钢琴演奏中的音乐表现

钢琴演奏中的音乐表现（精选12篇）

钢琴演奏中的音乐表现 篇1

摘要：钢琴学习, 就是要通过掌握精湛的演奏技术来演绎作品、表达情感。而在钢琴演奏中只有做到技术与音乐情感的完美结合, 才是具有震撼力的演奏。因此, 技术与音乐表现两个方面对钢琴演奏有着非常重要的意义。

关键词：钢琴,触键,技术,音乐表现力

一、钢琴演奏中的触键的重要性

音乐是声音的艺术。声音的质量直接反映了演奏者的审美情趣及品位修养。所谓好的声音, 它带给我们的想象空间是无限的。而触键是声音的发出者, 是音乐的关键。正确的触键方法和放松等, 都为弹出的好声音提供保证。

触键的方法大致分为四种

1. 指力触键

这一触键方式是所有触键中肌肉运动最小的一种。与前臂肌肉相连的肌腱将手指往下拉, 便完成了下键动作。而当肌腱松回时, 手指和琴键就都回复到原先的位置, 这种触键方法可专用于产生最轻层次的声音。

2. 手力触键

在各类触键方式中运用最广的是“手力触键”。顾名思义, 手力触键的主要特点就在于手的朝下动作。手和手指从腕部用力来下键, 手腕在下键的那一刻有自然拱起的倾向。这种奏法主要用于经过句乐段。

3. 臂落触键

这种触键方式就是突然落下前臂或全臂, 以使所要弹的那个键或几个键在这个下落动作中被推下。简单说就是触键时前臂和手腕下落, 推下琴键, 而不是敲下琴键。臂落触键最好用于音的保持或连奏效果也经常用于经过句乐段。

4. 全臂触键

这种触键方式的特点是上臂、前臂、手腕、手和手指密切地结合在一起运动, 作用于琴键的力量主要来自肩部肌肉。不过要注意, 这种联合作用的方式仅仅在按下琴键的过程中存在, 下键后各部分肌肉要立即放松, 特别是腕部肌肉要放松, 而它多用于力度要求大的乐句和歌唱性旋律。

二、钢琴演奏中的音乐表现

音乐表现, 是把我们内心从音符中感受出来到的东西, 通过手指触键来弹出乐音的表达方式, 是一种靠情感和乐器来进行艺术生产的艺术创作。

1. 乐感决定表现力

每个人对音乐的感受是不一样的, 这种感受就是乐感。而每一个人的程度却有很大的差异, 有的人乐感非常敏锐, 可以准确地感受到作品所表达的意境;有的人则不能体会。其次, 生活的环境、经历、阅历也对乐感有影响。因此, 要多接触音乐、感受音乐, 听经典的音乐作品, 在鉴赏中感受、在感受中鉴赏, 对音乐的理解也会越来越好。

2. 适度的表现力

有了乐感, 有了情感, 就会有好的表现力。但对作品的主题、内涵和理解也要有个较为准确, 不为夸张的度。演奏者演奏是作品的二度创作。因此, 要求演奏者要有理性、真实地反映作品, 要适度地表现。

音乐作品中的力度是音乐表现的重要手段;每个作曲家都是将自己心中的音响效果反映在纸面上的。因此, 他们把这种效果的想象, 通过各种记号标记表达出来;这些记号中的力度记号和有关力度指示的音乐术语就是演奏者处理音乐表现的依据。比如, 弱奏:从常用的mp开始到p、pp、ppp、pppp等多个层次, 并伴随有dolce (柔和地) leggieramenl (轻巧地) espressivo (有表情地) 等表情术语, 从声音色彩和力度上都要了层次感, 使音乐表现力更为细腻、丰富起来。

并不是所有的乐谱都有很详细的标记, 但音乐有发展的自然趋势、自然倾向。音乐往往渐强推向高潮, 高潮之后则逐渐平和减弱。比如, 肖邦练习曲《革命》开始左手音符快速的下行的趋势, 给人带来收缩、紧张的音乐色彩, 这是音乐本身具有的特性。此外, 还可以通过音乐风格特性来完成音乐力度变化。如进行曲, 一定是强有力的;摇篮曲, 一定是轻柔, 弱为主……这些特性里面都包含有力度的内涵。

有意境, 才有音乐。对乐曲有一定的形象联想, 结合自己的亲身经历的体验或体会, 很自然地给自己一个意境空间, 更有利于音乐的表现。

三、钢琴演奏中的触键与音乐表现

触键是钢琴技术的一种基本且非常重要的手段。学习钢琴技术是为了表现音乐风格和思想内容所必需的手段。技术的种类学习的越多, 练习得越娴熟, 就越能得心应手地表现音乐风格和内容。演奏者要完美地演奏一首乐曲, 必须很认真地磨炼技术。当他的技术越全面、越高超, 艺术的表现力就越丰富;演奏者对音乐的理解越深, 也就促使他的技术进一步发展, 两者之间有着相辅相成、相互依存的关系。

音乐表现是目的, 技巧是表现音乐的手段, 手段为目的服务, 技巧应服从与表现音乐为目标的需要, 二者是从属的关系。

音乐表现通过音色体现, 好的声音具有强烈的穿透性, 发音要集中, 质地要纯净, 声音具有圆润性。触键使琴弦充分震动, 音响共鸣也越丰满、声音也就更丰厚。总结说来是:听得清、留得住、感受深、变化多。不同的触键产生不同的声音, 触键变化是音色变化的决定性因素。触键的快, 发出的声音较为明亮, 触键的慢, 声音较为闷暗。触键的深, 获得的声音较为深沉;触键的浅, 声音较为浮浅。触键的高度和重量与声音的厚度有关。甚至连手指触键的面积不同, 都会产生不同的音色;指尖触键, 声音相对尖透明亮;指腹则柔闷暗哑。学会相应的触键方法, 结合手指、手腕、力度大小、运动方向带来的明、暗、欢忧等感觉, 运用到相应的音符中去。比如, 手腕在保持不动的状态下用指尖触键, 就会有美妙的歌唱性旋律;腕部再多使一些重量通过到指尖, 音色就会深厚, 如将下臂放松, 产生清晰的银铃般的音响效果, 倘用整个臂部力量, 指头触到键底, 就会有暴风雨般的效果。

演奏者在实际运用中还要依据不同时代、不同风格、不同作曲家作品作出相应调整。例如, 巴洛克时期的作品, 声音要求清晰、集中;巴赫的复调作品, 各声部间的层次需精确严密地控制, 指触的精密度很高, 结合的踏板, 也要浅踩勤换。再如, 浪漫主义时期的作品, 需要调动全身的力量, 手腕协调指尖与手臂、与身体各部位的关系。肖邦夜曲Op9.Nr1右手开头部分, 要多用指腹的肉垫部分做弧形触键, 同时感觉力量在指尖传递转移, 来表现出悠扬、连绵的感觉。

总之, 钢琴的演奏技术与所表现的音乐内容是紧密联系在一起的。随着时代的前进, 音乐的发展, 技术也不断地提高, 各种不同风格内容的音乐, 需要各种不同的技术来表现。

钢琴演奏中的音乐表现 篇2

喜爱美的事物是人的天性，音乐审美思想的形成是基于主观思想的，客观理性思想则是其次。音乐的本质是一种表演艺术，与其他的艺术形式不同，它需要用表演形式来让世人体验音乐的美。音乐不像语言艺术，语言本身是具有语义性的，而音乐则不是，单凭纯粹地看谱，几乎没人能了解它所要表达的感情，所以只有表演出来才能使人了解情感色彩渲染下的思想内涵及背后隐藏的故事。

一、演奏中美的含义

有不少为世人喜爱并广为传颂的钢琴音乐作品，如《梦中的婚礼》等，都具有艺术美感，令人印象深刻。这些作品有一些共性：首先，它得符合大众的审美，旋律简单明了，让人回味无穷;其次，需要人们的审美观逐渐发生改变，从不接受到接受。演奏者最初都是从模仿开始的，不断地重复去模仿，直到渐渐成熟，自己的主观意识与客观意识不断磨合、碰撞，有意识地去分辨演奏的好与坏，学会如何控制整首曲子的感情色彩。在具有这种思维意识后，才能更清晰地认识到音乐的美，形成自我意识的主动性也是培养审美观的重要意义所在。

(一)演奏中美的二度创作表现。从美学理论中我们可以了解到，音乐的表演实际就是二度创作，这种创作既不能脱离原作，又要在原作中适时地加入自己的东西，使之更加富有情感色彩，能打动人心，引发人的共鸣。创造的同时必须兼顾音乐的真实性，所谓的真实性实际上就是指认真对待乐谱。演奏者在接触到新乐谱时，首先要先视谱，然后再视奏，但是很多演奏者往往只是机械地练习，忽略了作品背后隐藏的思想感情和内涵，例如作品是在怎样的时代背景下诞生、作者又是怀揣着怎样的心情进行创作的。

(二)二度创作的运用。二度创作的含义是在不脱离本质的情况下锦上添花，以《悲怆》为例，这首奏鸣曲是贝多芬最早期的作品，是这位伟大的音乐家还未全聋之前创作的，并且是他亲自加上的标题。这首作品中渗透着日耳曼民族特有的理性色彩，当笔者第一次接触到《悲怆》的第三乐章时，感觉它是欢快的，大众也觉得它是一首欢快的快板。但笔者通过翻阅各种资料，更深入地了解到贝多芬的故事之后，才渐渐体悟到第三乐章在欢乐的背后其实隐藏的是微微的不安和内心的骚动，所以在演奏这首作品时既要融入自己的情感，又要学会控制自己的情绪，这是非常关键的。

二、演奏中如何运用音乐的美

(一)演奏中的情感色彩。演奏不同的作品时应该带着怎样的情感色彩去演奏，这可能是令所有的演奏者都感到困惑的事情。同一首作品由不同的人弹奏出来会有不同的感觉，因为每一个人的情感经历是不同的，带入的情感可能是沧桑的，也可能是激越的，但都会影响整个表演情绪的波动。每一位演奏者的表演都是具有独创性的，表演技巧是表演中最重要的因素之一，如果没有掌握好技巧，就根本无法呈现出完美的艺术表现力，所以二者必须统一，这也是音乐表演的重要美学原则之一。

(二)演奏中的.心理情绪。仅仅了解和掌握演奏作品的历史背景以及最基础的演奏技术还远远不够，因为演奏者的心理因素往往是最难控制的。人的心理受内部因素和外部因素的影响，音乐家之所以能完全控制住整个场面，是因为他们拥有强大的心理素质，对于自身情感的流露能收放自如，而很多演奏者往往缺乏心理调控能力，演奏过程中形成的音乐画面感并不强，缺乏自身情感的投入，只是机械地演奏完作品，听众完全感受不到演奏者想要表达的情感。因为演奏本身就是呈现给听众的一场听觉盛宴，是为了让听众被你的演奏所折服，所以需要不断地提醒甚至暗示自己要注意把控和调节情绪。当然，情绪的流露与演奏者本身的经历也息息相关，经常听人说“这是一个有故事的人”，什么叫有故事?这样的人一定是经受了许多事情的历练，对世界的看法比常人更透彻，整个人的气场也和常人有所不同。可见，每一位音乐家的风格都既受到他们所处的不同时代背景的影响，也受到自身心理素质和情感的影响。

钢琴演奏中的音乐表现 篇3

关键词：钢琴演奏：触键技法：音色

钢琴音乐演奏表现中，要充分展现精准的音色把控，于指触键的技法非常关键，其触键的独立、稳定、灵活和支撑力、爆发力等都关系到音色的不同变幻，针对不同的乐曲风格和段落表现，触键的技法有多种不同表现，需要做好日常的基本训练来让触键的技法不断的纯熟，从而把控不同钢琴演奏表现。

