动画镜头语言（通用11篇）
动画镜头语言 篇1
在一部动画片中, 角色是整部片子的灵魂, 就如同真人电影中的表演者, 没有动画角色就没有商业动画片的存在。而动画角色的灵魂来自于动画剧作为其拟定的性格, 要塑造出一个受欢迎并且有血有肉的动画角色形象, 就必须有一个出色的动画角色性格设定。如何打造出一个受欢迎的角色性格同时此性格又能充分展现动画独特的表现手法, 动画角色灵魂动作的设计就显得极为重要。而这里所讲到的“镜头语言”, 指的是运用不同的表现手法将画面衔接起来, 从而表现故事内部的人事关系的一种语言叙述方式。这里的“语言”, 并非实际生活中的口头话语, 而是一种表达方式, 也或者是一种工具或手段。
一、镜头语言的分类
说到镜头语言, 首先, 我们要说的就是景别。景别决定着观众对故事中的人事关系的整体感知, 更决定着不同镜头画面的构图关系和各种人物形象的表达意向。通过景别的变化给人们带来的时疏时密、时快时慢、时远时近的观察方式, 是动画电影魅力展现过程中所不可缺少的部分。在此, 我们先可以按景别把“镜头语言”分为五个类别:远景、全景、中景、近景和特写。镜头的运用是影视动画创作的重要表现手法, 也是镜头语言的基本要素。影片的景别越大, 所展现出来的环境因素就越多;景别越小, 强调因素就越多。
(1) 远景 (大全景) , 常用来表现关系镜头和渲染镜头, 表达空间的宏大。例如, 动画片《狮子王》 (King Of The Jungle) 中, 一些十分经典的镜头大多是全景 (如图1) 。远景镜头的运用巧妙地诠释了狮子与生俱来的霸气, 远景镜头的合理运用很轻松地烘托出气势磅礴的场面。 (2) 全景, 环境因素不再具有独立意义, 强调了环境与人物之间的联系, 观众既可看清人物又可看清环境。 (3) 中景, 一般是在膝部以上, 用来表现人物与人物之间的关系, 如拥抱、对话、打斗等需要人与人共同完成的动作。 (4) 近景, 指人物胸部以上的镜头, 用来强调人物面部表情动作。 (5) 特写, 通常是人物或物体的局部, 表现了人物的内心活动和神情变化。中景、近景和特写在常规动画影片中使用的频率颇高, 它们主要表现人物的表情、对话、神态和动作, 让整个故事的叙事性更加完整, 也容易让观众在欣赏作品的同时产生共鸣, 在制作影院动画的时候, 这样的镜头更能突显画面的冲击力。
再者, 运动镜头的巧妙使用对动画画面的丰富也具有重要作用。镜头的运动方式是对景别和角度的修饰和补充。运动镜头可以交替地表现时空的转换, 这些转换可以将故事叙述得更加具体, 让观众也更加充分地了解导演所要表达的情感内容。运动镜头一般分为推、拉、摇、移、跟、升、降等七种基本运动方式。摇移镜头是摄像机位置不变, 水平或垂直转动摄像机, 改变摄像机光学镜头轴线的拍摄方法。可直接调动人们生活中的运动视觉感受, 使观众产生身临其境的感觉, 具有强烈的主观色彩。推拉镜头有两种表现形式, 一种是摄影机向被摄物体推近或拉远, 另一种是摄影机固定不动, 利用光学变焦模拟接近或远离的推拉效果。镜头的移动速度可产生不同的节奏感。升降镜头拍摄是通过摄影机一边升降一边拍摄完成。升降镜头的构图具有立体的纵深变化, 适合表现大场景的气势和氛围, 可以让每一个画面都有自己的含义[1]。
不过在实际操作过程中, 有些运动镜头在二维动画中的实现有一定的难度, 但电脑的介入, 推动了动画产业的发展, 随之而来的是一些新的艺术形式的产生。三维动画的发展发生了质的飞跃, 在三维动画里, 只要在电脑软件里预设好镜头的运动轨迹, 电脑展示时镜头就会根据计算机事先设计好的路线进行运动, 从而进行镜头的表达。三维动画让动画产业有了突飞猛进的发展。
二、镜头与动作的关系
一部优秀动画片可以将生命力通过动作形象设计赋予给一个角色, 这是一个从静态到动态的过程。表达“动”是一部动画片的核心, 影片中镜头和动作相互配合, 共同传达着动画片的形式和内容, 成功地让画面“动”起来, 已经不仅仅取决于角色的表演, 更包括镜头运动引起的视觉运动, 同时也建立在彼此依托的基础上。这就需要动画师在绘制动画时要有机位感, 摒弃动作至上的理念, 在分镜头台本的绘制中有效地掌握动画的整体效果, 从而合理安排动画角色的动作表演。
在动画画面展示过程中, 使用不同的节奏也可以巧妙地将动画镜头以各种人物运动方式有机地结合起来。镜头的运动节奏也受到此场景中人物动作表演的影响, 例如, 打斗场景中镜头的运动节奏就会相对快很多。
在动画艺术中, 镜头是外部因素, 而动作设计则属于内部结构。现如今, 动画已成为当下不可或缺的视听传播媒介, 它的运用范围也在逐步扩大, 小到街边广告, 大到院线上映, 都需要使用镜头和动作这种“内外搭配”来链接画面, 达到将故事叙述出来的同时传达给观众一种情感的目的。
三、镜头烘托动作的意义
在所有影响动画电影的因素中, 镜头排列和动作表演是整部动画的灵魂所在, 导演和原动画师通过配合设计让整个动画电影的灵魂人物拥有了生命, 使得在画纸上静态的故事升级成传播媒介上动态的影片。在动画电影中, 镜头的运动表达对动作表演的烘托作用是不可小觑的。
在实际操作中, 分镜头的绘制通常也会从动作、表情、角度、作用等不同方面来完成各种形式的角色造型和场景, 只有这样, 才能在动画制作中为下一步的绘制提供有利的前提。在动画电影中, 集体活动的动作表演通常是用来交代场景特点和叙事背景的, 大景别的使用较多, 主要是采取一些俯视全景镜头, 使用更多的运动镜头来显示大场景。例如, 动画电影《埃及王子》中 (如图2) , 片子的开头就是奴隶们进行集体劳动的场景, 并对不同的奴隶劳动场景进行了镜头切换, 运用并列镜头的叙事方法, 其背景音乐也十分沉闷, 快速交代了所要叙述的故事发生的大环境, 进而也快速地让观众进入到故事所要表达的情绪中去。
镜头的运用是动画中极为重要的部分, 它的合理运用可以烘托动作, 使人物的动作表现更为活灵活现。在有限的空间和时间里, 可以传达给观众更为准确的情感信息, 是制作者们追求的最高境界。
四、镜头在动作表现中的作用
让多元素完美融合在一起的艺术表现中, 动画电影有着举足轻重的位置, 如果导演想要整部影片具有很强的表现力, “动”就变成了一个关键点, 而这个关键点也必须具有呈现它的形式, 这个形式就是动画影片中的镜头。在镜头叙述故事的过程中, 人物的动作表演也可以通过其连贯的表达而达到新的高度。在动画的制作过程中, 导演和原画师需要考虑到人物的动作设计和镜头的叙述表达之间的关系与配合。
动画人物的表演是支持动画艺术的核心要素, 加拿大动画大师诺曼·麦克拉伦说过:“动画不是会动的画的艺术, 而是创造运动的艺术。”人物动作表演是当前角色情感的主要表达方式, 原动画师想要做出出色的人物动作设计, 除了要遵循物体的运动规律外, 更要在其运动中表达出角色的情绪和性格。
人物动作设计在分镜头台本的制作中有着举足轻重的位置。动画电影和实拍电影不同, 动画电影的剪辑过程是在前期完成而非后期, 因而就必须要在绘制分镜头台本这个环节中预设好剪辑位置, 再进行动画镜头和人物动作的绘制。所以, 在分镜头台本的设计中如何设计人物动作就显得尤为重要, 这就要求动画师掌握不同的人物动作表现风格, 尽可能精确地去绘制这些镜头中人物的表演, 充分表现出人物的性格特征和情绪表达, 控制整个故事叙述的转折点, 通过人物的动作来贯穿镜头以及场景的转换。在这个环节中原动画师必须完成分镜头台本中镜头动作的起始位置, 如果镜头相对比较复杂, 也可以通过连续的动作画面来准确地表现。
低速运动镜头和高速运动镜头在使用中也要有所推敲, 一般来说, 在一个有效的单位时间内, 该镜头的运动速度取决于此有效时间内的动画帧数, 在有效时间内, 动画帧数越多, 动作也就越细腻, 那么该镜头的运动速度也就越慢, 反之亦然。举个例子, 比如在一段表现武打场面的镜头里, 人物动作表演镜头的播放速度就高于正常的速度, 在这种快速切换镜头的过程中, 单位时间内的动画帧数少于正常数, 动作的节奏感就比较强烈。因此, 单位时间内帧数的数量控制, 可以决定镜头的整个运动速度, 渲染动画片的气氛。
