舞台灯光的艺术功能（共9篇）
舞台灯光的艺术功能 篇1
一
《推销员之死》是美国剧作家阿瑟·弥勒的代表作品。 米勒的代表作品,曾获“普利策戏剧奖”、“纽约戏剧评论奖” 和美国舞台艺术成就最高奖项“托尼戏剧音乐奖”。作品描写的是一个普通职员光靠工资很难生活下去的典型美国悲剧。主人翁威利·洛曼是一个年过六十的老人,在一家商店里当了三十四年的旅行推销员。他一家住在纽约的贫民区布鲁林克。每周星期一他驾车带着货样,北去新英格兰个城镇推销商品,星期六回家休息,下星期一又再出去。三十四年来年年如此。
随着时光的流逝,威利越来越难以抵御后来者的竞争。 每月收入越来越少,而靠分期付款得来的住房、电冰箱、吸尘器、小汽车的花费越来越难以支付。威利对于自己的两个儿子也寄予了极大的希望。由于一次威利在波士顿与一个陌生女人鬼混时被因为数学不及格前来寻求父亲帮助的大儿子比夫撞见,从此儿子失去了对父亲的信任自暴自弃终日没有作为。父亲也怀着对儿子的猜疑,总想阻止儿子进入家门。 威利深感到肩上的担子越来越深,心中的积郁越来越重。
经过许多争吵和职责,全家商量必须重新振作起来。比夫决定去找过去相识的体育用品商借一笔创业金做一笔体育用品买卖。威利决定去找自己的雇主霍华德,请求在纽约给他安排一个不需跑外的固定差事。然而,却双双失败了。
威利走投无路,决定用自己的死为家人换取一笔保险费。
在欧洲戏剧发展史上,从易卜生开始,常将现实主义戏剧和表现主义戏剧艺术手法同时并用。阿瑟·弥勒的这部作品同样是这两种形式的混合运用。1983年3月阿瑟·弥勒亲自指导的话剧《推销员之死》在我国人民艺术剧院进行了首演,时隔近30年后北京人艺于2012年复排该剧。两版《推》 剧由于排演年代及导演的不同也带给了观众不同的舞台体验。
二
《推》剧表现的主要是一天两夜的时间,剧情涵盖了威利的整个一生。剧情发生以威利家的厨房为主,同时涉及到威利夫妇的卧室、比夫兄弟就寝的阁楼、纽约的一家饭店, 霍华德和邻居查理的两间办公室以及波士顿一家旅馆的房间。在1983版的《推》剧中,全剧主景是威利家的厨房。厨房隔壁是威利夫妇的卧室。厨房后方楼上是比夫兄弟的就寝阁楼。如纽约的饭店或波士顿的旅馆,则在舞台前沿或两侧摆上一两件富有特征的家具,通过灯光的切换来转换表演区使观众领会人物活动地点发生的变换。布景不论是家具、 布局都充分地再现了哪段时期美国社会底层劳动者的真实生活原貌与之相比,2012年版的《推》剧舞台布景则很简单, 几把椅子几张桌子就把几个不同的场景给予了表现。然而这所谓的“简单”中带给观众的却是无穷的遐想空间,一棵悬在舞台上方的树多少给舞台及剧本的表达增添了意蕴。
同一剧目的不同舞台空间美术造型的运用,给观众带来了不同的舞台体验。可见“舞台的空间造型在漫长的发展史中,从实用走向多功能,从舞台空间的框定到戏剧活动空间的框定,从提示性地、再现性地说明剧情时、空环境, 到表现性地创造一个直喻的、揭示性和感染性的戏剧空间造型设计有着多么广阔的前景和在戏剧艺术创造活动中有着多么大的创造性作用。”1
三
1.揭示剧情环境
1983年版的《推》剧中表现真实生活的剧情环境时, 演员在由三面假定的墙壁分隔开的饿环境里进行。威力的卧室及比夫兄弟就寝的阁楼与厨房相隔的墙壁都是假定的, 这样观众可以同时看见三个不同空间里发生的活动。厨房与屋外相隔的墙壁也是假定的。由于剧中的空间都可以轮流或同事出现在同意舞台上,同时发生在两个空间里的剧情可以同时让观众看到。甚至并非同时发生在两个不同空间里的剧情,也可以重叠表现在同一个空间里面。而想象、回忆、往事则是在没有墙壁间隔的屋里和屋外表现出来的。在每场和每场、现在和过去、想象和现实之间,观众虽然能看得清清楚楚, 演员也能够心中明白。虽然这样的舞台造型可以充分的展现剧情环境的原貌,但是有可能给观众带来一些过去和现在、现象和现实之间切换所造成的突兀的感觉。
在2012年版的《推》剧中,这一点就相比较能够更好地得到处理,舞台运用了无论是威利家、餐厅、办公室还是旅馆都能够见到的没有那么明显指向性的桌子和椅子。这就使无论是场与场、过去和现在、想象和现实的转变都能够不受拘束和限制的切换,只需要配合演员的表演就能够实现。
2.暗示人物背景
从1983年《推》剧中,通过舞台真实、形象的老威利家破旧的冰箱,简陋的家具等这些布景中,充分的体会到一个美国下层贫民的生活窘状。这对于我们体会老威利这一角色在面对失业及儿子无所成就的情况下那种无路可走、生活无望,只能够选择自杀来换取一点点希望和价值的那种无奈。相比较2012版《推》剧在这一方面的表现就比较弱一些。 但这也丝毫不会影响我们现在观众对这部戏的理解,正如米勒所说:“观众的想象力是无边无际的,只要剧本的内容在逻辑不受破坏就可以。必须运用常规这一点是并不正确的。 观众会同你一起到任何地方去的;他们什么都会相信,只要诉说这个故事的你相信就可以。我们正处于产生许多爆炸性的艺术形式的开端,而观众正等待着奇迹。”2虽然2012版的舞台布景相对简单,没有那种真实反映老威利所生活的时代背景。但这样没有明确指向性的设计更加让观众能够映射和反思现在,这也正是戏剧精神的所在。
3.渲染气氛及揭示戏剧意蕴