1 手指的独立与灵活在音色表现的作用

在钢琴演奏中，要关注于指的独立来控制音色。只有于指具有独立状态才能达到于指发力的精准，如果于指缺乏独立则会引发于腕与于缺乏柔和灵活度，相对而言会僵硬感，从而导致音色无法集中和达到理想的穿透力、明亮度，甚至导致弹琴速度降低。要达到于指的独立则需要做演奏前的手指放松训练，其操作主要进行迅速的高抬指做快速弹下操作，触键速度要快，保持较高的敏捷性，这样才能让给声音表现的清晰而明亮。但是这种放松操作并不是完全的松懈，而是让于指保持在不紧张的状态，不会产生压键的情况，动作迅速后会相对更放松，音色表现为更充满弹性感。如果能够做好快下放松，可以让音色更加的舒服轻松。但是在实际操作中容易向于腕施压，导致于腕伴随音的弹奏出现上下颤动，这样音就会混浊而缺乏稳定，无法连贯。

于指达到独立放松状态，进而要保证其灵活性，可以保证于指在下键与离键的操作中可以达到迅速灵敏，除了要做高抬指训练，还要做好基本功训练，进行高抬指慢速和低触键的快速训练，两者进行有效结合可以让于指更加的灵活。特别是对丁弹奏缺乏迅速效果的人来说更需要做灵活性训练，必须长期积累。否则弹奏中会导致于腕和于指的颤抖，进而导致音色有更强的颗粒感，同时产牛不连贯的音乐僵硬表现效果。

2 手指稳定与支撑能力在音色表现上的作用

在弹奏中会有一定的多余动作，为了保证其稳定性就要尽量保持动作的简单，减少过多的外力，只有稳定性好才能将每个关键动作发挥得更精准，音色才会表现的更有力明亮。于腕要减少上下的颤动，避免弹奏音缺乏连贯性，保持在一条平行线上，尤其在八度表演中，要做好相关训练，要做好快速训练，动作要保持平稳，避免大幅度。在一个音弹完后要快速的放松，而后将力量转移到下个音，在音群的演奏中要让于指保持放松来便丁力量的传递，同时要能依据乐句情况来将音符划分为几组，而将每一组的音符与于指运动方向保持统一，无论于指处丁何种角度，一定要将力量放下，不要太过有意地压于腕，要将于的重心跟随指尖移动。

于指要有较好的支撑力。于指支撑力较为有限如果于臂所产牛的压力超过了于指支撑力，则会导致于部的肌肉损伤，其危险性较大，但是也不能像松垮的方式落在琴键上。如果于指软绵则会导致音色基本效果不佳。各手指在弹奏中是处丁不同效果的，因而要保持于指的均匀用力，特别需要强化小指日常训练。当各于指具有独立的支撑力，在于指触键时要保持于掌的适度放松，这样于臂可以将力量有效的弹到键底，让音量与音色保持统一。

3 指尖触键在对音色的作用

在钢琴音乐演奏中，音强音弱或者薄厚都有其应有的最佳音色，而该表现与触键的深浅、力量和下键速度有关。如果触键深、力度大且下键迅速则会让音色表现的明亮、深厚、颗粒性、清晰感强，对丁相关特性的曲日表现非常合适。触键中于指处丁较高高度，其触键有更大力量。触键想对浅，力量小以及下键慢则音色会表现的细腻、柔和、有明显连音，对丁歌唱类的作品较为适合。同时在演奏中要让于指与情绪保持稳定性，这样可以让触键的力量更加自然。音色深厚表现应弹键深，音色果断应保持下键和离键的快速触键技法；歌唱特性的音色应该让触键更贴合琴键；音色表现轻巧应触键时把控位置。

4 触键爆发力在音色上的作用

钢琴演奏中的基本用力表现之一就有触键爆发力，于指在演奏中的跑动能力需要于指触键更敏捷，但是其敏捷度与于指的爆发力有密切关系，其瞬间的爆发力量与速度非常重要。在八度弹奏中，爆发力应从于腕发出；和弦弹奏中，爆发力关键在于臂；单音跑动段落弹奏中，爆发力关键在于指。而爆发力触键的分类中，可以划分为柔和变化、打击、轻快纤巧和快速颗粒方式。

5 触键中各部位运动情况对音色的影响

触键中，于掌是演奏的支撑点，无论是强弱音演奏，都需要保证于掌有稳固的架子。在弱音演奏中，如果于掌架子过丁松垮则导致声音缺乏穿透力、不清晰。即便是在浪漫或者印象派的作品中，虽然需要朦胧飘逸梦幻的感觉，但是也不能让于掌完全的松懈，需做好于掌状态的把控，不能让于掌软到无法支撑。如果于掌无法成为有效的支撑点，于腕会替代性的拱起，进而导致于臂和肩关节的紧张。如果于掌塌陷则会导致声音无法集中表现。因此，要表现较好音色就要把控好于型，做好于掌架子训练。

于臂与于指的中间支撑桥梁点就是于腕。于腕有较多的左右弹奏运动，有些属丁于腕的独立动作，而部分需要与于臂做联合处理。手腕应该保持较好的稳定效果，不能让于腕直接去做弹奏，于指需要通过于腕作用来去做离键和下键的操作。如果于腕表现为僵硬而做于指的压迫下键，则会导致弹奏出来的效果僵硬呆板，同时会让身体组织关节异常疲劳。

6 结束语

钢琴演奏中的音乐表现 篇4

钢琴演奏作为音乐表演的最重要形式之一,作为音乐实践中的中介环节,是必须符合一定的美学原则的。而中国钢琴音乐,由于其音乐语言是对我国悠久的音乐文化传统的继承和发展,体现中国传统音乐的文化精华,因此对于中国钢琴音乐的演奏,除了符合一般钢琴演奏的原则外,还要注重对民族性、时代性的把握,进而使中国钢琴音乐的演奏达到至善至美。

一、音乐内容

乐谱是音乐内容的直接呈现,是作曲家创作意图的直接记录,我们拿到一首新的乐曲,首先是读谱,也就是对音乐原作的忠实再现。要做到真正的忠实再现这一点,就必须对音乐作品进行仔细的分析,在整体上认知和把握作品。

钢琴演奏是二度创作,分析作品则是进行第二度创造的基础。追求高质量的演奏,首先必须认真对待内容——乐谱的把握。由于乐谱直接反映了作曲家创作内容及意图,因此对乐谱进行认真的研读与揣摩,对于获得高质量钢琴演奏是至关重要的。中国钢琴音乐的乐谱中,在节奏、速度、力度等方面,常常没有明确的限制,很多散板,自由节奏、速度,甚至有的小节自由发挥,不规定弹多少个音,这时除了分析它的节奏、速度、力度等形式变化,更需要分析和理解乐曲的内涵、意境。在整体上感知和把握作品之外,为了更好的理解作品,还需要了解作者的生平、创作背景、创作意图,参考其他的文字资料。这是因为每一部作品,总是表现了作者对现实生活的感受,表达出作者特定的思想感情。

然而,钢琴演奏作为二度创作,仅仅忠实再现音乐原作是远远不够的。它还要求和演奏者强烈的参与意识及创造热情相结合。不同的乐曲表达不同的情感,不同的情感,音色亦不相同。尤其是中国钢琴音乐,多于追求民族风格或者模仿不同的民族乐器的声响。这时,分析乐曲的内涵、意境,模仿不同音色及变化,就显得尤为重要。同时,演奏者既要对乐曲进行理性认知,又要结合自身的素质、条件、修养及独特的审美方式、表现方法,扬长避短地发挥自己的创造力,甚至形成自己的风格。

只有这样,演奏者才能“在盲从的依附不适当的标记和那种过于自由地偏离作曲家的明显意图之间,寻找一种巧妙的平衡”,才能真正的做到把握乐曲内容与情感认知的高度统一。

二、演奏技巧

技巧在钢琴演奏中的重要作用无须赘述,所有会钢琴的人都知道技巧对于钢琴演奏来说是必不可少的基础。从斯卡拉蒂到莫扎特,从李斯特到肖邦,从拉赫玛尼诺夫到鲁宾斯坦,从傅聪到李云迪……古今中外,一切钢琴家无一不是具有高超演奏技巧的。

然而,技巧并不是钢琴演奏成功的唯一条件,更不是演奏钢琴的最终目的。在经济不断进步的现代社会,从小学习钢琴,拥有高超技巧的青少年甚至儿童,多不胜数,但是最终能够在国际比赛获奖,能够真正被称之为“钢琴家”的人,却寥寥可数。原因是他们把炫技作为目的,这样的话虽然也能一时使人耳目一新,但终究也会因感情空洞表现乏味而令人厌倦。

因为“钢琴演奏不单是理性的,而且也是感性的,甚至是超理性的,也只有把理性的把握和感性的表达内在而完美地融合才能真正掌握钢琴演奏的艺术精髓”1。真正的钢琴家应该把高超而独到的技巧和深刻的艺术表现融为一体、高度统一。他们拥有深刻的洞察力,敏锐的分析力,能准确把握音乐表现的内容,并能用技巧把音乐的内在准确无误、淋漓尽致地表现出来,令人百听不厌、扣人心弦。

在中国钢琴音乐作品中,以上说到的模仿不同的民族乐器的声响这一问题上,就更显技巧与表现合一的重要性。例如《夕阳箫鼓》的第八段,左手波音在模仿琵琶扫轮弹奏,右手则是模仿扬琴,这时除了在技巧上自如地控制手指指尖触键、手腕放松而不垮、手臂往下放,使声音稳定、扎实、紧凑不松垮的效果,并模仿出不同民乐声响、层次以外,更重要的是表现出“韵”。虽然在钢琴上运用技巧可以模仿出民乐的音响效果,但钢琴始终在技法演奏上跟民族乐器有明显的差异,这就要求演奏者必须通过对音乐本身的理解,利用民族文化精髓给自己以丰富的联想,把感性的民族音乐文化、民族音乐乐感与理性的技巧相结合,从而准确地表现出中国钢琴音乐的“韵”。

总之,技巧与表现的统一,作为钢琴演奏的重要美学因素之一,是具有深刻意义的,同时也是使钢琴演奏达到完美境界的不可或缺的保证。

结语

中国钢琴音乐作为中华文化艺术一个重要组成部分,是对我国悠久的音乐文化传统的继承和发展,其钢琴音乐语言具有鲜明的民族性,体现了中国传统音乐美学原则。在钢琴演奏中,作品是基础,因此首先必须对音乐作品进行仔细的分析,在整体上认知和把握真个作品的内容、风格等因素。然而,钢琴演奏作为二度创作,仅忠实再现音乐原作是不够的,它还要求演奏者具有强烈的参与意识及积极的创造热情。中国钢琴演奏豪不例外之余,更需要演奏者以高超的技巧融合深刻的情感表现,准确地掌握、感受和实现作品中最为需要表现的“气”与“韵”。此外,还要弹出民族风格、民族特色,不能只强调个人情感表现。再者,就是做到内心体验与外部表情合一,是欣赏者不仅得到悦耳的听觉感受,还得到悦目的视觉冲击。

综上所述,内容与认知,技巧与表现两个方面的统一,是中国钢琴音乐演奏中重要的美学因素。只有符合这两个方面的相辅相成、协调统一的因素,才能使钢琴演奏更趋完美,才能使中国钢琴音乐焕发勃勃生机。

摘要：钢琴演奏是二度创作,是连接作品与欣赏者之间的桥梁,钢琴演奏应该符合一定的美学原则。而中国钢琴作品的演奏中包含宝贵而丰富的美学思想,本文从中国钢琴音乐演奏的两个方面:音乐内容与认知,演奏技巧与表现来阐述中国钢琴作品演奏中所蕴含的美学因素。

关键词：中国钢琴作品,钢琴演奏,美学因素

参考文献

[1]赖天舒,王丹.钢琴文献研究中的美学思想[J].怀化学院学报,2008(09).

[2]赵晓生.钢琴演奏之道[M].上海音乐出版社,2007.

[3]曹莉芳.《论钢琴演奏艺术中的气与韵》.《Arts Criticism》

[4]常丽文.浅析中国钢琴作品的音乐表现[J].艺术教育,2006(11).

[5]王振蒙.论钢琴演奏艺术的美学因素[J].艺术教育,2006(07).

[6]刘畅.钢琴演奏音乐表现的分寸感之哲学、美学思考[J].星海音乐学院学报,2006(03).

