钢琴演奏的基本方法

钢琴演奏的基本方法（精选10篇）

钢琴演奏的基本方法 篇1

1 抓住音乐特征是表演音乐的关键

什么是音乐特征, 用简单的话来说, 就是音乐内容情绪、形象、意境等等所决定的音乐细部特质和总体风貌。

音乐特征是音乐的实质, 它决定着我们用什么方式, 什么手法和什么情感去表现音乐, 是领会音乐和表现音乐最重要的基本要素。所以, 我们讲表现音乐, 首先要讲把握乐曲的音乐特征。

将不同的音乐按不同的特征分类, 把音乐特征这个比较抽象的概念具体化, 可以方便学生领会把握。

人的情感丰富细腻, 体现于音乐特征亦千差万别, 因此, 事实上难以细分, 但大致可分为四类:抒情类、活泼类、精神类、激情类。

1.1 抒情类。

这类特征的音乐一般是歌唱性的, 速度较慢, 它大多以优美如歌的旋律来抒发人们内心的情感。情绪上它既是可以亲切妩媚的, 也可以是简单质朴;既可以是愉悦动人、平静安宁的, 也可以是虔诚神圣的、悲伤哀愁的。我们对这类音乐特征的乐曲在表现上要抓住特征是抒情性, 歌唱性, 声音柔和优美。

1.2 活泼类。

这类特征的音乐大多数生动跳跃, 速度较快, 节奏鲜明, 常常用来表现人们快乐的天性。对于学生而言, 这是他们情感最敏感, 最易接受和体会的一类音乐。它经常表现为轻巧、活跃、幽默风趣, 诙谐生动。在表现上我们要抓住的特征是轻快活泼, 节奏性强、声音明亮轻巧。

1.3 精神类。

这类特征的音乐表现人的精神气质和精神风貌。音乐挺拔有力, 坚定果敢, 雄壮庄严, 气势宏大, 在表现上我们要抓住的特征是:速度中庸, 节奏有力, 声音深厚, 有朝气, 有活力, 有气势。

1.4 激情类。

这类特征的音乐, 由于人的情感因素, 最具有震撼力和感染力。它除了独立存在与某些篇章外, 亦常常在作品作为音乐的高潮出现, 展示出音乐的灿烂辉煌和磅礴气势。表现上的特征是力度较大, 手法较复杂, 尤其要注重倾注情感, 投入其中。

需要说明一点, 音乐特征的体现可以在整首曲子, 可以在整个段落, 也可以在音乐细部。我们学生演奏的那些短小的初级钢琴曲, 音乐特征往往比较单一, 许多时候一个曲子只有一种特征, 如格尔曼的《睡吧!宝贝》, 汤普森的《印第安鼓舞》等。但也有不少小曲, 短短的篇幅里包括了不同特征的变化和对比, 如李重光的《玩具》、丁善德的《芦花公鸡》等。当然, 随着程度提高, 曲子扩大, 运用音乐特征的变化来丰富音乐表现力就成了相当普遍的手法。

在总体上了解音乐特征的分类之后, 需要我们能进一步针对具体音乐作品分辨它的音乐特征, 必须落实到这一点, 才谈得上对我们学习的作品进行艺术处理的具体操作。

2 对力度处理是表现音乐的重要手段

首先, 理解分析作曲家为作品所作的各种力度标记。

力度是音乐表现的重要手段, 每个作曲家都会对自己作品的音响充满想象, 当它还是纸面上的东西的时候, 他们心中的音响效果已犹然在耳。因此, 他们都会把这种效果的想象变成各种记号标记在音符上面来表达他们心中的意图和效果。这些力度记号和有关力度知识方面的音乐术语就是我们进行力度处理的依据。

其次, 音乐的自然倾向, 能够成为我们用作音乐力度处理的一定依据。

乐谱的记谱由于时代的差别, 或由于记谱法在不同作曲家的概念的不同而在标记上表现差异。并不是所有的乐谱都把所有的力度表现意图标示得很详尽, 最典型的如巴赫, 他的作品根本没有任何力度标记。之后的海顿、莫扎特不如贝多芬标明详尽。到了德彪西、拉威尔以至现代作曲家才有了特别致力于对创作意图的精细标记。

那么, 对于许多未有标记, 或未作精细标记, 或已做精细标记, 但也并非能够包罗全部的作品, 我们应如何来做力度处理呢?依据是什么呢?

这个问题可以简单的用“音的自然倾向”和“音乐发展的自然趋势”来回答。

比如一个自然音阶, 它的一个音一级一级向上推动, 趋向前面高点的音, 便形成了一个自然向上的趋势。反过来, 音流的下行往往带有收缩的趋势, 因而可以自然的处理渐弱。

乐句的起句和结尾一般较弱;乐句的高点一般较强, 乐句的推动一般渐强, 乐句的收缩一般渐弱。音的上行模进一般是渐强的向上趋势;音的下行模进一般为收缩的减弱趋势;音乐向高潮推进之后则一般趋向平和和渐弱;音乐在高潮处将展示热烈、热情、宽广、气势与辉煌……这些都是音乐本身的一种自然发展趋势。高潮处相反的情形也有。但这种情况, 一般曲作者都会作出标记对他的特殊表现意图予以提示。

3 运用对比是一切艺术表现的重要原则

对比是一切文学艺术创作表演要遵循的美学原则, 音乐表现亦然, 从表演的角度上看, 可以把音乐简单的归属分为两类:一类叫音乐特征对比, 一类叫力度层次对比。这两个方面虽然作为音乐表现的基本要素我们已在前面分别讨论过了。但作为对比的应用和表现还有新一层含义。

音乐中的对比形式多种多样。一方面说, 可以整曲、整段作为一种音乐特征来作整体性的对比, 如组曲、套曲、奏鸣曲、变奏曲、回旋曲、二段式、三段式乐曲中, 曲与曲之间或段与段之间的对比;另一方面也可以将对比手法运用在很小的, 如在一个乐句内部, 或一个乐句与乐句之间以两种音乐特征来进行对比。比如, 坚定有力的音乐与柔和歌唱的音乐对比。也可以更细腻的从奏法、调性、调式、和声色彩等来影响音乐特征内部的对比。比如, 一首音乐特征表现为快乐活跃的曲子, 它既可以以鲜明的节奏, 明亮的跳音来表现欢快活泼, 也可以用抒情性的旋律来表现欢愉的歌唱, 大的特征是上一致的, 但表现手法上要形成对比。在表现手法的对比上, 我们可以列出如快慢、长短、、强弱、断连、刚柔、明暗、高低、旋律性与节奏性等等。我们也无须以概念来记忆这些东西。需要辅导学生们真正掌握的是对音乐对比性的体验和对音乐对比性的表现。当然, 理性上必须明确对比是表现音乐的又一最重要的基本要素, 是音乐表现最重要的手段之一, 没有对比的变化, 音乐会变得平庸无味, 毫无生气。

4 千里之行, 始于足下———表现音乐得从乐句做起

有句通俗的话叫做“从大处着眼, 从小处着手”当我们从字体把握表现音乐的基本要素以后, 就需要落脚到组成音乐结构的最基本单位———动机、乐汇、乐句上, 寻求服务于音乐总体情绪特征的具体处理。必须明确, 这也是表现音乐最重要的基本要素之一。

文章的理解讲字、词、句、段意、中心思想, 音乐同样, 我们不是把音乐叫做音乐语言吗?事实上, 音乐表现也就像说话一样。要让别人把你的意思听懂, 你就得把字、词、句读对, 把话讲明白, 表达出语句中的语气和意思来。

在教材的记谱中, 为了方便学生们掌握, 作曲家常用连线来进行乐曲划分, 这可以帮助我们一目了然的看清它的结构。但另一方面, 也有的曲谱不用连线来分句, 或者连线还有其它丰富的用途, 许多连线并不都表示分句, 所以不能把所有连线作为分句的依据。我们要在这里归纳的第一点是:通过对乐句结构的了解, 必须学会用头脑划分乐句, 无论乐谱是否用连线来标示分句, 只要我们开始学习弹琴, 就要学会这一点。第二, 必须要在演奏中进行分句。表现音乐, 把音乐的结构讲清楚非常重要。要做到句与句、段与段既清晰分明又统一于整体。一般地说, 乐句的划分用手腕的协调来做, 乐句收尾的地方力度收缩, 把手腕轻轻提起来, 留一口气, 像说话时的呼吸一样, 呼了气再进行第二句。

我们帮助学生们用琴声表达音乐的时候, 应经常告诉他们:表现音乐就像说话一样, 把话语中的语调、语气、抑扬顿挫, 像表达自己说话的意思那样自然地融入音乐, 就能赋予音乐生动性, 音乐就离开了平庸和死板。于是, 我们应认为表现音乐并不难, “就像说话一样”。

钢琴演奏中为了更好的表现音乐, 不仅要掌握钢琴演奏专业技术和对音乐的理解, 更应上升为提高整体艺术修养, 即生活阅历、知识积累和文艺修养的总和。钢琴演奏者必须坚持从生活出发, 从生活中发现美, 时时刻刻积累生活感受和艺术感受;必须多欣赏文学作品, 提高演奏者的想象力和表现力以及艺术感受能力。总之, 我们只有把技术手段和艺术修养完美的结合起来, 我们才会有完美的音乐表现。

