水彩画专业（共12篇）
水彩画专业 篇1
水彩有着丰富的表现力和创造力, 在高校美术教育专业教学中, 水彩画教学是对色彩基础教学的进一步提高与深入。随着水彩应用范围的不断拓宽, 传统造型写生方法下的水彩画教学已经不能满足时代的需要。从教学过程以及教学观念上进行创新尝试, 而不仅囿于传统水彩技法的沿袭, 这是高校美术教育专业创意性水彩画教学的新途径与方法。
一、 在基础色彩训练中培养创意观念
在入校之前, 学生们就有了色彩初级理论基础。科学而严谨的研究光色, 进行光的分析, 感受空间带来的冷暖对比, 寻找形体结构与色彩的关系, 追求画面色彩的整体统一等等, 这些成为评价学生进行色彩练习质量高低的标准。学生们依靠艺考培训以来的作画惯性画下来, 进入到专业美术训练中, 也仅仅是把作品尺幅增大, 将表现对象复杂化, 色调要求更整体而已, 却忽略了在学习阶段应亟待建立的色彩创作观念以及表现方法。
色彩理论不仅包括色彩基础知识, 也应包括色彩的创作规律及好的色彩创意, 即专业的色彩理论教学应将学生从写实色彩转到观念色彩上来, 并贯穿于学生色彩学习的始终, 一直延续到毕业创作的进行。创意观念建立重要在于传统写生模式的转变。在过去的教学中, 教师常常强调写生必须准确观察记录色彩、研究形体结构变化、营造立体空间气氛及提高画面意境美等视觉形式, 追求画面与实体色彩高度统一, 这样标准模式出来的学生因逐渐失去想象的经验而导致想象能力与创意的匮乏。在观念色彩中实体色仅仅是参照和感受的对象, 教学应给予学生充分的空间想象, 如感觉上强化对比, 可以鼓励学生拉大暗部色与固有色的对比关系, 以增强不调和感;或者围绕学生所臆想的情境而有意弱化对比, 大胆用灰色, 减弱甚至抛弃实体的固有色;抑或强调瞬间的感知而跳跃性排列纯色或不调和色, 采用点彩法或色彩构成等等。在观念色彩创意性练习中, 固有的模式被打破了, 但这不意味着丢掉色彩造型的基本理论和能力, 而是教师在基本技能训练过程中阶段性地安排观念色彩课程, 让学生逐渐锻炼思考和创意的能力, 培养他们的色彩创意观念。
二、 水彩基础技法的创意性学习
具备一定的色彩基本技能后, 学生选择性进入到水彩画技法的学习, 并开始利用西画语言独立表达艺术观念。水彩画的技法表现多种多样, 如水彩画干湿画法所形成的喷洒法 (撒盐、洒水、撒色) 、拓印法、吸色法、刮画法等等。这些本易于激发学生的创造力和想象力的课程, 却常常因为枯燥的讲授和单调的训练而失去了其应有的活力。教学中创作作品与技法练习割裂开来, 甚至在毕业创作时, 学生们常有因大画难以控制而不敢在画面上进行技法表现的畏惧心理。
在技法学习阶段就培养创意观念是非常必要的。学生对水彩技法的探索与教师对水彩基本技能的传授是并行的两条主线, 只有经历对水彩技法进行反复琢磨、不断研究、倾注精力和感情的学习过程, 才能形成好的技法创意, 才能够产生创作的设想, 并在实践中不断修正设想, 提出问题和解决问题, 最终产生成熟的创作作品来。对水彩基础技法的创意性学习主要包括材料的创意、水色的创意和光色的创意。
1.对水彩材料的创意性学习
水彩画对于材料的要求非常特殊, 比如水彩纸的厚度、承水性能以及着色程度高低, 水彩笔的吸水性与弹性、深入笔触的能力, 水彩颜料在干湿状态的变化大小、色彩的鲜明度与颜料溶于水后的颗粒沉淀多少等等, 这些都是决定水彩画作品好坏的重要因素。在水彩画教学中, 应该重视材料的探索与尝试, 发挥水彩语言的优势, 在追求效果的过程中熟悉一切可能的材料, 比如比较水彩纸表面肌理变化带来的画面效果, 或者尝试玻璃卡纸、油画布、夹板等多种不同于画纸的材料, 体会在不同画面环境下底板的粗与细、光与滑、吸水多与少等情况产生的水分与笔触变化。
2.对水色变化的创意性学习
水彩画中水色的变化是其体现的特殊效果之一, 运用水之无形产生色的渲染与层次, 在透明的水中追求一气呵成畅快淋漓的效果, 这都需要娴熟的水色技艺。掌握水与色的变化, 即是深入研究水彩画的基本技法, 形成水彩语言独立艺术个性的重要渠道。创意性的水色学习, 应该先研究自然物象中色彩的虚实、远近、空间关系, 将水中潮湿、变化、透明的效果融入到气氛的感受当中去, 比如说研究雨景带来的趣味:小雨的朦胧、中雨的清净与大雨的弥漫……;或是观察水面的浮波、水中的倒影;或是分析柔软的边界、天际的云霞。在有了自然真实的感受之后, 将这种感受转化为水彩意境, 并反复训练技法语言以追求画面意境的实现, 这才能形成具有个性语言的水彩画创作来。
3.对光色变化的创意性学习
水彩作为西画的一种, 在教学中注重对光的分析与研究是非常重要的。如在不同光源作用下产生的不同色彩倾向、不同时间中景物色彩的相应变化、婆娑树影下形成的大小光斑、透光大小影响到的画面氛围等等。在水彩画教学中, 应鼓励学生在真实记录光色变化的同时, 扑捉寻找最能打动内心的光色瞬间, 并利用技法语言尝试绘画表现, 如光影中对光斑虚实、大小、疏密的安排, 对色彩以及色调的把握, 对干湿技法的控制等等。在完成技法训练后增加创意练习, 如改变实景色调、抽象或夸大色彩关系、添加光色趣味等等。这些创意性学习能够增强学生对水彩中光色的理解力, 提高他们的造型能力和对水彩技法语言的驾驭能力。
三、写生的创意性
面对水彩画的多种技法, 传统水彩课程的开设相似于色彩基础粉画课程的训练, 从静物写生、人物写生到风景写生, 教学的大部分时间都在写生中度过了。虽然写生在水彩画学习中的重要性不可替代, 无论从光的科学分析还是对于色的研究感受, 写生都是认知自然和技法训练的直接途径。然而过于依赖写生或者机械的照搬自然, 其结果只能导致水彩作品失去生命力和创造力。
在写生中应培养学生的创意思维, 每个学生对画面的处理与感受都有差别, 重点表现也不尽相同, 如画质感、画光线、画体块, 或者画抽象、画水色等等, 这些对形象的处理变化、构图的裁剪取舍、色调的设计与意境的传达, 都是学生们独特的创意所在, 写生的过程其实是实现创意并提高水彩表现能力的过程, 水彩画写生教学应尊重这种差异和感受, 鼓励学生画出创意性的写生作品。而并非像在传统的水彩写生教学中出现的那样, 教师摆放静物或者模特, 提出课程目标组织课堂讨论, 学生在这一过程中仅仅是被动思考者和传达者。学生画教师的兴趣, 追求教师的感受, 甚至有的连表现形式和方法都雷同, 教师教学仅致力独立的艺术研究, 而使学生成为教师追求艺术道路上的翻版。
在另一方面, 美术教育专业的水彩写生课程开设, 直接影响着未来美术教育中学生色彩意象思维的培养。美术教育专业的水彩教学应立足于大中专院校以及基础中高级美术教育课程的特点展开, 注重色彩教学中色彩以及造型的创意, 而不拘泥与描绘对象的外形及真实颜色, 这为基础美术教学的创意性培养建立了良好的前提。
四、 教学方式和内容的创意性选择
随着现代社会信息量的迅猛增长, 水彩画教学方式也发展变化着。除了手绘示范以外, 搜索网络图片和名家视频、制作PPT课件, 或者查找水彩画印刷品、作品拍照、摄影等等各种先进的手段都可以辅助教学, 学生们也可以更加直观的在博物馆展览馆中鉴赏原作, 甚至能够轻松查阅到国外水彩名家的作品。
高校美术教育专业的水彩课程在方式方法上应突出师范教学的特点, 注重水彩在师范教学中的应用性研究, 在学时和内容中对水彩课程的安排不与美院水彩专业教学相雷同, 这在具体教学中体现为水彩画写生和创作课程开设的同时, 也可以为学生们提供一些设计类水彩课程, 比如服装设计、室内及环艺设计、工业造型设计等效果图的绘制, 或者插图、装帧设计等应用型水彩画法训练等等。这些课程的开设能够丰富学生们的表现语言, 拓宽他们的思维和视野, 为培养优质的师范教师和适应社会需求的复合型人才奠定基础。
五、中西画法的创意性融合
西画语言体系下的水彩画不追求用笔变化, 在水彩表现过程中, 即使有精彩的用笔也会随着逐渐深入的画面而被掩盖;除此之外, 水彩画中水渍的晕染、色与水冲撞形成的巧妙效果以及画面东方审美下的传神意境等, 这些水彩画命题在过去的西画正统教学中曾被忽视。“水彩的用笔和水色变化与中国绘画的笔墨有许多相通之处”1, 作为本民族绘画语言的重要传承者, 美术教育专业的水彩画教学中应该融入中国画的表现元素, 比如借用中国画中的用笔用墨以及用色的变化, 在水彩画中结合国画的色墨互撞创造性研究色与水变化;或者在意境以及用笔中追求中国画的神韵, 创造疏朗隽逸的画面效果;或者在画面评价中借用中国画的评价标准, 注重画面的品格及精神境界的传达等等。
在水彩画教学中对中西画法的创意性融合, 这并非改变或者削弱了水彩画教学的西画特点, 反而, 这种东西结合的教学方式会更加彰显水彩画种在西画体系中的表现优势。无论对于艺术传承还是艺术创新来说, 只有秉持中国独有的民族绘画语言, 才能够破除艺术间的隔阂, 增强绘画作品中的民族认同感, 并将独有的东方绘画推向世界的艺术之林。
注释
11.戴小蛮.高校美术专业启发性、探索性水彩教学的思考[J].韶关大学学报:社会科学版, 1997 (9) :183.
