钢琴室内乐演奏刍议（精选4篇）
钢琴室内乐演奏刍议 篇1
室内乐是不同乐器结合在一起的演奏形式之一。在室内乐演奏过程中,独唱时钢琴并不是伴奏的地位,而是与演唱者处于平等的地位,钢琴和演唱者相互配合演出才能顺利完成。只有在替代乐队伴奏时,钢琴才起到伴奏的作用,主要是协助和衬托其他独奏乐器。
一、钢琴室内乐演奏的重要性
我国许多的高校目前已经陆续开设了钢琴室内乐相关课程。钢琴室内乐是室内乐演奏艺术中一种重要的表演形式,室内钢琴独奏对演奏者的要求非常严格,要与其他演奏者共同协作,这样才能将音乐作品的内容和效果充分的表现出来。良好的钢琴室内乐演奏能力是音乐演奏者自身音乐修养和音乐素质的综合体现,同时也是一项重要的演奏技能。室内乐演奏的艺术核心基础是和谐,这也是钢琴室内乐演奏的最高境界。所以演奏者要对“合为一体”的概念十分明确,即维持自身和搭档是一个整体的状态。在钢琴室内乐演奏的过程中,演奏者和其他成员登台时,要适量的控制自己的个性光芒和表现欲望,认真完成自己负责的声部,和搭档合作共同完成音乐作品的完美诠释,将音乐的舞台魅力和谐地演奏出来。
二、钢琴室内乐演奏的技巧
(一)重奏中钢琴部分的演奏
重奏钢琴演奏者和用钢琴代替乐队演奏需要注意的问题很相近,只不过这时钢琴不再是伴奏的工具,而是独立性很强的重要声部。在不同时期的重奏音乐之中,钢琴演奏所处的地位是不同的。例如在贝多芬《大公》中,钢琴在其中占有很明显的主导地位;而在莫扎特的小提琴和钢琴的鸣奏曲里面,钢琴的位置就远少于小提琴。
(二)钢琴和乐队协作
钢琴和乐队协奏要特别注意声部之间的关系。钢琴在和长笛、小提琴等高音乐器配合时,难度系数相对较小,很少会发生声部交叉或包围等情况。但是低音乐器的音域大多在钢琴之下,或是其声部被钢琴完全包围住,譬如大提琴,此时平衡音量使声部更加清晰十分重要。钢琴在和大提琴合作时,要把握好低音线条的控制,注意大提琴声部是否和自己的声部互相干扰。但在和小提琴合作时,经常将低音线条放在十分显著的地位。钢琴和中提琴合奏,当钢琴声部和中提琴的声部音区距离较远的时候,音色的差异很容易被区别出来;如果声部音区很相近的话,钢琴的音色要严格控制,以不同的音色配合中提琴的表演节奏。综上所述,钢琴和乐队协奏时要细腻地处理声部问题。
(三)室内艺术歌曲钢琴伴奏
钢琴演奏和独唱相比,在艺术歌曲中是平等的地位,所以钢琴演奏者与演唱者是平等的配合关系。艺术歌曲确立的时间是19世纪初的欧洲,主要的艺术歌曲创始人以舒伯特为代表,从舒伯特的艺术歌曲开始后,钢琴的音乐形象逐渐趋向独立,音乐也越来越有表现力。舒伯特的音乐作品中有很多是独唱部分和钢琴部分并重出现的。
(四)钢琴室内乐演奏的新思维
室内乐演奏一直是大众文化和音乐教育的重要部分。近几个世纪,人们将各种乐器加入室内演奏中,由此可见人们对室内乐的热爱。对钢琴指导师来说,要多带领学生参加室内乐的演出。室内乐演奏曲目的选择很重要,学生要对乐曲的要求和特点进行深刻的理解。室内乐演奏成员要经常进行排练,确保合作时的熟悉程度和协作默契。排练的频率也不宜过于集中,每周一次就可以了。演奏者要战胜舞台的恐惧感,要清楚地意识到,演奏的不只是自己独奏,还有小组的其他成员一起演出,要积极配合,减轻自己的焦灼感。钢琴室内乐演奏时,演奏小组要主动享受自由,选择自己喜欢的作曲风格,这样才能充分发挥小组的演奏能力、配合组织能力;还要让演奏者和不同的人一起演奏,进行演奏能力的锻炼磨合,让演奏者适应不同舞台的演奏风格。
三、总结
钢琴是一种复杂的和声乐器,除了可以作为独奏乐器演奏外,还能作为伴奏乐器使用。钢琴室内乐对演奏者提出的要求十分严格,不仅演奏技巧要十分的熟练,演奏者之间要有默契的协作能力,演奏者不仅要对自己的声部认真倾听,同时还要了解搭档的声部,做到对每个声部都了如指掌,以此对音乐作品做出更好的诠释。通过长期的排练磨合,将演奏者多声部和声以及与搭档间的配合能力加以提升。
参考文献
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[4]郭特里勃.室内乐基本技能[M].莫斯科:俄罗斯国家出版社,1956,423+450.
