练习大提琴的方法

练习大提琴的方法（共10篇）

练习大提琴的方法 篇1

现在学器乐的人越来越多, 但是大多数的人都是在盲目的练琴。练习一百次错误的东西比不练习更糟糕。用积极的心态练琴、头脑清醒、目标明确、有针对性且练习时要全贯注。要使自已成为一个高水平的优秀乐手, 在学习拉琴的同时也要学会如何去练琴, 做到事半功倍。因为每个星期老师给你上课只一、二次甚至还有两周一、二次和一月一次的, 而练琴则是每天一、二次, 所以如果练琴的方法、习惯好, 能掌握住要领, 效率就高, 进步就快。

我们先来看看前辈们的千古名言:谁能像我一样勤奋, 也就会有我一样的成就。——巴赫;天才就是勤奋。——托斯卡尼尼;浮生有限, 艺海无涯, 学习也无涯。——刘海粟

中国古人云:宝剑锋自磨砺出, 梅花香自苦寒来。熟能生巧, 巧能生华, 能行云流水, 出神入化。要立志!志不强者智不达, 言不信者行不果。要追求!学而不厌, 诲人不倦, 学而后知不足。要勤俭!勤能实拙, 俭以养廉。

以上都是侧重于学习精神方面的警句。学习大提琴这一门乐器的道路是漫长的, 它不只是有鲜花掌声, 还有攀不尽的一个又一个高峰, 流不尽的汗水, 有时甚至是泪水。学习如逆水行舟, 不能苛求什么好条件。越是艰苦越能鼓人心志。在练习大提琴时要注意以下五个方面的问题:

(1) 时间上, 每天都要有最低限度时间量的保证, 许多技术没有磨练过程是掌握不了的。磨练, 就要时间, 幼小孩子耐力较小, 每次练习可稍短些, 但两三次合起来, 每天总要在一个小时以上。

(2) 练习动作时, 务必同时练习耳朵和头脑, 耳朵时刻要注意听, 检验对弹出的声音是否满意, 脑子要时刻指挥、调整参与行动的身体部位, 这就是精神集中。

(3) 练习的目的要明确, 练习是把自己不会的东西练会, 把老师指出的和自己感觉的缺点改正过来, 究竟要练会什么?缺点、错误是什么?都要非常清楚、明确、具体。

(4) 弄清目的之后, 每次练习都要至少解决一个问题, 退一步也要至少在一个问题上有进展, 这就是有效的练习。有的问题, 一次难以解决, 那也要尽可能进展得多些, 深些。

(5) 要讲究质量, 不求数量, 宁可内容少些, 但要质量高些。拉不了整首曲子先弹半首, 或一小段、或一句、或一个音型片断, 但每练一点就要高质量, 积少成多, 终究会练好全曲。

总之, 切忌练一天, 停两天, 耳朵不听, 脑子不想, 没有目的, 为练而练, 不计效果, 下面我们可借鉴一些演奏家对如何练琴的精辟见解。

1966年第三届柴科夫斯基比赛金牌得主, 前苏联的女大提琴家格罗吉拍·戈齐昂1999年9月22日来中央音乐学院授课时强调, 练琴时视觉、听觉要先有要求, 在想象中眼前出现的是一幅怎样的画面, 什么色彩, 耳朵想听到一种什么声音, 怎样的音响, 你做到了吗?练音阶应该揉弦, 这样在练音阶的同时也练了揉弦, 要非常连贯。在低音时手摇摆的动作幅度大些, 高音时手动作的频率快些。

1998年第十一届柴科夫斯基比赛银牌得主, 我国青年大提琴家秦立巍交流时谈到:练琴不在于时间的多少, 时间少同样也可以练好琴, 关键是目的性要明确, 练什么怎么练。我喜欢练习音阶、琶音, 这是基本功。我也喜欢拉练习曲, Piatti Popper等, 这是技术功底。中学生阶段, 自已还幼稚, 主要是把基础打好, 对音乐理解不多、不深, 在同我母亲合伴奏时, 她经常要求我要这样那样去表现。现在不同了, 经常是我要求妈妈的伴奏这里或那里多给我一点支撑。

我国青年演奏家王健。是DG唱片公司一百年来签约的第一位中国演奏家, 被小泽征尔称为世界级的演奏家, 在1999年10月的一次交谈中说:音乐是线条, 特别搞弦乐的人要对此很敏感, 一串音下来总是有线条在里面, 有起有伏, 你首先要具备被打动的能力, 才能够去打动别人。衡量演奏的唯一标准, 就是能不能先打动自己, 慢慢找到最佳的感觉。

世界著名大提琴家麦斯基反复强调了在练琴中, 一些极为重要的、宏观上的, 也可以说是他集40多年来演奏经验的精华:一定要自读乐谱, 仔细再仔细, 这是最好的学习, 这也是练琴, 要在字里行间去寻找音乐的真谛。

贝多芬的乐谱标有的记号和术语最多, 一个也不要遗漏:巴赫在谱面上什么也不写, 但音乐却都在他的乐谱中:奏鸣曲应该看谱演奏, 这样可以做得更好。反复不等于重复, 因为每一次演奏的感觉都是不一样的。他自己经常幻想音乐, 用心去体会音乐。想一想, 再往深层次去想:要想得宽一点、远一点, 要通过自己的演奏去打开人们的想象力, 让听众喜欢, 向他们传达最新的信息。

到底应该怎样练琴才是效率最高的, 这是每个人自己会从每天的练习实践中不难悟出的, 例如练习音阶时可以揉弦和绝对不能揉弦, 不然会影响练音准, 我想是因人而宜, 百花齐放。不然众说纷纭, 无所适从, 拿不定主意, 这也是要防止的。关键是要从实践中去不断改进, 探索出新的方法、新的思路, 适合自己的方法。

