舞台音响的重要性（精选11篇）
舞台音响的重要性 篇1
在舞台上表演的任何艺术均属于综合艺术, 离不开演员, 音乐、舞蹈、灯光、道具和其他与演出有关的物品, 其中, 舞台音响是舞台演出艺术的一个不可或缺的重要组成部分之一。离开舞台音响做保障就没有舞台艺术演出的成功展现。舞台音响可以说是舞台艺术演出中的灵魂, 舞台音响的重要性是非同一般, 它直接关系到舞台演出效果的优劣, 俗话说“先声夺人”声即音响, 不能有杂音, 断音, 要清晰悦耳, 高低起伏得当, 声音均衡。
舞台音响的作用:1、扩音放音:音响师要在演出前调试好音响设备, 要保证舞台音响在演出中不出问题, 不能有技术故障影响音响效果在舞台气氛中的作用.2、气氛营造:演出中要根据情节需要, 用舞台音响艺术手段再现相关生活状态、生活环境的景象和氛围。让听众闻其声而知其境, 大自然的现象通过音响效果表现风、雨、雷、电, 这些音响效果是音响师的技术工作。把这些自然声效通过音响放出让观众从听觉中感受到剧情的自然环境和内在情景, 为表演增光添彩, 画龙点睛。3、音响效果:在演出中所需要的一切音响效果, 均属于舞台音响效果范畴。音响效果可分为有音源音响效果与无音源音响效果两大类。有音源音响效果也可称为“现实性效果”。无音源音响效果又可称为“非现实性效果”4、协调作用:音响效果的协调作用是在整个演出过程中, 音效效果有其自身的整体形象和关键环节, , 舞台的音响要根据剧情要求掌握好节奏感, 起伏跌宕, 错落有致, 高低不同来陪衬舞台表演艺术, 只有通过音响效果的协调作用, 才能更好的为剧情的需要起到配合作用, 音响效果的作用关系到舞台气氛的展现是否能圆满, 这就需要音响师先掌握好设备的性能和功能。在使用音效设备时, 一定要掌握音效设备的各种性能, 无论是讲话筒, 还是电容话筒, 还有喉头话筒 (领夹麦克) 它们与发生源位置的不同和接收频率的不同, 所收到的音频信号就不同。音频信号必须单独对应, 接送准确, 信号清晰。还有就是在演出中有几个演员用接收频率接近的话筒, 音响师一定区别开来, 使彼此之间不能出现窜频, 混音以至影响到演出效果。
舞台音响效果是针对舞台上一切形式演出活动而言的。在舞台演出活动中, 舞台音响效果作为综合辅助演出艺术手段, 有机地纳入到演出中, 音响效果就是表演过程中的一种独特艺术, 并且是一门专业性、技术性、艺术水平很搞的艺术。音响效果当作一种戏剧因素溶入到舞台演出中, 那么作为舞台艺术也应该将音响效果作为一种艺术形式和样式体现在演出中。虽然, 舞台音响效果是一种专业性、技术性的艺术, 但是, 舞台音响却不能在舞台演出活动中成为一门独立的艺术, 只能是一种辅助性的综合艺术之一。舞台音响效果的重要性, 具体是在演出中, 根据演出情境、情节和艺术需要来创造典型环境;表现环境的自然状况以及时间、地点、季节、等等, 为舞台艺术的表演提供陪衬、辅助作用, 根本任务就是让观众通过音响效果用听觉感受到舞台上的表演在什么时间和地点发生了什么戏剧事件, 这个戏剧故事的一切是从音响效果传出的轻轻地风声、隐隐的雷声转变为电闪雷鸣, 顷刻, 暴雨如注, 疾风暴雨中一对急行军步伐整齐、铿锵有力的脚步声开始了……这一切的音响效果要循序渐进、节奏稳定、先轻后重、层次分明。此时音响师一定要控制好整个演出环境的音响声量均衡, 不能让声量过猛过强, 让观众震耳欲聋, 起到破坏了戏剧的情境和环境的坏作用, 这对于音响师是失败之笔。舞台表演的戏剧情境情节和环境, 有时往往要借助音响效果来帮助完成的。作为舞台表演艺术的音响效果至关重要,
但是一定不能独出心裁, 自以为是, 一定要在舞台表演艺术的总体要求下, 根据剧情的需要和导演的要求, 利用有声音源的最真实音质, 采录制作, 一定要依据自然存在和生活中最真实的音源为基础, 不能失真, 不能失实。这样, 音响效果才能名符其实。
舞台音响的重要性 篇2
摘要：表演是一种由一个一个的行动集聚起来的，有意识的艺术行动。需要演员在舞台上、在镜头前有意识的、有目的的心理活动而支配形成的肢体行动和语言行动的综合，只有掌握好行动中的诸个要素，才能塑造出丰满的人物形象，完美的完成表演，借助有效的表演方式能够实现整个应用效果提升的作用。关键词：舞台；流行演唱；重要性
一、流行演唱中的舞台表现本体特征概述
（一）流行演唱的本体特征
中国流行音乐主要指流行声乐，即流行歌曲，也称通俗歌曲。在中国流行于具体而言，中国流行音乐的征主要有以下几点：
1.时尚性。时尚性是中国流行音乐的重要特征之一。所谓时尚其实是一种包装化的流传模式，它有不受拘泥的表现形式，在其服装，歌词，舞台等方面新潮化，又可借以不同音乐的载体来满足听众个自不同的内心需求，被人们推广和模仿，成为一种新潮艺术。加之音乐的多样化，歌舞的一体化和自然的发音形式，成为音乐的一种时尚代表。
2.通俗性。流行音乐也被称为通俗歌曲。可见其通俗易懂的份量。所谓“通俗”是指适应群众的水平和需要，容易令群众理解和接受。例如2008年奥运歌曲：北京欢迎你。歌词通俗易懂，旋律琅琅上口，众人传唱，就连门口的三岁小孩也会吱吱哑哑地唱上一段。通俗性显而易见。
3.情感性。从表现爱国的《我的中国心》《五星红旗》到表现友情的《朋友》再到表达爱情的《知心爱人》《我们的爱》等等。林林总总，都在抒发着人们生活中的种种感情。综上所述，可见中国流行音乐的特征是丰富的、鲜明的、独特的，牢牢地把握这些流行音乐的特征，把流行音乐发扬光大，创造更大更新的艺术辉煌。
（二）舞台表现的本体特征
舞台表现是视觉，听觉，空间，时间四位一体的综合艺术2.舞台表现的整体性完善舞台表演，增强流行演唱的驾驭能力克服紧张，勇敢地站上舞台
良好的心理素质与心理调控能力，是演唱表演成功的保障。歌唱表演中声音的产生，是由心理思维与生理器官相互协调支配的，而发声生理器官又是受心理因素调控的。心理因素实际就是人大脑的一种思维想象活动。紧张，心慌，心神不定，张不开嘴，心里七上八下，脑子里一片空白，这些都是舞台恐惧症的表现。记得大学里第一次上台演唱，那时还没轮到我我就已经紧张的不行了，手脚冰凉，嘴唇发干，喉咙干涩，频繁的想上厕所，我知道这些都是不自信的表现。上了台就开始脑子空白歌词什么都记不得了，所以每次台下我都反复的练，练到这首歌能惯性的唱出来。人们之所以紧张，是因为把注意力都集中在自己身上。试着将注意力集中在演唱的快乐上。在台上，首先把那些怪念头抛开，全身心地投入到表演中，而不要胡思乱想。
把注意力集中在观众身上或歌曲的情感上能够有效地缓解紧张情绪。台风是指演唱者在台上的姿态及演唱时的风度。台风主要包括台步，站位，目光表演动作，谢幕等等。台风可以反映出演唱者的修养和素质，是一个人的思想修养性格素质的外观反映。要在舞台上有好的风度，首先必需要有一个充实丰富的自我内心，才会有好的外在仪表的表现。常会出现的不良台风有下列现象：
懒散邋遢型，走上台时，哈腰驼背，全身松垮，一脸满不在乎，高傲茫然型，走上台时昂首挺胸，目中无人，脸部表情严肃。心虚紧张型，上台时像是寒冬腊月衣着不足的感觉，浑身哆嗦，从心理上不敢唱，眼睛不敢看观众，歌词上不接下句，演唱完飞速地逃离下台等等。这些足以说明学生严重缺乏演唱的台风知识与实践。良好的台风舞台台风大体分三部分，即出场，演唱，下场。出场时应以从容不迫的步伐，微笑环顾观众，经观众的印象应是大方从容镇定，放松而又精神焕发。进入演唱后，要集中精力投入到歌曲的情境之中，适当用手势动作辅助表演，将歌声与动作融为一体，完整地表达歌曲的内容。表演结束下台时，要以谦虚的姿态对观众的观赏表示感谢。总之在演唱表演中，不可忽视台风这一重要环节。