钢琴演奏的紧张与放松问题刍议 篇2
钢琴演奏是以演奏者的肢体动作来充分发挥其演奏技能,将其情感、思想等融入到演奏中,实现一种声音与情感的完美结合。演奏者要灵活的演奏一首曲目,需要有精湛的演奏技术,也要其肢体上能够做到收放自如,松紧适度,从而使得其演奏的速度、指法等的应用都能处于最佳的状态。在演奏过程中,紧张与放松的交替出现会使钢琴演奏出不同的音色。
钢琴演奏的紧张与放松,首先要做到手指上的紧张与放松的协调。演奏的过程中,手指上的运动是一种放松的状态,一般情况下,琴键发音时,手指的动作是由准备、触键以及有控制的放松三个过程所组成的,在这一过程中,以慢练的方式是必要容易看清楚该种手指运动的。要做到紧张与放松的有机结合,在手指运动的准备阶段,抬起手指的过程中,便要对掌关节的听力进行一定的调整,用力的情况下很有可能会导致手指的紧张,在这种情况下才能使手指处于准备触键的状态。在触键时,指尖触键的同时掌关节法力,从而使指尖完全的弹下去,这时指尖是紧张的状态,弹下去之后立即进入到手指放松的阶段,也就是在手指触键的同时其他的力都及时予以撤销,并且做好下一个手指抬指的动作。在弹奏的整个过程中,手指的运动是各个关系不停的协调运动的过程,是一种紧张与放松的有机结合,正是这种完美的结合才创造出了优美的钢琴曲目。其次,手腕是演奏中身体紧张与放松的另一重要部分。手腕的灵活度对于演奏技术的完美呈现有着积极的推动作用,能够在很大程度上增添钢琴演奏的色彩,使钢琴的音色更为动人。在正确的放松装下下,能够使演奏更具活力,也使得钢琴的音色达到充分的发挥,从而弹奏出优美的作品。钢琴弹奏的过程中,要结合作品的特点使用手指与手腕的灵活配合,一般来讲,手腕是以中指为轴来进行转动的,并且手腕要处于一种放松的状态,是在中指支撑下的一种有控制的放松。这种手腕的放松是一种紧张与放松的结合,在手臂弹调音时,除了要有手指的动作外,还要使手腕处于一种放松的状态,从而使其具有弹性,使得演奏更具活力,保证弹奏的弹性和完美型。最后,还要做到手臂等方面的紧张和放松。身体上的放松是多方面的,在钢琴演奏过程中,手臂力量的应用也会影响演奏的效果,而其紧张与放松的交叉应用,会创造出不同的声音效果,从而营造出不同的气氛。
在日常的钢琴演奏练习中,要注重演奏技巧的联系,通过身体各个部分的放松来实现演奏效果的最佳。以慢练的形式实现初步练习时的彻底放松,使演奏的音乐活泼且有活力,保证其音色。此外,还要注重紧张与放松的调整,做到有控制的紧张,从而使手臂、手指、手腕等能够灵活配合,根据曲目的需求来调整力度,保证钢琴演奏的整体效果。
二、钢琴演奏之心理因素的影响
钢琴演奏效果除了技巧的因素外,还会受到心理因素的影响。对于演奏者而言,演出环境的不同会对其心理产生直接的影响从而影响其整体演奏技能的发挥。在日常的钢琴演奏教学中,便要求教师除了培养学生的演奏技能外,还要注重学生心理素质等的培养。
首先,教学实践中,教师应该科学合理的选择练习曲目。教师应该结合学生的实际情况,选择难度适宜的曲目用作练习并且循序渐进,逐渐增加曲目的难度。这样能够使学生在练习中更为从容的掌握练习手法和技巧的应用,并且能够引导学生从乐曲的结构、体裁以及曲式风格等方面出发深入分析练习曲目,为其演奏奠定良好的基础。这种深入的学习能够增加学生对曲目整体的了解,丰富其知识体系和音乐素养,也是其演奏更具情感色彩。在练习的频率上进行科学的安排,使学生能够做到松紧适度,在每日练习时,对学生的指法以及力量的应用等进行必要的指导,使学生能够从曲目出发进行指法的调整,做到练习中的松紧适度,保证其演奏的整体音色效果。