在一部优秀的动画影片中, 镜头和动作处于什么样的关系显得尤为重要, 其恰到好处的配合可以加强整个动画故事内容的完整性。在动画电影中, 镜头和动作通过不同的表达方式一起讲述着故事, 并通过一些主观的夸张手法增加人物动作表现的表演性, 使得故事更加有趣, 并达到满意的叙述效果。所以, 镜头和动作怎样有机地搭配, 也是非常重要的问题, 其决定了影片的完整性, 决定了故事的叙事性, 也使得动画影片更加有魅力。
五、结语
在动画的制作过程中, 任何一名动画制作人员都要认真研究镜头语言与人物动作的搭配和结合, 以及两者的综合互动。从动画技术角度来看, 镜头语言是提高动画作品生命力和表现力的基础, 而动画故事主人公的动作表达, 也是整个动画的核心, 不同的表演传达给观众的情感和意愿都是截然不同的, 所以不断地推敲镜头语言和动作表演, 让两者相辅相成并有机地结合在一起, 才能制作出比较完整的动画。
摘要：在动画电影中, 镜头的好坏决定了一部影片是否具有可观赏性, 同时, 动画故事主人公的动作表达也是整个动画片成功与否的关键。所以, 不断地推敲镜头语言和动作表演, 让两者相辅相成并有机地结合在一起, 才能制作出比较完整的动画影片。
关键词：镜头语言,动作,场景
参考文献
[1]王育新.动画片中运动镜头的画面语言.艺术与设计 (理论) , 2009 (09)
[2]王甫.电影三维动画中的镜头艺术.电影文学, 2009 (12)
[3]李文波.运动镜头的独特表现魅力.记者摇篮, 2007 (07)
[4]牛春舟.动画影片中角色动作与镜头的配合.电影文学, 2012 (02)
[5]陈华.高校动画分镜头设计课程中教学设计思考.艺术科技, 2012 (03)
[6]黄迎春.从动画影视语言角度探讨高校动画分镜头课程教学.电影评介, 2011 (03)
动画镜头语言 篇2
关键词：动画分镜头内容节奏作用
摘要：本文阐述了动画作品前期工作――分镜头的重要性，并就分镜头中内容与节奏的把握作了详细说明。同时指出，分镜头脚本的绘制起到了承前起后的作用，每个环节都需要细心制作和设置安排，以体现创作者的意图及导演的理念。
电影与动画的表现形式近似，都是由一个个镜头衔接来表达一个完整的故事。动画的分工较为复杂，分镜头作为一个表现导演意图，还原创作剧本构思，使剧本的内容呈现影像化的工作。在影视动画前期创作中起着很重要的作用。
一、分镜头脚本
分镜头中脚本也称之为摄制工作台本，也是将文字转换成立体视听形象的中间媒介。它的主要任务是根据解说词和电视文学脚本，来设计相应画面。即是用图片和文字来叙述故事内容，可描绘的内容范围包括导演的要求，音效以及对白的说明。
分镜头脚本可分为三类：文字分镜头，画面分镜头，色彩分镜头。文字分镜头脚本是指一些导演对剧本的构思所做的说明和编号，为后期制作提供依据。画面分镜头是指导演把文字落实到画片上，形成连续的画面剧本。色彩分镜头顾名思义就是把分镜头上色，主要为后期的灯光渲染提高色彩和灯光参考。
一般而言分镜头的绘制要做到以下要求：
一是需要充分体现出创作意图，创作思想与创作风格。二是分镜头运用必须流畅，画面与画面之间需要交代清楚。三是形象须简捷易懂：目的是要把导演的基本意图和故事以及形象大概说清楚，不需要过多的细节。过多反而会影响到总体的认识。四是连接必须明确，一般不表明分镜头的连接，只有分镜头序号变化的，其连接都可为切换，如需要淡入和淡出。在分镜头的剧本上都要标识清楚。五是对话，音效等标识需明确。对话和音效必须有明确标识，且应该标识在恰当的分镜头画面下方。
二、分镜头内容的创作
剧本当中的语言是文字，行之有效的动画剧本为动画片的创作打下了良好的基础，分镜头的语言是各种景别设计，景别可分为大远景，远景，全景，中景，近景，特写镜头。每个镜头的调度变化，移动规律，推拉摇移构成了一个个运动的画面。以镜头画面作为情节叙事的主要手段是包括动画影片在内的影视艺术区别于其他艺术形式的显著特征之一。
例如，文字“夜空的雄鹰”，在由文字向画面转化过程中会考虑很多的问题，如夜空下的场景风格，在何种地形上，夜空和雄鹰是什么位置和空间关系，在镜头画面当中如何呈现，选用什么机位和角度等各方面因素。
分镜头的创作大多以剧本作为依据，在剧本的意图下进行画面的再创作，可以在文字分镜头的基础上进行绘制，把文字在人们脑海中的印象用行之有效的画面表现出来，但剧本与文学作品的形式不同，文学作品中往往运用了较多的形容词性的描写，如复杂的心理活动描写，类似的描写在剧本中却无法存在，因为这类非具象的.状态很难通过演员的外部简单的语言、表情和动作去表现。对于人物形象、环境、时间、语言、动作、行为、事件等较为具象的内容，则较容易通过视觉和听觉呈现。这部分工作在前期动画创作中是很重要的。
三、分镜头中的节奏
动画的节奏形式是很复杂的，因为动画是综合性很强的艺术，在动画画面中影像的形态多种多样。节奏在艺术作品中以特定的形式存在，在动画中，节奏主要体现在叙事结构、分镜头等等方面。 节奏也是一个美学范畴，是各门艺术的一个构成元素，从而成为常用的艺术学术语。它也成为动画艺术的重要艺术元素之一。动画艺术离不开节奏，动画的节奏主要体现在叙事结构、分镜头、动作、音乐等等方面。然而对叙事结构节奏和分镜头节奏的把握是动画片前期工作的重点，直接关系到未来动画的成败。
根据剧情内容的发展，在一组镜头中，要知道如何选择运用全景、中景、近景和特写等不同视距，而且要能够用得十分贴合实际，做到合理搭配，使观者感到非常自然，是进行画面分镜头节奏设计中不可忽视的一个方面。当观众在看到一个镜头的时候，首先感知的就是分镜头画面的景别形式。
观看远处的人和景物的时间要比观看近处的人和景物的时间长些。一个远景镜头上的行动需要的时间可能长些，一个近景由于易被人领会它的内容，因此，近景比远景的长度可以短一些。由此可见，景别会直接影响画面延续的长度，如果在视觉上把特写当成是突出动画片感受重点的振动，那么全景和远景就不仅仅只是认为在描写环境和气氛，还应该把它们作是视觉节奏感受中的停顿。分镜头也是一种节奏形态。节奏的停顿，连续影响着故事的发展。
四、结语
分镜头也是导演用来表述自己的想法和拍摄风格的重要手段。是向其他部门人员传达思想和意图的重要途径。动画制作人员能够从分镜头剧本中了解到摄影机拍摄的角度、镜头运动的状态、人物的对白及动作，如何确定两个镜头之间的衔接。所以我们在做短片的时候，不能忽视分镜头的创作。对无论是人力与物力都投入巨大的动画艺术而言，在一部动画片的创制并正式生产之前，先做几分钟的试验性镜头是非常必要的。通过试验性镜头检验从设计到制作的全过程，以确定各个环节的配合关系，对造型、背景等设计进行实际的组合搭配、对设计的各个部分进行修改，并为正式生产提供经验。同时，还可以通过有针对性的试验性镜头，向一定层面的观众征询意见，获得反馈信息，这对于动画片的风格定位是很好的参考依据。一部动画片从创编、设计、绘制、后期等各个环节都渗入了参与者的创造性的工作，但具体的技术及制作管理又是科学、理性的，目的是提高工作的效率。而脚本制作的意义就是要从中摸索、总结出最佳的模式。
所以，我们需要重视前期的剧本分镜头脚本的绘制，为后期复杂的工作开个良好的开端。分镜头脚本的绘制起到了承前起后的作用，每个环节都是需要细心制作和设置安排的，需要把前期工作做到完善，需要我们付出极大的努力。
参考文献：
[1]孙立.影视动画镜头画面设计[M].北京：海军出版社，2008.
[2]栗丹倪，丘隶.动画的分镜头设计[M].湖南：湖南师范大学出版社，2008.
[3]盘剑.影视艺术学[M].浙江：浙江大学出版社，2004.