我认为让孩子认真、自觉地练琴最好的方法就是让他感兴趣。学琴不要硬逼, 选择自己感兴趣的乐器。以为学琴是自己决定的, 练琴就表现得非常主动了。其次, 父母还是要帮忙。最初在家里练时, 父母帮点小忙是必要。父母可以不会拉, 但应该知道什么是正确的, 只要稍稍提醒一下, 监督一下, 孩子可以少走许多弯路。练琴, 勤奋是必要的, 但是科学的练琴可以达到事半功倍的效果。■

(厦门大学艺术学院)

练习大提琴的方法 篇2

着迷，即是陶醉。陶醉于其物，不能自拔，无论困难，磨难还是挫折，都不能磨灭对其物的向往。而我，就喜欢徜徉在音乐的海洋里。小提琴的声音至今仍在我心中荡漾，掀起心灵的碧波。

倒转记忆的流沙，我依稀地记得，那是三年级的时候，我幼小的心灵萌生一个新奇的念头：学习小提琴！从此以后，我打开了音乐世界的大门，沉迷在那把小巧精致的小提琴上。

对于初学者来说，登上流光溢彩、绚丽多彩的舞台，在上面淋漓尽致地表演，是遥不可及的。但为了实现心中所想，我每天都坚持练习。虽然经常练得手酸，手指尖儿由痛变成起泡，由起泡变成长茧子，但我仍然不放弃，重新架起琴，把弓放在琴弦上拉起来。后来我的`的确确站上了舞台，奇迹般地打破了这个思维定势，增强了我的自信心和对小提琴的着迷。

我每天都在练习小提琴。或许，你在夜间能听到一段美妙婉约的《小天鹅舞曲》，极有可能就是我的琴声。一支支动听的曲子缓缓地流淌着，犹如清澈的小溪；一个个美妙的音符欢快地跳动着，仿佛尽情舞动的舞者。美好的音乐回荡在耳畔，充满着整个房间，充盈着整个心灵。

尽管每次去上课，老师给我的评价都不是很高；尽管每次去上课，老师对我的成果都不是很满意；尽管每次去上课，老师对我的缺点大大批评，但我从不放弃！

終于有一天，老师对我满是期望；终于有一天，老师对我的评价变高；终于有一天，老师对我赞不绝口；终于有一天，老师把我当做他的得意门生。这就是我着迷小提琴的成果啊！

多少仁人志士在着迷中前进，由青灯黄卷走进了线装书，留在了汗青史册而熠熠生辉；多少消瘦的诗人，在对诗词的着迷中，潜滋暗长，造就了绝世好词，婉约豪放幻化作了春兰秋菊，震撼了千年之后的我们！

练习大提琴的方法 篇3

漂在水面写字拉琴

70岁的王老先生可谓是身怀绝技。他可以整个身体漂浮在水面上,一动不动然后漂浮在水面上写字。老人左手将纸举在眼前,右手写字。令人吃惊的是,整个过程他始终漂浮在水面,身体包括脚没有任何摆动的迹象。不仅可以正着写字,还可以写“反字”。

老人说这功夫简单,其实一点都不简单。“这种功夫太难了”,游泳馆工作人员说,平日里经常见王老来游泳,他们也曾让老人教漂浮,可根本学不会。漂浮要求受力平衡,任何一点不均匀都会造成头、脚向下沉,一般人漂浮都要吸口气,所以也不明白老人为何能边说话边漂浮,更搞不懂是怎么写字的。

为练习泡坏了4把琴

王老自小喜欢游泳、练琴,在看到有人曾在水面长时间漂浮获得吉尼斯纪录后,他也想尝试,并决定把两个爱好结合起来。王老练漂浮有4年了,两年前开始练习在水面写字、拉琴,因起初练习时掌握不好平衡,经常将琴翻在水面,为此已泡坏了4把琴。老人说,这种功夫最重要的是平衡,一动不动漂在水上还可以,但要甩着胳膊扭着腰,平衡是最难的。

据一名游泳教练讲,不用做动作直接漂浮在水面,并非人人都能做到,可能与人体密度有关,这也就解释了为什么有的“旱鸭子”能轻松漂在水面,而很多游泳很好的人却无法自然漂浮。

浅谈大提琴的有效练习方法 篇4

一首乐曲有整体的轮廓, 有细微的局部, 有段落的划分, 有情绪的转换。因此, 我们认识一首新作品是, 听录音无疑是最快最好地帮助我们解决了些问题。

一首好的音乐作品他的精髓当然是表现出了作曲家与他所在的那个时代的共同的精髓。而翻阅文献资料就可以帮助我们更深入地了解音乐作品, 揭开作曲家创作是的心态及其音乐观和世界观。

到了演奏者认真读谱的时候。依然不能着急, 而应该在基于前边所做的前期工作的基础上再次听录音, 仔细对照谱子, 分析扑面结构, 这样做的最大的好处是先在大脑中建立谱面的框架结构, 在第一遍看谱中, 就能在脑中储存很多信息。

由谱表, 调号, 节奏, 节拍、时值、休止符、以及每个音符所处的位置构成一首乐曲。这些看起来似乎是大提琴初学者的第一节课应该学习的简单内容, 却由于以前不良的读谱习惯, 不仔细, 不认真, 而在学生手中也同样犯着不可原谅的错误, 致使练习进度大大加慢, 甚至这种错误还一直带到最后演奏时也没有发现。避免这些问题的发生, 关键在于细心。演奏者要反反复复地对照乐谱, 慢慢地、耐心地检查自己是不是每一处都看准确了。