其次,要给予学生积极的鼓励和引导。在考试前或者演出前,教师应该给学生更多正面的引导,使其尽可能的消除紧张情绪。教师应该结合学生的实际情况制定合理的教学计划,使学生对演奏有正确的认识,能够有效的调节其情绪。使学生对其演奏充满信心的同时,也能够做到乱中有静,保证其弹奏动作的稳定性。演奏的过程中要做到注意力集中及力量和感情等的合理分配,尽可能的减少杂念的干扰,保证弹奏正确性的同时尽可能的融入更多的情感,实现一种声与情的完美结合。
三、结语
钢琴室内乐演奏刍议 篇3
一、触键技巧
钢琴以声音为表现手段, 其所有的表现形式诸如节奏、旋律、结构等都是以音响的方式在时间空间中展现, 而灵活、有力的手指动作则是音响产生的关键, 即所谓的触键技巧。简单说, 钢琴触键技巧是创造许多不同声音的能力, 是钢琴音乐表现的直接手段, 也是提高音乐表现力的有力手段。例如, 想要弹出一段优美的旋律, 手指动作要连贯, 手臂重量运用要合理, 心里还要有歌唱感;一道亮丽音响色彩的塑造, 则需要敏捷细腻的指触和多层声部的完美融合。我们透过音乐感受到的风花雪月、花香鸟语、高山流水, 种种感受和想象都是通过触键技巧展现出来的, 所以说只有提高触键技巧, 钢琴弹奏者才能合理而巧妙度运用弹奏技术, 以技术手段为渠道弹奏出动听的音乐, 准确表达音乐作品内涵, 生动演绎出作品中蕴藏的情感。
二、音色效果
音色, 指的是音乐的感觉特性, 是音乐四要素之一。钢琴是一件表现力丰富和音色变幻无穷的乐器。世界上有无数钢琴曲, 有的气势磅礴, 有的优雅静谧, 有的如歌如泣, 有的缠缠绵绵, 有的哀婉泣怨……我们从一首首钢琴曲中得到种种感受, 得到心灵享受。钢琴之所以能让人产生不同感受, 除了弹奏者高超的演奏技巧, 还有赖于钢琴音乐的音色之美。音色之于钢琴, 犹如色彩之于绘画, 是钢琴表现力的一个重要因素。对于钢琴演奏者, 弹琴时最先考虑的不是技巧, 而是发出的声音, 说白了, 就是音色。弹奏者往往通过钢琴音色描绘意境、渲染情绪, 以此塑造钢琴曲目的音乐形象。
三、钢琴演奏中触键技巧对音色效果的影响
从理论上讲, 钢琴的发音机制源于杠杆原理, 用击弦机带动弦褪击打琴弦来发音的, 这就决定了钢琴不可能像拉弦乐器和用手直接弹拨弦乐器那样, 直接通过弹奏技巧影响发音音色。虽然如此, 但是弹钢琴的人都有这样一种感受, 触键技巧是奏出高质量音色的关键, 所以才有那么多人孜孜不倦地追求触键技巧的提高。钢琴演奏中, 演奏者常常用不同的触键方式发出不同的音色, 不难看出触键技巧对音色效果的重要影响。触键方式的不同, 能引起音色、音量、速度、力度的变化, 从而影响音乐表现。简单地说, 就是不同触键方法的合理运用, 产生了丰富而美妙的音色, 将钢琴曲的思想内涵和情感生动表现出来, 所以触键技巧是是演奏技术的核心。
触键的速度、力度, 是影响音色表现的两个重要因素。在相同力度的条件下, 下键速度越快, 声音越明亮, 下键速度越慢, 声音越柔和。倘若触键力度出现强弱变化, 这种声音变化就会愈加明显。比如, 想要弹出一首优美、抒情的钢琴曲, 下键速度和离键速度就要缓慢一些。如果想奏出轻快的曲子, 速度就要快一些, 音色才会清亮。
此外, 手指触键面积的不同也能引起音色变化。人有十指, 长短不一、粗细不均, 即使触键的力度、速度相同, 触键的手指不同, 也会发出不同音色。之所以如此, 主要在于手指触键面积不同。触键面积越小, 声音越明亮、尖锐, 音头越明显, 触键面积越大, 声音越柔和, 音头越不明显。在不同的力度和下键速度的相互配合下, 音色产生了不同的变化, 奏出了不同音乐。对钢琴演奏者而言, 对力下键力度、速度的控制能力越强, 音乐表现的层次感越强。所以, 很多钢琴演奏者初学钢琴时都要先学会如何控制下键力度、速度, 以及如何进行细腻的情感处理。例如, 小指头最为瘦弱, 大拇指最为肥大, 触键面积大不相同, 如果不注意分工配合, 将直接影响到演奏的和谐、流畅, 破坏音色。