对演唱者来说，表演也是一种心理素质的内在转换；声乐演唱中，要求演唱者在理解原作的基础上，赋予声乐作品以新的内涵。而演唱者文化素质的高低，就直接关系到他对声乐作品的悟性和理解力。所以在我们注重演唱技巧外，还要求我们丰富和提高自身的文化素养，从而加强舞台的表现力，来丰富和更好的诠释歌曲本身的特性。从而使观众从听觉视觉上都能得到美的享受。
三、舞台表现在流行演唱中的重要作用
（一）拓展形象性思维能力
当今社会，国情决定着我们必须创新发展，不单是在科技上，舞台表现方式上也要与时俱进，在好音乐的基础上，需要视觉上的冲击，拓展形象性思维能力，不断创新，提高流行音乐的二度创作，给音乐加分润色，赋予歌曲更高更深的精神领域。演唱者一方面要表达作者的意图，另一方面还要对歌曲进行表演，进行再次创作，这样创新文化要特别注意个人智慧、潜能的发挥。创新有的是个人思维灵光的一现，但，是厚积薄发。我们要在传统的基础上对音乐作品进行继承和摒弃。整合对我们有益的，吸收，消化，创新。选择适合音乐自身特点的创新舞台表现方式，歌曲才更具生命力和感染力。随着社会的发展，人们欣赏水平的不断提高，单一的文化艺术表现手段已不能满足大众心理和对文化艺术消费的需求，特别是舞台表演艺术。周杰伦就是流行音乐中的典型人物，前期的周杰伦是以一种年轻人渴望的“异类感”开始走红的。他的《双节棍》等歌曲所代表的是一种后现代文化，结合歌曲意境，玩着双截棍唱着双截棍便开始火了，歌词不是意义深刻的，却足够有故事和噱头。他所追求的是一种“无与伦比”式的与众不同。从最早的转型之作《东风破》，再到唱红两岸三地的《千里之外》，再到泪洒一地的《菊花台》，浓浓的中国特色在婉转的曲调和华丽的词藻里流转，抓住了很多人的心，这些都是他在不断创新的表现，也使得他从最早的R&B小天王正式晋级为歌坛天王。例如，周杰伦和费玉清的一首《千里之外》又是报以新的姿态展现于众人面前。这次通俗唱法与民族唱法的结合，不得不说这跨界合作成为了时代印迹。
（二）丰富表演形式
舞台艺术表现方式与手段要与现代科学技术相结合。现代科技为舞台艺术的表现形式插上了翅膀。过去舞台简陋的布景、道具等，已不被观众所喜爱，也不能充分体现舞台艺术的表现力和艺术魅力。而舞台艺术中的服装、道具、化装、灯光、音响及布景的设置，对烘托和诠释剧情具有不可忽视的作用，对提高观众欣赏兴趣和感染力具有至关重要的效果。舞台艺术要充分运用现代新颖的舞台科学技术、优美的曲调旋律、变幻绚丽的灯光布置、诗情画意的虚实结合的道具，才能使流行音乐，表现得更加突出、鲜活。
歌唱是一种情感交流活动，对于一首歌的“解释”，不是说仅从形式上把音乐部分读准，结合具体的内容进行逐字逐句处理，就可以感动观众了。古人所说“若不含韵强抑扬，是为叫曲念曲矣”。也就是说那只能是“曲念叫曲”而已。歌者要能给予歌曲以生命活为与韵味，使个人的情绪与歌曲中的情绪一致，这就要在内心形成一种内在感受，然后通过歌曲外在的形式表现出来，俗称舞台表现，使内心产生强烈的共鸣，达到欲罢不能的境地后，方能进入二度创作。
（三）舞台表现在流行演唱中能够起到优化的目的
舞台的表现可以促进艺术想象的完成。艺术想象力是艺术创造中的一种必不可少的心理功能，它始终和形象思维、情绪情感等心理过程互相联系，互相渗透和互相作用。在声乐演唱中，表演可以促进艺术想象的完成。演唱者对声乐作品内在形象思维的想象必须通过表演来实现。表演诱发想象力，想象力推动表演，二者是相辅相成，互相作用的。表演者通过艺术想象力的功能，依据作品提供的想象材料结合自己对生活的积累进行表演。让自己在想象的环境中生活，在这种状态中表演者通过自己真实的体验获得真实情感，从而把作品完美的表现出来，可以促进声情并茂。好的歌唱不仅要技巧好，更重要的是怎样把作者要表现的内容表演得好，做到声情并茂地演唱。歌曲写得好，还要演唱者表演得好，情感表达得到位。只有当歌唱者注重了歌曲感情的表现，对作品有了恰当的表演，才能使听众得到艺术上的享受。对于声乐表演者来说，“声”与“情”的完美结合是非常重要的，而表演又进一步促进了演唱者声情并茂地演唱。对初学声乐的学生，选用一些简单有代表性的中外歌剧片段来观摩练习、表演。边练声边表演，从而在表演的带动下，以“情”带“声”，以“声”传“情”地唱，会比较容易找到感觉！学习兴趣提高了，悟性提高了，也融入情感了。
可以促进艺术实践中自我感觉的确立。声乐表演是在当众情况下把握自我，在众目睽睽的舞台上，演唱者大都显得紧张，假如台下气氛不如意，则更显得手足无措。在这种状态下，自然就难以获得艺术实践中良好的自我感觉，声乐表演的艺术创造将无从谈起。要想在艺术实践中确立良好的自我感觉，就要了解表演所起到的促进作用。首先歌唱演员此时要在短时间内对自己的心理状态进行调整，全身心的投入到表演上去，达到忘我的境界，紧张自然就会消失。然后再相应的带动内心的情感，以获取正常的自我感觉。在表演过程中，演唱者实际上要处于既要“有我”，又要“无我”的状态。“有我”，是表演时从自我出发去捕捉角色的形象感；“无我”，是演唱者进入规定情景时把自己化为角色，用真情实感去体现人物的喜怒哀乐。这需要演唱者在艺术实践中具有良好的自我感觉，并且要懂得运用表演来促进艺术实践中的自我感觉的确立。
情感把握要适度，注意控制自己感情。我们强调情感的投入对歌唱的重要影响，并不意味着要任情感无限地渲泻。相反，在歌唱中，对情感的适度控制也是每一个歌唱者所必须重视的一个问题。因此，歌唱者必须学会用思维来控制自己的感情，在情感投入过程中，要始终保持一个清醒的头脑，做到收发自如，在歌唱中，对情感既要投入，也要控制，只有掌握这辩证关系，才能收到良好的艺术效果。音乐表演者除了具有较高的艺术水平和精湛的表演技巧外——既有形基本功，还要有扎实的无形基本功——既心理活动素质，这两者是所有音乐表演者不可缺少的重要条件。音乐表演者临场紧张、恐惧，是心理变化引起的情绪和生理变化，因而产生不协调的反常现象。
表演者期望演出成功和惧怕演出失败，是无可非议的常情，但如被这两种心理状态所困扰就会形成一种精神负担，自信可使这种负担减轻。信心不足常是产生舞台不安症的一个重要原因。因此，音乐表演者树立演出自信是十分必要的。信心并不能凭空而来，是以技术为基础的，坚实的技艺，过硬的技术，所谓“艺 高胆大”才能增强信心，因而在演出中就能镇定自若，从容不迫。基础扎实就有条件自信，容易使演出情绪稳定；保持良好的情绪能使技术更好的发挥。
排除杂念，全神贯注。音乐活动是由创作、表演、欣赏三部分组成，只有表演才能使音乐作品成为实际音响，并传达给听众。而表演的质量如何直接关系到能否把创作意图、音乐作品的意境及其感染力展现出来。决定表演质量的除技艺水平之外，表演者在表演过程中的精神、情绪、心理状态也是左右演出质量的重要因素。因此，要求表演者必须以饱满的情绪、良好的心态进行表演。要做到这一点，排除杂念，全神贯注是十分必要的。通过有效的舞台表演，能够在多样化的现代艺术展示中取得积极的应对效果，从而避免相关问题的发生。结论