表情术语是最重要也是最容易忽略同时也是同学最容易犯懒的。由于这些说明大多是俄文或意大利文, 所以很多学生即使知道这些事表情术语, 也懒得搬出字典来一个一个字母的挨着查。这必然会使我们的演奏脱离轨道。所有这一切都是任何演奏家在“读谱”阶段必须注意的, 不可半点疏忽遗漏, 而以上这些看似简单的细节, 却是学生中最往往不受重视, 容易遗漏的部分。

总之, 养成良好的读谱习惯, 可以使学生和演奏家同样的受益匪浅。这些不但要在“动手”练习以前要认真进行, 还要有效地贯穿于联系与演奏的始终。这样坚持“有谱无琴”的练习方式, 也可以是乐谱中的每一个细节深深地刻在你的脑子里。

在做完了如此多看似麻烦确实必要的预备工作之后, 相信你已经对于手头的新曲目有了很大程度的把握性, 接下去的工作就是要反复艰苦不间断的练习。我认为具体在练习中要掌握好以下几个环节。

(1) 指法:正确的指法是通往成功的阶梯。除非是在困难片段无法克服的情况下, 可以试着摸索出适合自己的指法, 使之“由难变易”, 否则千万不要任意更改指法。

(2) 划分分句:音乐也有起承转合, 阴阳顿挫。把句子合理的划分出来, 可以让我们更清楚乐曲的结构。然后再按照划分的句子来练习, 不至于破坏乐曲的整体感。

(3) 难点练习:常常可以看到有的学生在练习时喜欢一遍一遍从头至尾拉奏, 当遇到中途有问题或者不顺畅的时候, 一种情况是停下来后又继续往下拉, 不去寻找原因。另一种情况是从头再来, 如果顺利的话就接着拉下去, 不顺利的话就从头再来, 这实际上时在碰运气。这种练习方法, 由于没有认真分析和找出不能顺利拉奏的原因, 只通过不断的单一的练习来解决问题, 所以时间是花了, 问题却解决不了, 当然也就不可能收到很好的练习效果。可见, 要使练琴能见成效, 对难点部分进行反复的练习时很重要的。

(4) 慢练:慢练犹如放大镜, 可以把乐曲的细节都放大, 是演奏者可以谨慎地注意到音乐的每一个细胞。

(5) 快速练习:随着熟练程度的提高, 我们就可以逐渐加速并增加快速练习的比例, 开始时当然还应采取快慢速度交替的练习方式, 不断检验、修正和弥补练习中的不足。

(6) 听觉训练:前边我们提过, 审视大脑作用效果的最好器官就是耳朵。大提琴的演奏也是通过听觉来检验和调整的。听觉我们可以分为主观听觉和客观听觉两种。演奏者弹奏出来的音乐供听众欣赏时这是客观听觉, 是演奏者已无法改变的客观效果。这是耳朵的直接功能, 也是一种听觉机能的消极作用。而作为一名演奏者, 他更大的任务应该是怎样去积极地完美客观效果。大提琴演奏者对于已奏出的声音是无能为力的, 因为演奏过程中实际发出的音响是瞬间的产品。但如果演奏者总是在内心中提前听到那些将要奏出的音响, 用内心听觉掌握一大片的音响世界 (当然这需要长期的对大量的音响资料的学习) , 以便调整自己的拉奏动作, 最后就能求得自己满意的客观声音效果。让自己的耳朵把客观听觉与主管听觉相协调, 我们就能拉奏出最迷人的音色。

音乐艺术主要是通过表现思想感情并取得听众思想感情共鸣来发挥作用的, 因此除去作曲家对音乐本身的感情、创造与理解之外, 演奏者对音乐的二度创作也是音乐表现中一个不可缺少的重要环节, 这包括演奏者除具有一定的专业演奏技能外, 同时也要具备多发面的知识, 特别是音乐史及音乐基本作曲理论等, 联系具体音乐作品内容, 作品产生的历史时代, 作品体裁、类型、作曲者的风格, 创作方法, 创作特征等。“想象”在音乐表现, 传达及理解过程中具有相当重要的地位, 它可以更有效地帮助我们完成我们的二度创作。

学习小提琴方法 篇5

在小提琴实际音高与标准音高相差很大的情况下，我相信你是可以听出来的，由于初学者耳听不灵，如果你家里有电子琴，我相信你完全可以调好。方法：你拉一下琴，再按一下相对应的音(如G)，也许你听不出来你到底调对了没有，不过你可以在电子琴上按高半音的黑键，或者是按低半音的黑键来对比，这样也许你就可以听出你的琴音高对了没有，如果还对不上，可以向继续在电子琴上找到与你小提琴音高的键，以此来调琴钮。我建议四条弦都可以采用此方法。

2、指板刻记调音

这种方法只能实现四弦的相对音高基本准确。先调好两弦(如D、A)的纯五度关系，可以在这两弦上拉一段熟悉的曲子，看相对音高是否基本正确(如果不正确，听起来就是有点不对，所以你多试试，这种相对关系应当是好找准的)。然后在指板上小指按的位置附近先划一小横线，然后在这附近按一条弦，并拨动，听其音高与高一弦的音高的关系，不断移动先按一条弦的位置，直至找准相对音高基本对上，刻下记号。然后用相同的方法调另两弦。