米勒《推》剧中,老威利不切实际的希望梦想、对个人价值判断与美国社会价值标准的冲突导致了老威利最终选择自杀的悲剧结果,这也正是作者想要向观众揭示的。对于这部分内容如果要通过舞台空间的美术造型予以体现,运用现实主义手法是不能够全面表现的,在2012版的《推》剧中运用了表现主义的手法从中国传统戏曲舞台中汲取灵感。 舞台灯光,投射到简洁的背景上,变成了拉长的背影,极具美感,而灯光的明暗程度也显示了昔日美好生活和如今残酷现实的对比,增添了很多韵味。一颗悬在舞台上方无根的树再一次命中剧作主题,一个无根的“美国梦”,同时这颗无根的树也衍射了老威利不切实际、就算死了也未能如愿飘渺的一生。
虽然说:舞台物造型对于戏剧情节的意义来说,它只有附着于演员的表演并与之协调起来,才有意义。3但通过对两版《推》剧的对比,让我们可以看到舞台空间美术造型对于提示剧情环境、暗示人物背景、渲染气氛及揭示戏剧意蕴发挥其自身特有的功能,为辅助诠释剧本发挥着重要作用。
摘要：自古希腊、罗马戏剧舞台的背景回音壁之后,舞台的空间美术造型经过了漫长的发展历史。从舞台演出空间的框定到戏剧活动空间的框定,从对戏剧剧情及时、空环境的提示和再现,到具有创造性的直喻、揭示和感染的戏剧空间造型设计。舞台空间美术造型以它巨大的创造性在戏剧艺术的创演中发挥着重要作用。本文以北京人艺的两次话剧《推销员之死》的演出舞台为例进行比较,阐释舞台空间美术造型在戏剧艺术中提示剧情环境、暗示人物背景、渲染气氛及揭示戏剧意蕴三个方面的功能。
关键词：《推销员之死》,北京人艺,舞台空间美术造型功能
舞台灯光的艺术功能 篇2
近几年，由于我们灯光工作者的不懈努力，我国舞台灯光艺术发展之快是令人始料不及的。灯光艺术已凸现了几大特有的功能，并有着其他部门不能替代的表现手段。
一、灯光可以在舞台上制造空间
可能人们会说，空间本来就存在的，可在舞台上，没有灯光在舞台上的聚集、投射，观众是不能看到空间的。而且，灯光犹如观众眼睛的指挥棒，灯光投射在哪里，观众的眼睛就看到哪里。舞台上的空间大小是由灯光来控制的，由于灯光在舞台上的照射是以块面来拼接的，所以它可以随意地无限扩张，尽情地缩小，小到一个人的一张脸，大到观众可看到舞台上的每一个角落，而且灯光还可以在舞台上制造出一个个单独而又互不关联的空间，以上这些，灯光可以在瞬间变化完成。
二、灯光可以制造环境
舞台上，由于故事情节的需要会出现人世间所看到的、所想象到的各种各样的环境，景可以在舞台上塑造环境，他可以画出、制造出有房子、大山、树林、小河等等的环境，可是灯光却可以赋予它以生命和活力，创造出观众所想象中的真实感。同一环境，由于情节的不同，在观众的面前能够展现出各种各样的模拟环境，这也是灯光的最大功能之一。灯光可以在各种角度，不同的亮度和光色对某一组布景进行照射，让其景表现在某一个特定的环境下，如白天、晚上、夜里、阳光下、阴天、雨天、雷电中、灯光下、火光中、树影下等，只要人们能在真实环境中所能看到的，灯光都可以在舞台上创造出来。又如，灯光可以在同一环境中创造出剧情所特需的感觉气氛。比如，欢天喜地的热闹场面，隆重严肃的场面，情意绵绵的场面，扣人心弦的紧张场面等等。灯光还可以创造各种地域特点的环境气息，如：有农家气息的山区、嘈杂的大都市、幽静的农家大院、城市中的高楼豪宅等等。
三、塑造人物的外观形象
剧中的人物，在舞台上可以由灯光在不同的环境和不同的情节中，给这个剧中的人物塑造出身处特定情节中的特定的光照形象，使此形象的`外观融入到特定到环境之中，特定的情景之中，特定的人物之中，投掷于观众的视觉之中，嵌入于观众的感觉之中，如：一对情意绵绵的恋人，一个天真无暇的少女，一个刚毅的战士，一个浓妆艳丽的少妇，一个朴实无华的青年，一个饱经风霜的老者，一个不修边幅的青年，一个满腹经纶的知识分子等等。这些千面人，万人型的形象，除了由服饰对一个演员包装以外，当然还要由灯光在外观上的塑造，就更能活生生地展现在观众的眼里。
四、揭示人物的心理变化
舞台上，演员的表演是按剧本的揭示来展现的。剧中人物的特点形象是靠演员的讲话、表情、动作来表达的，而灯光可以根据剧本中特定人物的心理变化，协助演员进行表演，把剧中人物的心理变化，用灯光特有的表现手段，展示于演员的外观上，协助演员把剧中的人物情感、心理变化表现得更透彻，更外观化。如剧中人物的喜悦、痛苦、惆怅、伤感、愤怒、胆怯、疯狂、凶狠、慈祥等等。
以上，只是灯光对舞台上主要功能的阐述。由此可见，灯光在舞台上却是功能不小，那么，灯光是以什么手段来创造这些功能呢?它是灵活运用了各种特性的灯具。是灯光设计师所设定灯具装置的部位和设定的数量，是灯光的各种角度，是灯光的各种色彩，是灯光的各种明暗程度和它们的变化，即：灯具装置部位的变化，灯的角度变化，光的色彩变化，灯光的明暗变化，及所有这些互相连接和运用，还有灯光的控制设备所提供的各种功能，更重要的是灯光设计师的创造想象能力和对灯具设备的灵活运用。
人们常说：灯光在舞台演出中开始说话了。这并不确切，应该是灯光在帮助景在展现，帮助剧中人物在说话，协助剧本向观众诉说着引人入胜的故事。
舞台灯光的艺术价值探析 篇3
关键词：舞台灯光,艺术价值,审美价值
有人说:“灯光是舞台艺术的灵光和灵魂。”这话很对。的确,灯光对整个剧目的外包装,会起到很大作用,产生巨大的形式美艺术效应。
我们看到,许多舞台艺术,尤其是“大制作”,灯光在其中发挥了神奇美妙、变幻无穷的巨大作用。在这方面,最成功的例证,我认为就是京剧《大唐贵妃》的灯光设计,全剧共分唐宫、马嵬坡、仙境等不同时空,在布景、服装、道具等几乎不变的情况下,全靠灯光的色彩与强弱、角度的变化来完成不同戏剧环境创造、渲染不同戏剧气氛的艺术任务,