音乐表演者为了能以一种最佳的精神状态展现最理想的艺术才能，尽量克服临场紧张现象，必须在不断刻苦学习表演的同时，下功夫搞好心理素质训练。形象、情感、心理素质是声乐表演艺术中三个至关重要的因素。当然，一个人的外表是天生的是不能改变的，但是风度和气质是可以通过后天培训的。而对于歌唱中的情感表达，古人曾说：“有情气畅声则顺，无情气短声则单。”就是说，情跟声音的关系，有了情，声音容易畅通，无情的感觉光唱，声音也就单了。在外部形象和情感表达都有具备的同时，另一个关键要素就是心理素质，实践证明，表演者临场时技术的发挥对音乐的表现，完成音乐作品的质量以及演出效果，均与其表演的心理状态密切相关。当我们具备了良好的音乐风度和气质，精湛的艺术表演能力以及过硬的心理素质，再通过自身的努力，对艺术的正确理解，声音上合理使用，相信我们的歌声一定能打动观众，成为一名优秀的演唱者。参考文献
舞台音响的重要性 篇3
关键词：舞台设计；灯光设计；合作；重要性
当一场舞台演出或制作一部电视片时，不仅需要有优秀的演员和高质量的摄像、录音、编辑及后期制作设备，而且必须具有丰富的布光经验和照明技能的工作人员及其相配套的优化的系统设备。而当今信息化社会里，更需要有数字化网络化的系统作保证，才能达到完美的效果[1]。
1.舞台灯光的设计
应通过各种技术手段，将演出和录像的节目中的时间、地点、空间、气氛、感情、人物、美丑和魅力充分表现出来。
（1）不论舞台灯光还是电视演播室灯光都需要采取一切必要的手段，保证足够的照明强度和景物照明的均匀性，剧场演出和电视录像播出时要为摄像、录像景物、演员提供最佳照明条件。
（2）在艺术效果上要考虑到灯光照明的角度与强弱、效果与平衡、可靠与方便、兼容与延伸等方面。
①角度与强弱：除了要求灯光有特殊的艺术效果以外，一般情况下，主要正面灯光必须从物体上方两边照射过来，使光源在水平和垂直方向构成34。至45。的照射角。而且单面照射的光也不必有同等的光强和光束。如果要求灯光比仅仅能看到清晰度更高，则除了应包括从两边照射过来的光外，有时也要求直接从正面前方照射过来的光。因为演员的容貌不能因演员位置的变动而改变，因此必须妥善安排整个照明的方式，以满足不同角度座位上观众的视觉效果[2]。
②效果与平衡：由于舞台上每一幕的要求均不相同，因而每一幕所需的照度值也变化很大。因此，对灯光的效果、平衡、光照及色彩等方面也要考虑得更为周到。要控制照度可在数百至数千lx之间平滑自然地变化，色温符合3200 K的规定值。
③可靠与方便：灯光设备可靠性要高，功能要完善，调整要方便，同时具备足够的硬件（灯具、调光设备）及软件（电脑编程及记忆）提供给灯光设计人员进行艺术创作。
④兼容与延伸：灯光设计要有一定的超前性，要为后期改造、扩容、更新和使用中的设
备维修防护提供方便。
2.舞台设计与灯光设计合作的重要性
灯光设计是舞台设计最重要的合作者之一，关于光的重要性，在舞台设计的造型要素中就可以看出来，随着科技的进步，灯具和灯光控制设备的发展，大大加强了舞台灯光的造型功能，如电脑灯、摇头灯、成像灯可以协助舞台设计投射了许多特殊的造型，灯光更有利于塑造动态形象，更自由地变换舞台画面的动态构图，更适合于时间性；灯光能够造成不同的灯影效果，或柔和或强烈，有利于舞台空间色彩的变化与气氛的塑造；灯光能够模拟、表现自然环境和时间变化，也能够传达某种情绪，表现人物内心情感世界。
舞台设计与灯光设计的合作是重要和必要的，首先，二者的目的是一致的，都是为演出创造一定的空间，塑造演员动作的外部环境及表现人物内心世界等；再者，二者的造型功能特性是互补的，互相依存的。舞台设计为灯光设计提供了一定的空间形象基础，为灯光的投射提供了物质媒介。灯光则赋予这一空间以时间性，并可塑造这个空间，如加强或减弱某，不同的光线明度，角度和色彩的变化，使得这一空间具有无穷变化的可能。有时一个没有直接意义的中性装置在不同的灯光和演员动作结合之中便会产生不同意义；第本，舞台设计空间画面只有在灯光的结合之中才是完整的，才具有戏剧的意义。随着，科学技术，剧场建筑的发展，舞台灯光和舞台设计甚至出现了融合状态，设计本身就是由灯光来实现的[3]。有时舞台灯光设备是暴露的，本身也是舞台设计造型的一部分。当然，二者的融合并不能代替各自的分工，毕竟二者都是具有很强的专业性的艺术。因此，舞台设计与灯光设计的合作成为各自参与表演创作的经常性过程。二者应对艺术的理解、导演处理，设计构思等方面达到共识，在设计构思和体现过程中密切合作，协调发展，共同创造整体的舞台形象。
3.如何舞台设计与灯光设计的契机点
要寻找灯光变化的契机点.我们要把握好三个时间段。第一个时间段就是研读剧本，即在案头工作时我们从剧本中去寻找，这是寻找契机点的初步阶段；第二个时间段就是看连排时从演员的台词、动作等方面寻找.尽可能多寻找，多核实，多推敲，这是寻找契机点的中间阶段，为灯光合成时契机点的寻找减轻负担；第三个时间段为灯光合成阶段。灯光设计者与导演沟通后.从演员、舞台美术各要素、音乐等各方面去寻找、协商、并确定下来，这也是寻找灯光契机点的关键时刻。作为一个灯光设计他会从以下这些方面来寻找灯光变化的契机点。
3.1研读剧本是灯光设计者寻找灯光变化契机点的首要渠道
当灯光设计首先拿到剧本时.往往会依据一些剧本里要求灯光变化的点寻找变化的契机，或者是有一些暗示的时间和空间的变化等。我通常把这个过程叫“捋剧本”。这时灯光设计也会考虑灯光的变化.但具体他还会在看排练.看景，听音乐及和导演沟通后斟酌再定。
3.2音乐是我们寻找灯光契机的一条很好的途径
音乐从某种意义上来说与灯光有着某种共通点。音乐是一张交织在时问上的艺术，而灯光是交织在时间和空间上的艺术，音乐和灯光在戏剧演出当中.都是一种只可意会不可言传的艺术形式，音乐很注重节奏，灯光也是[4]。我觉得灯光对节奏的把握应该多向音乐学习，因为节奏是音乐的灵魂。音乐随着人类的出现已经有着悠久的历史.而灯光只是在爱迪生发明电灯之后才开始有。在戏剧的创作过程当中，灯光和音乐都是依据剧本进行艺术创作，由于他们艺术上的共同点和音乐在历史上的先入为主，灯光很多时候把音乐作为变化的契机点[5]。
当然，灯光和音乐都是为演剧服务的.但音乐往往作为灯光变化的附属载体出现在演剧之中。有时灯光和音乐成并线发展，有时则以音乐为载体同时进行。但有一点需要说明白的是灯光并不是表现音乐或者去解释音乐.它有时可以完全不顾音乐独自发展.当代苏联美学家认为“音乐能够最准确的体现和传达以情感为主的信息”。音乐在话剧当中，它和灯光一样，起着推动情节、渲染剧情、升華人物情感等辅助作用，这样的灯光变化契机往往很容易找。但在音乐主宰演出的舞剧，以及音乐性很强的歌剧[6]。现代杂技等等当中，灯光变化契机的寻找，就需要有一定的音乐素质。总的说来，我们要了解音乐的基本情绪，风格题材.思想内涵。掌握节奏和旋律这音乐的两大要素，灯光切入点的寻找恰恰是在这两大要素当中寻找。此外还有一些用音乐来表达画面的手段。
4.结论
总之，舞台设计的成功与否是和灯光设计的合作有着密切关系的，许多舞台设计和灯光设计在长期的工作中形成了一种伙伴式的工作关系。
参考文献：
[1] 王弦语，徐青青. 试论T台妆型整体设计[J]. 河南工程学院学报（社会科学版），2012，04：77-80.
[2] 吕海军. 灯光技术在舞台设计中的作用分析[J]. 大舞台，2013，05：117-118.
[3] 徐秋明. 探讨舞台美术设计的创新与发展[J]. 黑龙江科技信息，2013，26：260.
[4] 汪登峰. 探讨现代舞台灯光设计的观赏性[J]. 中国新通信，2013，22：92.
[5] 侯喜梅. 舞美设计与导演的合作[J]. 戏剧之家（上半月），2011，04：28.