[7]张前.音乐美学教程[M].上海音乐出版社,2002.

钢琴演奏中的音乐表现 篇5

一、贝森朵夫（BOSENDORFER）

贝森朵夫钢琴厂是世界上最古老的钢琴制造商之一，该品牌由伊格纳茨.贝森朵夫于1828年在奥地利维也纳创立。其制造的三角钢琴以顶级的品质闻名于世。1839年，公司接受当时奥地利皇帝斐迪南一世的皇家委任状专门为皇室提供顶级三角钢琴。

伊格纳茨去世后，他的儿子路德维希.贝森朵夫于1859年接管公司的运营并于1860年将公司迁至新址，后来成为贝森朵夫音乐厅。从1872年至1913年关闭，它一直是维也纳首屈一指的音乐厅。1909年，公司被一名叫卡尔.胡特尔斯特拉瑟的商人买下，并于1966年售予晶宝国际公司。直至2002年，公司被奥地利Bawag P.S.K.银行购得，公司股权又回到了奥地利人手中。

二、斯坦伯格（STERINBORGH & SONS）

曾经世界名琴排行第一，1796年于德国曼海姆创立的斯坦伯格钢琴（STERINBORGH & SONS），以优秀的音色、独特而先进的工艺和卓越的演奏性能著称欧洲，是世界十大著名的钢琴品牌之一。美国名家皮尔斯2007年编著的钢琴大典《BOB PIERCE PIANO ATLAS》记载之世界名琴排名首位的德国斯坦伯格Sterinborgh钢琴，但凡顶级的钢琴,他老人家都会写上去的.这个琴在德国真有点非同凡响.不过,中国产区的斯坦伯格Sterinborgh钢琴也是家喻户晓，亦深受世界级钢琴大师约翰.斯密特（John Schmidt).保罗-欧格勒.马克西姆.盛中国.濑田裕子.刘诗昆.秦川等众多大师级专家老师的青睐，从19世纪开始，Sterinborgh就已经成为世界顶级钢琴的代名词。

承源于1796年制琴工艺的Sterinborgh德国斯坦伯格皇家钢琴厂位于布伦瑞克市，现任董事长是克.格罗特里安.斯坦伯格，已经是家族企业中的第五代钢琴实业家了。全厂职工140人，年产钢琴16000台，其中4000台是三角钢琴，产品出口遍及全世界。格罗特里安先生熟悉工厂的每一道生产工序，他要求每个职工不仅能专长于某一工序，而且能熟悉生产中的其他环节。斯坦伯格钢琴厂的自动化程度很高，许多工序都是由机器代替人的手工操作的。立式钢琴生产工艺的显著特点是，它的最后一道工序是琴壳油漆或贴面。也就是说在完成了一台钢琴的整体装配的同时，在进行了传统的震奏、整理、整音、调律等工序之后，才着手琴壳外观涂饰工艺。公司销售经理说，这样做是为了钢琴外观涂饰能最大限度地适应顾客的需求，同时也为了最大限度地减少生产过程中钢琴外壳的碰损．

德国斯坦伯格钢琴公司是西德最著名的钢琴制造企业，公司坐落在誉有“德国钢琴城”的Brunswick , 厂房占地120000平方米，年产钢琴30000台，其中卧式钢琴8000台。美国斯坦伯格钢琴公司成立于二战后的1948年。斯坦伯格钢琴以珍珠般的音色, 1871年被德国皇帝威廉一世授以”皇冠明珠”美誉．--名人鉴赏（注：排名不分先后）马克西姆（Maksim Mrvica）：

世界级钢琴大师；1993年札格拉布音乐比赛钢琴大奖；1999年获得鲁宾斯坦钢琴大赛最高荣誉； 2001年获得巴黎庞拓斯钢琴大赛第一名；2004年获邀演奏奥运会弹奏主题曲《Olympic Dream》......石叔诚：

世界著名钢琴家和指挥家；中央爱乐乐团驻团指挥；钢琴协奏曲《黄河》作者之一，1981及1991年两度获文化部嘉奖；国家一级演员，享受国务院颁发的政府特殊津贴......约翰.斯密特（John Schmidt): 世界级钢琴大师； 比利时百年钢琴大师之一；现任比利时布鲁塞尔皇家音乐学院钢琴教授；比利时伊丽莎白皇后、莫斯科柴科夫斯基、美国范克来本国际钢琴大赛大奖；日本东京国际钢琴比赛第一名......刘诗昆：

享誉中外的著名钢琴家；迄今中国和世界所有华人钢琴家中在世界最高国际钢琴比赛获奖级别最高的人之一，被国外报刊称为“具有罕见魔力的钢琴家”、“中国最卓越的钢琴家”、“世界一流的钢琴大师”。中国钢琴界中唯一的全国政协委员......盛中国：

世界级音乐大师；中国交响乐团国家级小提琴独奏家；杰出的“音乐表演大师”、“最迷人的小提琴家”、“中国的梅纽因（Menuhin）”——这是世界音乐界权威人士对中国小提琴家盛中国的赞誉......濑田裕子：

日本著名钢琴家；被日本权威音乐评论家誉为会用钢琴唱歌的演奏家；世界级音乐大师、著名小提琴家盛中国之妻......秦川：

世界著名现代钢琴大师；青年钢琴家；美国茱莉亚音乐学院博士；“巴黎市大奖”和“鲁宾斯坦奖”获得者；第二届北京中国国际钢琴比赛第一名（李云迪为第三名）；梅西安现代、巴塞罗那玛利亚·卡尔拉斯、美国茱莉亚吉纳·巴考尔国际钢琴大赛第一名；与郎朗、李云迪一起并称为国际上最有影响力的中国青年钢琴家.....三、斯坦威（STEINWAY）

德国人亨利.斯坦威（Heinrich Engelhard Steinwey，后来改名为Henry E.Steinway)于1797年出生，是一位德国裔美国人。1836年，亨利.斯坦威在他的厨房中打造了他第一部钢琴。1850年亨利.斯坦威跟他的妻儿移民到美国。1853年时在美国曼哈顿成立了斯坦威公司（Steinway & Sons）[9]。他第一部在公司生产的钢琴现在于纽约市大都会艺术博物馆展出。自1855年开始，斯坦威钢琴在一些欧美的展覧中获得多个金牌奖。1857年，亨利.斯坦威成立了第一个斯坦威钢琴展示中心，1866年，亨利.斯坦威成立了斯坦威演奏厅。

在1871年时，亨利.斯坦威去世，由他两个儿子弗里德里希.西奥多.斯坦威（Friedrich Theodor Steinweg）和威廉.斯坦威（William Steinway）接管其业务。1880年，斯坦威家族回归德国，在德国汉堡的工厂开始销售Steinway-Haus钢琴。1909年，将斯坦威的业务推展到柏林。

1929年，斯坦威公司制造了一部有164个琴键和四个制音踏板双键盘钢琴。1972年，经过一场官司后，斯坦威公司被卖了给哥伦比亚广播公司。1985年，哥伦比亚广播公司将斯坦威公司卖了给一些来自欧洲的投资者，公司则改名为斯坦威音乐资产公司（Steinway Musical Properties, Inc）。

1995年，斯坦威音乐资产公司与塞尔玛公司合并，成为斯坦威乐器公司（Steinway Musical Instruments）。

四、贝希斯坦钢琴（C.Bechstein）

贝希斯坦钢琴由卡尔.贝希斯坦于1853年在德国柏林创立。

卡尔.贝希斯坦制作的的钢琴能够满足当时钢琴名家弗朗茨?李斯特对乐器的要求。1857年，汉斯.冯.彪罗（李斯特的女婿）用贝希斯坦钢琴在柏林举行了首次公开演出，演奏曲目为李斯特的《B小调钢琴奏鸣曲》。

到1870年，在李斯特和汉斯的支持下，贝希斯坦钢琴已成为在许多音乐厅和私人豪宅的主选。当时，三家钢琴制造商贝希斯坦、斯坦伯格、斯坦威公司均在1853年成立，成为该行业全球领导者。

1881年，贝希斯坦为维多利亚女王提供钢琴。一架镀金的艺术外壳钢琴被送到白金汉宫，[6]之后更多的钢琴运到温莎城堡和其他皇家领地。1886年，贝希斯坦获得女王的皇家认证。[8]一些英国大使要求订购贝希斯坦钢琴。

1885年，贝希斯坦钢琴在伦敦开了一家分公司，后来成为欧洲最大的陈列室和经销商。1890年，巴黎、维也纳、圣彼得堡的展厅也落成。1901年5月31日，耗资100,000英镑的贝希斯坦厅在伦敦分公司附近落成。1901年到1914年之间，贝希斯坦钢琴是伦敦最大的钢琴经销商。当时，光顾贝希斯坦钢琴包括的俄罗斯沙皇，西班牙、比利时、荷兰、意大利、瑞典、挪威、奥地利和丹麦的王室，以及其他皇室和贵族。第二次世界大战之前生产的钢琴的音板上可以找到皇家客户的名单，这份名单是最初的贝希斯坦钢琴商标的一部分。

从1870年代到1914年，贝希斯坦钢琴销量增长飞速。1880年，第二家工厂在柏林建立，1897年，第三家工厂在克罗伊茨贝格成立。1900年产量达到3700架，1910年达到4600架，使之成为德国高端钢琴最大的制造商。1913年，其钢琴制造师和工人达到1200人，年产量达到5000架。当时，大约四分之三的产品为国际市场，尤其是英国和其联邦国家，以及俄罗斯。

卡尔.贝希斯坦于1900年逝世，贝希斯坦钢琴由其儿子的负责管理运作。

五、夏贝尔（CHAPPELL）

诞生于1811年，世界“钢琴之王”Chappell 夏贝尔钢琴是世界级权威专著《钢琴鉴赏手册》重要记载五大名琴之一,世界十大钢琴博物馆均有收藏,如:英国伦敦大英博物馆(又名不列颠博物馆)；德国佩加蒙博物馆（国家博物馆）；亚洲最大的鼓浪屿钢琴博物馆等世界顶级的博物馆均有重要收藏;自1996年进入中国市场以来,夏贝尔钢琴集团目前在中国建立多个省级政府批复的亿元级产业集团项目(例:福建省发改委批复夏贝尔钢琴集团工业园亿元级产业项目);是什么造就了夏贝尔钢琴非凡的制造技术:世界“钢琴之王”Chappell 夏贝尔钢琴的制造工艺非常高超和严谨，一位钢琴制造师要当三年半的学徒才可以正式工作。在这三年半中有1/4的时间在钢琴制造学校学习，3/4的时间在琴厂做手工。

从1811年诞生直至今天，世界“钢琴之王”Chappell 夏贝尔钢琴80％的加工还是纯手工制作。钢琴的发音与木头的纹理方向有很大的关系，音板的纹理要拼得严丝合缝。这个过程都是由非常有经验的老师傅完成的。在钢琴出厂之前，还要经过三次整音。这三次整音是直接对声音的调整：第一次是在一定范围内调整榔头的软硬，有时为了保证声音会换掉所有的榔头,虽然这些榔头极其昂贵。第二整音是使声音自然化。第三次整音是把前两次不能做到的进一步完善。三次整音共耗时15－20个小时。

福建亿元级钢琴制造集团-夏贝尔钢琴部分型号解析：(关于世界钢琴之王夏贝尔钢琴的中国制造系列钢琴):夏贝尔钢琴型号最主流的系列是:MK/C5-UP125(32600.00元);和C5-UP125A(33900.00元);以及C5-UP128(38600.00)元,因为这三款式的立式钢琴都是根据德国原装进口钢琴夏贝尔C5系列127和130的1:1数据制造而成;C5-UP125和C5-UP125A主要是款式的差别而已,但重要的是C5-UP125A的款型忠实于德国制造的原样,所以价格会略贵一些;而MK/C8-UP125(38500.00)和CH5-KU310(52980.00)则是前两个款式的DE758数据升级版,更值得珍藏!夏贝尔钢琴型号(中国制造)最主流的三角钢琴系列是:GP188系(229800.00)最忠实于德国制造数据德国图纸的最佳音色和手感的舞台演奏钢琴;

