服装艺术的发展

服装艺术的发展（共12篇）

服装艺术的发展 篇1

很多人认为艺术与经济是完全两个不同的对立面, 二者如何会有联系?当然, 答案是否定的。艺术与经济不仅有联系, 而且二者的这种关系彼此相互影响着。艺术是一种特殊的艺术形态, 它是属于上层建筑的, 而艺术发展的根本原因就是经济基础和上层建筑的矛盾。在经济基础和上层建筑的关系中, 经济基础决定上层建筑, 那么经济是决定艺术的。同时, 艺术对经济也有积极的反作用, 并且艺术和经济的发展具有不平衡性的关系。根据艺术和经济的这三种关系, 以此来阐述经济发展和服装艺术发展的关系和影响。

经济决定着艺术的发生、发展和性质。那么也可以说, 经济基础决定着艺术的内容和形式。在服装上就表现为, 不同时期的的经济, 会带来不同面料和款式的服装。服装的面料和款式等发展状况, 能够在一定程度上体现经济的好与坏。

经济的发展已然成为服装艺术变更的前提条件, 贯穿于整个服装艺术的发展历程, 也决定了服装艺术的发展趋势。中国古代的服装从某种意义上可以说是以贵族服饰为中心的发展史。发达的经济和开放的政治使人们沉迷于服饰的精美华丽与多样化的风格。在我国古代漫漫的历史长河中, 唐朝曾在政治与经济上一度达到鼎盛状态, 那时女性的服饰材质考究, 装饰繁多, 造型开放, 体现出雍容华贵的着装风格, 甚至到了奢靡, 崇洋的状态, 这就基于当时雄厚的经济基础。到了隋唐时期, 中国统一, 经济更是达到鼎盛, 一片繁华景象, 因此, 服装的发展无论是在面料和款式上, 也出现一片灿烂的景象。

当然, 经济的衰败也会对服装造成影响。例如, 在第一次世界大战期间, 战乱不断, 经济受挫, 对服装的影响就表现在1914年左右霍布尔裙的销声匿迹, 紧身胸衣也逐渐减少, 裙子缩短, 腰身越来越宽松。在这期间, 巴黎的高级时装店几乎都倒闭, 到了1919年出现了新的流行就是宽腰身的直筒型女装, 这款服装表现为:乳房部位有意压平, 腰部放松, 腰线的位置被下移到臀围线附近, 丰满的臀部被束紧, 变得纤细小巧, 头发剪短, 裙子越来越短。服装开始变得简洁、方便和优雅, 消除了服饰上的阶级差异和性别差, 这都是战争过后经济衰败变更所带来的。

艺术对经济发展的积极作用主要表现在三个方面:一是艺术为经济发展提供精神动力;二是优化经济发展环境;三是艺术本身成为经济增长的要素。经济的发展刺激了人们的消费欲望和购买能力, 使服装的需求市场日益扩大, 从而促使了服装设计推陈出新, 新鲜的设计层出不穷。另一方面服装市场的需求也促进了生产水平与科技水平的发展, 工业利用艺术创造的成果成为传播文化的渠道, 新型服装材料的开发以及制作工艺的发展, 大大增强了服装设计的表现活力。

经济的高涨必将导致艺术的繁荣。但是, 经济发展决定艺术的发展不是绝对的, 并不是如影随形、亦步亦趋的绝对平衡关系, 而是复杂、包含差别的关系。在社会发展历史的某些阶段, 艺术的发展与经济的发展并不总是同步, 有时艺术发展得快些, 有时慢些, 有时甚至与经济呈相反方向发展。这就是艺术与经济的不平衡性关系, 表现在三个方面:一是对历史发展不同时代作纵向比较, 艺术与经济的发展具有不平衡性;二是对同一时代不同地区、不同国家作横向比较, 艺术与经济的发展具有不平衡性;三是对艺术内部不同的艺术种类作比较, 艺术与经济的发展有不平衡性。

改革开放以来, 我国的经济发展世人瞩目, 反映在服装上, 我们并没有保守的发展自己的服装, 而是大胆的借鉴当时西方发达国家的服装元素, 以此来增添服装的现代性。此时的中国服装并没有像盛唐时期的服装, 可以超越西方服饰的开放大胆新颖的地步, 所以改革开放的经济发展给我们带来的只是“外来的服装艺术文化”, 服装并没有因为经济的发展而壮大走出自己的风格。但是随着我国经济的强大, 我们的服装也必然会不断的发展壮大, 我们并不需要一味的跟随国外的服装发展趋势走。在经济发展中, 我国走出了中国特色的社会主义发展道路, 相信在服装发展上也一样可以走出有中国独特味道的服装之路。中国自己的服装品牌要有我们自己的文化特色, 并非一味的研究中国特有的传统文化来进行服装设计, 国外很多品牌一直挖掘中国传统文化进行服装设计, 那我们就可以称之为中国的本土服装吗?显然不是, 这并不是具有本土韵味的设计。我们需要的中国独特韵味的服装设计, 能够体现中国人独有的审美情趣和地域文化特征。我们相信, 中国的服装艺术会随着中国的经济发展、地位而逐步强大起来。更何况我们本身就具有着几千年的服装文化历史, 我们有着丰富的宝藏来寻找我们的设计灵感。随着我们创新意识的增强, 中国的服装也会如同“盛世唐朝”时期的服装一样再创辉煌。

经济发展的差异在服装上表现的也十分明显。现如今的中国表现为沿海地区的服装影响着内地, 南方影响着北方, 造成这一现象的主要原因就是经济。服装的发展和经济的发展基本是亦步亦趋的。经济基本已经成了服装发展的主宰力量。

服装作为艺术表现的一种, 自身内部也因为经济的变化受到影响, 一些款式和面料已经消失在服装的舞台。服装的发展与经济的发展有很大关系。一九四九年新中国的成立, 标志着旧的生活方式的结束, 与之相关的一些文化现象也随之消失, 服装则首当其冲。新中国刚刚成立不久, 北京正处于经济发展的起步时期, 工人、农民的政治经济地位有了很大提高, 全市人民正全心地投入经济建设工作中, 这时穿长袍、马褂和西服的人已经很少了, 社会风气变成以朴素为美。50年代到60年代初, 男装以中山装和中山装的发展为主, 如军便装、青年装等。女装以列宁装、苏联大花裙等为主。

综上所述, 服装是经济基础和上层建筑的反应, 是政治、经济、文化等社会组成部分的缩影和体现。在当今社会整体大环境下, 艺术与经济日趋一体化, 二者彼此推动带来的社会发展是不容忽视的, 尤其是经济对服装的重大影响, 中国目前只是服装生产大国和消费大国, 并未成为服装贸易强国。如何创造服装带来的附加值, 是值得我们深思和考虑的。随着我国经济的快速发展, 我相信中国服装艺术也会强大起来, 走出自己独特的韵味, 并形成自己风格的服装艺术。

摘要：艺术与经济是相互影响的, 笔者提出了艺术与经济的三种关系, 以此来阐述经济发展对服装艺术的影响。

关键词：艺术,经济,服装艺术

服装艺术的发展 篇2

我国现代服装设计对民族元素的传承和发展

我国是多民族国家，56 个民族交相辉映，民族文化共同繁荣发展，而现代服装设计对民族元素的运用也呼应了我国发展多样的民族文化的特色，民族文化是一个国家历史和文明的体现。民族传统元素不仅是我国艺术文化的精华，民族元素在我国现代服装设计中发挥重要的作用，如，在现代服装设计中，中式面料、中式剪裁、民族色彩、民族图案（龙图腾、飞天图腾、凤凰图腾、麒麟图腾等传统吉祥图案等等）的运用。

在 年春夏中国国际时装周上，NE?TIGER 服装品牌为全世界带来了一阵高级定制的中国风，本系列在民族元素的运用上，大胆张扬，在传承的基础上实现了创新。在本系列的设计上，整体的服装风格是以我国旗袍的样式为主，在细节设计中，又大胆地进行创新设计，例如，旗袍的下摆运用多层的鱼尾裙设计元素，做出惊艳的效果；服装的面料采用天鹅绒进行镂空设计；在西式的礼服款式上，加入敦煌飞天图案等。

我国现代服装设计对民族元素的运用，体现了一个国家民族文化的象征，这正是我国现代服装设计的魅力所在，这使我国的现代服装设计可以走向国际，彰显中华民族服装设计的独特魅力。现代服装设计的艺术魅力远远超出了我们的想象，它不仅形成独具一格的个性，还形成一种对文化积淀的美。

现代服装设计工艺与传统工艺的结合

现代服装设计不仅采用新的设计工艺，如印花、激光切割工艺等，同时也大量的运用民间传统工艺，例如，刺绣工艺、云锦工艺等。我国的云锦工艺是服装工艺艺术一枝独秀，云锦的诞生于苏州，它是苏州缂丝衍生出来的附属品。云锦工艺用老式的提花木机织造，这种工艺至今无法用机器替代，必须由提花工和织造工两人配合完成，两个人一天只能生产 5- 6 厘米，其主要特点是逐花异色，从云锦的不同角度观察，绣品上花卉的色彩是变化多样。在古代，云锦仅仅被用于皇家服饰，用料考究、不惜工本、精益求精。云锦这一历史文化悠久的民间传统手工艺与现代社会以及文化时尚紧密结合，赋予了现代服装设计新的活力和应用价值。

民间服饰工艺运用到现代服装设计中，丰富了现代服装设计的形式，传统工艺制造出来的服饰一针一线都体现传统工艺的高超技艺。随着现代科技的发展，传统手工工艺逐渐走向衰败，高科技大批量的机械生产工艺取代了一部分传统服装手工工艺，但传统工艺无法全部用机器所替代，机器只能模仿手工工艺的制作方式，从实现结果来看，手工工艺的生动性机器生产是无法替代的。从某种程度上说，也挽救了这些传统服装手工工艺，推动了我国民间手工工艺的发展。例如，现代服装设计对民间传统工艺的.运用，使得我国现代服装设计的设计形式有别于其他国家的设计制造工艺，在现代服装设计中加入刺绣工艺、扎染工艺，为现代服饰起到画龙点睛的作用。又例如，传统的刺绣工艺无法达到大规模生产的目的，现代的机绣工艺可以实现大规模的刺绣生产。因此，现代服装设计在对我国民间传统工艺的运用上，即起到推广的作用，又为现代服装设计本身增添了色彩。

现代服装设计跟传统服装设计有很大的区别，传统服装设计在设计技术和形式上比较单调，而现代服装设计不仅融合了现代设计技术，也适当地继承了传统手工工艺，并把传统手工工艺做细做精。同时，从很多现代服装设计中，我们都可以找到传统手工工艺的身影，传统手工工艺的运用使服装设计更具有韵味、更有文化、更有价值，把服装刻画的更加生动。