所以, 钢琴演奏中触键技巧对音色效果有着直接影响, 它是高质量音色形成的关键。钢琴演奏者需要掌握不用的触键方法, 合理运用触键技巧才能奏出高质量的音色, 奏出想要的音乐形象。
四、结语
自钢琴乐器出现以来, 钢琴演奏中的触键技巧和音色效果之间的关系一直都是研究与争论的核心问题。通过本文论述, 我们知道钢琴演奏中触键力度、速度的不同, 能引起音色的变化。另外, 触键面积的不同也会引起下键速度和力度的变化, 引起音色变化, 所以演奏者要学会触键方法的合理运用, 控制好触键的力度、速度, 注意十根手指之间的分工配合, 才能演奏出优美的钢琴曲。
摘要：本文基于大量文献资料扼要分析了钢琴演奏中的触键技巧和音色效果, 以探寻触键技巧对音色效果的影响, 为钢琴学习者演奏技巧和演奏水平的提高提供参考意见。
关键词：钢琴演奏,触键技巧,音色效果
参考文献
[1]沈叶.音色分析的前提与分析模型的建立—浅谈浪漫主义时期作品中的若干音色现象[D].上海音乐学院硕士学位论文, 2004.
[2]王晓坤.钢琴触键与音色表现刍议[J].河南师范大学学报, 2006, (4) .45.
钢琴室内乐演奏刍议 篇4
一、阿尔坎钢琴练习曲概述
阿尔坎钢琴练习曲风格的形成与阿尔坎本人所处的时代背景有着很大的联系, 可以一定程度上说,时代造就了阿尔坎。因此,有必要对此进行简要陈述。法国地处东西欧,具有多民族结构和博大的文化底蕴, 在长期的发展过程中形成了浪漫开阔的性格。而那个阶段法国处于不断的政体变化当中,经历着不稳定局面,系列科技创新也影响了阿尔坎对钢琴创作素材的选择,并存在着浪漫主义观念和深厚的哲学与美术观念, 极大地影响着阿尔坎钢琴创作的思想转变,特别是强大的民族精神也支配者他对于钢琴创作作品的倾向性。这一切内外因素促成了阿尔坎钢琴练习曲个性独特的结果,使阿尔坎钢琴艺术之路走向成功。
二、拇指技术
拇指技术注重拇指的转换和手腕的横向运动,目的是训练拇指从其它手指下穿越弹奏的能力。在阿尔坎练习曲中,根据拇指技术形式的不同分为:一是纯粹的拇指转弯技术,其目的是使拇指具备强大的击键活动幅度并有效提高拇指的灵活程度。二是常见织体形态的音阶,可以区分为单手连续的音阶(如Op.27)和双手同向快速的音阶(如op.30b)。三是琶音,它比音阶所需拇指转换幅度大很多,相应区分为右手单手长琶音下行(如op.39-2)和双手反向长琶音(如op.39-1)。
三、双音技术
其特点是用同一只手同时演奏节奏相同的高低两个声部,高低声部相因相生,只不过高声部突出旋律线条,低声部则以同向或反向方式而出现。但由于手指长短不齐,决定了演奏者在弹奏时需要不断调整手型和手指距离并加以手腕协调配合,这就要求弹奏者需要准确稳定触键。一是双手三度双音断奏(如op.35-9)。二是八度。 它是阿尔坎钢琴双音技术且也是钢琴演奏技术的代表,在其练习曲中大量运用了八度技术,可见阿尔坎对八度技术的青睐之极。这种双音技术不仅具有独特的表现力,而且能够增强音响的丰满度。这种技术在阿尔坎的练习曲中又分为:半音阶式快速八度(如op.35- 12)、分解和弦式八度(如op.17)、八度旋律(如op.35-9)、分解八度(如op.12-3和op.39-3)、八度夹音(如op.35-3)、双手八度(如op.35-5)、八度断奏(如op.12)和双手八度交替(如op.35-3)。
四、和弦技术
和弦技术基本要求是同时奏出和弦中的各个音,以便增强音响的厚重感和层次感,但这就需要演奏者具备手腕和手型及手指的协调配合能力,特别是手指各关节的稳定支撑能力,并能够不断调整手指距离,进而确保触键的稳定准确。根据阿尔坎练习曲的技术特点分为:尖锐短促的和弦(如op.12-3和op.39-12)、深厚宏亮的和弦(如op.39-8)、双手和弦交替(如op.17)、小位置和弦的连续(如op.35-10)、小位置和弦的移动(如op.39-5)、大位置和弦的连续(如op.39-4和op.39-11)、大位置和弦的移动(如op.39-12)、分解和弦(如op.39-2)及双手反向分解和弦(如op.35-4)。
