色彩主观表现

色彩主观表现（共10篇）

色彩主观表现 篇1

内容摘要:主观色彩是绘画创作的重要组成部分,艺术教育的目的就是要培养具有创造性的艺术人才,有意识地引导学生的主观色彩,是培养学生艺术个性的重要方面。培养学生具有强烈的色彩个性,需要教师及时正确地引导,才能达到理想的目的。

关 键 词:主观色彩 色彩个性 色彩风格

绘画艺术中最具感情因素的是色彩,大自然的春夏秋冬,人类的喜怒哀乐,都可以运用色彩来表达。艺术家的色彩个性是绘画中跃动的生命。一个艺术家在广袤浩瀚的艺术长河中要有其立足之地,首先就得要有鲜明独特的艺术个性,艺术个性是艺术家的生命。同样,艺术家的色彩个性亦是色彩艺术的生命。艺术家在艺术创作中为了表达自己的主观感受和强烈的情绪,在色彩处理上不简单模仿自然色彩,而是以个人的感受和感觉为依据,对自然色彩进行重新组合、调配、强化,在色彩上倾注了强烈的主观因素,因此,这种主观色彩深刻地烙印着艺术家本身的思想感情。

主观色彩是绘画创作的重要组成部分,是艺术家在掌握了色彩的规律后,在大量的写生创作中,对自然的色彩独具慧眼,比别人看得深,望得远,抓住了大自然色彩的本质,经客观感受后,主观抽象地升华色彩的个性,形成了自己独特的色彩面貌。它是艺术家个性情感的表现,是艺术家对色彩的灵气与激情的表达,也是艺术家对色彩理想世界的独特发现。反映出艺术家对某种色彩的偏爱和理解,主观色彩是经过长期的色彩磨练和探究而形成的。

艺术教育的目的就是要培养有创造性的艺术人才,而不是生产绘画机器。倘若学生都以同样的方法作画,生产同一种面貌的作品,那就是艺术教育的悲哀,这个问题现在已引起普遍的重视。在学生的色彩训练阶段,有意识地引导学生的主观色彩,是培养学生艺术个性的重要方面。培养学生具有强烈的个人艺术感受,并非一朝一夕就能够完成,它既需要学生自身不断地努力,也需要老师及时正确地引导,处理好个性表现与其他方面的关系,才能够达到理想的目的。做好这些需要有长期的打算,特别是在基础教育阶段,它的效果不会很明显地在学生的作业中体现出来,但不能因此而否定它的意义。在艺术教育的基础教学阶段,朝着这个目标并为之打下基础,这样对学生逐步形成自己的色彩个性——主观色彩,无疑是大有裨益的。根据多年的色彩教学经验,笔者认为可以从以下四个方面着手。

一、传统的“随类赋彩”,当代的用色指导

东方绘画艺术推崇“意象”,注重意境的表达,讲究以情造景,充分发挥艺术家的天才创造性,把自然美升华为艺术美,使得艺术处处体现出主观情感和个性精神。“意象”成为中国传统艺术的核心概念。它容纳了人类对自然界的审视精神和思维方法的精华。中华民族文化的“意象”观,在形、色、质等物化形式上完全不同于西方的传统造型观,显示出自己的哲学特征,重自我精神的表达,毫不迟疑地把客观纳入主观意念的秩序中。“意象”是主观与客观的有机统一,即“天人合一”思想,“意象”是以意摄象,以象表意。这个“象”就是重视对客观世界形象的观察、摄取。“意”就是重自主意识、思想情感的发挥创造。艺术的意象不是对自然万象的机械摹写,而是艺术家的创造,自我意识的发挥与显示,致使意与象融合一体。从中国绘画色彩的历史中我们可以了解到,古代艺术家在使用色彩时从来不拘泥于他们眼中所看到的物象色彩,他们有着一种相当主观的色彩观支配着他们去运用色彩。公元6世纪南齐的谢赫提出的“随类赋彩”,是对汉代以来用色经验的总结,对整个封建社会中晚期的色彩艺术起到了全面的指导作用,至唐宋时期色彩运用达到相当成熟的高峰。“随类赋彩”是东方艺术用色的一条重要的理论依据。“类”就是“类型”“类色”,是含有强烈主观意识的“意象色”,“随类赋彩”主张的是绘画不为自然色彩而色彩,而将自然色彩纳入到先行设定的色彩体系类型之中,这种方法使主观色彩如鱼得水,天马行空,在绘画艺术的天地里发挥其独具个性的光彩。

二、分析大师的风格,学习大师的用色

学生在使自己的“主观色彩”不断完善、表现形式不断完整的过程中,总是有一个向前辈艺术家学习和模仿的过程。这一过程有两个层次,即盲目模仿和自觉吸收。在前一层次中,通过模仿来体现学生对主观色彩的初步认识,这是学生主观色彩形成过程中的一个必然过程。学生从前辈大师的作品中体验及寻求一种主观色彩的灵感,在向大师学习的过程中寻找自己的色彩之路。在丰富多彩的艺术形式的实践中寻找最适合于自己的色彩表现形式。在后一层次的学习中,是对前辈大师主观色彩的一种自觉消化。是范围更宽、程度更深的潜移默化。这是一个主观色彩形成的高级层次,是对学生自觉完善及主动创造“主观色彩”起显着促进作用的层次。色彩的表现形式是否能成功不单是技术问题,更重要的是艺术家心灵创造的再现,主观色彩的表现形式是要体现艺术家的思想观念、艺术追求、审美理想以及文化修养,它不是简单的一种技能的体现。因此,加强学生艺术感受力、鉴赏力的培养,分析和借鉴艺术大师的色彩风格及特点,学习他们对色彩的富有个性和创造性的表现,体会大师对色彩的感受和认识,了解他们的艺术风格,对学生形成和确立自己的色彩个性有着非常重要的意义。

在绘画色彩领域中有突出地位的画家凡·高,就色彩而言,他的贡献非常显着。他把色彩分解、排列、重置所造成的效果开创了现代色彩的先河,他摆脱了以往传统色彩的制约,根据整体调子需要,主观能动地处理画面色彩。尽管凡·高的作品都是面对自然物象进行写生,但他所表现的色彩是自己主观的需要,从自然物象中抽取色彩来表现自己的情感。凡·高的大多数作品都以黄色为主色调,黄色的热情奔放与凡·高那近似疯狂的个性形成共鸣。他那以殉道者的意志,火一样的热情从事艺术,唯有黄色才能得到充分的情感宣泄。在凡·高看来,黄色是阳光、友情、希望的象征,追逐太阳盛开的黄色向日葵正符合凡·高的理想——对阳光的追求,对生活和友谊的渴望。凡·高不但把他的画室外墙涂了黄色,而且还在画室里画了一批向日葵的油画。他用柠檬黄、洛黄、土黄组成黄色之音。无论是凡·高对色彩的强化处理,或是塞尚理性地控制色彩,还是勃纳尔主观随意组合色彩,都能感受到绘画艺术中的色彩经大师独辟蹊径的主观创造,在我们面前树立了一座座丰碑,这些大师的作品无疑对我们的色彩教学具有十分重要的指导意义。因此,通过大量地分析研究阅读大师的作品,增强学生的分析、理解能力,使学生了解、体会大师独创色彩个性的风貌,从中揣摩大师在艺术创作中对主观色彩是如何理解和表现的。结合色彩的写生与创作训练,掌握如何发展色彩个性,达到自如地运用主观色彩。