当然，最好是在别人调好琴的情况下，用上述方法记号。并且记住一条弦的相对音高是最好的。

3、纯五度调音

练习大提琴的方法 篇6

一、对音阶练习的要求

正确的持琴与运弓是保证好的音色的前提条件,身体的相对紧张和绝对的放松可以达到琴人合一的境地,另外大脑注意力的绝对集中和对音乐全身心的感受能力是练习者必须具备的素质。

具体来说,音阶练习是最先应注意的问题。然而许多学生却不重视音阶的练习,认为它枯燥无味,这种认识是不正确的。精确的音准、严格的节奏、丰满的发音这三者是演奏好小提琴最基本的要求,而音阶练习是达到上述要求的基础和保证。小提琴的音阶练习有着和小提琴演奏一样悠久的历史。音阶可以用来发展音准,建立手的框架;还可以用来发展左右手的多种技巧,在训练弓法、发音、力度、揉音等技巧方面都起着至关重要的作用。如果在一生的学琴之路上,一直能坚持不懈地重视音阶练习,重视空弦、练习曲等基本功练习,就能牢固地掌握小提琴演奏的最基本技巧,从而打开一个好的小提琴演奏家的成功之门。

如果我们把练习和演奏严格地区分开来,那么,每天练习的内容和安排通常的做法是:音阶和练习曲占三分之一、练习乐曲占三分之一、演奏乐曲占三分之一。在每天刚开始练琴的时候,学生可先用充沛的精力来进行较为乏味的技巧训练。接下来可把学的这项技巧恰当地运用到乐曲中,并解决乐曲中的技术问题;最后可以完全投入到音乐中,进行一些带有消遣性质的演奏。

海菲茨曾说过这样一句话,“若只有半个小时练琴时间,我会拉二十分钟音阶。”可见在小提琴练习中,音阶练习是多么得重要。我有一点小心得就是:如果说你是一个演奏员,因为繁忙的工作和演出任务使你不能保证足够的时间来练习音阶的时候,请不妨运用演出乐曲中的困难技术片段来代替音阶和练习曲来练习,也就是说多花时间在演出曲目的难点上反复练习,同样能起到单纯的练习音阶练习曲的作用。另外,还有一个重要的方法就是慢练,只有通过慢速的练习才能达到预想的效果。

二、对练习曲和乐曲练习的要求

我们首先要反对忽视音乐和练习曲的错误倾向,而另一个极端———忽略演奏乐曲的做法也是不可取的,即使从技巧的观点来看,这种联系也是非常重要的,因为在此过程中会暴露很多隐藏的技巧弱点。在练习乐曲时要注意两种不良的习惯:第一种是在练习过程中完全抛开音乐,把乐曲当做音阶来练习,这样很容易导致毫无感情地演奏;另一种是过分专注于音乐内容,却不能冷静地解决乐曲中的技术问题。

此外,这三者在内容上也不是孤立的,是互相关联的,如果某一天主要练习的乐曲是A大调的,为了熟悉调性,这一天的音阶练习也可以选择A大调。有时候学生在练习曲和乐曲中遇到的问题也可以移植到音阶中解决,如采用多种的弓法来演奏音阶,当在乐曲中遇到复合型的技术问题时也可以借助于专门的练习曲来练习。

小提琴演奏的基本练习、音阶练习、练习曲练习和乐曲的练习作为平时四个层次的练习材料是缺一不可的。学生在练习各种基本练习和音阶的时候,可以将各种基本技巧(比如音阶、琶音等)以记忆的形式储存在大脑里面,以待将来随时可以调用。而在乐曲中只要将已经形成的各种技巧稍稍加以修改,并根据音乐的内容进行一定的艺术加工便可以直接为艺术服务了。

练习永远应该是有意识的活动,而表演却需要用内心深处的下意识活动来进行音乐创造。这里的表演是广义的,不一定要站在高高的舞台上才是表演,练琴时只要存在自己的演奏会被别人听见的意识便会自然地包含表演的成分,这是在练习时应该极力避免的,就这一点说来,练琴最好能有一个较为封闭的场所。

简谈小提琴左手技巧及练习方法 篇7

本文我们主要聊一聊几个基本的左手的练习方法。手指在运动中的独立性和准确性是练习左手手指起落的关键。只有独立、准确的运动手指, 才能演奏的音准更加精确, 音乐更有表现力。在演奏时, 手指的运动方式与日常生活中手指的运动方式不同。通常情况下, 我们或抓, 或握, 都是五个手指一起用力。但在演奏小提琴时, 要求姆指尽量保持放松以保证其它手指运动的稳定和平衡, 而其他四个手指更多的是在有序或无序的交替运动。这种单个手指的独立运动是我们日常生活不常用到的, 所以需要加强练习。

练习一:按弦。按弦是演奏小提琴的最基本的动作之一。左手放在琴的第一把位, 依次反复练习每一个手指的起落。训练要求:拇指自然放松贴附在琴颈上, 手腕放松, 肘部自然下垂, 然后便可以开始手指的训练了。抬指要放松, 其它手指同样保持放松不被抬起的手指影响。落指要站稳, 不过度发力。依次抬起落下每一只手指, 起落要迅速。练习时要使用节拍器。手指的起落要靠手指本身的力量, 不要靠手腕的力量。

练习二:左手的拨弦。左手的拨弦在演奏中很重要但不是很频繁, 它是表现音乐的一个手段, 它不仅能增强手指的弹拨力量和同时也是增强手指独立性的一个重要手段, 也是加强音乐表现力的一种演奏技术。如果要练习左手手指拨弦的这个技巧, 练习时一定要保证手腕很自然很放松, 这样就能很好的演奏出清新有力的拨弦。一般初学者应当从第一弦开始练习, 拨弦一定要朝着手指自然收缩的方向拨。如果两个手指同时活动时, 一个手指要多于拨弦手指的力量按弦, 这样才能保证音准和清晰度外。音量和速度是拨弦的关键, 想做到拨弦的灵活运用, 用不同附点不同的节奏来练习是一个很好的方法。在练习这个技巧时, 尽量保持手臂手腕状态的自然放松, 慢练是很重要的, 一定不要急躁, 对每一个音反复的多次练习, 注意左手拨弦的方向和力度, 这样就能做出非常好的一个拨弦了。