一、舞台灯光师要具备的艺术修养
近些年来,灯光设备发展迅速,出现了很多变化,舞台灯光营造的舞台场景也呈现了多种多样的形式。灯光营造的舞台场景氛围多样,可以充满神秘的色彩,还可以让观众一目了然。灯光配合着演员的表演,能够让观众在时间和空间上更加深刻地了解故事发展的背景。观众在舞台灯光的营造下,在特定的环境中就能够感觉到时间好像回到了那一刻。
舞台灯光设计是每位舞台灯光师的必修课程。首先,舞台灯光设计师必须具备专业的电工知识,对于表演过程中突发的灯光状况应该快速准确地处理,在演出开始之前需要对演出所用灯光设备的型号、个数等了如指掌,对舞台演出中的灯光费用做好预算,这样才能为演出成功打下基础。其次,在舞台演出过程中,灯光的色泽、强弱等条件对演员及观众都具有强烈的暗示作用,冷光暗示着凄凉,而热光暗示着团结、和谐,因此灯光设计师应该熟练掌握演出节目的剧情,巧妙地利用灯光效果展现出节目的层次感,采用合适的灯光及时渲染舞台氛围。带动观众的情趣。最后,在演出过程中,优秀的灯光设计师可以准确地利用各个角度发射的光源及时调整整个舞台演出效果。例如在主持人登场的时候,灯光设计师应该采用天排灯和地排灯从舞台各个角度表现主持人的外貌等特征,为了渲染演出刚开始主持人激动喜悦的心情,灯光设计师可以采用不定向的软光灯发散到舞台的角落,而采用相对集中的硬光投射在主持人身上,这样对舞台效果有着极大的改善作用。
二、舞台灯光设计手段
在舞台表演过程中要对舞台灯光进行合理和科学的规划设计,在设计时会充分考虑到人物的造型,以及人物形象等因素。因为舞台灯光会对人物及舞台环境起着衬托和渲染的作用,进而让观众更为深刻地理解剧中人物的形象。舞台灯光可以通过与人物紧密结合的方式来表现整场戏的情节、服装造型、气氛等。舞台灯光是舞台艺术的表现手段,是舞台表演中的重要组成部分。舞台灯光主要是借助灯光自然美的性质,让不同色彩的灯光互相融合、交织,从而帮助营造良好的艺术形式。并且,使用不同色调的灯光能够让舞台效果呈现出明暗、冷暖的变化,能够让人们的思想感情随着剧情的变化而变化,通常在明亮的灯光中观众的情绪比较明朗,在昏暗的灯光中观众的情绪就会悲伤。因此通常为了营造悲伤低沉的氛围,舞台灯光师就会让灯光的色彩更加低沉。灯光还代表着不同的感情,绿色代表着平静、蓝色表明忧郁、红色代表着激情、白色象征着圣洁。所以舞台灯光的设计师,要根据舞台表演的个性及剧情的要求,调整色彩和色调,营造想象的空间,让观众能够感受到舞台灯光营造的艺术魅力。艺术通过意境来表达,而意境的表达形式则是灯光。
三、渲染舞台气氛
舞台灯光还可以渲染艺术氛围,舞台灯光中的颜色如同魔术色彩一般,搭配得当则会产生化学变化从而为观众带来视觉奇迹。舞台灯光可以借助交替变换的方式引起人们的审美体验,从而烘托剧情,渲染气氛。如绿色是朝气蓬勃的颜色,它代表着希望、新生、朝气。在绿色的感染下会给观众带来心理暗示,让人感觉仿佛回到了大自然,是一种积极乐观心态的暗示。不同的光色会产生不同的效果,光与色是舞台灯光创造艺术效果、营造艺术氛围最重要的手段,所以工作人员需要充分发挥舞台灯光的作用。舞台灯光师一般会选择暖色调的黄色来突出秋天的气氛,并且会通过落叶枫红的灯光手法来进行呈现,而且会根据具体的演出情况以及演出需要,利用光源的颜色在表演过程中制造出时空的效果,从而营造出浓厚的表演艺术氛围。不同的灯光会带给人们不同的感受,同时不同的灯光效果也会营造不同的艺术表演氛围,所以需要我们结合社会的要求不断更新自身的舞台灯光设计技能,为观众呈现无与伦比的艺术盛宴。没有恰当的灯光,舞台将变成一片混乱;没有好的灯光,再好的布景、服装、化妆、道具、效果,也很难展现其特有的艺术魅力。物色在光色的作用下,会产生神奇的变异,例如蓝物色投以橙色光,会变灰暗,而投以黄光色则会变绿。因此,灯光设计师的基本功就是会“配色”。在这方面,成功的例证也很多。如哈尔滨话剧院演出的话剧《夜幕下的哈尔滨》第三场有著名的马迭尔宾馆的布景,为衬托这个哥特式建筑金壁辉煌的风格,布景采用金黄色色调,灯光也配以饱和的黄、金黄、白的色调,造成闪光亮丽的艺术效果,成为光景配合的典范之作。
四、舞台灯光与科技的结合
长期以来,舞台灯光对于舞台艺术的重要作用都是相当直接的。而在科技不断发展和人们生活水平不断提高的影响下,现代舞台灯光艺术与科技结合运用的重要作用也日渐体现出来。通过舞台灯光艺术和科技的结合运用,灯光艺术对于灯光技术的指导性更强,观众对于舞台剧的表演艺术能够看得更加清晰,对于舞台剧的兴趣也就愈发浓厚。灯光艺术和科技一旦结合,灯光技术方式和灯光艺术就能够淋漓尽致地反映到灯光技术中,完成舞台艺术灯光艺术手段的新的构思。同样,舞台剧中舞台灯光与3D投影特技相结合也能实现舞台剧的随心所欲表演。这主要是依赖于计算机的3D技术能够实现仿真现实和超越现实的事物构建,即舞台灯光与3D投影特技相互结合,构建一个特有的动态世界和空间画面。所以,当舞台灯光布景完成以后,3D投影特技技术能够通过计算机将光和景的关系重新进行科学表现。最终,3D投影特技就能在原有舞台灯光的基础之上实现光的组合、移动和变化,大大增加舞台灯光艺术的控制性和塑造性。最终,将舞台空间创造力和想象力彰显出来。