三、突出色彩的情感,用心灵感受色彩

艺术作品是艺术家情感的流露和表现技巧的展示,没有激昂的情感投入,是创造不出扣人心弦的作品的。色彩是绘画艺术最具感情的因素,艳丽多姿的色彩能激发我们的丰富联想和各种情感,让学生在学习色彩技法的同时用心灵去感受色彩、热爱色彩,充分利用色彩的感情效果,如色彩的冷暖、表情、联想和象征等,对色彩发出内心的喜好。尽情发挥艺术家对色彩的主观能动性,把自己心中感觉到的、理想的色彩表现出来。毕加索从1901至1902年的“蓝色时期”,这一时期的作品都采用蓝色调,这种色调贴切地表达了毕加索反映巴黎社会下层生活的悲哀,下层女仆等人物的困苦和深沉的精神面貌。此时期的毕加索几乎集中全部精力研究蓝色的表现力,以主观色彩——蓝色来表达丰富复杂的情感。毕加索在1905至1906年的玫瑰时期,作品以玫瑰红表现流浪江湖的艺人生活,在他的作品色彩上,大量采用单纯的玫瑰红,就是毕加索这一时期的心灵感受。毕加索从“蓝色时期”到“玫瑰时期”这种色调上的变化,是和他的题材内容、情绪的变化相适应的,他随着生活内容的变化而采用不同的主观色彩。因此,主观色彩是艺术家用于充分反映自己的个人情感。

四、积淀色彩的知识,丰富色彩的涵养

如何掌握运用主观色彩,并形成富有个性的色彩风格呢?除了上面论述的几点外,还要从色彩知识方面加以训练,适当地夸张和强调画面上的主导色调,加强色彩的鲜明度,使画面具有强烈感和鲜明感,同时削弱次要的色彩,使画面色调归于纯粹,这种单纯会强化画面的力量。另外进行色彩的归纳训练也是获得主观色彩的途径之一。色彩的归纳也就是色彩的提炼,它排除了丰富色彩的迷惑,抓住了主导色这一关键,逐渐形成自己的主观色彩。进行画面的变调训练,仍不失为强化进入主观色彩思维的方法,这种训练使你在改变画面的色彩时,会围绕着你所动情的色彩而重新组织画面,满腔热情地创造主观色彩。

“主观色彩”作为绘画色彩创作的本质在于不断发展、完善与学生的心灵相和谐的“表现形式”,这种表现形式能充分地表达作者的情感,这就是“主观色彩”的最终和最高目的。学生在绘画色彩作品,在其创作过程中,绘画技巧固然是相当重要的,但能否传达出一种强大生命力的独特个性的形式更为重要。我们可以从学生成功的色彩作品中,看到一种生机勃勃的生命力,从中体会到一种耐人寻味的精神力量。色彩风格的不断完善要求学生对适合自己气质的形式进行执着的追求,致力于自己的形式的不断完美,倾注毕生的精力,而使自己的色彩风格具有鲜明独特的个性,绘画色彩作品的“主观色彩”正是建立在这种坚持不懈的对形式的刻意追求中。

主观色彩是色彩风格的灵魂,没有主观色彩就没有色彩风格,没有色彩风格就没有艺术个性可谈。在色彩练习和艺术创作中,对色彩风格中的主观色彩的表现要给予高度重视,色彩的理论学习及色彩训练所得来的大量色彩知识要成为形成色彩风格的基石,从大量的习作和长期的实践中,有意识地充实、加强、完善属于自己的主观色彩,让主观色彩在艺术创作中插上翅膀,翱翔于广袤的艺术天空.

色彩主观表现 篇2

在传统绘画中的色彩注重对象固有色具体、写实的描绘。这种绘画作品中艺术家意在再现客观物象的色彩, 侧重于对象固有色的复制, 在这种观念下创作出来的绘画色彩形式被称为再现性色彩。掌握色彩再现能力是写实绘画最基础、最重要的一步, 它直接影响到是否能掌握色彩表现形式或更强有力的语言内涵。色彩表达从客观真实描绘转向主观真实表现。由根据光描绘自然物象发展到表现纯粹的色感，由对自然色作精致的客观的描绘，转向主观的表现，色彩作为一种语言符号，越来越具有独立性特征。在这种色彩观念下创作的绘画色彩形式被称为表现性绘画色彩。表现性色彩语言有着一定的象征性、情感性、个性。画面色彩被画家的个性、创作意图所左右, 画家主观的、个性的, 甚至是潜意识的东西在画面上占据了主导地位。而且通过色彩，表现其本质以及画家本身的经历，感受以及对世界的理解。艺术家在画面上并不再现或不完全再现自然物象的真实色彩感觉，而是根据作品主题和画面的需要对色彩进行再创造，使它成为具有个性的艺术语言，以表达主体的情感、意念，使作品获得更强烈的视觉表现效果和特定的精神内涵。绘画作品中色彩的感情力量和艺术表现，主要是通过画家具有个性的色彩来体现的。

梵高是西方绘画艺术由“再现”转向“表现”的重要人物, 是一位充满炽热情感的伟大艺术家。他认为，传达自己的印象仅是画家的一个任务，另一个主要任务是在绘画中注入自己的情感。凡.高的色彩具有强烈自我表现性特性，无论什么事物都被他赋予了强烈的感情，其色彩的表现性，首先来自于强烈的色彩对比，冷暖对比，补色对比，同类色对比，往往都能出现意想不到的效果。普蓝、冷绿、灿烂的暖灰、明净的天蓝色与绚丽的绯红色等都达到了一种强化了的自身和谐。其次，凡高的色彩带有明显的示意性，比如，他用红与绿的对比来表现人的矛盾和可怕的情绪，用补色混合表现神秘悸动，其最终目的是为了强有力的表现自己。因此，色彩内在的真实表现成了最本质的东西，成了真实的主体，作为“表现主义”先驱。他的表现性色彩为“表现主义”绘画作了最好的诊释。

毕加索艺术生涯中经过一段蓝色时期，他用蓝灰色调，表现出一种疲惫、苦闷的情绪，画面表现了伤感、压抑的情调，这种主观的个性的色彩的运用使画家在这一人生阶段的情感得以。宜泄。表现派代表画家蒙克的绘画色彩带有强烈的情感。他把死亡、恐怖、忧郁和现代人的痛苦情感，用色彩淋漓尽致地宣泄出来。他给人们留下最深刻印象的是《呐喊》。这幅作于他艺术成熟时期的作品充满了画面中的人物像是被巨大的力量挤压而出现变形，天空的红色突出了这种被威胁的感觉。画家用近似版画的方式，把红、蓝、绿、蒲石的色线，组成流动的河水与天空形象。画面中所传达出来的恐惧、压抑的感觉十分清晰。

色彩感觉与色彩的情感共同作用，使绘画色彩增加精神涵量，使画家更具鲜明的艺术性。经过个人主观感情强化的色彩感受、表现的是画家感情色彩的真实。对于色彩的研究可以说是画家追求个人化语言首先思考的重点，作为画家来讲，应在掌握必要的色彩知识的基础上加强自身对客观事物的感受，在绘画创作时既无需被传统的色彩理论和系统所禁锢，也不仅仅为追求丰富色彩而变的矫揉造作，而是充分发挥主观能动性去提炼概括色彩，从而形成对色彩独特的认知和掌握，使画面色彩语言更具有魅力和个性化。

参考文献

[1]《艺术哲学》丹纳著, 傅雷译.安徽文艺出版社.1998年.

[2]《中国当代美术史》高名潞.上海人民出版社.1991年.

[3]《中国当代审美文化研究》周宪.北京大学出版社.1997年.

