钢琴演奏中的情感要点

钢琴演奏中的情感要点（精选7篇）

钢琴演奏中的情感要点 篇1

钢琴演奏作为一门表达音乐的艺术, 演奏者通过手指将人们所经历的酸甜苦辣表现出来。那么什么样的表演是成功的呢?最直观的标准就是能不能打动听众。作为一位钢琴演奏者, 既要细致准确地体会作曲家的意境, 又要将这些内心的感受通过手指表现给听众, 为作曲家与听众之间架起一座心灵的桥梁。要做到这些对演奏者来说的确是一种考验, 除了要求演奏者有精湛的技术外, 还要求弹奏者有相当的音乐修养和情感体验。情感体验在钢琴演奏中占有不可忽视的位置, 有一些表演者会认为钢琴表演应该是华丽、炫技式的, 但任何一种音乐, 不止是钢琴, 都首先应是真实的。通过每一部作品, 我们同作曲家产生心灵上的互动, 将自身的情感经历与作品的思想融合, 细致准确地表达音乐的中心思想。情感体验是钢琴演奏的灵魂, 如果没有情感体验, 音乐就如白开水一般的索然无味。钢琴演奏有了情感体验, 音乐才充满了灵性和艺术魅力。

一、情感体验的产生

《乐记》是我国第一部系统的带有朴素辩证唯物主义思想的音乐著作, 文中提到“凡音之起, 有人心生也;人心之动, 物使之然也。”音乐的产生是受到人的心情影响的, 而人的心情则是随着外界事物的变化而变化。当人们在面对悲痛的事情时, 内心相应会产生忧郁、消极、哀伤的情绪, 在这种心情下所创作的音乐必然是沉重的;反之, 则有欢快、活泼的音乐。钢琴演奏不仅仅是一种机械的键盘运动, 世界上任何一种乐器的演奏也并不会只限于音乐范围, 良好的文学修养, 正确的思维能力, 都为音乐演奏打下了深厚的艺术基石。每一个表演者的综合素质, 直接影响到他的音乐生涯。1 9世界大钢琴家李斯特, 即是把对文学、绘画、哲学等多种体验感受溶于交响乐之中, 创造了全新的音乐体裁“交响诗”。在他钢琴家的演奏生涯中, 对他弹奏技术产生巨大影响的并不是钢琴家, 而是赫赫有名的小提琴家——帕格尼尼。李斯特在看过帕格尼尼的音乐会后, 深深为那种华丽炫技的小提琴演奏风格所折服, 从此他将辉煌华丽的表演技术投入于钢琴中, 使他的表演成为独具特色精彩绝伦的艺术精品, 成为浪漫主义乐派的代表人物之一。由此可见, 情感体验来自于演奏者每一天所积累的见识, 也来自于个人内心的爱好、愿望与激情。它深深扎根于音乐者的内心, 体现着人们心里最感性最真挚的情绪。

二、情感体验的重要性

情感体验无论是对于作曲家还是演奏家而言都是其音乐的灵魂与精髓。优秀的音乐作品经过几百年的沉淀, 依然被后世的人们反复演出和改编。这些真挚诚恳的旋律, 都是音乐家心中的歌声, 是他们对世间一切事物的描绘和感怀, 每一部作品都是他们表达自己所思所想的媒介, 他们把自己独一无二的经历与感受孕育其中, 形成了各种风格派别的音乐。

1、情感体验对作曲家的重要性

1 7世纪的西方世界, 在建筑方面盛行了巴洛克风格, 大量华丽精美的巴洛克建筑形成起来, 与此对应的, 在音乐界也诞生了辉煌宏大的巴洛克风格时代。由此可见, 音乐的创作是集文学、戏剧、绘画、诗歌于一体的综合艺术。多元化艺术给予了音乐家们丰富的想象和灵感, 他们也许从自己所感兴趣的书籍中创作, 又或许从自己所欣赏的某幅画中得到启发等等, 他们从自身修养与感受出发, 开创了一个辉煌的音乐风格时代, 诞生了像巴赫这样的被称为“音乐之父”的伟大音乐家。往后的1 8世纪, 在思想界掀起了一场浩浩荡荡的思想启蒙运动, 覆盖了各个知识领域。启蒙运动提倡的“平等”“自由”观念, 开启了欧洲大陆的新篇章。这个时候, 音乐界也迎来了古典主义, 维也纳古典乐派三位音乐巨匠海顿、莫扎特、贝多芬, 掀起了欧洲音乐发展的巅峰。其中贝多芬的音乐最具革命性和戏剧冲突性的, 他用自己的生命演绎了《命运》交响曲, 用他如岩浆般激烈的情怀谱写了《热情》奏鸣曲, 他用真诚的艺术情怀为法国大革命谱写了赞歌。这就是真情实意的音乐的魅力, 每个作品都融进了音乐家独特的情感思想, 这就是他们所创作的精粹与灵魂。

2、情感体验对演奏者的重要性

情感体验对于钢琴演奏者而言也是必不可少的。作曲家用音乐诉说心声, 那么演奏者就得结合自身体验将作品真实地表达出来。这种演奏被称为“个性演奏”, 个性即是特色, 是发挥, 是演奏表现的自由创作, 缺少此创作则少了艺术的天真, 它不同于“标准演奏”。演奏者要准确而完整地表现出乐曲的情感, 就必须对音乐作品进行全面细致的了解和分析, 并运用于情感相适应的表现手段来实现乐曲的思想内涵。只有运用正确的艺术思维, 才能使音乐成为人们通向创造思维和形象思维的一扇窗口。

安东尼·鲁宾斯坦是音乐界公认的肖邦作品的优秀演绎者, 他是一位才华横溢的即兴演奏家, 他的演奏非常出色, 注重于音色、技巧、不拘泥于细节。但是他的这种风格受到当时一些经过严格训练的钢琴家的非议, 钢琴家William Mason就批评他说:“如此敏锐有利的手, 手指下却空无一物”, 克拉拉舒曼 (舒曼之妻) 对他印象更差, 说他根本就不是在演奏。纵使在那个时代他饱受非议, 但这种充满个性和激情的音乐却使得他成为一代钢琴大师。鲁宾斯坦把他对钢琴作品的感受和理解融入表演中, 他重视的是怎样用最完美的音色表达作品情感, 而不拘泥于古板的演奏模式和技巧的展示。在演奏肖邦的《离别》练习曲时, 在最后结尾处的和声他采用了突然弱下来的表现方式, 这在以往的演奏中是从未出现过的。但是就是这几个和声, 让当时在听他演奏的钢琴家潸然泪下, 他们感受到了一种从未有过的心酸和无力感。鲁宾斯坦这种将真挚的情感融入钢琴音乐的表演, 不仅使他本人成为肖邦作品最优秀的演奏者, 也体现了演奏者自身的情感体验对钢琴表演的重要性。