漫谈舞台美术设计的艺术形式 篇4
摘
要：舞台美术是戏剧及其他演出艺术中除表演以外的各种造型因素的统称。包括化装、服装、道具、布景和灯光。舞美设计关系到艺术与科学的方方面面，称得上是千头万绪。而其主要之点，根据舞美设计的艺术观察与理性思考，主要有几大关系。本文试做分析。
关键词：舞台美术;真实性;时代性
中图分类号：J813
文献标识码：A
文章编号：1005-5312（2015）27-0039-01
舞美属于美术范畴，它包括绘画、雕塑、摄影、书法、装饰艺术、造型艺术等各美术门类。此外，它还包括声音艺术（音响效果）。而舞台艺术又是一种大综合，一方面，它包括戏剧、曲艺、音乐、舞蹈、杂技、魔术等各艺术形式;另一方面，它又包括文学（剧本）、音乐、舞蹈、美术等各艺术门类。舞台艺术具有艺术真实性，美术也具有艺术真实性，因此舞台美术便具有这两者共有的艺术真实性。这种双重的艺术真实性，便是舞美设计的重要美学原则之一。
一、舞美设计的真实性
艺术真实来源于生活真实，但又不等同于生活真实，它比生活真实更高、更集中、更美。舞美设计强调艺术真实性，一方面要避免纯生活真实的自然主义倾向，乱搞堆砌与拼凑，不得要领，毫无主旨;另一方面要避免完全脱离生活真实的天马行空、花里胡梢。这两种错误倾向实际上都是存在的，我们看到，有些舞美设计，强调“绝对真实”，真驴上台，甚至放电影强化布景之“真”，流入自然主义泥潭;另有些舞美设计，以“大制作”为名，光怪陆离，乌七八糟，追求所谓“亦梦亦幻”和“雷霆震撼”，全无半点真实性可言，令观众大为反感。这两种错误倾向都应努力克服。
二、舞美设计的典型性
典型性是艺术真实性的升华与提高，也是艺术真实性的最佳体现。德国大作家歌德说过：“光从相反的两个方向射来，这当然是牵强歪曲，你可以说，这是违反自然。不过尽管这是违反自然，我还是要说它高于自然，要说这是大画师的大胆手笔，他用这种天才的方式向世人显示：艺术并不完全服从自然界的必然之理，而是有它自己的规律。”①
在我国的美学原则中，写意、传神历来是民族特色的主流，绘画中的国画，讲的是“散点透视”而不是西方油画的“焦点透视”，光线也不是一个方向或两个方面，而是多个方向，大有“无处不光”之感。
在这种民族美学原则的指导下，虚拟、夸张、象征、装饰等等手法，被广泛应用。这一切，在舞美设计中也得以充分展现。
三、舞美设计的时代性
任何艺术都要与时俱进，适应时代，舞台美术也并不例外。不要说旧戏曲的一桌二椅早已过时，就连“纯写实”的话剧舞美也显陈旧。21世纪布景的现代化、服装的时尚化、灯光的科技化，20世纪20年代兴起的构成主义舞台设计，则用各种平台、阶梯、斜坡等构件，使舞台成为供演员“弹奏”的“键盘”。而在一般比较写实的演出中，空间结构则同对于动作的物质环境的具体描写结合在一起了。现代舞台设计对于空间的组织已不局限于演员与舞台、演员与演员之间，也对演员与观众的空间关系作出种种新的处理。空间的组织直接影响到动作的速度、节奏，所以它同时也是对动作时间的组织。在这方面灯光能起很大的作用，灯光不提供实物，但它可以切割空间，可以突显或隐没实物，可以用它的流动性加强演出的节奏感。
动作的空间具有双重性：既是演员献技的场所，又是演员所装扮的剧中人物生存、行动的环境。因此，舞台美术对于动作空间的组织，除了具有上述的帮助演员完成动作的实用性能之外，还有或多或少地描绘剧中人物生活环境的意义。正是后一种意义，决定了舞台上的实物布置不可能是纯抽象的，它们总在某种程度上带有具象性、描绘性。中国古典戏曲基本上靠演员的唱做来描写环境，但桌椅的摆列形式，桌围椅披的色彩和花纹，以及烛台、大帐、水旗、布城等道具，也多少起着暗示环境的作用。
舞美设计风格的多样化。从当今我国舞美设计的现状来看，已融民族写意性、西方写实性以及各种现代派艺术风格为一体，形成多元化的大格局。这就要求舞美设计者广收博采，具有广博的知识与多方面的技能。一方面，舞美包括布景、服装、道具、化妆、灯光、音响、效果等多种艺术元素，既有视觉艺术，又有听觉艺术，既有造型艺术，又有非造型艺术;另一方面，舞台美术设计包括对戏剧、曲艺、音乐、舞蹈、杂技、魔术等各种舞台艺术的舞美设计，由于其构成艺术品种的多元化，也便决定了舞美设计的多样化。对于舞美设计者来说，必须成为通才型、复合型人才，成为“多面手”，才能胜任舞美设计工作。当今，各种高科技已进入舞台美术领域，并成为舞美设计的重要艺术手段与技术手段。例如电脑绘画、投影技术、影视与录音录像技术的运用、现代高度机械化的大转台、升降台等等，真是应有尽有，美不胜收。舞美设计者不再只是一名艺术家，而同时又必须是一名电脑专家。这样的实例比比皆是，如最近的舞蹈精品《千手观音》的舞美设计，服装与头饰的金色与布景大金色拱形门浑然一体，再加上电脑灯的运用，营造出一个美妙神奇、辉煌灿烂的艺术意境，有力地提升了舞蹈作品的艺术品格，堪为舞美设计的杰作。
面对舞美设计的现代化，要求舞美设计人员也必须达到现代化水准，既不仅有丰富深厚的舞美设计知识（软件系统），而且要有精深娴熟的设计技能（硬件系统），并有体现综合能力的创作灵气与悟性。
注释：
论戏曲舞台灯光的艺术处理 篇5
关键词：戏曲,舞台,灯光,艺术
