当代城市雕塑创作原则

当代城市雕塑创作原则（通用7篇）

当代城市雕塑创作原则 篇1

20世纪中叶, 欧美等国家一些建筑师和艺术家提出了“公共环境艺术”或“公共环境意识化”的概念。雕塑家在对待与环境相关的城市建筑、城市雕塑、壁画、园林等艺术时, 雕塑作品开始从文化功能和审美功能的角度来关注人们的生存空间, 将环境与艺术作为一个整体进行综合性的创作。

城市环境雕塑是现代城市发展和环境艺术的产物。现代城市雕塑与古代雕塑在功能上有本质的区别, 古代雕塑主要服务于宗教, 以雕塑为载体宣扬宗教教义, 维护统治阶级的统治, 大多雕刻于洞窟和教堂、寺院之中, 没有环境艺术的本质概念。而现代城市雕塑作为公共艺术的重要组成部分, 是在物质环境满足人类生存和行为方式等基本需要的同时, 给环境注入人类意志、理念、情感和美感的综合性艺术。公共性是现代城市环境雕塑的显著特征, 这就决定了现代城市雕塑在现代生活中所具有的公共环境艺术的本质, 也决定了现代城市环境雕塑不同于古代雕塑的创作原则。

一、当代城市雕塑的空间占有的创作原则

作为公共艺术的城市雕塑以环境为首要前提, 它必须通过与建筑及环境空间要素相协调才能实现自身的价值, 因此可以说城市雕塑从创作开始就与环境空间产生了密切的联系。这就提出了城市雕塑创作在空间占有的把握上与建筑环境的关系的创作原则。

1、城市雕塑创作要整体分析建筑环境及其场域空间关系

我们应该从整体上分析建筑环境及其场域空间关系, 这是确定城市雕塑体积的基本前提。空间是由各建筑之间的空地形成的, 场域空间直接与建筑物的布局组合有关, 形成规则的几何形空间或不规则的自由空间。不论哪种场域空间, 都由诸多复杂的地面建筑元素构成, 如路面、台阶、花坛、草地、水池、桥、柱以及栏杆等, 高低、纵横、斜的和彼此交错的场域空间, 在视觉上形成各种环境形态, 直接或间接地影响着城市雕塑的造型与布局, 制约着城市雕塑体积, 这就要求城市雕塑的创作必须因地制宜, 顺应各种具体场域空间形态, 同建筑的结构逻辑之间保持着必然的联系。使之既不影响环境空间结构又能弥补建筑的缺陷, 增加环境美感, 整体思考城市雕塑体积与场域空间比例的关系, 取得和谐统一的空间占有美感。

2、城市雕塑创作要把握好它的体积与视距的关系

城市雕塑作品的魅力不仅靠雕塑作品的内容与形式来体现, 还要借助于完整的视觉效果。城市雕塑完整的视觉效果的必须通过视距的调整产生。调整视距可以采取两种方式:一种是通过视点移动而产生的与雕塑不同的视距;第二种是视点不变, 在创作城市雕塑的过程中考虑其合适的体量变化, 来实现城市雕塑协调的最佳的视觉效果。前者是自由灵活的, 适用于较为开阔的, 而后者是被动的, 适用于较窄小的场域。城市建筑结构不同, 场域空间预留不同, 提供给我们创作的创域空间也就不同, 因此更多的时候是两种方式相结合的创作条件。面对这些不同的场域空间, 就要求我们在追求和谐的基础上因地制宜, 在体积大小确定方面既要考虑城市雕塑与场域空间的关系, 又要考虑视点视距的需要, 对城市雕塑进行整体灵活创作, 使其既能保持完整性的又能给人以赏心悦目的审美效果。

因此, 在城市雕塑创作中对空间占有的把握上, 不能一味追求绝对的、理想中的体积比例, 要与建筑环境、场域的实际空间和受众的审美心理结合, 进行深入研究不同体积的效果, 遵循雕塑艺术所特有空间占有创作原则。另外, 大型城市雕塑及其景观环境的创作设计, 应该考虑到对城市及社区生态环境的适应与爱护, 尽量避免对生态和土地的任意占用、改变和破坏。这就需要雕塑家和设计师具有强烈的生态意识, 以及长远的和整体的意识。