责任编辑:曲庆莲

钢琴演奏的基本方法 篇2

钢琴中共有八种基本技术问题：

1、均匀跑动技巧，这个指音阶式跑动和琶音式跑动，把二十四个自然大小调的音阶和琶音都弹得滚瓜烂熟，速度力度完全均匀。

2、初级手指独立技巧，指五指范围内平稳均匀的颤音。

3、一个八度范围内，非连续性的三、六度双音技巧。

4、八度技巧。包括抒情性的八度和技巧性的八度。八度技巧包含二十四个大小调的八度音阶和八度琶音，以及分解八度和八度震音。

5、有力的，深沉的，饱满的和弦技巧。人的一只手五指最多能奏出一个九和弦，当然双手齐用的话奏出十五和弦都没问题。

6、双音技巧。包括二十四个大小调的连奏三、六度音阶，双音半音阶。

7、复调技巧。要求一只手能清晰地演奏出两个以上声部的技巧。

8、特殊技巧。包括大跳，重复音，长颤音，双音颤音，双音刮奏，高难度手指独立等。

高抬指

钢琴演奏被称为“手指上的舞蹈”，其基本功包括很多内容和方面： 钢琴最重要的基本功，也可以说是“重中之重”是高抬指。所谓高抬指，就是在弹奏时尽量抬高手指的一种大幅度的关节运动。高抬指训练作为一种最基础的弹奏技巧，历来被钢琴师视为重中之重。如同武术高手一定要扎实的马步功底一样，一个职业琴手一定要有扎实的高抬指工夫，很多复杂的弹奏技巧均是建立在高抬指的基础之上的。我们进行高抬指训练的终极目的，就是要让习琴者的每个手指都学会如何在琴键上“正确地走路”。高抬指的正确与否直接影响到习琴历程中的每一步，因为姿势的正确性、肌肉的力量及各关节的协调一致性都建立在此基础之上。因此，把高抬指的训练比喻为婴儿学步，一点不为过。

高抬指的弹奏方法要求首先在琴键上摆好手型，做好击键前的准备动作。然后由指根部位高高地举起手指，手指的第一关节适度弯曲，以手指自身的力量向下击键。这样便完成了一次完整的高抬指的弹奏。高抬、下键、指力、强度、力度控制以及时间分配，是掌握高抬指弹奏技巧的几个关键，吃透了这些，则可谓得其要领，也就是等于掌握了高抬指。

正确的读谱

正确的读谱同样是基本功之一。乐曲是作曲家内心的感情的表现，也是为了让演奏者能了解作曲家的创造意图，因而在开始练习时就首先要读谱，用正确的方法读谱来提高视奏能力，我们在对五线谱不熟悉时，常把那几个音记在脑里，低头演奏不看谱，害怕弹错，如长期这样，眼睛就不能离开键盘，不但不会边看谱边弹，连最基本的识谱能力都没有，因此，就会觉得枯燥、吃力，所以，在练习过程中我们要学会看谱弹奏，养成看谱的习惯，而在弹奏中要看清谱号、调号、拍号，要记住指法，有关术语、音符、时值、表情记号等，养成边看边弹奏的好习惯。等到练习熟练、识谱能力、视奏能力都提高后才可以考虑背谱

正确触键

练习手指是钢琴演奏基本功的重要内容，练习基本功是弹奏钢琴的基础。十个手指的弹奏、力度、和各种的触键方式都是直接影响到钢琴演奏的重要环节，而对于手指的练习是为了更加独立、平稳、灵活、清楚自主的弹奏，比如《哈农钢琴练指法》它的每条练习都针对左右手不同的手指运动，独立、主动性更强，左右手都能够均衡的得到练习，使手指得到更好的锻炼，还有，什密特《钢琴手指练习》也是为手指练习所作，此外还有很多，但总的说来并不是你弹了多少，而是你是怎样去弹的，手指练习不像乐曲有好听的音乐来刺激你的听觉，而手指练习通常都比较枯燥无味，如不用心去弹，去体会，那手指的动作就会形成一种很机械的运动，这样是得不到任何效果的，因此，在做手指练习时思想要集中，要认真，要注意手指的变化，要保持手型的正确抬指，迅速下键有力，而下键后又马上将这一力量转移到下一手指上，同时还要注意节奏的变化练习，以及其他的变化练习来强化手指的练习。

音阶琶音

在钢琴演奏技术中，音阶也是一种基础，音阶的内容包括：大调，小调。而大，小调又分为自然大调，自然小调，和声，旋律小调，五声音阶，半音阶等，它的练习又可分为：同向、反向，从一个八度到四个八度，可于不同的节奏变化来练习，在练习中要注意手指下键后起键要快，每个手指要做好准备，集中力量，音阶讲求的是快速又均匀。除了手指要放松以外，更重要的是穿、跨指的准备。穿、跨指要求快，手指提前到位来做好准备。用手腕配合。穿、跨指后手指要马上返回，做好下一个准备的工作，而琶音的练习和音阶是同样重要的，琶音练习手的伸缩幅度比音阶大，它一般的包括大、小三和弦，属七和弦和其它三和弦，七和弦等转位的练习，而琶音又分为短琶音和长琶音，练习琶音要注意手指力量的转移，手腕的动作，而穿、跨指仍然的一个重点，在弹奏琶音时手臂不能来帮忙，跨度大的地方不能弹成断奏，要连贯，当刚开始练习琶音时可用短琶音来帮助练习。

和弦

在钢琴演奏中还有一个基本的训练，那就是和弦，和弦包括三和弦、七和弦，属七和弦等，和弦的练习有原位，转位的练习，有整和弦也有分解和弦，一般先弹奏三和弦，首先要坐正，身体要放松，手臂、肩都要放松，要注意力量的转移，要脚踏实地的来支撑你的整个身体，弹奏时身体要向前稍稍倾斜，而当手指在键盘上找好音后，要迅速的把力量从肩到大臂、小臂，再到手腕到手指最后力量都落在指尖上把力量送出去，声音要结实，不能虚、飘，在弹奏和弦时送力量出去这个过程要快、准，弹下去时指尖要站立好，而其他部位要放松。

难点

在我们学习钢琴时，有时会因为基本功的不牢固而导致弹奏某些曲目的部分地方有困难，而影响了全曲的完美，而这时有困难的地方应该怎么办呢?那就需要把这些难点的地方提出来练习，在开始弹奏时，就先读一遍谱，然后把难点的地方提出来练习，如果难点的地方是速度上不去，节奏不合拍，那就可能是手指不够灵活，左手跟不上右手或右手绊着左手，那就要先分手练习，练好后又再慢速的合手，直到两只手都弹均匀，弹清楚了，就可以加速来练习了，如果难点是双手位置不准确，老爱弹错音的话，比如琶音和大跳的和弦等，那可能就是因为转指、换指的不熟练，距离的位置感不强，距离感较差，那就要反复练习，关键就是转指、换指的缺口要反复练习，练习找到手指的位置，用手腕来配合转指、换指的位置、大跳和弦的位置，在反复弹奏的过程中使手形成一种条件反射，到什么位置该下什么手指，到什么距离该弹什么和弦、什么音等。

复调

钢琴之所以会被称为“乐器之王”，是因为它能演各种多声部的音乐，其中就有一种叫复调音乐，那我们弹奏复调作品需要具备哪些条件呢?首先要分清声部，要用耳朵来听辩，其次，是手指的弹奏能力，复调的学习已经成为我们学习钢琴必不可少的了，复调的形式是多种多样的，有二声部，有三声部，甚至四声部，而目前我们复调作品弹奏得最多的是巴赫的作品，从开始的《小前奏与赋格》到《二部、三部创意曲》再到《巴赫平均律集》这些都是复调音乐的一个体系，每个时期都有不同的作曲家写复调音乐，但是我们想要弹好复调作品也不是一件容易的事，那我们弹奏的时候就要注意，首先要读谱，先把谱例分析一下，找出它的主题，它的这个主题会在不同的地方和不同的调式上出现，那就要先把主题出现的地方搞清楚，然后分手把每个声部弹清楚，搞清楚是几个声部、指法、节奏、调号，分手弹要弹得声部清晰、明确、在复调作品中各个声部都是独立的，那就要求主题的地位是很重要的，主题在任何一个声部出现都应该使别人很清楚的听到，复调作品的每个声部都是一个很独立的声部，所以弹奏时每个声部都要做到清楚、明确，但是如果主题出现的声部没有弹奏得很清楚，而是让其他声部所盖过，那这首曲子的主题部分就被掩盖了，所以，在弹奏复调作品的时候要分清主次，其他声部不能盖过主题，主次要非常鲜明，要有对比，比如我们现在弹奏的较多的是巴赫的作品，那我产就必须了解巴赫生活的那个时代，创作作品的时代，巴赫是生活在17世纪末和18世纪上半叶的巴罗克后期，那时，他的复调作品都是在古钢琴上而作的，那我们现代人用现代的钢琴来演奏300多年前的作品就不得不考虑古钢琴的特点和那时的生活背景，那我们在弹奏巴赫的复调作品时就要弹奏得平稳些，音乐起伏性小，不要用踏板，跳音弹咸，非连音就可以了，不能弹得像其他作者比如贝多芬的作品那样的强壮、热情。

钢琴基本功2 扎实的基本功是弹奏任何一首钢琴作品坚实的后盾。而且我们在学习钢琴过程中，有很长一段时间都是在练基本功。在评论一个人的演奏时，也经常会谈到基本功扎不扎实，艺术表现如何等问题。同一首作品可以演奏出多种风格，这种风格是由个人对作品独到理解所决定的。扎实的基本功也非常重要，对音乐的领悟力与一个人在音乐方面的天赋有关，而基本功则是可以通过后天训练得以提高并加以巩固的。“台上一分钟，台下十年功”足以证明学习艺术门类的艰苦性和长期性，而钢琴的学习更是如此，有好的天赋，不勤学苦练，一首好乐曲是很难通过指尖表达出来的。在当今人才济济的年代，对于人才的衡量标准有了新的定义。

它包括：读谱准确，正确的弹奏方法，手指的能力。浅谈钢琴基本功

读谱准确是在弹奏时能正确地把谱面上音符的时值。各音符在键盘上的位置以及节奏对位等等，经过大脑的转换并通过手指准确地反映到键盘上来。读谱准确是弹奏钢琴最起码、最简单的条件，也是最易出错的基本功。要想有好的读谱能力就须在一开始学琴时多唱谱弹奏、慢练。在节奏较复杂，音程变化较大的情况下更应打节奏唱谱，熟练后再逐个到钢琴上演奏。其实我们在演奏时，读谱始终是基础，只是把用嘴唱省略掉了，而直接用眼和大脑反映到手上来。所以读谱试奏时，我们的眼睛和脑应该走在手的前面，不要等到弹到这个音时我们再去想谱面是什么样的。这时已经晚了。看谱时除了识别音位外还可以根据音程的大概关系确定音位、手位。