戏曲舞台灯光是戏曲艺术的组成部分,社会在发展人们的审美情趣也在不断提升,这对戏曲舞台工作者来说也是对他们的整体素质、技术水平的一种考验,戏曲舞台工作者必须不断适应新事物,掌握新技术与知识领域来开拓我们的戏曲舞台,戏曲舞台的灯光处理一定要符合戏曲程式化与虚拟化的规律。我个人认为只有充分了解舞台灯光设计的构成要点,熟悉、掌握光、影、色、三者才能充分利用并进行艺术处理。
关于色是舞台灯光的重要表现手段,通过光与色来完成“灯光语汇”功能。光是光线,而灯和光不同,光线的调整远远比灯更重要许多,光的掌握是方位、技巧和光的强弱,让我们来观察周围世界的光影,了解光是如何使世界成为一个立体空间,让事物以一定形状和层次展现在我们面前的。戏曲舞台“灯光语汇”是向演员表达情感寓意,在观众心中产生“无声胜有声”的舞台效果,再通过调整灯光角度与颜色来改变人的视觉效果;光色的选择要从时间、空间、光源、布景、道具、服装、化妆等各个角度来选择。包括情节及人物心理变化来选择、来创造梦幻、神秘等新现象、新意境。光与色的表现手段有一定的规律性,那就是——光色相加与物色相减。
灯光在现代戏曲中与成为不可缺少的艺术展现部分,灯光艺术在空间层次、色彩调子、时间及特殊规定情境中处理的不同所达到的艺术效果也截然不同。灯光在戏曲中的作用表现在“照明形体”、“渲染气氛”、“增强节奏”、“创造特效”等方面。一个好的灯光操控者,能在操作过程中更完美的体现出图纸上体现不出来的灯光艺术效果,出色的体现出设计师的真正意图,操作者要按剧情的变化要求准确的掌握灯光转换的速度,明暗的准确度,要做到降光降到音乐中、收光收到节奏中、亮度开到浓淡中、色彩选到着色中,使其达到完美的配合效果。
灯光设计师在进行艺术处理时一是要研究布景,了解人物与景的关系,二是研究表演时了解人物造型服装的搭配,通过对人物故事情节的掌握,根据剧情时空关系、气氛变化等因素进行综合思考来决定灯光的处理变化。
灯光的艺术的艺术特点最重要的是气氛和细腻之处,灯光跳得不好气氛就会下降,至于演员演的好不好,则另当别论。除了气氛外还要注重它的细腻之处,它的细腻之处表现在虚、实两面。“虚”就是用灯光使人物或道具能够夸张、变形达到应有的舞台效果。“实”就是根据剧情,用光达到自然的效果,给人以视觉上的美感享受。灯光要根据剧情发展变化使用。从而配合演员一道随剧情达到应有的规定情境,并且在舞台上呈现出良好的艺术效果,给观众以视觉的空间感觉,使观众与演员同时进入剧情之中,在舞台上为演员与观众的心里共鸣创造一个合适空间。除此之外空间的节奏处理也格外重要,即再有限的舞台空间里表现剧本所需要的无限空间,乃至场次转换时利用灯光明暗起伏、画面光比、色彩变化等诸多手段表现流动画面的空间效果。
灯光是舞台唯一表现“动态”的因素,因此它与表演的协同最强、最直接。灯光与音乐、音响相互之间必须和谐一致,在戏曲舞台上灯光的巧妙处理,充分表现了演员程式与虚拟化的表演体系,又合乎逻辑的体现了景物以时空的气氛,同时还体现了戏曲虚实结合的写意手法,具若有若无的审美特点,在戏曲中《三岔口》灯光处理完全用的是白光,在这里要比设计一个伸手不见五指的舞台效果要好得多,它是一种意境美;如《乾坤带》这类戏的特点是富丽堂皇,服装、头饰精美,珠光宝气,这种戏的灯光处理多用于白光居多,这里用的白光是具有传统文化意蕴的舞台艺术,它表现了一种古装戏曲的形式美;又如当今戏曲舞台上,在现代戏和新编大型历史题材剧目中的演出中,运用的灯光处理,使剧目在现场演出气氛中,突出人物中都起到点石成金的作用。
灯光设计者要开动脑筋、活跃思维,不能以常人的眼光看待问题,每一处小细节、位置、色彩,都要根据剧情仔细研磨,要多和其他设计与导演多沟通、多交流,寻找出灯光的艺术处理感觉,在舞台上创造色彩与魅力生动的新世界,赋予作品生命力。舞台灯光设计师是灯光艺术、视觉艺术的处理者,应该说是用光在作画、用光在讲故事、用光让观众感受不同的幸福、忧伤和快乐。
舞台灯光的艺术功能 篇6
一、舞台灯光在舞台表演中的艺术效果
(一)创设艺术美的氛围
舞台灯光是舞台艺术的表现,是舞台表演中的重要组成。舞台灯光主要是使用灯光自然美的性质,让不同色彩的灯光互相融合、交织,从而帮助营造良好的艺术形式。并且,使用不同色调的灯光能够让舞台效果呈现出明暗、冷暖的变化,和舞台上演员的表演相得益彰。同时,舞台上的灯光能够让人们的思想感情产生变化,通常在明亮的灯光中观众的情绪比较明朗,在昏暗的灯光中观众的情绪就会悲伤。因此通常为了营造悲伤低沉的氛围,舞台灯光师就会让灯光的色彩更加低沉。灯光还代表着不同的感情,绿色代表着平静、蓝色表明忧郁、红色代表着激情、白色象征着圣洁。在舞台表演中,灯光会突然之间全部灭掉,让观众产生紧张的情绪。所以舞台灯光的设计师,要根据舞台表演的个性,调整色彩和色调,营造想象的空间,让观众能够感受到舞台灯光营造的艺术魅力。
(二)营造舞台美的意境
艺术通过意境来表达,而意境的表达形式则是灯光。近些年来,灯光设备发展迅速,出现了很多变化,舞台灯光营造的舞台场景也呈现了多种多样的形式。灯光营造的舞台场景氛围多样,可以充满神秘的色彩,还可以让观众一目了然。灯光配合着观众的表演,能够让观众在时间和空间上更加深刻地了解故事发展的背景。观众在舞台灯光的营造下,在特定的环境中就能够感觉到时间好像回到了那一刻。
二、舞台灯光在舞台表演中的作用
(一)帮助观众了解舞台布局