练习三:换把。转换把位是所有弦乐乐器包括小提琴的重要技术, 每一个从事弦乐的演奏者和学习者都要具备的基本条件。通过换把可以拓展演奏的音域。由于换把是左手在指板上自由的上下移动, 而不是单单一个手指, 所以一定要保证左手尽可能的自然放松。一般要求拇指轻贴在琴颈上, 食指根部稍离开琴颈。一般情况下, 换把时小臂、腕、手同时顺着琴颈移动, 不偏离碰撞琴颈。要求手指轻微顺弦而过, 不能离开琴弦, 否则会发出不必要的空弦音及泛音。手指在指板上下移动的同时, 两个音之间不能发出滑过的声音, 必须要准确的一步到位, 在刚开始练习换把的时候, 如果先出现了不必要的滑音, 不要紧张, 等逐渐的熟练以后再取消这个多余的滑音也是一个不错的好办法。

练习四:揉弦。揉弦的类别有滚揉、压揉、搂揉、滑揉、垫指滑揉等等, 揉弦是一种有波浪的柔美的声音, 它可以使音乐更加的甜美时而宽广如潮、时而柔情似海, 也是演奏者对音乐理解的自然表达, 对揉弦的运用要自然、合理。练习时要放松手指由很慢开始逐步加快速度, 一直能得到一个特别平均自然音色好的就算成功了, 总的来说揉弦是由手指、手腕和手臂的各种方法以及动作支撑完成的一系列综合动作。演奏的时候要根据实际的情况, 灵活运用不同的揉弦技巧, 或者综合应用揉弦方式, 用技巧为内容服务, 使揉弦技巧和乐曲紧密结合起来, 来创造出无限美的可能。

练习五:泛音的种类和练习。演奏小提琴的泛音, 其实就是要把某个不容易听见的声音独立的表现出来, 小提琴的泛音在技术上没什么复杂的, 它只是对音准提出了很高的要求, 泛音也是弦乐器特有的一种技巧和特殊的音响效果, 不同位置的泛音可以使音高有不同8度音高的变化和色彩的变化, 类似于非常悦耳的啸叫, 有一种奇特、美妙、空亮的弦音。演奏出优质的泛音对于一个专业的小提琴演奏者来说非常重要。泛音可以分为自然的泛音和人为的泛音, 准确的不同的音位和在琴弦上合适的压力是演奏出泛音的关键。对于人为的泛音来讲, 准确的位置是指本音手指和泛音这两个手指的位置, 本音手指负责这个音的音准但不能发音, 泛音手指的音位和在弦上力度的大小决定了琴弦能否充分振动。人为泛音的两个手指在不同把位的准确性和泛音手指接触弦时力量的大小是发出泛音的关键。还有一点, 在演奏人为泛音同时还要演奏出揉弦的时候, 每一个手指的弧度都要和一二指保持一致呈一个四度的手型。当然, 当我们演奏双泛音时同时再加上揉弦几乎就太难了。

有关大提琴练习的一些思考 篇8

关键词：练琴,技巧,功夫,问题

多年的大提琴教学过程中, 我不断总结经验教训, 感觉好些学生在完成练习的过程中, 总会出现许多不必要的错误, 而在纠正这些问题时, 又因天长日久、渐成习惯, 积习难改。所以在针对问题、强化概念予以纠正时, 必须有一定时间加强练习, 防止错误的再扩大。但是, 老师的教学不可能时刻跟进, 点滴提醒, 这就需要学生在课后严格按照老师的要求去进行加倍认真的练习, 同时也要思考练习方法得当。因为真正的问题和困难都是来源于自身的, 所以要从解决自身问题开始。

下面笔者就关于练琴学习, 谈谈自己的一些想法与做法。

一、端正学习态度

做任何事, 端正态度、确定目标是首要。学琴尤其日常练习是极枯燥严谨的一门功课, 不能是混时间、算钟点, 得过且过。练琴不是玩, 一定要有一种信念, 带着目的去练, 同时要有信心面对你所面临的问题和困难, 要有勇气和毅力去战胜问题、解决问题。如果你面对问题时总想蒙混过关, 遇到困难时又想临阵脱逃, 那么练琴将会失去它的意义和效果。

二、练前精心准备

做任何事, 都要有准备地去做, 也就是说不打无准备之仗。在具备一个好的态度后, 在练琴时还应具有良好的事前准备。要习惯性清洁琴身、调好琴弦、上好松香, 让弓毛松紧适宜, 使支柱高低适中等。这些看似细小的问题, 如果被忽略就会影响了练琴的质量, 而如果因为这些准备工作不充分, 而占用了练琴的宝贵时间, 又是非常不明智的。

三、制定详细计划

每天的练琴课, 要认真制定计划, 而不是盲目的为完成作业而练。要主动培养良好的学习习惯。今天我的练习时间是多少?怎样合理分配练习内容?哪些方面需要巩固?重点解决哪些问题?做到不浪费每一分每一秒, 明确自己的练习目的, 有计划按步骤地完成练习作品。