三、如何加强情感体验

1、要有真诚的艺术态度

托尔斯泰说过, 艺术家应该具备三个特点:真诚, 真诚和真诚。有一些人在弹奏时, 想尽一切办法弹奏的有趣, 使其与众不同, 因此很难迫使他们感觉到并表达出音乐的朴素真实的的特点。“真诚”在他们看来或许就意味着“平庸”, 甚至是“无聊”。他们仿佛为自己的真诚感到羞耻, 并且还有他们自己的一套根据, “艺术”就应该是“矫揉造作”的。有这种观念的人, 除了建议要他们精通民间创作之外, 还着重要多接触例如舒伯特、莫扎特、柴可夫斯基的作品。演奏者通过研究如何将肖邦或柴可夫斯基作品的某一个抒情乐句弹得引人制胜、别具一格以及如何弹得“真实”, 使其音乐感情充沛、朴素、干净利落而且精彩, 从而能准确领悟和把握住作者心中所歌唱的旋律。

2、要细致地研究作品的谱面

托斯卡尼曾经说过:“任何一个音乐者首先不管他在音乐上的技巧如何高超, 如果缺乏情感的表达, 也不是艺术家, 而是艺术匠。匠人满街都是, 艺术家则是千百万人之中难得遇到一个的。”当演奏者拿到一份乐谱时, 首先应该分析谱面上的音乐符号, 这些符号是可以表达感情的。犹如文学作品中的文字符号, 用一系列的形容词如快乐的、悲伤的描绘着主人公的心情。作曲家则是通过旋律、速度、音响等元素来描绘。作曲家音乐的情感内涵, 演奏者只有通过认真研究谱面和仔细聆听旋律, 再通过自己头脑思想的加工传递给手指, 最后用手指表达出来。只有正确把握作曲家赋予这些符号的“情韵”, 才能恰到好处地将“情韵”转化为手下的“音韵”。正因为如此, 能否正确理解和表现谱面上的音乐符号, 直接关系到能否成功演奏钢琴音乐作品、塑造音乐形象。例如, ff或fff常出现在乐曲的高潮部分以及旋律线的顶端部分, 在此情况下就要求弹奏着要具有充沛的激动情绪和强大的力度给予乐曲坚实宽广的支撑。既要注重整体的艺术形象, 也要研究各部分的形式结构和细节。

3、要提高自身音乐修养

为了使音乐更能接近原作曲家的意图, 演奏者应该广泛扩充自己的音乐知识, 了解音乐作品的年代, 背景和作者的风格等等。甚至学习文学、美学、哲学等方面的知识, 了解作曲家及其钢琴作品产生的时代背景、文化氛围、美学潮流、风格特征等, 把所演奏的曲目置于一定的社会生活和时代精神的历史条件下来认识, 把音乐作品同审美观念联系起来。演奏者在演奏作品时, 应高度重视对作品音乐艺术形象的把握, 这一点是成就优秀表演的关键。不同民族不同时代的人们在千百年来的音乐创作和审美实践中积累起不同的音乐审美经验, 并逐渐形成了各自不同的调式、旋律、节奏以及曲式结构等音乐风格。拉丁民族的音乐热情华丽;我们中华民族的音乐调式淡雅、意志深远;日耳曼民族音乐典雅含蓄, 注满了深刻的哲学精神等等。演奏者要把握各种音乐风格的乐曲, 提高自身的音乐修养, 搭建优秀表演的舞台基础。

4、良好的技术是表达情感的质量保证

演奏者训练技术的目的不是为了炫耀高超的技巧, 它只是阐述音乐的手段。一位著名的钢琴家曾经说过:“我一天不练琴, 我自己可以听出来, 两天不练琴, 别的钢琴家能听出来, 如果三天不练琴, 那么我的观众都能听出来了。”演奏家为了完美进行表演, 就必须时刻保持手指的灵活性, 反复练习锻炼手指的练习曲, 这个过程是艰苦而乏味的, 但是这确是能弹奏出美妙旋律和和声的基本保证。要获得演奏所有钢琴曲所必须的技术, 必须利用到人类身体所有的能运动的地方, 即是从整个手指、手臂、肩部、背部, 再到腰部, 双脚踩踏板的运动, 都融入在钢琴的表演之中。成熟的钢琴家, 知道怎样在表演中开启他隐藏的“动力装置”, 但也知道要关闭哪些“动力装置”以及如何关闭。相反的, 不成熟的钢琴家则往往不是用大炮来打麻雀就是用玩具手枪来对付堡垒。

音乐是没有国界的语言, 它存在于我们生活的各个角落, 与人类的现实生活息息相关。钢琴作为一种外来的近代兴起的西洋乐器, 在我国存在发展的时间并不像民族乐器那样的源远流长, 它在迅速发展的过程中产生了一些不正确的思想潮流, 表演者应当学会去其糟粕取其精华。钢琴演奏中的艺术思维就是对乐曲的旋律所表现的形象或表象, 进行艺术思考, 通过艺术概括后, 塑造出新的艺术形象来反映乐曲的内涵。

摘要：钢琴演奏是一门综合艺术, 情感体验是钢琴演奏的音乐灵魂。演奏者必须重视情感体验, 对音乐作品进行全面了解, 结合实际情况才能真实表达作品的思想感情。演奏者要准确而真实的表达作品, 首要应具备流畅的钢琴技术, 这是演奏成功的基本保证;再者演奏者要培养自身的音乐修养, 通过耳濡目染的熏陶提升音乐感受, 这是提高情感体验的关键。

关键词：钢琴演奏,情感体验,钢琴技术,音乐修养

参考文献

[1]曹丽萍.钢琴演奏技巧与内心感受的完美统一初探【J】兰州教育学院学报, 2008, (03) 61-62

[2]李茜.论钢琴艺术的情感体验【J】承德民族师专学报, 2008, (01) 93-95

[3]翟东宁.浅谈钢琴演奏二度创作的基本要素【J】开封教育学院学报, 2008, (04) 52-53

[4]程宪伟.影响钢琴演奏的重要因素【J】音乐生活, 2008, (07) 68-69

[5]李永.论钢琴练习中的演奏技巧、情感因素与“高原现象”的关系【J】聊城大学学报, 2007, (06) 116-118

钢琴演奏中歌唱性连奏的训练要点 篇2

关键词：钢琴 连奏 歌唱性 落滚 乐句 踏板

钢琴演奏是一门极具魅力的表演艺术，其丰富的音乐表现力和广博的内涵是要通过许多技巧与奏法的正确使用才能得以实现。要使钢琴这种乐器的演奏达到“声情并茂”的效果，如同歌唱一样优美连贯，就要强调正确的歌唱性连奏技巧的训练。