色彩主观表现 篇3

关键词：色粉；人物；造型语言；画家主观心理

中图分类号：J203 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2014）09-20-1

最早，色粉是意大利语中的“帕斯特勒”（pastel），而在其英文中的意思被称为“轻柔”的意思。“轻柔”一词，不仅很好地诠释了色粉画的材质，而且也为色粉画柔和美丽的画面效果埋下了伏笔。色粉笔：它使用方便、颜色艳丽和可以制造特殊效果等特点被广大的艺术家所喜爱。色粉画是一个年轻且活力十足的画种。在它短短的300年的时间中，色粉画大师林立。前期，我们所熟悉的达·芬奇曾使用色粉笔画出《最后的晚餐》等大量的习作以及他自己的自画像等一系列的素描。在那样的一个时期，色粉画都是以棕色的单色素描为主。中期，色粉画也被运用在大量的素描和习作中。后来，印象派独领风骚的时期来临了，科学快速的进步使得绘画材料日新月异、异彩纷呈；使得色粉画艺术得以迅速的发展起来，也逐渐转变了单一棕色的素描时代。在这样轰轰烈烈的材料和绘画双重的革命下，德加这样的一位印象派大师出现了，他的色粉人物画是一个时代的巅峰。

好的人物画作品不仅仅可以从画面中观察到人物本身的心理状态，也能够透过画面窥视到画家本人细腻的情感表达。在色粉人物画艺术创作过程中画家的主观心理色彩是影响着整个创作过程的。美国美学家苏珊·朗格认为：“凡是用语言你难以完成的任务——呈现感情和情绪活动的本质和结构的任务——都可以由艺术品来完成。艺术品本质就是一种情感的呈现形式，它所表现的正是人类情感的本质。”情感是推动各个艺术创作力的最主要的动力，画家主观心理色彩就是整个色粉人物画的灵魂性的东西。画家对色粉人物画投射了许多的主观心理感情。一切的绘画作品都是画家主观情感对题材选择的体现。艺术源于生活，高于生活，画家主观的心理色彩就是体现画家生活的色彩，然后是画家经过提炼加工后反应到画面上，形成了画家的画面色彩，是一种内心物化后的体现，是一种情感的提升。

在色粉画中，笔者认为画家主观心理色彩在画面构成中是不可缺少的，德加、卡萨特、劳特累克等艺术家都很执著的在画面中体现了他们独特的主观心理色彩。在国内外众多的色粉画家中，德加就是这样一个很了不起的色粉画大师，而且德加有能力用黑白照片把它变成绚烂的场景，这样的方法就是画家在画面中体现自己的主观心理色彩。色粉画是一个很有朝气的画种，每个画家对自己画面的色彩以及画面主色调有自己很深的理解。色粉画大师德加也一样，他痴迷了色粉画30年，后来他失明才不得不放下他所钟爱的色粉画。他在画作《赛马系列》中运用深色系颜色来凸显主要人物，画面整体显得厚重，且画面更具有纵深感和深邃感，就犹如古典油画般的厚重，这是画家早期的古典油画情节。画面色粉的的涂抹就是如古典油画的笔触。画面中，色层的混合是德加展示对各个事物理解的方式。在画家《浴女系列》中，我们见到了各种各样的魅力女子入浴出浴，画面的色调柔和，有的整个调子都是暖暖的；有些画面是一个冷调子，更加突出人体高贵冷艳特征。画家笔下的女子都是那么地自然，动作的瞬间性很好。画家用自己主观的心理色彩和情感对画面进行补充，使画面变得更加主观，也使画面感变得充盈。画家用自己对色粉的理解将眼前的事物融合在一起，强烈的笔触，明晰的心理色彩，使画面获得自己的生命。《舞女系列》，用主观心理色彩再现客观真实的场景，在有些舞女系列中，画家还是受到了一些古典绘画的影响，在技法和体现画家主观心理色彩上显得略微保守了一点；在画家后期的舞女系列中，个人主观心理色彩就很好的在画面中体现了出来，色彩绚烂，人物的表情动作更加凝练，色彩大胆奔放。当我们仔细观察会发现，那是色粉用张扬的笔触糅杂在一起的效果，距离加上空气产生了美感。画家的舞女系列，最能体现其身后的色粉画功力，呈现一个个鲜活灵动的美丽生命。画中以大面积横扫的方式大断面排列，在舞台后方的人物和景物都用了洗练的笔法，这样可以很好地突出主要的人物，在画面背景的处理上，色粉发挥了其类似油画般厚重的效果。这样的笔触，又有一种颗粒状的感觉，很细腻，很柔软，很轻盈。在纱质的裙子上，色粉像水彩一样轻薄、透气，很好地还原了材质，这样就很好地营造了故事感和画面感。没有了画家，就没有了讲故事的人，艺术家把其的对生活的体验，经过自己主观的处理，把它转换成了实实在在的拥有自己强烈主观心理的艺术品。在题材的选择过程中，这是画家对自己生活的发现。那都是倾注了画家的深深的挚爱，是画家自己对题材的深深的热爱，是画家对材料的深深的热爱，是画家主观情感的表达。他在色粉领域获得巨大成就，用色粉表达其感情也是很彻底、淋漓尽致的，可见画家主观心理色彩在色粉人物造型中的重要性。这是一个张扬个性的年代，德加的极具个性的主观心理色彩也将影响更多的人。

参考文献：

[1]叶经文.色粉画艺术特征初探[J].衡阳师范学院学报，2013，（05）.

[2]王宝栋.色粉人物画兼容性艺术语言浅议[J].湖北美术学院学报，2012，（01）.

[3]冯瑜.艺术情感与油画创作[D].新疆师范大学，2012.

[4][美]卡罗尔·卡切尔著，周霞，俞晓群译.光与色丛书——色粉画教程[M].杭州：浙江人民美术出版社.，

作者简介：

品牌包装设计色彩情感表现 篇4

【摘要】随着社会经济的发展，各个行业都开始重视品牌包装的设计，以提高自身的竞争力。越来越多的企业开始将色彩元素运用于品牌包装的设计中，使其达到很好的视觉上的效果，利用感情色彩来使企业提高品牌效益和经济效益。

色彩是一种视觉上的效应，是品牌标识的重要要素，现已被广泛应用于品牌包装设计中。据调查发现，色彩的视觉形象在吸引注意力、提升视觉形象被阅读率方面具有重要的作用，且增加一种色彩时，阅读率可提升22%；增加两或三种色彩时，阅读率可提高68%。可见，色彩对提升品牌包装设计水平具有重要的作用。据此，下文首先介绍品牌设计与色彩的相关性，然后再重点讨论品牌包装设计中的色彩情感与表现。

一、色彩与品牌包装设计

在品牌包装的设计中，色彩并不是独立存在的，而是与其他元素相结合。随着社会的发展，人们的整体素质有所提高，审美能力也在不断加强，对产品的外在形象要求越来越高。如今人们已经不只满足于购买质量好的商品，更是对品牌的形象很在意，它代表着品牌的影响力等。在设计品牌包装时，要将视觉上的色彩作用和色彩的情感功能发挥到最大限度，以提高品牌的影响力。色彩在品牌设计中起着画龙点睛的作用，色彩作为最敏感的视觉语言，能够通过色彩的象征产生不同的感受，所以运用的成功与否，对产品是有直接的影响。色彩在品牌设计中占有特别重要的地位。在竞争激烈的商品市场上，要使商品具有明显区别于其他产品的视觉特征，更富有诱惑消费者的魅力，刺激和引导消费，以及增强人们对品牌的记忆，这都离不开色彩的设计与运用。

二、色彩在品牌包装设计中的作用

色彩是品牌包装构成的最重要元素之一，在品牌的设计中具有极为重要的作用。据相关调查显示，彩色的视觉形象可以在很大程度上吸引消费者的眼球，提升视觉形象被阅读的概率。一般来说，一种色彩被添加到形象设计中，可以提高大约20% 的阅读率，如果添加两到三中色彩，可以提高大约70%的阅读率。一般情况下，品牌包装设计的标识较为简单，只需控制在2—3种色彩就能够完成。对于人们来说，使用彩色的图形比使用黑白色的图形更能加深印象，人们对它的记忆率要比黑白色高出一倍左右。彩色形象的设计可以从很大程度上强化人们对品牌包装的看法和理解等，因此大多品牌设计都会使用彩色标识，相关媒体做宣传等也是使用的彩色标识，这对品牌的声望和宣传都具有很明显的作用。彩色标识会使得品牌更具吸引力，使作品更加生动。

三、品牌包装设计中的色彩情感与表现

一般来说，不同颜色所代表的含义和象征的意义是不同的。据此，下文分别从红色、蓝色、绿色、黄色、橙色四个方面，浅析品牌包装设计中的色彩情感与表现。

（一）单一色彩在品牌包装设计中的情感与表现

1.红色。红色所代表的往往是激情、狂热、火焰等，它是表示人类情绪高涨时的颜色。但同时它表示心理上的暴力、危险、血腥等，它可以使人们的血压升高，呼吸紧张。因此，在一些类似的产品上，可以运用这种颜色，列入在很多充满活力的饮料和食品中，或是灭火产品类等。其中比较成功的案列有可口可乐。高露洁等。