六、斯图拉特(Stuart & Sons)1816年，素有“手工乐器专家”之称奥斯汀.斯图拉特(Austin Stuart)在德国创办了Stuart & Sons斯图拉特这一钢琴品牌。1886年,另一位举世公认的钢琴乐器制造史经典人物霍华德.斯图拉特(Howard Stuart)在法国巴黎的手工场强大发展这一品牌，后至英国,瑞士,意大利,美国甚至于加拿大,澳大利亚等地。Stuart & Sons斯图拉特钢琴深受皇族垂青，法国国王路易十六和玛利皇后都是Stuart & Sons斯图拉特钢琴的推崇者。Stuart & Sons斯图拉特的早期发展除了乐器制造以外,还有珠宝,手表,手工奢侈工艺品等;巴尔扎克、普希金、大仲马、雨果等文豪的著作中也都曾提及Stuart & Sons斯图拉特手工奢侈工艺品;英国女王维多利亚和英国首相邱吉尔等名人都是Stuart & Sons斯图拉特的顾客。一直以来, Stuart & Sons斯图拉特钢琴集团是上流社会最引以为豪的奢侈品，历久不衰。上世纪60年代以来,Stuart & Sons斯图拉特品牌钢琴在德国、奥地利等地销售量大增。Stuart & Sons斯图拉特钢琴集团一方面致力于高端钢琴核心技术(码克技术)的研究，一面发展顶级钢琴乐器的设计和制造。从设计、制作码克模型到优质的击弦系统，Stuart & Sons斯图拉特钢琴集团始终秉承精益求精的态度和制造宗旨。如今，Stuart & Sons斯图拉特隶属德国斯坦伯格公司(Sterinborgh GmbH.Germany);

十八世纪以来，Stuart斯图拉特钢琴一直是顶级制造的代名词：世界顶级名殿－金合欢厅里就有一架由德国制造手工艺大师Stuart & Sons制琴师定做的三角钢琴。这架质量精良的钢琴全部手工制作, 饰面采用取材于塔斯马尼亚西南部古森林的雀眼花纹泪柏。作为斯图拉特父子设计的巅峰之作,钢琴绚丽的金色光泽与致密的纹理映衬着合金欢花地毯,相得益彰。这架三角钢琴的绝美琴键，这在Stuart & Sons制作的钢琴里绝无仅有,因此其生动的音域和清晰的音色都是其它钢琴所无法望其项背的。

精湛工艺奠定了斯图拉特钢琴Stuart & Sons的创造与制作原则，正因如此，斯图拉特钢琴Stuart & Sons的每一件成品都要经过数年锤炼，那每一个刻度都体现出大师的精雕细琢。斯图拉特钢琴秉承德国高端严谨的制造立场，由全球最知名的钢琴品牌斯图拉特DE钢琴制造技术核心组指导的全球最高端制造。

七、法奇奥里钢琴（Fazioli）

作为世界高端钢琴制造商之二线品牌，Fazioli 钢琴的历史却相对较短。相对于多数在第二次世界大战之前就已经存在于世的钢琴公司而言，Fazioli仿佛是个出生不久的婴儿，但这并不影响他被公认为最好的钢琴品牌之一。如此的优秀来自何处？令人惊讶的平衡结构设计结合令人难以置信的纯净音色，构成了这台高价而品质更加优秀的钢琴，简直就是一台为音乐厅专门打造的神器。意大利钢琴演奏家、工程师Paolo Fazioli一直梦想创办一家生产顶级钢琴的公司。在1978年，他在一栋建筑的天台开始了他最初的创业。直到三年后的1981年，Fazioli 钢琴公司才正式成立。经过三年的艰苦创业，Fazioli的第一款钢琴样品终于得以展出。他的公司最初在德国法兰克福的Musikmesse。当时在德国，人们对意大利的商品似乎颇有微词。尽管这样，Fazioli并没有因为他的意大利风格的名字而被人遗忘，反而因品质给人留下了深刻印象。

1983年，Fazioli做出了一个大胆举措，他在Monfalcone的市政歌剧院摆放了一台Fazioli三角钢琴。这意味着从那时起，所有在市政歌剧院演奏的钢琴家都有机会弹奏Fazioli钢琴。这种方式，使得许多有名的钢琴演奏家都尝试了这台新钢琴。直到1985年，这一直都是这家新生的钢琴公司最重要的宣传方式。于是，人们逐渐注意到这个品牌，越来越多的演奏家开始尝试这款钢琴。就在这一年，阿尔弗莱德.布兰德在他的几场著名音乐会中选用了Fazioli钢琴，更助该品牌名声大振。在音乐会期间，评论家们对Fazioli钢琴也表示了浓厚的兴趣。由于市场对小尺寸钢琴的需要，在1987年Fazioli产品系列得到了扩展，推出了著名的F212系列。

从1988年开始，Fazioli就一直与全球经销商进行接触和洽谈。进入90年代后，这个经过多年经营的全球经销网络，迅速的把这个意大利名牌变成一个国际品牌。于是，Fazioli开始参加每年在洛杉矶举办的NAMM（全美音乐商人协会）Show，这是一项非常重要的音乐界盛会，对于Fazioli在美国的推广会起到巨大作用。随着国际名声的增长，在90年代末，Fazioli钢琴终于真正打开了美国市场。

到了2001年，越来越多的钢琴演奏者对Fazioli青睐，公司也开始提升他们的量产和销售。公司在21世纪进入了高速增长期，销售量扶摇直上。而今，Fazioli的快速增长使之成为钢琴制造商界的一个主要竞争者，在某些方面甚至有赶超Steinway（斯坦威）和Sterinborgh（斯坦伯格）的势头。

尽管只有30年左右的历史，Fazioli却在钢琴界创造了一个神话，赢得了各大厂商的尊重。

八、费迪兰德（Ferdinand）

诞生于1856年,德国费迪兰德Ferdinand是世界上以生产高端钢琴、乐器和核心音源系统而闻名的专业公司，总部设在德国曼海姆(Mannheim,Germany)。参考资料：《世界奢侈品鉴赏网》2008年第11期.---作为知名的顶级名牌钢琴制造商，Ferdinand费迪兰德制造的贵族顶级版本钢琴可以完全依据客户的需求量身定制。最快速度打造一台顶级F09钢琴要3年时间.从2002年开始，Ferdinand费迪兰德将顶级F09钢琴产量从年产100台提高到年产150台。不仅只为有限的尊贵用户生产这一他们成功价值的体现，而且每一款又都是绝版收藏的佳品，即Ferdinand费迪兰德每年都会推出一款新的钢琴，而当每一款钢琴的全球产量达到800台时立即停止。Ferdinand费迪兰德的目标是顶级钢琴市场的最高端的用户，这些客户主要集中在欧洲、美国、中东、地中海地区以及周边一些小的极富裕的国家的贵族。

钢琴演奏中的音乐表现 篇6

关键词：音乐要素；演奏技巧；钢琴教学；融合

0 前言

练习钢琴关键在于表达情感。弹奏流利的乐曲关键在于钢琴的演奏技巧。通过准确的演奏技巧来诠释乐曲的内涵。音乐要素是音乐理论知识学习必不可少的内容。钢琴作为音乐学习的一部分自然而然也会运用到音乐要素的知识。音乐要素的演奏技巧在钢琴教学中的应用对教学的开展有着重要的帮助。

1 音乐要素概述

声音的四要素是：音高，音强，音长，音色。音乐的四要素也脱离不开这四个，是它们相互组合成为的音乐表现形式。[1]例如：节奏，曲调，和声，曲式，音色。再细分就是力度，速度，调式，织体，线条，谐音，泛音，复调紧张度等等。作为很基础的音乐理论知识，音乐的众多要素如果不能很好地运用到实践当中，就会变得晦涩难懂，脱离实际。

2 演奏技巧在钢琴教学中的实施

弹奏音阶是钢琴最简单的要求，也是钢琴练习的基本功。音阶之间的衔接，流畅性是评判钢琴演奏最基本的标准。好的钢琴演奏音阶之间听不出停顿，整首曲子一气呵成。这考察的就是手指的灵活度和曲子熟悉的程度。[2]

弹奏方法最基本的有两种：连贯和跳跃。这两种弹奏要求的是手肘的力量和控制。教师在教授演奏技巧时要注重这两点，否则会出现节奏不稳，甚至混乱，声音太过沉重或刺耳等现象。

教师讲解演奏技巧时，可以让学生进行练习，模拟，培养肌肉记忆，避免盲目练习。在接触全新陌生的曲目时，可以让学生采用分解法，将曲目分成几个小段，逐一进行练习。再遇到陌生的曲调时，着重反复练习，养成深层记忆。

3 音乐要素的演奏技巧与钢琴教学的融合

想要让学生钢琴演奏水平有所提高，就要保障教授的方法正确和适用。音乐要素是学习音乐的学生最开始就要学习和掌握的。可以利用已经获得的知识来教授新的知识，降低学生的学习难度。

钢琴演奏和教学中的几个基本注意事项：手和手臂保持的姿势；肌肉的紧张和放松程度；触键时的力量以及手指弯曲伸展的灵活度；手腕的带动作用；节奏的把握度；个人情感在弹奏时的融合等等。钢琴演奏时包含了听觉，视觉，触觉等感官的统一，不是哪一部分单独运作。

钢琴训练是一门技巧性的训练，专业性的训练。强调的是放松，自由但有意识的练习。

3.1 在放松练习中的应用

上文谈到了钢琴演奏的要求，肌肉的松紧程度，手和手臂的角度和姿势等。在弹奏钢琴前，它要求的是一个相对放松的心理状态和身体状态。肌肉要放松，不能紧绷，手和手臂保持自然的姿势和角度，双臂于胸前自然垂落。放松不意味着松散，散漫。教师要注重学生手指的灵活度，尤其是指关节的灵活以及直接的快速反应，即触碰的敏感性。要训练手指的独立性，每个手指都能独立开，非常灵活，尤其是左手。教师可以要求先练习两个音的重复，例如：12，13，23.这样反复重复练习。[3]熟悉之后再加快速度，直到彈的干脆利落。

与此之外，练习时注意断奏和连奏。断奏又叫断音，就是跳音弹奏。弹奏每一个音符，手指快速按下琴键，快速收回。在这个过程中，肩膀和手臂仍旧要保持放松，要处在一个自然的状态下，手指灵活，但要注意手腕不能僵硬，以免出现痉挛。连奏又称连音，顾名思义，音与音之间紧密结合，一个键松开时，另一个键正好发音，整体听起来流利顺畅没有停顿。手指要求的使平展在琴键上，而不是直立，要达到的是缓慢饱满平和的声音，而不是垂直触击发出的有力的声音。音阶与音阶之间不单是音符的交接，也是力量的传递。教师可以先要求学生进行手势练习，练习始终保持肌肉的放松和自然状态。然后进行手指力量的练习，能够掌握自己的手指触键的力量，循序渐进，由慢至快，最后达到干净，匀速，饱满。[4]

3.2 在听力练习中的应用

听，是钢琴教学和练习里必不可少的。听音，听音的准确程度，饱满程度，平和程度，听音与音之间的衔接的流畅程度，还要听曲调的节奏。在演奏之前，要先学会听，听曲目的内容，听它的喜怒哀乐所有表达的情感，听它或是严谨或是自由的节奏感，听它流露出的整体氛围。由耳朵听，由心理感受，由指尖传递，这是钢琴学习的完整的状态。音乐要素中的音高，音色，音阶，和弦，泛音，振动等等都能被“听”到。每一个弹奏的音符都能被听到。听，能让人感知旋律，音质，音乐的节奏。人能够把感官知觉变成主动，把视觉和听觉转化成触觉。

教师在安排听力训练时，可以根据课程内容做成适当的融合。首先听整首曲子，体会整体的情感状态，然后分节听，甚至几个音组合听。通过听力练习，熟悉弹奏的音的状态，连续情况，能够找出自己在练习的问题所在。听出触键的有力程度不够，听出音的缺陷之处，听出音节的接连不畅，听出情感的错误表达等等。要将听觉和触觉完美的结合，要将耳朵和手指绝妙的配合，让音乐中充满感知，演奏出最自然的曲目。[5]