四、重视练习过程

(一) 空弦、音阶、琶音、双音练习

空弦、音阶、琶音、双音都是练琴的基本功, 是每天都必须进行的重要一课。这几项都是琴技中的精华, 每次练习都要认真仔细, 把基础扎牢, 那样今后出现的一些技术问题也就引刃而解了。

例如在音阶的练习中, 我们就可以同时解决几方面的问题。1.音准。这是音乐中最关键的要求, 指板上没有任何音符标记, 只有靠过硬的基本功练习, 才能在日积月累中达到手到音到的专业能力。2.左手手形。左手摁弦一定要有正确的手形, 既是从观众角度可以有外观好看带有美感的表演形态, 也是为了在今后演奏中有更精准的声音体现。3.右手运弓。在配合左手练习的同时, 巩固完成对对右手运弓的要求。此时的关键是练习速度要慢, 才能很好地做到左右手兼顾, 而不影响演奏效果。

(二) 唱谱、视谱、背谱的练习

视谱是每个演奏员每接触到一个新作品的第一直观印象, 所以一定要认真慎重, 否则先入为主, 视听有误的视谱会给以后的练习带来不小的隐患。也会给老师授课带来麻烦, 因为反复纠错的过程, 是会严重影响到练琴的进度和质量的。所以视谱一定要重视, 从开始就有正确的视谱印象, 再加以反复练习, 自然进度和质量就不再是问题。视谱之前, 还应该养成唱谱的习惯。将乐曲中复杂的节奏反复在视唱中来解决, 这样就形成脑海中正确的第一印象, 之后再根据所唱进行模仿练习, 节奏也就准确无误了。背谱也是一种良好的习惯养成。严谨认真的背谱练习可以让接下来的练琴解除束缚, 把注意力集中到双手的练习上, 更多关注音乐的表现, 而非谱子。其实只要做到唱谱和视谱前两者, 就已经为背谱打下了良好的基础, 我们只需要把这个过程变得更主动些, 尽早背谱, 形成一个练琴的良性循环。

(三) 在慢练中解决问题

练琴中常常会遇到一些问题, 千万不要图速度为数量而一遍一遍地拼命练习, 这样的练习其实是欲速而不达。其实慢练就是一个对乐曲分析、解剖的过程, 在慢练中找出难点。例如最关键的音准问题、换把弓法或两手练习配合等。当找出问题所在, 在今后的练习中逐步解决问题, 再逐步加速, 这样才会有效果。这个练习的慢过程是练琴长期不变的, 在这个过程中巩固技术, 将对的音乐信号不断的输入大脑, 而大脑又指挥着手进行训练, 这样就将乐曲牢牢地留在脑海里了。

(四) 夸张处理音乐中力度、速度

“音乐来源于生活, 却又不同于生活”, 说明音乐的表现应更高于或是更突出于生活。在练习作品完成后的演奏中, 往往会出现一个问题, 就是对乐曲处理表现不好, 实际上这就是体现在对作品力度变化方面的处理不当。每一首乐曲表现情感的变化是要用夸张和有力度的音乐变化来完成的, 它是在讲述一个故事, 在传递一份情感, 而这个讲述者正是演奏者本人, 那么他就更应该在“讲述”中牢牢地抓住听众的心, 使其更具艺术性和观赏性。

五、辅助练琴方法

配合使用节拍器:节拍器是练习节奏最好的辅助工具。它可以避免学生在慢练时拖拍, 快练时抢拍, 可以帮助练琴者在练习中把节奏处理的又稳有匀。巧用录音方法;录音再听, 可以让练习者以旁听者的身份来认真听取自己的演奏, 反复的听不断地改正, 在聆听中发现问题, 而后进行音乐化处理, 使练习的作品越来越正确。

没有任何追求梦想的人, 是在“一念之间”成功的。希望每一位练琴者循序渐进、坚持梦想、刻苦练琴, 加强音乐理论方面的学习, 成为乐坛一名真正的音乐人。

参考文献

练习大提琴的方法 篇9

1 左手的清晰度

左手的清晰度很重要, 它是靠有力而灵活的落指和抬指做到的。我们都追求在快速演奏时获得清晰颗粒的效果, 要使乐曲放出光彩必须让左手加以高强度的训练。

1.1 建立良好的手型, 左手的基本状态应

该是圆弧形, 根据每个人的手的自然条件及演奏各部位、各条琴弦的情况, 可垂直放置或前倾或后倾, 这里以垂直放置方式来做到。第一步:四个手指要均匀的分开, 拇指与食指和中指之间相对应, 轻轻的放在同一根弦上, 手臂放松、手腕放平, 肘与手指保持直线。第二步:利索的从指跟处抬起四跟手指, 手掌与手腕勿介入, 离琴弦近些以保持指距, 手指整齐不要有高低。第三步:四个手指同时落到弦上, 手指力量平均, 如此反复起落, 然后用双手指法, 如三、六度四度及和弦等等不同的手指组合, 反复在各弦上起落。目的为训练整体感以保持稳定的成组的手指位置 (即手型) 。

1.2 力度与灵活度的训练, 在前面训练的基础上进行个别手指的单独训练。

第一步:四指并列均匀放好, 准备在同一条琴弦的上方。第二步, 有力的按节奏落指、以指跟关节为主, 手臂每个关节放松, 每当一个手指落下后, 原先的手指便把力传给它, 先落指仍然保留在弦上。第三步要逐个抬指, 也是用指跟关节垂直抬起, 不要拨弦, 动作要十分果断、利索。离弦越近越好, 在抬每一个手指同时, 将力传到下面一个手指, 抬起手指保持在弦的上方, 如此顺序反复练习起落, 而且要特别注意抬指的节奏感。这样, 手指的动作就是在整个手臂松动的情况下, 在手掌的支撑下有力地灵活的进行。

