标新立异的艺术世界――外国现代主义绘画

标新立异的艺术世界――外国现代主义绘画（共9篇）

标新立异的艺术世界――外国现代主义绘画 篇1

外国现代主义绘画是标新立异、多元化的艺术世界，从再现客观世界转变为表现主观世界，表现形式也从具象转变为意象和抽象，与传统的绘画艺术在观念和形式上都有很大的区别，欣赏难度较大。由于受传统审美习惯以及我国特定的社会、政治环境的影响，我们在相当长的时期内不能正确认识和理解外国的现代主义绘画，特别对广大中学生来讲，这是一个陌生的艺术世界，一个急切想了解的艺术世界。随着改革开放，我们有机会更多的接肋外国现代主义绘画的展览和作品，但人们常常是“许多人去看了，有些人窃窃私议，不说好，也不敢说不好，更不敢说看不伍，而事实是看不值。”(施蛰存语)我们有必要对现代中学生进行欣赏外国现代主义绘画员基础的启蒙教育。外国现代主义绘画种类繁多、流派纷呈，表现形式和艺术理论也各不相同，它的出现有其政治的、经济的、文化的、哲学的历史渊源，对于外国现代主义绘画，不仅在我国，就是在西方也是褒贬不一，众说纺坛，要通过一节课让学生真正了解和接受外国的现代主义绘画是不可能的，因此本课的重点以转变学生的欣赏观念为主，以不能把象不象，看懂看不懂作为美术欣赏的标准为线索，通过一些现代主义绘画的代表面家自身从具象到意象、抽象的观念和表现形式的转变，引导学生理解现代主义绘画的欣赏特点，初步学习用视觉艺术的语言去欣赏美术作品，开拓视野，逐步提高学生对外国现代主义绘画的鉴赏能力。

教材版本：上海版高中美术课本《美术欣赏》上册 课题：标新立异的艺术世界——外国现代主义绘画 教学对象：高二年级 课时：一课时 教学目标：

认知：通过对外国现代主义绘画的介绍，使学生能正确认识外国现代主义绘画，初步学习用视觉艺术的语言去感受和欣赏外国现代绘画作品，了解外国现代主义绘画的艺术特征。操作：以教师讲解为主导，启发学生在读读、议议、看看、谈谈的过程中逐步提高欣赏外国现代摄绘画的能力，充分发挥学生的主体作用。情感：培养学生欣赏外国现代主义绘画的正确的审美情趣，陶冶情操，激发学生的求知欲望。教学重点与难点：

重点：外国现代主义绘画的欣赏方法难点：正确认识和理解外国现代主义绘画。教学准备：电脑课件以及相应的投影仪等 教学过程：

一、引出课题：

由于受传统审美习惯的影响，我们常用“栩栩如生”这样的词汇来称赞我们认为的 好作品。(通过提问由同学再补充几个“栩栩如生”的近义词，如：惟妙惟肖、形象逼真、活灵活现„„)

但是，我们现在从画册上、展览中看到的许多外国现代绘画作品，其中包括世界级 艺术大师的作品，却再也不能用“栩栩如生”这个标准去衡量了，有的画得不象，有的让 人看不懂，这些作品还算不算优秀的艺术作品，应该怎样来欣赏，这就是本课要与同学 们一起讨论的课题——“标新立异的外国现代主义绘画“。(课题：“标新立异的艺术世界——外国现代主义绘画”)(翻开课本p42)

二、外国现代主义绘画简介：

西方现代主义绘画，是指西方国家从十九世纪末、二十世纪初发展起来的现代绘画 中的某些流派——野兽摄、立体派、未来派、达达派、表现派、超现实主义、抽象主义、波普艺术等的统称。

“现代主义”或“现代派”是和某种新的、非传统的、区别于过去的艺术思想联系在一起的。(投影以上的文字，加深印象。)

现代主义的产生并不单是一种艺术现象，它也有一定的社会历史背景，有思想根源和 哲学基础。

(看课本p48，请同学朗读第二段)(教师概括讲述)

艺术分三类：具象、象意、抽象。而外国现代主义绘画是以意象和抽象作为主要表现形式的。

(提问：与传统购具象绘画相比较，同学们更习惯或容易接受哪一类作品，用一、二句话说明一下理由。出示传统和现代主义绘画作品)

三、要正确认识外国现代主义绘画

欣赏外国现代主义绘画，要有一个观念转变和适应的过程。

四、外国现代主义绘画的特征

(引导学生找外国现代主义绘画的特征)1．从再现客观世界转变为表现主观世界(p43有关文字处划横线)

艺术家不再以画得与客观世界逼真肖似为能事，而是以描绘的对象为媒介，表现自己的情感、意趣、意念、思想等主观世界为主，甚至包括潜意识、梦幻、梦境等，为此而将对象按照主观意图子以变形和抽象化处理。(作品配合)2．表现形式从具象到意象、抽象(作品配合)①客观物象并非是绘画艺术必不可少的因素；

②客观物象的描绘反而会损害绘画艺术，于是只有抽象的描绘才是最完美的艺术。投影：毕加索《牛的变形过程》

徐悲鸿刚到法国留学时，只欣赏古典主义写实的绘画作品，当学成回国前，已转向欣赏印象派或以后的现代主义画派了。

五、外国现代主义绘画的欣赏

(提问：你觉得应该怎样欣赏现代主义的绘画作品?以毕加家《三个音乐家》为例，进行适当讨论。)(每一排由一位同学发言，希望出现一些不同意见。)

关键在于要学会用视觉艺术的语言来欣赏外国现代主义绘画。(放录像片《视觉艺术语言的构成》)(放投影片文字)

(教师根据学生的发言，穿插介绍作品和对作品的理解和感受，同时注意引导学生用视觉艺术的语言来谈感受，调节课堂气氛，及时发现讨论中的热点。)

六、课堂总结

我们初步和欣赏了外国现代主义绘画，了解到不能把象不象，看懂看不懂作为评价的标准，学习了用视觉艺术语言去分析作品，这还刚刚是开始，西方现代主义绘画中确实有消极、荒诞和艺术趣味不健康的东西。还要进一步学会鉴别和欣赏，开拓视野，逐步提高审美能力，真正地感受外国现代主义绘画的艺术魅力。列宁说过：“一句话，那一切科学的(正确的，郑重的，不是荒唐的)抽象，都更深刻，更正确，更完全地反映着自然。”

标新立异的艺术世界――外国现代主义绘画 篇2

1907年的举办了规模盛大的塞尚回顾展，在当时给许多的青年画家极大的启发，野兽派、立体派、巴黎画派等诸多的现代艺术流派的代表人物都直接受塞尚的影响，但他们也没有停留在塞尚的形式之中，而是形成了自己独特鲜明的艺术风格。用沃尔夫林的风格学解释，即每一个形式都将继续存在并产生着新的形式，而且每一种风格都将呼唤着一种新风格的到来。现代派艺术理论家克莱夫·贝尔这样评价塞尚：“随着塞尚的成熟，一个新的运动业已开始……这个运动有可能是一个新的坡道的起点。……人们常说，凭一个人的力量就能够激发整个一时代。而塞尚就正是激发了当代的运动的人”。1

弗莱 (Roger Fry) 在第二届伦敦后印象主义画展的前言中说，艺术家的杰出特色是“作品中的显著的古典精神，”并解释说，他们不是在寻求对自然形体的模仿而是在创作形式。贝尔在一篇关于后印象主义的论文中说：“目前健在的优秀画家，有一半人在某种程度上得益于塞尚，在某种意义上属于后印象主义运动。”2

现代英国著名建筑家D.拉斯顿爵士说：“我这一代尊崇的最伟大的人就是塞尚。他代表了文艺复兴以来最伟大的革命，是现代主义的创始人。对我来说，塞尚有两点非常重要：第一，他能通过自然的表面看到内在的结构;第二，驾乎近代艺术之上，他能理解存在于吸收新事物的愿望和对旧事物的强烈情感之间的矛盾。”3