2.蓝色。蓝色所代表的事物是很多的，比如蓝天、大海、夜晚的星空等，它象征的是较为广阔的事物，在色彩之中是属于冷色调。同时它代表的人的心理情绪是幻想、忧郁、平静等，同时也象征和平、青春，是人们大多比较喜欢的颜色。人们在看到蓝色的时候，往往会不自觉的感到放松和平静，使人在不知不觉中安静下来，给人以舒适的感觉。因此，很多电子企业在设计形象和产品的时候会使用蓝色色彩，使人在使用时会对其产生好感，如IBM设计等。

3.绿色。绿色是较为青春靓丽的颜色，它代表的是春天、希望、年轻、快乐等，可以将人们带入到宁静的环境和感觉之中。绿色象征着健康和新鲜等，还能对人们的眼睛起到保护主要，因此很多绿色产品都是使用绿色来设计品牌包装，它会给人们带来美的享受，是常用的一种色彩。比较成功的例子有很多，比如绿箭口香糖、电脑桌面壁纸、七喜饮料等。

4.黄色。黄色在色彩中是比较具有活力的颜色，它代表的是激情洋溢、友好、激动等，是欢乐和幽默的象征。黄色还代表着勇气、温暖、灿烂与光明等，它在所有的色彩之中是比较容易被人分辨出来的颜色，也是被很多人所喜爱的颜色，具有的意义是极为丰富的，它会让人联想到丰收和秋季等。如果黄色和黑色相搭配，往往会使人联想到秋天的谷物等，但在精神层面上，它具有暗示的作用。

5.橙色。橙色和黄色有很大的相似，主要代表的是温暖、阳光、秋天等，橙色在心理上象征热情、希望和青春。一般来说，橙色是代表轻松明快的心情，不会显得太过严肃，它可以使人心跳加速，但不会使血压升高。比较成功的案例有柯达品牌标识等。

（二）色彩组合在品牌包装设计中的情感与表现

人们可以充分利用色彩象征意义的潜在特性，同时仅用一种色彩可能无法达到预想的品牌效果，因为消费者不是专业的色彩评价者，他们可能无法理解每一个色彩要素的构成，而是对整个色彩组合有感觉，那么色彩组合的搭配在品牌包装设计中显得尤为重要了。大多数与饮食相关的品牌包装设计都会考虑到消费者的心理需求，考虑是否能给消费人群带来一定的心理暗示。必胜客品牌标志在色彩的情感表现上就做得很成功，作为暖色调的红色具有刺激的、振奋人心的视觉效果，可以作用于人的神经系统，但是单一的红色又会加重它本身的警示性，那么红与黑的搭配会显得更加稳重，黑色的稳重加红色的激情的色彩组合相得益彰，从而产生消费的欲望。换而言之，在消费者的眼中，更希望饮品店是一种休闲解饮品店不仅仅是一个单纯满足味觉消费的地方压和充满温馨浪漫的地方。以 “偶遇”饮品店为例。当人听到这个名字会有一种邂逅的感觉，所以通过色彩可以更好的表达消费者心理需求。那么该饮品店在标志，辅助形，及装修环境上不论是单色还是色彩的组合都要给人一种舒适、温暖、浪漫的感觉。要根据品牌的内涵和消费者的心理需求来对色彩进行组合。

四、结语

色彩主观表现 篇5

第1课 明暗造型与色彩表现

一、课

题：明暗造型与色彩表现

二、学习领域：造型·表现

三、教学目标：

１、初步掌握简单的明暗素描知识与色彩表现方法。

２、学会欣赏光与影的造型之美。

３、学会运用光与影的语言表达自我情感。

四、教学重点：在光线照射下，形体明暗变化的基本原理和变化规律；线、色表现光与影的方法。

五、教学难点：如何引导学生用明暗表现形体、节奏、空间；如何引导学生掌握色彩的表现方法。

六、教具、学具：

１、教具：课件、石膏几何形体、静物器物，射灯、衬布等。

２、学具：纸、铅笔、美术作品图片、橡皮擦等。

七、课

时：２课时

八、教学过程：

第1课时

１、观察导入新课。

２、授新：

１）欣赏优秀美术作品。

２）分析明暗的五调子，分析光与影的语言。３、示范素描：排线的画法、明暗表现方法。３、展示学生佳作。４、提出作业要求。

５、学生练习，教师辅导。６、评价、小结

九、教学反思：

学生对物体明暗调子的分辨已经有了初步的认识，也因为是初步接触对素描的排线表现法，故掌握较差，需要反复多练习，方能有所提高。

第2课时

１、对比欣赏两幅色彩作品导入新课。２、授新。

１）欣赏优秀美术作品。教师问：光赋予世界以色彩，你能说出光四怎样表现和反映色彩的吗？怎样表达情感的？

２）观画回答教师的问题。

３）让两位学生分别用混合法和点彩法画草地，示范色彩表现技巧。

3、提出作业要求：分组引导学生用色彩表现法，对照自己带来的风光照片进行色彩混合法和点彩法的尝试。尝试在混合法为主的基础上加入色点来改变其色调。

4、学生练习，教师辅导。

色彩主观表现 篇6

野兽主义 (Fauvism) 或野兽派是自1898至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。它虽然没有明确的理论和纲领, 但却是一定数量的艺术家在一段时期里聚合起来积极活动的结果, 其中包括马蒂斯、弗拉芒克、鲁奥、德兰等诸多画家。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩, 往往用直接从颜料管中挤出的颜料, 以直率、粗放的笔法, 创造强烈的画面效果, 充分显示出追求情感表达的表现主义倾向, 其主观的使用色彩的方式刺激到了已经习惯了古典主义绘画的人们, 被认为是“粗野”的艺术, 因而得名。当时反传统的思想已经成为野兽派艺术家的一种自觉, 运用扭曲的形象来表达自己的感受, 夸张的形体与纯粹的色彩表现出前所未有的视觉张力, 使艺术家内心的情绪得以表达与宣泄, 强调个人的感性经验对艺术创作的重要作用, 注重色彩的表现力与震撼力、色彩与色彩之间的关系、色彩与情感的关系。

亨利·马蒂斯 (Henri Matisse, 1869—1954) 是20世纪现代主义艺术最重要的艺术家之一, 也是野兽派画家中领军式的人物, 早期的马蒂斯也尝试过传统画派的诗意画风, 90年代末与印象派艺术的接触, 使其画风渐渐由灰暗转向明亮, 而后受到了后印象派的塞尚和新印象派的西涅克的影响, 开始重视色彩分析与营造光影效果, 在受到梵高与高更明亮强烈色彩的冲击后, 产生了对印象派肤浅描绘物象的反动而致力于形式与色彩的发现, 通过主观的色彩而不是光和影来描绘物象, 偏爱用平涂的画法有意减弱画面的深度感和物象的体积感。同时, 根据感情的需要, 将高纯度的平面色块在画中组合, 使其形成冲突对比或平衡和谐的关系, 产生音乐般的节奏。他说:“我把色彩用作感情的表达, 而不是对自然进行抄袭。我使用最单纯的色彩。”马蒂斯认为自己对色彩的选择不依赖于任何科学的理论, 而是建立在观察、建立在感觉、建立在每一种十分自然的主观体验的基础上的, 追求一种协调、纯粹而又宁静的艺术。马蒂斯的作品无论是绘画还是剪纸, 都具有造型极其简炼, 线条弯曲起伏, 笔法轻松流畅的特点, 散发着儿童般的天真稚趣, 萌发着生命的朝气, 往往传达着某种欢快的情感, 给人以视觉的享受。

《戴帽的女人》是马蒂斯于1905年所作的一幅油画, 这幅画里的色彩完全是画家主观感受的产物, 善于描绘客观事物的画家们是绝对感受不到的。马蒂斯并置了纯度较高的红、橙、黄、太阳照常升起。”