动画镜头语言 篇3
按照位置分：平视、俯视、仰视、鸟瞰、斜视。
按照景别分：远景、全景、中景、近景、特写。
1 Flash动画镜头的七种基本走向
虽然flash是通过软件制作，没有真实的摄像机，依然有其镜头语言，通过不同的镜头走向、位置、景别将画面感和角色的性格诠释出来是动画者必备的基本素质，也是一部作品好坏的重要的因素。
推/拉镜头、摇镜头、移镜头、跟镜头、切镜头、甩镜头、晃动镜头。推镜头是用推摄方式拍摄的运动画面，在硬是作品和Flash动画作品中非常常用，而且效果很好，比较有冲击力。
拉镜头有利于表现主体和主体与所处环境的关系，增加画面的多变感，可以形成对比、反衬或比喻等效果，有利于调动观众对整体形象逐渐出现直至呈现完整形象的想象和猜测， 保持了画面表现空间的完整和连贯，有利于产生许多微妙的感情色彩。所以这种镜头常用来做作结束性和结论性的镜头或者作为转场镜头。
摇镜头可以迫使观众不断调整自己的视觉注意力，可以展示空间、扩大视野，有利于通过小景别画面包容更多的视觉信息，能够介绍、交待同一场景中两个主体的内在联系，可以用来表示某种暗喻、 对比、并列、因果关系，可以使画面的效果虚化。
移镜头画面产生流动感；能充分展示人、物、景之间的空间关系；改变被摄体与背景间的关系，擅于展示近距离的事物景象。一般可以用来表现比较大的Flash场景，例如风景照、集体照等。
跟镜头使被摄物的距离、视角都有变化，使画面显得丰富；改变被摄体与背景间的关系，改变画面之间的关系；突出表现运动的事物，保持动作的完整 性和连惯性。
甩镜头能迅速改变视点,产生回闪感和紧迫感.，用于一些比较惊心动魄的场面表现，比如决斗、逃难等。
晃镜头具有强烈的冲击力，可以用于表现外界剧烈的震荡，如地震；内心激烈的挣扎，同时也可以用来表现一些搞笑的画面，能丰富整个画面！
2 Flash动画镜头的五种位置
平视镜头比较客观，增强了视野中角色对象的力量感，处在和观众同等的心理位置上，是一种非常中性化的镜头，本身无法对视野中的角色对象加以评价。常常被用来表现平等谈判的双方、正在交谈的情侣、友好的朋友关系和团队合作者之间的讨论等。
俯视镜头是不太客观的充满了被扭曲、扩张的主观性，常用来表现站立的大人看着脚下正在玩耍的孩子或宠物、强大的战士看着弱小的对手，高阶级的上司看着下属等等。
仰视充满了紧张感、压迫感，增加了速度感，减弱了观众的安全感。常用来表现宗教建筑中的神像、人民领导者、拥有特殊能力的超人或者巨大的怪物。
鸟瞰具有壮观性，有统治感和主宰感，有高高在上的感觉。
倾斜镜头充满不稳定和不确定性，预示着更坏的局面、即将来到的危机等等，使观众感觉焦虑，激发起观众暂时的绝望感的同时拥有一种侥幸心理。
3 Flash动画的五种景别
近景表现人物胸部以上或者景物局部面貌的画面。用来细致地表现人物的面部神态和情绪。
中景摄取人物膝盖以上部分的电影画面。有利于交代人与人之间的关系影片中占较大比例，不但可以加深画面的纵深感，表现出一定的环境、气氛，而且通过镜头的组接，还能把某一冲突的经过叙述得有条不紊，因此常用以叙述剧情。
远景是一个词语，有多种意思。此外，远景还是摄像的专业术语，用来表现开阔的场景和远处的人物。
全景是被摄体占满整个银幕的镜头。若被摄体是一个人，则他或她的身体会全部容纳在镜头中。有时可与远景镜头互通。
画面的下边框在成人肩部以上的头像，或其它被摄对象的局部称为特写镜头。特写镜头被摄对象充满画面，更加接近观众。
4 Flash动画的镜头优势
Flash动画的镜头的组接符合生活的逻辑、思维的逻辑，让观众一看就明白作品要表达的主题和中心，并且根据观众的心里要求，把镜头组合在一起，使观众能轻易接受，并且融入其中。
Flash动画的场景变化一般比较温和，角度较小，采取前进式句型：这种叙述句型是指景物由远景、全景向近景、特写过渡，即由大到小，又粗略到细致，一般用来表现由低沉到高昂向上的情绪变化和剧情的发展；后退式句型：这种叙述句型是由近到远，表示有高昂到低沉、压抑的情绪，在Lash动画中表现由细节到扩展到全部，即由小大到大；环行句型：先由全景——中景——近景——特寫，再由特写——近景——中景——远景，当然也可以反过来运用，以表现情绪由低沉到高昂，再由高昂转向低沉的变化和起伏。
Flash软件可以外接手绘板，摆脱了工具的限制；允许失误并且可以轻松地将失误更改，在一定程度上减轻了动画师的工作压力，提高工作效率。这一优势也将Flash动画通过网络、手机传播，而且Flash动画和游戏文件小、传输率高、效果优秀，成为了许多年轻人网络消遣、娱乐的新的方式。《罪案现场》《假面骑士》等等flash游戏都以其精美的画面，方便简洁的操作赢得了许多人的喜欢。 制作效率提高到了适合行业大发展的境地。
总之，镜头对于Flash动画的重要性是不言而喻的，恰当的运用镜头，不但能一部作品清楚完整的表现出来，更能增加剧情的跌宕感、起伏感、紧张感、戏剧性，是判定一部Flash动画好与不好的重要的标准之一，也是许多优秀作品的重要因素之一。
参考文献：
[1]肖永亮，张凡. Flash动画设计[M]. 北京:机械工业出版社
[2]马骋，张静. Flash动画实训[M]. 北京:高等教育出版社
动画镜头语言 篇4
“分镜头脚本, 亦称分镜头画面 ; 它是将剧本文字转换成立体视听形象的中间媒介;是将文学内容转化分切成以镜头为单位的连续画面的剧本, 以供现场拍摄使用的工作剧本”1。分镜头设计是影视动画创作的必须环节, 其作用在于在电影开拍之前就把整部剧本进行镜头划分和画面设计, 通过“提前预览”拍摄效果保证影片的最终质量、核算拍摄成本以及实现后期剪辑校对。当前对于分镜头脚本的研究倾向于单个镜头的画面设计和分镜头脚本的叙事与情感表达 (镜头段落与镜头段落间的组合问题) 两个方面, 因此, 探讨镜头与镜头间的连接问题, 将更加有助于影视动画行业的科学发展。
二、分镜头脚本设计中的镜头选择原则
(一) 蒙太奇原则。“通过镜头的组合与连接, 构成的电影的一种独特的表现 / 语言形式, 这一形式可称之为蒙太奇”2。根据剧情和创作者的要求和目的, 对影视剧本元素中的画面、声音、时间进行有机组合和拼装, 使之组成完整的情节, 实现基本的叙事功能。作为电影的重要手段之一, 蒙太奇在动画叙事中起着重要的作用。动画是通过逐格画面拍摄完成, 若干单幅画面构成了镜头内容, 再把拍摄得到的镜头按照一定逻辑或要求组合起来, 这就是蒙太奇思维。
(二) 实用性原则。当在选择使用镜头时需要考虑镜头的实用性原则。实用性应从两个方面理解, 第一个就是对于单个镜头而言, 不同的构成元素组合会有不同的含义。镜头景别、镜头视角、摄影机的运动、光线、色彩是分镜头的构成元素, 景别又可以分为远景、全景、中景、近景、特写;视角分为主观视角和客观视角;摄影机的运动分为推、拉、跟、移、摇。导演在选择这些元素时就如同做数列组合, 虽然并非每种组合形式都有实际意义, 但选择合适的镜头构成元素就必须要有依据, 即选择简洁实用性强的组合形式。
第二, 若干镜头组合形成镜头句子时, 下一个镜头应和上一个镜头连接之后能够达到良好的效果。表现停车场里一个罪犯把炸弹放在汽车底下的场景段落, 导演可以有多种镜头选择, 但实用性的镜头一定优先选择 (见图表1) 。
(三) 个性化原则。个性化原则可以理解为影片的整体风格或者导演的整体风格。《甲方乙方》、《非诚勿扰》等影片使观众记住了冯小刚导演的“冯式幽默”;《疯狂的石头》、《心花怒放》等影片让观众知道了宁浩导演。仔细分析两位导演的作品, 可以清晰的发现他们各成特色。冯小刚的电影幽默来源于人物语言和行为动作的刻画;宁浩导演的电影幽默来源于蒙太奇叙事结构的魅力和人物语言的特色。在宫崎骏的动画电影中, 注重镜头叙事, 对于长镜头的运用比较多, 以及长短镜头的结合使用。在电影《千与千寻》中表现尤为突出, “叙事结构比较复杂, 却通过了强大的叙事方式、镜头转换、角色塑造、场景变化等来得以实现, 从而体现了极大的艺术魅力。”3反观日本著名动画电影导演今敏, 他的分镜头的风格在于“运用‘无技巧剪接’进行转场”。4
(四) 轴线原则。动作轴线原则, 它是最为重要的维持连贯性的工具之一。它能帮助导演在一场连续的银幕表演中, 成功地组织镜头的角度和运动。为了展现被拍摄主体, 导演会采用蒙太奇的影视思维, 把主体完整的动作, 采用不同角度、不同景别、不同视点等多个镜头画面分解拍摄, 之后进行剪辑和有序组接, 镜头变化丰富, 时空变化灵活。
(五) 成本原则。对于商业电影, 盈利是不可逃避的主题。分镜头创意阶段完成之后, 开始进行正式的制作分镜头时, 成本原则就是一个镜头画面筛选条件。日本的动画电影版采用24帧 / 秒, 而家庭电视版则控制在12帧 / 秒, 一些低廉的动画制作到了8帧 / 秒;每一秒钟帧数的减少, 就是每一秒钟单个画面数目的减少, 其目的在于控制人力压缩成本。
三、结束语
充分研究镜头与镜头间的连接原则, 能帮助导演更加准确的选用合适的镜头“词语”组成语义完整的镜头“语句”, 进而形成良好的镜头段落, 使镜头的选择工作更加便捷, 针对性更强。
摘要：本文从动画分镜头脚本的概念、作用入手, 通过图表等论证方法, 详细论证了在动画分镜头脚本设计中存在两个层次的选择原则, 并进一步探讨了蒙太奇原则、实用性原则、个性化原则和形式美感原则等六个原则。
关键词：分镜头脚本,蒙太奇,实用性,个性化,成本
注释
11 .刘明.分镜头台本创作研究[J].电影文学.2011.6:33.
22 .韩小磊.电影导演艺术教程[M].北京:中国电影出版社, 2003:393.
33 .乐琼玲.二维动画分镜头技术解析—以《千与千寻》为例[J].光影艺术.2013, 12:136.