立体主义在形成初期，毕加索和布拉克是以塞尚用圆柱体、锥体和球体来处理客观物象的观念作为艺术探索的理论基础的，他们按照塞尚的启示，在绘画中把对象加以几何形化;塞尚对传统透视法则的否定，不再把定点透视和空间透视看作是艺术表达的唯一法则，受到他多视点真实观察获取事物本质特征这一观念的影响，向前又迈出了更大的一步，即打破对象再给予重建，完全突破了形的限制，从根本上打破了传统绘画的造型观念，将绘画带进了一个脱离客观世界的全新领域。

马蒂斯的作品受到了塞尚的强烈影响，“如果你能了解他惊人的榜样在我一生中给了我何种道德力量何种鼓舞就好了!在怀疑的时刻，在寻找自我之际被自己的发现惊吓的时刻，我就会想：如果塞尚是对的，我也是对的，因为我明白塞尚从没犯过错误。你知道，在塞尚的作品中存在着结构法则，这对青年画家使有益的。在塞尚的各种伟大品质中，他有一种长处，就是要使色调成为一件油画作品中有力的因素，正是这种情况，赋予了他的油画一种最崇高的使命。”4他这样评价塞尚的作品：在他的画中一切配合的这样巧妙，以致画中无论有多少人物，你在任何距离内都能辨别所有的人体，并理解他们之间的相互关系。既然画中的一切都被调理好了，一切都是很明确的，那么，这就是说，这种秩序与这种明确性一开始就已经存在于画家的心里，或是画家已经意识到它们的必要性了。人体的四肢可以交叉相杂，但其中每一条肢体在观众的感觉中都应该与同一个人体相结合，并表达这个人的思想，在这种情况下一切不明确性都会消失。

“塞尚发现的方法和形式，提示了一连串无人能够窥测其底的可能性。他使用的方法造就了千千万万的艺术家……没有塞尚，那些天资聪颖，才华横溢，现在用他们作品的深刻含义和独具匠心使我们感到欣慰的艺术家，还会永远停留在避风港里，去向不明，还会需要海图、船舵和指南针。塞尚是发现了形体新大陆的哥伦布。”5

塞尚的艺术实践对西方现代艺术产生了深远的影响，推动了绘画形式的发展，使印象主义对于造型和光色问题的新发现和传统画面中的秩序感、坚实的单纯性和完美的平衡达到统一，表现出对自然深刻观察体验之后充满生命力的真实感受。他使绘画从模仿自然转变为带有艺术家主观意志的创造，解放了艺术家的个性，为艺术的发展提供了无限的可能性。他以自然为基础的艺术实践方法，对现代艺术家所面临的亟待解决的问题，具有一定的现实意义。

摘要：塞尚的艺术实践没有停留在一个固定的时期, 同样, 塞尚的作品也没有停留在固定的形式中, 他既没有重复前人也没有重复自己。在塞尚之后, 并没有塞尚派的出现, 但他却影响着一个时代。

关键词：塞尚,现代艺术,风格

注释

11.北京大学文艺美学丛书编辑委员会编《宗白华美学文学译文选》北京大学出版社1982年第135页

22 .英国贡布里希著范景中译《艺术发展史》天津人民出版社1991年出版第467页

33 .英国贡布里希著范景中译《艺术发展史》天津人民出版社1991年出版第454页转引自D.拉斯顿《建筑艺术的延续性和变化》建筑学报1983年.7

44 .美国杰克.德.弗拉姆编欧阳英译《马蒂斯论艺术》山东画报出版社2004年出版第52页

标新立异的艺术世界――外国现代主义绘画 篇3

19世纪末20世纪初，世界各地特别是欧美国家的工业技术迅速发展，新的设备、机械、工具不断被发明出来，极大的促进了生产力的发展，这种飞速的工业技术发展，同时对社会结构和社会生活也带了重大的冲击，在人们的思想、文化、艺术、观念等方面都产生了重大影响。现代绘画艺术和现代建筑分别属于西方20世纪以来在艺术和建筑领域占主导地位的艺术形态和建筑形态，在相当长的时间内都得到社会发展的充分肯定，一直到现在仍在人们的思想文化领域占有重要的地位。在同时代下，两者之间必然存在着某种必然的联系，笔者将对此作出以下研究。

1.“现代绘画艺术”、“现代建筑”概念理解

“现代绘画艺术”是西方20世纪以来的占主导地位的艺术形态。从20世纪初开始，随着西方社会进入现代时期，出现了与古典绘画艺术和近代绘画艺术不同面貌的现代绘画艺术，它的突出特征是在艺术形式上不再以写实风格为主，而是体现艺术家个性的观念和形式语言，并且形成了各种艺术流派。[1]

现代建筑一词有广义和狭义之分，广义的现代建筑包括20世纪出现的各种各样的风格的建筑流派的作品。狭义的现代建筑常常专指在20世纪20年代形成的现代主义建筑。在本篇文章中，“现代建筑”表示广义的，既包括现代主义建筑，又包括后现代主义建筑。现代主义建筑以格罗皮乌斯及其同事在包豪斯的教学和设计实践为标志，并以勒•柯布西耶在法国的建筑活动为另一个标志。1925年前后，现代主义建筑运动得到蓬勃发展，经此席卷了整个欧洲乃至世界各地，二十世纪五十年代到六十年代达到高潮。他们强调功能决定形式，不讲民族特色、个性特征、力求纯粹，反对装饰，标准化使现代主义建筑走向了极端。自六十年代后，根源于现代主义建筑原则相反的论点和创作主张不断兴起，相继出现了诸如：单纯反对现代主义的后现代主义：复古的新古典主义、充分袒露结构，显示多种机电设备的本来形状的高技派、理性和情感的结合，抽象和历史的结合的理性主义、结构主义、后结构主义及构成主义等建筑思潮。[2]

2.现代绘画艺术与现代建筑之间的相互关系

2.1现代绘画艺术和现代建筑在时间上并行发展

现代绘画艺术和现代建筑在时间上并行发展，在思想上都根源于文艺复兴运动的思想启蒙。文艺复兴时期发现了“人”，并以“人”为中心看待世界和观察世界，讴歌人性、人的价值和尊严，宣扬人的自由意志和人性自由，反对基督教主张的禁欲主义、蒙昧主义和神权专制主义，否定教会对人的制约和束缚。可以说正是在自由的引导下，人们才会决定突破自然和社会加诸自身的各种束缚，把人的思想、感情、智慧都从神学的束缚中解救出来，为以后起源于英国的工艺美术运动、起源于法国的“新艺术”运动发生和发展在思想上铺平了道路，最终迎接了现代绘画艺术和现代建筑时代的到来。19世纪末20世纪初，西方绘画开始追求一种主观性、夸张性和平面性的价值，演绎出形形色色的“现代绘画艺术和现代建筑”。立体主义、未来主义、超现实主义等现代绘画艺术形式与现代建筑并行发展，并且这些艺术主张渗透到建筑领域。

2.2现代绘画艺术的思想观念影响了现代建筑

现代绘画艺术在思想上摆脱宗教政治题材的束缚，在现代绘画艺术中，艺术家可以无所忌惮的以一种非理性的方式肢解自然和使人非人性化，设计的形式语言不再处于旧的反衬地位并且逐渐摆脱对宗教权贵的依附共存关系之后，它改变了艺术审美的主体，是美学理论和思维得到重构，并且拓展了审美的范畴，丰富了美的内涵，使艺术创造可以更加自由的发挥。从现在艺术的创作主体来说，毕加索在对非洲土著部落的狰狞的雕像、面具和人兽同体中领悟到：“绘画不是一种唯美的操作，而是对奇异恐怖的外部世界的一个象征。”达利曾对毕加索有过这样一种评价：“他感兴趣的不是美，而是形式本身。”从这里可以看出现代绘画艺术在探索发展过程中“回到事物本身”，探索事物本身最根本的形式和规律，根据表现对象和表现效果的需要进行安排，组织从内到外的结构，配置形和色，从而建立一个新的视觉样式，通常使用形式构成的基本要素——点、线、面来构成画面。现代绘画艺术的这种观念渗透到现代建筑领域，则形成了现代建筑的基本特点。[3]