浅谈钢琴基本功

近些年，考级的琴童越来越多，但是为什么有的孩子没有错音，演奏也没断，可就是通不过呢?这时的主要问题是演奏方法，用什么方法演奏，是学习钢琴最为关键、最基本的问题。

一些人认为，弹琴就是动手指头，只要手指头能把音弹对了，弹响了，也就算会弹琴了。也不会去想状态是否好，弹奏出来的声音是否好听，这是很不好的习惯和很不全面的认识。其实弹琴也是一项手指带动手臂乃至全身心的运动，是需要掌握要领的。我们要通过不断的练习，掌握正确的弹奏方法。弹奏方法总结成一句话就是：总体的持续放松与局部的暂时紧张(指用力)相结合的方法。在弹奏过程中，手、臂、肩、背直至整个上半身，要始终保持放松、自然的状态，只有正在触键的手指关节、手指尖才需要用力。我们要让手保持一种状态：让指尖和手臂保持通畅，形成“两点一线”把力直接放到手指尖上，这一手指弹奏完后，立即放松，轮到另一个手指弹奏时，另一个手指的指关节在触键的瞬间用力。所以说弹奏可以简单地理解为手指紧张与放松交替、结合的过程。在全过程中放松是极其重要的，也是较难掌握的。浅谈钢琴基本功

弹奏法(断、连、跳)是弹奏技术(音阶、和弦、琶音)的基础，只有很好地全面地掌握了弹奏法，弹奏技术才能提高，弹奏的琴声才能优美动听，给人以艺术的感染力。错误的弹奏方法将使入误歧途，所以从一开始学琴就必须十分重视方法，然后就要进行严格的训练，提高学生的手指能力，打好基本功。

手指的能力是指在弹奏钢琴时每个手指是否有独立练功的能力，在具有独立性的基础上是否灵活和有力，在实际弹奏过程中就表现为所演奏的音符具有一定的清晰度，均匀度和流畅度。浅谈钢琴基本功

因此我们必须在学生掌握了正确的方法后，加强训练指根关节人手即掌握关节的主动性和灵活性。它包括断奏和连奏训练，特别是连奏，我们要明确地知道，连奏时每个手指要独立主动，绝不能在连奏中每弹一个音就压一次手腕，靠手腕的力量去压琴键而发出声音。而应把全臂的力量放到手指尖去，慢慢的练习，把每个掌关节动作先夸大地做出来，以求明确地感觉到这个动作的走向，手指也可以逐步加快下键速度，把声音更明亮地弹奏出来。浅谈钢琴基本功

在训练手指的独立性手指能力时，通常采用五指练习、音阶、《哈农》、《什密特》、《车尔尼599》等。弹奏这些时先要用慢速来练，一定要注意手指的快下放松。慢练过后，逐步加快基本练习或技术片段练习的速度，并且加大练习的强度，每一条练习曲要连续弹奏十次以上，对手指特别是掌关节进行强化训练，在掌关节能力提高以后，要逐渐缩小手指的动作，弹得越快手指的动作就要越精练越小。要知道，慢练时动作夸大，那就会使手指张牙舞爪，穷于应付也容易紧张，速度自然也会受到限制。所以我们必须把练习的动作和正式演奏区分开来，练习时为了打开指根关节，活动开手指，我们用慢速、夸大的动作做高抬指的练习，而正式弹奏时手指要用最精简、最节约的动作，以求达到最快。

在练习中同时需要注意均匀度的问题，有时在练习时，弹奏声音很不平均，有的硬，有的虚!轻重不一致，速度不均匀，这主要是由于手指缺乏独立控制能力所造成的，要解决这一问题，一定踏实慢练，让每个手指都能平均地得到锻炼，不能图快而养成很多毛病，“欲速则不达”。除了慢练，必须要“听”。用耳朵去检验，听声音是否均匀，速度是否平均，从慢练到快速，有毛病的地方要反复练习，反复听，直到均匀为止。我们的手指天生的独立性是不一样的，一般来说四指和五指比较弱，所以要加强对他们的训练，同时围绕着四、五指结合周围的手指单独练习，多花点时间，持之以恒，手指的能力肯定会均匀起来的。浅谈钢琴基本功

随着程度的加深，级别的提高，对弹奏中的流畅度要求也越来越高。流畅度是一个综合了多方面要求的问题，首先要求手指的独立和灵活。同时也要结合臂腕的协调和重量的调节，又牵涉到音乐的表情和感觉以及节奏的分组和律动。所以要做到流畅性需要做的是：首先要慢练，做到每个手指都能主动灵活，每个声音都很清晰而有弹性，再逐步加快速度练习。其次，手臂、手腕和手指要协调配合，手指积极在第一线的活动：臂和腕要灵活调节，保证手指在每一音的弹奏中都处于最良好和有利的位置。再次：要在练习时根据节奏上标明的表情倾向，以增加音与音的流动感。浅谈钢琴基本功

只有基础好了，楼房才能坚固，建立在沙漠上的房子是很容易倒塌的，只有基本功扎实了，手指灵活起来了，功夫才能有长进。俗话说“熟能生巧”，“巧”便是能力，有了这个能力便能心到手到，心到意到，得心应手，只有加强了手指训练，手指触觉才会敏感起来，并具有较强的控制能力。

基本功练习是学习钢琴必不可少的重要环节，也是最枯燥最需要耐力和时间的环节，所以在练习基本功时还应做到以下几个方面：

一、要静：在弹奏乐器时，我们要做到人、琴、谱合一，情绪要跟着音乐走动。但在基本功练习时，很大程度上可以说是一种意志力练习，只有把心沉下来，才能坚持不懈，才能去想、去听、去感受。浅谈钢琴基本功

二、多听多想：听声音、听音色、用心去辨别不同的演奏方法弹奏出来不同的音色，找到好的触键手感，将其运用到实际演奏中，就要用心去体会，认真对待每一小节，每一个节拍，甚至每个音符。浅谈钢琴基本功

三、练习力争兴趣性：手指基本功练习曲谱一般都比较单一有规律，弹起来容易乏味，如果我们在弹奏时，对节奏进行一点变化，即会有不同的效果，手指同样得到了练习。何乐而不为呢。《孩子们的哈农》就是这样一种教材。浅谈钢琴基本功

四、提高人才的整体素养：强化训练容易使学琴者产生知难而退的想法，更不用说自己去思考去创造了。所以学琴者应尽量的多方面接触生活和艺术，因为艺术是相通的。只有真正的喜欢上生活、喜欢上音乐、喜欢上钢琴，才能真正的去领悟、去思考，从而提高各方面的演奏水平，包括基本功。当他不再把基本功训练当成任务和包袱时，演奏也就成功了一半。

浅析钢琴演奏技巧教学方法 篇3

【关键词】钢琴教学 哈农 变化 规律 思路

音乐形象的表现是多种多样的,它不像数学中1+1=2那样具有唯一性,所以,传统教学方法不利于知识点的归纳掌握。而《哈农》篇幅短小、规律性强、便于学习归纳,如在实际弹奏中让学生善加练习,可以举一反三,达到触类旁通的目的。但是,教学者不要按陈旧的训练方法一锤一音、一首首地、依次死板地学习《哈农》。钢琴在发展,弹奏方法也应与时俱进、求新求变。

在实际教学中,老师不只要给学生讲解音乐处理,还要纠正弹奏动作,训练他们的各种弹奏技巧。这些问题通常容易出现在乐曲的各个段落,如果每个地方老师都要依次纠正训练,还要兼顾音乐形象,那么老师的讲解就会繁琐、费时,而且学生也不易理解,不擅抓住弹奏方法和弹奏的规律,造成弹奏效果顾此失彼。如何提高课堂的教学质量,高效、系统地进行训练,让学生完全领会老师意图、清楚自己的弹奏不足是每一位钢琴教育者需要思考的重要问题。

作为现代钢琴教育,钢琴教学讲究头脑训练,老师和学生都要明白问题出在哪里,怎样纠正,最终要达到什么目的。这种目的性的思考越强,教学的思路就越清晰,效率也就越高。尽管弹奏方式是多种多样的,但基本的弹奏方法却总是有限。在《哈农》的具体运用中,根据音乐形象将更丰富的触键方法作恰当微调,道理就好比车间生产机器,如先生产出机器需要的各种零件达到半成品状态,那最后的准备工作只需要将零部件加工处理,即得成品。在弹奏技巧运用于乐曲中,这种运用方式就相当于是零件的组装过程。

具体问题应具体分析,在实际弹奏过程中,容易出现的一些问题主要表现在以下几方面。

一、弹奏中的音断、音跳

通常情况下,音乐中声音间的关系应是连续的,而不是孤立、断开的。如果用“○”表示声音,声音在音乐中的关系应是“○○”,不是“○○”。弹奏中出现音与音的断开在大多情况下是不正常的,就好比人跳着走路。而形成的主要原因是由于弹奏者的手腕、手臂表现僵硬或是他们是用手腕、手臂的力度在弹奏。这样的声音效果就比较生硬。要让声音放松、通畅,应该减少肌肉的紧绷、阻塞,加强手指弹奏能力训练,让手腕手臂合理利用自然力度配合手指弹奏。

二、对声音粘连的分析

声音粘连指弹奏中的前一音还未消失,后一音就已出现,两音相互重叠,好像有双影一样,如“○○”。这种情况的出现多在于手指离键太慢造成。要让学生明确手指弹奏时击键和起键的动作(当这一手指弹奏发出声音时,前一手指要立即抬起),克服手指的惰性。同时,声音粘连通常还伴随着指尖软、声音虚的表现。所以,弹奏时应固定指尖关节,使力量凝聚于指尖,这样可以改善音质,解决音乐虚飘问题。