“连奏”是钢琴演奏中最多用到的一种奏法，在音符上方记有弧线或用意大利文“legato”标记的部分都需要用连奏方法演奏。它是利用手指的支撑和交替击键，使手臂甚至身体的重量在手指间相互转移，从而使声音能够连贯发出，达到时值充足，连贯，丰满，浑圆的效果，好像流淌的溪水一样流畅自然，一气呵成。这也是大部分乐器在演奏中所追求的共同目标，即“歌唱性的演奏”。

我们知道，人声是最优美的声音，歌唱的气息悠长细致，发声连贯自如。但钢琴演奏要做到这一点是非常不容易的，这主要是由钢琴的构造和发声原理决定的。

钢琴不同于管弦乐器，更不同于人的发声系统。钢琴是由手指击键连动琴槌击弦发音，击打一次发音一次，且每次发音后声音衰减较快，这就给连贯性，歌唱性的发音带来了障碍，也因此使得连奏成为了一种看似简单实际困难的奏法。

在实际的训练过程中，要想获得很好的连奏技巧，达到极具歌唱性的声音效果，我们应当注意以下几个要点：

一、 注重“断奏”的练习

“断奏”是钢琴演奏中另一种非常重要的奏法，一般初学者都要从断奏练习做起。所谓“断奏”也就是指一个音一抬手，一个音一用力的弹奏方法。正确的断奏所使用的力量并不是向下砸或向下压的力量，而是依靠手臂重量自然下落，以及指关节、掌关节坚强的支撑力和腕关节的辅助支撑。

断奏是连奏的基础！

断奏练习中所强调的手臂、肩、颈放松，掌关节，手指支撑等都是在为连奏做准备。经过一段时间的断奏训练，可以使手指尖和掌关节变的结实有力，足以支持手臂以及身体的重量，也就是所谓的“手指站的住”。

另外通过训练可以使掌指关节支撑抓键的同时手臂、肩、颈放松这种相对矛盾的用力感觉得到很好的协调，为以后尽快适应连奏的大运动量，使手指有很好的控制能力打下基础。

二、 加强“颗粒性”弹奏基本技巧的训练

在钢琴的学习过程中，“颗粒性”的弹奏基本功训练是必不可少的。从表面看颗粒与连贯似乎是矛盾的，但对于钢琴这种乐器来说，想达到好的演奏效果就必须把这对矛盾统一起来。

演奏时，根据钢琴的发音原理，手指必须要有一定的击发力。如果手指没有足够的克服琴键阻力的力量，不具备一定的击发力，那么必然会出现两种结果：一是发音虚弱无力，声音不扎实，不均匀，没有光彩，音与音之间发生粘连；二是用手腕压造成肌肉僵硬，使得音与音之间缝隙增大，缺乏连贯性。这些都为以后连奏技术的全面掌握留下了极大隐患。而且一旦因此项训练不足而养成以上的不良弹奏习惯，将会极难纠正，至于旋律的歌唱性更是无从谈起了。

但是有一点要说明的是，在强调颗粒性训练的同时，不能忽视“气息连贯”这一问题。打个比方说，一串珍珠项链中每颗珍珠就好比一个颗粒性很好的单音，而穿珠的线又好比演奏中连贯的气息。华贵的珍珠要穿成珠链才够完美，而用气息连贯起来的音的颗粒，具有很好的歌唱性，也会使所表现的音乐更具感染力。

在演奏快速的歌唱性乐句中，由于指间经过正确严格的颗粒性弹奏训练而变的结实干净，所以只需将动作收小，指尖触键面积增大，再加上手臂手腕的连带动作和气息的连贯，歌唱性连奏的目的就会基本达到。

三、 注意结合使用“手指贴键”的方法弹奏

应该说“颗粒性”的弹奏基本功训练是必须的，但连奏，尤其是歌唱性连奏技术相对较复杂。因此，纯粹的依靠手指的击发力并不能很好的达到目的，这时就要在手指有能力的基础上结合使用“手指贴键”的弹奏方法，两种训练方法互为依托，互相补充，之间并不产生矛盾。

所谓“手指贴键”的弹奏方法主要是指以通畅而集中的力度，用手指前端的肉垫儿处在几乎触及键盘的位置去有准备的用力，触键面积稍大，触键速度稍慢但要结合手臂重量一次弹到底，手指和键盘之间产生一种“吸引力”，好像琴键甚至琴槌成为手指的延伸。同时，在手指进行时，指和腕要相互配合，以腕的传递使手指横向移动，重量在手指间平稳的移动，尽可能减少手指击键动作产生的对琴键的冲击力以及动作连接时产生音的缝隙和距离，使连奏的声音听起来宽广醇厚，连贯如歌。

在快速的歌唱性连奏乐句中，更要做到手指贴键，用尽可能小的动作使音与音之间不露缝隙，使前音的余音与后音的音头衔接自然流畅，并且结合气息和方向性以达到歌唱性连奏的目的。

四、注重“落滚”练习，由短句到长句循序渐进

在连奏练习中，“落滚”的练习是必不可少的。所谓“落滚”就是指二音连线。弹奏要求上第一个音稍强调一点的落下去，然后连到第二个音，第二个音比第一个音轻柔些，音发出后手腕自然提起将手带离琴键。第一个音落下去，第二个音带起来时，手指离琴键不要太远，就像一个球向前稍滚动一点似的。这种弹法在表现轻和慢的一些段落时会显得委婉动人，在表现强和稍快的段落时也可以表现的积极和富于动力。

另外根据其手臂行走的动作路线和姿态，也可将其称为“落提”。

“二音连线”即“落滚”是连奏中最小的单位。掌握了正确的“落滚”动作后可逐渐增加句子中音的个数，逐渐把初始训练时一个音一用力的训练方式扩展至二个音一用力，再扩展至一次用力带动更多音。如此循序渐进，使今后在演奏中连奏技巧的运用变的相对易于接受。另外，虽然只是两个音的连奏练习，但也不能忽视气息的连贯，这样在弹奏长句子时，只需配合手指手臂的动作将气息放长，即可使连奏的发音更具如歌的效果。endprint

五、注意乐句的处理

仅有上述方法还不足以完全表现好歌唱性的连奏，在演奏过程中乐句的处理也很重要。即从作品出发，研究乐句的结构和走向，将每个乐句做美学上的处理，使其有比较正确的总体方向。

仅针对由连奏构成的乐句来说，每个乐句都有始有收，就像说话的每个句子一样要连贯，要有语气，句头要清楚，句尾要轻柔一些，句中该强调的高点要强调出来，乐句的整体要有张力，有对比，有律动性。而对于音乐的整体来说，乐句和乐句之间都有着起、承、转、合的内在规律，句子与句子之间的衔接要有设计，有大局观，应当从初学就培养一句一句弹琴的习惯，而不是一个音一个音的弹奏。