3.3 在节奏练习中的应用

节奏是听起来最容易分辨出问题的地方。要掌握好感知和节奏才弹好钢琴。节奏可以说是钢琴演奏中的核心，无论单音弹的多出色，技巧掌握的多好，感情酝酿的多充足，如果没有一个很好的节奏来衔接这几点，那就不能成为一首优秀的钢琴曲。

教师可以安排节奏练习。在钢琴学习之前，要先学习节奏的规律。听音乐，数节拍，跟着节奏拍打，这是最简单也是最基础的办法。让学生明确知道节拍，数清节拍，重复听几遍音乐，跟随着敲打节拍，保持跟音乐一致的速度，不能过快过慢。在最开始的弹奏的时候，也要保持着数节拍的学习。随着自己的弹奏速度来感觉节拍是否正确。但是对于节奏的学习，不能长时间处于数节拍打节拍的练习中，会让学生觉得枯燥无味，适得其反。长时间的练习导致在曲目的感情表达上有所欠缺。要注意合理分配时间。

4 结语

音乐本质上来说是一种创造性的艺术，是一种随时充满新意的艺术。对于每个人有着不同的感觉和体会。人的心理变化也会让音乐发生变化。所以在教学时仍旧要保持灵活的方式不能墨守成规。教师在教授钢琴时也要有大胆的创新，让学生保持对钢琴的学习兴趣。无论是从放松肌肉，听觉感知还是节奏的掌握上来说，都不能只教理论。要在实际的钢琴练习中，让学生亲自体会，弹钢琴时的自然放松的状态，从听中获得的音乐氛围，从节奏的感知上串成一首流畅的钢琴曲，学生才会了解音乐要素和钢琴学习结合对钢琴演奏的重要性，另外，教师还应该让学生养成良好的学习和练习习惯，坚持音乐要素的演奏技巧在钢琴练习上的实际应用，坚持在钢琴演奏中运用到音乐要素，并不断创新，形成更完整的教学体系，达到更好地融合。

参考文献：

[1] 李海萍.乐感与演奏技巧对钢琴演奏的影响分析[J].青年作家，2014（20）.

[2] 林嘉旋.音乐要素的演奏技巧在钢琴教学中的应用[J].黄河之声，2013（04）.

[3] 朱翼宇.基于音乐要素的演奏技巧在钢琴教学中的应用研究[J].戏剧之家，2015（08）.

[4] 马岚.浅析钢琴弹奏技巧与音乐表现间的重要关系[J].赤峰学院学报（自然科学版），2014（21）.

钢琴演奏中的音乐表现 篇7

什么是音乐特征, 用简单的话来说, 就是音乐内容情绪、形象、意境等等所决定的音乐细部特质和总体风貌。

音乐特征是音乐的实质, 它决定着我们用什么方式, 什么手法和什么情感去表现音乐, 是领会音乐和表现音乐最重要的基本要素。所以, 我们讲表现音乐, 首先要讲把握乐曲的音乐特征。

将不同的音乐按不同的特征分类, 把音乐特征这个比较抽象的概念具体化, 可以方便学生领会把握。

人的情感丰富细腻, 体现于音乐特征亦千差万别, 因此, 事实上难以细分, 但大致可分为四类:抒情类、活泼类、精神类、激情类。

1.1 抒情类。

这类特征的音乐一般是歌唱性的, 速度较慢, 它大多以优美如歌的旋律来抒发人们内心的情感。情绪上它既是可以亲切妩媚的, 也可以是简单质朴;既可以是愉悦动人、平静安宁的, 也可以是虔诚神圣的、悲伤哀愁的。我们对这类音乐特征的乐曲在表现上要抓住特征是抒情性, 歌唱性, 声音柔和优美。

1.2 活泼类。

这类特征的音乐大多数生动跳跃, 速度较快, 节奏鲜明, 常常用来表现人们快乐的天性。对于学生而言, 这是他们情感最敏感, 最易接受和体会的一类音乐。它经常表现为轻巧、活跃、幽默风趣, 诙谐生动。在表现上我们要抓住的特征是轻快活泼, 节奏性强、声音明亮轻巧。

1.3 精神类。

这类特征的音乐表现人的精神气质和精神风貌。音乐挺拔有力, 坚定果敢, 雄壮庄严, 气势宏大, 在表现上我们要抓住的特征是:速度中庸, 节奏有力, 声音深厚, 有朝气, 有活力, 有气势。

1.4 激情类。

这类特征的音乐, 由于人的情感因素, 最具有震撼力和感染力。它除了独立存在与某些篇章外, 亦常常在作品作为音乐的高潮出现, 展示出音乐的灿烂辉煌和磅礴气势。表现上的特征是力度较大, 手法较复杂, 尤其要注重倾注情感, 投入其中。

需要说明一点, 音乐特征的体现可以在整首曲子, 可以在整个段落, 也可以在音乐细部。我们学生演奏的那些短小的初级钢琴曲, 音乐特征往往比较单一, 许多时候一个曲子只有一种特征, 如格尔曼的《睡吧!宝贝》, 汤普森的《印第安鼓舞》等。但也有不少小曲, 短短的篇幅里包括了不同特征的变化和对比, 如李重光的《玩具》、丁善德的《芦花公鸡》等。当然, 随着程度提高, 曲子扩大, 运用音乐特征的变化来丰富音乐表现力就成了相当普遍的手法。

在总体上了解音乐特征的分类之后, 需要我们能进一步针对具体音乐作品分辨它的音乐特征, 必须落实到这一点, 才谈得上对我们学习的作品进行艺术处理的具体操作。

2 对力度处理是表现音乐的重要手段

首先, 理解分析作曲家为作品所作的各种力度标记。

力度是音乐表现的重要手段, 每个作曲家都会对自己作品的音响充满想象, 当它还是纸面上的东西的时候, 他们心中的音响效果已犹然在耳。因此, 他们都会把这种效果的想象变成各种记号标记在音符上面来表达他们心中的意图和效果。这些力度记号和有关力度知识方面的音乐术语就是我们进行力度处理的依据。

其次, 音乐的自然倾向, 能够成为我们用作音乐力度处理的一定依据。

乐谱的记谱由于时代的差别, 或由于记谱法在不同作曲家的概念的不同而在标记上表现差异。并不是所有的乐谱都把所有的力度表现意图标示得很详尽, 最典型的如巴赫, 他的作品根本没有任何力度标记。之后的海顿、莫扎特不如贝多芬标明详尽。到了德彪西、拉威尔以至现代作曲家才有了特别致力于对创作意图的精细标记。

那么, 对于许多未有标记, 或未作精细标记, 或已做精细标记, 但也并非能够包罗全部的作品, 我们应如何来做力度处理呢?依据是什么呢?

这个问题可以简单的用“音的自然倾向”和“音乐发展的自然趋势”来回答。

比如一个自然音阶, 它的一个音一级一级向上推动, 趋向前面高点的音, 便形成了一个自然向上的趋势。反过来, 音流的下行往往带有收缩的趋势, 因而可以自然的处理渐弱。

乐句的起句和结尾一般较弱;乐句的高点一般较强, 乐句的推动一般渐强, 乐句的收缩一般渐弱。音的上行模进一般是渐强的向上趋势;音的下行模进一般为收缩的减弱趋势;音乐向高潮推进之后则一般趋向平和和渐弱;音乐在高潮处将展示热烈、热情、宽广、气势与辉煌……这些都是音乐本身的一种自然发展趋势。高潮处相反的情形也有。但这种情况, 一般曲作者都会作出标记对他的特殊表现意图予以提示。

3 运用对比是一切艺术表现的重要原则

对比是一切文学艺术创作表演要遵循的美学原则, 音乐表现亦然, 从表演的角度上看, 可以把音乐简单的归属分为两类:一类叫音乐特征对比, 一类叫力度层次对比。这两个方面虽然作为音乐表现的基本要素我们已在前面分别讨论过了。但作为对比的应用和表现还有新一层含义。

音乐中的对比形式多种多样。一方面说, 可以整曲、整段作为一种音乐特征来作整体性的对比, 如组曲、套曲、奏鸣曲、变奏曲、回旋曲、二段式、三段式乐曲中, 曲与曲之间或段与段之间的对比;另一方面也可以将对比手法运用在很小的, 如在一个乐句内部, 或一个乐句与乐句之间以两种音乐特征来进行对比。比如, 坚定有力的音乐与柔和歌唱的音乐对比。也可以更细腻的从奏法、调性、调式、和声色彩等来影响音乐特征内部的对比。比如, 一首音乐特征表现为快乐活跃的曲子, 它既可以以鲜明的节奏, 明亮的跳音来表现欢快活泼, 也可以用抒情性的旋律来表现欢愉的歌唱, 大的特征是上一致的, 但表现手法上要形成对比。在表现手法的对比上, 我们可以列出如快慢、长短、、强弱、断连、刚柔、明暗、高低、旋律性与节奏性等等。我们也无须以概念来记忆这些东西。需要辅导学生们真正掌握的是对音乐对比性的体验和对音乐对比性的表现。当然, 理性上必须明确对比是表现音乐的又一最重要的基本要素, 是音乐表现最重要的手段之一, 没有对比的变化, 音乐会变得平庸无味, 毫无生气。

4 千里之行, 始于足下———表现音乐得从乐句做起

有句通俗的话叫做“从大处着眼, 从小处着手”当我们从字体把握表现音乐的基本要素以后, 就需要落脚到组成音乐结构的最基本单位———动机、乐汇、乐句上, 寻求服务于音乐总体情绪特征的具体处理。必须明确, 这也是表现音乐最重要的基本要素之一。

文章的理解讲字、词、句、段意、中心思想, 音乐同样, 我们不是把音乐叫做音乐语言吗?事实上, 音乐表现也就像说话一样。要让别人把你的意思听懂, 你就得把字、词、句读对, 把话讲明白, 表达出语句中的语气和意思来。

在教材的记谱中, 为了方便学生们掌握, 作曲家常用连线来进行乐曲划分, 这可以帮助我们一目了然的看清它的结构。但另一方面, 也有的曲谱不用连线来分句, 或者连线还有其它丰富的用途, 许多连线并不都表示分句, 所以不能把所有连线作为分句的依据。我们要在这里归纳的第一点是:通过对乐句结构的了解, 必须学会用头脑划分乐句, 无论乐谱是否用连线来标示分句, 只要我们开始学习弹琴, 就要学会这一点。第二, 必须要在演奏中进行分句。表现音乐, 把音乐的结构讲清楚非常重要。要做到句与句、段与段既清晰分明又统一于整体。一般地说, 乐句的划分用手腕的协调来做, 乐句收尾的地方力度收缩, 把手腕轻轻提起来, 留一口气, 像说话时的呼吸一样, 呼了气再进行第二句。

我们帮助学生们用琴声表达音乐的时候, 应经常告诉他们:表现音乐就像说话一样, 把话语中的语调、语气、抑扬顿挫, 像表达自己说话的意思那样自然地融入音乐, 就能赋予音乐生动性, 音乐就离开了平庸和死板。于是, 我们应认为表现音乐并不难, “就像说话一样”。

钢琴演奏中为了更好的表现音乐, 不仅要掌握钢琴演奏专业技术和对音乐的理解, 更应上升为提高整体艺术修养, 即生活阅历、知识积累和文艺修养的总和。钢琴演奏者必须坚持从生活出发, 从生活中发现美, 时时刻刻积累生活感受和艺术感受;必须多欣赏文学作品, 提高演奏者的想象力和表现力以及艺术感受能力。总之, 我们只有把技术手段和艺术修养完美的结合起来, 我们才会有完美的音乐表现。

钢琴演奏中的音乐表现 篇8

作为一个钢琴演奏者,演奏技术是一项必须训练的技能,它直接影响到音乐旋律的表现,这两者是相互关联,相辅相成的。技术种类学习的越多,练得越娴熟、流畅,就越能得心应手地表达音乐风格和内容。如果在演奏者的头脑中只有简单的音符,按照乐谱上的要求,根据音符的长短、强弱来演奏,那么钢琴就像一架机器,演奏者成为操纵这架机器的工作者,做机械的运动,使人感觉到用漂亮的嗓音,陌生的语言朗诵一篇外国文章,所以正确培养学生钢琴演奏技巧与音乐表现的关系至关重要。

