧重练就出一种又快又准的硬功夫。这一点在平时应着重练习。

2 织体

所谓“织体”，就是我们通常所讲的“音型”。它是指包含有一定内涵的意境单位。它本身是由有节奏的律动以及和弦的分配所构成，是节奏型与和弦音高的结合。排除节拍节奏、音区等因素的变化，从弹奏的角度来看，我们可以将织体归纳为三种基本类型：

2。1。2 柱式和弦型：在一定节奏条件下，将三个或三个以上的音同时弹奏的音型，称之为柱式和弦音型。它以和声音响丰满、厚实为特点主要适用于力度较强，音响较厚重的歌颂性音乐体裁。

结合钢琴具体的演奏特点，柱式和弦音型由于在弹奏的分配上的不同，可以分为以下两种形式：

第一种是单组柱式和弦音型。这类音型通常包括柱式结构层与低音声部层两个部分，一般由双手弹奏进行。由于柱式音层的音区位置常处于小字组以上，故而它多采用三和弦完整和弦音作密集排列，这种排列柱式音向上很集中，而且便于弹奏。单组柱式和弦音型除上述的双手构成形式以外，还常以单手构成出现，常见的形式是左手构成，而右手则承担歌曲旋律或其他音型的弹奏。

第二种是双组柱式和弦音型。这类音型由左手的柱式低音层与右手的柱式层共同构成，也就是说，除低音声部外，左右手都有柱式层的分配。而且两个柱式层既可以是同节奏弹奏，也可以是在不同节奏上构成的。这类音型由于其织体层次的增加，其音响丰满饱和，节奏力度更强。两组柱式和弦的间距音程(即下层和弦的音符与上层和弦的低音所构成的音程距离)一般不会超过八度，否则就会造成音响散乱，从而达不到音型所特有的密集而丰满的音响效果。

2。1。2 分解和弦音型：在一定的节奏条件下，将和弦音由下而上或者是由上而下的折转依次弹奏的音型，称之为分解和弦音型。由于钢琴即兴伴奏的织体是由双手在不同的音区位置上共同完成的，因此分解和弦音型又存在着三种类型：

第一种是双手音型：通常用于不带旋律或将旋律骨干音融入音型结构中的伴奏。这种音型是将和弦分配给双手共同进行弹奏，按其分配方式有两种手法：

a。链式双层分解：将左右手的和弦按照先后承接的方式连接起来，分解的线条前后贯穿，就如同链条般由前至后连贯成一线;

b。单层分解：这是指分解和弦部分是由一只手(通常是由右手)单独完成。而另一只手(左手)则以单音或者是以八度音程的方式构成织体中的低音部分。

第二种是单手音型：通常用于带旋律的伴奏中，部分分配给左手，而右手则以单音或者八度加和弦音的方式弹奏旋律。

第三种是综合音型：即兴伴奏体现的是一种活性思维的体现，表现在某伴奏织体上更应是一种灵活的方式。凡是脱胎于前两种伴奏织体的节奏音型综合而成的音型，我们即可看做是一种综合型音型。比如有一种带低音和弦的织体，这类音型由于节奏感强，音响富于弹性的特点，适用于各种节拍、节奏感强的舞曲和进行曲题材。

既然音型织体存在着多种类型，那么弹奏者就必须事先对织体有所选择。织体的选择应该符合音乐形象的表现需要，符合和声的配置需要，弹奏上讲究顺手，易弹。尤其对于初学者而言，应该选择从较简单易弹的织体入手，首先根据前面两种织体形式，然后再进一步练习其他织体，最后再将难度更大、更复杂的织体音型加入到即兴伴奏的弹奏当中。

在织体的练习过程当中，笔者认为特别要注意抓住两点，第一是必须要找对和弦，第二是要抓准节奏。

针对旋律，如果我们所选择配置的和弦与旋律中的音不相符合，那么即兴伴奏就是毫无目的的乱弹琴，也就没有丝毫即兴伴奏的作用和意义;针对节奏，如果我们所选择的织体在弹奏时其节奏与旋律的节奏没有配合上，那么即兴伴奏也将会乱成一团。因此抓住这两点，不仅对于弹好即兴伴奏至关重要，而且它也将贯穿于整个即兴伴奏的学习过程。

2。3 调式调性

一般情况下，即兴伴奏都是在体现着一种调性思维艺术。即兴伴奏的调式调性感觉，是通过诸如旋律、和弦、和声等因素来体现的。可以是说在掌握和巩固和弦、织体、和声等技能的同时，这种调式调性的观念就已被潜移默化地映射在弹奏者的头脑里面。

在即兴伴奏当中，我们可能涉及包括西洋大、小调式，民族五声、七声调式在内的各种调式调性。但最常见、常用的还是西洋大小调式，而且它也是弹奏好中华民族五声性调式的基础。那么，弹奏者首先可以从掌握西洋大、小调的弹奏技巧入手，待到将这些基础性的调式调性掌握好以后，再逐步加强对于其他各种调式调性的掌握和巩固。

对于即兴伴奏调式调性的掌握，笔者认为关键是调性观念的建立。从即兴伴奏弹奏的角度来看、特别是经常接触简谱的弹奏者，如果用首调的观念来理解和掌握和弦、织体、和声框架等因素，就会显得更加容易和方便。特别是在处理和声方面，用首调感觉则能更加快捷、牢固地建立调性感觉。

对于各个调在键盘上的熟悉和掌握，我们可以采取以“一根线”带“一片”的方法和步骤进行训练。

a。“一根线”，是指掌握某一个单个的调。即要求将一首较容易的乐曲在某一个调上弹奏熟练，并记住伴奏所用和弦的级数(尤其是I/IV/V级上构成的和弦)、织体音型以及和声框架结构等因素。

b。“一片”，是指仍然选择同样一首乐曲，选择同样的伴奏和弦、织体与和声功能进行模式，但是这些都要求在另一个新调上面进行。这也就是在穿引一根“新线”。待到将所有的这些技术在这个新调上面练熟以后，我们就可以以相同的方式去建立更多的“线”。

“线”多即成“片”。到那时，我们就能在不断的积累中，将即兴伴奏所需要的各种调逐步掌握。虽然这种方法看似呆板，违背即兴伴奏“活”的原则。但是只有“先死”才能有“后活”。必须要有先前一点一滴、扎扎实实的基本功练习，才能拥有挥洒自如的伴奏能力。

3 学习即兴伴奏应注意的问题

就像说话一样，在掌握了语言中大量的字和词之后，只要经过一定的语法训练和引导，我们就能通过组织语言来说出自己想要表达的意思。在笔者看来，即兴伴奏与说话其实有很多相似之处。只要掌握了一定的键盘弹奏技巧，然后通过一段时间的专门训练，我们也必定能够掌握一定的即兴伴奏本领。

在前文的叙述中，我们已经连带介绍了部分即兴伴奏学习的方法和技巧。以下这些，仅是在即兴伴奏学习过程当中一些值得注意的问题。

3。1 即兴伴奏所必须具备的条件之一就是钢琴技巧，但我们一定要明确区分钢琴弹奏技巧与钢琴伴奏技巧之间的的本质区别。前者是以机械练习为主来体现乐谱的内容，而后者是以创造性为主来完成伴奏。