受印象主义大师塞尚的影响和启示，画家布拉克和毕加索将物体的多个角度不同视象具体分析，对物体进行重新构造和综合处理，然后结合在同一形象之上，把简单的几何形体及其结合的审美价值揭示出来，从而从成了“立体主义”画派，立体主义画派的这一理论使得20世纪初的建筑师们得以借鉴，形成了许多简单的几何形体组合为造型特征的新建筑风格，并且在包豪斯学院得到进一步完善和发展，简洁的几何造型成为20世纪现代建筑设计及其理论设计的主流。20世纪初产生于意大利的未来主义画派主张未来的艺术应该反映现代机械文明，表现速度、力量和竞争，科学和技术在艺术创作过程中得到高度重视，绘画创作迅速走向抽象化，这种与传统相决裂的崭新现代的未来主义形式和风格也为现代主义建筑家们提供了在意识形态和思想方式上强有力的支持。受佛洛伊德精神分析学说的影响，产生了脱胎于“达达主义”的“超现实主义”艺术流派，主张认为下意识的梦境、幻觉、本能是创作的源泉。画家切里科创作的绘画作品《大形而上学》对都市化的刻板、非人性化风格的讽刺，也为后来建筑师们带来了很大的启发。

2.3现代建筑形式语言是现代绘画艺术的具象化、立体化

现代绘画艺术的出现就是立足于人的本能的需求，挖掘潜藏于人类深层心理结构中的潜意识现代建筑则是人类意识思维创造的具象化。现代绘画艺术和现代建筑在同一时期并行发展，在这段时间里，艺术家参与建筑设计，建筑和艺术相互包容，现代建筑形式语言是现代绘画艺术形式的具象化和立体化，其中现代建筑的风格派体现的最为突出。在现代建筑的形式语言形成的过程中，风格派在现代绘画艺术和现代建筑之间搭起了一座桥梁，沟通了他们之间的联系。

风格派继承了伯拉基理性主义建筑艺术观，伯拉基曾说过：“建筑师的艺术在于空间的创造，而不是画立面。空间环境由墙体形成，因此，空间和空间序列则按墙体的复杂组合来体现。”另外蒙德里安也是与风格派联系最为密切的人物，也是现代绘画艺术思潮中的核心人物之一。蒙德里安也用自己的新造型主义美学影响了建筑。他认为建筑是人创造的，而不是自然造化的，艺术品是“独立存在的”，“建筑艺术则仅有建筑物的多样化、以城市来实现的”，并且“他们相互吸收，相互包纳”，蒙德里安看到了立体派的成就与建筑艺术的联系。里特维尔德的是风格派最具有代表性的实例之一。矩形板材分割空间和原色装饰室内外构件时建筑的主要特征，房子的二楼几乎是一个风格派的展厅，纵横、虚实对比，动态平衡，阳台拦板和中部伸出屋顶的竖板的运用，完全是一副讲究的风格派构图，里特维尔德以实物为“风格派”作风做了一个历史性的注解。[4]

3.结语

在现代建筑的发展历程中，始终脱离不开现代绘画艺术的发展，而且两者之间随着彼此的发展联系越加紧密，现代建筑在社会中吸取养料的同时，现代绘画艺术更能为现代建筑的发展提供更深层次的理论根源。正如现代建筑大师莱特所说：“建筑，是用结构来表达思想的科学性的艺术”。

参考文献

[1] 李娅娜，李水泳. 现代绘画艺术形式创造研究[J]. 新美术，2007（05）：103-105.

[2] 王受之. 世界现代建筑史[M]. 北京：中国建筑工业出版社，1999.

[3] 张高元. 现代绘画艺术的困惑与思索[J]. 南方论刊，2007（07）：97-98.

[4] 严文芳. 从“风格派”理论到现代建筑[J]. 中外建筑，2006（06）：33-35.

后现代主义绘画艺术初探 篇4

一、后现代主义的含义

“后现代”是一个模糊而复杂的概念, 它的出现时间说法不一, 涉及的范围广大, 其内涵与外延令人难以捉摸, 没有具体的划定界限。时至今日, 关于“什么是后现代主义”的回答, 分歧颇多, 难于统一。自二十世纪五十、六十年代以来理论界对后现代主义的认识与理解, 有其共通之处。“‘后现代’作为一个历史概念, 指的是二战以后出现的后工业社会和信息时代;‘后现代主义’只是这一社会状态中的一种文化哲学思潮, 后现代是后现代主义产生的时代土壤, 后现代主义是后现代社会的文化哲学特征。” (1)

我们从社会学的角度而言, 后现代主义是信息时代的产物, 是一种文化现象, 而从哲学角度去分析, 它是以多元性、非中心化、不确定性、差异性为标志, 既不同于古典主义, 也不同于现代主义。具体来说后现代主义作为一种文化倾向, 不是风格, 也不属于艺术流派。对于任意一个流派, 任何一位艺术家而言, 当然都是不同时代, 不同文化思潮的产物。“后现代主义展现给人们的是一种综合的艺术观念, 而不是产生了几部引起视觉形式革命的经典作品。” (2)

二、后现代主义绘画的发展

二战之后, 西方艺术界发生了巨大变化, 西方现代艺术中心由欧洲转移到了美国。随着波普艺术、新具象艺术、超级写实主义、观念艺术、偶发艺术、大地艺术、涂鸦艺术等等的出现, 一步步将艺术的发展推到了新的高度。各种各样的艺术运动与流派都有在探索与尝试着绘画艺术的纯形式语言, 探求着绘画艺术与其它艺术门类之间的关系问题。现代主义追求绘画的纯粹性, 过多地注重绘画语言自身的价值, 艺术家过分强调作者的艺术观念和表现, 强调绝对自在地绘画, 结果是在画家与观众之间出现距离, 导致艺术脱离普通观众的倾向越来越严重。由于追求绝对“形而上”的真理, 以至于各种运动和流派的实验最终都突破了艺术的传统界限, 暗示或公开指出传统绘画生命力的丧失, 反对传统的绘画方法与绘画材质, 而使得绘画走上反传统的道路。具有“后现代性”的艺术作品在某种意义上可以理解为以消解规则、专事反叛的创作心态和行动来实现对现代艺术的超越。

虽然时下绘画艺术面临着困境, 但在今天的现代社会里由于人们艺术审美的需要, 绘画艺术始终是为人们所关注的。“当艺术家们处在自由抉择的情形时, 他们几乎都会本能地选择了具有更大自由发挥余地的三维空间, 选择了创作的更为诚实, 而将任何矫饰造作的假像排除在这些作品之外。” (3) 艺术多元化发展到了七十、八十年代时, 一种新的绘画现象在德国、意大得、英国、美国等地区兴起并取得了艺术评论界的认可, 并逐渐形成了一种国际性的艺术运动, 八十年代初期, 一个名为“绘画新精神”的美术展览在伦敦皇家艺术学会开幕, 这个展览的成功举办对八十年代艺术具有深远意义。在对过去的一切框架的反叛与否定中, 后现代主义绘画在形式上自由大胆, 没有理性的古典主义, 也没有非理性的现代主义, 只有个体存在, 无理论指导, 无中心意义, 通过对传统的戏拟式模仿来力求传达某种“新意”。艺术评论家给这一新的艺术绘画现象根据不同的国别和地区冠以各种不同的名称:德国的新表现主义, 意大利的超前卫派, 英国的新精神绘画, 法国的自由形象绘画, 美国的新意象绘画、新表现绘画、涂鸦艺术、图案与装饰绘画等等。此时的艺术正处于众说纷纭、风格手法不一的多元化境地。纵观后现代主义绘画的发展, 既有对古典和现代的叛离, 也有对古典和现代的继承与发展, 更多的是消解或融合古今观念, 很难在认识上找出非常妥当的特征。后现代主义放弃了现代主义的线性思维模式, 形成了多元化的绘画格局, 关注文化视野的包容性和主题边界的扩展。后现代主义绘画发展到今天, 又进入了一个全新的阶段, 并在继续发展、变化着。