巴赫金指出:“狂欢式——这是几千年来全体民众的一种伟大的的世界感受。这种世界感受使人接触了对现实世界的恐惧, 使人更接近人, 也使人更了解人。”姜文用独特的视角摆脱了那个历史年代固有的宏大的叙述方式, 《太阳照常升起》是一部狂野和超越理性的充满狂欢化特征的电影, 它的确“使人更接近绿、蓝、紫等对比强烈的颜色, 近乎平涂的纯色使画面产生了耀眼的闪烁效果, 引人注目, 豪放恣意涂抹的色彩与画中女人略显沉静的表情形成了一种独特的视觉张力, 令观者感受到画家用纯朴的表达手段所表达出的感情。

《生之喜悦》是马蒂斯1905-1906年间的作品。画中用流畅的线条来封闭纯色色彩区域及勾勒出十六个裸体男女享乐与世外桃源的画面, 展示了一种理想牧歌式的生活。画家对形象进行了高度简化的处理, 将色彩提炼为高纯度的红橙、黄橙、黄绿、蓝绿、蓝紫、红紫等不同面积的色块, 并将平涂的色块进行组合、色彩关系对比, 正是色彩具有的秩序感, 使画面产生音乐般和谐的韵律感。画中纯净而明亮的色彩, 令人喜悦的清新感, 表现出画家的精神世界与自然的内在和谐。

《红色的和谐》是马蒂斯成熟期的代表作, 创作于1908年。画中有精心布置的桌子、衣着整洁的女佣、鲜艳的桌布和墙纸、两把椅子和一扇窗户;通过窗户, 画家还描绘了一片室外的自然景色——绿色的草地、黄色的花朵、几棵树和一所房子。然而马蒂斯并没有将这些物象画得与它们在自然中实际的模样相符合。画家以平涂的大红、朱红、橙红色组成了一个强烈的红色色调的平面, 限定了整个房间内的空间。他把室内的墙面与桌布, 全都描绘在同一块红色平面上, 将蓝紫色的阿拉伯纹样分布在桌布和墙面上, 使动态的蓝紫色曲线与红色之间构成了动静的对比, 加上窗外蓝绿色的风景恰好调和了大面积的红色给人压抑感, 使整个画面的色彩达到了平衡, 原本热烈的色彩经过调和, 给人一种安详, 平静的感觉。马蒂斯利用色彩纯粹的表现力, 表现出画家本人对生活的赞美之情。

主观色彩是由于人们的主观要素以及变化会对同一色彩实体有不同的感受, 它主要受人的生理、心理要素及文化、修养等社会因素的影响。马蒂斯一直以来都是遵从自己内心的需要来使用色彩, 他曾说“色彩所固有的特性, 不是把世界作为一种物体的现象来表达, 而是作为现实中唯一存在着的世界——画家脑海中的世界来表达。”他认为色彩的主要作用就是为最出色的表现画家心中的感情世界而服务。马蒂斯的作品中对热烈而单纯的色彩的运用始终让观看者强烈的感受到画家的情感, 不管画中的色彩是和谐的或不和谐的, 都造成了令人轻松、愉快的效果, 这是画家强烈的情感与观众相一致的结果。著名的色彩学家伊顿认为“如果说主观色调象征着一个人的内在气质, 那么它的思想、感情和行为方式, 多半是能够从他的色彩结合推想得出的”。马蒂斯的作品所表现的正是这位色彩的抒情者纯朴的精神世界, 在他的世界里艺术是天真、纯粹而宁静的, 就像一个舒适的安乐椅, 对心灵起着一种抚慰的作用, 使疲惫的身体得到休息。

摘要：现代艺术的觉醒也是色彩本质的解放, 艺术家们产生了由再现客观世界向表现主观世界的转变, 色彩所具有的特殊的表现力得到了肯定, 马蒂斯是现代主义艺术中最突出的画家之一, 其作品中的色彩完全是个人情感的表达, 对主观色彩的运用, 使马蒂斯的作品萌发着生命的朝气。

关键词：现代艺术,主观世界,马蒂斯,主观色彩

参考文献

[1]马永建.《现代主义艺术20讲》.上海社会科学院出版社.

[2]亨利·马蒂斯.《画家笔记》.广西师范大学出版社.

[3]何政广主编.《世界名画家全集:马蒂斯》.河北教育出版社.

主观性色彩在油画创作中的表达 篇7

关键词：主观性色彩；色彩运用；油画创作

一、主观色彩的发展

从文艺复兴开始，油画开始快速发展。在经历了古典主义、巴洛克艺术、浪漫主义以后，人们发觉色彩语言在油画中影响越来越重要。印象派不拘泥于前人古典学院派，运用色彩造型，追求光和色，他们注意颜色的变化，注意瞬间变化的景色，然后马上描绘下来。印象派的出现推动了油画技法的观念开始转变，使色彩的地位上升到了一个无可替代的层次。后印象主义，已经不拘泥于对客观的事物进行描绘，他们主张发展个性，用各种夸张和变形的艺术手法，色彩运用写意，来抒发画家自身的满腔热血。保罗·高更追求质朴的原始的风格，他喜欢用简单的轮廓线勾勒，色彩上强调明度和饱和度，来表现一种远古的朴素的原始气息。后印象派在造型上的发掘比印象派要更深，他们已经不为形所束缚，恰恰已经开始随着自己的情绪自由地挥洒自己的画笔。梵高正是因为看了印象派的画展才受到启发，他用像焰火一样的纯色描绘他内心的激情。他凭着直觉去创作，笔触大胆而奔放，他笔下好像一切都在转动着，看他画都能使人激动。塞尚更为喜好描绘事物的体积和空间，使用冷色和暖色的对比来构成画面的空间感。后印象派的艺术大大延展了艺术的发展空间，使西方油画逐渐由传统转向现代。随着科技的不断发展，人们思想观念的解放，人们开始接受的新事物和新思想，为油画以后的发展也提供了无限的可能性。在抽象表现主义先驱画家波洛克的作品中就透露出画家强烈的情感表达，画家在画布上随意的泼洒颜料，他的绘画作品乃至作画的状态都给人们流下了深刻的印象。在创作作品时画家随意的状态和自然情感的表达让观众动容。由于各个流派的侧重点不同，有的侧重写实，有的侧重装饰性，有的侧重写意等等，所以不同风格都得到了发展，呈现出多元发展。画家无拘无束的风格使他们的作品能更好地展示自己的感受和思想。

在西方油画发展过程中，在一个非常漫长的历史时期内，色彩只是作为对素描的补充而存在的一小部分，艺术作品主要用素描构成，随后再添加颜色。随着时间的发展，经过几代艺术大师的探索和研究，人们意识到色彩作用的复兴以及它在表现主观情感上的回归。色彩发展到当下，在当代艺术家们的大胆创新下，更呈现出一片繁荣，从客观描绘事物的手段走向了表达自我，表现内心情感不能缺少的重要因素。色彩的发展而是随着美术史而发展而演变的，随着人类审美、情感及对艺术审美的理解而不断变化的。我们不能抛弃艺术史这个整体来孤立得谈论色彩，色彩的发展也有其相对的规律性和独立性，主观性色彩是来源于客观更是又要高于客观的色彩。

二、主观色彩特征及其代表人物

主观色彩能表现出创作时的情绪，因此不同的艺术家的作品带给观者不一样的感觉，艺术家在影响着我们生活的方方面面。主观色彩与艺术家的情感相结合，也表现出了许多的特点，如现实性、意向性、装饰性、抽象性、象征性等。

（一）主观色彩的写实性

在国内主观色彩上具有典型代表的就属于杨飞云了。写实性绘画可以牢固基础知识，培养我们的耐心，所有的绘画形式都是从写实绘画走出来的，所以写实绘画是基础。写实绘画不是简单的描绘，而是艺术家的情感和态度。杨飞云的作品带给人一种清新脱俗，优雅，舒适的感觉，一种美的精神追求，他的画作看久了就能慢慢品味到其中的味道，能经久不衰，这是人们苦苦追求的。

（二）主观色彩的意象性

意象表现性油画是指在油画传入中国后与中国的绘画相结合，吸取了中国的意象绘画的精髓，是一种中西结合的绘画形式。夏俊娜就是中国当代女性画家的重要代表，她的作品是很有灵性的，在她的画作中直接的表现出了她受传统文化熏陶的艺术修养。