3。2 在即兴伴奏时，要强调眼、脑、手、耳的协同合作。

眼：伴奏时不仅要看谱，而且要在感观上密切关注演唱(奏)者的临场发挥，以便随时灵活地调整自己的伴奏。

脑：除了要进行相应的和声、织体配置的构思以外，同时还要对手指动作发出指令，而且还要协调身体各部分动作，起到统领全局的作用。

手：根据脑的指令，手指动作进行伴奏。

耳：从总体上进行音响效果的监听，并将音响效果及时反馈给大脑，同时及时对和弦的对错、排列方式;对织体以及伴奏的快慢、强弱作出适当的调整。

3。3 通常的钢琴伴奏，实际上相当于在背谱。而即兴伴奏必须要将这种背诵习惯转变成为一种有如“说话状态”的即兴状态。学习即兴伴奏，即要求有一种不怕弹错的精神。如果畏手畏脚，老是担心会弹错音，担心所弹的伴奏没有别人的好听，总是依赖记谱、背谱弹奏而自己不动脑思考，就永远也学不会即兴伴奏。

3。4 即兴伴奏讲究“先死后活”的特点。必须是在前期掌握那些“死”的硬技术，才能在以后的即兴伴奏当中做到灵活自如。但要切忌“好高骛远”，要根据自己相应的“死”技术弹奏“活”的伴奏，由易到难地根据自身基本功底逐步地增加伴奏手法，稳步地提高自身的伴奏水平。

3。5 注意提高自己的审美与创造意识。钢琴即兴伴奏没有绝对的对与错的标准。只存在伴奏效果的好坏差别。所以我们追求的是更好的音响伴奏效果，但是要谨防将一些规律性的手法视作死板的教条，从而忽视对具体情况的灵活掌握和运用。同时，为提高自己听觉的审美鉴赏力，我们不妨可以多听多分析一些经典作品与优秀作品的钢琴伴奏谱，把它们作为提高自己即兴伴奏水平的有益补充。

3。6 即兴伴奏学习需要勤学苦练，即兴伴奏的练习与掌握需要长期持之以恒的坚持。

试析钢琴教学中多媒体技术的应用 篇6

关键词：钢琴教学 多媒体

随着社会的不断进步，人们学习知识的方式也在不断更新，不断进步，其中，多媒体技术的应用不但符合时代发展的潮流，也在一定程度上满足了教育事业发展的需要。同样的，钢琴教学中也需要多媒体的加入。在钢琴教学中有效利用多媒体技术，使教师的教学过程更加直观，更加生动，在提高教学质量的同时也使学生对上课的兴趣更浓。钢琴的学习受到越来越多的重视，那么钢琴的教学质量以及教学方法就显得尤为重要，多媒体技术在钢琴教学中的有效应用，一定会为钢琴教学带来全新的与众不同的体验。多媒体技术与钢琴教学的完美融合，不仅仅能激发学生学习的积极性和主动性，使课堂的气氛更活跃，还有利于学生直观的认识钢琴的理论知识，同时也使钢琴教学的效果更加突出，能很好地提升学生们的音乐素养，培养学生更加优秀的乐感以及对学习的兴趣，更能对学生将来的实际工作能力得到快速的培养和提高。

一、钢琴教学中应用多媒体技术的重要性

多媒体是在计算机系统中组合两种或两种以上媒体的一种人机交互式信息交流和传播媒体，如今已经广泛应用于各种教学中，钢琴教学与多媒体技术的完美结合同样必不可少。

（一）增加钢琴课堂教学的信息量

在传统的钢琴教学模式中，学生只能简单的从教材上获得最基本的信息，很难再获得更加深入的信息量，而多媒体技术的教学运用最显著的效果之一就是学生可以获得除课本以外的信息量，这就使得学生的知识面就更加广泛，也使得音乐课的表现形式更加新颖，更加丰富多彩。借助多媒体辅助教学，可以使学生在有效的时间内获得更多更全面的音乐信息，同时利用互联网还可获得各种类型音乐的最新动态以及相关的视频等信息。

（二）提高钢琴教学课堂的效率

运用多媒体技术辅助钢琴教学可大大提高学生们的学习热情，同时也会提高学生们的思维能力。学习兴趣是任何一个人学习一切的最先决条件，没有兴趣的学习一切都会变得枯燥乏味，更别提是否进步，多媒体技术的应用很好地改善了这个问题，激发了学生们的学习兴趣，对提高钢琴教学课堂的效率起到了一定的作用。相對于传统钢琴教学而言，多媒体技术的应用可实现在赏析音乐的同时配以生动的表演和符合意境的画面，将音乐与动感画面很好地结合起来，让学生产生主动学习的兴趣。

（三）有利于教师教学计划的开展

在钢琴教学中采用多媒体技术，能有效地将计算机、投影设备、数码钢琴和音乐设备等多种设备组合到一起，让学生对音乐曲目有更加直观的了解，也能使学生在有效的时间内达到一定的接受效果，对所学课程了如指掌。多媒体技术的应用比我们乏力单一的语言描述生动形象的多，可以实现更为复杂的课程。

二、多媒体在钢琴教学中的应用

（一）课堂赏析名家音乐会

事实上，现实生活中高职院校中的学生或是其他高等院校的学生很少有机会或是几乎没机会去参与名家音乐会，更何况也有许多著名的音乐家也已经离我们远去，在这里多媒体技术的应用就起到了很好的作用。教师在课堂中运用投影仪播放视频，学生们可以在课堂中就能赏析到名家的经典作品，体会著名音乐家的水平，了解名家的成名作品，可以让学生受到很好的艺术熏陶，学生们在欣赏音乐的同时可以感受到音乐节的激情，他们也会为音乐家的激情感到动容，从而更加激发学生们学习音乐的兴趣和热情。

（二）利用教学软件进行拓展训练

随着多媒体技术的飞速发展，也开发了许多各门课程的训练软件，专业的音乐教学软件也是应有尽有。如EarMaster软件和音乐大师软件，学生们可以利用相应的软件进行系统的训练，学生们也可以利用软件自己制作一些小钢琴乐曲，这样不止可以巩固学生们的基本乐理知识，也可以激发学生们的创作热情，发展他们的思维能力和创新实践能力，使他们自己精心制作的音乐作品得到赏识，得以展示。

（三）采用数码钢琴教室开展基础钢琴的集体课

钢琴一对一的教学一直是钢琴教师梦寐以求的事情，传统的集体授课方式一直让教师感到很头疼，而数码钢琴课程让这一不可能成为可能。学生分别独立学习，只要一个按键就能让老师知道，实现了集体授课的“一对一”辅导，数码钢琴仿真程度高，而且又结合了多媒体的特点，让课堂可以拥有网络的无线资源。

（四）充分利用网络资源

网络是最好、知识面最丰富的老师，它可以说是无所不能，所以我们一定要合理运用网络资源。让学生可以通过网络多了解一些关于作者的资料，如作者的创作风格，时代背景以及创作初衷等等，让学生们对每一首优秀的音乐作品有着更深入的了解。学生们也可以通过网络多参加一些网上的音乐论坛，与更广阔的人群一起探讨音乐，这在一定程度上对学生自身水平的提高有着很好的效果。

三、结语

现代教学使用多媒体教学已经是个不可逆转的趋势，它的诸多优点，让我们不得不一步步去靠近它，学习它，只有做到充分了解，努力学习，让自己在多媒体应用上水平不断提高，这样才能做到与时俱进，才能更好的提高自己，在教学研究水平上更上一个台阶。若只是一味的排斥新鲜事物，只会让自己在时代进步的浪潮中慢慢落后。多媒体在近几年的学校教学中发挥了重要的作用，以后也将发挥更大的作用。

参考文献：

[1]胥洋.论大众化的钢琴教育[J].科学之友（B版），2009，（04）.