三、后现代主义绘画的特点

首先, 形式表现上, 后现代主义绘画提倡回到具象、表现形式各异、关注日常生活, 关注社会, 打破艺术与生活的界限, 体现大众化特色。

其次, 思想观念上, 后现代主义绘画从强调个人的观念化转向客观世界, 使绘画又回到了原有的范畴中来, 不追求风格, 竭力消除艺术与大众的距离。

第三, 发展取向上, 后现代主义绘画突破以前的流派之分和以线性模式发展的规律, 没有统一的标准、无规范的模式, 走上反对极端、追求折中、力倡融合的多元并存之路。

“后现代主义艺术家通过在时间和空间中扩展对象, 通过确保艺术对象的完成是一个处于非特定和非有限时间的延伸的过程, 摈弃了现代主义者所鼓吹的艺术那有限和不可逾越的方面。” (4) 后现代主义绘画脱胎于现代主义艺术之中, 二者之间必然存在着千丝万缕的联系。尽管后现代主义绘画是以反叛现代主义的身份出现, 但它又是源于西方现代艺术的, 后现代主义既叛离而又继承和发展了现代主义。在后现代主义的血液中仍然流有现代主义的部分基因。正如丹尼尔·贝尔所指出的:“后现代主义所遵循的发展路线就是现代主义合乎逻辑发展的最终目标。”

总之, 后现代主义绘画延续了现代主义绘画的合理因素, 在艺术表现中体现了创新与继承的双重关系, 后现代主义反叛现代主义就如同现代主义绘画突破了古典主义的禁锢一样, 但后现代主义并不是完全意义上的否定现代主义, 也不是回归到古典主义上, 尽管后现代主义绘画所表现的客观对象有时也非常逼真, 但意义上已经皆然不同了, 后现代主义实际上是把专制的现代主义艺术原则打破重建, 重建人与自然、科学与艺术的和谐关系, 无论是古典主义观念、现代主义观念, 还是后现代主义观念, 都没有消失, 都在不断地改变着, 正在形成着一种错综复杂的新的价值观念。

参考文献

①戴夫·罗宾森, 《尼采与后现代主义》, 北京大学出版社, 第12页

②孔新苗, 《西方后现代主义绘画》, 山东美术出版社, 第2页

③[英]爱德华·卢西·史密斯, 《西方八十年代艺术》湖南美术出版社, 第1页

刍议现代色彩在绘画中的艺术表达 篇5

关键词：现代色彩；绘画；艺术表达

色彩的发展和演变过程就是人类文明进步的过程，色彩的发展和演变成就了绘画艺术的发展和演变，绘画艺术在形成的过程中经历了很多的时代，而且中西方对于绘画艺术的理解和风格不尽相同，绘画实现了情感表达和艺术表达的有效结合，而色彩在绘画艺术中的发展和进步上起到不小的推动作用。

1 色彩的发展与演变

色彩是从光的条件和环境下出现的，只有在有光的条件和环境下才会出现五彩斑斓的色彩。色彩能够刺激人的视觉感觉，不同的色彩能够对人的情感产生不同的影响。那么色彩是怎样发展和演变的呢？

1.1 地球是宇宙中的一部分，为我们地球提供光明的是太阳，太阳能够给我们的生活带来光彩和色彩，因为太阳的光亮的存在，地球上的人类的生活才能够正常进行。

1.2 原始社会的色彩和光亮是比较浑浊的，人们对于色彩没有什么特别的概念，色彩在当时并非一种艺术活动，而是生命自然的颜色和生命不可或缺的一部分。

在远古时代，人们已经开始认识色彩，但是色彩并没有在这段时期达到统一，人类的本能就是对周围的环境有比较敏感的感知能力，色彩就这样被人们发现，并且给予浑浊的定义。后来，随着人类社会的发展，人们对于色彩的观念也有了进一步的认识，色彩在人类的生活中呈现比较和谐，其存在的形式也不再只是一种自然的生活状态，人们也发现色彩能够改变人的生存环境和条件，已经开始有选择地选择环境、色彩和生活的条件，表现出整体性。再后来，人们发现色彩能够形成图画，还能够当做一种装饰，不再只是自然的颜色。色彩对人们的精神活动产生很大的影响，人类生存的环境也不再是色彩浑浊的世界，而是有秩序的色彩环境。

1.3 人类社会文明时期，色彩已经作为一种智慧的结晶，人们已经形成色彩的思维。而社会在不断地进步和发展，使得色彩在美术上也有了一定程度的发展，其在艺术上的表达也越来越灵活，渐渐成为表现人的个性的一种形式。

1.4 随着色彩的多样化，中西方的交流方式也呈现多样化，色彩在中西方的表现艺术手法和风格都很不同，而且在情感上都有很强的差异性，西方更注重自由，而中方更注重实体。

2 情感与色彩双向关系

没有情感的色彩是不能够引发人的共鸣的，色彩的应用是为了情感的表达和释放，色彩能够表达人的某种情感，能够对人的行为产生影响。色彩在绘画中的艺术表达是因人而异的，是因为情感的不同而有所差异的。

2.1 情感与色彩能够产生共鸣

情感是人所特有的，而色彩却是大千世界中共同所有的，色彩的出现因为人的情感不同而不同，比如说人看到绿色就会想到春天，看到黄色就会想到秋天。色彩是因为人的情感产生差异性的，而人的情感也是因为色彩才出现差异的。彩能够帮助人释放情感，能够帮助人表达情感，从而对人的感觉、感知和想象等产生一定的影响，是人类灵感的源泉。

2.2 色彩与情感完美结合

色彩能够表现人的性格和精神世界，人们在交往的过程中会产生不同的情感释放，人的心理素质、思维方式和性格都能够实现共鸣，色彩与情感能够产生共鸣不是一朝一夕形成的，而是在历史演变和社会人类文明发展过程中不断传承的，一些颜色会给人的情感造成一定的影响，比如说：红色代表热情似火，褐色代表庄严肃穆。在绘画艺术表达中，色彩一般都是人们能够读懂的，绘画艺术也就变得情感化和人性化。

3 色彩在绘画中的艺术表达

色彩来源于大自然，也来源于人们的想象，由一开始色彩仅仅是社会生命中的一部分，变成现代社会中人们通过色彩能够表达一种艺术和精神世界，这是社会文明的进步，也是文化的象征。

3.1 在绘画艺术中，色彩扮演的角色是必不可少的。比如说：天空的颜色是蓝白交接的，而在绘画中，天空因为绘画技巧和风格多样化展现不同的艺术效果。色彩的表现形式有很多，在绘画艺术中，最重要的不是来源于绘画能够有多完美，而是是否能够被人所欣赏和接受，是否衬得上是一种艺术。

3.2 在绘画艺术中，色彩是一种保护，不管是黑白两种保护色还是五彩斑斓的颜色，都能够对绘画艺术造成很大的影响，在进行花园的临摹中，绘画艺术赋予大自然的色彩是靠多种色彩重叠起来的。绘画艺术就是由色彩构成的，人的审美观和价值取决于色彩的搭配和协调，取决于色彩是否和谐或者是符合人的审美情趣，色彩在绘画艺术中的前景非常广阔，而且有很大的想象空间。

4 结语

绘画艺术在中西方文化氛围的熏陶下，表现形式和风格是不同的，色彩在绘画艺术演变的过程中起到不可忽视的作用，色彩不断发生变化，由最初的自然顏色变成现在的带有强烈情感的颜色，这些都是绘画艺术的进步，色彩在绘画艺术中的艺术表达呈现多样化是绘画艺术发展的必然趋势。

参考文献：

［1］ 邓福星，李广元.色彩艺术学［M］.哈尔滨：黑龙江美术出版社，2009.