水彩画专业 篇2
1、通过动画短片引出主题，观看水彩图片，培养孩子的想象力和创造力。
2、通过绘画的过程引导孩子对水彩基础知识的了解和掌握，穿插撒盐法和塑料画的技法
3、培养孩子良好的色彩感知和审美意识,体会玩色的乐趣
4、引导孩子对自然现象的观察
教学准备：
用具:固体水彩，自来水笔，调色板 画架、水彩纸、盛水容器、油漆笔、盐
教学过程：
一、开场
【活动1：观看天空变化视频】
1、师生自我介绍，问好
2、首先让我们先来看一段视频来猜猜今天的主题！大家都看到了什么呢？
对的，今天我们就以天空为主题进行创作~大家心中的天空是什么样呢？天空中都有什么呢？
3、大家的天 空真的很绚丽,呈现在画纸上会是什么样呢，让我们先看看国外画家笔下的天空吧！有小朋友知道这幅画的名字吗？ 好厉害有小朋友认出来了这个是梵高的《星月夜》，这幅也是他所创作的《在暴风雨的天空下》。这个是挪威画家蒙克的《呐喊》，法国画家柯洛的《塞夫勒的道路》。这些画家笔的天空有的写实有的梦幻，q同时也都变现了自己心中的世界。
4、今天我们就充分发挥自己的想象力，来把多姿多彩的天空变到我们手中的画纸上好不好？
5、【活动2：观看老师作画】~5分钟局部展示-0;;
6、首先我先把画纸涂湿，给大家留个小问题，为什么我要把画纸涂湿？我先选取自己喜欢的颜色沾满颜料，画上去，神奇的魔法发生了!下面再加上水，颜色是不是变淡了？这个就是今天的主角—水彩。这是一种透明度很高的颜料，可以通过层层叠色进行渲染。下边有哪位小朋友来和老师一起试试水彩啊？要求小朋友来尝试水彩的用法。接下来再来认识一下一个神奇的颜料，没错，就是我们吃饭用到u/的盐！将盐轻轻涂抹在有颜色的部分，是不是画面有了肌理？我们可以将自己的创意加进我们的作品中会有意想不到的效果哟。
7、带领小朋友初步掌握水彩的用法。充分活动我们的小脑筋想想我们自己来创造出一片天空吧!
二、开始作画
所有人围着桌子做好
能告诉我你想画什么颜色的天空吗？
依次给小朋友分发不同颜色的颜料，在小朋友调色板上挤上颜料 用水沾湿画纸，选取颜色进行调和，将颜色填满各个区域。纸张是湿的，颜料也带水分，他们的混合会产生意想不到的神奇效果 加上盐和别的点缀 完成作品 总结
小朋友的天空都好漂亮啊！有的是晴空万里，有的是星光熠熠，有的是霞光满天。喜不喜欢自己的天空啊？—喜欢。我们来给我们的天空起个名字好不好。
四、展示作品，请小朋友介绍自己的作品内容。
将小朋友们作品放在一起展示，让小朋友们讨论自己的作品。生活处处都有美丽的风景，让我们用可爱的眼睛和画笔去描绘它们的存在吧！
水彩画专业 篇3
【关键词】水彩技法 中职动漫专业 色彩基础课程
一、动漫与水彩的联系
动漫专业开设色彩绘画基础，一般会选择的表现材料有水彩、水粉、丙烯画等。但用的最多还是水粉和水彩。水彩画清新、亮丽、透明，让许多画者神往。虽然它不像水粉那样好控制，可以覆盖，正是因为它的随意性才会有意想不到的效果。如今，水彩画不仅在西方，也在东方蓬勃发展，水彩画已成为一个世界性画种。在中小学的美术及色彩基础教学课程中，均采用水彩组织教学，培养学生的色彩表现能力，水彩画在色彩基础课中对绘画训练发挥重要作用。
水彩画发展到今天，无论在表现技法还是表现形式上，都已呈现出独立的审美特质与多元化的艺术取向。水彩与动漫的结合就是一个例子。日本著名动画导演、动画师及漫画家宫崎骏在动画、动漫创作上就是把水彩画发挥的淋漓尽致。宫崎骏先生的动画片特色就是有严重的“水彩情节”宫崎骏先生喜欢用水彩作为创作的媒介，在他的画面里水彩痕迹随处可见。
二、中职动漫专业学生特点
中职动漫学生的特点：根据我所任课的学生进行分析，第一，学生大多来自农村，家庭条件一般，对学习用具的花费较少；第二，中职生文化基础较差，学习目标不明确，学习主动性差；第三，中职学生年龄处于叛逆阶段，自我约束能力较弱，上课经常精神不集中，第四，学生个性张扬、易叛逆，好胜心很强，对新鲜的事情总是比较好奇，也比较敢想敢做。
在一年级这届动漫专业学生有80多名，根据上课反馈回来的信息其中有15%的学生是因为喜欢动漫而选择的这个专业，有8学生有绘画基础（在初中经过专业的素描训练学习）。学生们经过一个学期素描训练后，反馈回来的信息是有绘画基础的学生素描进步稍微突出一些。但经过一个学期的色彩课程，然而并不是素描画得好的学生色彩就画得好。而是对色彩有兴趣的学生进步最快，那水彩技法就是最好激发学生学习色彩兴趣点。从课堂上观察的信息反馈，班级85%学生喜欢水彩技法课程，作业的完成率高达90%，这是一个很可观的数据。
三、水彩画的技法
水彩画变化十分丰富，水彩画的基本就技法有“干画法”、“湿画法”。
干画法：是一种多层色画法，即着色不求渗化效果，可以从容地一遍一遍的着色，较容易掌控，其中干画法可以分为叠加、并置、留白、枯笔等具体方法。
湿画法：是指在纸上或在前一遍未干的颜色上继续着色，以形成水色交融的效果，湿画法可以分为是的湿的重叠和湿的接色。
水彩还有一些特殊技法，如用遮挡液、吸水纸、刀刮法、拓印、撒盐、溅洒、留白、制作肌理等。
四、水彩画技法对中职动漫专业学生的作用
结合学生这些特点在色彩课中加大水彩技法的学习课程，由于学生没有较好的绘画基础，技法反而能弥补自身的不足，例如学生在做撒盐技法练习时技法带来的特殊效果学生带来一些成就感，积极性就非常的高。技法学习多样，同时同学们可以多尝试找到适合自己的技法在多加练习，画出的作业更有独特性。最后正是我们学生的好胜心强，对新鲜事情总是保持较大的好奇心，当接触以两种技法的学习后，学生会自己课下探索在课堂上老师提出而没有执行的特殊技法。特殊的水彩技法有趣，即是是零基础的学生也能按照老师的要求，运用材料达到水彩技法的效果。
五、水彩画的技法在动漫专业基础色彩课上表现出的優势
水彩画技法在动漫专业基础色彩课上表现出的优势：1、题材的选取2、技法的掌握3、技法对画面的表现三个方面。
1、题材的选取
在动漫专业的色彩基础课中，主要选择的绘画题材以静物为主、以写生为主。在一个学期的课程教学中，教学计划进度从单个静物到组合，从单个人物到人物场景，从简单到复杂。对静物、人物的塑造上水彩都能达到预期的塑造效果。学生在创造题材的选取中可以结合水彩技法特有的效果。适当运用水彩技法达到意想不到效果。水彩技法的表现丰富能为更多题材服务。
2、技法的掌握
水彩画入门易提升难，所以很多画家在技法上下很多功夫提升画面的趣味。技法中选用素材好找，比如说如刀刮法用刀或画笔、拓印法用布、撒盐法用盐、溅洒法用水、留白用胶布等。
技法的掌握难度不大，例如撒盐法，首先准备细盐、颜料、干净的水，画面色彩调色水分稍微少一些，等待颜料快干的时候，把细盐撒在需要特殊效果的地方，颜料就会迅速散开，呈现如雪花般效果。
溅洒法几乎不需要什么特殊材料，就是在绘画过程中，当画面快干的时候用手或者喷壶往需要的位置洒水、或颜料就能收到不同的效果。
3、技法对画面的表现
水彩的特殊技法大大增强画面的效果，例如（1）撒盐法：在颜色未干时撒上细的盐粒，干后出现像雪花般的肌理趣味。适合表现下雨、下雪的画面。（2）拓印法：先在画纸上你想要的地方画上一笔，在这笔未干时覆盖上你的有肌理物体，例如树叶、纱布等，先按在纸上别动等纸上颜色干时在拿走覆盖物，在画面上就会留下所用物的肌理。
水彩技法特殊使得漫画作品的画面效果清新、亮丽、透明，具有很强的视觉冲击力，这非常适合动漫后期创作的要求。
近年来，我国动漫产业成为了一个热门行业，越来越多的学生选择动漫专业，进行动漫创作的学习。但动漫艺术创作并不等于美术加电脑那么简单，而是必须要以扎实的基本功底，使学生真正系统全面地掌握动漫知识和技能，这时手绘动画技法就显得尤为重要，动画创作首先要求学生具备扎实的手绘功底，一般我们进行动漫创作大都采用水彩的绘制技法来表现原型。水彩的技法容易掌握又多样，非常适合在动漫专业色彩基础课中开设。
【参考文献】
[1]蒋跃.中国当代水彩画研究[M].中国轻工业出版社，2007.