现代服装设计的色彩魅力

色彩体现了现代服装设计的艺术魅力。现代服装设计用色大胆，各种色彩的搭配处理十分完美。现代服装设计注重色彩的搭配方式，搭配方式主要有五大类，分别是：相邻色搭配、互补色搭配、对比色搭配、同色系搭配、无色系搭配。这些色彩搭配原则都是在创新和研究的基础上建立起来的。通过对服装色彩的研究说明，色彩是服装给人的第一直观感受，色彩搭配合理能为服装设计的效果加分，色彩搭配不当可以直接毁了整个服装设计。在现代服装设计对色彩的发展上，出现了专门的色彩研究机构，他们每年或者每个季度发布流行色动向，流行色对于引导服装行业进行服装设计是至关重要的。

现代服装设计丰富多彩，且搭配合理的服饰特点，赢得了消费者的喜爱。色彩可以展现一个人的性格，每个人对色彩的选择不尽相同，色彩从某种程度上同一了一类人或者一类情感，服装的色彩不但可以表现人的特点和个性，还可以折射一个人的心情。例如，穿着大红色服装的人，我们就会联想到他（她）将要参加谁的婚礼；比如参加丧礼时，人们会选择黑色或者白色服饰来表示哀悼之情；穿着色彩艳丽的人，我们认为她（他）性格活泼；穿着色彩灰暗单调的人，我们认为她（他）性格内向。

结语

总之，我国现代服装设计具有较高的艺术魅力，这不仅体现了现代服装设计的精华，在现代设计手段上结合了中西方现代流行的工艺手段、流行色彩和生产模式，同时，在设计工艺和设计元素上传承了我国民族服饰文化之特色，使我国现代服装设计屹立于世界服装文化中，成为最为闪亮的一枝独秀。

服装陈列的艺术设计 篇3

(郑州轻工业学院 艺术设计学院,河南 郑州 450002)

服装陈列的艺术设计

Art design of costume display

□张轶

(郑州轻工业学院 艺术设计学院,河南 郑州 450002)

服装陈列艺术设计应依据服装品牌、流行时尚、季节变化、消费心理等进行,其常用方法有空间错觉陈列、几何线条陈列、场景陈列等。在服装陈列艺术中,应以销售服务为目的,要有陈列的整体意识,并注意日常的陈列维护,使服装陈列设计兼具商业性和艺术性。

服装陈列;艺术性;商业性

服装陈列的概念起源于欧洲,距今有 100多年的历史,现已成为服饰零售业重要的经营手段之一。简单来说,陈列是一种视觉表现手法,是运用各种道具、展示技巧,结合时尚文化及设计定位将产品的特性表现出来;深入而言,它更是一种宣传手法,一种与顾客交流、沟通并最终激起其购买欲望的方式,是一种涉及美学、心理学、空间学、视觉艺术、营销学等多学科知识的综合艺术。

随着人们消费观念的不断改变,人们已逐渐把购物当成一种视觉享受和审美体验的过程。这就要求设计师在进行服装陈列设计时要更加注重美的创造,使服装的视觉审美功能更加突出,以吸引顾客的目光。

当今国际流行的服装陈列艺术形式大致有四类风格：一是美式风格,坦率明快,使用的道具较少,注重空间展示带给顾客的整体视觉感受,色彩偏中性,在统一气氛的基础上把顾客的视线引到商品上;二是法、意式风格,注重多种商品的组合,强调突出时装本身给顾客高贵简洁的视觉享受,追求大胆创新和色彩鲜艳的陈列形式,不太讲究细节的表现;三是英式风格,整体表现比较严谨,注重空间处理,以对称式效果烘托气氛;四是瑞士风格,强调服装产品的线条和细节的特征,注意服装设计和工艺手法表达,同时合理、有章法地搭配饰品。

成功的陈列设计既要服从商业需求,又要兼顾艺术创意。服装陈列的艺术性在于用色彩、造型、道具和整体氛围等具体要素表达服装产品的设计意图和文化理念,最终达到传递服装产品情绪的目的;而服装陈列的商业性,则是在艺术表现的基础上达到体现、宣扬产品价值的效果,这是陈列设计最终的诉求。因此,设计师在进行服装陈列设计时要考虑影响服装美感的因素,结合形式美法则,把不同风格的服装个性和美感用不同的形式区别开来。

一、服装陈列艺术设计的依据

站在服装产业的角度来看,服装陈列必须为其商业目的服务。企业真正关心的是艺术性基础上的商业性陈列。在商业性指导下巧妙地运用艺术手段进行陈列,可以引起顾客注意,传递给顾客更多的商品信息,提高顾客选购商品的主动性。这就需要依据品牌定位、时尚流行、季节变化和消费心理等进行服装陈列。

1.根据服装自身的品牌定位进行陈列

男装店面设计要有自身特点,要显得大气精致,装修装潢要体现出品牌的品位和档次。女装店面设计要简约,以展示产品为主。童装的陈列重点是趣味性,要使整体环境有一种亲切感。如国内男装品牌“庄吉”,卖店陈列用具使用的都是木质高档用具,看起来比较有分量,与其“庄重一生,吉祥一生”的宣传广告相吻合;“真维斯”主要产品是年轻一族的休闲服装,因此在陈列时营造了活跃的气氛,青春气息十足,突出动感、时尚的色彩组合,摆放产品时强调运动休闲的氛围。

2.根据时尚流行进行陈列

服装作为时尚产品是紧跟时尚流行趋势的,根据服装流行趋势的变化,服装陈列应在大风格不变的基础上做出适当的调整,使之与流行趋势相呼应。很多商家把当季的流行色、流行款摆在醒目的位置,让人直接感觉到最前沿的时尚气息,从而暗示消费者：这就是引领时尚的品牌。

3.根据季节变化进行陈列

服装作为一种商品季节性非常强,在服装陈列设计时必须考虑到季节变化和气候冷暖差异。总体来说,要在整个陈列氛围上下工夫,新品上市时,要根据春夏秋冬四季的特点,通过灯光照明、色彩组合、道具摆放、主题海报等手段来表现四季变化。如夏季时的陈列氛围应给顾客一种凉爽清逸的感觉,冬季的陈列氛围应给顾客一种暖和舒适的感觉。

4.根据消费心理进行陈列

服装表达的主题涉及政治、经济、生活、科技等方方面面,而这些主题也正是消费者所关心的。关注当今社会流行的主题,抓住消费者的心理去制定陈列战略,一定能收到不凡的效果。一个成功的服装陈列,必须能够将不同季节的产品主题,如元素、色彩、销售重点、时尚观念等一一传达。如国内女装品牌“播”,服装以棉、麻等天然纤维为主,款式休闲,色彩质朴,其卖店陈列多用原木、竹篮甚至各种谷物等来迎合现代都市人希望解脱重负、返璞归真的心理。

二、服装陈列艺术设计的方法

1.空间错觉陈列

在寸土寸金的服饰店堂中,利用空间错觉来丰富服装的陈列样式,不仅能使服饰显得丰富多彩,而且能减少陈列的数量,降低服装的损耗和经营成本。另外,在一些空间较小的区域利用镜子的反射作用和灯光的烘托效果,不仅可活跃气氛,无形中也扩大了空间,既有助于改善消费者的心情,也可使销售人员以最好的态度迎接消费者。

2.几何线条陈列

几何线条陈列,就是利用几何线条和图形或传达意念,或造成错觉,或合理分割空间,以获得更好的服饰陈列效果。横向的线条能引导人的视线左右移动,纵向线条能引导人的视线上下移动,将两者恰当地应用于服饰陈列中,能非常好地吸引消费者关注重点商品。圆形图案的甜美、三角图案的尖锐、方形图案的沉稳,以及折线和曲线的复杂多变,都可以应用于陈列之中,对强调不同的服饰、突出不同的品牌往往能收到意想不到的效果,也使消费者在观看的同时明确自己的服饰定位。如图1中职业装的陈列,从整个店堂屋顶的装饰线到穿衣镜、衣架、隔物板及光源的排列等,均使用了直线条,简洁洗练,与职业装的特征恰相吻合。

3.场景陈列

图1 几何线条陈列

所谓场景陈列,是指利用服装、饰物、道具和灯光,构成不同季节、不同生活空间、不同自然环境以及不同艺术情调的场景,带给消费者不同的生活气息。在场景设计时,要围绕服饰主题、品牌理念展开,注意现实感的体现和情调气氛的营造,突出艺术性和创造性,使人既得到启发和审美的享受,又有身临其境之感,同时借陈列生动形象地说明服装的用途、特点,从而对顾客起到引导作用。如图2针织服装的陈列,使用了家居生活场景的陈列方式,以突出其柔软舒适、温馨的特征。

当然,服装陈列的艺术设计方法绝不仅限于以上三种,在陈列之前,服装陈列师、卖手和服装设计师应共同完成陈列方案。服装的主题风格要在店堂整体陈列当中体现出来,使店堂陈列真正与品牌风格相结合,达到最佳的陈列效果。

三、服装陈列艺术设计中应注意的问题

1.陈列设计为销售服务

陈列是艺术性的,具备空间美感的艺术表现力;陈列更是商业性的,所有的思路和技巧都为销售目的服务。在实际工作中,陈列设计师和店员、店长在产品的视觉摆放上会有一定的意见冲突。大多数陈列师对视觉艺术有着较好的理解,但缺乏动手能力和销售能力。其实,大家都是为了增加销售额,所以陈列设计必须以此为最终目的,从实际出发,为销售服务。

陈列设计师要把陈列的概念传达给店员和店长,让他们认识到好的陈列设计对产品的销售是有帮助的。品牌的形象与店铺的销售业绩密不可分,如果店铺形象不好,产品陈列不具有吸引力,店员的业绩也会受到影响。有些款式不畅销也许只是因为店员把它挂的位置不起眼,如果通过重点陈列的手段予以推销,就能对销售产生积极的影响。要达到产品畅销的目的,陈列设计师一定要充分了解产品销售的每一个环节,关注公司的销售计划和动态,并与服装设计师和销售经理密切合作,从提高销售额出发,进行适宜的陈列设计。

图2 场景陈列

2.要有陈列的整体意识

作为一名陈列设计师,一定要具备整体意识。从前期的产品设计到后期的广告投入和推广,甚至最后的店面陈列和橱窗设计,所有的品牌形象都必须统一,都要服务于销售。一些意大利时装品牌虽然年轻,但是能够很快从众多时装品牌中脱颖而出,成为世界知名的品牌,这是因为其品牌的文化建设与品牌的理念非常吻合。陈列设计师的工作其实就是要通过产品展示把时装设计师的理念和品牌文化内涵传达给顾客,让他们感受到产品的价值。

随着中国时装业的蓬勃发展,时装品牌之间的竞争日益激烈,毫无疑问,更强的视觉指引能更大地刺激消费需求,艺术的陈列设计是实现这一目标的保证。对于成功的服装陈列设计,设计者通常需要在许多相互矛盾的目标中进行衡量和取舍。充满变化的空间可以提高顾客的兴趣和购物热情,但过多的隔断和琐碎的分区又会引起顾客的迷惑甚至迷失;一定的绕道能增加商品的展示率和消费者的浏览时间,而过多过长的绕道会令顾客感到厌烦而放弃购买的欲望。表面来看,服装陈列设计的艺术性与商业性似乎很难兼顾,然而对于服装企业来说,找到艺术与商业之间的最佳平衡点则是销售制胜的关键。