［2］ 库克.西洋名画家绘画技法［M］.北京：人民美术出版社，2008.

［3］ 张咏梅.略论色彩与情感［J］.临沂师范学院学报，2010，03.06.

［4］ 邓福星，李广元.色彩艺术学［M］.北京：黑龙江美术出版社，2010.

标新立异的艺术世界――外国现代主义绘画 篇6

康定斯基被称为“抽象之父”，他是20世纪西方现代艺术运动中最伟大的艺术家之一。他不仅是一个成功的画家，更是一个颇有建树的艺术理论家，是现代抽象艺术在理论上与实践上的奠基人，他的抽象绘画理论对二十世纪西方现代美术产生了深远的影响。本文从康定斯基的抽象绘画艺术背景着手，简述其在艺术理论上的贡献，通过被康定斯基重新定义的绘画语言，浅析他绘画作品的内在表达。

康定斯基抽象绘画的背景概述

抽象绘画主要是指二十世纪以来所有想摆脱模仿自然的绘画艺术。一般分为自然抽象和几何抽象。自然抽象是从自然现象中抽取富有表现特征的元素，通过概括和提取构成画面，画面具有物象的影子；几何抽象是以纯粹的几何形元素构成画面，画面没有自然物象的影子。康定斯基的作品前期以自然抽象为主，后期以几何抽象为主。在康定斯基的绘画生涯中，他抽象绘画风格的形成及演变过程，包括了哲学、心理学、音乐、戏剧等众多领域的学术观点及研究成果。康定斯基试图通过欧洲的各种艺术思潮将理性与非理性统一起来。因此，在他一生的创作实践中，既有当时前卫艺术作品的影子，又有在那个时代变革语境中的实验绘画的探索，他的艺术理论对包豪斯诞生产生了深远的影响。

康定斯基一生创作了738幅油画和730幅水彩画，他的第一幅抽象水彩画作品创作于1910年，此画被公认为是抽象表现主义形式的第一例。在这幅画中，他摒弃了绘画中一切描绘性的因素，纯粹以抽象的色彩和线条来表达内心的精神。康定斯基的抽象绘画不仅发掘了绘画元素的内在表现力，还创造了新的绘画语言，他那独具表现力的色彩丰富着我们的感官。

康定斯基在艺术创作上的贡献——绘画作品分期

理论界对康定斯基绘画作品的分期有很多种，按照其绘画风格的流变分为前期、中期和后期。前期绘画作品以抒情为主，经历了印象主义、新艺术运动装饰、后印象主义、表现主义等阶段。画面形体与色彩仍保留着与自然物象的联系，创作手法偏向于表现和再现的结合。中期可以认为是康定斯基内在情感世界的非理性自发表现阶段。这个时期，他绘画已经逐渐摆脱了物质的外形，但仍可以看出画面的主题并没有完全摆脱物质的束缚。后期主要是指康定斯基进入包豪斯学院之后，几何抽象风格逐渐成熟的时期，画面更注重形色语言自身的独立价值与相互关系方面的探索，符号图像与自然图像之间的关联性变得隐秘。这三个时期的绘画风格呈现出逐渐抽象化的递进过程，画面效果由具有形象主题的具象画面逐渐走向符号化，抽象的绘画风格逐步确立起来。

康定斯基的绘画语言

康定斯基绘画语言的核心为内在表达。他认为艺术是内心主观感受的产物，艺术的创作应从客观物质的世界中抽离出来，追求内在精神层面的东西。他还认为形式是内在意蕴的外在表现，研究绘画作品的内在表达，就要了解它的物质载体——绘画语言。本文主要以康定斯基后期抽象绘画作品中的“形式几何化”、“色彩抒情化”、“符号隐喻化”三方面来解读其绘画语言。

形式几何化

康定斯基绘画作品中的几何形式主要体现在绘画形式上，他认为：“形越抽象，它的感染力就越清晰、直接。”在一副构图中，物质因素多少会被纯抽象的形所替代，他采用“隐性结构”理念中的“截取”方式，即：将对象简化为单纯的基本形，转化为一种纯粹的抽象语言符号。在康定斯基的绘画作品中，他结合了几何学与符号学的相关知识，分析了几何元素本身的形状、组合之后的造型、不同颜色的形体、所在画面的位置，将通往抽象王国的物质形式提炼成最基本的点、线、面三种几何元素，并赋予了这三种无生命的几何形式“内在的张力”与 “活的精神”。

康定斯基绘画作品中的一个点比一张脸的表达更为丰富。他绘画作品中的抽象几何形式的代表作有：《白色之上》（1923）、《数个圆》（1926）、《汇于点上》（1928）、《十三个长方形》（1930）等油画。《白色之上》采用支离破碎和抽象的语言来描绘，画面中呈现的是一些看似毫无关联的几何图形的组合。他用建筑师的曲线板、圆规和丁字尺画出的细线条与粗线条、直线与曲线、孤立的与成组的线条，展现出一个看似矛盾却匀称有序的空间，向我们描绘出一个有内在生命力的繁华世界。《数个圆》是康定斯基形式理论的实际运用，作品的表现是许多由大小不一、颜色各异的圆形进行的重组。每个圆在画面中呈现出相交、相切、相离的形式，它们在相互的关系中制约与协调着。整幅画面向我们传递着即内敛又富有张力的精神。

色彩抒情化

色彩与形式是绘画语言的重要组成部分，色彩要借助形式来表现。康定斯基的绘画中赋予了色彩独特的生命，他认为每一种色彩都是独立并有活力的，有强烈的情绪表现力。在他的绘画作品中除了大小不一的色斑和扭曲又激荡的线条之外，我们几乎看不到其他东西。这些看似与物质世界无关的、抽象的、让无法琢磨的色彩，其实是艺术家对事物内在真实的情感表达与心灵的体验。

康定斯基的绘画作品中有抒情色彩的代表作有：《黄红蓝》（1925）、《多色彩组合》（1938）等。《黄红蓝》这幅作品创造了一个让人震撼的色彩世界。五彩的云状物组成了画面的背景由，左侧以黄色为主，右侧以红色和蓝色为主。画面采用了多种表现手法，色彩自由的在画中漫步，有厚重的单色，也有轻薄色彩的混合相溶。这一切看似是精神世界中那一闪而过的无规则无法辨认的东西。《多色彩组合》这幅作品的画面中，由肆意飞扬的红、黄、蓝、绿等色彩组合在一起，这些缤纷的色块与疯狂起舞的形体散布在黑色几何形体之上，给人一种热情奔放中夹带着克制与内敛的情绪。

符号隐喻化

隐喻的符号是解读康定斯基抽象绘画中隐藏含义的关键。他绘画作品的主题往往含糊不清，自然物象被高度的符号化和秩序化。他画出了承载着他意志的主体符号，将那些人们所熟知的自然图像抽象化和神秘化。他认为艺术家要关注绘画语言的精神价值，他喜欢用隐喻符号作为画面的语言，这样能表现出他渴望通过虚构的世界来表达对理性主义现实的不满，抒发自己内心渴望抛开物质回归精神世界的愿望。康定斯基早期的绘画作品中喜欢带有神秘主义意味的符号标记，如：马、骑士、大洪水、末日审判、基督复活、棋盘图案、十字架等。这些符号象征着宗教启示录里面的救世主，表现着生命、死亡、救赎、梦幻等意象，这些符号组成的画面让我们进入了康定斯基的精神世界。