水彩画专业 篇4
一、水彩画的用笔
在色彩风景写生课中, 除了把表现空间透视、把握整体色调、刻画花草树木和车马人物作为教学重点外, 刻画景物的笔触的运用也是不可忽视的。
水彩画的用笔吸取了中国画的毛笔, 国画中讲求“写”的优美情趣, 笔墨也要求饱满, 达到“有笔有墨”的灵活运用。中国画从笔中见真伪, 水彩画何曾不是如此?在很大程度上画作的功力取决于用笔。当然我们可以肯定的是水彩画的用笔没有中国画那样讲究、严谨。例如就握笔姿势而言, 既可以用持棒式 (画油画、水粉画的姿势) 、握笔式 (执铅笔的姿势) , 又可以使用拿毛笔的姿势, 这三种方法各有妙用, 其笔触效果也各具特色。根据具体情况怎么舒适怎么去拿。笔者认为如果画色块比较大的区域一般用持棒式, 画起来比较随意自如, 并且可以随时顾全大局;如果勾勒树干或线杆之类的小细节, 我们不妨采用握笔式或是拿毛笔的姿势, 这样水彩绘画技法才会发挥的游刃有余。
中国画中讲究笔尖、笔腹和笔根的作用和八面用笔之功。作画时运笔的方法是丰富多样的, 其表现力也是变幻万千的。不同的笔法可以表现出不同的艺术效果, 笔下的点、线、都有其表达画面形象之功。
1. 若表现平面 (如墙体、地面) 时多用侧锋;
表现小柱面 (如远处树枝、线杆) 用中锋;转折面区域用露锋;过渡面区域用藏锋。并且注意要顺体面转折的势用笔。
2. 重而实的物体用笔重, 注意按;
轻而虚的物体用笔轻, 注意提。
3. 近处物体要干湿结合, 刻画详尽;
远处物体湿画为主, 用笔要简、要大, 力戒繁琐。
二、在不同光线照射下主要配景笔触与色彩的表现规律
在不同光线照射下景物的色彩各异, 其描绘景物的笔触也需要区别对待:
1. 晨, 早晨在太阳未出之前, 大地刚从黑暗中醒来, 由于露水和雾气较重, 整个对象显得较为偏冷, 朦胧。
作画时用调好足量水色, 用较大画笔饱蘸水色, 用侧锋自上至下, 自左至右画出;太阳出来以后, 天空会出现深红、橘红、橘黄、中黄、淡黄乃至白色, 景物的受光部分是偏浅的玫瑰色、淡黄一类的暖色, 背光部分是相对偏紫、蓝绿一类冷色。傍晚, 夕阳西下, 与日出现反, 全部的山川河流被抹上一层金黄, 景物的受光部分为淡的橘红, 橘黄色, 天空则常呈现亮的黄紫灰、黄绿灰一类的补色, 落日后, 所有景物逐渐变成紫青色、蓝黑色, 直至夜幕降临。表现晨曦和晚霞时可用夸张手法组织一两处较明亮的光色, 以表示其特有的气氛。
2. 晴天, 阳光的映射下, 景物的形体和轮廓变的清楚、明
确, 此时水量要适中, 采取以干画法侧锋用笔, 以求把物体轮廓清晰体现出来。光线越强, 物体的反光越明显, 可用湿接法一气呵成, 或者画完暗部后用侧锋洗出反光区域。早、中、晚的阳光是有差别的, 清晨的阳光在上午10点左右, 与下午4点以后的阳光偏暖, 中午呈亮白色, 反光强烈。影子偏蓝紫色, 色调主要倾向是黄白色或亮黄色。
3. 阴天, 由于阴天没有阳光的照射, 光源呈散射光, 景物的
受光面偏银灰、蓝灰一类的冷色, 其色泽浓重凝滞, 而背光与立面色度较重, 多呈紫褐、褐绿、赭绿等一类暖色, 反光不明显。由于光线比较暗, 所以整体画面水分可适当饱和一些, 表现出的景物可比晴天略显虚幻缥缈。
4. 雪景, 隆冬瑞雪, 质朴安详, 纯洁无暇, 此时一切景物都覆盖于积雪之下。
画家视线中的雪景常显现倾向性的冷灰色, 既成白色, 又成天空色和环境色。可先用湿画法画出整体效果及其柔软性。待干, 再以干画法画部分暗面补充其体积感。地面, 树林, 山岭上的雪色彩特别亮, 天空往往处于中间色阶, 如有阳光时雪的受光亮而暖, 投影由于受天光影响带一点蓝色。
5. 山, 画山时要注意符合自然规律, 注意裁减和取舍。
有阳光照射时山一般是受光暖, 背光冷。
远山、云雾中山、逆光山脉都显得模糊朦胧, 都要画的尽量概括, 简练。画时要用大笔触饱蘸水分侧锋画出整座山脉, 以湿画法为主, 待干再用干画法略画出几处山的叠加处或者其坡面脉络。中, 近景山轮廓清晰, 脉络分明, 表现时不要被参差不齐的树木或迂回的山路所迷惑, 上色前要先分清山的叠加前后关系, 可先把后面山峰采用湿画法大笔触与天空或其他背景衔接, 然后待干后把略靠前的山峰采用干画法与背景重叠。要依据山的起伏, 形态等特点作画。这样前山实, 后山虚, 营造出虚实结合的空间感。石, 要注意表现体积的感觉, 受光面呈亮的冷色, 背光成赭褐, 紫褐等一类的暖色。
6. 树, 树冠的色彩主要以普蓝、群青、橘黄、淡黄调出各异的绿。
受光面以粉绿、紫罗兰、钴蓝、湖蓝与其他颜色调和后所组成。要根据树的受光面与背光面的区别, 先用侧锋大笔触湿画法画出树的剪影, 略待干时以颤动的小笔触就叶形、长势敷色, 幼树或冬季的落叶树敷色淡薄, 茂盛的树冠可根据长势先后用干画法多画几层, 色彩尽量在不脱离主色调绿的基础上丰富一些, 比如粉绿, 淡绿, 黄绿, 青色, 土黄, 翠绿, 蓝紫色, 等等。然后画出树干, 近景的树用侧锋画干, 中锋勾枝, 远景的树直接用中锋勾枝干。最后用干画法做局部点缀, 并润饰色彩。画枯树时, 要合理安排疏密, 多采用干画法中锋蘸取少许颜色画出飞白的感觉以显树的苍劲感。近景的树画实些, 远处的树人为处理到背景里。
另外几个配景的表现方法:水, 一般要表现静态水和动态水, 可以依靠笔触的不同来区别。水往往受天光的影响, 波浪暗部色彩偏暖, 上午或下午阳光侧射时, 水面倾向较深的蓝紫色, 中午偏蓝灰色;天, 天空不要画的平涂一样, 应该有变化, 要表现出高深的空间感, 有时上部颜色深, 下部颜色浅, 有时上部颜色浅, 下部颜色深, 不能平涂成一样, 但差别不是太大;云, 画云时要注意表现云与天空的关系, 云有厚、薄、大、小、虚、实之分。
总之, 在画景物时尽量颜色不要太单一, 比如树是绿的, 不要仅平涂了事, 受光面可能是黄绿, 背光可能是绿里有蓝紫的深色。还有介于受光和背光的固有色, 是树的本色。
参考文献
[1]漆德琰.刘凤兰等.水彩[M].陕西人民美术出版社, 1992年版.
[2]漆德琰.水彩[M].中国建筑工业出版社, 1998年版.