浅谈舞台艺术语言的重要性 篇4
关键词：舞台语言,呼吸,发声,语言技巧
无论是舞台语言还是影视语言, 都是一种由艺术处理过的语言, 具有艺术的独特个性, 是一种艺术语言。要完成艺术语言的创造过程, 就需要演员的吐字清楚、准确, 字正腔圆;感情的表现真实、自然, 富有感染力, 同时还要将生活化融入其中。这些都是在舞台表演时所必须掌握的。
一、呼吸方法要找准
舞台语言表演者通常都有着大量的对白, 所以他们的用气量就比日常说话大的多, 所以, 我们必须掌握正确的呼吸方法, 使自己的气息充沛, 有了足够的气息, 才能更好的控制声音的变化。所以在发声时, 我们对气息的要求必须要做到四个字即“深, 匀, 通, 活”。
为了达到稳劲、节省、持久、自如、协调的效果。就要求我们能够运用胸腹联合式呼吸法去调节气息, 这种呼吸方法容易控制呼吸, 而且具有容易操纵和支持声音的能力。
二、吐字归音要到位
舞台语言的表现者作为剧作家与观众之间的纽带, 是靠有声语言来传达剧本内容, 表达剧本核心思想的。为了让观众听得到并且听清楚, 这就要求我们在发声时要在正确发音方法的基础上, 做到字正腔圆。
声音清晰, 圆润, 自如, 富于变化是发声的基本要求。由肺部呼出的气流通过声带发出声音, 经咽腔到达口腔, 在口腔内受到各种节制而形成了不同的字音。例如元音“ai”, 它为复合元音, 前边的“a”要重读, 这就要求气息前强后弱。否则发出的音就不正确, 不自然。所以发音是否准确规范, 是与气息的强弱, 缓急有着密切的关系。故我们在吐字时, 不仅要做到口腔中的各器官灵活的与气息配合, 还要做到字头要出字有力, 叼住弹出, 字腹要饱满, 拉开立起, 字尾要归音弱收到位。
三、感情饱满要爆发
声音色彩是随着感情变化而变化的。只有在“气随情动”的情况下, 才能做到“声随情变”, 也就是说, 由于感情的变化, 气息随着动起来, 才产生了声音的变化。只有“以情运气”, 才能“以情带声”, 做到以声传情。气息是使舞台语言生动悦耳的动力, 气息的变化可以帮助演员把内心的情感和体验与外部的肢体动作有机得串联起来。“气”和“情”是相互影响, 相互补充的。我们通常是运用气息的变化, 来传达人物得内心。例如, 在表现激动地时候, 呼吸急促并且吸气量浅, 胸部也会有明显的起伏;气愤恼怒时, 人的呼吸有时会出现“憋气”状态, 而且呼吸气流强, 冲击力大, 时时发出粗音的喘息声;当表现悲哀忧伤时, 会出现“长呼气”的状态;这种呼吸上的变化, 不仅能使演员很快的融入到作品中, 同时也能让观众感受到喜怒哀乐的复杂情感变化。所以在处理一部作品时, 要联系稿件内容, 将情感很好的用气息来区分和处理, 用不同的声音情感去完整的诠释作品。
四、语言技巧要掌握
呼吸, 发声, 情感的准确运用都是为了更好的突出人物语言的个性化, 语言节奏的明快度与人物内心的潜台词。而停连, 重音, 语调正是在表现人物性格与故事节奏上起到了至关重要的作用。
对舞台语言的表演者来讲把作品内容表达清楚, 使观众能有深刻的印象这是最起码的要求。例如“你真好”这样一句话, 不同的重音处理就会出现不同的语意。确定语句的重音主要是看说话人当时所处的具体环境, 从语言技巧出发, 表现出说话人的内心视象。如果把“你真好”!的“真”字用重音表示, 说出来后.观众就会感到他是从心底里发出对这个人的感激之情。相反, 把重音放到“你”或“好”上, 就会感觉到有嘲讽的意味, 这句话的语意就完全改变了。确定重音, 不能单独从句子中去寻找, 必须与文章的中心思想相结合, 联系上下句之间的关系, 然后确立重音的位置。掌握重音要从两方面出发, 一是根据语意的要求找出准确的重音位置, 二是根据情感的要求确定重音的表达方式。
停顿, 作为最能表现人物内心生活的语言功底的艺术性语言, 它更多的要求了演员自身的创造能力。语言停顿的目地是为了加强语言的清晰度和表现力, 它与语言的逻辑性是相适应的, 而心理停顿是依据心理变化确定的。停顿必须有思想与感情的支持, 越是要停顿的地方就越要融入更多的思想感情, 以便更好的传达给观众, 达到此时无声胜有声的目的。
语调除了表达语意之外, 还能更好的揭示人物性格和表现内心活动。语调与重音和停顿之间有着不可分割的关系。只有把重音和停顿这两种技巧运用妥当, 语意和感情的错综复杂的变化才能从语调中表现出来。语调的变化实际上就是说话人的内心活动和人物性格在语言上的具体反映。假如用轻重缓急不同的语调说出一句同样的话, 就可以传达出各种不同的内容来。一般说来, 表现激动或惊讶时语调大都是高昂的;表现心情沉痛和沮丧时, 语调大都是低沉的;性格鲁莽的人, 说话通常常高而快;性格温和的人, 又通常平而缓等等。语调对于表达说话人的性格、内心情感和思想, 态度等方面都起着决定性作用。
音高, 音色, 音长, 音量是语言声音的四要素。只要我们努力的进行扩展音域, 扩大音量, 改变音色音长、改变说话节奏等方面的训练, 都能很好的让声音语言高低自如, 刚柔相济, 从而更好地塑造不同环境, 不同性格不同身份, 不同年龄的人物。
五、总结
舞台语言是经过艺术加工的语言。它来源于生活, 又高于生活, 以日常生活为依托。只有进行严格的、系统的语言基本功和技巧的训练, 学会并掌握它们的规律和技巧, 在不同的艺术形式中, 才能用语言、用声音、用情感去刻划各种不同的人物性格, 塑造鲜明生动的人物形象。
参考文献
[1]谭霈生, 路海波.话剧艺术概论[M].北京:中国戏剧出版社, 1986.
[2]刘宁.话剧语言训练教程[M].文化艺术出版社, 2011.
国际音响改装重要赛事 篇5
IASCA是国际汽车音响竞赛组织的缩写，1987年在美国佛罗里达州注册成立，是最早组织汽车音响赛事的团体，由IASCA国际创办，有着专业音响赛事血统。经过二十年的发展，现在已在20多个国家和地区建立了分支机构，并为世界汽车电子工业的发展做出了巨大的贡献。
IASCA每年都要组织ISQL(国际音质大赛)Ldbleaguec(国际声压大赛)两大汽车音响赛事，目前，两大赛事已经成为全球亿万汽车音响发烧友翘首以盼的节日。现在，几乎每周都有IASCA汽车音响赛事在世界不同地区举行，吸引了众多消费者及店家的参与，同时各大汽车音响供应商也竞相追随。IASCA在世界围内树立了自己的最高权威，而IASCA的汽车音响竞赛规则已成为国际汽车电子工业在汽车音响系统评核中公认的基本检测标准。
IASCA在中国的赛事以届为单位，分别在不同地区举行分站赛，最后举行总决赛，由各分站赛取得前三名的选手一决高下，争夺总决赛的至高荣誉。从2004年11月举行的“第二届中国IASCA汽车音响赛首站——广州站”开始，IASCA中国正式启用中国IASCA国际裁判参，使中国裁判们在实践中得到提升，为国际汽车音响电子标准在中国的推广和实际应用，起到了极大的作用。
EMMA欧洲汽车多媒体竞赛联盟
EMMA为欧洲汽车多媒体竞赛联盟的简称，它是一个由欧洲各国音响协会组成的国际性组织。EMMA CHINA是EMMA在中国的唯一授权机构。EMMA是主要职责是进行汽车音响比赛的专业裁判培训，制定sQ和SPL竞赛的规则，灌制测试sQ赛事的专用cD，举办每年一度的汽车音响欧洲锦标赛以及在世界各地的不同级别和规模的职业比赛，并且把多媒体影音测试的全新标准不断引进汽车音响比赛。EMMA~使命就是让欧洲同一水平的汽车音响比赛公平、公正进行，以统一欧洲各国的竞争规则于一体为目标，从其成立以来都致力于让各个成员国之间的比赛公平、有序开展，并促进这些赛事的健康发展。
MECA汽车电子竞赛协会
论灯光设计对于舞台呈现的重要性 篇6
一、灯光设计和剧本内容的关系
灯光的设计是以剧本内容为依据,以导演构思与舞美设计为指导,通过幕布、投影和平台等材料的辅助以及平面绘画和立体造型的手段进行设计的,但是归根结底,这一切都离不开色彩的运用。例如在话剧《秋天的二人转》中,灯光的色彩运用就给舞台增分不少,当女主人公向男主人公表明心意时,一束橙色的感情光投射到了表演区,将主人公的情感表现得更加清晰明了,给观众以美的享受,又为两个人未来的发展埋下了伏笔。布景中的色彩主要有五种:第一是自然色,即蓝天白云等包含时间和地点的不同色彩;第二是象征色,即色彩的象征意义,例如绿色就象征着希望和活力;第三是情感色,例如红色代表热情,蓝色则表示冷淡和淡漠;第四是人物色,例如男人比较黑,而女人比较白;第五是美感色,鲜艳的红、黄会给人赏心悦目的感觉,而灰色等冷色调则影响人的审美快感。在布景设计中合理运用这些色彩对于舞台效果的增强具有重要作用。
二、灯光设计和舞台空间的关系