（三）主观色彩的装饰性

维亚尔的作品中有不少是描绘的阳光明媚的场景，主要是以灰色调为主，用色块来分开空间，用少一些的线条来打破面。维亚尔的作品笔触灵动流畅，他的作品生动流畅，画面饱满，丰富，强调平面、简洁、稳定，具有良好的装饰效果。维亚尔的作品都来源于生活，也是对现实生活的处理和再创造，他吸收了印象派的成果和运用自己的艺术手法，使整个画面的和谐统一。

（四）主观色彩的抽象性

赵无极是公认的绘画大师，他的抽象绘画艺术受到大家的喜爱。他的作品继承了中国传统绘画的精华，借鉴了西方绘画的精华，受到了国内外的一致好评。在五十年代早期，赵无极的作品逐渐向抽象主观色彩过渡，有很强的视觉冲击力。他的作品中风景辽阔悠远，画面静谧安详，就如观者只是在山下的一角观看风景色彩绚烂的变幻。他的作品不是空的，而是在自然山水的指引下，给人的感觉是非常强烈的个人感受，他把自己的感情放在了画面上，所以他的作品是无法复制的。

（五）主观色彩的象征性

色彩的象征性不但可以象征一个物体，而且可以象征一种思想，喻红是当代著名的女性艺术家之一，她的作品可以被视为一种社会意识的象征，让观众感受到温暖和可爱。喻红在“女画家的世界”的画展上展出了的肖像，有很多的人觉得她是在画自己。这是喻红最开始接触的展览，虽然不是她的外貌，人物画的看起来不同，但她在创造自己的梦想和追求。她把自己的怀念和渴望都表现在了画面上，这不是做作，没有修饰，在今天浮华躁动的社会显得更加真诚。

三、主观色彩的自由表达

怎样实现主观性色彩的自由表达？我们必须认识到色彩的创作是一个系统工程，它必然要受到地球上自然色彩形式运化及科学技术的制约，主观性色彩的形成是随着社会信息的发展，不断发现的过程。然后我们要对色彩系统心灵直觉及形式语言进行动态和静态的分析，并且要对色彩空间包括材料与结构有深入的研究，调动一切手段来发挥个人艺术灵感互动相生的创造活力。达到一种色彩直观与音乐感觉内在完美融合的理想境界。

【参考文献】

[1]承三友.论油画艺术中色彩的主观表现力[J].美与时代，2008，（04）

[2]周胜洪.浅谈油画创作中的主观性色彩[J].美术教育研究，2010

中西现代色彩感情表现 篇8

关键词：中西绘画；色彩情感表现；对比

中图分类号：J063 文献标识码：A 文章编号：1671-864X（2015）05-0122-01

文艺复兴时期的西方画家，以明暗色彩再现外在物象受光之后的明暗感觉。它们的色彩发现仅限于反应物体明暗感觉的实在性之上。再现物质表面明暗色彩的实在性，一方面失去了纯粹性的色彩表现，另一方面又限制了艺术家充分显示它们的色彩个性。印象派画家，用动态色彩感觉捕捉阳光下万物变化的光彩，它们敏锐了自性的色彩感觉，却在注重外在色彩感觉的过程中，忽视了感情色彩表现。中国古代文人一向注重情感抒发，因而，中国传统文化中不乏含有情感表现的理性认识，如“情充与内而成象与外”，“情动于中而行与言”，“诗缘情而绮靡”等。所谓“神采”即内在精神灵性带动的色彩表现形式。

一、西方现代艺术大师色彩情感表现

（一）文化背景。从印象派画家开始，西方色彩艺术家在主动的色彩发现基础上，或者说他们在色彩感觉凝聚形成的色彩感觉敏锐的状态中，触动内在的情感色彩因素。感情色彩的激流在冲撞中把色彩艺术带到一个更宽阔的表现色彩领域。

（二）高更色彩情感的表现。经过印象主义阶段之后，高更（1848-1903）有意识的离开印象主义，并强化他内在的色彩表现。他体验到艺术家“必须把自己的心与灵魂投入战斗……”画家在他的画架面前，既不是过去时代的奴隶，也不是现在的奴隶；既不是自然的奴隶，也不是他的邻居的奴隶，他是他自己，始终是他自己，永远是他自己。怀着上述强化了自己的愿望和自信，1888年，高更在不列塔尼的阿望桥完成了油画《雅各与天使搏斗》。他以单纯的颜色，随意表现出带有象征意味的色彩感情夸张。他在写给梵高的信中曾说明要表现乡野的象征性色彩单纯。这件作品的颜色或平涂或在黑色的底子上提出而显得像宝石镶嵌，强烈的色彩成为影响绘画结构的主要因素。

（三）梵高的色彩情感表现。与高更相比较，梵高（1853-1890）绘画色彩没有明显的放进那么多的神秘生命内涵，但是却更直接的得到大自然色彩规律引发的情感色彩启示。从感情色彩本质看，梵高之所以形成举世瞩目的个性色彩风格，主要还在于他在悉心观照自然色彩的韵律，从自然中获取色彩信息的同时，又把自己被自然激励的情感色彩重新“看进”自然色彩律动中。外在色彩信息激励内在色彩感情，内在色彩感情强化外在色彩信息。在时代性的内外色彩因素互动交换中，才产生了梵高那种特有的色彩表现形式。梵高在19世纪末空前的情感色彩表现，尤其是对各种黄色的特别关注，并不是世俗评论家认为的由于作者患了精神病而发生的异常色彩反应。其本质在于情感色彩表现不为当时的社会所接受才把梵高逼疯。在他患精神病住院治疗期间，绘画实际上成为调节精神病的一种方式。

二、中方现代艺术大师色彩情感表现

（一）文化背景。中国古代色彩意向表现曾激励了西方及现代色彩大师们的色彩感知，不过，那些西方艺术家从东方色彩启示中加进了现代色彩因素，包括色彩科学和现代性的色彩感觉和感情。于是西方近现代情感色彩表现重返中国的时候，以变为充分显示现代色彩本质丰富性的色彩表现普遍性。19世纪末，中国上海等南方城市较快地接受资本主义生产方式。它促进中国民族经济快速发展。传统的中国绘画此时直接吸收西画色彩影响。画家革新意识日渐明确，他们希望突破自成一格，绘画色彩也开始变得浓艳厚重，形成“海派”有生气的绘画色彩风格。吴昌硕（1844-1927）的绘画常用鲜艳、强烈的重色，突出色彩同时对比，显示出近现代中国画家在西方现代色彩语境下产生的革新意识。

（二）高剑父、刘海粟等艺术家色彩情感表现。 在广东，岭南画派高剑父（1879-1951）等人直接受到法国画家影响，用西方色彩和造型方法改革中国绘画。他们注重色彩写生，将西方现代色彩感知融合进中国传统绘画，使中国画整加了色彩鲜活力。19世纪末，西学东渐己成大势。面对西方绘画冲击，刘海粟（1896-1995 ）等中国青年艺术家开创的美术学院，以改造国民创造精神。蔡元培（1868-1940在1908-1911年曾留学德国，深受康德哲学的影响。他认为，文化进步的国民，既实施科学教育，尤要普及美术教育。于是“上海美专”、“苏州美专”等美术院校开始普遍接受西方近现代艺术教育理论和教学方法。

三、中西现代色彩感情表现对比

西方近代色彩表现，表现的是现代人个性鲜明的感情色彩丰富性。它启示现代人，人类的色彩本质不断变化，艺术家的现代色彩个性是带着现代色彩本质丰富性的创造性色彩个性。中国近代画家对现代色彩本质发现较少，其原因之一就是至今不少人沉于文化传统，喜欢选择对己有的东西的重复。而在社会流变中，表面的重复，只能使这些主张重复者比他们要重复的东西精神含量更少。明清时代中国绘画色彩主流日趋平淡，消极重复，因而色彩重复等于色彩生命活力的死亡。

四、结语

现代性世界文化交流，在20世纪使越来越多的中国色彩艺术家在创作中认识到情感色彩表现。艺术家的色彩个性正在迅速的取代中西两个区域性的民族色彩习惯。艺术家的鲜明的色彩情感个性，构成了中西现代融合的条件。健全的感情色彩的继续发展成为中西色彩艺术家共同的行动。

参考文献：

[1]法克莱尔克.色彩片原理[M].石油工业出版社，1997.