动画分镜头脚本的设计 篇5
关键词：动画分镜；角色表演；镜头；景别
在整个动画的制作过程中，动画分镜脚本等同于总指挥，贯穿于动画制作流程的各个环节。分镜头脚本设计其实是从故事剧本到视觉化脚本的过程。无论是传统动画还是现在的3D动画，都离不开动画分镜头设计。分镜设计的优劣，将直接影响到动画的整体效果。一部成功的动画片，离不开优秀的动画分镜头脚本设计。
动画分镜头脚本又称动画分镜头台本或者故事板，是动画前期工作的重要环节。[1]动画分镜头脚本的设计是根据文字剧本的情节，按照表述内容进行段落分解，形成分镜文字，再按动画分镜脚本设计的规范化要求，绘制成一个个镜头画面；再按照镜头之间的逻辑顺序进行组接，并为镜头画面添加镜头号、景别、镜头运动方向、对话旁白、音效等标注，为动画片的中后期制作提供详实的参考。
镜头是动画片最基本的构成单位，一个镜头画面往往包含了人物角色的表演、景别、构图和镜头的运动方向等方面的信息，一部动画片就是由这样成千上万个镜头组接而来的。分镜头脚本设计就是对文字剧本的视觉化设计，罗列清楚动画制作中涉及的镜头数量，并按故事情节的发展将镜头画面有序的排列开来。所以镜头间的有效组接，能有条不紊地推进故事的情节，加深观众对影片的视觉体验，从而产生情感的共鸣。
动画分镜头脚本设计是动画前期制作的工作范畴，是动画前期制作的重要环节，更是动画片中后期制作的工作蓝图。由于动画片的每个制作环节都比较繁杂，所以一部动画片的制作成本往往会高于电视连续剧的制作成本，动畫片的后期剪辑合成也有长达1年多的，这是动画艺术的独特性决定的。
1 动画分镜头制作的形式
动画分镜设计又称故事板，是动画前期制作的重要环节。传统的动画分镜形式是由镜头画面和文字说明组成的，具体来讲，就是在规范化的分镜纸上用画笔绘制镜头画面的草图，并配合相应的文字解说等信息内容来体现动画分镜脚本的设计。电影版的动画分镜会做得更直观和精细，在制作完成镜头草图后，通常会进行彩色版分镜的制作，包括强化光影和色彩的应用，更好的体现影片风格和烘托画面气氛。
近年来，随着计算机软硬件的升级换代和图形图像技术的发展，借助数位板（又称手写板）在电脑绘图软件Photoshop、Painter等直接绘制分镜画面已成为新的发展趋势。与传统的纸质动画分镜相比，电脑绘图软件绘制的动画分镜，可以分层绘制和重复叠加，并将分镜草图和上色效果分层管理，通过自由调整画笔的笔触大小，来强调画面光影与色彩效果。更具体的讲，数位板绘制的动画分镜绘制和修改起来会更加便利。
当然，动画分镜的制作形式是多样化的，没有一成不变的规律。有些动画的分镜设计会使用真人摆拍的方式进行，又或者用Frame Forge 3D、Poser等软件中自带的虚拟摄像机和三维人物、场景、道具等模型来制作分镜。但由于缺乏手绘效果的美感，软件自带模型制作产生的动画分镜画面比较呆板，所以到目前为止仍不是动画分镜设计的主流趋势。
2 绘制动画分镜的必备素材
2.1 导演阐述
导演阐述导演对影片整体创作构思的文字说明。导演阐述包括动画片的风格定位，思想主题的确定，人物角色的性格说明，动画场景的光影和色彩特点，以及导演对动画分镜的基本要求。
2.2 熟悉剧本
通读动画文字剧本，在理解剧本的基础上，尽可能深入剧本内容，将剧本里提到的画面在脑海中构思，打好腹稿，这样绘制动画分镜时才能做到胸有成竹。
2.3 人物、场景和道具设定
人物、场景和道具等设定图都是动画分镜绘制的必备素材。
人物设定通常还包括人物标准动作图和转面图。标准动作图中会注明人物的性格，这对人物的表情动作的设计提供了参考的依据。人物的设定图具体还包括人物表情和肢体动作设计图。
场景设定通常指故事发生的历史背景和生存环境，具体包括室内场景和室外场景。动画分镜绘制时大多只需场景设定的线稿，有时也会需要色彩稿来烘托画面气氛。
道具是动画中除人物和场景设定外，辅助表现角色人物特征的非生命形象设定。道具的设定同样需要注明与人物角色的比例关系，简单的道具我们只要体现立体透视图即可，复杂的道具还需增加多个角度画面，体现道具设定的具体结构。
2.4 配音、配乐与音响素材
动画片在制作过程中，一般会采取前期录音，即在全面创作前，录制相关的声音，这样做的好处是能将影片的时间精确到分或秒，方便创作人员在绘制动画分镜时以这个时间长度作为参考。
3 动画分镜头脚本的设计
动画分镜是一种特殊的绘画表现形式。主要以镜头为基础单位，将剧本文字内容以视觉画面表达，为动画中后期的具体制作提供画面参考和整体指导。
动画分镜头脚本是导演或创作人员根据已经完成的分镜文字剧本进行画面构思，以美术画面的表现手法，绘制动画各个镜头的分镜草图，进而转变成可视化的镜头画面。动画分镜脚本是整个动画制作的工作蓝图，它能直观的体现导演的设计风格和构思，统一动画的整体效果。简而言之，动画分镜头设计就是将文字剧本画面化，用镜头画面来讲故事。
3.1 动画分镜设计中的角色表演
动画分镜设计中的角色表演通常包含了表演风格的确定、关键动作设计和人物表情设计等内容。
从影片的整体效果来看，动画分镜中角色表演的风格可以分为写实风格、夸张风格和美术风格等三种。其中写实风格的人物表演比较接近于现实的人物，给观众一种真实感，当然，写实风格的表演不仅用于写实风格的人物，同样适用于夸张造型的人物；而夸张风格的人物表演也是在现实动作基础上的夸张和强调，适当的夸张表演往往会起到一定的喜剧效果。第三种美术风格则主要是针对皮影、剪纸等实验类型的动画而定义的，此类动画的人物没有明显的透视变化，人物转面也较少。
动画分镜中角色表演的关键动作设计就是将分镜剧本中出现的动作词语，以关键的动作直观的表现人物角色的运动状态；并根据动作运动的方向，加入相应的箭头符号确定动作方向。
动画分镜中角色表演的表情设计通常包括喜、怒、哀、乐等人类最基本的表情，是在理解真人表情的基础上，根据动画片的风格定位进行相应的夸大设计。同时，人物角色的表情设计还要考虑不同性格角色的表情差异。在动画分镜绘制时，不能简单地套用以往的人物表情，而应该结合具体的情境和人物性格，结合人物的肢体语言，设计出与当前角色相符的表情特征。
动画分镜中的角色表演在动画片的制作中起着至关重要的作用，人物角色的表演也不是单一的，有时可能是一个人的表演，更多时候会是两个人或者一群人一起来演绎一个镜头画面，这个时候就要抓住镜头中人物表演的主次，这往往是根据故事情节进行的，角色表演为原画设计的具体动作提供细节参考。
3.2 动画分镜设计中的透视应用
动画分镜的绘制是在虚拟空间中设定一个虚拟的摄像机角度，如果分镜人员对相关的透视原理理解不深，绘制分镜时则会出现空间关系交代不清晰、无从下笔等情况。所以透视原理知识是动画分镜设计的重要内容。
分镜绘制中可能涉及一点透视、两点透视、三点透视等，还可能出现特殊需求的透视类型，所以分镜绘制人员还需在理解基本透视的基础上，学会斜面透视、散点透视等的绘制方法。分镜中的透视空间是在动画分镜设计实践中必须解决的技术问题，通过对相关透视应用的掌握，可以为动画分镜的绘制清除技术障碍。
3.3 动画分镜设计中的镜头原理
镜头作为动画分镜设计的基础单位，具体包含了景别、镜头运动、光线、角度、焦点、景深和声音等诸多内容。
动画分镜中的景别设计是根据故事发展的需求而设定的。按照虚拟摄像机与景物的远近，景别可以分为远景、全景、中景、近景和特写等。根据剧情的需要，对于角色或场景使用不同的景别来表现，目的是进行视觉上的强调。动画片在开场时，一般会选用大远景来交代故事情节发生的环境，再借助不同景别的交替和镜头运动，慢慢过渡到近景或特写，必要时通过特写镜头来进入人物的内心世界，将故事推向高潮。[2]
动画分镜的镜头运动不是孤立存在的，它需要结合画面的光线、角度、焦点和景深等元素，将一个完整的动画世界呈现在观众眼前。因此，在进行分镜设计时要注意镜头之间的连贯性，特别是在对手戏中涉及人物的打斗、追踪、对话等场面，观众会很快进入角色，如果这时因为镜头的逻辑顺序没有交代清楚，就很难达到影片预期的效果，观众对故事情节很难产生共鸣。优秀的动画导演，能有效借助镜头运动的连贯性，直观引导观者的视线注意，突出动画故事情节中的人或物，促使观众进入影片角色，达到影片要传达的剧情效果。
动画分镜中的镜头运动可以分为推拉镜头、摇镜头、移镜头、跟镜头和升降镜头等，运动镜头的使用主要是对观者的心理暗示，更清楚的交代人物动作、肢体语言和画面细节，以及故事情节的逻辑顺序等。动画分镜除了景别和镜头运动外，还有光线、角度、景深和声音等元素，它们的存在，都是为了更好的辅助镜头画面的表述。
4 动画分镜设计的重要性
动画分镜头脚本要求根据文字剧本中故事情节的前因后果，有序的以镜头画面形式表达文字内容，这就是我们讲的分镜头脚本设计。完整的动画分镜看起来像是一部连环画，每一个分镜画面代表一个镜头（或者镜头中一部分内容），分镜头脚本设計应该配有相应的文字说明，为动画的中后期制作提供参考和具体的要求。成功的动画导演能将自己的构思直观的用分镜头画面来传达给整个动画制作团队，这样导演的想法就能得到最大的还原。动画制作团队会以动画分镜为基础，执行导演的创作意图。
分镜头脚本的画面设计是以画面的形式诠释创作的内容，透过分镜头脚本画面，解释镜头的运动方向、构图、景别、时长和对白等，为动画片的中后期制作提供详实的依据。[3]
动画分镜脚本是动画制作过程的工作蓝图，在动画制作各环节中都起着决定性作用。动画分镜如果在前期设计中出现失误。例如，镜头之间衔接的连贯性、角色动作表演交代不清晰、镜头运动出现越轴、整体时间把握不精准等情况，随时都可能给后期制作人员带来巨大的压力和困扰，造成不必要的重复返工，影响动画的制作周期，更糟糕的是浪费了人力、物力和财力资源。
动画分镜在整个动画制作中，等同于一个总指挥，贯穿于动画制作的各个流程环节。它体现了导演的创作意图，会直观地告诉大家应该如何去体现镜头画面的内容。动画分镜设计是导演和创作团队的整体构思，体现了动画片的风格、光影、色彩和画面气氛等定位。
参考文献：
[1] 谭东芳.动画分镜头技法[M].京华出版社，2010.