双钢琴演奏技术研究 篇7

一、双钢琴演奏的艺术价值

与其他艺术演奏技术有所不同的是,双钢琴更加注重两者之间的和谐与统一。只有人们学会将两架钢琴平衡的运用,在不同的时刻让钢琴能够彰显出自身的价值和意义,这才是最重要的。双钢琴演奏的艺术价值非常高,在现代化的社会发展中,双钢琴演奏技术正在不断的深入发展中,据有关调查结果研究显示,我国有很多高校已经开设了双钢琴课程,并且深受学生的喜欢,因为与传统钢琴有所不同的是,双钢琴教学更能够吸引学生的学习兴趣,这样的钢琴教学技术也会更好的吸引学生的注意力,为开辟双钢琴教学奠定坚实的基础。双钢琴演奏具有极高的艺术价值,在未来的社会发展中,双钢琴演奏一定会经常出现于各种演出当中,演奏者应该通过熟练的掌握弹奏技术,进而更好的彰显出双钢琴的自身魅力和艺术价值。

二、双钢琴演奏

1、对声部的处理

双钢琴在实际的演奏中对声部有着一定的要求,首先双钢琴的总谱是用两个大谱表记谱的,两个钢琴声部分别是第一钢琴声部和第二钢琴声部。在演奏的过程中各个声部之间会相互衬托,相互融合,经过完美的融合最终衬托出音乐的柔和性。双钢琴与传统的钢琴有所不同,首先双钢琴的音色更加富有张力,能够建立在传统的钢琴演奏基础之上,让音响更加丰富。双钢琴处理重要突出其中的“双”字,所以在实际的演奏中,演奏者如果仅仅注重自身的演奏形式和声部是远远不够的,更重要的是应该注重与对方的配合。双钢琴演奏不仅需要对声部之间的逻辑关系进行探讨,还应该对两架钢琴的声部进行调和,这样在弹奏中才会实现对话式的弹奏,让双钢琴演奏彰显出更多的艺术价值。

2、对组体层次的力度处理

双钢琴在实际的演奏中具有非常强劲的表现力,双钢琴演奏不仅对组体层次有着更多的要求,它的音响也更加丰满,能够演奏出更加具有张力的艺术作品。有些时候演奏者会通过双钢琴来演奏出主旋律和伴奏的效果,由第一钢琴的某一声部和第二钢琴的某一声部同时演奏一条旋律,然后其余声部为伴奏。在不同的演奏条件下,钢琴对于组体层次都会有着较为明显的要求,要想更好的彰显出双钢琴演奏最佳效果,演奏者更应该对演奏内容和演奏形式进行关注,只有充分的理解双钢琴演奏的意义,并且学会运用双钢琴的声部来表现音色,才会更好的凸显出音乐的自身魅力和双钢琴所具有的艺术气息。双钢琴对于组体层次的力度有着非常多的要求,只有演奏者从根本上清楚的意识到演奏层次与力度之间的关系,并且经过熟练的练习,才会更好的展现出双钢琴演奏的艺术魅力。

3、对乐句的处理

站在宏观的角度上来看,在双钢琴演奏中人们往往会注重声部与组层次力度之间的关系,实际上在双钢琴演奏中,对乐句的处理也是非常重要的。如果前两个与双钢琴是纵向的关系,那么对乐句的处理与双钢琴就是横向的关系,三者之间的关系十分密切。乐句的开始与结束是非常清晰的,在演奏的过程中需要演奏者将自己的呼吸衔接一致,并且控制速度,在演奏的过程中还应该力求统一。对乐句的处理更需要双钢琴演奏者之间的默契,实际上如果能够熟练的进行双钢琴演奏,从其中的一个点头动作都可以抓住乐曲的速度和节奏,也就自然而整齐地进入起拍,从而做到双钢琴演奏的默契。由此可见,在实际的演奏中,对双钢琴的乐句处理是非常重要的,无论乐句中力度的变化,还是对配合协调性的处理都需要不断的进行调整,只有演奏双方在共同完成一个乐句的渐强减弱时,才会找到彼此的默契性,这也是为了更好的演奏出出色的双钢琴艺术给予更多的保障。

三、结束语

综上所述,笔者简单的论述了双钢琴演奏技术等内容,通过分析可以发现,实际上在现代化的艺术发展中,双钢琴演奏是一项非常受欢迎的表现形式,并且在实际的表演中也能够彰显出表演者的技术,双钢琴与其他的钢琴表演艺术有所不同,双钢琴对于表演者的默契性有着更高的要求,如果想将双钢琴作品演奏得和谐统一,不仅要具备完善的演奏技术、完美的音色表达、准确的音调弹奏,还必须能够与合作者的演奏情绪和演奏习惯相协调,并能够根据现场效果对自身的演奏进行校正,从而使作品的完整程度得到最大化的表达。只有充分的认识到双钢琴演奏中声部、组层次以及乐句处理等内容,并且熟练的进行演奏,才会更好的凸显出双钢琴的自身艺术魅力,为推动我国的艺术发展奠定坚实的基础。

参考文献

[1]马威娜.高师双钢琴教学与演奏研究[J].教育战线,2013(09):123—126.

[2]刘晓峰.浅谈双钢琴演奏的合作[J].岱宗学刊,2014(06):114—117.

钢琴弹奏技术的把握 篇8

一、钢琴的局限性

当尝试让钢琴“悄声细语”或旋风般轰鸣时, 一些钢琴发烧友不由得喜不自禁。毕竟, 真正为钢琴考虑和真正想让钢琴听起来像钢琴的人是极少数。确实, 钢琴之间有区别, 不同的钢琴在不同的音乐厅也要求有不同的处理。在我心中, 客厅里的三角钢琴比音乐厅里的三角钢琴声音更加平衡。钢琴这个乐器本身更加适合中型的厅, 而不是大厅。当我们在类似卡内基那种音乐厅中演奏时, 钢琴的自然美已经不可避免地被剥夺了。演奏者必须适应他的乐器和乐器的型号, 有些人这样做, 有些人从来就没想过。大型的音乐厅只适合冷静的演奏, 而震撼的表演应该在一个美妙的冬季花园进行。

钢琴表演呼唤一种更加含蓄和敏感的风格, 只有这样, 钢琴的价值才能更好地被保留。钢琴不是像大多数人所想的那样, 是一个铁砧。成为钢琴并不是它的错, 也不应该因此而受到惩罚。在一个乐器的性质如此鲜明时, 为什么还要欺骗我们的耳朵和智力使我们相信它是另外一种乐器?我们总是可以从一台客厅三角钢琴中获得比一台音乐会三角钢琴更亮的高音, 因为它的音色在不同音域是更加平均的。但是, 对于英国人 (克拉特桑) 的新发明一一“抚键”击弦机我有很大的信心, 这种击弦机已经在很多品牌的钢琴上采用了, 它会成为钢琴击弦机的未来。这是一个真正的革新, 使得触键更具有敏感度, 比之前的任何方式都更加易如反掌。