康定斯基绘画作品中隐喻符号的代表作有：《蓝骑士》（1903）、《有白边的画》（1913）、《黄红蓝》（1925）、《温水煮沸》、《一个斑点》等。现代艺术家们在研究《蓝骑士》这幅作品时认为，蓝骑士的原型应该是早期基督时代的殉教武士圣.米歇尔。蓝骑士与圣.米歇尔两者都寓意着，康定斯基对时代变革中孕育的新的信仰和新的精神世界的向往。这幅作品的色彩强烈，骑手和周围事物清晰可辨。这幅画在细节方面描绘的不多，多以色彩堆积的方式表现，体现出康定斯基绘画早期的特征与之后绘画的方向。《有白边的画》是一副纯抽象绘画作品，画面中除了形、色、面的关系之外，看不到明显的客观实物的痕迹。画面中自左上角向右下角延伸的三条黑线，代表着俄罗斯三驾马车的轨迹。在三条线的中段，有一根象征骑士的弧线横切进来，画中粗而挺的白线是骑士的长矛，矛头指向了画面左下方的龙。在这幅画中，康定斯基简化了三驾马车的具象形象，寻找出了画面中的隐性结构，并运用多种不同的符号与现实中的具体对象作对应。画面中虽然没有出现具体的形体，但依然表达出了康定斯基想要的精神内涵。

总结

抽象艺术是现代社会发展的必然结果，康定斯基的抽象绘画和理论著作对世人产生了深刻的影响，他的绘画作品使艺术摆脱了物质的外套，形成了真正的抽象艺术作品。他的理论不仅深深的影响现代绘画艺术的发展，而且对现代艺术设计领域也具有重要的指导意义。本文主要通过康定斯基的绘画作品分期和三大绘画语言来解读他的绘画艺术风格。以康定斯基为主要代表人物的抽象艺术的形成，是一场改变人们视觉经验和审美观念的艺术革命。

作者简介：王慧（1990-），浙江理工大学硕士研究生，研究方向：品牌策划与管理；

孙虹（1962-），浙江理工大学硕士生导师，研究方向：企业文化 。

标新立异的艺术世界――外国现代主义绘画 篇7

一、印象主义绘画代表人物——莫奈

克劳德·莫奈(1840.1.14—1926.12.5),初从布丹学习,后在比松画派和柯罗风景画派的影响下认识了知觉和视觉的原理,并开始关注一切景物在大自然的光照中产生的复杂色彩。因此,他常常在不同的时间和光线下对同一对象作多幅的描绘,并用许多相同主题的画作来实验色彩与光的完美表达。《干草堆》就是由24幅画组成的系列图,表现了不同时间不同光线变化下的甘草堆。莫奈的眼睛就像是一架单反,它以超强的速度快门与广角、微距等记录不同时辰不同光线下的“瞬间”印象,然后再用颜料在画布上记录下来。可以说,光与自然的结合使得印象派绘画应运而生。当然也少不了印象派画家们对光线与色彩所做的观测试验,才将这闪烁的阳光和微妙的阴影引入画面,让绘画艺术变得清新明丽而有生机。

二、印象派音乐代表人物——德彪西

克洛德·德彪西(1862.8.22 - 1918.3.25)是二十世纪早期法国的作曲家,德彪西在音乐创作上坚持自己的民族特性,反对庞大的形式。自十七世纪以来,大 - 小调体系一直在音乐艺术中发挥作用,这时的作曲家们开始感到它的各种可能性已将用完,因此德彪西开始对其他类型的调式音阶产生兴趣。他在自己的音乐作品里加入了古色古香味道的中世纪调式,他用这些特殊曲调勾画出非常简朴、古老而遥远的事物的景象。他的作品中最有名气的曲子是《大海》和《月光》,属于印象派音乐里的大作,德彪西的《大海》就像一幅油画一样,以音乐捕捉事物的印象或情绪,把某个念头的正确本质凝塑下来。这部作品不仅描绘出了一幅引人入胜的大海波澜壮阔的景象,同时也表达了作者对大自然景物的歌颂和赞美,通过整个乐队的不同音区,极为强烈地表现出“大海”中各种画面的色彩。所以,他的音乐被后人称为“印象主义”的音乐风格。印象派音乐在二十世纪头三十年极为流行,形成一个国际性的流派,但在今天看来,印象派音乐主要是一个人的运动,没有人能做出像德彪西那样完美的音乐,印象派音乐在德彪西的手里创造出了精心的、非凡装饰的艺术,开辟了一个梦幻和令人着迷的音乐世界。

三、印象派绘画和印象派音乐的相似性

不同的艺术门类之间有区别也有联系,它们之间相互促进也彼此影响。印象派画家们打破了几百年来在室内作画的传统,走向室外,面向大自然,客观再现物体在外光下稍纵即逝的颜色。追求鲜艳透明、色彩斑斓的表现特征和静中有动、动中有静的欢乐气息。印象派音乐家同样在追求创新,音乐不以旋律为生命,而以片断、零碎的形态偏离大小调的音乐体系,削弱和声的功能性而增加其色彩性的音乐特征,使印象派音乐呈现出新颖、雅致、清新、灵巧的视听效果。同时两者都深受东方艺术影响,印象派绘画深受东方绘画、日本浮世绘的影响,轮廓和造型朦胧,富于动感。印象派音乐同样深受爪哇、东南亚音乐和越南音乐的影响,追求自由自在的生命力。两者都对后世的绘画艺术与音乐艺术产生了巨大影响。

四、总结

印象主义绘画与印象主义音乐之间有联系也有区别,各自在自身的领域里发挥着艺术美的作用,在体现美的艺术的同时也形象化地表达了作者自身的情感。印象主义绘画和音乐在形式上打破了传统的表达方式,耳目一新地将视听艺术展示在众人面前,让众人得到了美的享受和体验,更影响了后世艺术创造的走向和灵感。

摘要：在19世纪工业革命的背景下,西方经济正在飞速地发展,思想、政治、宗教、艺术也倍受影响并产生变化。在此过程中,印象主义流派给艺术界添上了浓墨重彩的一笔。印象主义在绘画艺术和音乐艺术中较为突显,这两种不同的艺术门类不仅独具特色且有颇多相似之处,呈现出完美的“印象”瞬间。

标新立异的艺术世界――外国现代主义绘画 篇8

关键词：现代艺术设计,色彩运用,氛围营造,元素造型

一、现代艺术设计中色彩的作用

(一) 、增强设计的表现力

现代艺术设计作为一种艺术的表现形式, 它不仅需要强大的艺术思想和设计内容做支撑, 也需要有十分强大的设计表现力。设计表现力越强, 现代艺术设计的优势就越能够得到发挥。色彩作为一种重要的设计表现形式, 通过制作能将现代艺术设计的表现力凸显出来。在现代艺术设计的创作过程中, 不同色彩的构成, 不同的设计组接效果都会在视觉上给受众形成不一样的视觉感受, 这种感受会引起受众在心理感知上的不同共鸣, 利用色彩的构成和色彩的组接能够巧妙地实现现代艺术设计的叙事和情感的表达。因此, 色彩能够增强现代设计的表现力, 它对于设计的内容和意义的表现以及视觉空间的感受效果有着重要的作用。

(二) 、传递创作思想

色彩的本身是没有任何特殊意义的, 然而, 它一旦在现代艺术设计中得到了合理的运用, 就能够传递创作者的创作思想和内心世界, 并且, 发挥出巨大的艺术功能。采用色彩的连接方式是现代艺术设计创作者在前期设计以及后期制作过程中, 运用自己的某种艺术手段, 将一些镜头有效地和创作主题结合起来, 从而构成了表现创作主题思想的一系列的艺术设计。因此, 单一的色彩在设计构成上并不具备很多意义, 但是在多种设计组合使用后, 就能表达创作者深刻的思想, 是具有独特的内涵和意义的。在现代艺术设计的创作过程中, 后期的设计者和制作者都需要重视色彩的表达技巧, 将一些色彩语言有效地加以应用, 把握好各种结构的艺术方式和叙事方式, 从而创造性地发挥色彩应用的造型功能, 努力增强色彩应用在现代设计中的艺术魅力。