[2] 罗婷.动画设计的分镜头脚本研究[J].艺术百家，2013（11）.
浅析动画艺术中镜头的象征性表现 篇6
“一切最上乘的文艺作品, 无论是一首小诗或是一座高耸入云的殿宇, 都是象征到一个极高的程度的。”[1]故一部优秀的动画作品必然会用到象征, 以使作品产生一种符咒似的暗示力, 唤起观众感官与想象的感应, 甚至期望能超度观众的灵魂到一种“神游物外”的光明极乐境域。动画作品是通过一系列连续的镜头来表达含义和讲故事的, 因此在动画创造中运用象征性表现, 应从研究动画镜头的象征性开始。镜头是由画面和音响组成的一个信息单位, 动画电影中“镜头画面的构成是由分镜表、场景设定、人物设定、设计稿、原画、动画、色彩设定、色指定、上色、上色检查、摄影、音乐、录用合成、后期特效编辑等组成”[2], 其中人物设定、场景设定、色彩设定、声音相对是更重要的构成元素。
一、动画人物设定中的象征性表现
角色永远是动画艺术的核心, 是决定一部影视作品成败的关键。人物设定是动画创造中一个重要的环节, 它包括登场角色的造型、身材比例、服装样式, 甚至不同的眼神及表情。要充分展示角色的外貌特征, 在此则可以借用象征性来加强角色个性特点和情感特征的塑造。2009年动画短片《暴力云与送子鹤》入围奥斯卡十部最佳动画短片奖初选名单, 故事用诙谐的易被观众接受的手法讲述了暴力云Gus与他的搭档送子鹤Peck之间的故事。故事安排天上的云朵们创造出新生命, 再由他们各自的搭档鹤运送到人间。在西方传说中“鹤”是运输新生孩子的神鸟, 故事选用“鹤”作为原型就让这个传说赋予了这些角色深刻的象征意味。故事中Gus的角色也设计得很生动, 个性鲜明。与其他只创造欢乐生命的白云不同, Gus是一朵忧郁的乌云, 它只能创造出那些攻击性很强的生命, 如凶猛的小鳄鱼、小豪猪, 小鲨鱼, 于是这个角色被设计成独有的深灰色, 与其他白云相比, 它的鼻子更大, 眼睛和嘴更小, 阴郁的表情和缩着脖子的姿态中充满了对无法控制自我暴力的无奈, 暴力云的象征意味就充分体现出来。
在中国传统题材动画片中类似的象征性也有体现, 中国民间艺术中, 莲花里生子是对生命的赞美, 有着美好吉祥的寓意。动画片《渔童》中的“渔童”和《哪吒闹海》的“哪吒”都是在莲花中诞生的, 这样影片中的两个角色无疑成为了圣洁、善良、智慧和勇敢的象征。就具体的角色设定来看, 《哪吒闹海》中“哪吒”的衣饰装扮和五官的设计无一不显示出一副不平凡的、智慧的、威武的儿童英雄形象;李靖的大红袍是他为官身份的象征;东海龙王的瘦骨嶙峋则是他残暴冷酷的人物性格的象征。
二、动画场景设定中的象征性表现
“凡艺术, 都既是一种表象也是一种象征。”[3]动画场景设计首先是作为一种造型艺术而存在的, 它符合造型艺术和平面及立体构成的基本原理和规律, 同样可以解构为基本的点、线、面、体4种基本的造型要素来进行分析。场景设计中要求场景的轮廓线、结构线要“明确肯定”, 场景造型要有“线条感”, 而线条本身就具有很强的象征意义, 可以用来为加深动画场景的象征意味服务。享誉国际的法国动画片《国王和小鸟》的场景设计寓意深刻:片中的城市构造复杂, 笔直的轮廓线条相互交错, 是国家结构的象征。建筑的下层住着贫困的人们, 他们头顶被巨大的王宫覆盖, 人们甚至不知道太阳、天空和小鸟的存在, 整体被警察和间谍包围着。通向王宫的楼梯非常高, 楼梯的线条一直盘旋着向上下延伸, 看不见尽头, 象征着当时国家政权对人民的统治和压迫, 以及人民对自由生活的渴望。
动画场景有其他造型艺术所不具有的独特的时间性和运动性特征, 在影片完成后, 观众理解一个场景造型往往要和影片的其他元素如镜头转换、光影氛围、叙事情节、色彩配置、色调关系等等结合起来, 所以在设计过程中就要综合考虑各方面的因素对于场景的影响, 使动画场景造型既符合影片剧情、风格的需要又富有深刻的意蕴。
三、动画色彩设定和光影效果中的象征性表现
“色彩是镜头中一个重要的表意元素”[4], 色彩的表达有多种不同形式, 灯光、布景、道具与服装的色彩都可以影响镜头画面的色彩谱系, 从而构成不同的叙事内涵, 折射出不同的象征意义。法国叫好又叫座的经典动画电影《一千零二夜》讲述一位法国青年与一位阿拉伯青年寻找公主的冒险故事。这两位青年分别是代表白色人种的金发、蓝眼、白皮肤的阿苏及黑发、黑眼、黑皮肤的具有中东色彩的阿斯玛, 通过这种对比鲜明的色彩象征着东西文化差异与冲突。此外, 整个影片运用绚丽鲜艳、五彩缤纷的色彩去营造了一个灿烂、美好的童话世界, 让观众从电影中获得满足, 由此故事以“文化包容、爱与和平”为主题的浪漫而美好的象征内蕴被观众所认识并接受。
在提及色彩时不得不提到影片的光影, 它们是影视画面构成的重要条件, 没有光线就谈不上成像, 也就无所谓形状的发现和色彩的感知。光在影视中的地位是不可忽视的, 以至于世界著名的动画作品摄影师斯特拉罗会认为动画作品摄影是“用光写作”。在动画视听语言理论中, 光影有很多种类和作用, 对光在动画影视中表现的研究是一个集技术与艺术一体的复杂过程。在其艺术表现作用方面, 光影可以像写作中的文字一样刻画人物形象, 表现人物情绪, 渲染环境气氛, 有时还可以作为一个重要的情节因素, 光影的象征性往往也体现在它的这些艺术表现之中。如宫崎峻的《梦幻街少女》、李成江的《美丽密语》中渲染镜头的运用, 在这些渲染镜头中光影和色彩的运用更具有某种象征性, 使影片具有更强的情感效果, 意念更加深刻。
四、动画声音中的象征性表现
动画作品中的声音, 在理论上一般包括语言、音乐、音响等元素, 随着动画创作实践的不断深化, 声音为电影艺术拓展了更广阔的表现空间, 具有不可替代的地位。动画是综合性艺术, 只有将自身融化到其他艺术门类之中才能挖掘出自身的巨大潜力, 其象征性的运用也结合得更紧密。“心理学家经研究表明, 人的听觉具有‘联觉效应’, 即在声音刺激物的作用下, 主体产生视觉形象, 并且具有还原真实感, 增强银幕空间的造型力量。”[5]在语言方面, 人物台词所体现出的象征性并不少见, 运用编剧文学的手段也不难理解。在音乐方面, 迪斯尼经典动画电影《幻想曲1940》是不得不提的例子。该片是由古典音乐与动画搭配而成的作品, 音乐推动故事情节, 纯粹表现音乐与影像的巧妙配合, 片中的一个音符或一团色彩都共同传达着某些象征意味。音响, 是除了语言、音乐外, 在电影时空关系中所出现的自然界和人造环境中所有声音的统称, 也是声音这个元素中最常帮助影片实现象征性表达的一个组成部分。奥斯卡获奖短片《老鼠的烦恼》是经典动画《猫和老鼠》中的一集, 该系列动画片都少有人声, 更多的是一些音响配音。《老鼠的烦恼》同其他小集一样讲的是汤姆和杰瑞之间的争斗, 汤姆邮订了一本关于如何抓老鼠的书, 一切抓鼠行动都依照书上的指示来进行, 但结果总是惨败。动画中丰富生动的音响配合画面, 在轻松的观看过程中向观众暗示出了“尽信书不如无书”的含义。上海联合书店1929年11月1日刊行的, 由张资平编著的《欧洲文艺史纲》第四章中指出, “暗示是象征艺术的根本生命”。由此可以说, 动画影片中的音响有助于实现动画影片中的象征性运用, 从而增强了动画艺术的生命力。
五、镜头中的象征性表现