二、当代城市雕塑材质选择的创作原则

材质的多样性是当代城市雕塑艺术的一个显著特征, 当代雕塑艺术多材质、多工艺随着科学技术的发展越来越明显。城市雕塑创作过程中创作者通过材质自然魅力与艺术创造的有机结合来表达观念, 创作出视觉美感和心理功能的效果。当代城市环境雕塑有着丰富的材料资源, 不同的材料拥有不同的质地。城市雕塑的不同材质具有不同的审美价值。材质不仅是城市雕塑艺术表现的媒介, 而且材质美感也丰富了城市雕塑造型语言。

1、城市雕塑艺术具有实体性

构成城市雕塑实体的物质材料本身就是作品呈现的一个重要方面。材质对城市雕塑来说, 其表现力既体现在内容的传达上, 又体现在形式的构筑中。作为物质实体的城市雕塑, 其材质自身所具有的审美价值往往通过它的肌理、质感、色彩直接作用于人的视觉, 产生审美感受。

2、不同的材质拥有不同的材质美在当代城市雕塑创作中所使用的

材质多种多样, 无论是石膏、石材、木材、金属、混凝土等比较传统的材质还是玻璃、陶瓷、纤维、感光材料这些材料都具有不同的特性, 显现出各自特有的材质美。丰富的材料为我们提供了更多的创作空间, 在创作中通过合理的材质的选择, 把视觉肌理、触觉肌理与内容形式进行有机的结合, 来提升作品的审美品质。

然而, 当代城市雕塑是工艺与材料相结合的艺术。尽管可选择的材料很多, 每一种材料都会显露出自身所具有的美感, 但我们才选择某一种材质时首先必须要了解其在人们视觉心理中的产生审美作用, 其次, 对材质的选择还受限于工艺加工技术水平。在城市雕塑创作中使一种材质由物质属性转化为审美属性仅依靠其单纯的自然属性是很难实现的, 我们应该认识到开发材料的审美特征和提高工艺加工水平。在创作过程中选择某种材质, 在对其经过艺术的创造的同时, 还应显现出材质本身的自然美。

三、当代城市雕塑形式美的创作原则

城市雕塑艺术形式不同于架上雕塑表现形式自由、多样;城市雕塑表现形式的受环境场域的限制, 它是在特定环境空间的统一协调的前提下来创作的。我们城市雕塑创作中既要协调特定环境空间与雕塑表现形式的问题。还要考虑到作为城市建设中的公共艺术创作如何适应大多数市民对待艺术的基本态度和理想追求, 并正确地导向更具崇高精神意义的文化境界。探讨形式美的法则, 是所有艺术类学科共通的课题, 在一座城市现实中, 由于人们所处经济地位、文化素质、思想习俗、生活理想、价值观念等不同而具有不同的审美观念。然而单从形式条件来评价城市雕塑时, 对于美或丑的感觉在大多数人中间存在着一种基本相通的共识。这就要求我们在城市雕塑创作中。

在城市雕塑的创作中运用形式美的法则, 首先要透彻领会不同形式美的法则的特定表现功能和审美意义, 明确欲求的城市雕塑形式效果, 之后再根据城市环境、文化需要正确选择适用的形式法则, 从而确定符合公共环境雕塑艺术需要的形式美。值得我们注意的是城市雕塑形式美的法则不是凝固不变的, 随着环境空间的变化, 雕塑艺术形式美的法则也在不断变化, 因此, 在城市雕塑创作中, 既要遵循形式美的法则, 又不能犯教条主义的错误, 生搬硬套某一种雕塑形式美法则, 而要根据环境空间、文化的不同, 灵活运用雕塑艺术的形式美法则。

另外, 材质工艺以及色彩的独特运用也是构成城市雕塑形式美不可忽略的方面。

四、当代城市雕塑体现城市文化, 彰显时代精神的创作原则

工艺雕塑大师韩美林曾说过:“每个城市都有自己独特的文化内涵, 而雕塑是最能代表和象征城市文化底蕴的标志。”城市是人们栖居地, 人们创造、沟通和熔炼的特殊“容器”, 现代城市成了实现个人和社会理想的场所及信息交换地。可以说, 城市化程度和城市文化艺术的形态, 已成为一个国家或地区的文明和文化程度的象征与标志。作为构成人类精神寄托和文化审美的城市雕塑艺术, 是城市文化生态的有机组成部分, 是生长在城市的人社会生活和个体生活经验基础之上的有机体, 而不是依靠无源之水、无本之木的铺陈。城市环境雕塑创作从文化的社会性和有机性观点出发, 则应该依据雕塑所处的不同地方、不同环境去处理好雕塑与城市的历史及当代文化环境、生态环境、经济发展以及时代精神面貌之间的基本关系。