2 按弦和揉弦

单单有基础训练左手清晰度是不行的。只灵活的抬起, 颗粒分明, 但是还是缺少美感, 这怎么办呢?那就要靠良好的按弦和揉弦。因为这二者是音乐表现不可缺少的手段。先来说按弦, 大提琴的琴弦较粗, 要把它按结实需要一定的力量。但按弦结实不至于按死它, 这里呢有必要先从概念上把它们加以区别, 结实是有弹性的, 能动的按弦, 发出的声音是活的。如果按得太死那声音发平干涩, 注意第一个要点是[结实]。手指落在琴弦上肘与指尖是一个整体, 力量的源点是在后背上自下而上流淌到手指上面。第二个要点是[均匀]。速度是可以控制的, 这一点相对来说很重要, 它是检查揉弦正确与否的标尺。我的方法是 (计数训练) , 也就是真正做到心中有数:用2指按在D弦第四把位上拉一个长音A每揉动两下停一停, 一弓停两次, 然后继续往上涨, 四下、五下, 然后直到八下。就可以不计其数的均匀揉弦。在哪个数不均匀就要停下来练好它, 关键是每个手指揉弦方向一致。揉弦应朝琴头方向。训练方法:四个手指按在琴弦上, 同时上下揉动, 在揉动的同时手指逐个抬起落下, 在弦上的手指始终保持揉动的方向, 这样可以使换把, 换指时揉弦动作不致中断。还有一个问题, 就是高音区:即在高把位和粗弦上揉弦常常没有什么效果, 这是如何将力传到指尖的问题上, 可以用下列方法:a.手指按弦后, 在原位上下按动, 感到力集中上来了在揉弦。b.借助落指动作, 顺势将力传上去, c.利用换把动作, 当手指滑向另一个音时站定即揉动.这样规律科学的练习揉弦可以使得乐音随着你的情感强弱的变化表达出不同力度和情感的音符。美妙的乐音不是单独出现在一个把位上的, 揉弦再到位也不可能取代另一个个重要的因素——换把。

3 换把的训练

换把是左手技术的重要一环, 换把之所以重要, 是因为他完成的好坏会直接影响演奏的进行。我们常遇到这样的情况, 在不换把时音准都很好可往往一换把就出现失误, 速度一块心里就紧张, 由于换把一个移位动作很容易在移动中失去平衡, 因此对即将到达的下一个目标心中有数, 也就是要有位置感。

3.1 找位置, 每个把位都有自己正确的手型, 即最自然的状态和最合理的位置。

不论从哪个角度按到它都要立刻找到这个位置, 不要定型。练习一小臂带动手肘, 肩膀放松, 动作协调。第一组练习:以第四把为为中心, 用1、4指上下抬落两次一弓上一弓下, 然后停, 勿压弦, 稍慢, 轻轻将整个手掌沿着弦移至第八把位, 用1、3指演奏两次, 然后再回到第四把位。第二组以第八把位为中心, 下移至第四把位, 上移至十一把位演奏, 再回到第八把位上。可在四跟弦上演奏, 检查每次移动后手的位置。

3.2 练习换把:

从手肘到指尖形成一个整体, 手腕稳固, 手肘灵活肩松弛, 整个把位移动, 在同一弦上练习, 指法亦可随自己定, 不按弦的手指均匀的放在原把位上方, 用中、慢速度上下滑动。要求:a.滑动过程先快后慢, 即快速离开第一个音, 稍慢则有第二个音。b.过程中手指压力适度, c.不要再过程中揉弦, 以直线上下滑行, d.弓子走平稳。

不同速度的换把:快速时, 注意把位距离, 迅速到位, 以免施加外部压力, 做出不必要的重音, 有时并不需要揉它, 只需一个手指沫音。总之换把要注意:a.要有质量感, 移位前要想好后面的位置在移动。b.一个把位一个把位的换, 掌握好速度和手指的压力, 三心里不要紧张不要让弦有紧压感, 相反要特别放松手指。

4 良好的左手技术需要结实的手指来完成

手指的每个关节都有相当的承受力, 这和健康的腿走路稳健, 自如, 受伤的腿或者未长成的腿, 走起路来摇晃不稳定而且费力这是一个道理。“指力”的概念, 不光是指按弦的力量还应包括手指本身的承受力和调节能力。在弹奏时, 要用五分之三的力按弦, 留五分之二的力稳固手指本身, 特别是3、4指的第二关节勿凹进去。换把时手指“立”在弦上滑动, 并将弦的部分力量转化为坚固手指的力量。

练习:a.演奏双音、在演奏三、六、四度双音前先在原位弦揉弦, 感到手指在手掌上的支撑下滑动着换把, 手指始终坚实的立在弦上勿变形。b.不换把做手指伸展和收缩滑动练习, 加强对两边肌肉的横向练习。c.不用弓子左手手指打和弦和拨弦。

左手和右手的技术是不能截然分开的, 如发音与左手的按弦很有关系, 又如, 左首的落指刻发动揉弦, 换把实际上是揉弦的移位, 而结实的手指又是全部左手技术的基础, 所以我们应该力求在松动的肩, 灵活的肘, 稳固的腕和结实的手指的协调动作下, 将落指、揉弦、换把统一在一起。