色彩将设计师的内心世界和盘托出, 并且, 呈现在受众的眼球直接冲击之下, 它的思想传递作用, 主要就是通过色彩语言来实现的, 所谓色彩语言, 就是创作者利用现代艺术设计背景、造型等各种艺术元素的呈现, 来实现自己的创作意图和设计思想, 并且通过不同镜头的表现手段以及设计师的主观设计意识等来实现色彩艺术的表情达意的作用。

二、民间绘画色彩在中国现代艺术设计中的运用

色彩的使用是现代艺术设计氛围烘托中最重要组成部分, 色彩能够在视觉感受上引起观赏者的强烈共鸣, 因此, 色彩是现代设计的最为重要的艺术手段。它能够直接抒发作者的胸臆, 激起人们对设计的高度重视, 引起受众的共鸣, 从而实现色彩在现代设计过程中的强大的艺术功能。不同现代艺术设计作品的色彩风格由于在不同的地理环境和社会历史环境中发展, 其在固有的风俗以及文化传承中对于色彩所呈现和承载的意义是具有不同的心理解读的, 每种色彩所包含的意义是具有地区差异的, 这也就造成了随着社会和时代的变迁, 现代艺术设计作品的色彩风格会存在明显差异。

(一) 、色彩的运用要尽量拓宽其意境所表现的范畴

色彩不仅是一种表现方式, 更是创作者思想宣泄的渠道。由于色彩在视觉上能给人的感官带来不同的刺激, 会使人们在思想和意识以及感情上得到不同的触动和感受, 从而形成不同的意境。创作者通过色彩的运用及表现来呈现所需要传递的思想和感情, 以及需要营造的某种意境。当色彩与所要传递的意境相符合, 就能引起受众的共鸣, 达到良好的传递效果。正是因为色彩的表现在意境的营造上具有的特殊的功能, 所以, 设计师们应该尽量拓宽其意境所表现的范畴。

现代艺术设计演变发展至今, 在色彩的运用方面, 众多的创造者都力图将丰富的色彩、真挚的感情以及悠扬的意境结合起来。在设计师们不断研究新的创作技法的过程中, 都十分重视对色彩在现代设计中的恰当运用, 使其能够达到最大限度地展示意境的广阔范畴, 从而打造出更加完美的艺术设计作品。

(二) 、色彩的运用须从质感表现上升到强调意蕴的表现

现代艺术设计在色彩运用上, 整体强调的就是色彩运用要突出质感。由于受到固有的传统审美取向的影响, 在现代艺术设计创作以及设计自身的发展过程中, 对色彩运用方面主要是把色彩作为对物质最基本原色的原始现象进行机械似的呈现来理解的, 因而, 重视构图远远胜于重视色彩的运用, 色彩的运用是以尊重现实和物质原有的形态为主, 由于传统固化对现代设计的影响, 使得色彩在设计中的运用举步维艰, 创造发挥性并不大, 也根本谈不上对其进行大胆的艺术创新了。

随着不同的文化运动和思潮的影响, 思想得到极大解放的人们开始对色彩的运用偏向更大更创新性的理解和发挥。受到文化思想以及先进技术的影响, 色彩在现代设计中的运用方面, 重视色彩的精神内涵显然已经成为现代艺术设计创作和作品的成功与否的重要的衡量标准了。在现代思想观念中, 重视形象清晰色彩鲜艳, 这些色彩运用的原则也就自然而然地被使用到了现代艺术设计创作和设计之中了。

伴随着现代艺术设计创作和设计技术的创新以及思想观念的创新, 一些画家创造性地将具有科学特点的透视法、解剖学与感性的光色感结合起来, 色彩运用力求创造出更加和谐、更加完美、更加光炫的艺术色彩。毋庸置疑, 它将实现色彩运用在现代设计上的重大突破, 必将大大地推动了色彩运用的崭新艺术表现以及整体现代艺术设计创作新的、更大的发展。

结论

色彩运用本身就具有形象生动、刻画深入、色墨晕泽、层次丰富的形式特征。在现代艺术设计中, 不同的景别之间运用了不同的色彩, 通过色相之表揉和色相之质, 把最直观的感受表达于设计之中。准确而恰当地将民间绘画色彩在中国现代艺术设计中得到运用, 不仅仅保证了作品在视觉设计上的美感, 更是将一种纷繁复杂的意境表露无遗, 以求达到气韵生动之境。

参考文献

[1]李罡, 赵婷, 刘青.节奏是影视艺术语言的生命活力——谈现代艺术设计片中时间节奏的思维方式[J].电影评介.2008 (03)

[2]王筱竹.现代艺术设计片的细节缺失——从日本现代艺术设计的发展谈起[J].装饰.2007 (04)

[3]伍建平.略论现代艺术设计中的停顿[J].电影评介.2009 (09)

[4]刘阳.浅谈纪录片中的节奏[J].电影评介.2008 (01)

从媒材视角看后现代绘画艺术 篇9

莫里斯·科恩在为《材料科学与材料工程基础》一书所作序言时写道：“我们周围到处都是材料，它们不仅存在于我们的现实生活中，而且也扎根于我们的文化和思想领域。材料已经与食物、居住空间、能源和信息并列一起组成人类的基本资源。”①艺术家的创作活动就是把主观构思通过特殊物质材料传达出来的过程，这里物质材料的纯自然形式就是我们所说的材料。

在艺术家作用于材料之前，它不能表现任何含义和情感，作用于它之后，就变成负载创作主体情感的艺术媒介。“媒介”（medium）一词在当今社会是一个高频使用的词语，它可以指任何在人际传通和交流中承载信息或含义的东西。如绘画的材料是颜料和画布（纸），媒介是色彩和线条；雕塑的材料是大理石、石膏、泥等，媒介是三维空间中的点、线、面（体）。由此可以看出材料和媒介是一对既有联系又有本质区别的范畴，材料是天然或人为加工的不带任何个人情感内容的物质，而媒介是负载有创作主体情感的、经过艺术材料转化而成的一种形式，是经过情感化、经验化、概念化的艺术材料。材料向媒介转化的过程不是一个简单的物理过程，而是艺术家的情感、意识与艺术材料相融合的化合过程，亦即创作主体的艺术创作过程。绘画艺术无论是观念或形式的演变，无一不与材料的变革紧密相连。从原始岩画到纸本素描，从湿壁画、木板蜡画、丹培拉绘画到布面油画，再到19世纪末20世纪初新兴的工业化生产的油画颜色、乙烯、丙烯颜料及各种媒介剂体现了单一材料到多种材料的综合运用。它们不仅证明材料变革对艺术的发展变革所具有的重要意义，还证明在材料的变革中呈现出的观念变革对艺术发展具有的重要意义。这种物质和观念、精神上的材料就是对绘画艺术变迁的关键因素——媒材。

早在古希腊，艺术与技艺没有分别，并将有一定技艺的人统称为艺术家。艺术通常被看作是技艺的表现，并以技艺为标准来定义“艺术”。技艺的表现途径就是媒材，材料与技术紧密相连。“置于眼睛与对象之间的媒介(medium)以自身的存在影响对象的颜色。”②这是达·芬奇提及的空气透视方面的观点，虽然这个媒介是指空气，但涉及到了眼睛与对象之间的关系，就不再是一个物的概念，就是说人们的观看也需要一定的媒介，这自然更包括观看绘画。材料作为媒材的构成与媒介息息相关，“艺术家受魅惑的想象就生活在他的媒介的能力里。他用媒介来思索、来感受。媒介是他审美想象的特殊身体，而他的审美想象则是媒介的唯一特殊灵魂”。③美学家鲍桑葵在《美学三讲》中提出了媒材与艺术家的关系：不同的艺术都有其特殊的物质材料，对艺术家来说是首先要面对的问题，不同时代因技术的演变发展导致创作观念的不断改变，从而采用不同的材料媒介。