首先, 注重与城市历史及地方文化发生必要的关联和对话的城市雕塑, 尤其是重在叙事性或纪念性的城市雕塑所需体现的对于地方历史及人文精神的关怀。城市的历史与文化精神具有内外两种形态, 这两种形态都具有延续的特性。这就要求我们在当代城市雕塑创作中以空间造型及环境的艺术创作与象征方式去揭示城市的生命与精神文化内涵, 而不是简单地强调雕塑对于城市故事的记录或图解, 也不能只是突出表现雕塑的外在纪念性和叙事性, 而是要求我们通过不同的艺术表现方式留住一方水土的历史积淀和文化渊源。

其次, 在当代城市雕塑创作中还必须要考虑到随时代发展的城市新人对于当代城市文化的心理期待, 注重雕塑与城市的新旧交织、继往开来的关系, 以及处理好城市雕塑的教育与娱乐、纪念与审美、表现与沟通等关系。作为城市雕塑创作者就应该担负起的这种使命。城市雕塑创作应倡导从理性和谐的人文精神方面去思考现代人的生活和艺术、雕塑与时代之间的必然联系, 才可能使得雕塑艺术与城市特性及其深层次的文化精神得到真实的联系和升华, 以免过多的出现在形式和内涵上流于肤浅和空洞的“垃圾雕塑”。

总之, 公共艺术是因空间和场景而发生的艺术:先有场所, 再产生想法, 然后制作作品。作为公共艺术的现代城市雕塑的创作和建设绝不应是表面的化妆和美化, 而是在协调人与自然、人与人的关系, 是在创造人类审美的而又是现实的生活场所、安全而健康的生态系统、富有寓意的物质与精神空间, 即天地-人-神和谐的人居环境。本文仅从空间占有、料质、形式、体现城市文化与时代精神等方面对城市雕塑的创作原则作了一些探讨性研究。随着社会的不断发展, 城市环境雕塑艺术也正在发生着巨大的变化。我们相信, 在创造人类更美好的生存环境的过程中, 城市环境雕塑艺术将会发挥其应有的价值及使命。

摘要：随着中国经济的快速发展, 城市建设步伐也的空前加快, 作为公共环境艺术的城市雕塑, 越来越受到了人们的关注。当代城市环境雕塑艺术, 不仅美化了城市环境, 还体现了城市文化, 彰显时代精神。本文从当代环境雕塑的空间占有、料质选择、形式美、体现城市文化与等方面对城市环境雕塑艺术的创作原则作一些探讨性研究, 旨在使城市环境雕塑艺术在创造人类美好的生存环境的过程中, 发挥其应有的价值和使命。

关键词：公共艺术,环境艺术,城市雕塑,创作原则

参考文献

[1]刘森林:《公共艺术设计》[M].上海大学出版社.2002.[1]刘森林:《公共艺术设计》[M].上海大学出版社.2002.

[2]俞孔坚、李迪华:《城市景观之路——与市长们交流》[M].中国建筑工业出版社.2003.2[2]俞孔坚、李迪华:《城市景观之路——与市长们交流》[M].中国建筑工业出版社.2003.2

[3]袁运甫:《有容乃大》[M].岭南美术出版社.2001[3]袁运甫:《有容乃大》[M].岭南美术出版社.2001

[4]苏伟:《论现代城市环境雕塑艺术的审美特征》[J].艺术教育.2008.10[4]苏伟:《论现代城市环境雕塑艺术的审美特征》[J].艺术教育.2008.10

[5]王忠:《公共艺术概论-中央美术学院规划教材》[M].北京大学出版社.2007.12[5]王忠:《公共艺术概论-中央美术学院规划教材》[M].北京大学出版社.2007.12