我们对作品的内容做深刻的认识，挖掘和处理，目的是使每个乐句都能具有声乐或文学特征，而不仅仅是只做狭义的连奏。比如我们常遇到的标记着“渐强、渐弱”记号的乐句，它表明了乐句的起伏是往“中间走”的，基本呈橄榄型，就好像数学课上所讲的抛物线，有起点也有落点，有高点也有低点。分析出了这些，我们就会知道乐句行进的方向，气息控制的程度，甚至可以据此进行更细致的联想和更恰当的二次处理，使乐句本身在感觉上就富于歌唱性。再加上正确的奏法，才能够使所演奏的音乐具有更好的表现力。

六、 通过踏板的正确使用来加强连奏的歌唱性

鉴于踏板使用方法的复杂性及多样性，在这里只对右踏板，即制音踏板对于加强连奏歌唱性的作用及使用要求加以阐述。

制音踏板的主要作用有两个：一是把单独用手指无法保持的音延长和连接起来，达到增强歌唱性的效果；二是增加声音的色彩。就第一个问题来说，要达到将音很好连接起来的目的，我们通常采用“切分踏板法”。

好的，正确的切分踏板的使用，在音效上应当是两个音或和弦连接时，既要没有裂缝，又不能模糊不清；既能和前音很密切的承接，又没有以前和声的遗留。否则不但歌唱性连奏的效果无法达到，就连原本清晰分明的演奏效果也会失去。切分踏板的正确使用应有以下几点需要注意：

1.手指弹奏的同时，用踏板抓住第一个音或和弦。

2.接着当弹奏下一个音或和弦时，有准备的抬起踏板。

3.仔细聆听新的声音。在琴槌重新击打琴弦的一刹那，制音器应该已经制止了原来音或和弦的余音。

4.当手指继续按下琴键弹奏新的音或和弦时重新踩下踏板，再仔细聆听，要肯定没有以前的和声被留在新的声音中。

5.每弹奏一个新的音或和弦就重复一次以上的过程。

另外，关于歌唱性连奏的训练还有许多其它途径和需要注意的细节，比如听觉的辅助训练，手、耳、眼的协调性的辅助训练等等，在这里就不一一详述了。

总的来说，钢琴做为一件结构复杂，奏法精妙的乐器，有着高贵典雅的非凡气度和极难驾驭的个性，它的声音充满诗音和灵性，是当之无愧的乐器之王。

想演奏好钢琴就必须掌握正确的弹奏方法。以上所述就是本人对于钢琴演奏中歌唱性连奏的训练要点的一点浅见，希望能给练习者提供参考，以期在钢琴学习的过程中能有所帮助。

参考文献：

[1]赵晓生.钢琴演奏之道[M].世界图书出版社，1999.

钢琴演奏中的情感要点 篇3

一、解读乐谱准确

乐谱的准确解读是钢琴演奏最为基础的一步,也将直接决定演奏者能否完成情感的正确表达。因此,正式的演奏之前,演奏者必须对乐谱的基础知识有一个充分的了解和掌握。其中最为基本的三种标记就是音乐术语、力度标记和速度变化。音乐术语实际上就是帮助演奏者识别音乐风格的钥匙,这对于钢琴演奏情感的表达来讲是基础的认知环节;力度标记是钢琴演奏情感表达最为直接的表现形式,也是演奏者与乐曲作者情感形成共鸣的基本要素,因此,钢琴演奏者必须明确地知道力度的一般标记。在古典音乐当中,力度标记是从pp~ff,而浪漫乐派的力度标记则是pppp~ffff;速度变化则对乐器情感表达效果有直接的影响。所以,演奏者必须理解作曲者的创作本意,然后以此为基础正确把握演奏的速度,准确地表现钢琴演奏的情感。以李斯特的《匈牙利狂想曲》第六首为例,在演奏第三大段快板主题的第二次时, 就要使用正确的演奏速度,以呈现出一种轻巧而灵活的乐曲演奏特点。理解创作者的作曲意图,是能够正确完成情感表达的基础因素。而对于一个优秀的钢琴演奏者来讲,不仅需要理解创作者的创作本意,同时还应当在不违背作品真实情感的基础上,以理性的思维进行个性化的二次情感创作,这也是升华音乐作品的重要方式。例如,贝多芬的《热情》第三章,作者当时的创作意图是为了表达出自己内心的战斗勇气和豪情,但是,如果演奏者只是单纯地遵循这些标记进行演奏,就只会让听众感受到凌乱而疯狂的情感。而要正确表达这种豪迈的情感,就必须充分了解当时的社会背景,并要投入自身的演奏情感和智慧,完成作曲的二次情感创作,以让听众享受一场听觉盛宴。

二、完成合理的二次创作

二次创作顾名思义就是在成熟作品之上的第二次音乐创作。当然,二次创作需要保证原有作品思想情感的不变, 然后在掌握了作品基本内容之后,融入自身对于作品的看法和见解,从而最终表现在作品中的过程。实际上,每一个演奏者都在无意识地进行着二次创作,而要真正保证这一创作的效果,就应当正确把握二次创作的合理尺度。在进行二次创作时,首先演奏者应当具备一定程度的二次创作热情,这是为了保证演奏作品具备生机和活力,并引起观众对于作品热烈的反应态度。其次,演奏者必须具备一定的演奏智慧和才能,这是实现二次创作具备一定高度的前提条件。再次, 演奏者应当具备一定的洞察能力,这种洞察力主要表现在演奏者能够正确分辨音乐素材和音乐情绪表达之间的关系。例如,在演奏十八世纪的古典作品时,就必须将古典音乐的声音——管风琴,作为重要的考量因素,而且,十八世纪的音乐主要的作用就是供贵族日常娱乐。这些因素的存在,都需要演奏者必须从深层次上认识古典音乐,以保证这一时期音乐作品情感的正确表达。最后,演奏者必须具备良好的分析能力。这种分析能力应当是全面的,只有完成多角度、全方位的分析,演奏者才能够准确地把握作品中的思想情感,也才能够完成演奏中正确情感的表达。

三、结合演奏技巧和乐感

对于一个优秀的钢琴演奏者来讲,首先需要具备的素质就是良好的空间感、灵活的手臂反应、辨别音质以及正确的领悟能力等。其次,钢琴演奏者还需要能够正确演奏作品的能力,对于作品中所有乐谱的标记,除了能够正确认识之外, 还应当正确演奏出来,以达到人琴合一的境界。最后,钢琴演奏者必须具有平衡情感的能力,也就是说,在钢琴演奏时, 除了能够准确地体验到乐曲的情感细节之外,还能够以理性的思维合理控制情感的宣泄,以实现情感服从于乐曲的目的,从而为听众提供一种和谐的氛围。演奏者一旦无法正确地把握这两者的尺度,就非常容易出现情感偏激或者是毫无情感的演奏失误。