3.注重日常的陈列维护

服装不仅是店堂陈列和销售的对象,也是构成卖场气氛的主体因素。服装品牌及摆放的位置和布局决定了陈列的效果与风格特点。成功的服装陈列被誉为“静态的推销员”,因此,日常的基本陈列维护显得十分重要。所谓日常的基本陈列维护是指在服装的陈列方案与销售过程变动之后,仍使其呈现出最完美的状态。通常情况下要遵循以下原则：一是整理原则,对于刚进场销售或消费者试穿过的服饰,要以良好的服务心态立即调整,摆放整齐;二是细节维护原则,注意不同服装的搭配、服装与饰物的搭配、服装与道具的搭配等,饰物道具的合理运用能使服装的款式和主题更加突出,细节更加完美,使店堂陈列给人以轻松愉快的视觉享受;三是创意原则,日常维护中针对陈列方案的不足,要随时添加新的陈列创意。

在当今竞争十分激烈的服装零售业,商品的供应远远大于需求。如何从众多的竞争对手之中脱颖而出,吸引越来越挑剔的顾客,成了服装零售商们的首要任务。具有美感和特色的店铺陈列不仅能有效地吸引顾客进入店铺、购买商品,还能有效提高品牌的认知度、美誉度。艺术设计源于生活、又高于生活,作为艺术设计中的一个分支,陈列设计是艺术、技术与商业的有机结合。任何一个成功的服装陈列设计,都必然是兼备艺术性与商业性的陈列设计。

[1]朱淳.现代展示设计教程[M].杭州：中国美术学院出版社,2002.

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[7]王士如,林海.国际服饰殿堂陈列经典 [M].北京：东方出版社,2006.

[作者已有相关文献]

[1]吴卫刚,张轶.服装美学 [M].北京：中国纺织出版社,2004.

[2]关洁,张轶,赵洁,等.时装表演组织与编导[M].北京：中国纺织出版社,2008.

[相关主题文献]

[1]君立.陈列出时装的品质[J].服装设计师,2009(12)：150.

[本文创新点]基于服装陈列的艺术性与商业性特征,给出了其艺术设计的依据方法与注意问题。

J523.5

A

1009-3729(2010)04-0069-04

从女性服装发展解读女性艺术 篇4

1840年以后进入近代, 随着殖民强权对中国传统文化的冲击和中国思想启蒙运动的出现, 女性开始觉醒, 参与到各种政治和文化中来, 成为新一代女性。女性服饰也开始发生潜在的变革。随着西方自由、平等、博爱思潮的传入, 19世纪末发生了维新变革。作为一场大规模的思想启蒙运动, 在妇女问题上明确提出了“废缠足, 兴女学”的口号, 在“女性解放”的历史背景下展开了女性主义运动。辛亥革命以后, 长期的闭关自守开始结束。从20世纪20年代至40年代末, 中国旗袍风行了20多年, 款式几经变化, 彻底摆脱了老式样, 两侧的开叉亦有长短。改变了中国妇女长期以来束胸裹臂的旧貌, 让女性体态和曲线美充分显示出来, 正适合当时的风尚, 为女性解放立了一功。二三十年代年轻女性身着旗袍、头披婚纱的装扮正是早期接受西方文化影响的时髦女性在结婚时最时尚的表现。自30年代起, 旗袍几乎成了中国妇女的标准服装, 民间妇女、学生、工人、达官显贵的太太, 无不穿着。旗袍甚至成了交际场合和外交活动的礼服。更有一批接受西方教育的知识女性, 一改中国传统女性阴柔的低调风格, 开启了人性追求的大门。她们的服饰文化张扬着独立, 追求着精神个性。后来, 旗袍还传至国外, 被他国女子效仿穿着。

毛泽东的“妇女能顶半边天”唤醒了中国妇女的自我意识。随着新中国的建设, 女性接受教育的机会大大增加, 女裤成为正装, 裤门襟开口从侧面转到正面, 这或许是女性在性意识上转变的一种细微表象。越来越多的女性加入到社会生活中来, 大量女性就业, 更有不少加入了“白领阶层”, 有部分女性还担当了一定的领导职务。中国女性获得穿裤装的权利与西方女性大不相同。西方女性是通过一场又一场轰轰烈烈的运动, 是来自女性自身的内部自释, 而中国的女权更多的是外部因素渗入的结果。受俄国十月革命影响, 列宁装和布拉吉风靡中国。列宁装对中国服装的影响主要是两个方面, 一是对改良传统中山装的影响, 二是新中国女性因崇拜世界革命领袖而以身穿列宁装为荣, 其中包括向往革命的女学生和新中国各行各业的女干部。这也从侧面体现出当时的女性向往革命, 并努力争取其地位。在那个非常年代, 女性的服饰成为政治生活的符号, 极端的社会“时尚”导致极端的服饰文化异变。

同样在拥有悠久历史文明的欧洲, 妇女也选择了束缚。纵观整个时装发展史, 最具争议的服饰品种, 理应首推紧身内衣。历史学家认为, 紧身内衣扮演了一个压迫工具的角色, 即男性社会用它来控制女性, 并通过它最大程度地展现女性性感的身体。将健康的身体套入束身胸衣之中, 紧身胸衣令人呼吸困难, 肌肉受迫, 但它们最能体现优雅的风度, 最能体现女性的性别特征, 符合当时社会审美的标准, 同时也能满足男性的欲望——女性是被观赏的。无论是东方的“三寸金莲”, 还是西方的高跟鞋, 都是女性在男权社会中的屈从表现, 是男性统治者限制女性自由的写照。

16世纪, 当时的英国女王伊丽莎白曾一度极力倡导束腰, 影响了当时女性的时尚。文艺复兴时期的女服以细腰身的装束美而著称, 从服装外观上看, 性别差异的强调和夸张是这时期的主要特点。男子服装的重心在上半身, 呈上重下轻的倒三角形, 通过上半身的健壮和下半身的紧贴来表现男性的性感特征;女性服装重心在下半身, 呈上轻下重的正三角形, 通过袒露胸口, 使用紧身胸衣与下半身膨大的裙子形成对比来体现女性的性感特征。

在洛可可时期, 为了博得男性的欣赏与青睐, 女人们想尽一切办法来装扮自己, 她们用紧身胸衣勒住腰肢, 用裙撑增大下半身的体积来表现胸、腰、臀三位一体的女性特征, 这就意味着这些妇女不用工作, 还得处处依靠别人的帮助。在新洛可可时代, 拿破仑三世的第二帝政力求复辟第一帝政的风习, 极力推崇路易十六时代的华丽豪奢。女性参加劳动并不被认可, 理想的女性形象是纤弱文雅, 供男性观赏的“艺术品”。

紧身胸衣和三寸金莲是服装史上对女性身材及心理最为束缚的服饰。在服装现代化的进程中, 由于男女两性的社会性差异和传统观念的束缚, 女性直到20世纪20年代以后才从紧身胸衣、三寸金莲的禁锢以及装饰过剩的服饰中解放出来, 同时排除了服装上的社会性差别。1910年法国著名时装设计大师保罗·波烈设计的文胸, 就是将妇女从传统的紧身胸衣的枷锁中解放出来最有代表性的设计。

自人类进入文明社会, 便形成以男性为中心的社会体系, 男人们担当着参加各种社会活动的主要角色。而女性成为相对弱势群体, 最好是“足不出户”, “女子无才便是德”成为男性堂而皇之地反对女性穿裤子的理由。经过多少世纪对男性的依附之后, 随着工业革命的浪潮, 女性不再愿意呆在以家庭为中心的小圈子中, 开始幻想与男人拥有同样的权利。20世纪初的伟大设计师保罗·波烈让他的妻子率先穿起了具有东方特色的穆斯林长裤, 裤子穿在外面, 并被社会承认。接着他推出革命性的设计——女式马裤。女性开始更多的参加到体育运动中。

一切有关妇女权利的改革都进行得很快。20世纪30年代, 玛丽莲·梦露的一身裤装使妇女领教了长裤的魅力。20世纪50年代至70年代, 东西方女性服饰形成的巨大差异, 可以看出服饰与当时的社会、经济、政治背景的密切关系。凡此种种都预示着人类将奏响女性艺术和服饰文化新的篇章。英国朋克之母——维维安·韦斯特伍德将女性性徽作为标志应用于服装上, 用粗糙的面料, 缝边开绱, 还故意撕破衣服来塑造性感女郎。其大胆的设计风格, 深受当时前卫女性、摇滚人士的追捧。由此体现出现代女性自我觉醒, 开放自我, 寻求地位平等的愿望。

20世纪80年代初, 我们打开了国门, 历经浩劫的中国女性放眼世界的同类, 文化观念、审美观念都在不断地变化, 更新自我与时尚的追求使得我们的女性初尝了衬衫、牛仔裤、喇叭裤带来的新鲜与刺激, 使女性的服饰趋向无性别化。追求体育运动为时尚文化的女性把运动装、旅游鞋穿得潇潇洒洒, 显然这是与现代社会对运动的崇尚及对生命价值的追求息息相关的。

改革开放使我们的观念, 意识、文化发生了翻天覆地的变化, 经济飞速发展, 提供了女性认识、创造和享受服饰的物质基础。双休日的生活方式, 女性有了更多的时间去享受休闲娱乐。当都市女性在繁忙喧嚣的紧张生活之余, 更渴求使身心放松、人性回归的生活方式, 因而追求自然、质朴的休闲装正符合了今天的生活式样。女性意识的强调使职业女装也成为流行, 白领丽人以穿着高品质、有个性的职业装为时尚文化之追求。前卫新潮的女性可以穿袒胸露背式、超短式、露脐式……当今社会有着多元的文化并存, 各种思想、观念的相互影响、相互包容, 使世界处在一个大融合的时代。

国际间交往日益频繁, 经济、科技、社会、艺术相互间的影响与关注使我们的生活方式更加趋同, 尤其在艺术领域中, 女性与服装的缩影无处不在。近年来。时下流行的人体彩绘, 用特殊的颜料, 将艺术、唯美与人体巧妙的结合, 女性对自身的认识与表达已趋于白热化, 抛弃羞怯, 抛开非议, 用无形的“服装”和肢体语言展现真我在精神领域的追求, 极大地推动了女性艺术和服饰文化千姿百态、异彩纷呈的发展。

现代女性生活在一个宽容、多元化的社会背景下, 女性的地位发生了根本的变化, 她们掌握着世界所能提供的一切信息, 真正地自我决定生活, 独立而自信, 可以自由选择着装方式, 但服装史上女性束缚的血泪史仍提醒现代女性要以健康和科学的态度来对待美。

综观全局, 女性的服饰文化与社会发展状态、民主平等的环境是密切相关的。只有当她们获得了人的尊严和相应的社会地位, 女性才有可能真正走出家庭, 参与到社会的各种活动之中, 从而赢得自我权利, 不再成为男性的附庸, 才可能使女性服饰文化获得完整的、健康的和自由的发展。

参考文献

[1]李建群.西方女性艺术研究史.山东美术出版社.