钢琴演奏技巧与音乐表现密不可分,在培养学生演奏技巧的同时,还要对作品的内涵进行理解,两者结合才能把作品的真正意味表达出来。如巴赫作品中乐谱上方出现的圆点,在技术上要求演奏为断音,而在演奏巴赫平均律时触键要富有弹性,手指触键要快,这样才能演奏出愉快,辉煌的效果,如果手指离键低,这时就能弹奏出温柔、亲切的效果来。总之.在巴洛克时期所表现的音乐是深沉、宽广、凝重.只有这样演奏,才能把巴赫的音乐风格呈现给听众,真正享受到那时的音乐的美。而到了浪漫主义时期,在演奏技术方面,李斯特、肖邦开拓的全新演奏技术令车尔尼、胡梅尔惊愕不已,同时,在音乐的表现方面也有了新的变化,但除了在演奏技术上的扎实基本功以外,更为重要的是了解作品的背景,这样才能把音乐表现出来,所以当给学生上课时,首先不是给学生讲如何演奏这首乐曲.而是给他们讲这首作品的背景,作曲家的生平,让他们了解这首作品的涵义,知道作曲家是在什么样的情况下写的,在完全体会到了这点,才能要求技术演奏。在不同时期.不同的作品风格,不同的作曲家要求不同的演奏技术。这种演奏方法、表现方式和手法经常发生明显变化,这种变化取决于他们诠释的是哪位作曲家的作品。做到完全了解乐曲的内容后,再专门进行技术练习。下苦功夫攻克这些技术难点。当然,在练习时千万不要把技巧想象得如此困难,还是要结合音乐本身的涵义去演奏。我们可以从三个典型的时期来作为实例,分析演奏技巧与音乐表现两者是如何完美结合的,如何让学生掌握这两者的关系、把握好尺度。

在古典主义时期,音乐家的主要特点是:手指运用精巧、准确,声音轻盈而透明,"绚丽的"色调变化,对织体细节的精雕细琢,速度节奏规范匀称,有节制、"节省的"的踏板,线条重于色彩,手指犹如珍珠落盘的轻巧,使音乐作品中的每个最小组成部分都极致清晰,这是古典主义时期音乐家在演奏上的追求。通过以上的研究我们发现这个时期对演奏技巧的要求、目的已经分外清晰了。

这个时期首先要解决的一项技巧是就是触键,这也是表现钢琴音乐极为重要的一项技能,不同的触键会使钢琴产生不同的音色与音量的变化。触键的手法也多种多样,有单指、多指,甚至整个拳头来演奏.也有从无声按键到发出各种不同力度的声音等等。要想演奏出好的作品,就要从最基本的技巧训练开始,而古典主义时期作重要的也是触键的问题,要求手指像水晶一样晶莹剔透,不参合任何的杂质.声音像是蝴蝶飞过花丛,又像是蜻蜓点水,但飞过的痕迹,点过的湖面要留下清晰地痕迹。触键速度要快,力度要强,但不笨拙,柔里带钢。当腕部保持不动的状态用指尖触键,会弹出美妙的歌唱性旋律;放下手臂,把重量通过腕部传达到指尖,就能弹出清晰地类似银铃般的音响效果。从这可看出,不同的演奏方法会出现不同的音色。莫扎特的奏鸣曲就需要这样的演奏方法,当然不能以偏概全,在遇到不同的作品时还是需要不同演奏方法。在速度与节奏的把握上最重要的一项是要求均匀、匀称、平衡。相信用这几个词已经能够表达出演奏作品的要领了。当然在演奏古典时期的作品踏板也是非常重要的技能,一定要干净,不要太多的装饰。

浪漫主义时期音乐家具有天生随时奔放的激情,他们的特点是:注重的不是清晰而准确的轮廓线条,而是浓重丰富的色彩;不注重音乐结构中的细节划分,而是强调全面的、总体上的声音"涂色";宏大重于细节;"壁画特点"多于"版画特点";突然和随意的速度,节奏交替多于严格规范的速度;手的运动中大幅度的手势多于矜持,但不夸张。如果说"古典主义时期的音乐家"注重音乐作品的鲜明、玲珑剔透和规范化,那么,"浪漫主义时期音乐家"则主义中隐约、含蓄、委婉起伏、美妙而神奇的朦胧。

虽然这时期有着很多优秀的代表人物,这里我还是以肖邦为例,他是大家再熟悉不过的音乐家,作品风格多样,但却能充分代表这一时期的音乐风格。在演奏技巧方面不同于古典主义时期的规范、透明。通过触键的不同方法,可以演奏出音色与音量的微妙变化,这是肉眼看不出来的,通过手指触键的力度、臂力的运用产生的。这也就是浪漫主义时期音乐家的隐约、含蓄、朦胧音乐风格的演奏技巧之一。为了表现乐曲具有浪漫主义情怀,在速度的把握上也更加随意,不像古典主义时期的那样规范。肖邦是一位多产的作曲家,他创作了各种不同风格的作品来表达自己的灵魂、心声,所以,要根据作品所要求的、作曲家所要表达的内容来确定演奏速度以及其它演奏技巧。在演奏肖邦作品时,为了更加突出作曲家的浪漫主义情怀,运用了踏板,这也是钢琴技巧中非常重要的一项演奏技巧。它的运用也不同于古典主义时期的特点。踏板的使用直接影响乐曲所要表达的内容,不管色彩明亮还是忧郁,都要由乐曲本身所决定。肖邦的《B大调夜曲》(作品第9号第三首)的尾声,第一次踏板在属七和弦上,高音区为半音阶下行,第二次踏板在B大调的主和弦上,加上一次#G和六次#C的经过音,色彩极为丰富。

表现主义时期:这个时期的音乐家,已经有了自己的思想,不管在演奏技巧还是风格都有了自己个性的发挥。多变不规范的节奏,不协和的和弦,像在绘制一幅抽象的壁画。耐人去琢磨,去思考。这一时期的作品比前两个时期更加开放,不管在作曲方面,还是演奏方面,都有了自己的随意性、想象性。节奏的随意性,节拍的多变性,和弦的不协和,都多了一份给人想象的空间。多种颜色的混合让人眼花缭乱。这种风格的作品,让学生有了自己处理乐曲的空间,通过自己的想象去在画板上尽情的描绘。所以还是要在练习规范曲目的同时,多让学生去感受各种音乐风格的作品,就像是表现主义音乐。

西方的钢琴作品有着彼此相通的特点,中国的作品也有着自己的特点,五声音阶是中国具有代表性的音乐,它旋律优美,仿佛仙女下凡,点开人间每一朵奇葩,声音永远和谐动听,《春江花月夜》把中国古典美表现的淋漓尽致,借着古人的诗句把与情景结合,便可看见眼前一幅静雅的画面。这种音乐形象的塑造,促使我们在演奏时动作一定要小,且要均匀发出每个音,如粒粒晶莹的珍珠串联起来。手腕要稍有紧张度,小心奏出每个音。在给学生上课时,就要把握情与景的结合,由心底流出清澈的小溪,当在用心去体会音乐时,手指自然就会有所控制。也就能够演奏出漂亮的音色,这比强硬去强调技巧强的多。

当然,在演奏不同作品时所运用的演奏技巧还是不尽相同,不能以偏概全。在这里只是举出具有代表性的几个例子。在给学生上课时,要充分抓住以上演奏技巧的特点,要求学生把握作品的风格。如果在演奏上有困难,可以先聆听,用心去体会作品所要表现的内容,当你听出作品的风格、时期、以及作曲家的心声,那么即使在演奏技巧上不能立刻实现演奏梦想,那么离梦想也不远了。老师可以帮助学生选择不同时期具有代表性的乐曲或作曲家。例如古典主义时期的海顿、莫扎特,他们的奏鸣曲正像前面所总结的特点,在触键上,音乐风格的把握与表现上都是杰出的代表。还有浪漫主义时期的杰出代表肖邦,他可以说是钢琴的浪漫诗人,尽情的吐露心声,不管是为国家而作,还是为自己表白,作品都想是展示一幅美丽的画卷。他的圆舞曲、夜曲、谐谑曲都是钢琴作品中的精品。在聆听的过程中可以体会到那个年代音乐的表现形式以及社会现状。在学习钢琴的过程中,为了让学生开阔眼界,了解各种风格的作品,应该打破音乐的界限,除了聆听以上几个时期的作品代表,还有必要欣赏现代时期的音乐,如勋伯格、德彪西,他们是现代派的先锋者。聆听他们的音乐可以激发学生的探索性、积极性、理解性。当学生真正掌握了处理音乐的手段及所应用的表演技术,那么所演奏出的音乐效果也就有所提高了。随着对音乐理解的逐步深化过程,也就是逐步提高音乐表现内容的过程,同时也是促使钢琴演奏技术的进步的一个过程。

通过以上对钢琴演奏技术与音乐表现关系的论述,大家已经对这两者的关系有了初步的了解。不管是欧洲的钢琴音乐,还是中国的钢琴音乐,都有自己各自的特点,但在自己特点的基础上,更要注意的是处理两者的关系,只有做到两者兼有才能把音乐完美的表现出来。做到不难,但做好却并不容易,这还需要老师与学生共同的努力,充分的把握好技巧与音乐内容的关系。三言两语难以说清这两者的关系,只有通过大家不断地理论学习与实践去逐步总结经验,才能完善钢琴教学,才能推动钢琴教育事业的蓬勃发展。

摘要：本文通过对不同时期的音乐风格所表现的演奏技术特征的论述,以期达到培养学生应如何处理好钢琴演奏技巧与音乐表现关系的目的。

关键词：钢琴演奏,古典主义时期,浪漫主义时期,表现主义时期,中国音乐

参考文献

【1】李嘉禄著:《钢琴表演艺术》,人民音乐出版社,1993年9月

钢琴演奏中的音乐表现 篇9

一、钢琴演奏技巧是音乐表现的直接手段

一位钢琴演奏者要想正确地弹出乐音, 就必须具备一定的技术能力。没有技术, 音乐内容的表现就只是一句空话。所以技术在钢琴演奏中具有关键性、前提性的地位。彪洛就曾经说过, 钢琴家有三件事, 第一件是技术, 第二件是技术, 第三件还是技术。这就明确了弹奏的目的是为了表达出音乐的内容, 就有了恰当运用技术能力的目标。这种技术能力就是技巧。比如:一段优美的旋律需要内心的歌唱感和手指的连贯动作再加上手臂重量的合理运用, 才能体现内在的气息的流动和语句的抑扬顿挫;一道亮丽的音响色彩的塑造需要敏捷细腻的指触和多层声部的合理融合;一段铿锵的节奏的展示需要指力、重力与节拍在激情下的持续迸发;小桥流水、风花月夜、空山鸟语、温馨甜美的想象等等都可以技巧的途径展现出来。把这些音乐的素材按照一定的思想或情绪的发展逻辑有机地组织起来就构成了综合音乐形象, 它体现了人的精神和意志, 成为音乐表演活动的根本目的。从这个意义上讲, 技巧也逐步地靠近了音乐本身。因此, 技巧是以音乐素材的积累为前提, 以智慧为手段, 以情感的体验为特征的精神产物, 是演奏者巧妙地运用弹奏技术、表现一定音乐情绪的能力。它是音乐表现的直接手段, 也是音乐表现最有效的手段。