水彩画活动总结 篇5
湾甸子镇中心小学 高超
转眼之间，又到了一学期结束的时候了，本学年的绘画兴趣小组 活动也随之结束了。
我们的绘画兴趣小组本着贯彻国家教育方针，实施素质教育的原则，使学生掌握知识技能，发展智力，从而形成个性品德。为了实现对学生进行审美教育，培养学生健康、正确的审美观念，具有高尚的思想情操，成为全面发展的社会人才这一目标，我们注重培养学生感受美、理解美、鉴赏美和创造美的能力。现将本学期工作具体总结如下：
1、本学期我采用了水粉画教学法。重视激发学生的创新精神和培养学生的实践能力。本学期积极为学生创设有利于激发创新精神的学习环境，通过思考、讨论等活动，引导学生在绘画创作中，创造性的运用美术语言；鼓励学生在欣赏活动中，开展探究性的学习，发展自己独特的见解。
2、在教学中注重对学生审美能力的培养。在教学中遵循审美的规律，多给学生感悟艺术作品的机会，引导学生展开想象，进行比较。通过比较、讨论等方法，提高他们的审美 趣味。
3、加强教学中师生的双边关系。在教学过程中既重视教师的教，也重视学生的学，确立学生的主体地位，改变教师是课堂教学中唯一主角的现象，提倡师生间的情感交流和平等关系。
4、教师鼓励学生进行综合性与探究性学习。本学期加强了绘画与其他学科的联系，与学生生活经验的联系，培养学生的综合思维和综合探究的能力。重视对学生学习方法的研究，引导学生以感受、观察、体验、表现以及收集资料等学习方法，进行自主学习与合作交流。
当然，在这学期的工作还存在不足，我期待着活动小组活动能够得到更快的完善，得到更好的发展。我将本着为学生工作的思想更加努力地工作，使我们的学生的素质更好地得到提高。
水彩画专业 篇6
【关键词】环境艺术设计基础教学 设计专业水彩
【中图分类号】 G 【文献标识码】A
【文章编号】0450-9889（2014）07C-0174-02
一、设计专业水彩及其与环境艺术设计手绘表现的关系
设计专业水彩是一个全新的概念，将其冠以这一称谓是笔者在实际的教学过程当中根据环境艺术设计基础教学课程同专业设计手绘实际教学情况在教学改革课题中提出，设计专业水彩的内涵、特征及与环境艺术设计手绘表现的关系如下：
（一）设计专业水彩的含义
设计专业水彩泛指设计者将特定的设计专业意识融汇到水彩画中的一种体现，是表现具体设计专业形态的绘画语言，设计专业水彩是紧随时代进步和艺术发展而出现的绘画表现手段，它更多关注专业特性的研究，把理性思维和实用的设计技能摆在第一位，追求单纯而实用的表现效果和应用功能，忽略传统水彩注重客观模仿，更多地调动学习者的主观能动和理性分析能力，是一种切合现代环境艺术设计专业基础训练并具有全新意义的表现形式。
（二）设计专业水彩的特征
设计专业水彩的特征包括：其一，特殊性。设计专业水彩是通过不同视角和侧重点去思考和学习的环境艺术设计基础课程。其二，关联性。设计专业水彩较传统水彩而言其更侧重与环境艺术设计专业的联系，为手绘专业学习的前奏，与专业之间是一种承前启后，纵向前行的发展关系。其三，多向性。设计专业水彩对于环境艺术设计专业可以直接产生多向的促进作用。首先是提高学生的色彩表现能力；其次是直接运用水彩结合钢笔进行手绘专业表现；再就是为马克笔快速表现技法学习的思维过渡铺垫基础。其四，显见性。设计专业水彩的基础训练学习效果显而易见。学生通过学习，一改以往水粉基础训练的程序思维，与马克笔着色顺序产生了直接的对接，避免思维偏差的不必要纠错。
（三）设计专业水彩与环境艺术设计手绘表现的关系
1.环境艺术设计手绘表现形式主要为：彩色铅笔表现法；水彩表现法；马克笔表现法。三种表现方法的着色程序、思维定势如出一辙，着色顺序通过亮部大色块和大片较浅颜色确定画面基础色调，然后逐层加深进行局部的细节刻画和塑造，与水粉画从暗部入手、亮色覆盖有较大的差异。此外，纸面留白的处理手法是三者表现的独门绝技。其中，彩色铅笔（水溶性）是环境艺术设计手绘表现中最为常用的工具。细节处理是它的强项，着色由浅入深、逐层叠加，偶尔用水调节更会得到奇妙的水色特效。水彩颜色作画产生的视觉透明，水色流动，清爽飘逸以及在环境艺术设计手绘表现中对钢笔结构线条的完好保护，使得两者结成了最佳的伴侣。马克笔的色彩透明度非常好，善于表现大场面、光滑通透的设计作品，同设计的结构线相得益彰，细节部分如再辅以彩色铅笔、色粉笔、涂改液等，其效果就更像一杯色彩绚丽、香醇可口的鸡尾酒。
2.环境艺术设计手绘表现形式的日趋普及化。环境艺术设计的发展几经波折，走过一条循环上升的道路。从最早的手绘发展到全盘电脑设计，放弃手绘；再回归到电脑设计，重拾手绘。这一过程是一个实践和认识的全面过程，也是人对自身的一次重新认知。在具体的专业实践中，最直接、最人性、最有效的设计沟通和创意归根到底还是要回归到最初的手绘表现。为此，各大艺术设计院校不同程度地加强了设计手绘课程的教学力度，专业设计企业从业人员也有意识、有组织地增强自己的设计手绘表现能力，环境艺术设计手绘表现重新得到社会的认定和普及。
总而言之，设计专业水彩是运用传统水彩这一介质，结合环境艺术设计的特殊性，在实际基础教学当中融入设计表现的某些特质和元素使之与后期专业学习产生完美碰撞、平缓对接的一种基础训练模式，在设计手绘广为普及和得到普遍重视的今天，与环境艺术设计手绘主要表现形式的关系非常密切。
二、环境艺术基础教学中设计专业水彩训练的主要方法
设计专业水彩是根据环境艺术设计的专业特点，针对基础课程的具体教学方式进行研究而发展起来的有效训练体系。环境艺术设计的专业拓展空间是以课程基础能力的积淀为前提，在好的训练模式的正确引导下，我们就能更有效、更直接地完成基础训练教育，找到与专业设计学习对接的过渡桥梁，从而更明确教学的方法和目的，提高环境艺术设计基础教学的效率与效果。而环境艺术专业手绘设计水准的提升则更多依赖于前期设计专业水彩基础课程的训练与培养。
（一）基础水彩训练
1.静物写生练习法。静物写生是基础训练的传统题材，原因有两个：景物形态比较简单，色彩明确，造型多为几何、有机形，同素描基础训练有直接的联系，易于掌握。此外，静物写生是在室内完成，环境和光源都比较稳定，写生的是静态物体，便于学生观察、分析、研究和描绘对象。这里不同的地方是作画媒介的改变，作画的步骤随之发生变化。无论是果蔬、陶罐、石膏、织物、花卉，训练重点在透明水色的理解及作画步骤的把握，这一点关系到今后专业课程的学习，也直接影响学生作画思维方法的形成。
2.树木写生练习法。树木在环境艺术设计专业中有着很重要的地位，通常在户外建筑表现中多用作陪衬、烘托建筑主体，而在景观设计树木花草表现中则至关重要，是设计表现的主体。然而树木也是一个难对付的题材，其形态、结构、轮廓以及层次关系都是难把握和不确定。树木色彩复杂多变，不同品种、不同季节、不同空间距离的树，色调上均会产生无数层次的变化。树木是丰富色彩的代名词，有多个层级的细微变化。学生只有通过色彩调和才能获得生动的画面效果。春、夏、秋、冬树木枝干、形态各异，表现的手法也应随机调整，掌握和熟悉水彩的表现技法，为后来的马克笔训练学习奠定基础。
3.色调练习法。好的作品应有统一协调的色彩关系，色调统领着画面所有局部的色彩变化，而局部的色彩则为整体色调而服务。色调是关系，是首位；是色彩目的，是“势”的把握。色彩作品色调把握好，则局部易于调节。色彩关系无序，将很难深入刻画。训练时可尝试进行一些冷暖色调的练习，利用各种色彩的相互关系，形成不同的色调变化。注重大的色块联系，可以忽略部分细节，熟悉水彩特性，形成良好的大局感。
4.建筑写生练习法。建筑写生是环境艺术设计基础训练的重中之重。建筑有着非常复杂的形体构造关系以及丰富的装饰细节，存在一定的造型规律，通常均可用几何体块进行理解，只要注意透视及比例关系，掌握合理的水彩作画步骤和表现技巧，结合前面的课程练习，将会使学习者的能力得到一个大的提高。
（二）专业水彩训练
1.素描淡彩练习法。素描淡彩是先用铅笔把素描稿子画好，在结构和线条准确的前提下，用轻淡的色彩画出色调和细节，再对重点部分进行强调和补充，素描轮廓比色彩的分量重，色彩从属于素描，是一个有完整表现力的作画方法，特别擅长表现建筑、地形细部为题材的作品，而且学生比较容易掌握和学习。
2.淡彩素描练习法。与前者相比，淡彩素描练习法有一个明显的差别。前者倾向于用小块画法填充轮廓中的色彩，画出结构对象，避免线条可能被深颜色或不透明色涂掉。后者作画时把墨水轮廓留到最后确定，作画者可以无拘束地描绘大色块和整个色调，等色彩干后再用粗细两种钢笔确定对象原有的铅笔线稿。这种画法能有力强调出对象的结构、体积、构图，是一种严谨的表现手法，为前辈设计大师所喜爱，也是现代设计表现可以延续使用的一种好技法。
3.水彩色铅笔练习法。直接使用水溶性彩色铅笔作画，既有彩色铅笔的笔触效果，若沾水使用，又将会呈现出水彩轻松透明的笔触韵味。水彩色铅笔表现掌控容易，兼具两种作画材料的优点，是一种值得推广应用的基础训练方法。
4.钢笔淡彩练习法。钢笔淡彩练习法是最接近马克笔手绘表现的专业技法。是借助水彩颜料和部分水彩技法在钢笔线稿的基础上传递设计理念，其目的是设计思想的理性表达，侧重于空间结构与材质的表现。工具使用钢笔、彩色铅笔、水性马克笔等，淡化了水彩画的概念，是当下最接近环境艺术设计专业手绘表现的基础训练形式。