[2]耿幼壮.女性主义.人民美术出版社.

服装艺术设计就业前景 篇5

在就业方面，在南方地区的就业率基本上在90%以上。但据一位业内人士介绍，由高校培养的服装设计人才“不仅在数量上远远无法满足纺织服装企业的巨大人才需求”，在实际创作能力和综合素质等方面，更是距离企业的实际用人需求有较大差距。事实上，很多服装企业对于科班出身、缺乏经验的大学生并不“感冒”。由于刚毕业的服装类专业大学生对市场缺乏了解，只适合担任设计助理的角色，必须经过至少3-5年的积累和磨炼“才能真正担起重任”。

就业薪金：1500-8000

服装艺术的发展 篇6

关键词：现代艺术 服装设计 材料 纹样 廓形

一、前言

20世纪初，在欧洲和美国相继出现了全面的、革命性的和彻底的现代艺术运动和现代主义设计运动，在艺术设计发展史上有着巨大的影响。现代艺术作为20世纪以来占主导地位的艺术形态，它的突出特征是在艺术形式上不再以写实的风格为主，而是体现艺术家个性的观念和形式语言，并且形成了许多艺术流派，一个时期以某种艺术流派为主导。二十世纪上半叶，最具代表性的现代艺术是立体主义。它颠覆了古典艺术"真"的原则，即彻底放弃了空间透视的方法。主要艺术家有毕加索。二战后至今，现代艺术主要是沿着达达主义的轨迹前行。它彻底否定了传统文化，是反艺术。主要艺术家杜尚。其影响一直到今天的信息时代。其它流派还有野兽派、未来派、抽象主义、超现实主义、波普艺术、照相写实主义等，都是从不同角度和层面对传统艺术不同程度的否定。

无论何种艺术形式，它所反映和表现的都是现代社会变化给人们带来的社会心理特征，都是艺术家对艺术表现形式的探索。而服装设计与人们的社会生活密切相关，着装体现人的精神状态和内心世界，具有时代气息，现代艺术对服装设计的影响也是巨大的。

二、现代艺术对服装图案设计的影响

（一）抽象的几何纹样

抽象的几何纹样受抽象派画家观念的影响，以直觉和想象力为创作的出发点，仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上，打破了绘画必须模仿自然的传统观念。二战以后，由抽象观念衍生的各种形式，成为二十世纪最流行、最具特色的艺术风格。

抽象绘画可分为两种类型，一种是通过对自然物的概括与提炼所创作的抽象绘画，带有浪漫色彩。另一种是用单纯的点、线、面、形体与色彩构成的抽象绘画，比较理性。这种艺术形式最具装饰性和图案特征。如荷兰风格派的主将蒙德里安的创作，他利用垂直水平结构和原色矩形色块的作品，简洁却蕴含着严谨而复杂的结构关系，虽是装饰性的，但具有深刻的哲理，使得许多人产生了精神共鸣。

服装设计师也直接采用了蒙德里安的语言，这种影响直到今天还存在着。抽象派美术对现代装饰艺术和图案艺术影响广泛，使得印花织物的纹样处理呈现崭新的特点，随意的抽象的几何纹样取代写实的精致的花卉纹样而广泛流行。

（二）平面构成纹样

平面构成纹样的产生源于包豪斯的构成理论，以点、线、面、体来高度概括复杂的事物，将几何形体进行理性的排列，构成新的艺术形像。这种平面构成纹样被广泛运用于染织图案中，并不断推陈出新。如男式衬衣的印花图案就是比较典型的平面构成纹样，以极小的几何图案重复并且有规律的进行排列，形成大面积的几何形态，不仅男士衬衫上会应用平面构成纹样，T-恤，领带，围巾等也有平面构成纹样的应用。

（三）欧普纹样

欧普纹样来源于欧普艺术（optical art），又称为光效应艺术、视幻艺术或视觉艺术，在60年代流行于欧美。

60年代以前，布料上的织纹图案仅限于苏格兰格纹、千鸟纹和人字纹等传统织纹。60年代，纺织和印染技术水平有所提高，再加上欧普纹样比较便于拷贝和复制，使得欧普纹样广泛应用于服饰品设计，掀起时尚界的革命。

因此，欧普纹样应用在服装、丝巾、领带等服饰品上会产生一种时尚前卫的着装效果。另外，欧普图案所产生的视觉错觉还能达到修饰、雕塑身材的目的。如07年秋冬季，以60年代为设计主轴的马克·雅各布斯、乔治·阿玛尼等设计师品牌，相继推出采用类似欧普艺术手法的服装。英国知名时装设计师亚历山大·麦奎恩、日本时装设计师川久保玲（Comme de Garcons）和纪凡希品牌以大小不同的黑白棋盘式格纹等。

（四）立体派纹样

立体主义开始于1906年，由乔治·布拉克与帕布洛·毕加索所建立。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面——以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。它追求一种几何形体的美，追求形式的排列组合所产生的美感，探索画面结构、空间、色彩和节奏的相互关系，在造型和表现上突破了时空限制。

立体派纹样应用于服装面料的印花设计中，使平面的布料仿佛具有立体感，赋予服饰品独特的美感，采用这些图案设计的服饰大有毕加索之风。这种纹样的融入使着装者洋溢着充满时尚的气质，在当时的欧美社会一度流行。

（五）野兽派的杜飞纹样

杜飞应用印象派和野兽派的写意手法，吸取马蒂斯绘画的装饰风格，线条质朴简洁，花卉图案形像夸张变形，人物动物相互交错，豪放粗犷，流畅自然，具有创造性、装饰性，后人把这种写意花卉图案称之为杜飞纹样。时装设计师利用杜飞纹样体现服饰设计作品的独特灵魂，体现一种自然美、野性美，利用流畅飘逸的线条结合服饰品的造型，生动而鲜活地突显出服饰的独特魅力。

（六）迪斯科纹样

迪斯科纹样的命名源于迪斯科音乐和舞蹈，迪斯科纹样有着迪斯科般的风格特点，新鲜、多变、富有活力。迪斯科纹样最初来源于美国影片《星球大战》，大多是描绘星系和宇宙的主题，超人、外星人、天空流行等图案，后来，迪斯科纹样采用抽象派巨匠康定斯基和西班牙画家米罗的绘画作为服饰面料的图案，从两位大师的艺术中汲取营养，平铺色块，流畅潦草的线条，强烈的对比色，用干笔在纸上一蹴而就，挥洒自如，当然，印有迪斯科纹样的服饰品也会被赋予迪斯科个性，给人以富有活力、浪漫、新潮、潇洒的视觉感受。

三、现代艺术对服装材料设计的影响

20世纪的女性追求独立，彻底抛弃了紧身胸衣，喜欢式样简洁，有综合功能的服饰，由蕾丝、花边、丝绸面料组成的内衣问世时，曾引起轰动，有人称它为“内衣革命”。现代服装设计越来越注重材料的开发性应用。然而在二战之前，服装设计基本上以款式、结构和造型的变化为主。50年代的蓝色丝缎晚装。极其轻柔的面料，被称为“女人的肌肤”。20世纪，人们越来越关注面料，有句名言：仅次于情人爱抚的，是好的布料。到二十世纪六、七十年代，一些设计师开始以材料为出发点进行服装设计，如1966年拉巴尼设计了以仿金属片链接的时装，七十年代后“面料魔术师”三宅一生作品的面世，都给了服装设计界以巨大的冲击。到八、九十年代，材料逐渐成为设计师关注的焦点，并形成了一些共识。

四、现代艺术对服装廓形设计的影响

战争改变了原有的社会价值体系，也将19世纪浪漫主义风潮打破。现代西方服饰逐渐去除了大量不必要的装饰，越来越强调其功能性，服饰变得简单、实用。随着女权思想的逐渐成熟、普及，女装与男装之间的差异日渐缩小。随着20世纪下半叶年轻风潮的兴起和大众审美标准的变迁，服饰流行日益多元化、平民化。

1、20世纪20年代：永远的经典——可可·香奈儿“现代主义”设计师追求人与机器之间的一种和平共处，在追逐机械化、现代化的同时，女性的束缚也被逐渐解除。20世纪20年代，年轻的法国女时装设计师可可·香奈儿，以她简洁的日常服装、运动装、便服和度假服装，将女性从束缚中解放。她推出直线型男孩儿式的轮廓和新潮的短发，提倡背肩包与针织品套装，她把晚礼服“法定”的拖地长裙缩短到与白日服一样的长度，尽可能使造型朴素、单纯化，她教给人们如何用人工宝石来装饰自己，把服饰品的装饰作用提到首位。

她提供了具有解放意义的自由和选择，让女人也可以穿裤子将服装设计从男性观点为主的潮流转变成表现女性美感的自主舞台。香奈儿设计时装追求实用，推动了服装设计新概念，对现代女装的形成起着不可估量的历史作用。

2、20世纪30年代的服装廓形：斜裁女皇——玛德琳·维奥内特

20世纪30年代早期的光滑轮廓与"现代主义"秩序井然的线条相和谐，这可以在不少设计师的作品看到，如玛德琳·维奥内特的斜裁真丝缎子的紧身女装，巴斯博物馆两件藏品的其中一件是1934年的拖地长袍，裙子的上半身是蕾丝褶皱紧身胸衣、飘逸的绸缎轻盈地从肩上泻下，下半身是招牌式垂坠长裙，腰间饰以褶皱。

维奥内特的设计强调女性自然身体曲线，反对紧 身衣等填充、雕塑女性身体轮廓的方式，有“裁缝师里的建筑师”、“斜裁女王”的称号。在大师一生的作品中，“古希腊女神式”的斜裁和皱褶垂坠连衣裙是她设 计中的经典代表。她打破了之前打版制样的裁缝传统，而直接将布料或垂挂或缠绕在身体上进行裁剪，利用衣料的自然垂坠使得时装如第二层肌肤般轻盈飘逸，勾勒 出女性流动的曲线和曼妙的体态，皱褶则是这种剪裁方式 所衍生出的特有细节。

但这些最终都被更精心制作的轮廓所替代，到了这10年结束时强调肩部、掐腰和连身的裙子更加坚定了新浪漫主义设计倾向，并预示了战后“新外观”的出现。

3、20世纪中后期的服装廓形——迪奥

40年代后期到60年代前期，主宰巴黎的高级女装潮流的人是迪奥，他的设计与他丰富的艺术修养和让敏锐的艺术感觉是分部开的， 1947年，考虑战时物质节制强加给服装业的简朴需要，迪奥推出的“花冠线条”轰动了时装界，被誉为“新风貌”。1952年，迪奥设计的三件套——羊毛夹克、线条简洁的帽子和柔软淡雅的结绸短裙，多年来一直成为时装设计的样板。迪奥设计的裙子，常在裙上打褶，或者用各种颜色的布镶拼；有时还缝上绢网，打造丰满感；各种各样的帽子侧戴头上，再配以硬高领的上装。接着又有了不对称裙子、O型、A型、 Y型、H型、郁金香型等各种廓形的服装。他在巴黎时装界辛勤工作的10年里，巴黎女装从整体到细节都发生了耳目一新的变化他的线条设计和整体结构设计优美绝伦，几十年来一直影响着妇女和其他服装设计师们。

（作者单位：苏州大学）

参考文献：

[1]王受之.世界现代设计史.中国青年出版社，2002.