灯光师要熟悉演出的现场空间状况,首先要详细了解演出舞台的空间平面等,包括了解舞台高度、宽度、深度等数据,因为它关系到布光以及对灯种和灯数量的思考;其次需要掌握设备状况,例如吊杆的长度、数量、顺序编号、排列间距、平面位置,更要熟知舞台的用电总负荷等等;最后再结合剧本内容,找出剧本中代表性的人物、情节、矛盾,明确主题环境,确立适当的方法和艺术表现手段以烘托主题,达到适合剧情的舞台效果气氛,并考虑到时间与空间的转换,配置相应的灯光设备和配件,服务于不同的空间和时间。如房顶瓦檐的光感投影由图案灯完成,演区空间的阳光由小光束灯完成,灵活运用切片灯担当重点的局部表现,顶光染色灯主要完成补光与景光,天幕照明则由LED天幕散光与带换色器碘钨灯视情况调剂,最要注意的是侧光,由于景片高大,吊笼需要六米高方能光景无碍,鉴于景片高大且实,需要大面积的纯侧面造型光。对于演区的侧光效果,只能考虑使用顶部吊杆电脑灯做高灯位侧逆光来调剂补偿。从演出的实际效果看,这种灯位安排既兼顾了演员的立体照明,也给了舞台空间必要的构图,使得舞台空间更加丰满。
三、灯光设计与其他舞台美术设计之间的关系
灯光设计是舞台设计最重要的合作者之一。舞台设计与灯光是不可分离的,二者是互相依存的整体。有些布景就是直接以灯光为媒介的,比如投射景。其他材料的布景,即使不以光为主要媒介材料,但在不同色彩、亮度、角度的灯光下所产生的视觉效果也是完全不同的。色彩与灯光的合作是重要的,也是必要的。首先,二者的目标是一致的,都是为演出创造出一定的视觉冲击力,更好地反映舞台造型的涵义和呈现气氛的转变;再者,二者的造型功能特性是互补的,互相依存的。色彩是一个最富有艺术表现力的因素,它具有迅速、直接唤起人们情感的作用,人们在观看戏曲时,不自觉地感受、解释色彩在舞台灯光中的作用。色彩在舞台灯光中的冷暖、强弱的转变直接影响着整个舞台演出的节奏。随着戏曲艺术、科学技术、剧场建筑的发展,色彩在舞台灯光中的融合性越来越自然,作用也越来越突出。甚至在一些戏曲的舞台造型中,色彩的转换本身就是由灯光来实现的,或是舞台灯光设备以色彩造型为形象暴露在舞台中,本身就成为舞台设计造型中的一部分。
因此,当代戏曲舞台灯光对戏曲本身的气氛和意境呈现来讲,以及对舞台布景而言都是最具有代表性和讨论空间的,并且,舞台灯光和舞美设计的各个部分的合作是互相衬托、相得益彰的。
摘要：舞台的灯光是相当于太阳的存在,若没有灯光,舞台就会一片漆黑。灯光的色彩设计使得舞台由黑白片变为彩色片,所以说,舞台的灯光就是舞美的灵魂和生命。
舞台音响的重要性 篇7
我国是一个音乐多元化的国家, 仅就器乐演奏而言, 不论是民族民间乐器还是西洋乐器, 不论是少数民族乐器还是汉族传统乐器, 演奏时都蕴涵着无与伦比的美学价值。当前, 如何更好地提高学习器乐学生的演奏水平, 使他们在舞台上更具表现力, 已成为广大音乐教师需要极力解决的问题。
国家为促进音乐艺术教育事业的发展, 不仅在各级各类学校开设了音乐课程, 而且通过多种举措支持学校深入开展艺术教育, 一些中学还成立了交响乐团、合唱团、器乐培训班等, 这些对于音乐艺术的发展无疑提供了很好的平台和载体, 也为学习器乐演奏的学生提供了良好的环境。而随着文化艺术事业的蓬勃发展、中外演出交流的日益频繁, 观众的鉴赏能力大幅度提高, 其对器乐演奏人员水平的要求也越来越高。
“实践是检验真理的唯一标准。”舞台实践是检验学生美学意识与演奏技能的最好方式, 是作为一个演奏者综合素质的集中体现, 是教师培养器乐演奏学生的成果展示, 也是学生交的最终答卷。只有正确地认识舞台实践的重要性, 学生的个人价值在实践中才会充分展示出来, 进而实现他们自身的梦想。器乐演奏教学一般是一对一或在排练厅进行的, 这样能让学生近距离地感受教师的演奏技能、技巧。当学生达到一定程度的演奏水平, 具备一定的音乐素养后, 则可参加音乐会、音乐比赛等, 通过一次次的实践逐步把自己塑造成优秀的演奏人员。走上舞台, 空间变大, 学生显得手足无措, 原本很有造诣、素质很高的学生也会无所适从, 演奏出的音乐在空旷的舞台上没有了小琴房中的那种震撼感, 灯光的照射使学生成为了舞台的焦点, 观众的眼睛与耳朵成了评定学生演奏的公尺……有的学生胆怯, 脑子里一片空白, 手足无措;有的学生则机械地进行演奏, 把握不住节奏;有的学生手指发颤, 找不着音的位置;有的学生中途忘记曲谱, 演奏停顿……但无论如何, 学生都要挑战自我, 超越自我, 去参加一场场演出、一次次音乐会、一个个比赛。在实践的历练中, 学会积累经验, 汲取他人长处, 克服胆怯心理, 在实践中走向成熟, 以足够的心理承受能力面对挫折和失败, 最终把自己变成为敢于展现自我的“雄鹰”, 在广阔的社会舞台上自由翱翔。
舞台音响的重要性 篇8
舞台美术设计简称舞美设计,是舞台演出的一个重要组成部分,是一个包含了舞台设计、布景设计、灯光设计、音乐设计、服装设计与化妆设计等多种因素的综合概念,是杂技及其他演出艺术中除表演以外的各种造型因素的统称。舞台设计由布景、灯光、化妆、音乐、服装、道具等成分及其由空间、形状、质感、活动、光色等因素所构成的空间与时间的综合体。舞美设计是为杂技演员表演和剧本服务的,一个好的杂技舞美设计家的设计理念是:布景——杂技演员——观众——剧本是一个整体。其任务是根据剧本的内容和演出要求,在导演统一的艺术构思中运用多种造型艺术手段,设计和创造出杂技表演中背景环境和角色的外部形象,用以渲染舞台气氛,塑造杂技人物形象,揭示杂技主题(如下图表)。如果说杂技表演是一朵鲜花,那么舞美设计无疑就是鲜花上的绿叶,它们相互交融、相互依托,并形成以多部门所组成的庞大的艺术综合体。可见舞美设计在杂技创作表演中独特的重要性。俗话说舞台美术为“眼睛的音乐”,带有浓重的感情色彩。它并非独立的“画”,而是作为杂技综合艺术中的有机组成部分而存在;它必须有利于揭示杂技的主题、为在舞台上塑造鲜明的人物形象这个总目标服务。
二、现代舞美设计与传统舞美设计的运用比对
随着观众审美口味层次提高和现代多元化高科技手段的运用,中国传统杂技反映的“布景在演员的身上”的小型杂技形式相形见绌。现代杂技舞台艺术运用灯光、音乐、服装、化妆、道具等各种因素,将杂技舞台艺术打造得绚烂夺目。
1.传统的杂技舞美设计与舞蹈作品的结合趋于单一,各自处于相对独立的位置;在现代杂技舞美设计中,二者结合更为紧密并相互依存,舞蹈表演已经渗透到杂技舞美设计的全过程,不但能有效服务于杂技表演,它那自然流露出来的艺术品位及价值就能深深打动观众的心。在现代杂技舞美设计中,新的多媒体数字技术的应用,让灯光、色彩和数字画面更加立体和逼真。杂技舞台美术设计作为舞台上最重要的元素之一,在杂技中起着非常重要的作用,它是杂技表演的重要组成部分。在每场杂技的开演之时,映入观众眼帘的首先就是杂技演出的布景,它如同人的外形和面孔一样,会给观众留下深刻的第一印象,它通过线条、色彩、明暗、透视等形象造型手段,为杂技演员的舞台创作提供逼似生活的表演空间。它对于刻画杂技人物、烘托杂技主题都起着极其重要的作用。
2.传统杂技舞美设计在设计服装、妆容造型、道具的选取制作时注重的是突显民族风格和角色塑造。如杂技《古彩戏法》《中华魂》《顶碗》的服装显出是质朴、浓郁的民族象征特色;当然在现代杂技舞美设计里,也应遵循承接基本的杂技舞美制作规律,但是,现代杂技舞美设计立足于基本的舞美美学要求之上,更多地是突出其艺术性,大胆创新,为杂技作品的编排插上想象的翅膀,帮助演员们进行杂技造型和杂技动作的延伸。杂技道具的制作也是杂技舞美的重要部分,例如我主演的《高车踢碗》节目,当把一个个不锈钢的碗踢进头顶的底碗中,因为碗与碗都是钢制的,非常容易进去后还会弹出来,造成演出的失误,所以必须在道具上做些设计,在碗的内部添加薄海绵以起到缓冲的作用,然后再垫上防滑的胶布这样就可以最大程度上减少失误。而服装是杂技表演中非常重要的组成部分,它是杂技物质载体的延展。现代杂技舞美设计在对服装进行设计时,还能花些小心思,使服装具备多样性和多变性,使杂技作品的独特性更具表现力。维吾尔族民间杂技作品《达瓦孜》堪称中国一绝,导演运用了大量的维族杂技中极具代表性的旋转技巧,作为该杂技的主要动态语汇来表现。在服装设计的考虑上对尺度进行大胆改进,制作了360度的大裙摆,远远超出传统的维族服装的幅度。这是顺应了杂技舞美设计表演效果的处理,表达了表演者心中浓郁而强烈的情感,凸显了“旋转”的象征意义。现代杂技的合理运用能深化舞蹈舞美设计主题的内在意蕴,扩展了传统杂技的表现能力,融合了音乐、舞蹈和舞美的综合表现因素,为现代杂技作品在创编、设计、表演、审美和评价等方面营造了更为广阔的空间与容量。