舞台灯光的首要目的就是照明,观众在灯光的指引下,能够对舞台上发生的事情一目了然。通过舞台灯光的设计,演员的表演能够在场景的映照中得到展示。在实际的舞台灯光使用中,有的舞台灯光师为了达到良好的艺术效果,追求舞台灯光的形式多样,忽略了灯光的辅助作用。舞台灯光在进行设计的过程中,要和场景布置、灯光和色彩的配置进行协调统一。观众最希望能够在灯光的指引下就可以看到良好的舞台表演。
(二)实现空间和时间的转变
舞台灯光通过色彩、影像、灯光的转换,可以实现舞台表演空间和时间的变化。灯光师通过灯光强度和色彩的变化,就能够让灯光随着故事情节的发展,将舞台的时间变化展示出来。作为重要的艺术元素,舞台灯光具有强烈的视觉效果,能够实现舞台表演空间和时间转换的连续性。
(三)实现色、影、光的统一
舞台灯光设计和舞台的布景、音乐、演出相互协调,让色、影、光能够协调统一。舞台灯光师通过对节奏的把握和理解、音乐基调的控制,能够实现对舞台灯光的合理设置。在进行舞台灯光设计中,要根据音乐的实际要求,选择合适的灯光,让灯光更好地为舞台表演服务,提升整体的舞台表演效果。
(四)塑造舞台人物的形象
现在的舞台灯光已经不仅仅是为了照明使用,更加倾向于舞台效果的设计。合适的舞台灯光有助于塑造人物的形象,将人物内心的矛盾和感情更顺畅地展示出来。舞台灯光配合着舞台表演,能够让故事情节更加真实,让观众投入到表演中去,更好地感受到舞台表演的主题。表演者要和舞台的音乐以及灯光协调配合,在整体效果下表演人物的感情。在进行表演转换的时候,通过合理的灯光设计能够让表演者更加从容地实现舞台表演的过渡,让观众顺畅地进行思维的转换,更好地体会舞台表演的效果。
(五)渲染舞台的氛围
舞台灯光的合理应用,能够让观众的情绪随着表演变化,尤其是在故事的高潮阶段,使用合适的舞台灯光,能够让观众的注意力都集中在舞台表演中。观众在灯光和音响的配合下,可以深入体会角色的含义,增加感情的共鸣。
舞台灯光在舞台表演中发挥着重要的作用,舞台灯光师营造良好的灯光氛围,能够让观众的视线集中在舞台表演中,随着情节的发展产生心灵的共鸣,提升舞台表演效果。
摘要：舞台灯光在舞台表演中发挥着重要的作用,直接关系到舞台表演的顺利进行。舞台灯光运用技术手段和灯光设备,使用光色的变化渲染气氛,突出人物所处的环境,从而营造良好的时间感和空间感。舞台灯光要营造良好的情境,和音乐以及其他的因素协调配合,为舞蹈演员的表演创设良好的氛围。
舞台灯光的艺术功能 篇7
一、舞台灯光对作品艺术情感的塑造来自于舞台空间的表演
在舞台上, “一件物体只有通过光的作用才会从而提高自己的艺术修养, 在人们视觉中变得具有艺术性”, 在舞台上, 好的灯光必须能表现出作品所需要的艺术价值, 才能满足当代观众的审美需要。舞台上, “在舞台空间, 只有在光影、光色的对比之中, 才能使那些抽象形体显得具有强烈的造型力度和艺术情调”, 从而将舞台艺术感提升到情景交融的高度, 让演员能够借助舞台灯光在舞台空间中的表演更贴合作品艺术情感的表现。
二、舞台灯光对作品艺术情感的把握来源于对文学作品的理解
对于舞台技术工作, 怎样才能提高艺术修养, 并运用到从而提高自己的艺术修养, 学习和把握舞台灯光艺术中, 从而提高自己的艺术修养, 使自己能够更接近创作者的思考方式, 创造出充满艺术情感的舞台技术作品?笔者认为, 首先应该通过对文学作品的学习去提高自己。文学创作是作者根据生活中的从而提高自己的艺术修养, 审美体验, 通过艺术的加工改造, 以语言为材料来传达信息使读者产生共鸣, 舞台灯光设计者如果能理解文学作者的创作思路和创作方式, 并在舞台实践中予以借鉴, 就能够提高对舞台作品的艺术表现力, 提高自身舞台作品的创作能力。文学中寄托了作者的情感和审美体验, 并通过艺术的创作方法将情感和审美体验传达给读者, 这种将情感和审美体验转化作视觉画面的创作方法, 值得灯光设计者理解和体悟。特别是在与舞台结合密切的戏剧文学中, 它必须通过演出, 才能体现出它的所有价值。因为有舞台演出空间等诸多条件的制约, 剧本的创作必须符合舞台艺术的要求。为突出舞台性, 戏剧文学中所有的时间、场景、人物等均高度集中, 作品角色都具有的强烈的外现的内心动作和外部动作, 和口语化、个性化、动作化的简洁精炼、通俗易懂的台词等诸多特点为舞台技术人员领悟戏剧文学的艺术情感提供了很好的渠道, 在诸如此类的文学要素上也为舞台灯光设计者提供了众多切入点, 舞台技术人员可以通过这些切入点, 进行相应的灯光设计, 以便能更容易创造出符合整个戏剧的舞台气氛, 把舞台场景和戏剧发展中的艺术情感充分结合并表达出来。另外, 还可以通过对艺术作品的学习去寻找灵感。
如此以来, 舞台灯光设计者通过对文学作品的学习和理解, 就可以通过作品中相关切入点去设计完美的符合舞台作品的灯光场景, 引导观众理解作品, 烘托舞台视觉效果。通过这样的舞台实践, 舞台灯光设计者就会慢慢掌握以原创作者的内心观念为主导来抒发艺术情感, 来进行舞台作品艺术情感的再创造, 创造出充满艺术情感的舞台作品, 从而达到自己能力的提高。
三、情景交融的效果是舞台灯光对作品的艺术情感最高追求