[2]诸葛凯.设计艺术学十讲.山东画报出版社，2006

[3]陈瑞林.西方设计史.湖北美术出版社，2009.

舞台服装的艺术风格 篇7

(一) 舞蹈表演中的服装

蒙古民族舞蹈中的长裙, 原本只是个占据一定空间的裙子而已。可是, 通过演员的旋转、扭摆、跳跃, 裙身的形象不断变换着。因旋转而产生顺向的皱褶, 因扭摆而产生左右、前后的拉长变形, 因跳跃而产生长短、宽窄的压缩与伸展。在裙子这一普通的舞服上, 轮番显示出形态美的各种方式, 服装仿佛有了生命。

芭蕾舞剧《天鹅湖》久演不衰。演员那激动人心的表演, 其借助于服装所产生的艺术效果, 以及在穿着创作中的动态表现是显而易见的。小天鹅那薄纱短裙的上下颤动, 衬托出小天鹅天真活泼充满稚气的美感。《天鹅之死》中, 纱裙的抖动牵动了观众的心。这种有别于小天鹅纱裙欢快颤动的悲伤的抖动, 无疑是一种无言的情感传递, 使观众在舞服中领悟到善与恶。

现代霹雳舞、太空舞的舞服比较简洁, 其舞蹈艺术的强烈感染力主要来自于演员的身体动作。但是, 细心的观者不难发现, 即使是身穿紧身衣的小伙子, 也会在额头上系上一条彩色的丝带。随着演员情绪亢奋的程度, 头部乃至全身动作都在加强, 于是缎带绕发后系扎的蝴蝶结成为小小的飘带, 随着动作的变化而变化。它忽而直立, 忽而持平, 忽而上下跳动, 给整个舞蹈气氛带来情趣与生机。不用丝带的现代歌舞演员, 他们在边唱边舞时, 借助了长长的宽松长衣, 或是在光感效果上不遗余力地发挥。他们拼命地扭摆身体, 自然使得缀满金属片的服装在五颜六色的旋转灯光下更加炫人眼目。

西班牙的踢踏舞别具特色。舞者身体不做大的动作, 只凭一双脚的有节奏的踏动, 你能说那动人的踢踏声中, 不是对服装的再创作吗?最没有表情的鞋子, 这时其实是充当了舞蹈足服和音响伴奏以及着装者向观众传递感情的三重角色。

中国汉族农民的秧歌舞属于乡土艺术。舞者在不太讲究的舞服 (即本民族农民常服) 上, 充分利用了长度与宽度都超乎寻常的腰带。腰带是布质或绸质, 舞者手持两头, 以腰带系腰带上流露出来。这种舞者的穿着再创作, 完全是对艺术的追求, 对美的发乎心灵的创造。

至于用佩饰来烘托舞蹈气氛的例子就更多了。耳环、项链、臂铃、腰铃、脚铃等, 舞者充分利用它们的摆动而产生的音响效果和闪光效果, 加强舞蹈语汇, 尽力挖掘出服装穿着创作中的所有潜力。

(二) 戏剧表演中的服装

有人将戏剧艺术喻为“多元艺术王国”, 意在说明戏剧艺术中蕴含着多种艺术的综合美。戏剧老艺人中还流传着这样三句行话:“虚戈作戏, 真假宜人。虚戈谓戏, 弄假成真。戏有戏法, 真假相杂。”这就为戏剧演员在穿着创作上的大胆想像与尽情发挥奠定了理论基础。

京剧中的服装已经在生活化的基础上加以夸张, 如帽子上的绒球、腰上的丝绦、脚下的厚底鞋、加长的衣袖, 都为演员的表演提供了条件。《贵妃醉酒》中, 扮演杨贵妃的演员在表现那种难言的失望、失落、失宠的复杂感情时, 就充分利用了衣袖 (戏班内名水袖) 和扇子的各种传达功能来起到感染观众的作用。《吕布戏貂蝉》中, 吕布的轻佻, 更有许多是利用了头上雉翎的弯曲、下折与上挑等动作来表现的。中国河北的丝弦老调演员在扮演吕布的时候, 能够用头颈部的功力控制头上的雉翎, 而不用手。为了形象地表现出吕布挑逗貂蝉的细节, 演员使两根雉翎的其中一根不动, 而另一根的翎尖却围着貂蝉的面庞转了一圈。这种穿着的再创作, 纯属是艺术性的。

不过, 也有的服装虽在舞台之上, 可是来源于生活。如川剧表演艺术家阳友鹤扮演《秋江》中的陈妙常, 出场时用了一个“遮头袖”的程式动作。这个动作即是由阳友鹤从生活中摄取、变化而来。有一年夏天, 阳友鹤在成都郊外, 看到行人戴的大草帽后檐缝了一片绸子, 不仅用来遮太阳, 赶路时迎风飘舞, 也非常美观。于是他设计了“遮头袖”的表演程式———以右手水袖遮在头上, 用左手牵平。这样一创造, 就使得戏剧服装的穿着再创作显现出生活的韵味。一方面, 用它来表现陈妙常冒着蒙蒙细雨追赶潘必正的规定情景;另一方面在跑圆场时, 头顶上飞扬的水袖增加了舞姿的美态。

服装艺术的发展 篇8

1.1 起源

波普艺术(POP ART)，即“流行艺术”，兴起于20世纪50年代中期的伦敦。在英国举行的一次名为“这就是明天”的展览中，艺术家理查德·汉密尔顿(Richard Hamilton)创作的题为《到底是什么使今日家庭如此不同，如此吸引人?》的拼贴画便是波普艺术的发端之作。之后20世纪60年代在英国和美国，一批以彼得·布莱克(Peter Blake)、安迪·沃霍尔为代表的艺术家们将波普艺术推向高潮。

欧普艺术(OP ART)，指代的是利用人类视觉上对空间、色彩、性状及动态的错视所绘制而成的绘画艺术，又被称作“视幻艺术”或者“光效应艺术”。兴起于20世纪60年代，匈牙利的光效应艺术画家Victor Vasarely和美国画家Briget Riley的视觉迷幻艺术给观者带来了强烈的震撼。1965年，在美国纽约现代美术馆举办的一次主题为“眼镜的反应”(The Responsive Eye)展览会上，“欧普”(Optical)一词首次使用，来自15个国家的106位艺术家经过精心设计，按一定规律排列而成的波纹或几何形绘画作品，给参观者以震撼人心的艺术效果。

1.2 对比分析

表1为波普艺术与欧普艺术对比分析表。

从表1中可以看出，波普艺术产生略早与欧普艺术;波普艺术产生原因是人们追求流行通俗的文化，而欧普艺术则是科学技术的理性与反传统美学中的混乱中的逻辑感相结合的产物;与波普艺术通过通俗、客观、幽默等手法将生活中出现的各种俗物随意组合运用的特点不同，欧普艺术追求用科学的原理和处理方法将色彩的变化和几何形态的组织进行玩味，产生视错感觉。

2 21世纪波普艺术在服装中的运用

2.1 设计师Jean-Charles de Castelbajac

设计师Jean-Charles de Castelbajac，在2009春夏女装成衣系列彻彻底底玩了一把波普风。标语T恤、奥巴马头像、乐高积木、迪士尼(Disney)动画片中的卡通人物都成为设计师的灵感来源。见图1。

2.2 Versace高级时装

Versace一直致力于探索波普之路，从起初的中规中矩，到中期的与其他风格的结合创新，再到后来的简约明了。Versace波普的方式一直在变，对波普艺术的借鉴更多的不是形式上，而是精神上的。见图2、图3和图4。

2.3 安迪·沃霍尔风格

图5和图6都有鲜明的安迪·沃霍尔风格。图5是运用卡通花朵图案，不断堆叠重复，铺满全身。图6是将不同颜色的大眼图案铺满包和鞋上。

2.4 小结

对诸多案例分析研究后，可总结出如今波普艺术在服装中运用的特征。

2.4.1 图案

波普服装可采用任何可以想到的或正在流行的事物为灵感，较多运用的有名人的头像、卡通形象、影视形象、趣味形象、大小形态基本不变的条纹圆点千鸟格、标语和涂鸦。其中名人头像、卡通形象、影视形象、涂鸦多采用大面积形态;标语可大面积单独出现，也可以是一段话全体出现;而其他有趣味的形象或单一元素或条纹圆点多采用小面积形态，有规则的铺满整个服装。

2.4.2 廓形

多采用H型或A型。若廓形采用很夸张的样式，一般没有其他细节相干扰。

2.4.3 款式

细节较少，如有细节的也比较单纯，多数为了与整体风格相协调。

2.4.4 色彩

若借用的是有丰富色彩的大面积现成图案，则服装底色多采用借用的原型色彩。若借用图案为小或中面积彩色，则服装底色可以是黑白等无彩色系，以突出图案而淡化其他视觉元素;也可以是邻近色，以使图案融合于服装之中体现低调的波普;还可以是对比色，突出图案与面料的对比，是高调的波普。若借用的是黑白图案且没有其他装饰手法，则服装底色用鲜艳的颜色予以衬托;反之，则底色为黑白灰无彩色以免扰乱图案重点。

2.4.5 其他

面料材质及装饰手法多样化。

3 21世纪欧普艺术在服装中的运用

3.1 2007年秋冬季

3.1.1 黑白棋盘式格纹

这一季，知名时装品牌亚历山大·麦奎因、川久保玲和纪凡希以大小不同的黑白棋盘式格纹等，成功塑造女性丰美的胸线臀线以及纤细的腰身。其方法是，将服装胸部和臀部的黑白格纹放大，腰际的黑白格纹缩小，就能产生丰胸、美臀和柳腰的效果。

3.1.2 圆形、方形几何式条纹

以20世纪60年代为设计主轴的马克·雅各布斯、乔治·阿玛尼和Marni等设计师品牌，相继推出采用欧普艺术的服装。马克·雅各布斯推出的一款服装上的橘红色和浅紫色的格纹变形图案，就利用放大或缩小格纹的视觉效果，营造出无限延伸般的放射波纹。乔治·阿玛尼也推出利用剪裁营造线条利落的视觉效果的黑白条纹外套。Marni品牌则以不断复制的圆点印花伞状洋装打造欧普风。