当代陶瓷雕塑作品创作与设计研究 篇2

关键词：现代化；陶瓷雕塑；产品设计；研究

1中国现代化陶瓷雕塑的发展现状

传统陶艺以实用和装饰为主，作品的造型蕴含着传统文化的意蕴，含蓄而内敛。现代陶艺则和其他现代艺术一样是多元和开放的，作品的外在形式表现出强烈的个性，强调实验性探索。中国传统陶瓷从材质、制作工艺到审美形态，虽然多次吸收外界文化，比如唐代长沙窑的装饰的率意，元代及其以后封建王朝陶瓷艺术的造型和文饰，但还能充分展现出中国陶瓷的特殊语言，显现出中国文化的广博性和包容性。而当今中国现代陶艺发展30余年，在材质范围、工艺手段、形式语言和个体精神表现等方面，以及在对材料非单纯可视性，媒材表现的多样化和在公共环境中的运用等方面，似乎能够与西方陶艺平等对话，但是，却找不到现代陶艺在中国发端的本土原由和自身的价值标准，即找不到传统中国陶瓷艺术的根基所在。目前，只能说中国现代陶艺，走出了对自身传统陶瓷语言样式，以及个性精神对材料的介入的初级阶段。

2中国现代化陶瓷雕塑的分类

中国现代陶艺发展到今天，表现出三种成熟的样式：一是在坚持传统的技艺，讲究制作精良的同时，非常注重个性与情感的表达，这一类称为传统陶艺。二是通过创新来追求新意，从器型、材料和工序上的变异，追求实验性的效果，即现代陶艺。三是趋重艺术表现性，结合多种艺术手法、风格，探索形式美的各种可能性，笔者把这类陶艺称为前卫陶艺。后两种就是我们习惯命名的现代陶艺。中国现代陶艺充分体现了艺术家的个性表现，赋予现代人一种富有时代气息的审美境界，打开了一条表现现代生活个性的艺术通道，对中国传统陶瓷文化的现代化发展起了推波助澜的作用。

3陶瓷雕塑现代化创作技术的作用

随着我国科学技术水平的不断发展进步，现代陶瓷制作工艺也随之不断进步。传统的陶瓷雕塑产品在制作的过程中，由于受到当时落后生产工艺的制约，无法全面的表达制作者的创作理念，而制作出来的作品也不够细致。现代化的创作技术给陶瓷雕塑艺术家们提供了更广阔的创作空间，我国从事陶瓷雕塑创作的艺术家们也与日俱增，陶瓷艺术已经不再是离我们较远的关上艺术了，而更多的出现在我们的日常生活之中，这主要归功于现代技术的发展，让陶瓷制作方法变得简单化，传统陶瓷艺术之所以离普通人的生活较远，主要就是因为其复杂的制作手法。先进的创作技术虽然让陶瓷艺术走进了人们的生活，可是却也存在一定的缺陷，很多艺术家在进行陶瓷雕塑产品的过程中，盲目的追求个性，从而忽视了作品的内涵，造成现在的很多陶瓷雕塑产品，只是徒有造型怪异的外观，而缺少能够引起人们共鸣的艺术感染力。现代陶瓷雕塑艺术，不能因为创作技术的进步，就忽视了传统制作方法的独特艺术表现形式，要端正心态，运用先进的创作技术来表达自己的独特理念，展现作品丰富的精神世界，这样才能将创作与艺术完美结合，带给人们更加美好的精神享受。

4现代化陶瓷雕塑产品设计的发展途径

现代陶瓷雕塑作品要想不断的发展、进步，就要在吸取传统陶瓷雕塑艺术优秀文化底蕴与制作方法的基础上，根据当今社会的实际需求进行大胆创新，尤其是在产品的设计上不仅要符合人们的审美观，还要能够充分展现自己的独特个性。近年来，在陶瓷雕塑领域，虽然也出现了不少有内涵、有深度、制作手法独特、艺术欣赏价值较高的作品。可是，能够引领时尚潮流的艺术大师却很难出现，这就需要艺术家们进行深刻的反思，并找到适合自己的发展方向，创造出更多优秀的作品，将我国的陶瓷艺术带向世界的舞台。本文作者通过对现代陶瓷雕塑产品发展状况的分析与总结，将陶瓷雕塑产品设计的发展途径做了以下几点归纳：