“情景交融”的效果, 是指舞台艺术作品中所抒发的艺术情感与舞台灯光、场景等渲染的气氛能够有机地结合, 达到浑然一体的艺术效果, 紧密而如水乳交融。要想达到这样的效果, 就要求灯光设计者首先理解透原作者在作品中所表达的艺术情感, 同时能够站在读者和观众的角度上去了解剧中每个场景应该表达的情绪和思想, 对每个视觉场景画面都要进行必要的构思和再创造。文学作品往往通过寓情于景和借景抒情等手法, 用对景物的语言描写把人物的思想感情抒发给读者, 让读者通过想象达到与作品的共鸣。把作品搬到舞台上, 就要通过场景设计, 科学的运用灯光变化, 尽量营造符合原作的意境, 让观众通过对舞台物象的视觉感知和经过大脑加工, 而产生艺术感觉, 达到与理解作者所表达的思想感情。这就要求舞台技术人员在设计过程中时刻站在观众的角度上, 在掌握原作者所表达的艺术情感的基础上, 深入到舞台人物的内心深处, 同时加入自己的理解和创作, 完成对舞台意境的营造, 使舞台效果达到情景交融, 从而完成与观众的思想交流, 达到感情的共鸣。
在成为舞台作品之前, 艺术作品是直观的, 有些还是片段的, 但作者将自己的审美体验和思想情感寄托于作品之中, 能够使读者在观后产生共鸣、产生阅读和理解的兴趣;并通过深入阅读和理解作品所蕴含的的艺术情感, 产生相应的视觉意象。前苏联著名作家肖洛霍夫的长篇小说《静静的顿河》在描写女主人公被子弹击中死去时, 痛苦的葛里高利埋葬了爱人后时, 抬头看到的是黑沉沉的天空和一轮“闪着黑色光芒的太阳”。此处描写的太阳显然是不符合朝阳的特点, 但却十分合适。此时此刻, 男主人公因为失去爱人而内心内心极度沉痛和颓废, 反应到视觉上就造成了错觉, 黑沉沉的天空和“闪着黑色光芒的太阳”是葛里高利沉痛到极点的心情渗透到眼中所见的太阳即景中的结果, 视线中漆黑一片的景色符合当时情感的体现。然而对于灯光设计者来说, 在具体表现“闪着黑色光芒太阳”这一场景时, 是不大可能在舞台呈现出闪着黑色光芒的太阳的, 然而此处却是整个作品的高潮, 必须要予以体现, 如果仅是选择将光比压暗来体现黑色的话, 会减弱整个场景的冲击力, 也难以表现出作者想传达的意境。此时, 理解男主人公内在的情感就显得尤为重要, 为此, 只要在最终呈现的灯光场景中能完整的表达葛里高利痛苦、丧失了全部希望的心情就是原作精神的舞台灯光设计。
总之, 舞台灯光在艺术情感方面的的设计理念应该是深入理解原作所传达的主题思想, 进入到舞台人物的内心深处, 站在剧中角色的角度安排舞台场景和灯光, 赋予舞台完美的情感色彩和空间气氛。按照这一观念进行的舞台灯光设计就不再是直观地表现自然幻觉而是进入‘心境’的描写, 就能够创造出一种情景交融的合乎作品艺术情感的最佳舞台效果。”
摘要：舞台技术人员怎样才能提高艺术修养, 掌握舞台场景和灯光的创作理念, 营造出情景交融的合乎作品艺术情感的最佳舞台效果。本文将对舞台灯光在艺术情感方面的创作理念做一详细阐述。
关键词：舞台灯光,艺术情感,创作理念
参考文献
[1]王宇钢.充满活力的舞台灯光.解放军艺术学院学报, 2012, 4:87~88.
谈舞台美术的功能及其特性 篇8
因此, 舞台美术设计者首先要熟悉剧本提供的戏剧情境, 然后才能按照戏剧风格与导演风格加之自己的风格, 去构造舞台环境, 即舞台美术。
戏剧理论家一再提醒我们注意“戏剧情境”, 可见“戏剧情境”对舞台美术何等重要。
戏剧情境是构成戏剧作品的重要因素。它涵盖了戏剧作品中所表现的人和事, 具体可分为剧中人物活动的时空环境, 对人物发生着影响的具体事件, 以及人物之间有定性的相互关系等三要素。
现代戏剧理论更看重情境的作用, 认为戏剧是对人类真实行为最具体的艺术模仿, 是人们用以想象人的各种情况的具体的形式;剧院就是检验人类在各种特定情境下的行为的实验室。存在主义戏剧家萨特则强调:“情境在我们的心目中是重于一切的。”他提倡“情境剧”, 他的剧作中大多以人物在情境中的“选择”为基本内容。
因此, 舞美人员要懂舞台、懂戏。这是画家和舞台美术创作的根本区别。舞台美术设计要受到许多限制。首先是剧本的限制:剧本叙述的什么故事, 发生在哪个时代, 什么地点, 受所表现的人物性格、思想感情、矛盾冲突这些规定情景的限制。舞台空间的限制;舞台是个有限的空间, 局限着创作者对表现无限空间的想像;还有导演要求的限制:导演是演出的灵魂人物、组织者, 一切创作都要围绕导演的意图、构思的路线进行。所有的限制, 说穿了, 都是人物活动的时空环境的限制。
人物活动的时空环境, 可以包括地点、场合、时间等内容。
在生活中, 环境对于人的心理是极有影响的。戏剧创作就抓住这一点, 通过环境的影响力乃至压迫力, 让人物极有特色的个性行为鲜明地显现出来。
具体的活动场合, 对人的行为心理的影响常常是直接而又微妙的。
戏曲剧作从来是注重剧情环境选择的。古代与近代的大“长亭送别”, 明清传奇《牡丹亭》中的“游园惊梦”等等, 其环境对人物心理的影响和压迫, 都达到了最佳效果, 而人物的情感宣泄, 又反过来勾画出了环境的奇妙。
元杂剧《西厢记》中“长亭送别”:
(旦云) 今日送张生上朝取应, 早是离人伤感, 况值那暮秋天气, 好烦恼人也啊!悲欢聚散一杯酒, 南北东西万里程。
[正宫][端正好]碧云天, 黄花地, 西风紧, 北雁南飞。晓来谁染霜林醉?总是离人泪。
[滚绣球]恨相见得迟, 怨归去得疾。柳丝长玉骢难系, 恨不得倩疏林挂住斜晖。马儿迍迍的行, 车儿快快的随, 却告了相思回避, 破题儿又早别离。听得道一声“去也”, 松了金钏;遥望见十里长亭, 减了玉肌。此恨谁知!