三、均匀训练

在钢琴演奏中,声音根据乐曲的需要音乐要有强弱明暗的变化,手指触键也有深浅的区别。首先,这里要探讨的声音是指那种结实饱满的声音,即通常说的“要弹下去”的声音,这也是钢琴弹奏主要训练的声音。当手指弹奏这种声音达到均匀时,手指的控制能力就得到了提高,再作出变化也就比较容易。钢琴弹奏中,声音均匀包括时值(节奏)的均匀和音量(包括音色)的均匀。而真正意义上的绝对均匀是不可能达到的,但训练时应尽可能地沿这一方向高标准要求。只有具备这种弹奏技巧,才能在弹奏乐曲中有细腻的表现。第二,借助于节拍器对时值均匀的训练是非常有效的手段。当弹奏者内心的节奏不准、对两音间距离不明确时,要一个音响一次,让琴声跟节拍器对准。或是当演奏者在速度控制不好、时快时慢时,节拍器也可以起固定速度的作用。因此,均匀训练可以使演奏者参与弹奏的各个器官得到有效锻炼,能够提高个人对弹奏的控制能力,而这也恰恰符合了现代钢琴教育讲究从声音着手进行训练的观点。

四、速度训练

速度的训练应首先加强手指功夫的训练。手指跑动速度快的特征是手指击键的瞬间速度快,要从高抬指的训练到近距离小部位动作快下键快起键。当然,科学的训练方式也不是手指孤立的运动,必须结合重量弹法,符合力学规律,合理利用重量、重心转移、惯性、反作用力等因素,根据乐句走向、分句,调整运动方向、呼吸,找到支撑点、平衡点以顺应弹奏。

五、关于连奏

在《哈农》的教学中,它多用作高抬指进行手指跑动的训练,作为方法训练仍可以用连奏法弹奏它。连奏在声音上指两音间要完全连接,没有缝隙。如:○○,指前一音未完全消失后一音便跟上,类似于走路时两脚间的关系。在弹法上因其多出现在旋律化、歌唱性段落,倾向于重量弹法为主,不主张手指的敲击,采用臂送、慢下键的方法,注重旋律走向及音的倾向性。

钢琴发展到今天,其作品瀚如大海,每个人能弹奏的也只能是苍海一粟。作为钢琴教育者,没有时间也不可能在每首作品中去纠正学生这样或那样的问题,唯一能做的就是洞悉演奏规律,帮助学生分析、明白弹奏技巧,改善他们的弹奏水平和能力,引导学生投入到主动、自觉、有目的的学习中去。《哈农》这类教材虽然短小,但是集众多技巧于一体,练习者只需运用《哈农》选出个人需要的部分训练来解决技巧问题,并将技巧难点归类集中,这样就可以很好地达到触类旁通的目的。

钢琴演奏的基本方法 篇4

一、钢琴演奏的基本才能

钢琴演奏才能体现在方方面面, 例如节奏感、乐感、独奏、协奏以及伴奏能力等等。钢琴演奏才能作为学术概念是一个外延非常广泛的词汇, 它的内涵界定可谓是仁者见仁、智者见智, 笔者认为钢琴演奏基本才能包括:节奏才能、技巧才能、记忆才能以及音乐表现才能这四个方面。

(一) 节奏才能

节奏是组成音乐的核心要素之一, 它赋予音乐旋律以强大的生命力。良好的节奏感对钢琴的练习有着重要的作用, 很多学生在弹奏新作品时, 只单纯注意音符的准确性、盲目的进行提速练习, 导致在回课的过程中虽声音达到了要求, 却因为忽略了最基本的节奏问题而影响整个音乐线条的发展并难以塑造出准确的音乐形象、表达出作品的内涵。因此, 节奏才能的培养不仅仅是指节拍的准确性, 像带有典型维吾尔族节奏、探戈节奏或者是爵士风格这种节拍明确的作品, 对于突出节拍的特点以及对节奏风格的培养也是尤为重要的。

节奏是音乐的基础, 也是音乐的灵魂。有目的、有计划、用科学的方法培养学生节奏感, 通过学生不懈的努力, 久而久之这种才能自然会得到提高, 我们的教学目的也就达到了。

(二) 技巧才能

钢琴技巧性的训练也是钢琴演奏的基本才能之一, 技巧的训练在整个钢琴艺术学习生涯中占有举足轻重的地位。对钢琴技能技巧的追求过程是审美情趣、意志与性格培养的过程, 更是美育的过程。众所周知, 打动人心的音乐需要演奏者全身心的投入演奏, 细腻地刻画音乐形象, 而这些往往需要扎实的、出色的技巧。换言之, 技能技巧的缺失, 音乐表现就无从谈起!

从钢琴诞生的那天起, 诸多作曲家以及演奏家们就编写了大量用来训练手指技巧的练习曲, 可见他们对技巧训练的重视程度。因此, 教师不仅要具备一定的演奏功底而且要运用正确的教学方法来指导学生一步一个脚印, 逐步积累钢琴演奏技术, 最终掌握完美的演奏技巧。

(三) 记忆才能

钢琴记忆才能, 包括了听觉、动作、逻辑和其他记忆力的总和, 是演奏基本才能中重要的一个部分。同所有才能一样, 是需要后天加以训练而形成的。我们常能见到考试或是独奏音乐会中, 一些学生虽然具备了良好的演奏技巧能力但却因为背谱问题而导致演奏过程中的停顿甚至于无法继续演奏下去, 使平时的学习与练习付诸东流。因此, 提高钢琴记忆力也成为了基本才能教学中的一个重要环节。

(四) 音乐表现才能

音乐表现才能是钢琴演奏基本才能中较为综合的一项。钢琴教学中, 除了要求学生具备一定的技巧能力, 还要使学生对音乐内涵有高度的理解与追求, 也就是我们常提到的要有好的乐感。乐感的好坏不仅能体现在对技能技巧的处理上, 同时也反应在对作品的风格把握上。有人认为乐感是天生的, 这一点不可否认, 但是后天的环境因素、风俗习惯以及时代变迁等客观因素都有可能对乐感造成一定的影响。作为教师, 除了要教授演奏技巧外, 更要使学生学会聆听音乐、感受音乐, 懂得如何用琴去歌唱。

欧洲中世纪的布依休斯 (Boethrus480—525A.D.) 就曾指出:“我们之所以能欣赏声音的美的结构, 那是因为我们自身以同样的方式构造着。” (1) 钢琴的音乐感是精细的而又有微妙差异的, 学生只要以认真的态度学习, 随着年龄的增长、文化的提高、视野的开阔、知识面的拓宽以及理解力的加深, 乐感是会不断丰富的。一旦建立起良好的乐感, 就能在长期的练习中将之转化为音乐表现力。

钢琴演奏各项才能的培养是相辅相成、缺一不可的, 其中任何一项才能的缺失都会影响到整个音乐的表现。因此, 如何选用恰当的教学方法来培养演奏基本才能也是值得教师给予高度重视的问题。

二、对钢琴演奏基本才能的培养

“钢琴教学方法是教师在钢琴教学过程中为了完成教学目标, 所采用的工作方式和在教师指导下的学生的学习与练习的方式。” (2) 教学方法是多种多样的, 按照教学方法的外部形态与学生认知活动的特点及钢琴教学的特殊性, 在钢琴课堂教学中使用的基本方法主要有讲授法、谈话法、指导法、示范法、观摩鉴赏法、练习法、发现法等。在钢琴教学实践中, 教师要熟知每种方法的特点, 以便选择行之有效的教学方法对学生的演奏才能进行培养。

(一) 教学方法的运用

1. 练习法的运用。

练习法重在强调学生在教师的指导下通过反复的练习巩固所学知识, 形成演奏技能。例如对于不同节奏型 (附点、三连音、复节奏等) 的教学, 在选择练习法教学过程中, 教师不但要告知学生演奏钢琴作品一开始就要认真体会乐曲的拍号, 体会不同节奏型所要表达的音乐主体及表情意义的习惯, 而且要指导学生采取多种多样的方式进行练习。通过课上的检查, 教师要启发学生自觉体验钢琴节拍的音乐律动, 从而不断地提高练习的效果和效率, 加强学生自我检查能力的培养。不同钢琴基础、不同接受能力的学生, 练习都要有计划性, 做到循序渐进。

2. 指导法的运用。

是指教师指导学生通过自我预习、理解分析和独立处理以获得独立处理作品能力培养自学能力的一种方法。 (3) 对于钢琴技巧的教学, 教师不仅要对学生手指、手腕、力度等技术上进行指导, 而且要选择恰当的教材以及练习方式来帮助学生解决技术上的难题, 例如遇到学生在演奏过程中手指力量不够的问题, 教师就可以采用同音反复、八度弹奏等指导法来指导学生解决此难点。学生通过教师的指导不断的积累和掌握弹奏要领, 来逐步提高自己的学习能力。指导法不仅能指导学生学习新作品, 同时也可以培养学生的演奏基本才能。因此, 教师要重视指导法的运用。

3. 示范法的运用。

在教学方法中, 示范法是使用较为广泛的教法之一。钢琴教学中, 示范法是指教师配合谈话讲解为学生进行示范演奏, 来说明和印证所要传授的演奏技能或要表现的音乐内容的一种方法。 (4) 示范法可以更好地向学生展示所要讲解的内容, 并能使学生更直观地感受与理解教师所要表达的意思, 从而使学生通过观察、模仿获得最初的感性认识, 在以后的练习中不断的调整动作。在示范的过程中要根据每个学生的理解能力和接受能力而适当的放缓速度, 以免学生一味的追求音乐效果而忽略了技术训练。

4. 讲授法的运用。

讲授法是教师运用口头语言系统地向学生传授知识的一种方法, 它是讲述法、讲解法、讲读法和讲演法的总称。 (5) 讲授法主要运用于对新作品的介绍以及指导学生回课作品, 钢琴教学通常采取“一对一”的授课方式, 通过教师的讲授, 能使学生在短时间内获得相关的演奏知识, 为以后进一步学习、练习打下基础。讲授中, 教师要注意语言的表达, 通过生动、形象的描绘, 富有启发的诱导, 把有关钢琴演奏的陈述性知识准确地教授给学生。为了达到理想的教学效果, 讲授法常常与其它的教学方法相搭配使用。