三、舞台美术设计的特性
1.舞台设计起源于古希腊喜剧演出中的中色布景,现已形成平面画景、装饰性布景到演员动作有机结合的立体装置布景,再到在舞台上体现了时间的因素,它成为了一个运动着的时间、空间与意义的综合体。舞台美术设计特有的形象语言能很好地表达剧作的内涵,属于杂技表演外的二度创作艺术。舞台美术创作源于生活,但又须以剧中人物、事件和规定情景为依据,并须与总导演的创作意图相协调。
2.舞台艺术应从属于杂技表演艺术。舞台艺术的中心是表演艺术,景物不能脱离表演自我炫耀,而现代舞台美术则融入和加强了演员的表演,从而使人物形象更加鲜明。
3.舞台美术设计.既是空间艺术又是时间艺术。在人物与景物造型方面无不具有空间特性。首先人物造型是依附于三维的演员身上,而景物造型则为演员表演提供必要的空间环境,景片平台、道具等皆需占有空间。在演出的全过程中,时间在不断流动变换,人物造型也随角色行动而变化。人物景物皆随着剧情发展而显示出时间的推移。
4.舞台美术设计具有综合性,本身是有布景、灯光、音乐、化妆、服装等诸多造型因素的综合体,它们之间既有分工,又相互关联,形成一个不可分割的艺术整体。
5.舞台美术设计技术性较强,舞台形象要依靠多种先进的技术手段才能体现出来,因此他的发展历来与多元化高科技技术紧密相关。
四、结语
舞台音响的重要性 篇9
音乐剧的研究是目前国内外音乐和戏剧界研究的热点之一, 目前国内出版专著和发表的论文中部分涉及音乐剧的起源, 这些成果显示音乐剧的形成原因是有争议的。笔者通过书籍、网络等进行大量的检索, 最终思路清晰地归纳出其主要的来源于美国歌舞剧、黑人杂剧、滑稽剧、欧洲喜歌剧、轻歌剧、芭蕾舞剧, 众多不同的体裁融会贯通, 正是由音乐剧的这种丰富性让我们看到了他的包揽万象。它体裁来源的丰富性决定了音乐剧的兼容性特征。而音乐剧紧跟历史向前发展的延续性又注定了音乐剧的时代特性。在渊源流传的音乐长河中, 音乐剧也同样在纷繁复杂的音乐世界中紧随时代的步伐流传、发展, 经久不息。《黑钩子》 (The Black Crook) 代表美国早期音乐剧的雏形, 被史论界公认为美国音乐剧甚至是西方音乐剧诞生的标志, 在观众的上座率和票房利润方面取得巨大成功。《演艺船》 (Showboat) 是美国音乐剧第一个里程碑, 它第一次赋予音乐剧是正剧的色彩。《俄克拉荷马》 (Oklahoma!) 是美国音乐剧走向成熟的标志, 它对美国时代风貌和民族精神的给予了很好的诠释, 又加以鲜明的民族特别和风格, 这标志着美国音乐剧的成熟。《西区故事》 (The West Story) 是美国音乐剧繁荣时期的代表作, 伯恩坦在这部音乐剧创作中把现代的爵士乐与古典音乐完美的结合在一起, 使音乐语言变得丰富多彩, 活泼生动。《屋顶上的提琴手》 (Fiddle on the roof) 、《群舞演员》 (A Chorus Line) 是美国摇滚音乐剧兴起时期难得的佳作, 这是第一次有严肃题材音乐剧上获得的巨大成功的典范。音乐剧《耶稣基督超级巨星》是英国音乐剧对美国音乐剧进攻的开始, 1971年该剧在纽约上演, 采用了现代摇滚音乐和舞蹈的形式, 因为一些思想开通的教堂主教试着用摇滚乐来阐释福音以吸引青年, 因此用摇滚音乐来表现圣经的题材还是比较罕见的, 所以该音乐剧在英、美上演受到了欢迎。20世纪《猫》《歌剧魅影》《悲惨世界》《西贡小姐》, 作为音乐剧巅峰之作, 在强化了艺术性的同时, 也扩大了音乐剧的受众群。
二、歌唱在音乐剧中的表现力
(一) 丰富的歌唱类别带来的新颖之感
音乐剧所表现出来的, 具有丰富的体裁, 需要音乐、舞蹈、戏剧表演的结合已经是推陈出新, 而音乐剧在歌唱风格上、演唱方式上也要求是多种多样的, 足能使大家从传统的音乐形式中感受到新鲜血液的流动。首先, 歌唱是在人的声音基础上以一定的语言内容为表现手段, 用语言和音乐旋律结合在一起进行的演唱。可以用歌剧中的美声演唱, 也可以用到流行演唱, 而流行演唱又可以用摇滚、爵士、蓝调、R&B、乡村等风格, 着实的丰富了歌唱的风格, 也在一定程度上体现了音乐剧中歌唱所包含的广度和深度更值得大家去关注。正是因为音乐剧演唱中没有固定的演唱风格, 这就注定了音乐剧很随性, 贴近大众, 能够满足大众的不同音乐喜好。音乐剧在不同时期也具有不同的演唱风格, 他根据时代进步性和流行性, 伴随着社会文化和地域风格的转变, 逐渐从歌剧—轻歌剧—爵士—摇滚—古典与流行的结合中慢慢探索, 一直发展到现在多元化的演唱风格。
1.美声唱法
早期的音乐剧《风流寡妇》中的歌曲“维莉亚之歌”的后半部分在高声区的演唱中巧妙的运用了美声头腔共鸣的方法, 使得歌曲听起来游刃有余, 挥洒自如, 使听众充分体味了美的享受。
2.流行元素进入美声唱法
三十到五十年代的《演艺船》中的具有爵士音乐元素的唱段“can’t help loving dat man”, 这种早期的具有爵士音乐元素的音乐剧, 由于时代性的限制, 其中仍采用偏古典的演唱, 近似于美声演唱, 但在呼吸、发声、演唱的基础上又加入了流行演唱风格, 注重头腔共鸣, 演唱技巧较高。
3.爵士风格的出现
音乐剧《西区故事》则多运用了爵士演唱风格, 爵士演唱风格首先表现在对爵士乐特点把握上, 第三级 (Mi) 音和第七级 (Si) 音经常是降低一些, 第五级 (Sol) 有时也降低半音, 这些音有时还伴随着滑音和颤音出现, 这样在演唱中歌曲便显得更加的悲伤、忧郁了。
4.乡村风格
乡村风格的出现是在音乐剧《音乐之声》中的歌曲出现的, 歌曲中采用了大量的八度音程跨越, 演唱者在演唱时需要高声区用假声、低声区用真声, 乡村风格的演唱风格正是用到了嗓子一紧一松的方式, 这需要演唱者有很好的声乐功底, 低音的真声要唱的扎实, 高音的假声要唱的透亮, 这是乡村风格演唱时一大特色。
5.摇滚风格
摇滚唱法的加入可表现在六十年代的《耶稣基督超级巨星》中“heaven on their minds”, 在塑造剧中的犹太角色中要求演员用沙哑的嗓音去演唱, 在声音音色上没有太多要求, 无需仔细加工, 高潮部分有不加修饰的喊叫声, 还加入了喉音来增强剧情效果, 极具摇滚色彩。摇滚乐是抒发内心情感的音乐, 所以在演唱时可以肆无忌惮, 只有来自灵魂深处的呐喊, 才能将音乐演绎得淋漓尽致。
6.唱法的融合
音乐剧《西贡小姐》《悲惨世界》《猫》《歌剧魅影》都是古典与现代音乐的结合, 如《歌剧魅影》中克莉斯汀的唱段“think of me”开头部分咬字很清晰, 唱腔自然、放松, 气息流畅, 抒发感情, 回想往事, 而最后的华彩乐段, 在同样保持声音平稳的基础之上, 我们可以听到演唱者深呼吸并做好了充分的准备, 全身共鸣并结合高位声音的色彩被一下子全部释放, 声音华丽辉煌, 绚烂无比。其实这里跟美声唱法中的咏叹调没有大差, 可以说是美声、古典与现代音乐的完美融合。
音乐剧在近百年的发展中, 音乐风格的表现是多样的, 其唱法也在不断的改变与发展, 每个时期都有着它不同的特色, 在演唱技巧上也有不同的侧重点, 多风格多元素正是音乐剧的魅力所在, 这无疑也是对歌唱者演绎的重大考验, 清楚的掌握每个时期的不同特点与风格, 还不足以在纷繁复杂的音乐剧世界中较好的诠释作品, 那么如何能够较完善的演绎作品, 还要从音乐剧中的灵魂表达核心——歌唱中去挖掘细节。
(二) 歌唱在塑造人物形象中不可或缺
1.歌唱中的嗓音不可忽视
音高、音量、音色、音长、这四者是构成舞台语言声音色彩千变万化的基本要素。音高是指演唱者声音的高低变化。每个人生理条件不同, 声带的长短, 薄厚不同, 所以自然而然的就有了高低声部的划分, 音量则是说声音的强弱变化, 强弱变化取决于发音时发音器官肌肉紧张用力的程度、气流强弱的程度。音长, 是指演唱者声音长短的变化, 它取决于音波持续时间的长短。一个音的音波持续时间长, 它的语言进行速度越快;反之则越慢。音色, 指声音的特色。每个人由于先天的发音器官的生理条件不同, 也就注定了每个人有自己独特的音色, 每个人声带的长短、薄厚, 共鸣腔体也有着不同的形状和特征, 从而形成不一样的音色。如音乐剧《钟楼怪人》中的卡西莫多, 声音低沉。嘶哑, 但富有感染力, 对于表现他剧中所扮演的形象就显得非常贴切。再如音乐剧《歌剧魅影》中的女主角——克莉丝汀, 声音甜美、清灵, 她的声音充分的刻画出了一个温柔大方的女子形象。不同的声音服务于剧中不同的人物形象, 才能使剧中人物真实鲜活赋予感染力。
2.歌唱的语言更具魅力