二、音色变化中的空间

现在是一个钢琴演奏中注重音色的时代。布索尼是现代钢琴家中唯一一位为我们带来了新的音色种类的音乐家。他不是只有一种“触键”, 他有多种“触键”。他意识到, 单纯的触键没有任何表现力, 表现力来源于一系列音符中的音色变化。没有画家会拿刷子把一种颜色泼向画布, 而认为自己表现了什么, 这种作品恐怕只有在未来主义者的眼中才会被视为美。画家需要用画刷做许多不同的浓淡处理, 只有这样做, 其结果才是艺术的。所以, 在钢琴演奏中, 每个音的处理来自于同整体的关系。

在泰尔伯格年代, 相对来讲更加容易在琴键上发出如歌的声音, 因为那时的键子重量没有现代钢琴的那么重。这就是对弹奏进行彻底改革的主要原因一一与其完全放松, 我们不如开始尝试重量弹奏和“手指固定法”、“手腕”、“小臂”等一系列姿势。

三、强弱色彩中的空间

钢琴家在强弱色彩这个领域还有新的发现。在我们的艺术长河中, 曾经一段时间只有明确的旋律才能使有修养的音乐家满足。旋律的盛世并没有过去, 瓦格纳、舒曼和勃拉姆斯展示给我们旋律的定义其实非常宽广。德彪西和他的同胞又来告诉我们空气和色彩本身也有美存在, 它们并不一定需要组成云朵或形成夕阳才是美的。在弹奏德彪西的前奏曲和拉威尔以及斯考特的曲子, 这样我们才能明白一种特殊的美可以从对大片音色的微妙强弱色彩处理上获得——我们把这种风格称为流动。在这些曲子中我们会学到如何在肖邦的曲子中处理强弱色彩。没有色彩, 现代法国作曲家便一无所有了。从某种程度上说, 拉威尔比德彪西伟大, 因为他的作品中蕴涵了复调和多种层次的和声色彩处理, 这些特点在他美妙的充满异国情调的《脚手架》这首作品中淋漓尽致地表现出来。我认为这首作品是现代音乐中最圆满的典范, 是为这个乐器所作的最具野心的作品之一。的确, 对我来说, 它是所有钢琴曲目中最难的作品, 在诠释上的难度远远超过了那首享誉世界的李斯特改编曲——《唐璜幻想曲》。

四、分句中的空间

其实, 当今已经很难再在分句中找到新的空间了, 有人认为, 谁都可以弹琴, 并不一定要成为一个音乐家。也就是说, 在他们心中, 成为一位钢琴家所需要做的只是培养手指的灵活性。当然, 一个人可以从一些有关乐句的书中学到很多, 但是大钢琴家的分句理念来自于他们同作曲家本人不相上下的对于作曲技法的透彻了解, 任何一知半解的信息不能使他们满足。我建议要常常去听一流乐队的音乐会, 学习聆听每一个乐器的细致分句。音乐诠释的标准隐藏于乐队完美协调表演的背后。

五、踏板运用的空间

利用踏板来渲染气氛是一个新的理念, 但并不容易掌握。正如绘画大师因蔑视锋利、相片式的清晰轮廓, 而寻找一种将画面和色彩软化的艺术手法一般, 现代学派的钢琴家使用踏板的方法, 使得音与音虽然融合, 但不模糊。的确, 假如使用得当, 即便模糊的音也被认为具有艺术价值了, 现代的音乐家必须同时具备“用眼睛听”和“用耳朵看”的能力, 然后他才能在新的大陆上生存驰骋。

摘要：要弹好钢琴首先要掌握钢琴弹奏技术, 只有懂得弹奏技术才能真正弹好钢琴。钢琴演奏是一门理论与实践紧密结合的学科, 必须有科学的理论才能指导好演奏实践。本文对钢琴弹奏技术的把握进行简要的分析。

关键词：钢琴,弹奏,技术,把握

参考文献

[1]张式谷, 潘一飞.西方钢琴音乐概论[M].北京:人民音乐出版社, 2006.

钢琴演奏技术问题探微 篇9

一、钢琴技术训练三阶段

一切演奏技术的形成, 都是经过训练所获得的条件反射, 大致可分为三个阶段:

1. 练习阶段

这是训练的初始阶段。初学钢琴的时候, 运动条件反射刚刚建立, 不够巩固。在这个阶段, 我们应该充分调动学习主动性, 强化正确的钢琴技术动作, 及时纠正各种不正确的动作, 使我们对动作建立正确的感觉。

2. 定型阶段

在不断的练习过程中, 我们虽然初步掌握了技巧, 但这时的定型尚不巩固, 遇到新的刺激 (如交流、考试、比赛等) , 错误动作会重新出现。在这个阶段, 我们要特别注意对错误动作的纠正, 分析动作的细节, 模拟有多人观看的场景, 适应新的刺激, 使动作定型日趋准确。

3. 巩固阶段

通过大量的练习, 动作定型已经巩固, 这个阶段我们要演奏后进行总结, 及时纠正错误, 使技巧的第三阶段达到完美。

二、钢琴中的放松

放松是相对于紧张而言的, 自然放松是正确演奏的前提。技巧是动作, 而动作是多种肌肉群相互协调与放松的结果。无论动作用力轻重、幅度大小, 都是全身协调的结果, 演奏也是一样, 任何技术都要在整体协调一致的前提下去理解。钢琴演奏中放松是最基本也是最重要的要求, 只有学会了放松, 特别掌握了手臂的重量, 才会掌握正确弹奏方法和钢琴的各种技巧, 才能弹奏出快速、清晰、准确的琴声, 才能奏出优美, 具有穿透力的声音。

放松是一种相对的要求, 不等于松懈或睡眠状态的放松, 如果是绝对的放松, 音乐也就不存在了。要求手指放松, 但各关节不能软弱无力, 指尖在琴键上要站住, 不弹奏的手指随时准备弹奏, 呈积极的休息状态。演奏时, 手腕要放松, 但手指要有架子。因此, 演奏应是一种积极的工作状态, 应根据不同演奏技术的要求, 使各部分相对稳定和放松, “前稳后松”就是这种关系的精辟总结。

三、钢琴的音色和技术动作

在技术方面, 要弹出“好听的”声音, 必须具备非常灵活柔顺的双手 (但不是软弱无力) 和“放松的重量”, 即从肩部和背部起, 直到接触键盘的指尖 (全部的准确性都集中在指尖) 为止, 整个手臂都是放松的;还必须有把握地、合理地控制这种重量, 从弹疾速轻巧的音所要求的飞掠而过的触键起, 到弹宏大的音量而用大力度用力弹键为止, 都必须如此。好听的声音是不同力度、各种时值声音的相互结合、相互对比、极为复杂的过程。声音练习只有在练习作品、练习音乐及其基本要素的时候才是实际有效的。而这种练习也不能和一般的技术练习分割开来。钢琴上的音不能像别的乐器上的音那样延续, 所以为了清楚地表达所演奏乐曲的音调, 不但旋律线条的强弱变化, 就连经过句的强弱变化也应当比别的乐器更丰富更灵活。当然, 也有要求其平均的、没有强弱变化声音的地方。为提高钢琴演奏的音色, 我们可从以下几方面着手:

1. 改变手指的触键部位。

从用指尖触键到用指面部位触键, 每一变化层次都可以产生细微的音色变化, 因为手指越立起, 琴键受力越直接, 音色越明亮。而指面平坦会形成一种受力的缓冲, 从而对音质产生影响, 使声音柔润。

2. 改变手指的触键高度。

提高手指触键对下键的速度有重要作用, 如要得到明亮的颗粒性声音, 常需手指的提高。而对声音柔美的连奏则不需提高手指, 要求以平稳的贴键方式触键。

3. 改变手指的触键速度。

缓慢的触键速度是创造柔和歌唱性声音的关键因素。一方面触键速度影响着声音的强弱, 触键速度越快声音越强, 反之则越弱。另一方面, 触键速度还影响着声音的明暗、刚柔等。

4. 改变手指第一关节或第三关节的牢度。从第一、第三关节较柔顺到较坚挺可以改变手指传力的支撑强度, 也可以使音色产生变化。

5. 改变指尖的坚度。

从相对放松的指尖到相对牢固的指尖, 每一层变化也都可以改变键盘动作速度和击弦速度, 对声音的变化产生影响。

6. 改变触键的用力形式。

钢琴触键的用力形式一般包括:垂直方向用力和水平方向用力。像连贯柔和的连奏就需要以水平方向的用力形式触键, 这种方式可以使琴键以一种缓冲的方式受力。

正如涅高兹在《论钢琴表演艺术》中说:“声音的掌握是钢琴家应该解决的技术问题中最首要的一个。”他接着又谈道:“我毫不夸张, 在我授课时, 四分之三的劳动花在音色的探索上。可以说教学各环节的次序, 它们之间的因果关系自然是这样排列的:首先是‘艺术形象’;其次是有时值的声音, 亦即‘形象’的物质化、具体化;最后是整个技术……”可见音色对于钢琴的演奏是何等重要。要获得美妙的音色, 必须强调听觉的训练, 用敏锐的听觉来调整、检查所发出的声音, 同时还要注意触键、呼吸等技巧。我们常常形容音色像“珠落玉盘”“哀怨哭泣”“窃窃私语”“咆哮奔腾”……在音乐家那丰富多彩的演奏变化下, 这些音色才能栩栩如生、活灵活现地表达出来。

四、关于音阶和练习曲

音阶分为各种大小调音阶、民族调式音阶、半音阶等, 音阶是作曲家一个极其重要的创作素材, 音乐作品中音阶的段落比比皆是, 它的含义是很广泛的, 三度、四度、五度、六度、八度音阶均是练习内容。音阶练习使所有的手指得到均衡发展, 使控制手指、运用手指的能力得到提高。音阶要求均匀、连贯、力度、速度、音色、音质, 对所有的演奏技术均有高标准的要求。

正因为音阶练习如此重要, 所以钢琴演奏的考级教程都无一例外地将音阶列入必考内容。音阶是基本功训练中最重要的内容, 但不是基本功训练的全部, 任何一首有训练价值的练习曲具有极强的针对性, 这有助于加强我们的基本功。最重要的是还要明确练习音阶和练习曲对演奏的重大意义, 以坚忍不拔的毅力刻苦训练, 奏好每一条音阶、每一首练习曲。

摘要：钢琴技术训练的目的是为表现音乐服务的, 当技术滞后不能完美表达音乐时, 解决技术问题成为首要任务。本文从技术训练三阶段、放松与协调、音色和技术动作的规范化以及音阶和练习曲四个层面论述了在进行技术训练时要解决的问题。

关键词：技术,音色,规范,音阶

参考文献

[1]邵智贤.钢琴的音色与触键[J].音乐艺术.1995.1.

[2]贾改桃.钢琴弹奏的“放松”问题[J].中国音乐.1988.3.

中职钢琴教学中弹奏技术解析 篇10

关键词：中职,钢琴教学,弹奏技术

钢琴弹奏不仅是一种表演手段, 更是一门高雅的艺术。钢琴演奏蕴含着作曲者内心真实的复杂情感及思想活动。演奏者通过对乐曲的弹奏实现乐曲作者与演奏者、观众的沟通和交流, 并在情感上达到共鸣。钢琴弹奏的过程, 并不是单纯的敲击键盘弹奏音符, 而是为了更好地表现音乐形象。演奏者必须熟练地掌握乐曲的节奏和控制弹奏力度, 才能为钢琴弹奏创造出富含血肉与灵魂的意境。因此, 弹奏技术在钢琴乐曲演奏过程中具有十分重要的意义。中职学生由于学制所限, 教师如何在较短时间内将学生培养成具有一定技术技巧, 并具有一定艺术视野和音乐素质的专业人才呢?采取积极有效的弹奏教学技术尤为重要。

我们来谈谈中职钢琴教学中学生需掌握的几项基本知识。

一、掌握自主的读谱能力

想要熟练掌握钢琴的弹奏技巧, 首先应该具备自主的读谱能力。正确的读谱不仅要掌握正确的音符和节奏, 还要熟练掌握琴谱上的重要标记。这些标记直接影响学生对乐曲的内涵、乐曲的表现力和乐曲风格的处理能力。因此, 在钢琴弹奏技巧的练习上不能将琴谱上的音符标记单纯地看做符号骨架, 而要学会将灵性和生命赋予琴谱。教师在钢琴弹奏教学过程中应加强读谱练习, 并注重培养学生的自主读谱能力。

标记主要包括以下几个方面:

(一) 音乐术语

主要指乐曲的情绪、乐曲的表情、音乐的性质和音乐的速度等。这些方面影响着学生对演奏作品风格的把握程度。

(二) 具体的力度标记

具体的力度标记关系到乐曲弹奏过程中音乐的表现力。

(三) 不同的速度变化

速度有放宽、减慢、渐弱、加快和逐渐加快等。速度的变化直接影响乐曲弹奏的整体效果。

二、掌握相关的乐理知识

钢琴弹奏练习过程中, 乐理基础知识是提升弹奏技术的重要条件。乐理知识不仅包括最基本的音阶, 还包括节奏的稳定性、识谱速度、乐曲的调性、音乐术语, 音乐家的特点、音乐作品的风格等。学生若缺乏基本的乐理知识, 在弹奏技术的学习过程中往往一知半解, 或者是“盲目模仿”, 不能灵活运用, 其结果就变成周而复始地重复练习, 既浪费了时间也浪费了精力。因此, 学生如果具备了一定的乐理知识, 会让教师的授课过程变得轻松易懂, 也会让课堂教学取得事半功倍的效果。同样, 具备一定的乐理知识能够帮助学生掌握曲式、音乐欣赏和触键技巧等方面的知识, 久而久之, 学生的音乐知识会日趋深厚, 不断增强音乐的审美欣赏能力和表现能力, 并形成真正的音乐兴趣。