二、技巧训练是钢琴演奏的基础

钢琴演奏技巧属于基本功范畴, 任何一项艺术活动在开展时, 基本功训练都是基础, 是最先需要练习的, 在钢琴学习之初更是如此, 要想不断提高自己的演奏技能, 唯一的方法就是不断的练习。如何塞伊图尔所说:“要每天加大运动量、加大训练强度。”钢琴演奏者在练习时首先要确定正确的弹奏方法与触键方法, 在这个前提下, 弹奏者从第一个音起步, 从此便开始了基本功技能的练习。无论是手指基础训练还是各种奏法训练;无论是种类繁多、程度深浅的练习曲弹奏, 还是风格各异、意境迥然的乐曲学习, 自始至终、无一例外地都贯穿着、渗透着技能技巧的训练。在钢琴弹奏的初、中级阶段, 演奏者要集中时间精力练习一定数量的车尔尼、克莱门蒂及莫什科夫斯基等人的练习曲, 这是获取钢琴演奏技巧必不可少的途径。等到了弹奏的高级阶段, 则应通过弹奏肖邦、李斯特、拉赫玛尼诺夫等大师的音乐会练习曲与各类乐曲来汲取钢琴弹奏技巧。因为在弹奏的初中级阶段, 若不通过一定数量由浅入深的练习曲进行练习, 那么就无法获取弹奏相应程度乐曲及进入高级阶段所需要的弹奏技巧。

三、钢琴演奏技巧训练需要注意的问题

1. 把握一个“巧”字

钢琴演奏技巧, 关键在于一个“巧”字上, 演奏者不能一味地苦练、耗时间, 一定要抓住这个“巧”字, 做到有效的练琴, 在有限的时间内提高练琴效率。要提高练琴的效率, 首先要明确每次练琴的目的。演奏者在每次练琴前都要明确准备解决什么问题, 都要有计划、有步骤、有目的, 而不是盲目地一遍遍、一曲曲地过。练琴时, 要仔细地研究乐谱、准确地表达乐曲的内容, 不断地聆听与调整自己的演奏, 找出难点并按照老师的指导克服一个个困难、解决一个个问题。在遇到问题时, 可以通过放慢速度、分手练、分段练等来进行, 无论用什么方法都要保持清醒的头脑和敏锐的耳朵;都要明确练习的目的, 对自己高标准、严要求, 不断追求完美的音乐境界。就像毕达歌拉斯所说的, 早晨醒来时, 问一问自己:“我应当做什么?”晚上睡觉前, 问一问自己:“我做了些什么?”练琴也是如此, 如果总是一遍一遍漫无目的地盲练, 即使练再多也无济于事。

2. 用“心”练习

练习时, 演奏者要养成用心观察的习惯, 不要随便放过任何的一个弧线, 记号, 然后牢牢记住。弹奏时一定要知道: (1) 每个音的意义:它是主音, 经过音或是伴奏, 以及在这个乐句所占的位置等; (2) 每一个乐句进行的过程:前后的关系, 是问句, 还是答句, 还是连接句; (3) 每句即每段的重点:音乐就如同讲话一般有抑扬顿挫, 才能引人入胜至忘我境界。

3. 学会“无声练习”

技巧并非纯粹是肌肉运动的问题, 它还兼有“精神控制”及“思考”。当在练习时遇上困难时, 不妨静下来研究如何运用肌肉的运动感觉找到解决困难的方法, 然后集中精神, 将手指放在琴键上作无声的弹奏, 然后把琴盖上, 就在琴盖上练习。当习惯了肌肉运动后, 再移到琴键上, 就可以发觉容易多了, 而你也在不知不觉中学会了“无声练习”, 对背谱及想象有莫大的帮助。

4. 注意正确的指法

指法因人而异, 所以练习前不仅要找出正确的指法, 还要逐渐挖掘出适合自己的指法, 然后每次练习都用同样的指法。好的指法会帮助你把乐句分的更清楚。开始时可多参考几种版本, 仔细研究其指法的差异, 不久之后就会发现好的指法是有规律可循的。

5. 永远都要记得, 演奏只有一次

很多人在弹奏时知道错了, 以为下一次便不会错, 或者将改正的机会寄托于下一次的演奏, 养成习惯后, 你的第一次, 不管是在上课抑或是演奏总会失败。要知道一场演奏会是不会提供给我们再弹一次的机会。所以自练琴起, 每次都要当作只有这一次机会的态度, 不要有下一次的念头。

6. 用耳朵弹琴

很多人在练习时知道利用头脑、手指、眼睛及心中的感觉, 却忽略了最重要的听觉。因此很多人在听到别人弹奏时, 只觉得很熟, 却不记得在哪里听过。或者在渐强、渐弱的乐段, 他自认为可以做到, 但其实却做不到。如果你能清楚地听到弹出十五次四个八度的音阶琶音从ppp~fff间挤进十五个等级即ppp pp p mp mf f ff fff的中间还能再加一级, 那么表示你有能力弹渐强渐弱。因此, 能否用耳朵弹琴直接决定了在实际演奏中能否弹出相应的水平。

摘要：钢琴是一种结构复杂、音域宽广、表现力丰富的键盘乐器, 它是与人类灵魂沟通的乐器。钢琴演奏是一项技术性较强的艺术活动, 是由双手的相互协调与紧密配合来共同完成的。因此, 技巧在钢琴演奏中发挥着至关重要的作用, 它会影响钢琴的音色、音乐的表现力等, 可以说是钢琴演奏的基本能力。本文主要针对钢琴演奏技巧对于音乐表现的重要作用进行一番论述, 希望起到抛砖引玉的作用。

关键词：钢琴,演奏,技巧,音乐,表现,作用

参考文献

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[2]但昭义.论钢琴演奏的声音技巧[J].钢琴艺术, 1996 (02) .

[3]张蜀婷.从物理角度分析钢琴演奏技巧对发音效果的影响[J].黄河之声, 2013 (01) .

[4]魏晓.试论钢琴演奏中左手技巧的重要性及其训练方法[J].文教资料, 2010 (03) .

[5]李月钢.如何提高钢琴快速演奏技巧[J].科学教育前沿, 2011 (05) .

试论钢琴演奏中的技术与表现力 篇10

钢琴演奏中的技巧非常重要, 但是就算有了高超的手指弹奏技巧而没有好的乐谱、弹奏者没有融入思想情感那也没用, 所以钢琴演奏中不仅要恰到好处地运用技巧还需要融入弹奏者的感情。弹奏技巧支持着钢琴演奏的表现, 通过手指灵活的弹奏才能弹响悦耳的钢琴音色。所以弹奏技巧是基础, 有了弹奏技巧才有钢琴演奏的表现力。所以弹奏技巧的灵活是通过弹奏者的苦练得来的, 当一个弹奏者既拥有过人的弹奏技巧又能将自己的情感与乐谱融为一体, 那整首音乐表现也就完美无缺了。

钢琴演奏中的表现力

对于钢琴演奏来说, 钢琴表现就是一个音乐的“心脏”。钢琴演奏的表现就是让听者感受到的一种音乐的魅力, 通过钢琴的弹奏者弹奏钢琴的键盘发出的节奏、音调、音色……这就是整个音乐想要表达的言语, 也是钢琴演奏的表现。所以弹奏技术在整个音乐表现中有着重要的作用, 所以钢琴的表现通过演奏者的演奏来表现, 演奏者通过弹奏技术来进行演奏, 没有熟练的弹奏技巧就不可能完美地表现钢琴音乐。

钢琴演奏中技巧所需达到的表现力

在钢琴演奏中手指的技巧是不可缺少的, 对于弹奏出好的音乐作品来说就必须练就过人的手指弹奏技巧, 使手指可以驾驭整个钢琴键盘上那些按键, 并弹奏出优美的旋律。所以手指技巧就是每个手指都十分灵活, 可以独自控制钢琴键盘上的按键, 准确、有力地弹奏出每个音符。

想要练就过人的手指技巧就需要对手指进行连续的练习和跳跃的练习。在进行手指技巧练习的同时, 还需要注意弹奏的速度, 通过快节奏的手指弹奏练习和慢节奏的手指弹奏练习可以使手指的弹奏技巧变得更加灵活。

在节奏对手指的练习上是有讲究的, 首先是在慢节奏的手指弹奏练习中, 主要是训练手指的力度, 所以弹奏时下弹需要慢, 而在接触到琴键的一瞬间需要快, 松手指的时候要慢, 这样既可以锻炼手指的力量而且弹出来的音符音色会比较饱满、圆润, 要对每一个手指都进行这个练习, 让手指记住这个感觉, 才能锻炼手指的弹奏技巧;在进行快节奏的练习时, 下弹时的速度很快、很用力、松开琴键的速度也很快, 只是一瞬间, 这样可以锻炼手指的灵活性和速度, 这样弹奏出来的音色会比较清脆和短促。通过这些训练从而达到提高手指弹奏钢琴的技巧。例如:在连续练习中, 每个手指都需要轮流弹奏钢琴键盘, 是要靠手指的力量去弹奏键盘, 反复不间断地弹奏, 而不是靠手腕或者手肘的力量, 这样就达不到锻炼手指的效果;在跳跃的联系中, 就是让手指无顺序、间断地弹奏钢琴键盘上的按键, 增加一个手指和另一个手指之间的弹奏距离, 收手指有力、精确地弹奏出每个音符, 这样反复地对手指进行训练, 就可以使手指变得灵活。

演奏技巧练习需要注意的问题

1.反复耐心地练习

对于钢琴的手指弹奏技巧是一个时间累积的过程, 需要通过循环反复的练习才能够运用自如, 不是一下子就可以练成, 且不可心急, 要耐心地慢慢练习, 对于每一个音符的把握、对于每一个力度的拿捏都是十分重要的, 如果是急于求成反而对于练习手指的弹奏技巧不利, 到时候手指的技巧没有练到家, 而且还会影响练习钢琴的心性。

2.投入感情去体会

手指的技巧训练, 不仅每天要勤于练习, 还要投入感情去体会, 比如感受弹出的音色是否饱满、弹奏的节奏是否有规律, 带上心练习, 用心感受手指弹奏出来的音乐是否动人。可以在弹奏的乐谱上标上记号, 哪里应该是连续的、哪里应该是间断的, 这样用心地练习才能对手指的弹奏技巧起到作用, 才能提升手指的弹奏技巧。

3.加强无名指、小指的力量练习

对于力量薄弱的手指要加强练习, 一般无名指的力量和灵活性最差, 所以在平时练习时就要更加注重对于无名指的练习, 小指虽然灵活但是力量不足, 平时练习的时候就应该加强小指的力量练习, 这样才能保证整个手指弹奏技巧的水平。手臂、手腕和手指要协调配合, 手指积极在第一线活动, 手臂手腕要灵活调节, 保证手指在每一音的弹奏中都处于最有利的位置。

总结

钢琴音乐的表现就是通过钢琴的弹奏者弹奏钢琴的键盘发出的声音让听者感受到的一种音乐的魅力, 这就是钢琴的音乐表现, 也是整个音乐想要表达的言语。钢琴演奏通过表现力预热整首歌前面的情感表达, 为整个钢琴演奏增添色彩。好的钢琴演奏可以带听者进入音乐的领域, 使其身临其境, 所以钢琴演奏就是要做到情感的牵引, 情感的渲染, 使钢琴音乐的魅力得到更加完美的展现。

参考文献

[1]邵智贤.钢琴的音色与触键[J].音乐艺术, 2005.

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[3]包紫薇.音质评价方法学的有关问题[R].中国声学学会电声学分, 2008.