舞台语言通过歌唱去表达, 便使人物形象的塑造得到了升华, 剧中人物情感的塑造在言语表达不予深刻的时候, 如各种复杂情绪, 万分的悲痛, 伤心欲绝的哭诉, 来自内心深处的喜悦或是无法言表的幸福感觉, 这时运用歌唱来诠释人物内心情感便发挥了举足轻重的作用, 使得剧情塑造也更有色彩, 更具观感。如《悲惨世界》中菲比斯的内心的冲突用歌唱来表达, “撕裂, 我是个分成两半的男人, 撕裂, 在我爱的两个女人之间。难道我的幸福是错误?一个女人是白天, 另一个留给夜晚, 一个让我去爱, 另一个让我存在”。这种加以优美旋律的歌唱, 比起生硬的说词是能更形象、更生动地诠释内心的丰富的情感了。
(三) 歌唱与舞蹈的结合丰富了舞台表现力
就视听盛宴这一点, 音乐剧绝对不会让你失望。在音乐剧中, 歌唱是必然重要的, 而在听觉享受的同时, 配有视觉上的结合则能更好的凸显歌唱的必要性, 使得人物塑造更具表现力, 文章前面提及很多音乐剧在演出中使用了舞蹈, 如:芭蕾舞、踢踏舞、爵士舞、现代舞等等, 有的甚至还加上了民间舞, 形式多种多样, 色彩斑斓。
20世纪初期的音乐剧以踢踏舞、踢腿舞 (也称大腿舞) 风格为代表。音乐剧《演出船》就有半裸的女演员跳着踢腿舞用来展现剧情, 为歌唱服务。到了20世纪的三四十年代的音乐剧多以芭蕾舞的伴衬为主。音乐剧《俄克拉荷马》中, 现代芭蕾结合现代舞、土风舞和戏剧化的造型动作, 引出了热闹火爆、诙谐幽默的群舞场面。20世纪的50、60年代的音乐剧则以芭蕾舞、爵士舞为基础并融合了不同民族的舞蹈进行展现, 这个时期同时又是美国音乐剧的高峰时期, 所以各式各样的舞蹈竞相开放, 争奇斗艳。音乐剧《屋顶上的提琴手》就是用了他们犹太人的民族舞蹈、俄罗斯民族舞蹈来完整剧情;《西区故事》中运用了爵士舞、芭蕾舞并融合了多民族舞蹈。这些舞蹈演员用不同的服装、不同的舞姿诠释着不同的角色, 使歌唱、舞蹈两者的魅力发挥到了极致, 给予了观众“舞蹈美”的审美愉悦, 使得歌唱的变现力更加的生动饱满。
(四) 特技特效的展示丰富了歌唱的表现力
在音乐剧中加入特技的效果, 无疑是很炫目的表演, 所以音乐剧演员不仅在具备歌唱能力和舞蹈功底时, 同时又要多才多艺, 会些杂耍, 有的音乐剧为了突出某一情节内容, 甚至请来专门的特技演员, 为舞台增添独特的效果, 有的演员还吊起了威亚。如音乐剧《红磨坊》中的高空荡秋千, 音乐剧《钟楼怪人》卡西莫多把神父从楼顶扔下去时, 运用的威亚。音乐剧《西贡小姐》中, 全剧最具有视觉冲击力的造型——一架真实的美军军用直升飞机, 并且把它合理的利用在了全剧的五分之四处, 让它在舞台上降落和升空, 希望全剧在结束之前创造一个具有足够视觉冲击力的高潮场面, 加上音响的完美配合, 这个出乎人们的意料, 并且让它以梦境的形式体现在生活中, 这给观众带来的震撼力不可言表, 这也成为了音乐剧创造视觉冲击力的优秀典范。
(五) 舞美灯光服务歌唱, 烘托舞台气氛。
音乐剧中的舞台美术也用来为整部音乐剧的歌唱塑造来服务。音乐剧在重视音乐的听觉基础上, 同时也需打造视觉造型来提升整个剧情的形象化, 配合灯光的使用, 场景的变化为音乐剧创造丰富的视觉形象提供基础, 从而达到在整体上更形象的配合歌唱的演绎。
在舞台美术中, 经常使用一些道具来衬托舞台的气氛, 最常使用的如纱幕、天幕, 纱幕的作用可以加深舞台的纵深感, 配合灯光分切演区, 制造神秘、虚幻的舞台气氛, 并且绷紧的纱幕易形成空气幻觉的作用;打褶的纱幕起装饰性作用。而天幕是位于舞台最后面的幕, 主要表现天空、背景。它容易切换且质地薄, 可以从前后两个方向透光, 增强立体感。如《歌剧魅影》开场中, 大幕在场灯暗后悄然拉开, 在一声锤声打响后, 灯光逐渐亮起来, 几道沿幕挂在舞台上, 舞台中央有一个巨大的水晶吊灯亮了并开始慢慢升起来, 直至升向观众席的上方, 与此同时随着音乐的增强, 舞台上的灯光逐渐亮起来, 舞台上的檐幕也开始升起, 车台开始运动, 刹时间就在音乐中、在观众的眼皮底子, 变化成了金碧辉煌的的舞台景观, 再如音乐剧《猫》中对着月亮演唱《回忆》, 它让人回忆起过去的时光, 忆起了过去的幸福与喜悦, 过去的朋友伙伴, 一起奋斗的辉煌, 现在一切烦恼都抛之脑后, 感觉幸福就在眼前。歌唱者在这种情景下定会相当的投入, 犹如身临其境, 歌唱者情绪的集中必定使整部音乐剧引人入胜。华丽的舞台布景, 音乐剧的舞台美术为了实现以丰富、多变的场景把音乐视觉形象化的目的, 同时也出于场景的转换具有旋律感的初衷, 除需要舞台美术以奇思妙想外, 还用到了车台、转台、升降台等现代机械舞台, 烘托了舞台气氛, 所有的种种都为歌唱者在歌唱时能更好的诠释人物, 完成整部音乐剧的演绎提供了强有力的技术支持。
音乐剧是极具艺术性和戏剧张力的音乐体裁, 它以歌唱的丰富性、人物形象塑造的准确性、歌唱与舞蹈的完美融合、特技动作运用的浑然天成、舞美灯光的精妙配合、音响的丰富运用和配器的多元化等逐渐成为最受关注的艺术形式。这些元素的融合无疑地给舞台上的核心表现形式——歌唱, 增添了色彩, 使音乐剧这个本身就具备多元化特质的尤物表现的生动活现, 从而使观众能够更加充分的领略到音乐剧独特的艺术魅力。
作为音乐剧核心组成部分的歌唱的重要性已经成为普遍的共识;通过对音乐剧的概括, 通过音乐剧形成发展及演绎成果的梳理, 及对多元化的形式及客观硬性条件辅助歌唱表现的介绍和归总, 看各个元素为核心歌唱所发挥的举足轻重的作用, 有助于歌唱者更好的体会歌唱的重要性及如何利用多元的辅助条件更好的去完善作品的演绎, 这将是必不可少的功课。而对于音乐剧中感性的、主观能动的成份如何去发挥, 提炼歌唱放眼在具体的剧情及音乐中如何演绎, 如何为整剧去更好的服务又是笔者需要继续深入思考的问题, 同时也是未来音乐人来提升音乐剧的艺术价值所必须关注的。
参考文献
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舞台音响调试的研究与探讨 篇10
关键词：舞台音响；设备选择；现场调试；协同作用
1 舞台音响设备的作用和功能
在舞台表现艺术中，舞台音响设备是一种最常见的基础设施，但同时它也在舞台艺术中扮演着极其重要的角色。舞台中音响设备不仅可以起到播放乐曲的作用，又作为一种最重要的艺术表现元素配合着表演者的表演。舞台音响设备包含光驱、计算机的相关硬件和软件、音量音色调节台、均衡器、音频处理器、有线及无线话筒等。这些设备具有不同的功能，相互独立又互相补充，互相配合。其中任何一种设备都对整体的音响效果有很大的影响。因此在舞台表演时，如果未经调试就进行使用，非但不能收到极佳的音响效果，反而会使音响发出噪音。根据舞台和场地情况合理进行调试可以增强现场气氛，从而愉悦观众。
舞台音响设备可以很好地烘托现场的气氛，在一些喜庆的日子，如结婚典礼，庆功仪式中，舞台可以利用音响播放热情高昂、欢快明朗的音乐或旋律来感染听众，往往这种场合需要将音响的音量调大，较大的声音可以表达出热情。而在一些葬礼仪式等气氛低沉的日子就需要将舞台音响调得低沉，音色浓厚，方可烘托出凄凉的气氛。
音响设备在舞台表演中发挥着不可替代的作用，与此同时，若设备自身存在问题或调试不当，舞台效果有时也会受到音响设备的严重影响。我们常常遇到的音响设备的异常发声就是啸叫。音响设备出现啸叫都是由于声信号的异常反馈引起的。原因主要有两种，首先是由于传声器的异常反馈，其次可能由于计算极端的控制问题导致。综上所述，舞台音响设备对舞台艺术表现至关重要，舞台艺术的表现效果也与舞台音响设备的选择和调试息息相关。
2 舞台音响设备选择与现场调试
在选用调音台、传音器、扩音器以及用于现场效果增强的舞台音响设备时一定要本着认真、仔细的专业态度。在进行舞台表演前，需要留出足够的时间检查与测试设备。需要估计总体耗电量、额定功率等情况，如果超过了电源开关的额定功率，则容易出现过载断电的情况，这对舞台表演来说是致命的。用电分析正常后，按照舞台艺术表演所需要达到的舞台效果对音源进行仔细排查，查找音源运行过程中存在的问题。主要集中查找噪音大、声道错乱以及没有声音等问题。对于线路问题，一定要避免短路情况出现，如果设备发生短路，则在表演时音响设备很容易出现停机等异常现象，因此主要注意线路是否连接正确、检查导线的绝缘外皮是否损坏等。
上述检查工作完成后，则进入音响设备的调试阶段：
2.1 调试舞台音响设备
舞台上的音响设备调试要根据不同的舞台表演要求有针对性地进行调试，各种舞台表演中的音响设备都分别具有不同的特征和性能标准。要根据设备性能指标对舞台音响进行调试，并确保正式使用时涉及的舞台音响设备全都处在最佳的工作状态，为观众提供最优质的视听感受。