[2]李铭龙.应用色彩学[M].台湾艺风堂出版社，1995.

[3]郑午昌.中国画学全史[M].上海书画出版社，1985.

[4]钱穆.论语新解[M].巴蜀书社，1985.

[5]情感与形式[M].中国社会科学出版社，1986.

浅析色彩的表现语言 篇9

一、传统绘画语言表现

(一) 壁画

湿壁画是在湿灰泥上用颜料绘制的。要趁湿一次性画完, 等水分蒸发以后, 壁画表面形成一层碳酸钙结晶, 使颜料与底子紧密结合, 并且不完全溶于水, 同时产生壁画特有的光泽。

绘制湿壁画需要非常熟练掌握材料的特性;需要熟练的技巧和简单有效的绘画方式。湿壁画的绘制非常复杂, 对石灰、沙子、墙壁、颜料都有很特殊的要求。所以它是一种受到很多因素制约的技术, 不只是来自其自身还有周边建筑物及景物因素的影响。

(二) 丹培拉

丹培拉是一种乳液, 同时含有油和水。用这种乳液作为绘画媒介的技法, 被称为丹培拉技法。常用的一种即是使用鸡蛋作为乳化剂制作乳液的。

乳液的制作选取鸡蛋黄或者鸡蛋全液。取少量亚麻仁油和上光油, 逐滴滴入蛋黄, 同时不断搅拌, 使其成为发白的稠状乳液, 然后加入一倍水搅拌, 即可得到丹培拉乳液。其中水的分量可以加大, 来绘制非常透明的色彩, 相反比较稠的乳液用来绘制肌理感强的作品。

二、传统画面的新材料表现

随着油画技术的日臻成熟和画家们对材料越来越深的掌握, 新的表现技法开始出现。

各国都出现了代表人物。在荷兰有鲁本斯、伦勃朗, 西班牙有维拉斯贵支, 还有后来的戈雅, 法国有普桑以及后世的达维特、安格尔等人。他们的技法充分发展了油画的材料研究, 使之逐步成熟。从早些时候的透明罩染间接画法发展到了后来的直接画法与间接画法相结合, 流派不可谓不多。

三、水彩语言表现

水彩画是以颜料的透明特性为基础的, 在水彩画中颜料以极薄的涂层画上去。

各种透明画法都以浅色底子为先决条件, 在纯水彩画中, 明亮的颜色都来自于底子。这种底子要尽量洁白还不易变色。

水彩颜料必须用极少量的粘合剂研磨, 同时必须容易和持久地保持可溶于水的状态。干后有一定附着力, 因其牢度较差, 不易反复着色。

生动和新鲜是水彩画的特点, 随意的笔触、鲜艳透明的色彩、自然有趣的水痕都是一幅水彩画吸引人的地方。

四、色粉语言表现

与透明的水彩不同色粉颜料只有表面光泽, 没有透明效果。色粉颜料没有调色液, 因而不会变色, 也不会开裂。但是它的表面很脆弱, 只是松散地依附在底子上。

色粉笔只需要很少的结合剂来固定颜料, 否则颜料不容易从粉笔上分离下来。由于这一特性它对底材的粗糙度有一些要求。

色粉的使用比较随意, 可以重复涂抹, 利用手指或别的工具擦涂, 也可以大面积地涂画。这一特性深受初学者和一些喜欢特殊效果的人们所喜欢。并且适用于迅速捕捉稍纵即逝的色彩效果, 还特别适用于草图的构思。

五、印象派语言表现

当绘画发展到印象派的时候, 直接画法已经发展得比较成熟。印象派画家多在外光下即景写生, 为了适应这种写生的需要, 画家们多采用吸收性的画布底子, 溶剂多采用速干的松节油等挥发性油脂, 颜料也多采用不透明色多层覆盖, 易于厚涂得方头硬豪画笔也取代了尖头软豪笔。这时期工厂化制作的颜料大行其道, 各种合成类颜色的发明为印象派画家提供了很大的便利, 画家们不必再去研究和制作各种类型的颜料, 所以对各种颜料的习性和特点都不了解, 经常导致色层脱落, 变色。绘画技法在此虽然得到了空前的自由, 但是传统色彩表现语言逐渐被大多数画家们所淡忘。

六、20世纪后的多元化表现

20世纪到来以后, 追求新奇的东西成为一种社会风气。画家们开始对各种绘画表现语言进行尝试和试验。有些重新发掘古代的技法来表现现代新奇的内容, 还有的勇于尝试各种新材料来丰富自己的绘画语言。

现代艺术的创作与科学技术的发展密不可分, 结构主义与立体派, 工业技术革新与未来派, 机械制造形式与达达派绘画, 弗洛伊德的学说与超现实主义, 还有以理性手法表达非理性的抽象表现主义, 等等, 都是科学和艺术联手的结果。人们把艺术创作看成是一种有规律可循的造物过程, 20世纪60年代的美国这种现代思潮发展很迅猛。那时, 许多艺术家从事各种各样的工业与材料试验, 各种以前从没有过的技术和材料进入艺术领域并大行其道。

摘要：通过对古典绘画、印象派绘画, 以及现代诸流派的材料与技法进行研究, 了解色彩的继承和发展轨迹, 领悟其精神内涵, 增强创新和审美意识, 并能运用不同的材质和技法进行绘画创作, 强化和丰富自己的创作能力。

关键词：绘画语言,湿壁画,丹培拉,色粉,多元化表现

参考文献

[1]修·昂纳, 约翰弗莱明.世界艺术史[M].海口:南方出版社, 2002.

试论设计色彩写生及其表现 篇10

设计色彩写生是艺术设计中十分重要的造型基础课程, 是衔接绘画基础和艺术设计专业的桥梁。一般的色彩写生多采用条件化的方法, 以准确地表达对象的客观存在状态为训练目标, 以写生为主在造型上强调直觉和感性认识。设计色彩写生则是在感性地面对客观对象的基础上, 强化了理性的设计意识和主观表现, 它不以描绘客观存在为目的, 而是以设计的造型需要和思维发展为取向。它是一种充满运用物体观察中的“感知”, 通过“概括、条理、表现”理性与情感交织的作画过程。在这个过程中, 不仅要掌握一定的造型能力, 而且必须疏导和扭转一般色彩写生惯用的观察方法和表现手法, 掌握以惯用观察方法和表现手法为基础所产生的新的造型观念和创造思维方法。

一、一般绘画色彩写生与设计色彩写生的区别

(一) 在观察方法上。一般绘画色彩写生所关注的是自然物体被置于常态下所呈现出的自然属性;而设计色彩写生的关注点则是对客观物体形与色的主观处理和形式构成方法, 以及自然色调中各种色相、明度、纯度、面积之间的规律。

(二) 在创作理念上。一般绘画色彩写生比较侧重纯艺术的观念表现, 表现自我的主观意识和个人情感;而设计色彩则同时具有公共艺术的属性, 设计色彩从根本上讲不属于自我, 它需要与特定人群的审美情趣相吻合。

(三) 在表现方法上。一般色彩写生以客观、真实地描写对象在自然状态下的相互关系为主要原则;而设计色彩写生虽然也以自然物为参照, 但不拘泥于它的自然属性, 它更注重理性分析。

(四) 在使用功能上。一般绘画写生以纯艺术欣赏和自我个性张扬为追求目标, 几乎不考虑实用功能;而设计色彩必须以市场为导向, 更多地关注时尚和流行, 以自己的特定服务对象来确定其相应的审美价值取向。

二、设计色彩写生的特征

(一) 化冗繁为单纯。当物体以常态呈现在我们面前时, 往往在造型上有着丰富的层次, 虚实和空间等相关特性, 这正是一般绘画色彩写生所追求的因素, 而设计色彩写生则需要在这看似丰富而繁杂的表象下, 以简化的方式通过做减法概括提炼、集中本质、整理归纳, 剔除多余, 使主题更突出、形象更典型、色彩更鲜明, 画面更符合形式美法则, 因而更具有艺术价值。