在21世纪的今天,钢琴演奏已经越来越普遍,而如何正确地表达钢琴演奏的情感依然是钢琴演奏者面临的一个难点。一个优秀的钢琴演奏者,除了需要具备良好的演奏技术,还应当能够正确地解读乐谱,完成正确理解原有创作意图的二次合理创作,并能够完美地结合演奏技巧和乐感。只有这样,才能够将作品中的情感完美地演绎出来。

摘要：钢琴演奏是一门能够充分表达人类情感的艺术形式,其情感直接影响到演奏者的水平和表演的效果。为了进一步提升钢琴演奏中的情感表达能力,就需要对钢琴的演奏有一个本真的了解和个性的创作。本文主要从三个方面研究了钢琴演奏中的情感表达。

探讨钢琴演奏的情感体验 篇4

音乐为一门独特的情感艺术，往往一个优秀的音乐作品可以实现音乐的表现者及音乐的接受者间的情感共鸣和交流[1]。在钢琴演奏过程中，重视情感体验，可加深对演奏作品的认识，同时引起听众的情感共鸣。笔者认为，了解钢琴演奏情感体验所具有的特性很关键。

二、情感体验特性分析

只有全面把握情感体验所具有的特性，才可在钢琴演奏中获得情感体验。其具有的特性包括：

1. 选择性。

演奏者的思维差异取决了钢琴作品中情感体验的不一样，也就是艺术情感有选择性，其使钢琴作品整体形象寄托在演奏者的在演奏过程中的情感色彩，选择性实质上赋予了演奏作品的二度生命，并在二度体验中得到体现。

2. 理解性。

在演奏者通过在理解作品中所描写的对象中，理解作品的内在情感，进而展开深层次分析，直至理解整个作品，才可将作品的最佳情感尽情表现出来。

3. 整体性。

演奏者在演奏曲子时，是先从作品内容的形象入手，去表现整个作品的情感[2]。

三、在钢琴演奏中情感体验的获得方法

1. 审美感知

审美感知是钢琴演奏者在演奏中获得情感体验的先决条件。审美感知是主体感觉以及心神有机结合起来的一种心理活动，其包含简单感觉及复杂直觉。要获得审美感知，笔者认为可以从如下几个方面来获得：

(1)赏析多种类的音像资料：职业钢琴家通过二度创作而录制的音像制品，多数都能很好诠释作者的情感内涵，艺术感染力强。在赏析各种音像资料时，特别是在赏析同曲目不同版本的音像资料时，可让演奏者对作品中的的速度、力度、呼吸、旋律、分句以及调性等表现作品情感的多种要素作出比较准确的心理反应。

(2)多倾听同行演奏，这是演奏者了解以及感受曲目情感的一个重要途径。同行演奏和音像演奏最大的不同是其现场感极强，更加能将演奏者的情感充分体验出来，更能在倾听过程中步入联想的审美空间。

(3)把握作品的整体风格，钢琴作品最富创造性，其的风格和作曲家的个性金紧密联系。所以，钢琴演奏者需对作品产生的背景以及作者展开深入研究，认真分析作品创作的音乐习惯、音乐风格以及时代特征，只有这样才可以让演奏者在演奏时更能切合作者的创作情感，利于演奏者形成情感体验。

(4)深刻理解作品的内容。通常钢琴作品主要有“标题音乐”以及“无标题音乐”这两种作品两种[3]。前者的标题多是提示了作品大体的内容，故演奏者要认真研读作品标题，以获取最直接的最原始的审美感知。例如《夕阳箫鼓》这个标题，从标题看，演奏者应感受到作者是描写我国黄昏时秀丽山川的美丽景色，是一首富有东方情调的曲子，所以在演奏时，应注意润色及渲染。

2. 分析及感悟乐曲

乐曲是作者抒发情感的最佳体现，演奏者更是要依靠乐曲来完成演奏，所以加强对乐曲的分析以及感悟，可以获得情感体验。具体可从如下几个方面进行：

(1)认真读谱。在乐谱中，每一个符号都有其特定的内涵。杨峻在《钢琴家的素质》中指出“乐谱上的全部记号及符号，均是修饰及完善作品的路标”，所以不但要了解在谱纸符号的意义，还要了解符号外以外的意义[4]。总之，要了解乐谱上各种符号的意义、力度以及速度等，以理解作曲家真正的写作意图，同时利于演奏者对作品的充分表达。

(2)认真分析曲式的结构。往往曲式结构中蕴含了音乐的美感以及内容。分析曲式的结构，主要是为了对比速度以及力度、对比各声部之间的层次、对比各音色的不同以及踏板的营养、转折点的处理、起点与高潮的设置等，更是为了了解作者整部乐曲的音乐构思、理解作品的音乐内涵以及表现的手法。只有掌握这些，钢琴演奏者才可以在演奏过程中更真切地表达出作者的思想情感以及意境。

(3)认真分析和声以及调性。在作品中，和声对情感的渲染及烘托起到十分关键的作用，认真分析以及体会和声色彩，可快速进入无法言语的意境。在选用调式方面，作者也是从音乐所需的表现要求出发，确定音乐的情感性质。每个调式的调性，均具有其不一样的情感色彩，其的转换会改变情感色彩。

3. 充分发挥想象以及联想

联想指的就是以事物间的联系为根据，由某一个事物联想到其它相关事物的一个心理过程，是由此及彼的一个思维活动;想象主要是在已有感情上，创造一种新形象的过程。想象以及联想均是审美的主要载体以及展现的状态，同时也是基于审美感知之上的一种层次更深的心理活动。只有重视联想及想象，钢琴演奏者才可启开情感的大门，使演奏者与作者两者间互通的情感共同流于指端，并呈现给听众。在钢琴演奏中，情感体验是离不开形象思维的。演奏者要综合考虑乐曲节奏、旋律的快慢以及调式、声织体的选择等音乐要素，充分发挥联想以及想象，最后进入作品的情感意境，实现和作者情感的有机融合及心灵的有效沟通[5]。例如在演奏肖邦的作品《波兰舞曲》时，就需要充分发挥联想机想象，可以联想到气势磅礴以及威武不屈的英雄气概情绪，还可以联想到精力充沛以及朝气蓬勃的青春力量，又或者是联想到我国民族在生死存亡时刻，爱国志士挺身而出誓死卫国的情景等等。