三、掌握基本弹奏技术

钢琴基本弹奏技术包括手方面的技术和钢琴曲的织体结构方面的技术。

(一) 手方面的技术

从手臂分类, 钢琴的基本技术包括以下三个方面:手指技术、手腕技术和手臂技术。

1. 手指技术

手指技术是钢琴弹奏中最重要的领域。手指能力是指每个手指能够独立活动并且灵活有力, 在弹奏上则是清晰度、均匀度和流畅度的体现。因此, 手指能力对于手指本身的积极挥动和将手臂力量传递给琴键都具有重要意义。手指的训练主要包括以下几个方面: (1) 指根关节练习, 即手指关节的主动性和灵活性。 (2) 手指能力练习, 即通过音阶、哈农等“快下放松”的练习方法来专门训练手指的独立性和能力。 (3) 手指快速练习。随着速度的加快, 手指的动作要逐渐缩小, 即手指动作要精简、节约, 这种弹法我们称之为要“贴键”。 (4) 均匀度练习, 即要听声音是否均匀, 速度是否平均, 更要不断强化慢练和弱指训练。 (5) 流畅度练习, 流畅度是综合性的要求。要求手指、手臂和手腕的协调配合, 这样既能感受到乐曲节奏的分组和律动, 又能体现出音乐的感情和感觉。

2. 手腕、手臂技术

钢琴弹奏不只是手指在运动, 手腕和手臂技术也是重要的环节。在弹奏时, 手腕是保证手指纵横自如地弹奏的关键部位, 手腕的训练要富有弹性和韧性。手腕有三种活动方向:上下动作、左右动作、上下和左右结合的综合动作。同时, 手臂控制着手和整个胳膊的作用, 不仅传输力量, 也起到承上启下的作用。手臂的运动要快速、灵敏, 并控制好身体的力度, 尤其在弹奏八度或者和弦的时候。这样弹奏出来的声音才具有沉气、饱满和颗粒感。因此, 在弹奏时, 手臂要积极地配合手腕并把手腕调动起来。手臂也只有通过手腕才能积极地配合手指。

(二) 钢琴曲的织体结构方面的技术

从钢琴曲的织体结构分类, 钢琴弹奏基本技术包括单音技术、八度技术、和弦技术、其他特定形态的技术四个方面。

1. 单音技术

指弹奏一个个单音音符, 并将其连接的技术性钢琴织体的技术。单音技术主要为手指技术。在整个手臂中, 手指是弹奏单音最为关键性的部位。单音技术主要包括音阶与琶音、颤音、重复音和其他无统一模式的单音织体几种类型。

2. 八度技术

指同时弹下两个相互距离为八度之同音的技术。八度技术弹奏最为关键的部位是手腕, 主要靠手腕的弹力来演奏。八度的弹奏技巧一是只用手腕, 二是手臂和手腕配合来完成。因此, 八度弹奏时既要求手腕灵活、有力、有弹性, 还要求手掌、手指坚硬有力, 这样触键时才能组成一个稳固的架子, 能够支撑住来自手腕的力量, 并能够使手腕的力量集中传递到琴键上。

3. 和弦技术

指弹奏由几个互为一定音程关系的音组成和弦的技术。和弦技术的关键部位是臂膊、手腕、手指三个部位, 是臂膊、手腕、手指共同运动的弹奏技术。在钢琴弹奏中, 要求手指在触键时合奏出的和弦音在同一时间发出声音, 同时手指的下键动作也必须整齐合一, 这是和弦弹奏中最重要的因素。因此, 在和弦弹奏中, 手指要挺立并始终保持支撑性, 手腕和臂膊要放松, 这样手臂才能在提腕和落键过程中一起一落, 形成上软下硬、上轻下重的状态, 才能使弹奏力量传达到指尖并沉落于琴键, 弹出的音才能饱满和扎实。

4. 其他特定形态的技术

指上述几种常见的钢琴织体形态以外的其他钢琴织体。例如单手双三度、三六度和弦、分解八度和分解和弦等。

俗话说:“欲速则不达”, 钢琴弹奏的基本练习方法就是“慢练”。慢练就好比“放大镜”, 它能够将乐曲中的细节扩大化, 其优点是能够让学生在视觉和听觉的信息反馈下及时调整和修正问题, 掌握指序的规律, 并真正达到声部层次的立体感。同时, “慢练”还能帮助学生解决演奏中的技术难点, 让学生的内在感觉在循序渐进的练习中得到变化, 从而不断提升和完善弹奏技巧。练习中可以采用不同的方法、节奏、速度和触键方式来重复弹奏, 这样能够不断提升自身的领悟力和创造力, 也能让基本练习变得更加科学有效。弹奏技巧训练能够让学生在触键、声音变化和节奏上具有一定的驾驭能力, 这时可以适当进行一些提炼技术难点的练习, 从而让学生可以随心所欲地表达出内心对音乐的理解和感悟。

钢琴弹奏技术的练习是一项枯燥和需要日积月累的学习活动。对于中职学生的年龄特点和学制状况而言, 要想使学生的弹奏技术得到稳步提升就要从基本训练抓起, 培养正确的练习方法和浓厚的学习兴趣, 只有这样才能提升钢琴弹奏技术和掌握钢琴演奏的艺术。

参考文献

[1]史雪燕.中职钢琴教学中节奏及力度的训练技巧解析[J].科学中国人, 2016 (21) .

[2]李莉.中职钢琴教学中节奏及力度的训练技巧解析[J].现代职业教育, 2015 (2) .

多媒体技术在钢琴教学中的应用 篇11

关键词：多媒体技术；钢琴教学；作用；策略

随着互联网技术的快速发展，在当今教学中，多媒体技术被人们越来越多的应用到实际的课堂教学过程中，它以高效、快捷的特点受到人们的一致好评。多媒体技术在我国中专钢琴教学中的应用与推广预示着我国中专钢琴教学己经迎来了新的教学思想与教学模式，结束了一个教师、一架钢琴、一本书的单一教学模式。钢琴与多媒体技术有效的结合后，增加了学生对音乐的辨识度和对音乐的画面感，提高了钢琴教学质量和教学水平，活跃了钢琴教学课堂气氛。多媒体技术在中专音乐教学任务中的推广和应用，不仅推进了中专其他科目教学任务，同时也促进了我国中专日常教育教学的发展，促进了我国中专教育事业的发展。多媒体技术在我国中专钢琴教学中的应用，标志着我国中专钢琴教学的一次革新，它充分将多媒体和互联网技术应用到音乐教学中，声情并茂的为学生展示了钢琴的独特魅力，激发了学生对学习钢琴的欲望和兴趣。本文会重点针对当前中专钢琴教学中存在的不足，提出相关的解决策略，希望能够为相关人士提供一定的参考意见。

一、多媒体技术在钢琴教学中应用的作用

（一）激发学生学习的乐趣和创作的兴趣

多媒体教学有着它独有的优势，通过计算机、投影仪以及各种多媒体技术将整个教学所需要的信息、文字以动画版的效果展示给学生，学生可以从声音、图像等多个角度进行相关知识的学习，打破了传统教学只能从声音方面传授给学生的缺陷。借助多媒体教学使得声音和影像紧密地结合在一起，增强了学生对音乐的理解，加深了学生对钢琴教育中的知识点的理解和记忆。

（二）提升学生的学习效率

在中专钢琴教学中应用多媒体技术，可以有效地调整学生在钢琴学习中的被动地位，从而提升学生学习钢琴的积极性与创造性。通过采用情景教学方法，可以有效地激发起学生的学习兴趣。并且使得学生可以尽快地进入钢琴演奏的情感世界中。通过将多媒体信息技术与钢琴教学相融合可以提高教师的教学效率与学生的学习效率。