5. 发现法的运用。

发现法又叫“问题法”或“解决问题法”, 是由美国心理学家布鲁纳积极倡导的。 (6) 它可以让学生自己发现问题并通过努力找到解决问题的方法, 进而通过练习来印证问题是否得以解决。发现法对培养学生听觉记忆、提高演奏记忆才能有着很好的帮助, 也是目前使用率最高且有效的方法之一。在练习中, 学生通过听觉发现自己背谱不牢靠的问题, 通过理性的分析曲式结构、调性、和声、织体走向等找到问题解决的方法, 从而对乐谱分节、分段进行记忆, 这种记忆是相对稳定而可靠的, 这种方式能使演奏者在乐句上找到所要弹奏的音符, 以免中断后难以进行后面的演奏。

6. 观摩鉴赏法的运用。

观摩鉴赏法是教师组织学生现场观摩音乐会或其他艺术表现形式以及欣赏音像资料, 通过欣赏、观察、分析和研究而获得新知识或者巩固、验证已学知识的一种方法。 (7) 对于音乐表现才能的培养, 最直接的方法就是欣赏钢琴作品, 不同演奏家对于同一作品的处理, 可以使学生明确的感受出演奏家的用意所在, 激发学生的兴趣, 陶冶性情, 培养乐感。除了观摩鉴赏演奏家的演出以外还可以组织学生进行课堂教学观摩, 通过教师对其他同学的教学, 从中吸取方法、经验, 扩大眼界, 提高自身对音乐的鉴赏能力。根据不同的欣赏对象, 教师还可以选择观摩和欣赏各种音乐会、画展、舞蹈等不同的艺术形式, 这对提高学生对音乐美的感受和表现能力也有很大的帮助。

观摩鉴赏法在教学过程中也常与其它方法相结合, 在观摩前先介绍一下相关的背景知识, 提示学生在观摩中注意的重点并提出相关问题, 观摩后对问题进行讨论和分析, 巩固观摩中所学到的知识。

钢琴教学是复杂而又系统的, 因此不论采取哪种教学方法, 都要依据具体的教学任务、教学对象以及教学内容来选择。

(二) 教学方法的运用需注意以下几点

1. 因人制宜

学生的个人能力与性格特点是各不相同的, 因此, 教师要充分考虑到每个学生的特点, 有针对性的选择教学方法, 使学生在能保留其本身能力的同时兼顾提高其它的演奏才能。

2. 因时制宜

不同年龄的学生身体机能与运动能力的发展速度也是不一样的, 演奏基本才能也会随之有所变化。例如, 年龄较小的学生手指是相对灵活的, 在这期间选择正确的教学方法对技能技巧进行训练是非常有益的。

3. 因需制宜

对于演奏基本能力的培养, 除了前面提到两点以外, 因需制宜也是需要教师注意的问题。不同体裁、不同作曲家的作品对演奏能力也有不同的要求。所以, 根据不同的需要选择恰当的教学方法来培养基本演奏能力也是十分必要的。

结语

钢琴专业教学工作是全方位的, 而教学手段也是多种多样的。多种教学方法的配合使用, 有利于培养学生的演奏基本才能。作为未来钢琴教育工作者, 教师不仅担负着正确指导学生学习钢琴知识, 更潜移默化地影响着学生意志与品格的形成以及对美好生活的认知与体验。

参考文献

[1]樊禾心.《钢琴教学论》.[M].上海音乐出版社, 2008年版.

[2]司徒碧春、陈郎秋.《钢琴教学法》.[M].西南师范大学出版社, 1999年版.

[3]霍橡楠.近年来国外关于音乐才能相关性因素的研究.[J].乐府新声.2006年第4期.

[4]卜莉.高师音乐教育“钢琴教学法”浅议.[J].音乐创作.2006年第5期.

扬琴演奏的基本要素及方法 篇5

关键词：音准 键法 节奏

扬琴演奏最早产生于明代，发展至今，已经由伴奏发展成为独奏。尤其是扬琴演奏的民族风格是独具特色的，近几年来，随着扬琴演奏的发展，创造出了更多种类的演奏曲，包括协奏曲、独奏曲等，扬琴演奏随着社会和时代的发展，已经成为中国民族乐器演奏艺术中的重要组成部分。

一、扬琴演奏的基本要素

（一）音色的变化

在扬琴演奏的过程中，音色是随时会发生变化的，音色的变化是由泛音的数量和强度所决定的，在发音过程中，振幅和频率强度的不同导致音色也是不同的。扬琴演奏的音色与其他乐器演奏的音色最大的不同之处就是：扬琴演奏音色的抑扬顿挫是通过对余音的长短处理表现出来的，目前在专业的扬琴演奏中采用延音踏板，主要是用来装止音器，目的是能够立刻止住前一个音乐的音响，快速开始下一个音符，而听觉上仍是清晰顺畅的，就像在演唱中换气一样，听着比较舒缓。

（二）把握好音准

保证扬琴演奏效果的前提是把握好音准，音就是扬琴演奏过程中震动而产生的声音，这个声音是可以辨别的，分为纯音和复音两部分。其中纯音的频率只有一个，但是强度是可以变化的。而复音是由两个或多个纯音组成的，在复音的部分里涉及到一个称为基音的名词，即最低频的分音，其余的则是泛音。基音是扬琴演奏中的第一谐音，也是整个演奏中最悦耳的声音，因此第一谐音被称为乐音。

（三）调整好节奏

节奏也是扬琴演奏中重要的基本要素之一，调整好节奏是提高扬琴演奏效果的前提和基础，节奏的调整是跟随着演奏的时间而展开的，音乐的高音、低音、重音、轻音等都与节奏有着不可分割的重要联系，扬琴演奏出的音乐讲究的是一种韵律，韵律是由有序音和有组织的律动相结合产生的，这种律动称之为“节奏”。这就要求在扬琴演奏的过程中既要加强内心的节奏感还要有控制节奏速度的能力，保证整个演奏过程中的音律协调进行。

二、扬琴演奏的基本方法

任何演奏乐器都有一定的演奏方法和技巧，掌握演奏的方法和技术是完成整个演奏的前提和基础。扬琴演奏也具有本身的演奏技巧和方法，在扬琴演奏由伴奏发展到独奏的整个过程中，在乐器制作和演奏技巧上都发生了巨大的变化，也在不断地改革和创新，以至于发展至今已经形成了中国扬琴独特的民族风格。为了更好地促进民族乐器的发展，分析和研究扬琴演奏的基本方法是非常必要的。

（一）击弦法

击弦法是扬琴演奏中比较常见的演奏方法，即敲击琴弦的方法，简单的说就是键盘乐器的触键方法，这个基本方法训练的前提是要掌握三指持键法，但是在扬琴演奏的过程中击弦法采用的是两指击键的方法和技巧，其中包括双打、连打、轮音、弹轮、滑弹等，这些都是在击弦法的基础上逐渐演变出来。在扬琴演奏的过程中，其音色、音量、音质以及力度和灵活性等都与击弦法是否正确有关，如果扬琴演奏的过程中，击弦法使用的不当，不仅会使演奏者吃力，而且还会导致乐曲的音色、音质等不够清晰准确，灵活度也不够，对其演奏的水平也有着很大的影响。这就要求扬琴演奏过程中要掌握好击弦法的主要技巧和原则，即运用手指带动手腕形成两个轴心，拇指是第一个活动轴心，手腕的关节处是第二个活动轴心，这两个轴心在运作的过程中相互带动，指和腕活动完全一致的情况下，保证整个演奏过程连续和有序地进行。

（二）持键法

另一个扬琴演奏的方法就是持键法，持键法包括两种形式，两指持键法和三指持键法，扬琴演奏中的运功和指法都是非常重要的，根据相关调查显示，在扬琴演奏的过程中，拇指、食指和中指持剑的方法比较普遍和常见，就是这个方法被称为三指持键法，三指持键法的手背是向外侧的，手心内侧是相对着的，并且拇指、食指和中指三者形成三角点，这个姿势主要是根据杠杆的基本原理，保证力点在中指托琴键处，这样的姿势是比较科学合理的。以上阐述的是扬琴演奏中正确持键的基本方法，获得良好的扬琴演奏效果，若使用持键法演奏，是实现这一目标的有效途径之一，我国扬琴演奏的持键法虽然有两种，但是常见的是三指持键法，所以在运用三指持键法进行演奏的过程中就要处理好拇指、食指、中指三者之间的关系，保证其扬琴的平衡性以及演奏的连续性。

三、结语

随着近几年来我国社会和经济的快速发展，人们对精神需求越来越重视，音乐是人们目前精神追求的重要组成部分，促进了我国艺术宝库的不断充实和发展，越来越注重演奏乐器体裁的多样化。作为已经具有民族风格的扬琴乐器，要不断地发展和创新，创造出更多适合我国人民需求的曲。扬琴演奏实践中还存在着很多不足之处，还需要我们不断的探索，研究扬琴的基本要素的基础上，创新演奏的技巧和方法，提高整个演奏的音质、音色、音调、音量以及力度、节奏等质量和效果，更好地促进扬琴演奏的发展以及我国民族乐器演奏的质量和水平。

参考文献：

[1]梁瑞华.得心应手 声情并茂──谈扬琴演奏的心理素质训练[J].黄钟（武汉音乐学院学报），1995，（02）.

[2]张子锐.谈古代律吕理论在民族定音乐器上的运用——介绍第一台律吕大扬琴设制过程及排笙抱笙音位的来源[J].黄钟（武汉音乐学院学报），1989，（03）.