4. 钢琴演奏者需不断提高自身的音乐艺术修养

作为一个钢琴演奏者，自身修养如何对其的演奏质量又很大的影响，所以钢琴演奏者需不断提高自身的音乐修养，以使演奏乐曲更加契合原作曲家的创作意图。在日常生活工作中，演奏者需广泛拓展自身的音乐知识，能对音乐作品的产生年代、时代背景以及作者的创作风格等有充分的了解，也可以阅览文学、哲学以及美学等相关的知识。要重点对作曲家以及其的钢琴作品具体产生时代的美学潮流、风格特征以及文化氛围等等，做到将所演奏的乐曲放入到其产生的社会生活以及时代精神中来进一步认识，将演奏作品和审美观念有机结合起来。在演奏作品的过程中，演奏者应该重视把握作品的音乐形象，这点十分关键。不同年代及不同民族的人通过在上百上千年的审美实践以及音乐创作的探索中，积累了不一样的音乐艺术审美经验，且日益形成不同的旋律、曲式结构、调式以及节奏等音乐风格。例如日耳曼民族的音乐含蓄而且典雅，包含哲学思想;拉丁民族，其音乐华丽而又热情奔放等。总之，演奏者应把握好多种音乐风格的曲目，不断提高音乐艺术修养，为搭建优良的表演舞台奠定扎实的基础。

综上所述，笔者结合自身多年的实践经验，在阐述情感体验特性的基础上，提出几点在钢琴演奏如何展开有效的情感体验，以期能提高同行的演奏水平。

参考文献

[1]吴肖静, 杨秦生.论钢琴演奏中艺术个性的体现[J].陕西教育 (高教版) .2010 (Z1) .

[2]马克实, 金开目.浅谈钢琴演奏中情感获得的方式[J].大舞台.2010 (08) .

[3]陈秋蓉.浅析钢琴演奏中的情感表现与触键技巧[J].大众文艺.2011 (09) .

[4]戴菲, 陈婷婷.钢琴演奏中的技能与情感[J].黄河之声.2011 (01) .

钢琴演奏中的情感要点 篇5

一、加强对作品的审美感知, 多体验丰富多彩的生活

音乐是情感性的艺术, 钢琴艺术作为音乐艺术一种, 情感体现必不可少。情感是钢琴演奏的灵魂, 在钢琴演奏过程中, 只有演奏者融入复杂而丰富的情感, 才更有利于实现“以情动情”的艺术效果。钢琴演奏的情感体验, 离不开演奏者对作品的审美感知, 要使演奏者获取审美感知, 必须从以下几个方面着手, 一是要多倾听职业钢琴演奏家的音像资料, 尤其是钢琴大师二度创作的作品, 这些作品不仅艺术感染力较强, 而且蕴含着浓厚的艺术情感。尤其是对不同版本的同一作品, 如果我们对其情感的因素进行对比分析, 能够加深演奏者对于艺术作品的理解和认识。二是要多倾听同行的演奏, 与职业钢琴演奏家的音像资料相比较, 同行的演奏水平可能会存在一定的差距, 但是, 同行演奏的“现场感”能够提升演奏者情感体验, 使演奏者更好的把握作品的风格。在钢琴演奏中, 联想和想象好似审美的载体, 是审美感知更深层次的心理活动。在审美感知的基础上, 演奏者只有发挥联想和想象, 才能在指端更好的表现作者的情感, 形成情感体现。例如, “钢琴画家”德彪西, 其钢琴演奏的音乐旋律富有意境, 具有朦胧、闪烁之美。通过他的作品, 演奏者可以联想到盎然生机的自然美景。在感知体验的同时, 理性的分析与思考也是必不可少的内容, 钢琴演奏者感知后的理性分析, 可以提升其理性认识, “知其然, 知其所以然”, 有利于演奏者体验作品情感。文化素质和生活经历, 对于钢琴演奏中的情感体验也是非常重要, 演奏者应该多听音乐会以及同行的演奏, 多体验生活, 多浏览不同风格的曲目, 在倾听中揣摩、体会创作情感, 通过自身的理性分析, 从而提高自身的素养。

二、做好技巧的安排与把握, 多种多样的技巧相互配合

钢琴表演以抒发情感为目的, 作为一种艺术思维活动, 它以乐器演奏为表现媒介, 通过演奏形成的琴声表达其情感。也就是说, 钢琴演奏是运用演奏技巧来“说话”, 在钢琴演奏中, 做好技巧的安排与把握十分重要。众所周知, 钢琴被誉为“乐器之王”, 它不仅具有音域宽广、音色优美的特点, 还具有可独奏、可与其他乐器合奏特征, 可见, 钢琴演奏技巧熟练是钢琴演奏成功与否的关键因素。要想熟练的掌握演奏技巧, 靠的是勤学苦练, 训练自身不同风格的乐曲演奏。钢琴演奏技巧是丰富多彩的, 有连奏、断奏、颤音、波音、回音、震音、装饰音等特性奏法, 还有五指组合练习, 技巧的选择一定要匹配所要表达的情感。只有这样, 才能唤起情感的共鸣。在钢琴演奏中, 要使曲谱具有鲜活的生命情感, 需要多种多样技巧相互配合。只有做好周密的安排, 演奏技巧才能够得心应手, 演奏者才会胸有成竹。例如, 莫扎特的钢琴曲被誉为“永恒的阳光”, 乐曲不仅闪耀着自在的欢乐, 而且优美淳朴、明朗乐观, 充满着真挚的温暖。莫扎特的钢琴曲情感的表达就需要娴熟的技巧, 快而短的断音, 表现心境的跳音, 手腕在琴键上行云流水的滑动, 这些技巧的巧妙安排, 可以将作品中的美表达的淋漓尽致。所以, 钢琴的“歌唱性”技巧不容忽视, 通过各种技巧的有效整合, 可以使钢琴演奏的美学特征更加突出, 表现出充满情感的“歌唱性”。

三、重视对作品的二度创作, 有效整合多种演奏技巧

钢琴演奏的艺术个性, 是演奏者个性的诠释, 这种个性的诠释, 离不开对乐曲作品的独特理解。每个钢琴演奏者的艺术造诣、文化修养、性格特征都有所不同, 具有一定的差异性, 所以, 同一首钢琴作品, 不同的演奏者, 其理解和认识都会有所不同, 换句话说, 就算是同一首曲目, 同一演奏者, 如果演奏的时间与地点不同, 同时, 有不同的乐器配合, 也可能形成不同的演奏效果。因此, 钢琴演奏家, 要结合自身对于作品的情感体验, 有效整合多种演奏技巧, 重视对作品的二度创作。要在创作中充分发挥能动性和创造性, 才能够形成独特的艺术个性, 给观众带来较高的艺术享受。当然, 艺术个性要尊重原作, 不能够曲解作曲家的意图, 在解读作品的时候, 在不脱离作品本义的范围内, 通过联想与想象, 体现自身的世界观、人生观。乐谱是演奏的基础, 在演奏的过程中, 钢琴演奏者在追求个性与创造的同时, 要重视原作品的内涵, 演奏者的艺术个性, 不能够背离作品原本的美学追求。对于钢琴演奏者来说, 一定要多了解钢琴音乐的发展史, 了解不同时期不同作曲家的音乐形式和风格。在艺术个性的形成过程中, 如何运用各种各样的技巧, 形成自己的情感体验, 最好方法就是了解这些, 结合作曲家的创作特点, 有效整合多种演奏技巧, 将情感与技巧相融合, 才能形成独特的艺术个性。

四、结语

一个优秀的演奏者, 要能够将对音乐作品的情感体验融入多种演奏技巧之中, 有效整合各种技巧, 然后, 在尊重原作的基础上, 重视对作品的二度创作, 挖掘乐曲的风格特征, 通过技巧与情感的完美结合, 提高钢琴作品的演奏能力。

参考文献

[1]樊丽娜.情感运用在钢琴演奏技巧中的作用[J].科教文汇, 2010, 01.