试论提高钢琴演奏表现力的策略 篇11

[关键词]钢琴教育；表现力；策略

对于弹钢琴的人来说，弹奏一首曲子时，指尖摸到的不是冰冷的琴键，而是生命的起源，流露出的是人的情感的喜怒哀乐。但对于有些人而言，明明想要弹奏出自己的丰富情意，可听到的却只是毫无感情的冷冰冰的音符。因此，演奏一首曲子，如何将感情表现的淋漓尽致，有内容有意境，让人们和弹琴的人一起产生共鸣，就需要有一定的演奏技巧了。所以提高钢琴演奏的表现力是钢琴教学的重要目标之一，在钢琴演奏过程中最重要的是发散我们的思维，对作品的时代及其背景环境有所了解，最后达到对音乐的表达更生动、形象。在钢琴调律的过程中想要更好的以别致的音色表达曲子的内涵、提高它的表现力，我从以下几个方面谈谈自己的观点。

一、基于读谱基础下的表现力概述

在钢琴学习的过程中，识谱对每一个学习音乐的人来说都是至关重要的。乐谱是作曲家通过自己对某一时期、某一阶段的情感的触动，通过一种乐谱记录的方式来体现，留给后人以供人们留念、学习。在演奏期间，演奏者通常都会拿到一份自己从未见过或演奏过的钢琴作晶，在这种情况下，很好的读谱就会达到演奏者所要的效果。

我们都知道，在钢琴演奏中，演奏者对识谱能力的快慢，能影响到整个钢琴作品的演奏效果。通常人们理解读谱，就是把谱子里面的内容给看准确以及演奏出来。如果只这样简单的认为，读谱就只是音符、节奏演奏等内容，那则是不全面的，所以我们要更全面的去认识和了解谱子。并通过了解和认识谱子来对钢琴作品进行形象的、鲜明的、生动的讲解，这样就加深了演奏者对识谱和钢琴内容的提高，具有良好的读谱能力，将会使后期的钢琴练习变得有效和轻松，才能更好的去表现作品，表达感情。“读谱”对每一位学习者来说是最根本、最基础的一个步骤。

同时也要理清各种力度标记。力度记号有很多，大致分强（f）和弱（p）这两种，不过这中间又有很多的关于渐强或渐弱的符号标记，就一点点的区别，它的意义就会天壤之别。然而不同的力度记号就可以弹奏出很多个意思，使人们对音乐产生如痴入迷的感觉。如：在古典音乐中，从我们现在接触的音乐作品来看，一般都是从弱到强这几个力度变化中徘徊，没有太大的出入，而在浪漫时期和后期的作品中，它展现在人们眼前则是宽广的，给人以很富有大的空间。因此，看着一些貌似很简单、不太起眼的一些符号、记号，我们更应该好好的研究，来准确的表达乐曲的情绪和风格。

速度显号也有很多，不同的速度变化，我们应该注意它的特点，把握其要点，所以，我们应该把不一样的速度演奏出来，才能真正的表达出作品的只是情感。总之，全面读谱在学习音乐中的地位是首要的，对于钢琴学习者来说，只有对曲子及其曲子内的表情符号、术语记号、力度速度记号好好的理解，会对我们在演奏曲子时更好的表现曲子，努力的表达出作者想要表达的思想和情感有很大的帮助。加强读谱的能力，不仅能提高自己的音乐理解能力，更能提高读谱的深度，使他的演奏更规范，更具有学术水准，更具有他所特有的表现力。

二、音乐风格与表现力的互动关系

往往各种各样的音乐都来自于人们的日常生活中，发展在各个时代，伴随人们的成长，所以造就了不同的音乐，当然不同的时代人们对音乐各方面的要求也各不相同。不同时期、不同的人们也就创作出不一样的音乐风格特点，我们会对不同的作品给予不同的见解并用不一样的情感来表达作品。钢琴学习者为了使自己的曲子能感染听众，就必须了解多个时期的音乐。

对于钢琴的学习者来说，准确地把握、理解、体现各个时代的风格特征非常重要，也对正确演奏作品的风格特点起着很大的作用。按当前人们对西方音乐史的理解，人们都这样划分，而钢琴演奏作为音乐中不可缺少的一部分，它同样也经历了：巴洛克时期、维也纳吉典时期、浪漫主义时期、印象主义和近现代音乐风格时期这四个主要风格特征时期。各个时期的作曲家对美的理解和认识、写作手法、弹奏手法以及和声运用都有差别。所以，要对这几个时期有一些了解：

在西方音乐史上，从巴洛克音乐这段时间期间，音乐被人们广泛运用，巴洛克时期的音乐旋律动听、节奏欢快，有时也会用一些修饰音进行修饰，比如颤音或装饰音等修饰技巧，巴洛克音乐是后期发展的基础。演奏者可以自由的添加一些装饰音，但必须把巴赫的原作进行了解透彻，如在它的作品中要注重装饰的类型、运动方向等装饰技术，并掌把握其装饰技巧以后，再认真地决定装饰的类型、次数等技术，在结构上，这个时期的音乐大多是采用复调音乐，旋律方面则采用多旋律。

在古典音乐，出现了一种新的音乐风格。这一时期音乐形式多是从劳动人民最底层的小资产阶级中发展而来，类型主要是世俗化、专业化、定向化，在音乐风格上表现为严谨、优雅、准确、庄严、简朴这一时期的音乐会很大程度上让人们自己尽情的发挥，带有很浓厚的情感色彩，使人们感觉到人人平等，不分阶级。这个时期的音乐已深深的扎入劳动人们的心中，同时由于这个时期的音乐很有特色，这时期的音乐从教堂走向宫廷、并走向社会、民众，多采用主调音乐形式，加强了旋律与和声的对应，受到当时多数人民的喜爱。这一时期的音乐，以一种更为准确精妙的手法来使音乐产生变化，产生共鸣，达到那种身临其境的感觉。

浪漫时期说的是从19世纪至20世纪初这一阶段。从19世纪之前的这一段时间的音乐艺术上来看，这个时期到处都充满了民主和个人主义精神音乐在这个年代得到了很好的发展，这一时期的兴起，丰富了高雅音乐的内涵，也支配着我们对严肃音乐的观念。这是一个充满梦想和情感主义的时代，这是一个自然地、自由的时代。这个时期的音乐有着它独有的特点，这个时期赋予了它理想化、个性化、感情重于理性的、富于诗意的特点，浪漫时期的音乐较浪漫时期和古典时期的音乐抒情部分多一点，很有罗曼克的风格特色，更博的人们的喜欢，所以，在演奏的时候，一我们就要一切发自于心灵，又回归于心灵自由在形式上和布局上也相对自由；经常使用一种节奏性强的、重复的的在音乐中，现在公众心目中的旋律大多都是浪漫时期的旋律，它那极为强烈的表现，让人久久难以忘怀。它多变的情感，使得它的容极其军营，如激烈的，如歌的、炙热的。在音乐的内容情感上，浪漫主义作曲家喜欢给人以惊喜，使我们天天生活的有滋有味的，对生活充满向往。

近现代的音乐是丰富多彩的、富有变化性的，主要表现在节奏上，旋律上等各方面，與以往各个时期都有所改变，很具有这一时期的特色，在当时还有一种音乐已慢慢的发出了萌芽，即纯音乐，这一音乐在近现代中，节奏得到了更大的发挥，与浪漫时期的音乐更具有活泼性、多变性以及更具有复杂的感觉。“多节奏”这一形式被多数作曲家所承认并得到一部分人们的沿用。即使在现代21世纪中，人们也多是沿袭了这样的音乐特点。在近现代音乐中，它们内部的一些组织也发生了变化，有以前旋律占重要，现在慢慢的将音色、节奏等织体在首要位置。

三、钢琴演奏表现力的影响

音乐特性指的是历表达主要音乐内容的总体形象和特征，它会区分音乐美与美的划分，指音乐的内心所体现的东西，直接影响音乐表现得地位。音乐特性会直接影响着我们用一种什么样的方式来体现音乐的本质属性。总的来说，我们想完美的表达出音乐情感，需要在更大程度把音乐的内容放在第一位。钢琴的演奏既要注意它的弹奏技巧性的训练又要注意它的艺术表现力。对于学习者而言要具备快而准确的读谱能力还要提高他们对曲子的理解和欣赏的能力，对不同时期的音乐我们要把握那一时期独特的音乐风格。

参考文献：

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[4] 黄晓东.浅析钢琴教学中的触键方法研究[J]. 黄河之声. 2013（02）.

作者简介：韩飞（1988-6-），男，汉族，河南省周口市人，本科，助教，周口师范学院音乐舞蹈学院，研究方向：钢琴调律、舞台灯光与音响。

音乐听觉在钢琴演奏中的应用分析 篇12

一、音乐听觉

(一)音乐听觉

音乐听觉是人们评判音乐最重要的方式,当一首曲目开始时,人们常常会不自觉地闭目聆听,而在欣赏的过程中, 也可将其分为外部听觉和内心听觉。外部听觉仅仅是人们对音符的第一感受,可判断音乐的基本基调。进而,通过音乐的款款深情,产生内心共鸣,犹如一个故事的吟唱。每一首钢琴曲目都有其特殊的创作背景,演奏过程中的快慢、节奏以及强弱变化均有不同的表现力和表达效果[1]。例如《维也纳森林的故事》中,音乐的开始犹如万物的苏醒,低沉的钟声伴随着欢畅的雀跃声逐渐深入,直至达到高潮。此时欢呼声戛然而止,悠然婉转的音符跳跃而来,犹如调皮的夜间精灵们安静地聆听仙子动听的歌声,并沉醉其中。

(二)音乐听觉在钢琴演奏中的重要性

听觉是上天赋予音乐家最重要的礼物,通过听觉不仅可以判断自己的演奏水平,也可创作出出色的音乐作品。贝多芬作为著名的钢琴音乐家,晚年失聪后仍然坚持创作,他利用一根棒,将其一端接触钢琴,一端接触牙齿,用最特殊的方式来完成音乐听觉[2]。如果忽视了音乐听觉,就仿佛失去灵魂的音乐,空洞而机械的表达将不能感染任何欣赏者。部分钢琴演奏者在训练的过程中,往往将注意力停留在指法和音符的准确度上,造成了机械式的训练,忽视了音乐听觉的重要性,很少通过聆听来进行自我检验。若未能突破这一障碍,其钢琴演奏仅仅是一曲了无生机的作品,一旦与众多音乐家合作,其无力的应和感将暴露无遗[3]。音乐听觉正是钢琴演奏者的瓶颈,若要从质的层面上提高其演奏技巧,必须通过听觉的引导,通过打开心灵的眼睛,来达成音符间的和谐。

二、音乐听觉在钢琴演奏中的应用

若将钢琴演奏比作大海中航行的船只,音乐听觉就是为其指向的灯塔。为了演奏出有灵魂的作品,必须学会用耳朵去练习、去感受。

(一)聆听

首先,聆听一首完整的钢琴演奏作品,感受其中的情绪变化,辨别各种乐章的层次感,将自己融入其中,让音乐打动自己的心灵,用心去感受其中的故事,绘制出一副内心的画面。只有真正了解了音乐的内涵,才能将音乐曲目表现得有灵性和活力。

(二)辨别

通过对音乐的初步聆听,会对音乐作品定下一个基调, 在内心绘制出一幅完美的图画,图画中的每一个线条、每一处色彩均是自我演奏训练过程中的目标。在练习的过程中, 需要通过反复的聆听来判断音乐的音色、旋律、高低、强弱等,不能仅仅以完成一首完整的作品为目标,而要将耳朵作为自己的指导老师,在练习过程中不断地进行自我审视,来完成每一处的旋律线条和音色色彩,更好地演绎一首音乐作品。

1. 旋律。旋律是钢琴演奏的主线,只有清晰地辨别弹奏旋律,才能达到结构上的完整,否则将会出现零落不堪的演奏。练习时不是对音符的复制,而是要达到乐谱间的连贯和流畅,各部分的承接和转入必须自然 , 每一个音符都是有生命力的。

2. 节奏。节奏是钢琴演奏的基调,与音乐旋律有着密切的联系。节奏感是激发人们心灵反应最重要的因素,轻快的节奏可以引发人们欢乐的感受,悠扬婉转的旋律可引发人们的无限哀思或浪漫情愁。在完成音乐的弹奏时,节奏对指法的配合和活动有着较高的要求,在指法熟练的基础上,也要指引其随心灵而动,通过听觉的审视将其润色得更为饱满[4]。

3. 音色。音色是钢琴演奏的活力,充满色调的音乐才是真正有生命的作品。不同的作品有着不同的音色特点,或明丽、或阴沉、或尖锐、或温暖,均是对内心感受的表达。例如肖邦的《夜曲》,沉静而缓和,宁静而和谐,似乎与夜色浑然一体。

三、结束语

音乐听觉是钢琴演奏者最重要的导师,在训练的同时不忘进行听觉上的自我审视,充分利用耳朵去感受音乐的生命,表达出充满灵魂和生命的作品。

摘要：本文主要介绍了音乐听觉的重要性,着重分析其在钢琴演奏中所发挥的作用,旨在发挥听觉艺术的魅力。