三、环境艺术基础教学中设计专业水彩训练能力提高的途径
上述几点是设计专业水彩练习的主要方法，具体到实际的课程训练实践中，依据现行基础教学的学时安排，我们可以把色彩基础训练课程120学时细分为如下两大部分展开：
第一，前半部60学时重点进行基础水彩训练，使学生了解静物写生练习、树木写生练习、色调练习、建筑写生练习。掌握基本的水彩表现技法，熟悉水彩特性，改变原先习惯的水粉作画步骤，为第二阶段的学习铺垫好基础。
第二，第二阶段的60学时紧扣环境艺术设计的专业进行素描淡彩练习、淡彩素描练习、水彩色铅笔练习、钢笔淡彩练习的准专业训练，课程表现内容尽量安排紧扣环境艺术设计的专业题材，为快速手绘表现学习打下良好的前期基础。尤其是钢笔淡彩练习，应设计为课程的核心内容，重点加以学习。
第三，训练的具体内容设计。一是根据环境艺术设计专业学习的特点，重点设置实践动手作画部分的内容。动手部分学时比例约占总课时的70%；基本理论讲述约占课程比例的20%；课堂指导、点评、讨论约占10%。二是作业安排延续“以量带质”、“前多后少”、“前糙后精”的学习方法。三是随堂讲评，课后指导，课程结束举办小型课程作品汇报展览，带动学生的学习积极性。
设计专业水彩在环境艺术设计基础教学中的实践探索，是以全面拓展和提升专业思维能力的训练为宗旨，在改革设计传统色彩基础训练的前提下，提前与后续专业设计手绘学习进行对接，方式简单、效果明显，即调动学生的学习热情，掌握新的专业技能，又明确了基础思维训练的途径，更准确地引导和调整学习的方向，为设计色彩基础学习融入了新的能量。
【参考文献】
[1]王宏建.艺术概论[M].北京：文化艺术出版社，2006
[2]里奇蒙·利特尔约翰斯.水彩画技法[M].天津：天津人民美术出版社，1980
[3]门马朝九.水彩色铅笔之旅[M].北京：人民邮电出版社，2013
[4]周宏智.建筑水彩表现技法[M].北京：清华大学出版社，2013
【基金项目】2013年度广西教育厅高等教育教学改革工程项目（2013JGA438）
【作者简介】张少华（1961- ），男，湖南益阳人，高级工艺美术师，广西艺术学院建筑学院硕士研究生，广西师范学院师园学院教师，研究方向：会展艺术与建筑空间设计、环境艺术设计。
设计专业中水彩表现技法教学探讨 篇7
关键词：基本问题,基本技法,特殊技法
水彩是造型艺术的基础学科之一, 是艺术设计专业的必修课程。建筑效果图、珠宝手绘设计、插画、舞美设计等艺术设计门类常以水彩作为工具来表达与体现, 掌握水彩技法是设计者必备的能力。水彩特有的艺术表现形式及鲜明独特的艺术特色, 常常被誉为绘画中的“抒情诗”和“轻音乐”, 其特有的艺术语言和审美价值在艺术领域中具有不可替代的地位和作用。它颜色透明绚丽, 笔意活泼轻快, 作画速度快慢有度, 收能精雕细琢, 物体形象、色彩表达准确到位, 放能寥寥数笔, 瞬间抓住那份感动, 在一张一弛中彰显其特有的韵致与魅力。这种表达上的直接性与画面效果的抒情性, 甚至于水性颜料水色交融、迷离多变的习性, 赋予了设计者无限的灵感, 在表达设计意图的同时, 实用性与艺术审美得以完美融合。
其实, 我们往往发现, 很多设计效果图中不见了水彩艺术的张力与感染力。设计者表达设计观点的时候, 水彩表现技法已经程式化为简单的勾线、平涂、晕染等, 失去了真实有感而发的激情与冲动, 效果图势必走入僵化、机械化。所以, 在学习水彩之始, 设计者在心中要确立一种艺术态度:手绘技法的水彩表现技法是一种艺术形式与风格, 并非简单的设计效果表现的固定模式。一幅优秀的设计效果图, 不是照片的逼真表现, 不是供业主参考的简单图解说明, 它是设计者创意的体现, 凝练了设计者高度的思想活动与审美判断。因此, 艺术设计专业水彩技法教学探讨对于培养艺术设计人才具有不容刻缓的现实意义。
一、解决水彩的基础问题
首先, 具备扎实的素描造型能力, 是学好水彩表现技法的重中之重。素描是基本之基本。水彩属于西画体系, 设计者所有的修养都在素描中显现出来。因水彩的特性是在简约中见丰富, 不着重强调作品中物象细微的体面关系, 而是把握画面的整体观, 但这并不表示在设计专业水彩学习中就可以轻视素描训练这一环节。有的设计作品在表现对象时表面化、概念化, 要么画得很细、很僵硬, 要么粗放, 不见内容, 这正是缺少了扎实的素描造型能力和深入刻划对象的能力。同时, 水彩润泽透明的特点, 不宜在画面的一个地方磨得太多, 否则会将之前的生动之处磨掉, 影响了最终的画面的灵动;也不能画错推翻重来, 这就要求学生能够准确、生动、快速地表达对象, 做到下笔时言之有物, 深入时锦上添花。
在实际教学中可以通过“速写”训练加强学生对形体的概括及表现的深度。速写主要是以线条为勾勒描摹、塑造形体的造型语言, 线条是绘画艺术中最活跃的表现因素。如果铅笔或者钢笔速写加上简单的色彩关系, 在实践教学中可使学生避重就轻, 学以致用。此外需要强调的是, 水彩的用笔也是十分讲究的, 抑扬顿挫、轻重缓急来表现顿挫、枯润、虚实的韵致, 只有将这些对比统一关系在一幅水彩中处理得当了, 才会有丰富耐看的效果。这更要求具有深厚的素描功底。总之, 水彩技法要得到更进一步的发展, 素描水平的提高是必不可少的环节。
其次, 提高学生色彩表现的能力和色彩表现的个性化, 强化色彩意识, 提高色彩修养。通过对客观色彩的观察, 从感性认识升华到理性的主观色彩表现, 是水彩艺术走向完整的关键一步, 是实现超越客观自然的审美状态, 而更接近水彩艺术的决定性一步。
在教学中, 从以下几个方面加强学生色彩训练。1.色彩的运用, 要注重凸显水彩艺术的色彩特征。水彩技法中的色彩表现应该具有通透润泽的特点。水彩以水调色及颜色透明性, 水和色的相互撞击和渗透形成的变化, 以及多次叠加后产生的透明、润泽的美感, 是水彩不为其他画种所能代替的, 是水彩独有的艺术魅力, 是拓展水彩色彩语言时不可丧失的依据与关键。只有将色彩与水分的多少、时间的拿捏以及各种水彩技巧结合一起考虑, 才有可能有比较理想的作品。2.色彩是塑造形体的主要表现语言。用色彩的冷与暖、浓与淡、鲜与灰等对比关系塑造物体及空间关系, 颜色明朗丰富, 形体严密结实。在实践中避免作品色调整体看上去比较灰涩, 色感较弱, 鲜明性和饱和度不够等。很多学生甚至用减弱色彩感取得画面的协调, 这种做法不可取。我们可以向英国古典水彩画学习表现局部色彩的微妙变化, 从野兽派、表现主义的色彩语言中得到加强色彩的强度方面的启迪, 以此总结积累色彩造型表现方法。3.强调色彩的主观和感性表达, 提高色彩修养, 建立色彩意识。色彩意识不是与生俱来的, 较高的色彩修养与色彩意识需要系统的训练。色彩的形式美感的建立是在打破旧的秩序之上的, 在较高的色彩修养为前提下, 以更加主观、主动的色彩意识重构画面, 使画面具有更高的作品性。比如日本著名画家东山魁一的水彩作品就以其强烈主观的色彩闻名于世。每个学生对色彩的感受是不同的, 应鼓励他们忠于自己的感受, 勇于表达自己对色彩的独特追求, 使色彩具有强大的生命和力量。
二、掌握水彩基本技法
水彩技法的丰富性是水彩的最大特点之一。其中, “水”是水彩画的关键所在。“水是水彩神助的精灵 (平龙语) ”, 水彩画的精妙之处在于用水。我们所谈的水彩画技法, 主要也是指如何掌握水分, 发挥水色变化的特点而言的。
“水味”十足及色彩的丰富斑斓, 既可以表现出细腻层次, 又可以水色迷离。所以, 一张好的水彩画用色看起来好像并不复杂, 但却给人感觉色彩很丰富, 实际上这里面包括用水和色结合的诸多因素而产生的效果。水的流动、沉浸、渗化、冲洗、水色冲挂等变化是在我们控制之下的, 往往又产生某些意料之外的效果, 具有自然天成的肌理和画意, 令人惊喜不已, 沉迷其中, 流连忘返。其一, 水彩画靠的是水的“溶解”与“稀释”, 水分掌握的好坏, 很大程度上决定了水彩画的成败。用水过多则色稀形散, 用水过少则色稠形焦。比如在画第一遍大关系时, 让纸张保持一定的湿润度, 可用海绵把纸面或者纸背打湿。然后调色时笔上色彩要饱和, 水分不宜过多, 笔上的水多了在湿润的纸上很容易走形。其二, 好的水彩效果图都是“分秒必争”完成的, 把握好时间差, 对作品的成功也至关重要。在创作过程中下笔要“快、准、狠”, 掌握时机, 眼疾手快, 迅速捕捉瞬间渗化的效果。这就要求学生熟练地驾驭画纸、颜料、水分和时间等因素, 而且要能因势利导地处理种种水色交融的偶然效果, 做到胸有成竹, 随机应变。不管是用水调色, 还是用水做肌理, 用水之道单凭口传心授是不够的, 需要学生反复练习, 熟能生巧。有人称水彩作画过程是一个“戏水”的过程, 甚为形象。