二

艺术是由材料体现媒介的创作过程。艺术家创作的手段是将材料转化成有形的视觉语言作品，通过媒介得以实现情感的升华和思想观念的表现。艺术史上的每一次变革都或多或少伴随着媒材自身的变革，在某些情境下媒材的变革甚至成了各种艺术潮流、风格演变的先声。随着科技的进步与发展，新的媒材不断涌现，艺术家们试图利用各种媒材本身的特有品质，神往于他们心中以诠释其新的形式语言并且逐步走向综合，在让人们感受到材质美的同时更能让人感受到人类的伟大与智慧。

从18世纪晚期到19世纪前中叶，追求精神自由与个性解放成为人们的新的目标，同时由于新的科学和技术在各个生产领域的运用，生产力获得前所未有的发展。西方工业文明开始逐渐渗透到生活的各个领域，价值观念也随之发生转变。源于英国的工业革命使欧洲各主要国家先后进入蒸汽时代，引起了深刻的社会变革和艺术思潮的发展。艺术家眼中的生活环境发生了剧烈而快速的变化，面对生活、面对自然，艺术家们敏锐地捕捉了生活瞬间的变化和时代的变迁，创作了一批极具浓厚生活气息、生动感人的艺术作品。新的色彩源源不断地被制造出来并取得了技术上的稳定，极大地方便了艺术家的创作需要，绘画艺术经历了空前的巨变，这与材料的繁盛密切相关。工业发展直接为绘画艺术的材料带来了革命。

对绘画而言，管装颜料的问世是革命性的，1841年尚·G·兰德发明出挤压式颜料。自管装颜料问世以后，大多画家都采用方便、快捷的管装颜料，这提高了户外创作、写生的可能性。由于挤压式管装颜料比传统的颜料浓稠，因此需要松节油等油类的稀释及画笔的变革，这使油画颜色的色彩更加丰富，油画技术产生了微妙的变化；同时，画家将更多的注意力转向对造型、色彩观念和表现手法上的探索，这导致了绘画作品的内容、形式和色彩都有了直接的变化，这一时期艺术风格逐步走向多元化、自由化，这与画家寻求与个人独特风格相适应的材料技法密不可分，绘画材料的选择不再像过去受传统绘画材料和制作程序的束缚，传统与现代的材料和技法融合在一起。如印象派画家们的作品，他们将激情寄予稠厚的颜料、奔放的笔触、明亮的色彩中，他们将浓厚的油彩与传统的皂化腊等绘画媒材混合，寻求厚重的笔触及亮丽、透明的色彩效果，使观者可以感受到油画材料的表现力所给画家带来的激情。

同时，摄影这一媒材的产生冲击着绘画艺术中逼真模仿自然的传统绘画观念，光学和色彩学的科学实验也在理论上支持画家们在实践方面的探求。由于印象派时期色彩理论的发展与普及，画家们能够更科学地了解色彩的语言魅力和规律，从而找到了新的绘画表现方式，“印象派的画家把物理学家谢夫勒尔和马科斯威尔在光、色、视光学法则方面的发现付诸实践，这改变了他们调颜色的方式，他们不再是在调色板上调色，而是把纯净的颜色一笔笔摆放在画面上，这称为光学混合。”④

通过国人最熟知的印象派绘画和摄影可以看到媒材随着社会科技的进步也在改变着艺术的面貌和刷新着人们对艺术的看法。其中最为直接的是艺术家在对材料观念性认识的选择应用上，开始意识到材料不仅是艺术表达的媒介，更是艺术语言。随着科技进步，人类拓宽了材料在经济生活中的认识领域，深化了人类在艺术领域中对材料的认识。艺术家对材料观念性的认识从材料外部形态向材料内部蕴涵的转化，使材料本身的表述被发现、被挖掘、被张扬和被材料意志化，艺术语言也在材料自身的自然力和创造力的释放和表现中得到新生。

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三

“后现代”这个词在很早以前就出现了，但西方人真正把“后现代”作为一个理论命题用在艺术上，是在19世纪60年代，这时出现了一种脱离现代主义建筑原则的倾向，这倾向是要改变现代主义建筑中只考虑材料和结构的态度，而开始考虑到居住者的文化趣味。考虑到不同对象对生活的要求和喜好，然后把现代技术和生活趣味结合起来，并且对传统的样式有选择地重新启用，用有人情味的样式改变了现代建筑的刻板和冷漠，于是“后现代”就被用来指述这种和现代主义不同的新建筑倾向，后扩展到绘画领域。后现代艺术家采用各种眼前的题材和媒介材料，探寻新的艺术样式以表达自我，从而创造了人类新的艺术形式，同时也构建了人类新的艺术观和生存价值观。

对于后现代主义艺术家而言，绘画或各种艺术形式只不过是艺术家传递信息的方式或手段。艺术家之所以从事诸如绘画创作只不过是这种方式或手段能够更好地传递艺术家的观念，而且艺术家对这种方式或手段的使用又十分得心应手。因为后现代主义艺术家已经不再信仰或遵循以往艺术为自身所确立的评判标准。绘画变成了某种手段而不再是目的，和传统相比，后现代主义艺术在对材料的选择上更加宽泛，在媒材的选择和利用上更加强调关注的是材料本身后面的意义。这个阶段的作品更多是靠媒材的运用来说明意思所指，艺术品也由传统意义的形象、形式而到了观念的时代。这个阶段广义的艺术消融了作为独立艺术形式的雕塑，雕塑和装置成了一个概念，并且融入了影像、DV、人体和诸多能表现艺术家观念的材料中。

艺术家们引进自然科学的先进成果，探究材料与表现这一艺术领域，意识到材料本身的审美价值，借助于古典主义、现代主义的表现方法，在新的艺术观念指导下赋予材料新的精神内涵，他们从文化与观念的角度寻找创新与发展，从材料语言的角度拓展艺术思维的新空间。后现代艺术的媒介材料在于全部的物质世界，后现代改变了既往艺术各个体裁互相分离的概念，建立了多媒体大综合的概念，把艺术空前地、无限地扩大化了。后现代有一句名言：你认为什么是艺术，他就是艺术。正是出于观念改变的缘故，艺术的媒介与领地才空前地变化与扩展了，这种改变表现在：后现代将当代与传统的、流行的与民族的、前卫的与原始的艺术符号综合使用；将艺术的与非艺术的符号综合使用；将二维三维与四维的符号综合使用，这在既往艺术史中都是没有先例的。由此而形成的“新绘画”、现成品、装置、大地、捆包、行为、影象等新艺术媒介，极大地拓展了艺术的表现领地，使艺术世界发展了许多新样式、新手法，更新了视觉印象，富于时代气息。

这一时期的媒介，不仅作用于艺术作品展现了震惊效果，而且更进一步成为后现代艺术发展的技术建构，通过传媒、消费和网络实现了后现代艺术的媒介性存在。媒材与观念的传达成了作品的主要问题，观念艺术品不以表面形式为最终目的，但它却必须借助于材料以及材料的表面形式来传达作品的观念。后现代艺术家采用各种眼前的题材和媒介材料，探寻新的艺术样式表达自我，从而创造了人类新的艺术形式，同时也构建了人类新的艺术观和生存价值观。

注 释：

①[美]L·H·范·弗莱克.《材料科学与材料工程基础》[M].北京：机械工业出版社，1984年版.

②Leonardo da Vinci.Treatise on Painting,Translated and annotated by A.Philip Mc Macon,Princeton University Press，1956年版.

③鲍桑葵.《美学三讲》[M].上海：上海译文出版社，1983年版.

④[法]雅克·德比奇.《西方艺术史》[M].海口：海南出版社.

| 作者单位：陕西师范大学美术学院

编校：韩占雷