一个完整的影片是由连续的多个镜头组成的, 镜头是运动的, 在解构地理解镜头的象征性之后, 可更深入地对“运动的”镜头中的象征性进行思考。这不再是单纯地对一个镜头的组成元素的理解, 而是对影片中的一个或是几个镜头段落的理解, 包含了一个时间延续性概念。宫崎峻的动画《幽灵公主》影片中的空气会随着人物的心情而流转:面对女当家的阿西达卡因为愤怒头发迎风招展;当面对村民对幽灵公主的伤害时, 平静的场景出现了更为剧烈的风, 他的愤怒和悲伤化成了风迸发出来, 用这种假定出来的“风”表现了超越自然法则的心灵之风, 观众结合对该镜头所在那一段落的了解就很能理解这两个表现“风”的镜头所传达的象征意义。动画奇才蒂姆·波顿的经典逐格动画《僵尸新娘》讲述的是一个美好温馨的爱情故事, 影片在其凌厉和怪异的氛围中透露着温情, 冷峻的幽默中夹带着一股可爱劲, 画面阴沉、黑暗的现实世界与那色彩丰富的阴间形成强烈的对比。故事最后一组镜头, 一束圣洁的月光从人间一直穿透到阴间, 心地善良的僵尸新娘艾米丽化成千万只蝴蝶飞向月亮, 此时的光影营造了一个美好神圣的氛围。这是导演对艾米丽不幸遭遇的同情之感的释放, 对艾米丽为爱付出、为爱羽化, 牺牲自己来成全他人所体现出的善良乐观、活泼可爱的气质的极度赞美。整个影片的主题就在这个镜头所营造出的光影色彩氛围中达到高潮。
结语
在成功的动画作品中, 一方面, 镜头的象征性不追求单纯的明朗, 镜头不是直白地描绘故事的前因后果或炫耀自己的技术;另一方面, 镜头的象征性运用也不故意追求晦涩, 仅表示抽象的原理、法则、思想及感情等, 它所追求的应该是普通事物背后的“唯一的真理”, “把情调或感性表示出来的”[6]展现作品深层次的艺术效果和更深层次的内涵。
参考文献
[1]梁宗岱.象征主义.文学季刊, 1934 (1:2)
[2]孙立.影视动画视听语言.北京:海军出版社, 2009.21页
[3]刘玉山、陈允鹤、王靖宪.象征主义艺术.北京:人民美术出版社, 1988.2页
[4]杨猛、朱月.视听语言.北京:印刷工业出版社, 2008.67页
[5]郝巍东.动画视听语言.长沙:湖南师范大学出版社, 2009.51页
动画镜头语言 篇7
一、分镜头景别含义及原则
(一)含义
首先,远景。风景是远景的主体,画面中拥有较小的人物,无法对人物表情进行有效辨别;其次,全景。1比1的比例是画面高度和人物高度在画面中的比例,在对人物进行拍摄的过程中,必须保证画面中包含人物的全身,同时还应当存在一定富余空间,减少画面的压抑感;再次,中景。要想在画面中,对人物的手部动作进行充分的体现,就需要应用中景,它能够在画面中间将人物头部至膝盖位置细节进行充分的体现;第四,近景。在表达人物情感过程中,可以利用近景,在画面中展现人物腰部以上细节,值得注意的是,这一过程中,不需要包含顶点;最后,特写。特写过程中,镜头内部只有人物的头部,部分时候只包含鼻子和眼睛。从而促使观众对细节进行更加清晰的掌握,给予观众一定惊讶之感。
(二)分镜头景别原则
首先,空间连贯性。多数动画都能够给予观众极大的迷惑感,例如追逐场面等,观众不清楚主角奔跑的方向,产生这种现象的原因是,场面环境的不合理交代产生于分镜头的设计中。例如,主人公在奔跑中始终向着右方前进,追逐者也是始终向着右侧方向奔跑的。如果时而向左时而向右,将导致观众观看中产生迷惑;其次,开放式构图。在对物种景别进行应用的过程中,能够构建出具有差别的印象,对多画面元素进行忽视是特写镜头最主要的特点,也正因为如此,会在画面中仅包含具备物体。然而,景别同这一省略方式存在差异。摄影师在拍摄过程中,一个重要的规律就是对照相做减法,对绘画做加法。由此可以看出摄影师观察画面的方式。画框是摄影以及动画当中最主要的特点,能够对画面内容起到限定作用。
二、分镜头景别组合类型
首先,综合应用远景、全景、中景、近景、特写和远景。例如,存妮和小豹子在《被爱情遗忘的角落》中,这一画面的设计只需要对一个远景镜头进行应用即可,这一镜头的应用,促使观众从故事高潮的情感中冷静下来,一旦没有对远景进行有效应用,将严重影响接下来的故事情节。
其次,综合应用特写、近景、中景、全景和远景。要想在开场的过程中,给予观众一种神秘之感,吸引其逐渐深入到故事当中,就可以应用特写,此时观众只能够对事物的局部进行清晰的观察,在慢慢移动镜头的过程中,观众才可以对事物进行有效辨别,该方式能够提升作品的吸引力。典型的作品包括《中国先生》等,在对该镜头设计方式进行应用的基础上,能够对主人公内心情感进行充分的表达,促使观众体会到从压抑到舒畅的感觉。
再次,前进式语式。即由小到大、由远及近的镜头景别叙事方式。该方法应用中,能够从观众的视觉重点和心理重点入手,在吸引观众注意力的基础上,将故事的重点展现出来,依照一定顺序来描述一系列动作和事件过程。这一分镜头景别形式最大的特点就是平铺直叙,同人们对事物感知的习惯相符,这是因为由表及里、由外到内等是人们感知事物的基本规律。在连续的动作中,前进式语式的应用必须首先对总体形态进行表达,此时需要对全景进行应用,接下来在对动作细节和实际作用进行表达的过程中,结合近景和中景的应用;在对事件进行描述中,环境概括应用全景进行介绍,接下来在对具体实物细节进行突出的过程中,对中景和近景进行应用。
最后,后退式语式。由小到大、由近到远的事物描述方式,能够给予观众较强的悬念感和刺激性。在剪辑中,动画的精彩环节和兴趣点都需要应用小景别,从而构建一个先声夺人的气势。在将观众引入故事情节当中的时候,应提升开始镜头的影响力,更能够有效的制造悬念。
三、分镜头景别设计的重要意义
一系列场景共同构成了一个故事片段,通常情况下,统一的人物组和时空存在于相同的场景当中,在对分镜头景别进行有效设计的过程中,具有以下意义:
首先,能够对不同镜头时间起到决定作用。剧本可以规定一场戏当中的人物和背景,对镜头的时间却没有明确的规定,科学的控制镜头时间才能够提升动画的吸引力,这就是分镜头景别设计的重要性所在,分镜头换面本当中,包含“时间”选项,制作人可以通过这一栏来设置时间,提升动画吸引力;其次,能够对人物关键动作进行设定。分镜头景别设计过程中,最主要的目标就是将人物的特点进行充分的体现,而人物的特点是通过动作进行展现的,因此分镜头景别设计中,是否能够保证人物拥有流畅的动作,直接影响动画的质量,因此设计中,应将不同人物的动作方式以及运动方向进行充分的体现。
结论
动画具有较强的趣味性、创造性和故事内涵,越来越受到人们的广泛关注。在进行动画分镜头设计的过程中,科学的组合景别至关重要,五个景别在动画中的应用,能够从不同角度提升动画的画面感和情感因素,然而,要想科学的应用景别,提升动画质量,必须对分镜头景别原则和组合类型进行充分的掌握,本文在积极展开动画分镜头设计景别组合方式研究的过程中,希望为我国动画产业的发展起到促进作用。
参考文献
[1]罗天乐.Flash动画的分镜头设计与实现——以《三个旅行者》为例[J].南通纺织职业技术学院学报,2014,04:27-30.
[2]刘婧婧.关于动画分镜头设计的Flash技术实施要点解析[J].电子技术与软件工程,2015,07:100.
[3]陆鹰豪.分镜头脚本对动漫手绘作品的创作有着重要的指导意义[J].大众文艺,2015,21:193.
[4]何澄.实例练习教学在《动画镜头画面设计》课程中的运用[J].北京电影学院学报,2015,04:74-79.