暮秋的清晨, 霜叶红醉, 大雁南迁;天上有碧云、飞雁, 地上是西风、黄花, 远望霜林如血, 近看车马待发。这一切环境的景象, 触目惊心, 使人物沉重的心情更为沉重。
这就是这场戏的特定情境, 舞美设计师捉住了这个“情境”, 就勾勒出了舞台时空的草图。
明代传奇《牡丹亭》中“游园惊梦”:
[绕地游] (旦上) 梦回莺啭, 乱煞年光遍。人立小庭深院。
[皂罗袍]原来姹紫嫣红开遍, 似这般都付与断井颓垣。良辰美景奈何天, 赏心乐事谁家院。恁般景致, 我老爷和奶奶再不提起。 (合) 朝飞暮卷, 云霞翠轩, 雨丝风片, 烟波画船。锦屏人忒看的这韶光贱。 (贴) 是花都放了, 那牡丹还早。
[好姐姐] (旦) 遍青山啼红了杜鹃, 荼蘼外烟丝醉软。春香啊。牡丹虽好, 他春归怎占的先。 (贴) 成对儿莺燕啊。 (合) 闲凝盼, 生生燕语明如剪, 呖呖莺歌溜的圆。 (旦) 去罢。 (贴) 这园子委是观之不足。 (旦) 提他怎的。 (行介)
[隔尾]观之不足由他缱, 便赏遍了十二亭台是惘然。到不如兴尽回家闲过遣。
如此良辰美景与杜丽娘如此闷心愁意构成天人互悖的特定情境, 真个是风景越美心情越坏!这等“特定情境”与舞美的“舞台环境”何等相似!
总之, 舞台美术创作要源于生活, 但又需以剧中人物、事件和规定情景为依据, 并须与表导演的创作意图相协调。以其特有的形象语言表达剧作的内涵。
灯光音响技术在艺术舞台上的作用 篇9
20世纪年代,舞台演出比较单一,音响设备也比较简陋,音响师担负着仅仅把声音清晰地传送出去的职责,仅仅是运用已有的条件和设备,为演员和乐队营造出一种省劲且不费力的演出环境。但是,随着电视技术的发展和舞台演出条件的改善,舞台艺术的传播方式越来越多地表现为数字化、社会化等形式,其传播范围也不仅仅局限于特定区域的观众和听众的欣赏,而呈现出一种全球化的发展的倾向。
对音响师来说,这就需要在熟练掌握现有设备的情况下,根据演出场地、舞台设施、剧场效果、传播方式的变化,对舞台和设备进行再创造,创作出一种增强舞台表现效果、辅助人物形象塑造、强化舞台音乐造型、烘托空间环境的艺术意境。音响师的职责除了要把声音真实地还原、扩大,还要使声音好听、耐听。这就需要音响师在已有的舞台条件基础上,充分了解导演的意图,正确把握演员个人分格,进行技术化处理,从而营造一个圆润饱满的听觉环境,如音箱的定位、麦克风的选择、调音台的灵活控制运用等。这些看似不经意的技术性问题,放在一台完整的演出中,将承担起导演和演员所不能创造的艺术效果。因此,音响技术同样是一种艺术创作。舞台作为艺术创作的平台,跟音响技术密不可分,音响师在舞台创作阶段的介入是促进整个舞台音响进入到创作程序中的重要一环。因为只有在这个时候介入,才能深入地理解导演的意图,根据所涉及的剧目的类型及环境进行音响的布局设计,并根据人物和环境的需要,在案头工作中做出与之相适应的音响联动效果,使音响成为舞台因素中不可分割的一部分。
近年来,舞台剧本的创作层出不穷,人们纷纷走进剧场,通过面对面的方式,更直接地享受视觉的盛宴。而这种视觉上的冲击,往往更多地要借助舞台音响技术来实现。广东歌舞剧院创作的大型舞剧《风雨红棉》,取材于大革命时代广州起义烈士周文雍、陈铁军“刑场上的婚礼”的故事,以现代人的视角,将革命者形象更人性化地搬上舞台。该剧在舞剧艺术形式上的大胆突破颇具创意,摆脱了过去革命题材拿刀拿枪、打打杀杀的手法,通过形体动作,音乐语言以及优美画面,让观众在欣赏中得到启迪,具有强烈的艺术感染力。看过此剧的人无不认为音乐是一大看点:《序》先声夺人;主题曲《惊世之恋》在歌手的深情演绎中震撼人心;“陶陶居”一幕中高胡的出现等,都将现场观众带入了岭南风格浓郁、音乐绮丽的美妙音海。为了把舞剧音乐恢宏的气势真实地呈现给观众,音响师多次与作曲家沟通交流,了解音乐的创作思想、创作文化及剧中人物的音乐形象,以便纵览全局,层层推进,该剧有几场戏场面非常壮观,音响表现则是重中之重:“雨中“一幕,随着强有力的一声雷响,一场雨景犹如神来之笔)一一在舞台上以真实的水莲出现;大革命失败时雷电交加的环境音效;两位主人公在监狱中,大提琴的低吟;到最后英勇就义时,舞台上漫天飘洒的红棉花瓣,将整个舞剧推向高潮。这一切,都需要音响的合理设计、表现力度与强度,通过强弱高低来烘托气氛,表现了人物的情感轻重和内心世界。再者,对音色的修饰也不容忽视。声音各频段给人耳听觉的影响都是各不相同的,只有抓住被修饰声音的特点,结合声音所产生的环境,才能进行合理准确的调整。如周、陈二人在雨中嬉戏,表现的是一种欢快的情绪,这时的雷声音色应该是透亮、有力的;而在大革命失败时,雷电交加,表现的是一种沉重、愤怒的情绪,这个雷声则要沉闷、结实,要表现出对敌人的仇视与愤慨。由此可见,只有当技术融入到表演实体中,成为舞台表演艺术的有机部分时,它才能成为艺术的元素并为之服务。一个合格的音响技术人员,也正是这样一个技术与艺术的结合体。