3.2 2011年的运用

3.2.1 Emilio Pucci———流动有序，修饰身材

图7廓形为紧身收腰裙，面料为弹性面料，几何花纹为腰部向内侧收拢的适合纹样，向上下扩展延伸，这种导向性使服装具有雕塑凸凹有致身材的功能。图8廓形以收腰的形式出现，面料多为有光泽感的丝质面料或者飘逸的薄纱面料，色彩有青花瓷的意向，图案或有疏有密地出现在服装上或者集中于某个部位，作用也是为修饰人体或突出局部美感。

3.2.2 Missoni———丰富的色彩，多样的拼贴

图9中色彩以黄、蓝为主。上衣及腰，裙子紧身及踝，衣身是各种几何抽象纹样的拼贴：条形花纹、锯齿纹样、人字纹、电波纹……但有一点没有改变，那就是对腰线的重视，上衣只到腰节线处，就是为了拉伸整个身材。图10中采用粉红色、淡草绿色等柔和糖果色。图10左的中上衣细致的人字纹有收缩身材的作用，长及臀部，阔腿裤上的人字纹风格更加粗犷，有洒脱的男孩子气;图10右的中上衣织法有种几何感，收缩了腰部线条，丰满了胸部，裤子是方格纹，体现有密有疏的节奏感，蟒蛇皮外套的独特纹理也具有欧普的视觉迷惑效果。

3.3 小结

如今欧普艺术在服装中运用的特征有如下几方面。

3.3.1 图案

黑白棋盘式格纹，圆形、方形几何式条纹，几何印花，条形花纹、锯齿纹样、人字纹、电波纹和方格纹等。采用或理性或混乱的排列方式，往往大面积铺陈于服装之上，也有只用于某一部位的小面积图案，通常是为了修饰身材等。

3.3.2 廓形

通常不会选择太夸张的造型，注重身材的展现，腰线的位置也很重要。

3.3.3 款式

较波普艺术而言欧普艺术较为丰富，但也是在不扰乱整体效果的前提下。领口常采用一字领、V型领等。

3.3.4 色彩

有的是多种色彩的碰撞，有的是几何图案为鲜艳色彩，服装底色稳重低调，有的是经典的黑白色调的几何图案。

3.3.5 材质

多为飘逸有光泽感的面料，也有针织面料。

3.3.6 手法

较常用到拼贴的手法。

4 对比分析

其实两者除了名称相近，出现时间几乎同步，图案都是设计重点之外，没有太多共同点，区别点有三点。

4.1 廓形

波普一般选择不体现身材的直身样式，这与它的趣味、大众化、叛逆相协调;欧普一般选择体现身材紧身收腰样式，这与它的几何图案能够引导视觉中心、修饰身材有关。

4.2 款式

欧普款式比波普款式丰富，因其表现形式只有几何图案，不像波普那么广泛，所以在款式上多做些处理。

4.3 材质

欧普通常选择有光泽感飘逸或针织的面料，波普则多种多样。

摘要：波普艺术与欧普艺术拥有着如此相近的名字, 出现时间也紧挨彼此, 而且都以图案为设计重点, 看起来似乎难以分辨, 但如果在廓形、图案内容、款式、色彩、材质和装饰手法等诸多方面逐一研究, 就会发现它们的明显不同。

关键词：波普艺术,欧普艺术,服装图案

参考文献

[1]卜向阳.服装艺术判断[M].上海:东华大学出版社, 2003.

谈服装造型的艺术风格 篇9

关键词：服装,造型,风格

人物性格的烘托得益于服装艺术形象的对比,这种对比无处不在,或美或丑,丑中有美,美中有丑,而这一点正符合舞台服装服务于演员所扮演的角色的要求,在对比中产生矛盾,由矛盾产生韵律,从而形成舞台性格的鲜明化。根据目前较为普遍的看法,服装造型主要分三种类型:一是适体服装;二是披挂型服装;三是介于二者之间的部分披挂、部分适体的服装。

具体到每个人,究竟应选择哪种造型的服装,不能一概而论。这主要是因为人与人之间的差别除了形体不同以外,更重要的不同是每个人的性情爱好、文化修养、生活环境、身份地位等诸多内在和外在因素的不同,并由此形成了人的千差万别。即使有相似的体型,也还会有不同的气质和个性。正像清代沈宗骞所说:“传神写照,由来最古。以天下之人,形同者有之,貌类者有之,至于神则有不能相同者矣。”所以,究竟选择哪种造型的服装,出发点只有一个:选择符合自身个性的款式造型。只有个性化的着装(不仅仅是款式造型,还有色彩、面料及装饰品的配套等),才能与自己的个性和谐一致,才能烘托个性、展示个性,保持自我以别于他人。

比如青年人的着装,应突出体现的是自己富于生命力的朝气勃勃的精神风貌。因此,可根据不同的时间、场合、气氛环境,选择不同色彩、款式的便装和运动装。比如去郊游,去参加青年人的联欢活动,尽可以选用明亮鲜艳的色彩,服装款式可选择较夸张的装饰性强的,如流行的蝙蝠衫、领口加飘带的衣衫等;但是如果去上课或者去导师家访问,服装就要选择色彩淡雅、款式简单的便装了,这样才能与真诚的求学精神相协调。

在现实生活中,形体不够完美的人是存在的。但每种形体不论是完美还是不完美,都存在着各自的特点。对不完美的形体,要调动多种装饰手段去美化之。

比如个子矮小的人,尤其是个子矮小的青年人,往往显得精明灵巧。若是下装选择淡雅的浅色,款式选用造型不是很夸张的筒裤、细脚口长裤或刚刚过膝的褶裥裙装,在上衣部分加重色彩(但要注意色彩在量上的平衡)和装饰,从而把修饰重点上移,引导人们的视线从下自上,就可以造成一种高度上的“错觉”。如果再在修饰中透出自然、淡雅,必定会是充满了生机和青春气息的。实际上,想凭借深色着装以减小围度是不可取的:一是过于浓重的深色与青年人明朗欢快的个性不谐调;二是深色着装在缩小围度的同时也将降低身体的高度,因为人是立体的,着装后将构成一种空间状态。所以靠深色服装来缩小形体尺寸是不可取的,反而应在突出人们对于矮胖形体的稳健、朴实等美好印象上花功夫。因为是青年人,所以色彩不可过于深沉,要偏于明朗,要淡雅,切忌俗艳。花纹图案要清新明丽,不可花团锦簇;款式要适体,夸张的款式只会增加自身体积感,而不会给你带来含蓄的风韵。无论哪种款式,面料都要适当地考究些。再加上精巧的加工,才能使着装造型规整并增加气派和风度。有的青年人为增加形体的高度,不适当地加长了裤长和鞋跟高度,这不仅没有产生挺拔俊秀之感,反而显得拖沓臃肿。考究其因,乃是犯了单纯摹仿的错误。

现在,大多数中年人的体态也属于短胖型,着装更应注重整体的舒适感与整洁感。无论在色彩上还是款式上,都不要过分拘泥于陈旧的传统和习惯,要大胆地克服自己的“心理障碍”。可是,大部分中老年人受旧传统束缚,总是难以摆脱遮蔽形体的“宽袍大袖”的着装习惯,认为自己体态臃肿,要用又肥又大色彩沉重的衣服来掩盖形体。其实,这只会增加自身的空间体积感,显得更加笨重。

服装艺术的后现代解读 篇10

在20世纪以前, 服饰的变化与相关艺术理论之间的关系是明晰的, 艺术对服装变化的影响要比今天单纯得多。20世纪后, 艺术则显示了多样化的趋势, 服饰的风格也随之显示了多元化, 时尚变化更加迅速, 与其它艺术的关联也越来越不确定。后现代主义作为设计观念, 是指在反现代主义的过程中形成于20世纪60年代, 发展于70年代, 成熟于80年代的一股设计思潮。在后现代主义设计理念的影响下, 服装设计从形象、材料、色彩、风格等方面都完全打破了传统的美学标准, 形成了一种全新的"颠覆美学"。

后现代主义的重要观点之一就是认为“主体和客体是有联系的, 主体只是认识的一个单元”。而服装消费者对于服装的审美在很多时候并不是单纯从服装本身的艺术特质出发的, 服装的使用属性决定了消费者通常是将服装与作为穿用者的自身联系在一起加以认识的。后现代主义认为审美者对于作品可以凭想象而加以填补, 感知也是创作。而在服装的使用过程中, 现在消费者越来越倾向于进行服装的自我组合, 从后现代的观点看, 服装艺术是设计师和消费者共同完成的。

后现代主义者宣称“当代艺术已经死亡”, 因为高雅艺术与流行文化已经同流合污没有区别。服装艺术中的高雅与流行的同质化以及服装艺术创作和批量产品的一体化, 为后现代主义观点提供了有力佐证。后现代主义不崇尚科学和理性, 有强烈的自嘲性, 嘲弄传统和权威。比例、和谐、均衡和黄金规律等传统的形式法则和审美准则被弃置在一边, 许多另类、不合理的设计概念被运用到设计中。

后现代主义的观点中, 服装艺术作品只是一具形象的空壳, 结构式的服装作品成为一种风尚。放弃传统式样, 功能件成为了刻意的摆设, 配伍是叛逆式的搞笑, 各种原本互不兼容的艺术风格元素随意组合, 是艺术的创新, 也是服装设计思维的革命, 但具有很大的破坏性, 如日本设计师川久保玲、山本耀司对既成观念挑战, 以黑色为基调, 推出了令人瞠目结舌的破烂式和乞丐装, 是对所有既成样式的毁灭和破坏, 是人类生存方式的一种新思考。他们以更加彻底的革命精神, 对一切传统提出挑战, 这种让许多人难以接受的“黑色冲击”又一次给巴黎时装界投下的一枚重磅炸弹, 掀起轩然大波。川久保玲大胆打破华丽高雅的女装传统审美习惯和着装常识, 从各种对立的元素中寻找组合的可能性, 从各种角度来考虑设计, 有时从造型, 有时从色彩, 有时从表现方法和着装方式, 有时有意无视原型, 但又故意打破这个原型, 总之, 反向思维。川久保玲认为黑色是一种代表着人们所能看到的社会现状的另一个侧面, 这个侧面也是人人都有的一种心理色彩。山本耀司这样解释自己对黑色的偏爱:“我采用黑色等暗色调, 是一种反命题, 因为黑色是向传统挑战的色, 随着人类的现代化合知识化, 黑色调必然为人们所接受并乐于穿用。