浅谈动画分镜头课程的有效教学 篇8
关键词：动画分镜头课程,有效教学,重要意义,有效手段
受动漫热潮的影响而迅速膨胀发展起来的中国高等动画教育, 起步较晚, 师资严重不足, 造成动画分镜头课程出现低效教学和无效教学。针对教育现状, 我结合课堂教学, 就动画分镜头课程的有效教学进行了思考和实践, 希望对动画教育尽一些微薄之力。
一、动画分镜头课程有效教学的重要意义
动画分镜头脚本是一种让人明晰过程, 促进交流, 提高工作效率的工具手段。不仅是快速展示构想的过程, 而且是协调制作队伍的有力工具, 是一个将文字转化为画面, 通过连续的图解描述或计划动画场景或一连串镜头, 用画面讲述故事的过程。
动画专业主要培养动画创作人才, 动画分镜头课程在整个动画创作和整个动画人才的培养上起着举足轻重的作用, 是创意能力培养的有效措施。
二、动画分镜头课程有效教学的涵义
动画分镜头课程的有效教学是指在该课程的教学中, 教师利用有限的教学时间, 通过运用各种有效的教学手段, 激发学生的学习兴趣, 在师生的密切配合下, 最大限度地挖掘出学生的创意潜能, 使学生的创造性思维得到最大限度的发挥, 从而使动画分镜头课程的效率得到提高。
三、学生学好动画分镜头课程的有效手段
1. 有效运用各种教学手段。
(1) 从前人的作品中吸取营养
集群研究, 创建作品档案库:将动画师们的个别经验、独特经验进行集群、整合、系统研究, 建立自己的动画分镜头资源库, 并针对经典镜头进行分析、临摹、总结, 将感性认识转换成理性思考, 再将其上升至较高的理论水平, 运用理论指导实践。通过建立他人作品档案库, 有利于自己的有效学习, 不至于手忙脚乱, 在需要资料的时候能够快速找到。建立个人作品档案库, 还有利于自我分析总结与评价。
(2) 从与别人的交流中总结经验
与别人进行经验交流, 取长补短, 得到资源的有效利用。同学之间可以建立讨论小组, 针对一些老师推荐的或自己感兴趣的有参考价值的动画作品进行讨论, 在研究分镜头剧本、分镜头画面的同时, 可以根据动画分镜头设计的类型:动画广告、动画片头、动画短片、影视动画片, 对作品进行定位研究, 并对动画分镜头画面的基本造型元素:角色、场景、光影、色彩等进行逐一研究, 对动画分镜头脚本的语言:运动线、摄像角度、景别、摄像机运动和注释连续性和叙事性、构图等进行交流讨论与研究。理解并掌握动画分镜头画面设计的整个过程和创意思路, 进行临摹与创作。
(3) 进行正确的自我评价
善于理性地分析自己及自己的作品, 选择适合自己的工具, 发挥自己的优势。可以根据自己的优势进行手绘动画分镜头创作、电脑绘制动画分镜头创作、将手绘与电脑结合进行纸质或电子动画分镜头创作。
要善于对自己正在进行的动画分镜头作品、创意进行反思、评价、总结和表述, 培养思维技能。
2. 有效地启发和引导学生进行创造性思维。
在大量的创意信息中寻找创意资源, 对“灵感资源”[1]进行充分的开发利用。引导学生进行自主学习、自我创造, 充分激发学生的主体创造意识。开发学生的创造性思维, 抓住自己的感觉, 融入自己的理解, 表现自己的创意和想法, 使学生在学习过程中进行创作, 形成自己的设计风格。教师应在教学中加强对学生的启发和引导, 有目的地开拓学生的创意思维和个性思维, 从而有效地提高学生的创意思维能力。教师还可以开展各种有创造性的课堂教学实践。
3. 加强作品教学, 对学生进行综合能力的培养。
针对动画分镜头课程实践性强这一特点, 教师在教学中应重视培养学生运用知识解决问题的能力。教师在动画分镜头课程的教学中应进行教学方法的改革, 改变过去以教师为中心, 以课堂讲授为主, 以传授知识为基本目的的传统教学模式, 采用将教师讲授与学生实践相结合, 理论与实践相结合的灵活教学方式, 留给学生充分的思考和实践时间, 鼓励学生进行独立思考, 增强学生解决问题的能力, 并在教学过程中, 强化学生作品意识, 通过以作品为导向, 根据不同的学习任务的需要, 配合交互讨论式教学法、项目驱动教学法、角色扮演法、任务驱动法、启发引导法、分组教学法等多元化的综合教学方法, 使学生乐于学、善于学、勤于学。
针对动画分镜头脚本设计师的素质要求, 可以开展动画分镜头临摹比赛、动画分镜头小组创意比赛等多样性的课堂教学实践, 对学生的绘画才能、速度、技术、组织、团队协作等综合能力进行培养。在让学生知道如何成为优秀的动画分镜头设计师的同时, 尽可能地在学生心中播下理想的种子, 让其有当一名优秀动画分镜头设计师的信念和决心, 以此调动学习动力, 促进综合能力的培养, 加强动画分镜头课程的有效教学。
4. 教师教学能力的有效增强。
针对动画分镜头课程的特点对教师进行培养, 促进教师的教育观念、教育手段、教育模式、教育结构的改革, 优化教学方式, 扩大教学空间, 运用多种教学手段, 激发学生学习兴趣, 恰当地运用参考资料, 传授正确的学习方法, 使其具备全面的文化艺术修养和相关的科学知识。
在加强教师教学能力培养的同时, 应该重视教师人格的培养。德国学者林德说:“真正能教导学生的就是教师的人格, 而不是所谓的教学方法。”[2]这就说明, 我们在重视教学方法、教育改革的同时不容忽视对教师人格的关注, 一个学生对本门课程的学习兴趣和学习热情, 有时就在于教师的一句关心的话, 一个热情的微笑, 相反, 也会因为教师的一句话、一个轻视的表情, 学生不愿意再学习这门课, 所以说, 有时教师的人格甚至比教学方法还重要。
总之, 动画分镜头课程的有效教学对动画创作人才的培养发挥着重要的作用, 这不仅需要教师积累教学经验, 更需要对动画分镜头教学的本质进行不断创新和探索。只要我们进行充分的积极研究, 依靠集体的智慧和力量, 完全可以实现动画分镜头课程教学的科学化。随着动画教育科学化理论的延伸和不断完善, 动画教学的质量一定会上到一个新台阶。
参考文献
[1]杨岗, 罗维亮.技术艺术思维[M].西北大学出版社, 2010.
动画镜头语言 篇9
在短片的模型、动画等制作完成之后, 进入分镜的制作阶段, 在此阶段剪辑者对镜头的处理通常要经过两个阶段:剪接和剪辑。剪接是使各个镜头的排列产生电影感, 其主要目的是使观众能理解镜头的内容, 同时又达到比较流畅的叙事效果。剪辑是对剪接好的分镜头初稿继续进行艺术化的加工, 是在剪接基础上的再创作。
在这里我们讨论的是剪接的问题。即如何使分镜头进行流畅的剪接。而流畅的剪接必须服从某些原则, 但这些原则也不能被看成是一成不变的或是必须的, 也有特殊情况下的处理。
一、连贯动作的衔接
在一个场景中, 两个连续的镜头中动作必须相衔接。例如全景镜头中一个人被另外一个人打, 手已经抬起来了, 那么在下一个近景镜头中, 动作应该是接一巴掌打在那个人的脸上, 这样两个镜头的动作就衔接起来了。如果第二个近景中还包含抬手的动作, 变会显得有些拖沓, 镜头衔接就不自然。当然如果你想要一些特殊效果就另当别论了。
那么在讲述这一打人的情节中, 同学们在写分镜头脚本的时候往往就用这两个镜头来进行这一环节的叙事, 这就是问题所在, 在具体的叙事情节中, 作者在表现和处理情节上一般都带有自己的观点, 如果某一场景在短片中是无关紧要的, 那就不必费事将它表现出来。在短片中凡是出现的场景都是有其作用的, 都是叙事环节中的重要一环。学生短片的镜头语言中往往会出现这样的问题, 即镜头的数量和剪接不足以支撑叙事内容, 或不能很好的表现出作者的意图及感情倾向。例如我们上面列举的打耳光的那一场戏, 学生们可能就是两个景别就交代了。但他们没有考虑到这场戏的目的和所要表现的意图, 例如这场戏是想表现打人的人很生气, 而被打的人还不知道什么原因, 这就需要两人的景别不断切换, 镜头运动加上背景音效等来渲染此时的氛围。总结以上在表现某一情节时, 最少要用一组镜头来表现叙事内容, 才容易让观众明白。
在动画电影《龙猫》的开篇姐姐在卡车内把牛奶糖给妹妹后, 又将手伸出车外将牛奶糖递给爸爸的段落中, 分切的剪接点是在卡车内景中姐姐伸手向车外。在此时有一个短暂的停顿, 这可能是最合适的剪接点。当姐姐探身向外时, 观众会预料到即将发生的事情, 并对另一个镜头中爸爸的决定所产生的效果在思想上有所准备。当姐姐探身向车外时, 观众会盼望见到这个动作的结果, 因此就会欢迎从车内的镜头切换到车外。此时的剪接使用的是动作的分解法, 即用不同景别或角度的镜头表现同一个完整的动作过程。基本上可以概括为对半式的剪辑, 也就是上一镜头是动作的上半部分, 下一镜头是动作的下一部分。
在《龙猫》的开场, 全家在去新家的路上的镜头共有25个, 在路上的这些镜头不仅仅是表现去新家的过程, 它们还承载着重要的叙事功能, 如在路上碰到了邮递员, 公交车, 碰到了小男孩, 这些人物和道具在后面都会出现而且会承载内容, 在此时将他们交代出来, 在影片后面他们再次出现时观众就不会感觉突兀, 是为后面的叙事埋下伏笔。而大量的乡村环境的镜头同时也交代了故事发生的背景环境, 还有那个即将出现龙猫的大树等。所以说这些镜头都不是无故出现, 镜头里的人物都是导演精心设计的。
以上所说的这些如果让学生来写分镜头, 可能就简单的三四个镜头就结束了, 这就是差别, 而这些差别我认为就是对剧本的理解和把握不透彻所造成的, 缺乏总体的把握。就是简单的头痛治头, 脚痛治脚, 没有理解其中的联系。从而在镜头剪接时其叙事的连贯性就会差一些。
二、遵循景别组接的原则
蒙太奇分镜头的切换要遵循景别的规律。相同或相似的景别不要接在一起。再者就是遵循静接静、动接动。
三、镜头中利用动作、形状、线条、色彩的匹配, 使镜头相连接时, 镜头会比较顺畅, 过渡自然
例如:前一个镜头是将书包往天上扔, 后面接一个小孩从高处跳下。上一个镜头是一个圆形的鼓, 下一个镜头是圆形的城门。等等利用这些镜头内部的匹配可以使镜头剪接更加流畅。
四、明确的方向感
在两人进行对话时, 其方向感要一致。演员甲面向画面右侧, 则演员乙就要面向画面左侧, 这样两个镜头接在一起时, 观众才知道他们是面对面的对话。而且后面的镜头也要保持各自的方向一致。不能演员甲一会儿面向画面左侧一会儿又面向画面右侧, 这样观众就会迷惑, 搞不清楚对话的人到底在什么位置。
另一种保持明确的方向感是当演员进出镜头的时候, 他们行动的方向也必须同样保持一致, 例如演员从画面右侧出镜, 则下一镜头就必须从画面左侧入镜。
当然也有特殊的情况, 就是跳轴。在特殊情况的表现中, 可以打破轴线的原则, 在追逐的场景中恰当的越轴会加快节奏, 强化叙事中的节奏感、紧张感。
参考文献
[1][英]卡雷尔.赖兹·盖文.米勒编著.《电影剪辑技巧》.