(二) 化杂乱为秩序。自然状态极为丰富, 但常常是杂乱无序的。设计色彩写生的重要方法是根据自己画面的需要, 在把握对象本质, 不失自然真趣的前提下, 通过对客观对象的概括、梳理, 把自然中杂乱无序的东西归纳成章, 使画面达到秩序化、条理化的效果。

(三) 化写实为夸张。夸张是艺术表现最常用的手法之一, 也是获得画面形式美感的重要因素, 一般绘画色彩写生虽然也常常使用一些夸张的手法来加强画面的效果, 但它们通常以呈现客观对象为主, 在整体上强调写实的表达。而设计色彩写生则拥有更多的空间, 在构图上可以打破常规的焦点透视;在造型上可以根据需要对原型进行夸张变形;在设色上可以将对象作变色处理, 亦可以打破自然存在的空间关系, 创造出全新的视觉效果。

(四) 化立面为平面。把一般绘画色彩写生的三度空间转化为二度空间。即客观的立体, 把空间形态转化为人为的平面化主观空间形态, 这是设计色彩写生的主要表现特征。它那朴实舒展的造型特征, 单纯而多变的造型美感, 形成了全新的视觉形态语境。我们在进行设计色彩写生的过程中必须首先转换头脑, 建立新的观察和思维方法, 从客观写实中解脱出来, 转入到平面化色彩的感悟和方法的学习中去, 从而形成设计色彩艺术写生的个性化和风格的多样化。总之, 设计色彩写生作为艺术设计的专业基础课程, 它对现代艺术设计专业, 如广告、插画、标志设计、建筑外观设计、服装设计、包装设计都有着重要的作用。它在美化生活, 满足人们物质需要的同时, 也提供了精神上的享受。因此色彩的协调与正确运用, 是产品成功走向市场的保证。正是由于色彩的特殊化, 在一般绘画色彩写生中可以根据个人的喜好来运用和表现色彩, 而在设计色彩写生中, 则不允许有明显的个人偏好。当人们的审美观念随着时代的发展而不断变化时, 设计色彩也随之不断创新, 并要符合时代性以及环境、地域等不同的审美需求。同时, 强调以实用为前提以大众接受为目的, 其要求色彩效果明确、清晰、单纯。设计色彩写生在绘画写生的基础上, 通过主观的整理夸张表现出来, 它不受光源色、环境色、固有色的影响。它最大的特点就是不满足于自然中客观变化的色彩, 而要灵活地调配出比现实生活更理想的色彩, 表现出更高境界的色彩。

三、设计色彩写生的基本表现形式

(一) 写实性归纳写生。写实性归纳写生是介于写实性绘画写生和平面性归纳写生之间的一种过渡形式。它既对自然形态的表现对象给予尊重, 又在一定程度上对具体物象进行主观的概括提炼。写实性归纳写生大体有以下特点:1.在构图上。写实性归纳写生仍然以焦点透视为基本特征, 与一般绘画色彩写生大致相同。有一点不同的是, 绘画性写生可以用木炭或水粉直接起稿构图, 而写实性归纳写生则要考虑后面的绘制工艺, 一般不宜起稿太重。2.在造型上。写实性归纳写生的形象描绘仍然基本忠实于客观对象的自然形态, 各个物体形与形之间的空间关系均按照自然序列来进行塑造。在绘画写生过程中, 不能像一般意义上的看到什么就画什么, 而是将丰富的层次予以减化, 集中本质、剔除多余, 从而达到强化造型整体化的目的。3.在设色上, 写实性归纳写生的设色不能机械地照抄、被动描摹对象, 而应在把握好色彩关系的前提下积极发挥自身的主观能动作用, 将物体本身丰富微妙的色彩层次予以归纳、提炼、限定、简化。

(二) 平面性归纳写生。平面性归纳写生进一步发挥自身的主观意念, 摒弃条件色的观察方法和认知习惯。在面对物象时要排除光线的干扰, 压缩影调的变化, 弱化三度空间, 强化二度空间, 将复杂的自然立体形态进行平面化处理。平面性归纳写生可分为两个步骤进行:1.客观性平面归纳写生, 客观性平面归纳写生是从写实性归纳写生到主观性平面归纳写生之间的一个过渡。客观性平面归纳写生在构图时, 原则上, 仍可将客观对象按自然序列以焦点透视的方式来构成画面。2.主观性平面归纳写生, 主观性平面归纳写生与客观性平面归纳写生相比较, 绘画者具有更大的主动性和自由度, 它最大的特点是以比较纯粹的二度空间观念来观察和表现客观对象。因此, 它在构图上首先要求在观察方法上将三度空间转化为二度空间, 变一般意义的焦点透视为散点透视。主观平面性归纳写生与客观平面性归纳写生基本的不同点在于它不求自然形态表现的完整性, 而更多地关注画面自身的整体结构和形式语汇的有机统一。由于主观平面性归纳写生在构图上强调散点透视和平面化, 如果在造型上不对物体进行处理和变化, 很容易让人产生不合理, 不协调, 不舒展, 缺乏美感的视觉效应。所以, 绘画都应对物体进行感性的再创造, 使形象更突出、主题更鲜明, 画面也更加富有个性特点。3.平面性归纳写生的设色方法和表现形式。 (1) 设色方法:平面性归纳写生的基本设色方法是平涂。运用不同的平涂表现形式产生不同的视觉效果。 (2) 表现形式:拼接法、勾填法、重叠法、肌理表现。

(三) 意象性归纳写生。意象性归纳写生是从造型基础课过渡到专业课的终端课程。它既是造型基础课学习的尾声, 也是专业课学习的开始。意象归纳写生要求观察习惯的改变, 表现手段的把握逐步转向画面意境的追求和个性的抒发张扬。意象性归纳写生再创作, 基本可以脱离客观物象, 仅仅是自我主观意识, 或真实情感的宣泄。因此, 画面效果常常呈现出下面的创作倾向:1.写意性倾向。在设色上不拘泥于表现对象自身的固有色彩以及物体之间原有的色彩关系, 自觉依据色彩构成原理, 以邻近色、对比色、补色以及色相、明度、纯度等各种对比因素充分发挥作者的主观想象, 运用大色块、大笔触来进行塑造和表现。2.表现性倾向。表现性倾向常常运用夸张、变形、扭曲的造型方法, 以形、色、线条、块面、肌理为媒介, 根据情感的需要对物体进行主观的组合, 画面常呈现出张狂的造型和奇艳的色彩, 给人以强烈的视觉感受。由于表现性倾向更注重自我的主观意识, 因此, 在绘画者不失对画面整体控制的前提下, 其表现方法与手段要相对自由一些。3.寓意性倾向。寓意性倾向是生活在现实世界中的人们一种浪漫情感的表达, 它常常利用比喻、联想、寓意、象征等形式将这种情感寄托于自然。在意象性归纳写生时, 因每个人的生活经历, 社会阅历以及个人兴趣、年龄、爱好、习惯和思想意识的不同他们会对同一组物体的造型、色彩与感觉要素产生明显的差异。这种差异对绘画者各自的个性发展及风格的形成有很大的帮助。由于寓意性倾向是一种浪漫情感的表达, 它的主要表现特征并不在于具体的绘画过程, 而在于寓意和构思。4.抽象性倾向。抽象性倾向是意象性归纳写生中一种比较极端的创作形态, 其特点表现为在画面上摒弃一切具象因素。它是一种较为纯粹的情感表达方式, 不论采取何种抽象的表现形式, 有感而发、内在需要是大前提, 是真我的展现, 而不是装腔作势和涂鸦。

通过以上对设计色彩写生及其表现的论述, 展现了从理论学习到实践练习, 从感性认识升华到理性认识, 从绘画写生色彩的科学观察认识到主观理性的归纳的过程, 设计色彩写生会对以后的艺术设计有重大影响, 为将来从事艺术专业设计者正确使用色彩、设计色彩打下坚实的基础。

参考文献

[1]王贤培、李白丁编著.设计色彩[M].苏州:苏州大学出版社, 2005

[2]席跃良编著.色彩与设计色彩[M].北京:清华大学出版社, 2006