其次, 水彩基本技法包括干画法、湿画法、干湿结合画法等。干画法是待第一遍色干后画第二遍色, 待第二遍色干了再加第三遍色, 层层叠加, 不求色的渗透。干画法利用水彩颜料透明的特性, 颜色层叠, 笔痕明显, 色彩较之直接调和的色彩多了一份含蓄与微妙, 同时层层深入有利于充分地塑造形体及表现细腻的色彩层次, 适合深入刻划物象。湿画法是将画纸打湿或在前面色层未干时, 再次叠加涂色、晕化或连接, 利用水分的流动渗化取得丰富视觉效果的方法, 适合表现云雾、远景以及物象暗部、阴影等。湿画法对水分及笔触的要求较为讲究, 是水彩水色融合、渗透、流动产生幻化多变效果的表现。通过对色彩的调配、透叠、晕染、接染等技法运用, 使画面色彩在交错与混合中产生明暗对比、冷暖对比、虚实对比、厚薄对比等。在水彩绘制过程中, 大多干画法和湿画法交替使用, 常中有变, 变中有常, 在变化中寻找多样丰富, 在区别中寻找和谐一律, 在水的流动与渗透过程中光波清晰、交相辉映, 从而构成水彩艺术的审美效果。
“纸上得来终觉浅, 绝知此事要躬行”。在教学中鼓励学生反复练习、总结教训、积累经验, 培养学生探索创新的精神。水彩的意境源于生活, 引导学生用心体验水彩魅力, 通过形与色的形式加以再现和升华, 是作者讴歌生命的意义与生活的美好, 蕴藏着对美无尽的追求和人格魅力。
三、训练水彩特殊技法
特殊技法的探索与发现是追求个性化语言的良好途径之一。所谓特殊技法, 就是区别于传统技法的新的表现手法, 具有一定程度的偶然性, 但又是在可控范围内的。水彩材质的介质特性导致的偶然性和肌理特性是水彩艺术的丰富表现形式。传统技法与特殊技法相辅相成, 特殊技法是传统技法的补充与丰富, 是水彩学习中不可缺少的重要内容。肌理美感作为水彩表现技法的重要部分, 是创作过程中发自艺术情怀的本性弘扬, 具有了相对独立的审美意义。在教学实践中, 要求学生做专项的特殊技法训练, 其目的为丰富造型语言与表现形式, 更好地表达设计意图和画面效果。
水彩特殊技法有刀刮法、喷水法、点提法、撒盐法、洗涤法、沉淀法等, 结合水色的流动往往会产生某些意料之外却又自然天成的审美效果, 是传统技法难以达到的“自然而然”的形式语言。设计效果图最终是为表达设计者设计意图, 是实用与艺术的结合, 是审美艺术情趣和个人思想情感的的升华。从这个角度看, 艺术作品对媒体介质性能的挖掘、开拓以及利用是其艺术风格的表现基础。例如张英洪《陶颂》作品, 作者运用加油这种特殊介质, 产生的水油分离的肌理效果, 模仿古陶表面斑驳肌理的效果。在调色时加入少许油, 水和油既不能完全分离又你中有我, 我中有你, 产生水色迷离、斑斑驳驳的肌理感, 在视觉上生动表现了古陶本身表面肌理的式样。水油混合的特殊技法的运用, 使画面有了个性的造型语言形式和美学特征。水彩多种技法的综合运用产生特殊的视觉效果, 同样可以使作者获得表现的自由, 实现作者的创作愿望。在学习过程中需特别强调, 特殊技法表现的肌理效果, 是创作一种远离人们视觉习惯的表面效果, 达成求新求异之目的, 这与水色交融产生的特殊效果是有区别的。只有理性地认识特殊技法, 不刻意去追逐它, 才可能驾驭它为我所用。绘画的技法终究不是创作的真实目的, 它是为表现内容服务的。设计者家只有熟练地掌握了水彩表现技法, 并能随心所欲、自然而然地表达自己的真实感受, 才能接近“无法而法乃为至法”的最高境界。
特殊技法的形式美感当随时代精神、审美观念的发展而发展, 既不墨守陈规, 又能在原有的基础上有实质性突破, 建立符合时代精神的现代美感。特殊技法的创新不要止于表面层次的花样翻新, 而是要通过自己内心体验表现出一种升华和超越。如果不是为了作品主旨的表现, 仅仅为了形式而形式, 反而成为了干扰。水彩艺术的形式语言是极其丰富的, 坚持创新与实践, 探究水彩艺术表现的语言形式, 有利于促进艺术设计专业水彩技法的丰富与发展。古人有“若要有成, 废画三千”之说, 国画大师李可染甚至刻出一方“废画三千”、“七十二难”的印章。在艺术创作的道路上, 没有捷径可走, 只有下得了苦功, 再不断的实践中经历一次次的否定再否定, 经历一次次的失败与挫折, 才会获得最后的成功。
作为创作媒介的技法也始终作为创作意图的载体而出现。一幅成功的设计效果图, 是设计者思想情感的集中反映, 它展现着设计者的艺术个性和激扬的创意, 是用自己独有的艺术语言进行的艺术创作, 是用各种表现形式表达主体的世界。因此, 作为水彩综合的表现技法始终为反映作者个性语言与思想创意而服务, 是思想和情感的升华。无论设计者用什么水彩语言表达方式, 都是用心去聆听生活、感受生命, 而后用水与彩的语言表达而成的一种艺术形式。艺术本质是被触动了的情, 是诗化了的意, 是感情深化的产物, 是自然和生活的“再现”。只有深刻地认识到水彩技法之表现实为主体所感所思之本质, 并熟练掌握水彩技法之基本技法及特殊技法, 才能创作出有血有肉有灵魂的设计作品。
参考文献
[1]袁振藻.中国水彩画史[M].上海画报出版社.
[2]周济祥.绘画技法与肌理[M].湖南美术出版社.
水彩画专业 篇8
时至今日, 后现代主义已将一套更为多重意蕴的坐标系统纳入日见式微的现代性背景中, 在消除、解构、重构的游戏中激发出更多元的可能性, 艺术亦以新的准则以及新的体验和观看方式存在着。拥有悠久历史渊源的水彩艺术, 也应该顺应社会和艺术自身发展的需要, 在中国的文化土壤中, 更健康快速地成长起来。而反观当下中国水彩画艺术却与当代艺术相去甚远。
长期以来很多艺术家都沉迷于“水色”与“玩味”之间, 很少思考水彩画到底该怎么画的问题。现代生活丰富多彩, 各种艺术形式都在寻找更契合这个时代的表现形式, 然而, 中国乃至世界的水彩画似乎都处在现当代艺术之外, 或难以融入其中, 使得水彩画的面貌没有太大的变化, 这是极不正常的, 是值得深思的。
现代物质文明的高度发达是以心灵的扭曲和精神的异化为代价的。因而现代艺术更多的应该关注人的心灵, 反映现代人的生活状态, 而非一味的注重传承, 忽视创新。培根说过:“艺术是开启感情领域的一种方法而不是图解物体。”他还说“一幅画应该是一个事件的再创造, 而不是对一个物体的说明。”当前, 中国水彩画还存在很多以“高妙娴熟”的技法为追求目标、创作过分依赖照片的艺术家, 他们缺乏对生活的深入体验, 缺乏对艺术本身的反思精神, 终日闭门造车, 在技法上是精进了不少, 画面是越来越完美了, 但是, 作品却缺乏感染力, 内容和形式显得陈旧和空洞, 这些都是有碍于水彩画发展的。
约翰·拉塞尔在《现代艺术的意义》一书中写道:“人们面对新的艺术, 而又对他不甚了解时, 便会感到气恼万分。我们不去正视我们不喜欢, 不了解和不信任的东西, 我们觉得受到了人身侮辱, 好像作为合乎情理、机灵、敏锐的人类, 我们的身份受到质疑。”这就是很多现代人面对新鲜事物的普遍反映, 人们害怕新的东西, 新就意味着陌生, 一种难以接受, 这种心理的恐惧不仅反映在艺术的受众身上, 同样, 也影响了艺术家的创作, 使得艺术家不敢去变, 因为变了就会失去既得的观众以及利益。但是, 假如这个世界上什么是可信的话, 那么它就是艺术, 真正的艺术帮助我们生存, 而不是为了别的原因。如果艺术不能正常的发展不能反映艺术家的真情实感, 那么这种艺术就不是真正的艺术, 是“伪艺术”, “伪艺术”不值得尊重的。创新是艺术发展之魂, 亦是水彩画艺术发展之魂。
二、当代语境下的水彩画创作观
当代是一个信息高度发达、科技不断升级、各种文化观念不断更新和相互交融的年代, 在这个高度信息化的年代, 人们的生活节奏加快, 世界变得越来越近, 也许今天正在流行的某种趋势, 在明天就会变得过时或落后了。艺术也是如此, 在今天“人人都是艺术家”的背景下, 人人都可以玩艺术, 艺术的观念模糊化和泛化了, 人们的思想观念也趋向多元, 审美判断出现混乱, 在这种多元与复杂、解构与重构, 消解与交融的文化背景下, 我们要重新构建当代艺术的审美性。水彩艺术也是一样, 需要跟上时代的步伐, 顺应当代社会、当代文化的这一潮流, 水彩艺术家也应该更新观念, 跟随当代文化和当代艺术发展的步伐, 并在这一过程中不断发现自我、寻找自我、创造自我, 以“求真”的态度创作出形式多样和丰富多彩具有时代气息的作品。
1. 更新观念把握时代的脉搏
观念性是当代艺术无法回避的一个问题, 不管是何种艺术、何种形式, 油画也好、国画也好、抽象艺术也好还是观念艺术等等, 重要的不是的画了什么, 怎么做的问题, 而是他为什么这样做, 表达的又是什么?这就是他的观念性, 水彩画也是这样, 艺术家关注的应该是“内心的需要”抛开对象的束缚。当下一些艺术家过分的依赖照片, 整个艺术的创作过程都是在无限的接近对象, 这种在对象奴役下的艺术, 抹杀了创作主体的主观性。当然, 我们并不排斥用照片进行辅助创作, 正如, 石冲利用照片进行创作一样, 在他的照片中, 拍摄照片本身就是一种艺术创作, 重要的不是他油画作品所呈现的图式, 而是, 艺术家借用了绘画这一媒介传递的一种对当下的一种思考、一种具有批判性的观念。拼贴艺术更是直接使用了照片, 但是却创作出了许多优秀的作品, 如安迪·沃霍尔对于梦露的运用, 另外, 还有杜尚对于“蒙娜丽莎”的恶搞等等, 因此, 在这个过程中, 照片或对象没有错, 错的只是运用它的方式。
2. 关注当下走出传统的囹圄