[2]廖誉翀.浅谈钢琴演奏中的二度创造——情感的表达[J].音乐大观, 2013, 08.

钢琴演奏中的情感要点 篇6

王建中, 江苏人, 1933年生于上海, 是我国作曲家、钢琴教育家。他自幼受母亲的影响很早地接触了钢琴的学习。1950年考入上海音乐学院学习钢琴和作曲, 1958年毕业后回沈音附中任教, 之后又回到上音院教钢琴和民族作曲理论专业和声课程。“文革”期间经常下乡, 作品创作和演出受到严格的限制。五年后, 再次回到上音任教。他的主要作品分别创作于1958年的《云南民歌五首》, 这首钢琴作品是他最早的改编曲;1961年的《变奏曲》;1966年的《托卡塔》和《田歌》;1972年的《赤胆忠心》《浏阳河》和《大陆歌》;1973年的《陕北民歌四首》《百鸟朝凤》和《梅花三弄》;1974年的《樱花》和《五首摇篮曲》都是根据外国音乐作品改编创作的;1975年《彩云追月》;1976年《蝶恋花》和协奏曲《红旗渠畔》以及1981年的《小奏鸣曲》和1983年的《组曲》;还有1985年的《谐谑曲》;1994年为第一次中国国际钢琴比赛创作作品《情景》;2001年为国庆五十年创作的《走进新时代》和2003年根据古曲《渔舟唱晚》创作改变的钢琴曲《渔舟唱晚》。这些优秀的作品无论从创作风格还是创作技巧上都体现了王建中深厚的音乐文化底蕴和作曲技术扎实的基础。

二、《猜调》的创作和演奏要点

(一) 《猜调》的创作背景

无论是文学作品还是成功的美术作品都有着它产生的历史性和创作性, 以及作者的人生经历。《猜调》无疑也有着它的创作背景。1956年党中央提出的“双百”文艺方针, 触动了作曲家王建中的创作激情。他不断地深入到少数民族地区体验民情, 深入人群, 以云南广为流传的五首民歌为基础, 在1958年创作改编出了钢琴作品《云南民歌五首》。作品运用云南不同民族、不同题材反映了人们的美好生活情景, 也体现了不同民歌的风貌, 把民歌甜美而细腻的韵味和短小而简洁的结构特点都巧妙地展现在了作品中。结合钢琴的音响特点巧妙别致地展现出清新的云南民间特色的五首小曲《大理姑娘》《跟哥》《猜调》《山歌》和《龙灯调》, 也反映出作曲家创作的乐观主义精神和积极向上的思想内涵, 具有浓厚的中国韵味。其中《猜调》是《云南民歌五首》中的一首, 是根据云南彝族民间传唱的小调改编而成。小调共九小节, 四段歌词, 每段都用“唉喂”彝族的民间衬词来结束, 音乐情绪紧凑、情绪诙谐、一气呵成, 给人留下深刻的印象。

(二) 《猜调》的和声曲式特点

《猜调》的钢琴版除保留原有民歌的旋律特点以外, 还把握了民歌的深层含义, 用快速而又有谐谑的风格演奏, 在原民歌的基础上加了引子、间奏和尾声。

引子:7小节D徵调式, 断奏。从不协和的大小二度音程逐渐的协和, 暗示了猜谜的特定场景由紧张到放松的画面。

A段:9小节的旋律和民歌《猜调》的主旋律一样, 每小节用固定的16分音符音型节奏特点作为快速的伴奏。所有的低音成为一条音符的旋律线条, 句尾用倚音的伴奏音型来体现云南民族特点“唉喂”。

间奏:3小节用装饰音的固定音型引出A1。

A1段:12小节前半段运用了对比复调的手法, 后半段在D徵调式的旋律中加入了E徵和弦后回到原调, 色彩显得尤为丰富。

A2段:9小节由宫和弦开始, 创作方法同A段。

尾声:7小节主题旋律隐隐出现, 直到重复旋律主音持续到最后, 围绕着猜谜的画面逐渐在快乐中结束。

(三) 《猜调》的演奏要点

1. 跳音:

《猜调》——scherzevole (诙谐地, 戏谑地) 以四分音符为单位拍, 每分钟116。作品中大多都是跳音奏法。这就要求弹奏要根据乐曲的背景来演奏, 演奏时手指要主动贴键子, 手指与手腕配合, 弹奏出短促、清脆的声音效果, 要有弹跳力。《猜调》的主旋律是单声部的旋律织体, 伴奏运用了颤音, 并且持续的属和声的基础之上, 主要以16分音符为主要节奏型。虽然看着谱面这首乐曲并没有特别困难的技巧, 但是116的速度要求演奏者的手指基本功要十分扎实才能弹奏出乐曲风格中的颗粒感。

2. 踏板:

无论是练习曲还是乐曲, 在钢琴的演奏中踏板是十分重要的不可缺少的重要手段之一。所以要合理地运用踏板, 不然会适得其反。特别是在中国风格的作品中, 作品中的和弦外音、二度音程、七度音程的踏板运用上是有相对难度的。踏得太深、太长使乐曲变得混乱, 太短又体现不出作品的趣味。所以在这首作品中为了表现出节奏性特点, 以及旋律的清晰度, 所以踏板是要在重音、保持音的地方踩一半, 点一下就好。旋律当中无法依靠手指连接的时候需要用切分踏板, 但是要换得干净, 不能把前面的音带到后面的音里面。

三、中国钢琴改编曲的审美价值

这首作品取材于民间, 具有通俗性, 处处流露出中国民族的风格特点, 体现了中国钢琴改编曲的审美价值。所谓的改编曲并不是把原来的曲子原封不变地挪用移植过来, 而是要失去原有作品的一些原貌, 但会在原有基础之上增添一些

浅显的意见, 希望对作品的学习与运用有一定的帮助。我们应该把中西钢琴作品的不同演奏方法融为一体相互依附, 来充分表达作者对《猜调》优美的旋律和感人的内涵以及浓厚的中国特色的民族风格, 表现出钢琴艺术和中国民族特色音乐相结合的很强的作曲底蕴和内心浓厚的艺术价值。

参考文献

[1]魏廷格.论土建中的钢琴改编曲[J].中国音乐学, 1999, 2.[1]魏廷格.论土建中的钢琴改编曲[J].中国音乐学, 1999, 2.