80年代的服装也明显受到了后现代主义文化思潮的影响, 服装设计理念有了重大突破, 许多过去另类的、不合理的设计概念被运用到设计中, 呈现出新的特质。女装设计中也体现出独特的“后现代风格”, 即打破艺术与生活的界限, 出现了显著的平民化倾向以及对各民族艺术的包容和古典主义的传承再现。对女性形象的塑造, 出现了比较颓废的并带有反叛的精神, 在保持整体风格简约性的同时, 更注重细节的装饰, 体现出休闲的味道。在这股风潮中, 最具代表的是让-保罗·戈尔捷 (Jean Paul Gaultier) 和英国时装设计师维维安·韦斯特伍德。让-保罗·戈尔捷倡导了男性穿裙子的风潮, 也以怪异而另类的手法来逆转传统的审美, 打破高雅与粗俗、华丽与朴实、精美与丑陋之间的界限。麦当娜在她1990年的金色旋风之旅的演出中所穿的金属尖锥形胸衣也是让-保罗·戈尔捷的设计, 基本采用的是女性的紧身内衣, 而内衣外穿正是他自70年代开创的反叛风格, 其设计理念是既引导流行又颠覆传统, 他重新定义了时尚界的规则, 在设计上坚持男女服饰平等的原则, 以怪异而另类的手法挑战隽永的传统文化与前卫创新意识相结合, 使其获得了特殊的声誉;维维安·韦斯特伍德 (Vivienn Westwood) 则成功地将青年亚文化群体的服饰观念运用到高级时装的设计元素之中, 比如以皮革和橡胶为素材破烂不堪的古怪服装, 深受以嬉皮士为中心的时尚青年的追捧, 她设计的服装成为朋克族的“制服”, 被称为“朋克之母”。她思想另类、性格乖僻, 用颠覆传统的设计理念, 改变了欧洲既有的时装格局, 利用历史素材和街头元素创造出惊心动魄具有极端色彩的时装。

总体上概括, 70年代中后期, 后现代主义艺术设计代表了当代文化、审美的变迁, 这种设计理念是对现代主义的凭吊。设计师们提倡复兴观念、强调材料。意向多元化, 后现代主义甚至影响了科学、文学、哲学与批评。所以在20世纪70~80年代以后出现的乡村风貌、乞丐风格的时装、宽肩男性风格的女装。甚至艳俗、同性恋、女权主义、传统美学意义上的“丑”都进入了时尚领域。一批前卫的时装设计师, 以他们怪异大胆的创造, 获得了喝彩, 除了让-保罗·戈尔捷、维维安·韦斯特伍德、川久保玲等时装设计师, 一些信奉高级时装原则的设计师也在设计中或多或少的加入了嬉皮、朋克服装风格的成分。后现代主义对服装艺术及服装设计师都产生了深远的影响, 在服装中表现为对于多元文化和风格的包容和体现。

参考文献

[1]李当岐著.西洋服装史.北京:高等教育出版社.

[2]卞向阳:服装艺术判断.上海:东华大学出版社.

京剧服装设计是一门造型的艺术 篇11

不懂戏的人们往往不清楚京剧中何时用到服装设计这一概念。京剧里有传统戏、新编历史戏和现代戏。传统戏中用到的传统京剧服饰是有一定规制的。在京剧悠长的发展过程中，流传了很多经典的戏服，传统戏中京剧演员所穿的服装并不需要重新设计，而每部戏中所穿戴的服饰只需要根据演员的身高、戏中的需要进行微调。管理服装的人被京剧行里称为衣箱师傅。用到服装设计的戏主要是新编历史剧和现代戏。这些戏在内容上有了变化，需要将传统与现代结合，在服装与服饰上就需要重新设计。这一设计所包含的传统元素、时尚元素、戏曲元素又要与人物的性格、身份相结合，这本身就是极具挑战性的创作过程，对设计师要求极高，需要既懂戏曲，对传统服装规制了然于胸，又具有时尚的眼光，敢于尝试新鲜事物。在这里，我们走访著名戏曲服装设计师石翠亭老师，让她带着我们一窥京剧服装设计的世界。

繁复而多变的京剧服装设计

石翠亭老师多年来为众多戏曲剧目完成了服装设计，包括新编古典京剧《一代贤后》，轰动罗马的由歌剧《图兰朵》改编的京剧《杜兰朵》，新编历史京剧《风雨同仁堂》，新编青春京剧《墙头马上》《南柯梦》，现代京剧《孔繁森》，以及昆曲《比目鱼》，河北梆子《清风亭》《村官李天成》，新编黄梅戏《许锡麟》，婺剧高腔《貂蝉》，现代评剧《风起同仁堂》，正字戏《刘文龙》等。其中的小剧场京剧《马前泼水》在戏剧结构上尤为独特，它不是按时间顺序，一个场景一个场景地连缀组接，而是采取不断闪回的手法，在叙事方式、人物定位、舞台时空转换、情节脉络发展等方面都与传统剧目和新编剧有很大不同。这就给人物造型的首要创作者——服装设计，提出了具有挑战意味的新课题。一部小剧场京剧人物的造型，从主角到配角，所有服装服饰全部都是“新鲜”的，凝聚着设计师的心血与理念。而《马前泼水》《阎惜娇》这两部开京剧小剧场先河的服装设计师正是石翠亭老师。

京剧的服装设计并不是简单的时装设计概念，京剧服装设计师确切地说应该是被称为人物造型师更为恰当。从拿到剧本开始，石老师需要做的第一步就是研究剧本，分析人物。从人物的性格、身份、在舞台上表演的需要等方面进行分析。拿《马前泼水》为例子，剧本拿来了，人物并不多，但是难度却很大。这是一出有着多处闪回的戏，舞台上需要“明场换装”，而人物的身份在台上是变动的，这就需要在服装上符合情节的需要，要有“兼容性”。石老师说：“因为人物是多空间的，可塑性强，服装需要有可变性、多义性。崔氏的服装款式上衣采用交领、右衽长裙裤、长水袖，下罩长裙，在领口、袖口、腰箍、腰襟子处装饰有力度的藏蓝冷色为基调。整件服装的特殊性表现在颜色上，右侧袖子是淡淡的粉色，左侧是淡淡的蓝色。从纹样上，淡淡的粉色上绣有淡蓝色纹样，与腰箍的蓝色、裙下摆的裙式纹样形成冷色调对比。她出场是落魄的，所以头上有一缕甩发，裙子是过渡的蓝调子，跟上衣左侧的淡淡的蓝色是呼应的。到闪回到洞房花烛夜的时光，灯光慢慢变化的同时，服装就需要改变，在领口、袖口，绣有灰粉色的图案，与红腰箍、革带、红裙子作为呼应。因为是在台上直接变化，所以裙子就设计成两层，外侧是蓝，里侧是淡淡的红色，演员在瞬间转身过去的时候，红裙子这边的粉色就呼应了。所说的服装需要中性的设计，就是指它需要适应不同的情景。到后面回到现实，又需要转过来。在洞房的时候，服装配合闪亮的灯光，气氛立刻就调动了起来。水袖是渐变过渡的粉色，非常长。水袖甩出来，服装立刻就从冷调子变成暖调子，气氛很喜庆。这套服装开始设计的时候挺发愁，如何在瞬间变一个风格，试了很多次。最后设计腰箍外侧是蓝色的，里层是红色的，用搭扣，连裙子一起转，最终达到了需要的效果。这里就用到了一些现代时装的设计手法。”

对剧本和人物性格进行分析，在戏剧的服装设计上是非常重要的。“最初拿到的正字戏《刘文龙》的剧本里就写了一句大汉使者出师‘西番’的一句话，并没有告诉你到底这个‘西番’是属于哪个少数民族。你要根据‘西番’这个背景设计人物的服装。怎么办？这就需要设计师大量地参阅各种历史资料。我查了很多资料，最后了解到‘西番’是生活在甘肃一带的少数民族，最早就是羌族变化而来的。如何将羌族的民族服饰特点融入到戏曲里面，加入戏曲元素又适合舞台演出？这就是设计中的难点了。我发现北京的地下通道里有一些羌族妇女在卖东西，我就跑到人家边上看她们的头饰，回到家进行不同的设计尝试，并与做盔头的师傅反复商量尝试很多次，才能设计出符合需要的服装头饰。”石老师如是说。

从这些点滴的例子，我们看到的是京剧造型设计的多变与繁复。没有一份对这个职业的热爱与深厚的专业知识底蕴，无法胜任这项工作。现在流行淡雅的服装设计理念，一些戏曲服装设计师往往过于追求淡雅的风格。对此，石老师说：“一件戏服上可以同时包含狮子、虎、豹、象等等设计元素，象征人物的威武和美感，这就是京剧的风格。我认为，京剧的服装设计还是要保留中国传统的设计风格。在颜色上、设计理念上不能一味追求淡雅和飘逸。现在流行淡雅、飘逸，有艳丽才有淡雅，有凝重才有飘逸，两者缺一不可。

“京剧本身有贵气，设计的时候在淡雅的基础上，花纹处理要有力度。比如《阎惜娇》里宋江的服装造型，朴素的颜色，但是料子采用暗花纹。大领的设计，花纹上加上有力度的重色和金、银亮色，把人物热烈的情感体现在服装上，这才贴切。京剧中的服饰是老祖宗留下的经典，不能轻易丢掉。”

京剧服装设计是一份责任

中国京剧这门复杂、难度很高的舞台艺术，从人物表演行当生、旦、净、丑，唱、念、做、舞、翻，服装款式，蟒、、靠、褶、衣、脸谱、头饰、盔、靴，道具等都以虚拟、程式、象征、装饰，形成了一整套清晰的严格规范。京剧服装款式多为宽袍阔袖，庄重、质朴，突出体现了“装饰人体美”。服饰色彩形成上、下、五色及杂色的色彩体系，色彩鲜明、对比强烈、层次丰富、绚丽多彩。如“四大名旦”，梅兰芳的服装金碧辉煌，程砚秋的服装高雅清淡，尚小云的服装火红亮堂，荀慧生的服装红绿相映，他们的服装各具特色，形成流派。京剧服饰色彩绚丽，夸张辉煌的图案，常给人以强烈的冲击力。服饰上的图案纹样，古代美术纹样：龙凤博古纹、兽纹、麒麟纹、云纹、蟒水纹、花纹；民间吉祥纹样：岁寒三友纹，四君子纹，富贵纹，如意纹，五福捧寿纹，蝶燕纹；宗教纹样：太极八卦纹，万字流水纹，火纹，八吉祥纹，八宝纹；象形纹样：猴毛、猴璇纹，水族纹，火纹等。这些纹样有很强的民族风格。服装设计采用几种方式：一是借物示意，如松鹤长春等；二是谐音转化，如以“蝠”和“福”的谐音构成的蝠（福）从天降；如蟒服以“满”花纹布局，十龙团为主，蟒水为辅，以八吉祥和云纹为辅衬纹样，是象征权力，帝王将相高官身份。不仅蟒，龙袍刺绣滚龙，团龙，行龙团，连靠（武将所穿铠甲）也遍绣龙的图案。不仅官宦人家衣着华丽，穷人乞丐衣衫褴褛也美化为“富贵衣”（在青褶子上有规律地缀上拼接色艳的缎子方块）。

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京剧服装设计工作，是一项需要设计师有着高度责任心与耐心的工作。一部戏的服装设计，往往近百套，从配角到主角，服装从束带、帽子到鞋子，人物从媒婆、村姑到皇亲国戚，都要进行造型设计。这项工作是繁杂琐碎的。