我们提到当代艺术一般要提到装置艺术、行为艺术、大地艺术、新媒体艺术等, 但是有些绘画也有很强的当代性, 最近看到了刘晓东的近作, 他一直从事写实性绘画研究, 但是他关注的问题远比他的笔下所呈现的画面更有意义, 画家将画室直接搬到了室外在, 写生场地上临时搭建画室, 直接进行写生创作, 这些作品除了坚持了他一贯的写实技法外, 更多的是他对当前处于社会底层且被边缘化的人们的精神状态的思考。作品的复杂含义和在绘画形态上的令人震撼的强大的力量、作品充满人性的立场和高超的语言方式使每一个看到它们的人感动和不可忘记。而水彩艺术家却缺乏对现实生活的关注, 创作观念上局限于传统形式, 风景、静物较多, 人物尤其是反映当下人们生活状态的作品太少了。陈国庆先生就是一位多面手, 大家认识他的可能更多的是他笔下的水彩人体, 其实陈先生的创作面很广, 静物还有风景都画得很好, 而且是一位风格多变的艺术家, 近年来他创作了一批与他早期作品有明显区别的作品, 这些作品《静物》 (图一) 极具现代感和当代性, 在他的作品中看不到传统意义上的水彩规范, 画面强调的不是流光溢彩、清新华滋, 而是各种灰色层次在纸头上留下的“痕象”似有山水画般的错觉, 这种在色彩和造型上对水彩画传统观念的颠覆和叛离, 正是艺术家对水彩画本体语言的重新审视和反思, 在一定程度上拓展了水彩画艺术语言, 丰富了水彩画的表达内涵。水彩画同样可以创作出具有时代感的作品, 关键是看你怎么做, 能不能迈开这一步。
参考文献
谈水彩画写生与创作 篇9
一、水彩画写生也是水彩画创作的一种形式
写生为创作提供了永不枯竭的艺术灵感, 画家在自然中写生时面对千变万化的物象会保持一种新鲜感会不断的激发画家的创作灵感。在与自然或客观对象交流时, 画者能更加主动的感受自然, 体味生活, 从而挖掘生活中的美, 以轻松自如的心态作画, 画面上会使人感觉自然生动充满活力。
吴冠中先生改变了西方写生作品完全忠于客观对象的绘画方式, 在写生中不时变换角度和地点, 将不同的景物经过处理集中而产生超越客观对象的具有形式美的艺术效果。水彩艺术家黄铁山先生每次外出, 他都随身带着自己设计制作的水彩小画箱, 抓住一切时机观察写生, 随时用水彩记录自己眼前的景象和感受。他的创作便是从写生作品中演化而来的从对他的写生作品与创作的比较中, 我们可以很清楚的看到这一转化过程。这些细小的调整增强了画面的层次关系使作品更加丰富耐看, 充分的体现了他的审美情感。
黄铁山先生的水彩写生不在是简单的再现自然, /而是从视觉的直接接触景的过程中充分调动对于几形体、色彩和空间等诸多艺术理念性的语言, 又在写生中融合心灵的感悟和在对表象朴实的捕捉中构成自己独到的表现力。他的创作不仅保留了写生作品的生动情趣而且对具体细节的刻画亦相当深入, 使写生与创作如此完美的结合起来。这种日积月累的长期直接写生, 使他对生活和艺术有了更为深刻的理解, 在写生的过程中全身心的融入自然, 人境合一, 从而使其作品更具感染力。
二、创作得益于写生
第一, 素材的累积。
大量的写生练习, 正是为我们提供了一个“熟能生巧”的过程, 为创作表现埋下了伏笔。面对户外采景作画, 需冷静思考, 眼前的景是什么地方吸引了你, 激励你去表现。艺术来源于生活。画者首先必须热爱生活, 熟悉他所描绘的生活、对象, 作画才能得心应手。
第二, 表现技法运用。
国画中常讲“意在笔先”, 出自:晋·王羲之《题卫夫人笔阵图后》:“夫欲书者, 先干研墨, 凝神静思, 预想字形大小, 偃仰平直振动, 令筋脉相连, 意在笔前, 然后作字。”其含义是指:作画之前要具备成熟的构思、感性和理性思维的指导, 然后下笔。这是一种成熟的作画方式, 对于水彩学习也同样受用。“意在笔先”是为了让我们胸有成竹, 下笔在握。它是一个思考的过程, 也是作画的前提条件。不过话说回来, 水彩画是一种比较特殊的画种。因为水具有流动性, 所以造就了他的“与众不同”, 具有偶然性和必然性, 所以, “意在笔先”并非能控制的了整个画面, 有时候最终的画面效果也是“意在笔后”形成的。写生不仅能挖掘画家的视觉美感和独特的思维, 也能让画家逐步寻找到自己的艺术语言, 因此写生是画家成长的必由之路, 是画家形成艺术风格的最佳途径。概括成一句话就是:发现美、表现美和实现美。对生活有了丰富的积累后, 才能有艺术上的概括与浓缩。创作中有时看来是偶然的现象, 其实是一种必然的结果。
三、水彩画写生与水彩画创作之间的关系
水彩画创作与写生是相互促进、相互支撑、互为依据、相互影响的关系。水彩画写生是水彩画专业学生与水彩画家最先接触的水彩画创作的艺术训练过程, 然而水彩画创作并不是水彩画的终极目的。由于水彩画的写生性是自水彩画诞生之日起就一直存在的, 也可以说, 水彩画写生就是水彩画的主要创作形式之一。那么水彩画创作能力必定是在水彩画家大量写生、积累了艺术体验之后而逐渐得以增强的。通常当我们在水彩画创作上遇到瓶颈或者问题时, 想到的必定是通过相关的写生实践来获取创作的灵感与新思路。审美、技法是水彩创作的最重要的问题。在当下的高等美术教学中, 审美与技法训练是造就新时期画家的必修之课, 我们并不推崇只有思想没有行动能力的艺术家, 因此, 在高等美术教育中, 这两项重中之重是必须遵循的。因此, 这也印证了写生与创作之间相互增长、相互促进的关系。想从根本上使艺术创作上升一个层次, 那就必然要在写生与创作之间反复探索与实践, 体会其间相互影响与制约的微妙。
水彩画课堂教学探讨 篇10
水彩画具有清新、简洁、流畅、明快的艺术魅力, 受到人们的喜爱。而且使用的工具简便, 学起来容易出效果。但是水彩画的技术性较强, 又必须要有一定素描基础。要在短期的教学中, 使学生取得成效, 是比较难的, 因此, 在学习中要抓住重点解决学生在学习中的“难关”。
水彩画是以水调和透明的颜料, 运用水与色的相互渗化的方法和层加的方法, 来塑造物象的空间效果。作画时用水多少, 加色时画面干湿, 色的浓度以及用笔的快慢都十分重要。在学习中掌握水分多少, 是学习水彩画技法的主要问题。
对于学生作业, 学习水彩画应该把画好色彩明暗关系放在首位, 为了表现物体的明暗关系和结构关系, 色彩画脏一点也可。待技法熟练脏总是可以克服的。对于不重视和观察不出物体明度差异的通病, 先不要管他, 也可让学生花一些简单的水彩画, 锻炼用水色表现对象的结构、光暗, 有利于画好物体的明暗关系。
水彩画的淡彩比较好示范。我在这里主要讲一下水彩画的湿画法, 这个示范操作比较困难。在桌子上示范大部分同学看不见。且影响课堂秩序。在黑板上示范水彩流动, 影响效果, 所以我用水粉薄画来代替水彩作画。
具体做法是:前面把画纸钉在小黑板上, 挂在教室的黑板上, 竖起来用水彩作画。可是应该注意几个问题。
一是最好用锡管装的水粉, 因为色彩颗粒细, 易扩散, 透明度较好, 同时使用方便。瓶装宣传色粒粗, 水胶汁多, 浓度达不到。尽量用透明度好的, 不太好的要少用或不用。选用水粉色主要是它不容易流动和扩散。这样竖起来克服了水彩色倒流的缺
忌有门户只见。不要自命清高, 我是纯古典的正宗流派, 现代的东西太浮躁了, 没有内行;也不要自以为是说, 我是现代派的, 学院派的, 民间那些东西太老土了;也不要摈弃流行音乐改编的曲子, 以为没深度, 殊不知, 很多古典、专业的曲子曾经也是那个时代流行过来的。教学中, 教师应该根据学生的特点和偏好, 讲解不同风格或派别的曲子, 互相补充, 合理引导, 同时也能让学员学到一些“弦外之音”, 譬如古曲“怀古”和民间歌曲“采茶扑蝶”结合弹, 就会发现一些鲜为人知的东西。
5.注重古筝表演技巧
随着时代的进步, 器乐演奏越来越向“活”的方向发展。这个“活”, 不仅仅指内在的音乐变化, 同样表现在外在的表现形式上, 器乐演奏中的“演”愈来愈受到人们的重视。且看二胡坐着演奏的越来越少了, 古筝也有立式架子了, 演奏者的动作越来越夸张了。这一切的一切, 都表明器乐演奏已经完全抛弃了从前那种古板的演奏形式而灵活起来。这种“活”从脸、眼、眉、手到整个身体, 都与音乐融为一个整体, 使人们不仅聆听到美的音乐, 同时又观赏到了音乐的美感。
俄罗斯音乐家根纳季-齐平所著《演奏者与技术》一书中, 对艺术天赋、表演天赋有这样的描述:“艺术天赋就是指一个演员用自己充满诗意的思想、情感、和感受 (身体感受和心理感受) , 感染他人的那种才能。”而音乐表演家还补充说, “表演天赋则是一个演员在舞台上自我陶醉并使观众感动的那种极好的天分。”文字中所提到的“身体感受”“自我陶醉”, 同样也是器乐演奏者在演奏过程中所必须体会和寻找的感觉。
吕殿生老师非常重视古筝演奏的面部表情, 他主张:“眼”点。湿画法要水彩内融, 画面滋润, 水味十足, 所以示范时要在之上下功夫。
二是画时用水彩纸更好, 化学实验的滤纸也可。但学生用就困难了, 为了和学生打成一片, 用同样的纸, 让他们在作业上有所发挥, 所以我选用一般的图画纸, 最好表面粗糙的, 便于控制水分。在着色前把纸打湿 (应注意水的分量和天气变化, 倾斜看纸时应看不见亮光最好) , 以便着色时使水粉色扩散、渗化、衔接自然, 画出味道来。
用笔时尽量选用大笔, 能一笔涂满, 最好不涂第二笔, 尽量减少笔融, 不重笔, 少修改。因为, 这样才能显示水粉色的流畅感。用笔多了影响水色之间的结合, 另外, 黑板上的示范, 画面较大, 笔大能饱含水色, 一笔下去可解决问题, 相对来讲, 对画面的整体感较强。