5 在曲子的运用中举例说明一下左手熟练的技巧对情感表达重要作用

如《德沃夏克降b小调》乐曲在左手技巧上的运用对演奏者来说是相当苛刻的, 如双音, 八度连续双音、和弦、跳弓、泛音、颤音等等基本上所有左手与右手的难度技巧都在这个曲子当中有所体现。第一乐章使用奏鸣曲式写成, 二乐章则是复三部曲式, 三乐章为小奏鸣曲式。这三个乐章对于左手的力度要求相当之大, 如果没有强有力的左手手指起落, 很难完成长达40多分钟的演奏。而对右手控制力的的要求也是非常强的乐曲当中情绪的爆发突然的情绪收缩柔情的叙述都市通过多变的右手来完成。还值得一提的是乐曲一乐章有很强的跳跃性这不仅仅是单独依靠右手的跳弓来完成, 左手手指的颗粒型, 力度的恰到好处是配和右手的跳弓来完成的。由此看来左手手指的清晰度、颗粒性、强有力的按弦、变换的揉弦、准确的换把等左手技巧上再乐曲的音准、节奏、速度、情感、情绪等所有重要的因素当中都起着巨大的作用。

不仅仅是这首著名的乐曲, 所有的曲目都应该注重技巧的运用对情感的表达, 因为人们要感知的是打动他们内心深处的音乐而不是只用耳朵不用心灵体会音乐。但是也只有通过熟练的演奏技巧才能表达出演奏者想要表达给别人得自己得和作曲家的用心和用意。

摘要：演奏大提琴作品时想要表达乐曲的乐思不是一件容易的事, 需要运用纯熟的技巧, 扎实的基本功, 也要对乐曲的背景、历史、作者都一一了解, 才能达到预期的效果。

练习大提琴的方法 篇10

小提琴的演奏技术可分为左手和右手,小提琴发出的美妙音质主要通过右手的灵活运用实现。因此,认真分析小提琴演奏时左手的持琴和手指动作要领与实现小提琴的演奏技巧有着十分密切的联系。小提琴演奏者只有不断地加强对左手技巧的训练才能有效地提高小提琴演奏水平,进而达到小提琴演奏曲目的完美高度。

2. 小提琴演奏中左手持琴和手指动作要领

2.1 左手持琴的动作要领

左手的持琴手型是掌握左手技巧的保障,因此,小提琴演奏者应具备正确的左手持琴姿势。这就要求小提琴演奏者的左手必须时刻要保持四个手指在一个把位上,同时要保持弧形的形状。此外,也要使手指的抬起和下落动作保持同样的形状。按照这样的要求持琴不仅可以减少手指的多余动作,而且能提高左手按弦的准确性和速度。

2.2 左手手指的动作要领

演奏者左手的四个手指在按弦时应该只是使用手指的天然弹性,绝不能过多的增加外力,以避免产生杂音。此外,演奏者在进行拇指换把的动作时应注意:如果是处于较高把位时,换把动作需要演奏者的拇指、上臂和下臂等部位同时参与完成。同时,演奏者的手指需要一直保持被动。只有没能对距离准确把握时,演奏者的手指才能进行主动发挥,以改变位置及纠正音准。

3. 小提琴演奏中左手训练的练习技巧

3.1 放松练习

放松练习,具体应注意以下几个方面:(1)演奏者在小提琴的演奏过程中对左手的放松训练必须要对肩、臂、腕和手指等四个重要部位进行全面的训练,以缓解手指按弦的紧张状态。(2)在演奏结束以后,演奏者应学会采用休止符或者长音活动拇指的方法来进行放松训练,以有效地缓解手指向下的压力。如果多加练习,对演奏者的手腕及手指均会起到放松的作用。(3)演奏者的食指根部只要是在一至四的把位内最好是轻轻地将其靠在琴颈部的指扳旁,小拇指要特别注意避免僵直的现象。只有整个左肩、臂、腕和手指各部位协调的配合,才能使左手的演奏效果实现放松与通畅。

3.2 抬指练习

抬指练习,是小提琴演奏的基础。长时间使用这样的方法练习可以锻炼演奏者左手的灵活性 , 而且可以使每个发音听起来富有弹性,进而保证了小提琴的发音质量。

3.3 揉弦练习

揉弦练习是小提琴演奏中应该准确掌握和运用的技术,对更好地完成音乐作品具有十分重要的推动作用。

3.4 运指和换把练习

一方面,演奏者左手的运指练习要点是手指按弦时应该使用指尖的肉垫部分,并使手指的起落富有弹性。其中,在运指练习时练习手指的最佳方法是音阶的练习。另一方面,则是换把练习。刚开始练习换把时可以使用媒介音符,只需用同一个手指就能完成换把的动作,熟悉以后再进行手指直接滑至所需把位的动作。

3.5 颤音和双音练习

颤音是通过左手弹奏出的一种极其微妙的音质,一般可分为手指、手腕和手臂颤音几种。要想取得完美的颤音效果,演奏者应将左手的手指关节、手腕和手臂完全的放松,并且使三者彼此配合运作。此外,双音技术训练也很重要,双音技术同属于小提琴的高难度技巧部分。由于双音是由两个音同时发出创造的音响效果,因此,拉双音时须确保左手不能碰到相邻的弦,以免发音混乱。

3.6 左手拨弦练习

左手的拨弦技术与平时的按弦手法不同,左手拨弦时不用保持向左倾斜的姿势,只要每个手指均直接垂直于琴弦便可实现这个动作。拨弦手指主要是通过对手指的第一关节用力来完成的,小提琴的演奏者要想熟练地掌握左手拨弦技巧需要进行长时间的巩固练习。在练习时心态要稳,要慢慢的反复进行练习。对每个音反复地训练并认真揣摩,在长期练习后才可能熟练地把握住手指力度。进而真正地控制左手的拨弦方向,也才能找到适合自己的拨弦方法及技巧。

4. 结语