五、其他技术
其他技术主要包括手指伸张技术、装饰音技术、震音技术、远距离大跳技术、复节奏技术、同音反复技术、多声部技术。下面作一简单介绍。
手指伸张技术自键盘乐器诞生就被视为钢琴演奏者攻克的技术难题。而手指的伸张度意味着和弦距离的宽窄度,更决定着音响的共鸣度和听觉效果。如op.35-6和op.12-2。
装饰音技术主要是对旋律加以装饰,以便增强乐曲的表现力。 在阿尔坎的练习曲中主要有倚音(如op.35-10)、与高亢激昂的感情色彩相连的颤音(如op.39-4)。
震音技术究其本质而言就是颤音,只是震音比颤音震动幅度加大而已。众所周知,颤音主要是用手指交替击键,而震音需用手腕摆动完成。阿尔坎则赋予了震音更加交响化的音响效果。如op.35-4和op.39-9及op.35-7。
远距离大跳技术是指弹奏距离超过八度的技术,核心是对弹奏音符准确性的把握,而远距离大跳要求演奏者需要具备良好的“时间感”和手臂横向运动的“空间感”。在阿尔坎的练习曲中主要有左手双音大跳(如op.39-3)、双手和弦大跳(如op.39-6)。
复节奏技术是指纵向叠置的节奏型不能按音符实值奏出,但需要在时间上交错奏出。当然,复节奏指的是两个以上的节奏而言,是丰富节奏类型而加强对音乐的刻画,这就要求演奏者加强双手的协调配合力。在阿尔坎的练习曲中主要分为三对二的复节奏(如op.39- 12)、四对三的复节奏(如op.35-10)、五对三的复节奏(如op.35- 10)、六对四的复节奏(op.35-10)、多音复节奏(如op.39-12)。
同音反复技术是指使用相同指法或更换指法反复弹奏相同音的技术。在阿尔坎练习曲中有低声部单音反复(如op.35-11)、双手和弦反复(如op.39-11)、高声部跳跃反复(如op.35-5)。
多声部技术是指一只手同时演奏多声部的能力,以便培养演奏者独立演奏的能力和多层次思维能力。如op.35-7。
纵观阿尔坎练习曲,都不同程度带有区别地作出了技术创新。 第一,阿尔坎练习曲几乎涵盖了所有的钢琴演奏技巧,但主要集中在双音上,特别是八度、和弦及复节奏方面。第二,阿尔坎练习曲的八度技术与李斯特作品中的八度技术相比,速度、交替频率和间隔距离要求弹奏更快、越高、更远。第三,在阿尔坎练习曲中开创性地出现了单手创作的练习曲,为拉威尔及戈多夫斯基等人创作钢琴左手作品打下了很好的基础。第四,在阿尔坎练习曲中大量使用了复节奏弹奏技术,并大大超出了肖邦等人在具有相同技术的钢琴练习曲方面的应用范围。不过以上这些笔者的粗浅分析和描述, 只是对于阿尔坎所运用的部分主要弹奏技术而进行阐述的,不可否认,阿尔坎钢琴练习曲弹奏技术不仅仅止于这些论述,还有很多微妙的细节方面的技术需要弹奏者本人在长期的演奏实践中逐渐加以领会和挖掘,以便为钢琴创作打下坚实基础。
六、结语
纵观阿尔坎练习曲可知,其不仅涵盖了钢琴所有的演奏技巧, 而且淋漓尽致地表达出八度、远距离大跳等高难度技巧,对钢琴演奏技术的成熟起到了不可估量的作用,使其在钢琴练习曲的发展进程中占据了举足轻重的地位。
摘要：法国钢琴家和作曲家阿尔坎处于浪漫主义盛期,他创作的钢琴作品不仅继承了古典主义具有的严格性,而且融入了浪漫主义气息,而钢琴练习曲则是阿尔坎最具代表性作品。为了对不同时期的法国钢琴作品进行探析,有必要对阿尔坎钢琴练习曲中的演奏技术作一阐述。本文限于篇幅,重点对拇指技术、双音技术、和弦技术作了较为详细的分析,而对其他技术只是作了粗略分析。