2.2 伴奏通道调试
对伴奏通道的调试需要利用光驱对CD或DVD中的歌曲进行播放并根据歌曲调试伴奏通道。首先要将调音台的分路推子归一到同一个位置，然后调音师选择演出场所的几个主要位置对音响的效果进行试听，多次调节分路推子，检查各种音响效果是否优良。
2.3 话筒通道调试
从谨慎的角度考虑，话筒通道要在满足正常的舞台音响使用需求的条件下，至少多加一个话筒通道以备用，首先要选择和评估话筒的位置，一般是放在舞台的正中央。而后对话筒的使用性能进行调试，主要检查话筒的灵敏度。调节话筒控制端分路推子至分路峰值点平一亮一闪的状态，此状态为整个舞台音响系统的基准点。反复调试分路推子，直至音响系统中的话筒通道灵敏度达标，音量大但不刺耳。
2.4 乐队通道调试
对于乐队的舞台音响通道调试需要结合乐器和音响进行特殊调节，由于乐器通过发出的电信号传输到音箱或话筒中，因此需要对乐器电信号和话筒的拾音进行调试以达到补偿的效果。最后需要调试至乐器音量、音调适中，音色还原度高的状态。
2.5 现场音乐调试
演出开始后，演出现场需要调音师佩戴监听耳机，监听耳机的功能是监听演出现场的音响效果。当发现演出开始之前所做的调解工作不到位时，如演出场地的音量较低，可利用激励器对声音进行加强，以保证现场的音响效果。当演出形式不同时，如男声独唱的演出形式需要对音量做出降低处理，若是女声独唱的情况下则需要对声音进行降低处理。根据演出场所不同，对现场音乐的调试也很重要。若是在露天场合下，则需加大音量以满足观众的需求，若是在室内的剧场环境下，则可以适当降低音量以确保观众享受到最优质的音响效果以及视听感觉。
3 舞台音响效果的协同作用
上文已经对舞台音响设备问题作了较为详尽的分析和讨论，除了舞台音响设备本身的问题外，舞台音响效果的协同作用也是提升舞台艺术效果的关键环节。因此从现场环境角度出发考虑舞台音响效果的协同具有重要的应用价值，舞台音响效果的协同主要体现在舞台表现形式和现场环境两个方面。舞台表现形式主要是舞台本身的结构与装饰，表演者的演出形式等。舞台表现形式与音响效果相互协同，对于突出主题有很好的效果，这可以让观众产生身临其境的体验，更加有剧情的代入感，再配以优质的音响效果，往往会给观众提供更好的体验。另外，现场环境的协同作用也很关键，现场的灯光、气氛等环境因素有时会为舞台音响效果起到增益的作用。例如，在演唱至高潮处伴有烟火、灯光时，观众往往也随之非常兴奋。现场环境的协同对于舞台表演艺术来讲既可以表现出表演者的内心情感变化，又可以感染观众，达到表演的目的，增强舞台音响效果。
4 结语
舞台演出现场的音响系统调试属于实践性较强的技术，音响系统的调试状况可以决定整个舞台的演出效果。因此，现场调音师必须具备严谨的工作态度，同时熟悉舞台音响系统的调试方法和技巧，由此才能确保舞台现场音响系统处于最佳的工作状态，突出舞台演出的艺术性，获得观众的认同。要从舞台音响设备调试、伴奏通道调试、话筒通道调试、乐队通道调试、现场音乐调试等几个方面重视舞台音响设备的现场调试，并通过灯光等舞台效果与音响效果协同起来，这样才能更好地为观众提供优质的视听享受。
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论舞台技术工作的核心重要关系 篇11
在表演艺术中,舞台技术工作的重要性是不言而喻的。舞台技术能够延伸并拓宽舞台演出的时间和空间,大大增强表演艺术的张力,感染并吸引观众,促进文化艺术事业的繁荣和发展。在舞台技术工作中,存在纷繁复杂的各种关系,本文认为其中的三个关系非常重要,那就是:舞台技术工作与技师的关系;舞台技术工作与舞台美术创作的关系;舞台技术工作与舞台艺术的关系。
在三个重要关系中,舞台技术工作与舞台技师的关系显然是核心,脱离了这一核心关系,就脱离了舞台技术工作的根本,当然,另外两个关系也不是可有可无的,三者是不可偏废的、既相互联系又相互依存的关系。本文重点阐述了舞台技术工作与舞台技师的关系。
二、舞台技术工作与技师的关系
舞台技术工作与其他工作不一样,既具有很强的专业技术性,也带有很强的艺术目的,因此,技术性和艺术性是舞台技术工作的两大特点。这就要求舞台技师不仅仅要懂得专业技术,还要懂得舞台艺术。那么,舞台技术工作与舞台技师究竟有着怎样的关系呢?
首先,舞台技术工作为舞台技师提供了工作对象和内容。毫不夸张地说,没有舞台技术工作,就没有舞台技师存在的必要,因此,舞台技术工作是舞台技师存在的前提。灯光、音响、舞台机械等各种舞台技术手段的运用是表演艺术的需要,当然也就成为舞台技术工作者为满足社会大众精神文化需求的职业上的要求。脱离了舞台技术工作,舞台技师就无法施展自己的才能,就会成为无源之水、无本之木。这就说明了舞台技术工作具有很强的客观性,舞台技师所面对的工作对象和内容有其内在的规律性,舞台技师必须从客观实际出发,尊重规律,才能达到预期的目的。
其次,舞台技术工作是舞台技师实现职业价值的基本前提。毫无疑问,不同的社会职业有不同的职业价值观;社会职业是职业价值观产生的基本前提。我们说某某是优秀员工或者杰出人才,那就是说其工作表现出色,获得了本行业或社会的认可,他们自身也就实现了职业价值。舞台技术工作也不例外,优秀的道具师、灯光师、音响师、化妆师等等舞台技术工作人员由于德才兼备,追求卓越,取得了骄人的成绩,从而实现了职业价值。由此可见,脱离了职业本身,实现价值就无从谈起;舞台技师只有扎根于舞台技术工作当中,才有可能脱颖而出,获得本行业或社会的认可,实现自身的价值。
再次,舞台技师是舞台技术和舞台美术之间的重要媒介。舞台技术是一种运用于演出艺术的技术,它和舞台美术之间虽然有联系但还是存在着区别的。那么,这两者之间是如何实现转换的呢?不是别的,正是舞台技师的媒介作用。没有舞台技师,舞台技术就是舞台技术,舞台美术就是舞台美术;正是舞台技师让各种舞台技术运用到舞台美术创作之中,服务于舞台表演,造成强烈的艺术效果,增强了艺术感染力。可以这么说,没有舞台技师的作用,舞台技术就无法得到有效的运用,也就不能充分展示舞台艺术的魅力。从这里可以看出,舞台技师在舞台技术和舞台美术之间所起的作用是多么巨大 !
最后,舞台技师能够推动舞台技术工作的大力发展。按照马克思主义的观点,人类的物质领域和精神领域离开了人的因素是不可想象的,正是人的推动,人类历史才不断地向前发展。艺术领域也不例外。如果表演艺术没有导演、编剧、演员等艺术工作者,没有舞台技师,那还是表演艺术吗?再细分到舞台技术这一块,舞台技师的作用是显而易见的。灯光效果没有灯光师、音响效果没有音响师、道具效果没有道具师、化妆效果没有化妆师等等都是不可想象的,正是灯光师、音响师、道具师、化妆师等等舞台技师的作用,才使得舞台表演达到了预期的效果,从而满足了观众的精神需求。当然,并不是任何舞台技师都能推动舞台技术工作的发展,平庸的、不合格的舞台技师不仅不能为表演艺术增光添彩,反而阻碍了行业前进的步伐。究其原因,不外乎以下三个方面:一是舞台技师没有加强职业道德的培养;二是舞台技师专业技术不过关;三是舞台技师缺乏艺术素养。因此,作为一名合格的、称职的、优秀的舞台技师必须要提高综合素养。我们认为,至少要做到以下四点:
第一,加强职业道德的培养,树立正确的世界观、人生观和价值观。舞台表演艺术是面向社会和观众的,除了娱乐功能之外,更重要的是引导人、培养人和塑造人。舞台技师虽然默默无闻,但他们所做的工作却是非常重要的,没有舞台技师的配合意识和大局意识、没有为艺术献身的思想、没有强烈的道德意识,舞台技术工作就会偏离方向,就不可能做好。
第二,加强文化素养,提高知识储备。由于知识的相关性和系统性,舞台技术工作往往不是单一的,如果仅仅局限于某一方面的知识,就会造成一知半解,就不能正确地判断和思考,更谈不上在实践中有效地开展工作了。因此加强文化素养、提高知识储备,是一名合格的舞台技师所必须做的。
第三,钻研专业技术,提高业务能力。这一点是至关重要的。一名舞台技师没有专业技术是完全说不过去的,在一定程度上工作技术能够测试舞台技师的水平和能力,可以这么说,没有专业技术就不是真正意义上的舞台技师。因为技术性是舞台技术工作的基本特征之一。
第四,要有较高的艺术素养。舞台技术工作不是为“技术”而“技术”,归根结底是为舞台演出服务的,如果不能体现出舞台技术工作的艺术性,这个舞台技师就是不称职的。因此,提高艺术素养是舞台技师的必修课。
由上可知,舞台技术工作和舞台技师的关系非常密切,是你中有我、我中有你的关系,两者不可分割。
三、结束语