动画镜头语言 篇10
关键词：动画镜头；推拉镜头；升降镜头
中图分类号：TU-851
1 推镜头的创建
（1）为一要建立推镜头的建筑体加摄像机，摄像机范围可看见建筑体全貌，并且离建筑体稍许远些。同时控制摄像机高度为人的高度。
（2）激活动画录制。当前为最后一帧。在Left视图，将摄像机靠近建筑体方向。按/键进行播放，由远及接近建筑体。即看到一个推镜头的动画完成。见图1
2 拉镜头的创建（镜头由远拉近）
（1）加摄像机，摄像机范围可看到建筑主体部分。摄像机离建筑体较近。
（2）激活动画录制。将时间帧到最后一帧。在Top视图，将摄像机拉伸，至能够看到建筑建筑全貌，并且也能够看到一些其他旁边配景。按/键进行播放观看，看到了镜头由近向远拉伸的效果。一个拉镜头的动画完成。见图2。
3 制作一个由北向南环视的摇镜头
（1）创建一个目标摄像机，此时摄像机在Top视图的位置是在建筑的西北侧。
（2）此是关键帧在0帧处，并且在摄像机视图中西北侧看到建筑体的人视角度。
（3）激活动画录制，将时间帧到固定到最后一帧。在Top视图拖动摄像机的位置，使它处于东南侧。播放，即看到由北向南的基本摇镜头制作。见图3。
4 制作一个移镜头
（1）在第0帧处为一要建立移镜头的建筑体加摄像机，摄像机处于人视角高度，可以完全平视建筑物底部。此时将摄像机放于建筑物一侧。
（2）激活动画按钮，时间滑块滑到最末帧，在Top视图，将摄像机整体沿X轴向右移动。即摄像机从建筑体左侧移至右侧。进入摄像机视图，通过摄像机，即可看到建筑体另外一边。播放动画，平移镜头的画面即是对一种建筑体的立面的说明。见图4。
5 升镜头的制作
（1）创建一个目标摄像机，此时摄像机处在人的视角高度。在左视图，调整摄像机目标点的高度，使其高于摄像机高度，形成一个仰角的效果。
（2）激活动画按钮，将时间滑块移至最后一帧，在Left视图沿Y轴移动摄像机及摄像机目标点。在摄像机视图，播放动画，该镜头从建筑物底部升到顶部，此镜头常用来表现建筑物立面细部，同时也展现建筑物的一种矗立的姿态。见图5。
运动镜头最后一种镜头——降镜头，方向正好与升镜头相反。
由此可知，可以通过对于摄像机位置及角度的变换来轻松实现不同镜头的表现方式。因此，熟练掌握3ds Max中的摄像机的应用，对于建筑表现尤为重要。
参考文献：
[1]顾涛.3ds Max/Vray建筑动画技法[M].北京：科学出版社，2010（10）.
[2]王宏岳.3DS MAX建筑动画[M].武汉：武汉理工大学出版社，2005（07）.
[3]杨兴春.3ds Max/VRay印象 超写实建筑动画表现技法[M].北京：人民邮电出版社，2010（05）.
作者简介：朱燕舞（1976.05-），女，江蘇南京人，教师，助教，本科，研究方向：图形图像制作。
动画镜头语言 篇11
在一般语义中镜头指摄影机上的一个部件,通过它,被摄对象将影像形成于胶片上。而电影艺术中的镜头更多指的是胶片上所拍摄的影像内容,也是构成影片的最小基本单位。
动画影片中的镜头承接了电影艺术中镜头的概念。在其发展过程中由于动画自身在电影艺术中的特殊性,它很好地吸取了多种艺术表现手法。就镜头而言,动画导演们在进行分镜头设计的同时,脑中的虚拟摄影机也在同步工作,构思设计镜头画面。这并不代表动画中的各种镜头效果只是对电影镜头效果的模仿。事实上,由于其高度假定性的特点,在镜头表现上更具有自身的优势,如:在实拍效果中由于技术,拍摄环境等因素的限制而无法达到预期要表达的画面效果,在动画中都可以得到实现。动画镜头表现的内容与形式更多的遵从动画片创作人员的理念与思维,不受现实环境的局限,因而在镜头表达上更优势于电影实拍。
二、动画短片中镜头设计的特点
动画影片制作发展到今天,从内容到表现形式越来越多受到电影镜头观念的影响,很多商业动画片已不再拘泥于平面化表现,片中的空间开始复杂化并强调镜头的运动感,影片的风格逐渐多样化起来。尤其是电影镜头语言更多地被运用到动画中,动画导演对影片中角色、场景、运动等要素的调度,由平面走向多维化、电影化。
1、固定镜头的特点
在影视作品中,固定镜头被大量运用,特别是在一些非情节性和故事性的新闻及访谈节目中,其优点是技法简单,容易集中、稳定观众视线;缺点是画面场景角色运动单一呆板,容易使人产生视觉疲劳。动画短片作品常常会利用丰富的镜头画面,多样的元素构成,来营造视觉上的满足感及弥补情节上的空洞性。
2、运动镜头的特点
运动镜头灵活多变,使观众的视线连贯而富于变化,展示较为广阔的视野和丰富多变的场景从而完整地带出事件。在动画短片中,丰富多变的宏伟场景较少使用时,为了烘托情节氛围,多以画面简洁,多样的运动镜头形式出现。动画短片中镜头设计大多采用固定与运动镜头交叉应用,一方面交代了片中角色表演及运动的空间位置,丰富了画面构图的组合形式;另一方面镜头上的转换加强了画面的戏剧性,为影片增添了艺术性审美。
三、动画短片中镜头的组接方式
1、切
指前后两个直接相连镜头,一个骤然代替另一个的组接方式。它的形式简洁紧凑、不留痕迹,主要表现视点的变换或注意力的变化,是影视作品中常用的镜头组接方式。
2、淡入淡出
淡入是镜头画面在银幕上逐渐显现的组接方式,常用在动画片的开篇或新的段落开始时;淡出反之,是在银幕上渐隐的组接方式,常用于影片或段落的结束。
3、叠化
即一个镜头淡出的同时,另一个镜头淡入,两个镜头在交接的时间段相叠印,整个过程不出现黑场。主要是为表现时间推移的画面。
4、划摇
划摇是叠化的一种特殊样式,即在银幕上稍呈模糊、中间色调的衬景上,以急促的划摇来转接镜头画面。
5、划入划出
即以镜头画面或横向、或纵向、或斜向、或图案变化等多种运动形式构成的镜头组接方式。它带有一定的戏剧效果。
6、圈入圈出
圈入通常用在动画片开篇时,镜头画面从局部向四周扩散至全屏的组接方式;圈出相反,是镜头画面从全屏向局部某点缩小,常运用于动画结尾。
四、镜头设计在动画短片中的作用
1、保持故事的流畅性
二维动画中,纵深方向的塑造是形成画面立体三维空间感的重要手段。纵深效果是靠前中后等不同层次景物的调用产生的。在二维动画中,镜头运动并不是真的做镜头的运动,而是做场景的反向运动,是种错觉感。运用不同形式的镜头运动,使得电影空间的表现不同。在设计中,要根据影片上下文选用不同的运动形式。
2、影片节奏感的把握
一般概念中,节奏可用速度和规律来理解。用一连串短镜头来营造快节奏,反之,长镜头可使用剪辑的手段使节奏缓慢下来。通常,影像及声音的节奏并不是相互脱离的,好的影片需要将视觉与听觉的节奏互相配合作用,非叙事式剪辑法的观念中有许多制作视听节奏的方法,这些把视听元素融入段落思考的手法在动画影片中有诸多采用。
五、结语
动画片中的镜头承接电影艺术中镜头的概念,形成一种动态的画面语言,它有自己的单词、语型变化和文法,借鉴电影镜头的运用、剪辑方式及影视镜头语言的加入使动画视觉效果更加丰富。镜头的设计,通过音符旋律高低起伏、节奏的轻重缓急来设计镜头画面,镜头间的过度衔接甚至是情节发展的重要因素,因此优秀的镜头设计是动画短片成败的关键。
摘要：镜头,是构成影片的最小单位。在丰富的元素组合作用下形成了镜头最终的画面内容和形式,不同的元素使镜头具有不同的叙述和表意效果。本文是以镜头的特点为基础,讨论在动画短片创作中镜头设计如何实现内容与形式的结合,对短片镜头设计的特点、作用进行分析与思考。