双钢琴演奏技巧的提升方法 篇6

双钢琴演奏属于钢琴演奏中的重要组成部分,自十六世纪就已经开始形成。双钢琴演奏,要求两名演奏者具有共同的审美情趣,对音乐作品的处理有内在的默契。双钢琴演奏属于一种特殊的演奏形式,无论是在多声部还是和声等方面,都具有更多的可能性,使作品构思空间更开阔、表现力更丰富。而在双钢琴演奏过程中,演奏者的音乐表现能力也会得到明显提升。双钢琴演奏的形式,可以让我们的音乐语言变得更为丰富,能够非常完美地表达出音乐多声部以及和声,演奏者对于音乐作品的创造和驾驭也有了更为开阔的空间。

双钢琴演奏最关键的是两名演奏者之间的默契。双钢琴演奏注重整体匀称,要求演奏者在起奏、分句、色调变化时,都能够做到准确和协调。演奏者必须相互协作、相互配合,保持高度的默契,两名演奏者应该就演奏技巧以及个人对音乐作品的理解进行充分交流、练习。双钢琴讲究融和相通,情投意合,所以,国际上很多著名的双钢琴演奏者基本上都是兄弟、夫妻等。例如,二十世纪八十年代全球著名的法国双钢琴组合卡蒂亚·拉贝克与玛丽亚·拉贝克就是一对姐妹,还有二十世纪上半叶活跃在乐坛中的阿图尔·施纳贝尔及其家族的钢琴重奏。

在平时,两位演奏者要对每一首乐曲、每一个段落的所有细节进行研究,反复揣摩,大量尝试,形成一致的看法。这样,才能演奏得更加完美。下面,对双钢琴演奏技巧提升方法进行简要分析。

一、节奏控制

在双钢琴演奏的过程中,节奏的控制是必须掌握的基本技能。由于两名演奏者的节奏感是不可能百分之百相同的,所以非常容易产生节奏感上的差别。另外,因为双钢琴处于对置摆放的状态,因此,两名演奏者都无法看到对方的手,不能够按照手的弹奏速度来进行彼此节奏的协调。因此,我们必须要对节奏控制能力进行训练。比如,选择节拍器,根据乐谱上的标记按照规定的速度进行弹奏。先是让演奏者独奏,独奏的过程中要注意感受节拍之间的变化,之后再让两名演奏者共同进行练习,使用节拍器共同弹奏一首乐曲,要求能够将其中的每个音符和节拍准确演奏。例如,乐谱1中(莫扎特《D大调双钢琴奏鸣曲》K448)(篇幅所限,乐谱略),两名演奏者必须同时弹奏,在第一个和弦起拍、颤音的演奏过程中,要求两名演奏者必须准确地捕捉对方的信息,力求演奏均匀整齐,相互之间的节奏和气息必须紧密配合。这需要平时长时间地练习,才可能做到精准无误,最终达到较完美的艺术境界。

二、语气语态

在双钢琴的演奏过程中,如果出现语调平淡、语态不突出,那么就证明对作品中乐句内容没有深刻的理解与想象。因此,我们应该对演奏者进行音乐乐句的语气语态训练,使用说话、歌唱等表演姿态来进行演奏。在双钢琴音乐作品演奏之中,同一个乐句,常常出现一架钢琴弹上句,而另一架钢琴弹下句的情况。遇到这种情况时,两名演奏者所弹奏出来的音色必须要协调,力求呈现出一气呵成的效果。在乐句的对话点,演奏者应该进行语气交流与传递,在起止部分做到干净、衔接部分要快速。乐句之间的情绪配合必须统一,力度的掌控要协调。例如,乐谱2中(篇幅所限,乐谱略),两名演奏者之间应配合默契,就如同歌剧之中两个角色在进行对话,第一架钢琴应该做到深沉缓慢,而第二架钢琴必须要活泼热情。这样才能有鲜明的对比,才能够让双钢琴演奏充满魅力。

三、听觉与节奏训练

双钢琴演奏的训练也可以说是演奏者听觉的训练,演奏者应该用心去听自己与合作者的演奏。听,在钢琴练习中是一种很重要的技巧,也有很严格的标准。比如说,要求演奏者听主奏和伴奏之间的音量比例、听各个声部之间的平衡点是否自然、听自己与对方声部来感受整体效果,从而实现节奏的协调统一和乐感的一致性。听自己与对方的呼应对答,把多层次部分的力度努力控制到最好,听弹奏的音色来对自己的触键速度进行调整,从而力求双方形成统一触键。

同时,双钢琴演奏要求两名演奏者必须要默契配合,这就要求在乐曲演奏时掌控乐曲的节奏感。首先,必须要对乐曲节奏以及节拍律动有一个正确的感觉,演奏者必须根据乐谱将谱中音的时值、休止符时值进行准确弹奏。其次,要把握好乐曲的弹奏速度以及节奏律动的变化。对于这些节奏力度的控制,两名演奏者之间必须密切配合,协调好气息与节奏。

四、声部把握

对于声部的把握,包括两个方面,一方面是音色把握,另一方面是力度把握。

(1)音色。音色的控制必须要以旋律、和声的变化作为依据。只有在音色上进行变化控制,才能够让乐曲更加具有想象力,才能够更好地呈现出乐曲之中的情感。双钢琴乐曲的音色必须要按照声部结构层次来选择,根据乐曲的结构、调性色彩以及旋律变化,正确地选择乐曲音色效果。通过有差别的音色来对乐曲中的音色层次进行诠释,从而让不同声部的音色更加清晰。唯有这样,才能够让音响空间产生出更加丰富和细腻的效果。

(2)力度把握。双钢琴演奏相比于独奏来说,会让乐曲音响效果更好。演奏者应该结合对方的声部层次以及力度变化,对自己的力度进行调整。细腻的力度层次表现,必须要依靠两名演奏人员共同协作来完成。双钢琴乐曲的织体仅仅存在一个主旋律线条,演奏者必须要做到主次分明,伴奏声部的力度要控制好,切不可超过主旋律,要发挥出伴奏的渲染和衬托作用。

浅谈钢琴演奏方法 篇7

一、钢琴弹奏方法

(一) 坐的姿势

1、弹奏钢琴的时候, 身体的中心应当依靠臀部和脚来支撑。如果学生个子较小、脚踩不到地面的话, 则需要为他准备一个小凳子让其脚不会悬空, 有一个稳固的支撑点, 但切忌重心不要过于靠后和靠下。

2、不能把座位都坐满, 应该坐到凳子的三分之一左右的地方

3、上身直立, 腰不要塌陷。上身略向前倾, 使重心略靠前, 便于将力量传送至手指。

4、脚的位置 , 一般可以放在踏板附近 , 这个位置比较适合于演奏, 也有利于使用踏板。

综上所述, 坐的姿势应当以自然、端正、有利于弹奏为原则, 不应僵硬、紧张, 或者过于松懈。

(二) 手型

1、手的姿势:放松、自如、呈半圆形, 手指应略向里弯曲, 手上的三个关节都应突出, 在教学中可以让学生先轻轻握拳, 然后再慢慢放开, 直至手形成一个半圆状。这就是弹钢琴的基本手型。因为支撑手型主要靠大拇指和小指两个手指, 所以要单独注重这两个手指的训练。

2、手臂的姿势:大臂自然下垂, 不要夹紧, 前臂与键盘平行或略高于键盘。

3、手腕的姿势:腕部与键盘平行, 不能低于键盘或高于手掌, 弹奏时要保持放松。

(三) 几种基本弹奏方法

1、非连音奏法——断奏

先慢慢提起手臂, 略高于键盘, 手自然下垂, 手指自然弯曲, 然后手臂慢慢地自然落下, 将手指按在键子上并站立好, 掌关节不能够塌, 不能够抬手腕, 应当略低于手或与手保持水平。弹奏时手指不要过多地用外力, 能够支撑住就可以了, 其他不按键的手指应略高一些, 不能碰到其他的键子, 也不能抬得过高、致使紧张。

2、连音奏法

连音奏法的关键就在于力量的转移。弹奏每一个音的时候, 要让放下的手臂重量从一个手指转移到另一个手指上, 应感觉到音进行的倾向性。手指能够从容的落键, 手和手腕要放松。弹第二个音的时候就把弹第一个音送的力转移过去。这时前一个手指虽然还放在琴键上, 但也不用再用一点外力了。大部分的连奏都是两个音的, 但也有三个音或五个音的连奏等等。

3、跳音奏法

跳音奏法最主要的特点就是敏捷, 要更多的去感觉从键盘上反弹起来的力量。弹的时候要注意手不能紧张, 跳的时候手和手指还是放松的, 不要刻意的把手往回抽, 不要做作。

(四) 踏板

一般钢琴有三个踏板, 最右面的踏板是制音器踏板 (colpedale) ;最左边的是柔音踏板 (una corda) ;而中间的踏板是保留音踏板 (pedal tonale) 。但在很多钢琴尤其是立式钢琴上, 这个中踏板并不是真正的保留音踏板。

制音器踏板的踩法

1、节奏性踏板法:踏板与和声同时踩下或与强拍同时踩下, 在下一个和声出现前抬起, 与再下一个新的和声做同样的踩放。

2、切分踏板法:也被称作连音踏板法或跟随踏板法, 这是踏板最常见的方式。当手指接触到钢琴键的时候, 脚迅速抬起然后再落下, 如果手指是在正拍弹奏的话, 那么踏板通常要错后一个十六分音符, 如果曲子速度很快的话, 有可能要错后一个八分音符, 当下一个正拍再出现时, 脚再重复放开落下的动作。

3、半踏板法:即不将踏板一踩到底, 只踩到一般或将踏板踩到底但不完全抬起就重新踩下。

柔音踏板的踩法:只要在需要使用柔音踏板的乐句、乐段或音符及时踩下并保持即可。

4、颤动踏板法:频繁地用小动作踩抬踏板, 可以把动作做得小一点, 不用把踏板完全踩到底, 但切换的频率要快。脚尖以十六分音符的速度快速地作踏板切换。使用右踏板时, 要谨防和声混浊, 避免旋法与句法模糊不清, 更不能用右踏板来弥补手上的不足。