（三）提高学生的审美能力

在中专钢琴教学过程中，需要学生将不同的思想感情通过钢琴演奏表达出来，学生可以通过体会、练习钢琴从而体验钢琴学习过程中的美感，陶冶自己的情操。在学习钢琴的过程中，教师应当重点培养学生的审美能力。将多媒体技术科学、合理的应用到各中专院校的钢琴教学之中去，有效地提高了我国中专学生的钢琴知识与技能。同时还将钢琴演奏的情感以及思想传授给学生，从而较大程度提高学生的钢琴学习效果。

二、多媒体技术在中专钢琴教学中存在的不足

当前，在很多中专院校的多媒体钢琴教学中存在这样的现象：第一，教师过度依赖多媒体教学，将传统的教学方法抛在脑后，结果不但学生的学习成绩没有提升，反而还出现了下滑状况，非常不利于中专钢琴教学的发展；第二，还有部分钢琴教师为了省时、省力，直接在网上下载相关的教学软件，虽然做好的教学软件对学生来说非常有吸引力，但是由于这些教学软件没有根据本班学生的实际情况进行制作，导致学生在课堂中出现问题时教师不知如何下手解决；第三，由于多媒体技术与钢琴教学的结合，很多钢琴教师在课堂中扮演的是播放幻灯片的角色，教师缺乏对具体弹奏技巧的讲解和示范，更缺少与学生的交流和沟通，因此，对于学生对知识的掌握程度不是太了解，影响了钢琴教学效率的提升。

三、多媒体技术在钢琴教学中的应用策略

（一）充分利用网络资源

在使用多媒体技术进行钢琴教学的过程中，教师要充分利用网络资源进行教学。因此，教师在进行教学内容课件的制作过程中，教学内容不应该仅仅局限于课本知识，还应该在网上搜索教学内容的相关资料，例如音频或者视频等，不断丰富教学内容，提高学生学习钢琴的兴趣，从而提高钢琴教学水平。

（二）加强教学软件的使用

随着我国信息技术的发展，我国软件市场也出现了较多的钢琴教学软件，例如Ear Master软件和音乐大师软件，在课堂上钢琴教师要充分利用这款软件，例如学生可以使用相应的软件进行相关知识的练习，同时也可以使用地址软件进行钢琴曲的编排，通过这样的做法，学生不仅仅能熟练的掌握钢琴的相关基本知识，还能不断地激发学生进行钢琴曲创作的兴趣，从而达到锻炼学生音乐创作能力的目的。

（三）提高钢琴教师多媒体技术应用水平

要不断提高多媒体技术在钢琴教学过程中的应用水平，必须要提高钢琴教师对于多媒体技术方面的理解以及应用水平，这是因为教师是多媒体课堂教学的执行者，他们综合素质的高低直接决定了学生学到知识的多少。调查发现：一些年龄相对较大的钢琴老师习惯于传统教学方法，因此，我们要对这一部分教师进行多媒体技术方面知识的培训，从而提高教学效率。

（四）采用钢琴教室进行集体授课

由于师资和学生时间的限制，学生很难做到一对一的与教师进行钢琴教学，但是有了多媒体教学网上教师资源，学生只需点开相应的APP软件就可以实现与教师的一对一教学，各种电子钢琴软件可以十分逼真地模仿钢琴的效果，丝毫不会逊色于传统的钢琴，因此这大大地方便了学生和教师，提高了教学效率。

四、结语

总而言之，随着当前信息技术的快速发展，将多媒体技术与中专钢琴教学进行结合，适应了当前教学改革发展的潮流。通过多媒体技术在中专钢琴教学中的广泛应用，不仅激发了学生的学习兴趣，增强了学生的审美能力，还提高了钢琴教学的效率。针对当前中专院校多媒体钢琴教学中存在的问题，必须要充分利用网络资源，提高钢琴教师的多媒体技术水平，加强教学软件的使用，采取灵活多样的教学方法，促进中专钢琴教学的有效进行。

参考文献：

[1]张贺达，崔柳.多媒体技术在高校钢琴教学中的应用[J].音乐时空，2016，05：156+135.

[2]刘方.多媒体技术在钢琴教学中的应用[J].湖北函授大学学报，2016.

谈钢琴作品技术难点练习法 篇12

解决问题的步骤应遵循“是什么、为什么、怎么办”的原则, 当钢琴作品中的技术难点问题无法逾越时, 首先要分析难点是怎样的技术类型, 即所谓的“是什么”, 找到造成这个问题的直接原因, 也就是“为什么”, 而后针对具体问题选择相应的技术练习方法, 解决“怎么办”的问题。

一、技术难点的类型及造成困难的直接原因

在钢琴初级教学阶段和中级教学阶段所能够遇到的技术难点, 归纳起来, 有以下几种不同的类型:

1. 五指颗粒性问题

通常表现为均匀问题, 主要是节奏的不均匀, 五指颗粒性模糊, 局部音节忽快忽慢, 声音粘在一起, 造成声音的不均匀; 导致这种问题的直接原因是在进行五指练习时注意力不集中, 使这种较为枯燥的、规律性极强的练习成为一种心不在焉的下意识的手指运动, 单纯依赖运动神经记忆, 致使转指和触键的均衡感无法掌控。

2. 速度问题

速度问题直接表现为速度上不去, 或是触键技术达不到就强加速度, 出现双手声部对不齐, 声音纠缠在一起, 音响效果混乱。一首经过处理的钢琴作品, 在速度上无法达到谱面所标识的规定速度, 使钢琴演奏无法正确表达作品的风格、情绪特点, 音乐形象的塑造也就无从谈起了; 导致这种问题的直接原因通常是在转换指法的过程中, 指尖触键不够敏锐, 两只手的4、5指缺乏系统、扎实的训练, 力度及独立性欠缺, 手指下键后无法迅速快捷地离开琴键等。

3. 触键力度问题

力度问题主要表现在音乐处理的情绪表现层次上。音乐是时间的艺术, 要有音乐层次的对比, 抑扬顿挫、起伏跌宕的音乐表现直接取决于手指触键的力度变化, 强弱对比不鲜明, 渐强渐弱的控制不明显, 使音乐平淡失去表现力; 造成这种问题的原因是声音控制力的针对性训练欠缺, 对音乐的理解不深刻, 触键方法单一无变化, 也有的是与和弦、大跨度音程的弹奏用力方法有关。

4. 音准问题

音准问题即音符的准确性问题。主要表现在钢琴演奏中远距离的跨越问题, 例如超过两个八度的分解和弦琶音, 音位间的大跳等问题。造成这种问题的原因是手臂、手掌及手指对键盘的距离感心中无数, 在转换手指和把位的瞬间对音符对应的键盘位置无法做出准确的判断, 对于使用手腕、手臂的放松动作没有系统的强化训练, 造成不良的习惯动作。在演奏中致使抓不准键盘, 错音频发, 刮键音、多键音混乱不堪。某种意义上, 音准问题是钢琴演奏的基础问题, 如大厦的根基, 音准出了问题, 整首作品也就没有存在的意义了。