[2]樊祖荫.中国五声性调式和声的理论与方法[M].上海音乐出版社, 2003, 12.[2]樊祖荫.中国五声性调式和声的理论与方法[M].上海音乐出版社, 2003, 12.

[3]赵晓生.中国钢琴语境[J].连载十, 钢琴艺术, 2003.[3]赵晓生.中国钢琴语境[J].连载十, 钢琴艺术, 2003.

钢琴演奏中的情感要点 篇7

《百鸟朝凤》改编于1973年,是一首中国传统的五声调式乐曲,通过装饰音、颤音、变化音、震音、双手托卡搭等等,借鉴原唢呐曲的旋律、音调、技法、意境,与音色优美,表现力丰富、音域宽广的钢琴紧密结合,采用许多高超复杂的钢琴技巧,加入戏剧元素,加以变奏、加花,形象生动的表现出百鸟捧凤、争相和鸣的欢腾场景。乐曲诙谐逗趣,急缓相间,形神兼具,气口和句法都严格遵循民族音乐的韵律。活灵活现的再现出唢呐独奏时的滑音、颤音、花舌音等一系列音腔特色的奏法,在尽可能最大程度保留了原曲的传统音乐特色外,又赋予了这首曲子新的音乐色彩。

钢琴改编独奏曲《百鸟朝凤》总分为五段,五段自然衔接,既有欢乐的情绪,又有鸟儿啼叫的声音穿插其中:

第一段:第1——28小节。中速,音乐是歌唱性的。这一段音乐奠定了百鸟朝凤、欢乐祥和的基本音乐性质。改编成钢琴曲后,第一句旋律得到了很好的保留。弹奏时前面的倚音要弹清楚,力度标记为f,弹奏时掌关节要撑住,将力量迅速由倚音转移到主音上。弹奏和弦时力量要沉下来,和弦要干净、有力。钢琴曲将原曲第三小节中的下滑音变成了倚音,弹奏时指尖要主动“抓键”,依然是力量在弹完倚音后迅速落到主音上,声音要短促而有力,具有颗粒感。第13小节开始,原曲是唢呐和笙的合奏,而在钢琴改编曲中,则以右手弹奏唢呐的旋律,模仿唢呐的演奏,而左手则弹奏笙的旋律,模仿笙的演奏,演奏时要想象唢呐和笙相互配合的音响效果,双手的旋律线条要清晰分明。右手的唢呐声部要弹的诙谐有趣,而左手笙的伴奏声部音色要柔和一些,不要太突出,左右手的音色要区分开,右手声部弹奏时要发音清脆明亮,具有唢呐的音色特点;左手发音要柔和平稳,指关节稳固,声音连贯。

第二段为活跃的快板,音乐是欢快的,以后半拍的八分音符及十六分音符小短句的节奏特点,突出欢快的气氛并模仿了各种鸟鸣声及鸟的各种神态。本段开始带有豫剧的音乐元素,左右手的和弦均有重音记号,弹奏时休止要准确,,内心要有韵律感,要充分表现出豫剧的节奏特点。

从第92小节开始,用前倚音模仿的布谷鸟的叫声,力度标记为ppp,第92小节——第106小节虽然旋律相同或者相似,但弹奏时一定要控制力度和音色,用不同的力度和音色表现出两只布谷鸟高低对鸣的音响效果。第三段则是采取不

同织体的模唱,分别在高低声部行进的两段相同的旋律。在行进中,不时插入鸟鸣声,形象的刻画了鸟儿清脆婉转的啼叫,欢快的在天空中相互追逐的动人场面。在第186小节中,王建中用震音的弹奏技巧模仿百鸟争鸣、热闹欢腾的场面,音响的华丽效果达到乐曲的高潮。在弹奏这一段时双手配合一定要紧密,速度稳定,节奏均匀,手指尖的力量要集中,掌关节撑住,触键点短促有力。在节奏上一定要把握好散拍子的韵律。第四段,节奏稍慢、充满活力。这部分音乐可分为两个乐段。第187—203小节为第一乐段,以切分节奏为特点的韵律,速度上则以先慢后快的表现手法,慢慢烘托出了热烈的气氛。第204—232为小节第二乐段,这一乐段以变奏加花的织体,表现愉悦的情绪。第233小节模仿蝉鸣声,引导第五段音乐高潮的出现。

第233小节运用颤音技巧来模仿蝉鸣,力度标记由pp渐强再渐弱,弹奏时手腕放松,用手指尖触键,运用2、3指快速均匀的颤动,,左手运用五度音程与右手相配合,复附点节奏的运用,都形象的模仿出秋蝉的鸣叫声。第五段从第234小节开始到结束,是全曲的高潮部分,速度为极急速。这一部分主要模仿民族打击乐的音响及节奏特点,以双手弹奏相同节奏或者相同的旋律音,突出民族打击乐脆亮的音质特点,以类似轮奏的弹奏手法,通过三次附点节奏的拉宽,将音乐推向高潮。

从第258小节开始,用震音技法来模仿小鼓、大锣及其他乐器合奏的声音效果,形象的表现出民族打击乐的欢快节奏。弹奏时指尖力量要集中,左右手相互配合,声音短促有力,下键均匀整齐,要突出每一个小节的音头,表现出打击乐敲击时的鼓点节奏。全曲最后在一片热闹的鸣叫声中结束,力度也由开始的pp渐强到sff,结束句手指力量一定要统一集中,将全部的力量都集中到指尖,迅速下键,快速离键,在下键的同时,利用踏板产生极强的共鸣效果,最后在sff极强的和弦中结束全曲。

中国钢琴改编曲对中国音乐发展史和创作史都产生了重要而深远的影响,也是中国钢琴音乐重要的组成部分。王建中先生的钢琴改编曲巧妙的通过对作品的内容、和声、选材、及作曲技法等各方面的改编创作,很好的将中国音乐艺术内涵和现代作曲技法融合在了一起。在他的钢琴曲中,处处流露着浓郁的中国民族风。《百鸟朝凤》这样一首音乐风格热烈、乡土气息浓郁、展现百鸟争鸣共舞欢腾场景的钢琴改编曲,是真正中国民间的、民族的作品,它不仅展现了中国民族传统音乐文化中民间音乐的成分,包含着地域乡土音乐文化,闪耀着鲜明的中国音乐风格,王健中先生还赋予了它新的内涵和新的时代气息,向世界展现了中国民族音乐的迷人魅力。

参考文献

[1]王建中《王建中钢琴作品集》[M]上海音乐出版社1995.4第一版.