在钢琴初学阶段, 一些人为了弹得响, 弹琴时就踩着右踏板长时间不放开, 形成一片“噪音世界”。这种不良现象的出现, 有音乐观念和演奏概念问题, 有表演心理因素问题, 有音乐听觉习惯与控制问题, 更有踏板技术的熟练程度问题。这些问题都需要在学习中加以解决, 从而逐渐步入钢琴音乐艺术的尽善尽美的表现。踏板运用既有脚上的技术, 又有音乐听觉的积极参与。在一定场合或情形中, 耳朵指挥脚更为重要。

保留音踏板:在钢琴演奏过程中虽然保留音踏板并不是经常被用到, 但它能使钢琴更富有表现力。它的主要用途:1. 保持乐句的完整性。2. 持续低音的效果。3. 在一个演唱的持续和弦的背景下自由地演奏其他声部。4. 造成一个稳定声部与其他声部的对比效果。5. 延长和弦中的某些音。基本演奏方法是当弹奏音符时完全放开制音器踏板随即踩下保留音踏板, 这个动作要十分迅速, 弹奏、抬制音器踏板、踩保留音踏板这三个动作要一气呵成, 中间不能有停顿。

二、结论

钢琴演奏本身是一门学问, 是一门艺术。

钢琴表演的基本任务在于能够把一部音乐作品的音韵以及演奏者对作品的理解完美得呈现给听众, 不光要从技巧上严格要求自己, 还要培养自身的音乐感觉, 要从简单的乐理知识发展, 到能运用正确方法让双手双脚的配合演奏钢琴。

参考文献

[1]樊禾心, 《钢琴演奏论》, 上海:上海音乐出版社, 2007.12

[2]应诗真, 《钢琴演奏法》, 北京:人民音乐出版社, 2007.8

[3]赵晓生, 《钢琴演奏之道》, 上海:上海世界图书出版社, 1999.7

[4]张建国, 《钢琴演奏技巧导读》, 上海:上海音乐出版社, 2005.6

钢琴演奏的基本方法 篇8

一、钢琴演奏技巧是音乐表现的直接手段

一位钢琴演奏者要想正确地弹出乐音, 就必须具备一定的技术能力。没有技术, 音乐内容的表现就只是一句空话。所以技术在钢琴演奏中具有关键性、前提性的地位。彪洛就曾经说过, 钢琴家有三件事, 第一件是技术, 第二件是技术, 第三件还是技术。这就明确了弹奏的目的是为了表达出音乐的内容, 就有了恰当运用技术能力的目标。这种技术能力就是技巧。比如:一段优美的旋律需要内心的歌唱感和手指的连贯动作再加上手臂重量的合理运用, 才能体现内在的气息的流动和语句的抑扬顿挫;一道亮丽的音响色彩的塑造需要敏捷细腻的指触和多层声部的合理融合;一段铿锵的节奏的展示需要指力、重力与节拍在激情下的持续迸发;小桥流水、风花月夜、空山鸟语、温馨甜美的想象等等都可以技巧的途径展现出来。把这些音乐的素材按照一定的思想或情绪的发展逻辑有机地组织起来就构成了综合音乐形象, 它体现了人的精神和意志, 成为音乐表演活动的根本目的。从这个意义上讲, 技巧也逐步地靠近了音乐本身。因此, 技巧是以音乐素材的积累为前提, 以智慧为手段, 以情感的体验为特征的精神产物, 是演奏者巧妙地运用弹奏技术、表现一定音乐情绪的能力。它是音乐表现的直接手段, 也是音乐表现最有效的手段。

二、技巧训练是钢琴演奏的基础

钢琴演奏技巧属于基本功范畴, 任何一项艺术活动在开展时, 基本功训练都是基础, 是最先需要练习的, 在钢琴学习之初更是如此, 要想不断提高自己的演奏技能, 唯一的方法就是不断的练习。如何塞伊图尔所说:“要每天加大运动量、加大训练强度。”钢琴演奏者在练习时首先要确定正确的弹奏方法与触键方法, 在这个前提下, 弹奏者从第一个音起步, 从此便开始了基本功技能的练习。无论是手指基础训练还是各种奏法训练;无论是种类繁多、程度深浅的练习曲弹奏, 还是风格各异、意境迥然的乐曲学习, 自始至终、无一例外地都贯穿着、渗透着技能技巧的训练。在钢琴弹奏的初、中级阶段, 演奏者要集中时间精力练习一定数量的车尔尼、克莱门蒂及莫什科夫斯基等人的练习曲, 这是获取钢琴演奏技巧必不可少的途径。等到了弹奏的高级阶段, 则应通过弹奏肖邦、李斯特、拉赫玛尼诺夫等大师的音乐会练习曲与各类乐曲来汲取钢琴弹奏技巧。因为在弹奏的初中级阶段, 若不通过一定数量由浅入深的练习曲进行练习, 那么就无法获取弹奏相应程度乐曲及进入高级阶段所需要的弹奏技巧。

三、钢琴演奏技巧训练需要注意的问题

1. 把握一个“巧”字

钢琴演奏技巧, 关键在于一个“巧”字上, 演奏者不能一味地苦练、耗时间, 一定要抓住这个“巧”字, 做到有效的练琴, 在有限的时间内提高练琴效率。要提高练琴的效率, 首先要明确每次练琴的目的。演奏者在每次练琴前都要明确准备解决什么问题, 都要有计划、有步骤、有目的, 而不是盲目地一遍遍、一曲曲地过。练琴时, 要仔细地研究乐谱、准确地表达乐曲的内容, 不断地聆听与调整自己的演奏, 找出难点并按照老师的指导克服一个个困难、解决一个个问题。在遇到问题时, 可以通过放慢速度、分手练、分段练等来进行, 无论用什么方法都要保持清醒的头脑和敏锐的耳朵;都要明确练习的目的, 对自己高标准、严要求, 不断追求完美的音乐境界。就像毕达歌拉斯所说的, 早晨醒来时, 问一问自己:“我应当做什么?”晚上睡觉前, 问一问自己:“我做了些什么?”练琴也是如此, 如果总是一遍一遍漫无目的地盲练, 即使练再多也无济于事。

2. 用“心”练习

练习时, 演奏者要养成用心观察的习惯, 不要随便放过任何的一个弧线, 记号, 然后牢牢记住。弹奏时一定要知道: (1) 每个音的意义:它是主音, 经过音或是伴奏, 以及在这个乐句所占的位置等; (2) 每一个乐句进行的过程:前后的关系, 是问句, 还是答句, 还是连接句; (3) 每句即每段的重点:音乐就如同讲话一般有抑扬顿挫, 才能引人入胜至忘我境界。

3. 学会“无声练习”

技巧并非纯粹是肌肉运动的问题, 它还兼有“精神控制”及“思考”。当在练习时遇上困难时, 不妨静下来研究如何运用肌肉的运动感觉找到解决困难的方法, 然后集中精神, 将手指放在琴键上作无声的弹奏, 然后把琴盖上, 就在琴盖上练习。当习惯了肌肉运动后, 再移到琴键上, 就可以发觉容易多了, 而你也在不知不觉中学会了“无声练习”, 对背谱及想象有莫大的帮助。

4. 注意正确的指法

指法因人而异, 所以练习前不仅要找出正确的指法, 还要逐渐挖掘出适合自己的指法, 然后每次练习都用同样的指法。好的指法会帮助你把乐句分的更清楚。开始时可多参考几种版本, 仔细研究其指法的差异, 不久之后就会发现好的指法是有规律可循的。

5. 永远都要记得, 演奏只有一次

很多人在弹奏时知道错了, 以为下一次便不会错, 或者将改正的机会寄托于下一次的演奏, 养成习惯后, 你的第一次, 不管是在上课抑或是演奏总会失败。要知道一场演奏会是不会提供给我们再弹一次的机会。所以自练琴起, 每次都要当作只有这一次机会的态度, 不要有下一次的念头。

6. 用耳朵弹琴

很多人在练习时知道利用头脑、手指、眼睛及心中的感觉, 却忽略了最重要的听觉。因此很多人在听到别人弹奏时, 只觉得很熟, 却不记得在哪里听过。或者在渐强、渐弱的乐段, 他自认为可以做到, 但其实却做不到。如果你能清楚地听到弹出十五次四个八度的音阶琶音从ppp~fff间挤进十五个等级即ppp pp p mp mf f ff fff的中间还能再加一级, 那么表示你有能力弹渐强渐弱。因此, 能否用耳朵弹琴直接决定了在实际演奏中能否弹出相应的水平。

摘要：钢琴是一种结构复杂、音域宽广、表现力丰富的键盘乐器, 它是与人类灵魂沟通的乐器。钢琴演奏是一项技术性较强的艺术活动, 是由双手的相互协调与紧密配合来共同完成的。因此, 技巧在钢琴演奏中发挥着至关重要的作用, 它会影响钢琴的音色、音乐的表现力等, 可以说是钢琴演奏的基本能力。本文主要针对钢琴演奏技巧对于音乐表现的重要作用进行一番论述, 希望起到抛砖引玉的作用。

关键词：钢琴,演奏,技巧,音乐,表现,作用

参考文献

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[5]李月钢.如何提高钢琴快速演奏技巧[J].科学教育前沿, 2011 (05) .