在操作示范时, 要把握时间和水分。另外, 画面水分多时, 用色可稍厚, 这样水多, 色彩即使厚了点, 也不容易扩散。否则, 水多色薄易倒流。水分少时, 用色要薄, 因为水少, 色彩必须薄才容易扩撒, 不然, 用色厚了, 笔融生硬, 失去了水彩画的水味了, 所以画时要灵活掌握。
以上是我在这几十年来水彩画课堂教学的一点体会和经验, 对教学效果感到比较满意。在这里提出来仅供同行和老师们参考, 同时若有不对的地方还请同志们指正。总之, 利用水粉色代替水彩示范, 就是利用水粉色不易倒流的优点, 又要克服它不易扩散的缺点。在用色用水上把握, 多实践, 就能画出水彩画的味道来。
在表演艺术中要有“眉言目语”的能力。俗语说:“一任满怀心腹事, 传情妙在不语中。”我们要借鉴戏曲家、舞蹈家的表演方法, 在音乐表演艺术中, 根据所表达的主题思想, 伴随乐曲的展示, 眼睛也要音音含情, 随情变化。这是帮助表达内容不可缺少的方法之一。“脸”是心境, 喜、怒、哀、乐、厌、恶等面部表情, 要随心所欲地掌握、恰当地运用。器乐演奏者, 用音乐语言去抒发内心时, 也不能总是抱着一副“泥塑面孔”。重视对社会的观察、分析、研究、体验, 丰富我们的生活, 方能使我们的音乐表演, “变干枯为丰润, 变贫乏为充实, 变刻板为生动, 变造作为自然, 变肤浅为深刻, 变虚假为真实, 变千篇一律为百花齐放, 变冷热一张脸为分得出春夏秋冬”。 (引自雨泉《从三步门坎谈起》) 。
总之, 我们要不断地去了解学生们的兴趣、特点, 根据学筝的特点去探索出一套更为贴近学生心理的教学方法, 不断培养和增强学生学筝的兴趣, 减少学生学筝的心理负担, 让他们从学习古筝中体会到无穷的乐趣, 从而把古筝这一门艺术奇葩不断地发扬光大。
参考文献:
[1]汪莎;论古筝艺术的传统与创新[D].湖南师范大学2006
[2]崔洁;新时期古筝艺术的创新及其文化审美属性[D].山东大学2010[3]郭琳;古筝演奏之“韵”[D].河北大学2010
[4]胡菁菁;对成人古筝教学的思考与其指法教学的探索[D].南京艺术学院2009
[5]姜佳;发展古筝艺术之我见[D].南京艺术学院2009
石增琇 水彩画欣赏 篇11
水彩画获《纪念毛泽东同志<在延安文艺座谈会上的讲话>发表60周年全国美展》优秀奖、《中国水彩画写生精品大展》铜奖、《第二届“李剑晨奖”水彩双年展》铜奖;《天津市参评全国第十二届群星奖美术、摄影、书法作品展》优秀奖、《天津市参评全国第十四届群星奖美术、摄影、书法作品展》铜奖,《天津市参评全国第十五届群星奖美术、摄影、书法作品展》银奖。
其出版《中学美术教师人物素质培养》、《石增琇水彩画集》、《石增琇水彩画风景写生集》等著作,编著《天津水彩60年》大型画册,专著《水彩人物画》列入高等院校“十一五”精品规划教材,主持《水彩人物画》获天津级精品课程。
2003年天津美术家协会主办《石增琇水彩画展》
2004年应邀在德国斯图加特市举办《石增琇水彩画展》
2010年应邀在台湾省高雄市举办《石增琇水彩画个展》
石增绣简介
祖籍河北省肃宁,1949年生于天津
毕业于天津工艺美术学校、天津美术学院
中国美术家协会会员
中国美术家协会水彩艺术委员会委员
天津美术家协会水彩艺术委员会主任
天津美术家协会水彩专业委员会会长
论写生与水彩画创作 篇12
第一节研究的背景
在当下我们的许多水彩画普遍存在着作品缺少生活气息、缺乏激情、没有真实的感情流露、作品谈不上创意更没有艺术魅力可言。究其原因就是许多人不接触社会, 不深入生活, 闭门造车盲目的对着照片或者网络上下载的图片, 主观臆造或者直接照着图片复制。要解决这个问题采取写生的方法无疑是解决这一问题的良方。
第二节写作的目的和意义
写生的最大魅力是将画者此时、此地、此情凝结到一幅画面中去, 停留在想要达到的那个点上使之永恒。写生更是训练观察能力和色彩表现能力的重要方法, 面对瞬息万变丰富多彩的自然景观, 作者在高度激动与敏感的同时又要理性的面对画面的构图和色彩的搭配, 必须去选择、归纳、整体、概括地处理画面。写生对于艺术家内在的品质格局有很大的提升, 对于激活艺术生命, 改变苍白、概念、刻板等问题有很大的帮助。
第二章写生与水彩画创作
第一节关于写生
写生的本质
所谓“写生”第一种, 见景写生, 情景交融, 自然中景物给予我们感染与震撼有着强大的吸引力, 令我们非常激动, 兴笔一气呵成所画出来的作品, 是真实情感的流露。另一种, 为创作服务, 在作品主题的要求下到生活中寻找适合作品需要的景物、道具、形象等素材。我们所能知晓的历史上的艺术大师都拥有大量的写生作品, 这就证明了写生是艺术家得以进步的必要方式。
第二节关于水彩画创作
想要让艺术拥有更持久的生命力, 就应该坚持懂得从生活中去获取艺术创作的养料, 正所谓“生活是艺术创作的源泉”。古人云:“外师造化, 中得心源。”这里“外师造化”的实质就是指我们的创作应该依从客观世界中获取艺术创作的基本素材与创作灵感, 大自然的一景一物无疑是我们创作的源泉。
第三章写生与水彩画创作的关系
写生与创作是一种如螺旋般上升的互动递进关系。首先, 水彩艺术创作更多的是通过写生来实现, 它是对写生的一种精华提炼;其次, 写生的质量则直接关乎到水彩艺术创作学术价值的高低, 可以说它是水彩画创作的基础;然后, 水彩艺术在写生中往往能够将所看到的对象描绘得富有情感, 这种情感一方面是对象所自身带有的, 另一方面则是作者主观加入的情感意识。
第一节构建思路
思路是艺术家进行艺术创作的思想源泉, 一条清晰明确的思路决定艺术家能否创作出来有深度、有内涵的艺术佳作。而写生正是建构思路的重要手段, 通过写生, 不仅仅培养出更加系统的创作思路, 也会使绘画技法得到不断提高。
第二节水彩画创作是对于写生的一种提炼与升华
1、水彩画创作过程是在写生的基础上继承和发展的
艺术家在继承固有的优质积累之后, 就要善于整合和加以提炼, 从而促进水彩艺术的新超越, 通过在写生中逐渐培养出来的创新思维能力, 对大量现有积累进行结构重建, 发现新亮点, 发现新的表现方法, 发现新的社会题材, 最终将一些写生的积累改造成新的变化, 水彩画艺术也在这种变化中取得了新的发展。
2、水彩画创作与写生是一个有机体
有机体是指结构和功能上相互联系、相互依赖的各个部分组成的整体。水彩画创作与写生其实并不是相对孤立的, 而且一旦双方孤立, 无法取得应有的联系, 任何一方面都将无法取得实质性的进步。只有将水彩画创作和写生看作一对互补共生的有机体, 正确将两方面有效结合, 水彩画创作才能取得显著的进步。
第四章让写生辅助于水彩画艺术创作
写生如何更好的辅助于水彩画的创作?这是每一个热衷于水彩画的艺术家所需要正确认识的问题。抓住写生中的每个重要环节, 用心体验生活和培养敏锐的洞察力, 专注于培养创造性思维, 深入体悟水彩画的独特韵味, 把每一次写生都当成艺术创作。
第一节注重体验生活和培养敏锐的观察力
实地写生其实是一种很大的乐趣, 艺术家真正应该培养这种能够感受写生乐趣的习惯, 而这种习惯对于提高我们对生活的理解和形成敏锐的观察力具有很大的作用。我们在山水环绕的大自然中, 感受天地的灵气, 聆听万物的声音, 所描绘的对象也不再是局限于眼前的一景, 而是整个宇宙苍生的生命气息。用眼观察所看的景物, 用心联系景物与自然之间的关系, 用手抓住景物最动人的时刻, 这才是写生的正确方法, 也是提升我们艺术思维和技法的最佳方法。真正的艺术家在面对大自然的时候必然是极为饥渴的, 这种饥渴感是一种强烈想把所看所想的景物记录下来的欲望, 这种情绪的冲动也只有在实地写生的时候才会发生。所以, 我们应当把握住每一个让我们产生情绪变化的机会, 抒发出自我的真实情感, 描绘出精彩的水彩写生作品。
第二节注重创新思维的培养
创新思维则是指人们在创造具有独创性成果的过程中, 对事物的认识活动。任何艺术形式只有通过不断的推陈出新才能保持长久的新鲜活力。创新思维的形成是一种综合性的发展结果, 这种综合性包括发散性思维、直觉性思维以及求知欲等等。艺术家在写生过程中, 既要富有天马行空的奇思妙想, 也要具有基本的思维判断, 更要有强烈的求知探索的欲望, 三者激烈的碰撞出新颖的火花, 这样写生就达到了它应有的效用, 艺术家也在这个过程中获得了宝贵的创新思维方式。创新思维的培养看似复杂, 其实也简单, 我们会看到, 往往勤于写生, 善于探索的艺术家更容易获得新颖的艺术创新思维。
结论
善于写生总结, 总结的最终目的还是在于发扬优点, 弥补缺点, 这样对于艺术家而言则是一次次新的跨越。画家要经常进行写生活动, 深入生活, 不断的拓展创新思维, 提高艺术修养, 丰富表现方法, 那么, 就能通过写生创作出优秀的水彩画作品。
摘要：本文通过绘画写生与水彩画创作的关系来阐述写生对于水彩画创作的影响。水彩画的写生在水彩画艺术创作中发挥着重要的作用。自然与生活是艺术的源泉, 而写生的方式就是在源头上获取艺术的养分。通过写生不断的观察新的事物才能够培养个体的创新思维。
关键词：水彩画,写生,创造性思维,水彩画创作
参考文献