5. 声部间的配合问题

声部间的配合问题不仅包括复调作品中各个不同声部之间的配合问题, 也包括单手不同声部的配合, 双手不同声部、不同节奏型、不同演奏方法的配合, 以及双手演奏和脚踏板的协调配合问题等。这种种配合问题是音乐处理的高层次处理, 出现问题的原因最主要的是音乐的天赋, 即音乐感受力的个体差异, 头脑对音乐层次的安排, 大脑对肢体各部分的调控能力, 其次也与音乐处理的平衡训练有关系。

二、解决技术难点的具体方法

通过对不同钢琴演奏技术难点的归类与分析, 清楚了“是什么”、“为什么”后, 接下来该解决“怎么办”的问题。解决技术难点的方法, 要以行之有效的各种练习法来解决技术难点, 常用的技术难点练习法有以下几种:

1. 慢速练习

“一遍慢练等于十遍快练。”这是钢琴教师常对学生讲的一句话, 细心、扎实的慢速弹奏的效果是无心快速练习无法企及的。放慢速度弹奏是解决各类技术难点问题最有效的方法。例如在解决五指颗粒性问题的训练中, 重要的并不是弹奏的遍数而是弹奏的质量。五指颗粒性练习需放慢速度、思想高度集中, 每个手指的触键都要尽量高地抬指, 用指尖快速下键, 声音要有穿透力, 触键后随即放松, 力量转移给下一个手指的弹奏上; 通过慢练, 使某些技术难点的乐段在慢速练习时得到充分的思考, 头脑中形成技术类型, 足够量的思想集中慢速练习才是快速演奏、高质量完成的必要环节, 这是相辅相成的反作用力。但是, 慢速弹奏不能是一味地逐个音慢弹, 而是要使触键的动作、音色的控制、节奏重音、节拍概念都与快速弹奏的要求统一。在慢速练习的过程中, 准确地弹奏才能使头脑形成相应的条件反射, 这样才能解决音准、速度与力度等诸多问题。

有时钢琴作品技术难点乐句或乐段已经通过上述方法慢速练习取得了成效, 达到了教师的要求, 可是加到规定的快速弹奏时又出现了之前的问题, 使学生大惑不解。这并不是慢速练习对钢琴作品的技术难点问题没有相应的效果, 而是在慢速练习和快速练习中, 忽略了中速练习的环节, 中速弹奏练习是慢速练习与快速演奏之间的桥梁, 是不可或缺的过渡环节。因此, 放慢速度练习是与谱面规定的既定速度相对而言的, 教师应根据每首乐曲的具体特点及学生的接受情况适时地调整和设定所需的练习速度, 做到有针对性的速度安排。

放慢速度弹奏也可使学生克服演奏心理障碍。慢速练习、中速练习、快速演奏的各个环节都已经正确完成, 但公开演奏时仍不能获得令人满意的演奏效果时, 往往是心理负担造成的, 所以通过慢速练习以及逐渐加速的过度练习, 能够更好地提升学生的心理承受能力, 有利于排除杂念, 心无旁骛地投入到音乐表现中, 取得预期的演奏效果。

2. 分语句、乐段练习

分解练习是解决钢琴作品技术难点的有效方法, 是将技术难点的段落根据技术点的不同进行归纳, 将同类型的技术点分解开进行练习, 这种分解练习的具体方法包括分手、分声部、分乐句、分乐段的练习。其目的是将技术难点问题具体到点, 短时间内多次重复练习, 对症下药, 提高解决问题的效率, 避免一遍遍地从头至尾练习带来的注意力分散问题。经过认真、准确的分解练习使学生对技术难点具象化, 学生的有意注意力集中于每一个单一的具象问题, 这样能够减轻学生对难点的畏惧心理, 减轻心理负担, 通过练习解决难点, 闯过难关。

分解练习的关键是准确地找到难点所在, 分析是关键, 所以学生必须在教师的指导下客观地认识难点问题, 以及难点在整首作品的地位, 切忌因过分强调难点部分的练习而忽略了声部间、乐段间的层次关系以及音色间的明暗关系。例如有些作品的技术难点在左手, 但是主旋律在右手, 歌唱性处理是主要要求, 如果因为解决左手的难点问题, 过分地强调此部分而掩盖了歌唱性旋律的演奏, 那只会本末倒置、主次不分, 使作品失去音乐性, 得不偿失。

3. 转换练习

转换练习包括一系列的变化弹奏。在技术难点所在的局部进行变换速度、变换节奏、移调、变换速度的方法进行强化练习。转换练习的目的是通过各种变换练习, 增加技术难点段落的难度, 就像是常说的“带着镣铐跳舞”的道理一样, 通过变换练习强化头脑对手指的指挥和操控能力, 增强学生应变地解决问题的能力, 从而轻松地解决作品中的难点问题。转换的具体方法因技术难点和作品性格要求的不同来确定, 具体问题具体分析, 根据需要在每个技术难点问题上使用一种或多种转换练习。

例如需要解决的是五指颗粒性的问题, 则采用转换节奏的练习方法。将原来十六分音符或三十二分音符的平直节奏转换为前附点节奏, 熟练后再换作后附点节奏练习, 使头脑能够在浮点节奏的短时值音符上做充分的弹奏准备, 使手指下键速度得以提升, 而后均匀清晰地完成颗粒性的快速弹奏。这种转换节奏练习通常结合力度转换练习效果更优, 将力度从中弱力度通过中强力度转换至强力度, 训练头脑指挥指尖的控制能力, 在各种力度层次上做清晰、均匀的弹奏; 如果解决的技术难点问题是速度问题, 最有效的转换练习方式是移调练习。在以大段的音阶和琶音为主要技术点的钢琴作品中, 速度问题就是重点问题, 也是难点所在, 当学生将音节琶音段落可以中速流畅弹奏的情况下, 进行移调训练, 例如将C大调作品逐一进行移调至升C大调、D大调等, 这有一定的难度, 要求学生有很扎实的视唱练耳能力, 并且对二十四个大小调的音阶、琶音、柱式和弦弹奏技巧熟练掌握, 在此基础上才能顺利完成, 但这种移调转换练习却是加速度以及流畅性练习最扎实、有效的解决方法。

4. 重复练习

所谓量变产生质变, 多次往复练习是解决技术难点问题的必要方法, 技术难点段落要反复强化训练, 在遇到速度、力度、音准等难点问题时增加手指劳动强度, 使指尖下键的独立性得到锻炼, 手指、手腕、手臂相互配合形成键盘方位感, 从而形成运动神经记忆的条件反射。重复练习的高级训练阶段可以采用眼睛不看键盘的方式, 或在黑暗的环境里, 充分调动手、耳协调能力, 更准确地保证键盘位置及声音的准确性。

三、结语

以上几种技术难点问题的练习方法都不是孤立的, 要具体问题具体分析, 综合运用才能达到目的。技术难点问题在练习过后要多次往复练习, 并把解决合格的技术难点问题所在的段落贯穿到整首作品中, 使之协调流畅地弹奏。如果在练习的过程中做到多次完整演奏而技术难点段落都没有出现错误, 没有影响作品的音乐性和完整性, 那技术难点问题才算是真正得到了解决。

参考文献

[1]应诗真.钢琴教学法[M].北京:人民音乐出版社, 1994.

[2]周薇.西方钢琴艺术史[M].上海:上海音乐出版社, 2004.