钢琴演奏的基本方法 篇9

一个有修养的演奏者总是力求使自己的演奏充分表现作品的内涵, 最大限度地激发感染听众。为此, 演奏者不仅要深入研究乐曲的风格, 以表现乐曲的内涵, 还要研究和设计各种不同的触键方法, 以达到乐曲所要表达的内容、艺术现象之需要。

众所周知, 贝多芬的钢琴作品情绪对比强烈, 大幅度的力度变化随处可见。他的音乐时而由渐强变为极弱, 时而由最强变为很弱, 以充分发挥钢琴的性能特点, 产生辉煌的乐队效果。而肖邦的钢琴作品, 如《夜曲》, 就强调优美如歌的音色、流畅连贯的旋律而被誉为“钢琴诗人”。这种大幅度的力度变化, 优美如歌的音色就涉及触键方法问题。

我认为, 弹奏强音时应尽量避免手臂肌肉紧张, 因为紧张只会导致发音生硬。要想使钢琴取得悦耳动听的声音, 就应将手臂的重量和手指的支撑点结合起来, 自然地提起和落下。同时, 腰、背、肩、肘、腕, 手指关节的配合也十分重要。即从一个支撑点———接触键盘上的指尖———开始, 到另一个支撑点———接触凳子的躯体为止, 都应保持自然放松。上述任何一部位 (手指第一关节除外, 因它要支撑手臂的重量) 出现紧张, 力量就不能畅通无阻, 弹奏就要受到影响。弹奏时动作要协调, 避免一切多余动作, 充分发挥生理上的自然重量。这样弹奏出的作品声音比较富于弹性。例如, 贝多芬的《热情奏鸣曲》作品57号中, 就有几处ff (最强) 处。

弹奏轻的声音比弹奏力度强的音响效果要难得多。它的弹奏方法是手指紧靠琴键, 尽量保持手指和键盘的最小距离, 以避免产生任何不必要的多余动作。这样才能节省时间和力量。同时, 手臂、手腕也要放松, 受肩关节控制的整个手臂好像“滑翔”一样把重量小心地传到指尖。卡尔·莱默尔将这种触键方法称之为“用整个手臂弹奏”。我认为这种弹奏方法能有效地控制声音的强弱, 表达出细微的情感变化。例如贝多芬的《热情奏鸣曲》作品57号, 表现沉思默想心情的主部主题力度为pp时, 就需要运用这种触键方法。

弹奏连音时, 应以手指尖后半部分的肌肉触键, 这种触键方法产生的声音柔和而富有弹性。而不能用指尖触键, 用手指尖触键能形成一连串颗粒性效果, 但弹奏出的声音柔和度、连音效果较差。弹连音的感觉有些往回拉而不是向下敲击手指, 必须小心地把一个个音符连贯起来。弹前面一个音时要把后面一个音的手指准备好, 两音之间的手指运动不能有一点停顿。弹奏连音和人走路的道路完全一样。走路时, 人的重心先在一只脚上, 逐渐转移到另一只脚上, 等一只脚站稳了, 另一只脚才能离开。从一个手指到另一个手指中间不能有缝隙。同时还要注意让手、腕、前臂的移动完全平稳, 以使弹奏的连音片断流畅自如。只有这样, 才能获得柔和连奏的效果。例如, 肖邦的《幻想即兴曲》作品66号中的第二段优美如歌的旋律部分。

李斯特的作品《安慰第三首》中, 左手琶音跳动较大, 从大字组D音准确地跳到小字组F音, 并要求非常连贯、均匀、柔和的声音效果, 演奏时很难控制。我认为弹奏跳动距离较大的琶音片断时, 要特别注意手指的灵活性, 手腕左右的移动和重量的转移。弹哪个音就支撑哪个手指, 其他手指要放松。弹长琶音的难点是大拇指的转移困难。为了便于大拇指的转指动作, 手腕要稍高些, 同时手、腕、臂要一起迅速、平稳地移动, 才能使这一组长琶音弹奏得平稳、均匀、柔美、连贯, 有圆润的线条感。

八度音和八度夹和弦音的跳跃进行, 触键的要点是四指一指或五指一指下键要快, 并且要求把放松后的手腕、手臂的重量, 以肩部传到手指的肉垫部分, 这样触键方能产生优美、动听的音色。其次, 在弹奏跳跃的音程时, 不论是慢速或快速, 都应该在弹了第一个八度音程后, 手指立即反弹在要弹奏的音键上, 做好准备触键的动作。这样可使手移动两个八度音程之间的音位既快又稳。这一弹奏方法, 对于准确和提高弹奏速度能起到积极的作用。八度连奏的方法是, 手指始终“粘在键子上”贴键弹, 靠手腕的上下动作移动位置, 转移重量, 使声音更加连贯。右手还可以交替用一四指和一五指弹黑白键。例如:芭达奇芙丝卡的钢琴曲, 《少女的祈祷》中的八度乐段部分。

弹奏轻快的音阶经过句时, 关键在于: (1) 手指下键的速度要快而主动。 (2) 拇指穿越其他手指的速度要快、准、稳。同时拇指微向内弯曲, 不要躺在键上;要能独立活动, 不要依赖于臂或手腕的力量去按键。当拇指要从另一个手指下面穿过去弹奏时, 那个手指先不要离键, 手腕要灵活、放松, 起到微调 (重心转移) 的作用, 将拇指弹下去, 要求和其他手指发出的声音保持统一、均匀。 (3) 弹奏连续的快速十六分音符时, 不可能用整个手臂的重量弹奏, 应当用经过均等训练的手指去弹奏。例如莫扎特的《奏鸣曲》作品第333号。

架子鼓的简史及基本演奏方法 篇10

十九世纪中期, 在美国南北战结束之后, 擅长歌舞的黑人从离开后的军营中找到了很多遗留下的乐器。如大小军鼓、钹镲等, 对于所获得的乐器, 黑人对其进行了组合, 这也是爵士鼓的产生的原因。他们把大军鼓以支架支撑, 再配合一个踏板。把其他小型的乐器摆放在爵士鼓的旁边, 这样, 一个人就可以对组成而成的乐器进行操控。随后经过不断的发展与进步, 就有了现代的爵士鼓。而随着爵士乐普遍的流行以及发展, 简陋的装置已经跟不上时代发展的步伐, 因此在原有的基础上增加了去掉响弦的小鼓, 它与大鼓相互配合使声音更为动听, 因其发出嗵嗵嗵声, 因此后来我们称之为“嗵嗵鼓”。随着爵士鼓的不断发展与更新, 踩镲也作为一种辅助乐器加入。直至发展到型制健全、操纵方便、具有两面大鼓、七八面嗵鼓、八九面吊镲的世界性打击乐器了。

架子鼓形成于本世纪四十年代, 它包含着各种不同类型、不同音色的手击乐器和脚击乐器。二十世纪中期, 摇滚乐在美国风靡起来, 旋即在世界掀起强劲的旋风, 由于爵士鼓变化多端的节奏和鼓手高超的演奏技艺, 迅即成为摇滚乐中不可缺少的组合型打击乐器了。摇滚乐以它强烈金属的音响和丰富多变的节奏, 使人产生音的摇晃滚动感觉, 特别招致青年人的垂青。而今在我国, 摇滚乐、通俗歌曲逐渐成为人们文化生活的组成部分, 爵士鼓亦属热门乐器, 尤其受到青少年朋友的欢迎。

二、随着电子技术的发展, 就出现了电子架子鼓, 也叫电子鼓。20世纪末, 由于技术的不成熟, 电子架子鼓还没有广大鼓手的欢迎, 到了21世纪初, 尤其是现阶段, 越来越多的鼓手喜欢用电子鼓做打击练习, 上台表演等, 现在又出现并流行了手机架子鼓等。

(一) 架子鼓的基本演奏方法

架子鼓记谱用五线谱, 用F谱表, 低音大鼓在第一间, 小鼓在第三间, 耳鼓Ⅰ在第四间, 耳鼓Ⅱ在第四线, 大桶鼓在第二间, 大立镲分别别记在上加一间, 踩镲写在下加一间。架子鼓并无固定的音高, 一般由演奏者根据乐曲的需要去调定选择。

1、低音大鼓:用右脚自然平放在踏板上, 敲击时脚腕和脚掌松弛自然, 脚随踏板上下运动, 脚掌不要抬的过高, 除连续演奏重音外, 脚跟不要离开踏板。

3 2、踩镲:用左脚, 预备演奏时提起左脚跟, 开始演奏时脚跟下脚掌上, 脚掌下脚跟上, 脚跟脚掌运动必须自然跟随踏不板, 可抬的过高或动作缓慢。

4 3、小鼓:一般左右手都可以直扣腕式 (手心向下) 进行演奏。小鼓也叫小军鼓, 主要是滚奏的练习方式, 有很多人都会认为将双跳打快就是滚奏, 最常用的是双跳打快、带压的、将压打得清晰, 是一种滚奏的方式, 另外要参照中央音乐学院刘光泗老师的教学资料视频中的滚奏练习, 他的方法是将鼓棒自由回落, 感觉有弹性。双跳:将滚奏打快也就是滚奏其中的一种压奏的方法。

5 4、手镲:用右手, 在踩镲上采用直扣式敲击各种节奏。

6 5、吊镲:用右手, 是代替手镲演奏各种节奏, 采用直腕式或直扣式, 一般有槌头敲镲面, 在演奏重音渲染强烈气氛时, 用槌杆敲击镲的边沿处。

学习架子鼓就是练基本功, 先练单跳, 先把手腕练开, 要慢练手臂不要动只动手腕。不一定强规定一个速度, 只要你能胜任, 练到一口气练一小时都不会觉得累就行了。然后可以尝试一下双跳, 双跳不能靠鼓皮的弹力去做, 一定要靠手腕, 刚开始练的时候一定会觉得太慢, 但只要你坚持就可以做到, 后面还有三连音、复合跳、四连音等等。脚上面有单踩和双踩, 练完基本功之后你可以尝试着去敲一些鼓点, 看看有没有很顺手, 之后接着练基本功, 但是记住都要慢练, 一开始就是要慢练, 可以先从简单一些的歌曲开始打, 基本功很重要的, 不会基本功就不可能敲出很多的花样。

总之, 要演奏好架子鼓就要了解它的历史和应用, 就要从一点一滴做起, 要有坚强的毅力、耐心, 无论是教与学都必须持之以恒, 不断深入研究, 这样才能打出水平来, 才能打出生活的精彩、打出人生的精彩!

摘要：随着我们今天生活节奏的加快, 流行音乐占据了大块的听音乐时间, 尤其是节奏感较强的爵士音乐。那么我们知道爵士乐队中十分重要的一种无音高打击乐器——架子鼓吗?本文主要介绍架子鼓的简史和基本演奏方法。