戏曲的服装设计是分几步的。戏曲服装和其他服装设计最不同的地方就在于除了款式的设计以外，服装图案的设计尤为重要。从头上的帽子到脚下的鞋子，仔细观察，你会发现，京剧里的每一件服装上都有不同的花纹图案设计。

石老师接到一部戏，分析剧本后进行人物的服装设计，最先勾铅笔稿。有了设计图后，到剧装厂做预算。然后根据演员的个头，按一比一画分解图。这之后第一步先挑面料，第二步画活，然后回家晚上添加颜色直到深夜。有时睡到深夜醒来，突然想到女主角的上衣要添加梅花纹样，因为要赶着第二天配绣线。第三步染后绣图案。戏曲服装设计是一件辛苦活，石老师说：“接一个戏，需要我天天去剧装厂，有时候连续20多天在剧装厂，直到最后绣图案的时候，可以休息几天。到成衣的时候，再过去。每件成衣的花边、牙子，都要亲自去找，非常复杂。我都是一步步盯着厂子里的人做，这是一个细致又严谨的工作。比如绣图案的时候，我会坐在那里看工人们绣。先根据我的设计绣个样子出来，绣到我觉得满意了。下面按照这个继续绣，如果绣得不够圆，不够理想，再重新绣。绣到我觉得满意了，我就离开做其他件。他们做这件，我再去画另外一件。有时剧装厂都不愿意接我的活，嫌我要求太苛刻。但是我觉得我要为舞台负责，为剧团负责，同时也是为剧装厂负责。这是一份责任。”石老师是个非常负责的人，现在有很多年轻的设计师并不会如此天天盯着，往往把大图设计稿交给剧装厂，细节由剧装厂去弄。石老师说：“这样出来的成品肯定不如我每步都严格把关的效果好。在舞台上，一个细节的变化，差距就非常大。有时候某个牙子某个边颜色稍微不正，整体效果就被破坏了。很小的细节决定成败。”

看石老师的服装设计图，是一种享受。每一件服装、每一个图案，都描画得如精工雕琢。花的样子甚至细小到花蕊都如同立体的成品一般。石老师设计戏服上的花纹都是自创的，根据汉代的花纹重新组合，再依据冷暖调子的需要，将颜色进行统一搭配。她设计出来的花纹，被她一笔一画地描上颜色，绣工只需根据设计图直接配色就可以完成。在石老师每一步的严格把关下，她设计的服装服饰，成品出来后从来不需要返工。对服装服饰的严谨态度，让石老师每设计一套服装都十分辛苦。很多时候设计稿中的服装颜色没有现成的适合的面料，需要石老师指导下进行染色。而细小的配饰更需要石老师去批发市场亲自去找。设计的饰物往往都没有现成的，需要石老师坐着公交车满北京的找寻。这份辛苦不言而喻，而对此，石老师任劳任怨，并对她的学生也如此教育：“做这一行就要学会辛苦，习惯辛苦。”

石老师热爱戏曲服装设计这份工作，对于中国传统的花纹图案有着深厚的感情。她希望中国传统的艺术经典可以流传下去，在未来发扬光大。

我们的设计者应该是在继承、尊重传统精髓的基础上，根据时代发展，剧情人物需要，进行元素创新整合，重新构建新的艺术造型，但又不能偏离京剧艺术的规范美。

服装艺术的发展 篇12

一、服装手绘艺术的发展与优势

实际上服装手绘艺术早在我国帝王时代就有所流传,当时的人们常常运用一些燃料在服装上进行涂抹,然后让衣物显得更加鲜亮。后来印花工艺逐渐的取代了这种古老的服装设计形式。在现代化的社会中,人们对于服装设计有着更多的追求,其中对于新奇、浪漫、个性和洒脱的追求较多,所以在服装设计的过程中运用手绘艺术能够更好的激发人们对于艺术的追求。手绘艺术在现代化的发展中具有十分广阔的发展空间和发展趋势,因为更多的人们在实际的生活中对于艺术在不断的探索和追求,这种手绘艺术恰好能够满足人们对于新鲜事物的追求,手绘艺术正在逐渐的融入人们的生活当中,在服装设计中也已经充分的展示出了服装艺术自身的价值和魅力。这对于推动我国服装设计产业的发展具有十分重要的意义。由此可见服装手绘艺术在我国的服装设计中将会具有十分广阔的发展趋势。

二、手绘艺术在现代服装艺术设计中的作用与价值

1、手绘艺术填补了现代化机械技术的不足

手绘艺术虽然已经被很多人视为是新世纪的一种服装设计模式,但是从机械技术方面来看,手绘艺术还存在很多不足之处。在实际的服装生产中,一些商家为了减少生产成本和时间成本,经常将同样的手绘图案生产很多,这虽然能够增加产量,但是却大大降低了消费者追求时尚和个性化的心理。运用机械技术去完成服装的设计工艺,也会导致设计师的一些理念不能够充分的融入到服装设计中,而手绘艺术却恰好可以填补现代化机械技术中的不足之处,将一些机械无法完成的工序运用人工来完成。可见手绘艺术在现代化的服装设计中占据了十分重要的地位,运用手绘艺术不仅仅可以满足人们对于个性化的追求,还能够让服装设计师将自己的设计理念充分的融入到服装设计中,让更多具有创意的服装设计融入到人们实际的生活中[2]。

2、手绘艺术制作的图案具有较高的商业价值

手绘艺术能够为服装行业带来更多的商业价值,这已经是摆在人们眼前的事实,因为在现代化的社会中,人们购买服装并不仅仅是为了遮体避寒,更多的则是为了追求服装自身的面料和设计风格,人们喜欢购买独一无二的服装,因为这样能够更好的彰显出其自身的个性和性格特点。也正是因为人们的这一思维理念,所以才为手绘服装设计师提供了更多的商机。通过手绘一些独一无二的作品来吸引消费者的眼球,进而刺激消费者去消费。可见,手绘艺术为服装设计行业带来了更多的商机,消费者对于服装个性化的追求已经成为了事实,如何创造出吸引消费者眼球的手绘作品是服装设计师应该研究的主要内容[3]。

3、手绘艺术创作的图案可以满足消费者的多种需求

据有关研究结果显示,手绘艺术所创作的图案能够满足更多消费者的需求,因为手绘艺术不仅可以快速地表现服装结构和工艺细节,还能够满足消费者好奇的心理,让设计师的创意得到充分的展示。服装设计者不仅仅要具有较强的洞察能力,还应该具有一定的思维表达能力,因此服装设计师要想设计出具有创意的作品,就一定要不断的搜集一些艺术信息,这样才会为创作更有价值的艺术作品奠定坚实的基础。服装设计师不仅要紧跟时尚潮流,还应该考虑手绘服装的个性和特点,只有在设计中融入更多创新式的想法和理念,才会让消费者在穿着和选购的时候体验到美的享受。手绘艺术所创作的图案能够满足消费者更多的需求,让消费者体验到更多美的感受。

三、手绘艺术在服装艺术设计中的具体运用

1、手绘艺术制作的图案应该与服装艺术设计的风格相符合

手绘艺术所制作的图案应该与服装艺术设计的风格实现完美的融合,手绘艺术素材的选取可以分为很多种,对于不同的服装设计师而言,在设计手绘图案的时候一定要根据不同的服装风格来制定不同的手绘内容。因为手绘图案往往能够真实的反应出服装设计者的内心想法,只有设计的手绘图案与服装风格相符合,才会更加真实的展现出艺术的自身魅力。从宏观的角度上来看,手绘内容不仅与图案有关,还与手绘的颜色有关,只有具有创意的风格才会更好的吸引消费者的眼球。在此期间,服装设计师一定要注重手绘图案的精美,只有具有创意、精美、有艺术魅力和价值的图案才会更加吸引消费者的眼球[4]。

2、手绘艺术制作的图案在服装艺术设计中的布局要合理

手绘艺术制作的图案一定要实现设计合理、布局合理等要求,因为手绘图案本身就具有较高的艺术价值,其创作的需求不仅仅是为了满足消费者对于个性化的追求,更多的也是为了服装设计师能够充分的发挥自身价值。手绘艺术在服装设计中会具有很多的优势,不仅如此,手绘图案在服装设计中的整体布局也是非常重要的,因为对于消费者而言,合理的布局会让人感到赏心悦目,而没有规则的布局则很容易让人感到杂乱。所以在手绘艺术的设计中合理布局是非常重要的。

3、手绘艺术制作的图案要能够融入服装设计中

手绘艺术所创作的图案一定要融入到服装设计中去,这样才会让消费者感受到服装与设计的完美融合。手绘艺术一般都是在现代化的服装设计中较为流行,因为在现代化的社会中,大多数的人们都希望能够购买到独一无二的服装,所以手绘艺术在现阶段的社会中更具有发展潜力和发展空间。要想让手绘图案与服装实现完美的融合,还需要对服装设计中的色彩搭配进行合理的研究,对于不同风格的服装而言,色彩的使用是至关重要的,只有让手绘图案的颜色与服装自身的风格实现完美的融合才会更好的彰显出手绘艺术的自身价值和魅力[5]。

四、结束语

综上所述,笔者简答的论述了手绘艺术在服装设计中的运用,通过分析可以发现,我国现代的手绘艺术已经充分的融入到了实际的服装设计中,在这个信息化技术飞速发展的二十一世纪中,服装艺术的发展必将会与手绘艺术有着紧密的内在联系,对于我国服装设计而言,创新式的发展和艺术设计必将会受到消费者的好评,在未来的服装设计发展中,设计师不仅要有着一定的创新理念,还要对手绘艺术有着更多的理解和认识,否则手绘艺术将很难在服装设计中发挥出自身的价值和重要性,手绘艺术作为一种古老的艺术形式,在现代化的社会中必将会具有更加广阔的发展空间。

摘要：随着人们生活水平的发展和进步,越来越多的人们对于艺术已经有了更高的追求。在人们生活日益丰富的今天,我国的服装艺术行业也受到了人们的重视,很多服装艺术师为了迎合人们的审美,常常运用一些巧妙的设计方式来将衣服变的更加具有创意,有些具有风格的设计师还将手绘艺术融入到了实际的服装设计中,本文笔者将会针对服装手绘艺术的发展与优势进行简单的分析,并对手绘艺术在现代服装艺术设计中的作用和价值等内容进行具体的阐述。

关键词：手绘艺术,服装设计,发展趋势,现代艺术

参考文献

[1]喻英,王佳玉,李鸿飞.试论手绘艺术在服装艺术设计中的运用[J].湖北经济学院学报(人文社会科学版),2014(09):145—153.

[2]胡雅丽,张天野,李超.现代服装艺术设计中传统服饰元素的运用[J].设计与人文,2014(06):132—133.

[3]李凯,王瑞峰,龙跃.浅谈手绘艺术对于服装设计主题的表达[J].辽宁丝绸,2015(05):156—167.

[4]曹阳,刘璐.手绘艺术在现代平面设计中的回归[J].美术教育研究,2014(05):121