4.1时尚与设计

现阶段，无论是电视、报纸，还是其他的杂志等都频繁的出现“时尚”这一词汇，各种时尚理念充斥着人们的头脑。所谓“时尚”在词典中的定义为“当时的风尚”，也就是在某一时期，人们的生活中所流行的一种风气，也就是一种能够被大多数人所认同的审美观。从历史的发展角度来看，某一时期都有其独特的时尚文化，就因为不同时期的时尚文化有所不同，所以艺术作品的设计风格就存在一定的差异。时尚的核心思想就是不断的探索与创新，在发展中寻求变化，不只是服装、造型、摄影等方面的设计，而是对当今社会流行趋势的把握，能够引领人们的时尚品味，是一种生活态度。现代陶瓷雕塑产品设计就要紧跟当今的时尚步伐，设计师们要充分掌握先进的理念，进行大胆创新，设计出独具特色的艺术作品。时尚与设计总是相伴而行，时尚引领设计，设计是时尚的一种表现形式，可能很多人都会觉得时尚以艺术离自己很远，其实时尚就是一种生活态度，存在于我们身边的方方面面。随着人们对生活质量的要求越来越高，设计师们为了满足人们的精神需求，将物质与精神进行相互融合，创造出众多不仅具有使用价值，还具有艺术价值的优秀作品。人们的需求总是随着社会的发展而不断变化的，所以产品的设计也随着人们需求的变化而不断变化的，审美是没有固定标准的。人们不但突破原有的思维定式和生活观念，在更广泛的领域里谋求生理和心理的满足与刺激，大众对潮流文化的热衷，促进了新设计。新技术的不断发展，引导新需求，创造新一轮的时尚。大众对时尚的追捧正式设计文化不断创新求变的动力所在，使设计成为一种特色鲜明的流行文化。二十一世纪是信息的时代，日用陶瓷设计更要关注时尚的信息，引领时尚的潮流。

4.2情感与趣味

随着人们生活水平的不断进步，审美标准也在日益提高，除了注重物质上的需求之外，也更加的关注精神世界的享受，物品的价值也从传统的单一使用价值向着更加多元化的发展方向前进。现阶段，人们对物质所表达出的精神层面有着更加迫切的需求，物品的情感性与趣味性已成为新的经济增长因素。人们在自身的生存权得到一定的保证之后，开始向着不断提高自身的精神世界发展。所以，现代的陶瓷雕塑产品要以人的审美需求与精神需求为基础，充分展现艺术带给人们的精神享受，在创作的过程中，要注重艺术作品的情感化，这样才能让作品不仅能够在人们的日常生活中起到使用价值，还能起到一定的欣赏价值，提高人们的生活品质与生活乐趣。

4.3个性与独创

现代陶瓷雕塑产品更加注重表达个性与独创价值，这与当今的社会发展需求是离不开的，无论是在教育方面还是艺术创作方面，人们都更加关注能够表达学生或者是创作者独特个性的产品。往往越是别具一格的作品就越会得到人们的赞赏，这是时尚发展的规律，也是带动人们积极消费的动因。所以，现代陶瓷艺术为了适应时代的发展需求，在发展的过程中不断地进行创新，用独特的造型、夸张的色彩以及另类的涨势手法等方式表达着自身的时尚理念。

5结束语

综上所述，我国的陶瓷艺术历史悠久，具有深刻的文化底蕴，现代雕塑产品要在继承与发扬传统陶瓷艺术的基础上，与当今的艺术表现形式相结合，对陶瓷雕塑产品设计进行不断地创新，这样我国的陶瓷艺术才能不断的发扬光大。

参考文献：

[1] 吴能.陶瓷产品设计的时尚性[J].中国文化画报，2011（02）：1012.

[2] 郑丰银，艾玉婷.试论中国现代陶艺的创作方向[J].山西大学学报，2010（03）：3032.

当代城市雕塑创作原则 篇3

中国音乐发展历史悠久, 并对当代的音乐创作产生了巨大的影响, 自20世纪以来, 中国的作曲家所创作出的作品中或多或少都流露出中国传统音乐结构的思想, 这种带有民族传统风格的音乐创作方式所产生的音乐作品带有浓重的民族特色, 受到了世界各国音乐人士的喜爱, 为全球的音乐爱好者带来了美好的听觉享受, 逐步形成了一种中国民族风形式的音乐创作方式。当代中国的作曲家对于音乐作品的结构组织通常是以“散—中—快—慢”为基本, 利用速度变化的先后顺序进行的, 由此可见速度的变化对于音乐结构的组织具有较大的影响, 当代音乐创作中的结构性变速原则是尤为重要的。

当代中国音乐创作的发展

随着历史的发展, 音乐的产生是一种必然的趋势, 上世纪是音乐创作的新时代, 呈现出多元化的发展趋势, 西方音乐元素的传入与中国传统的民族风格相结合, 形成了一种别具特色的音乐风格。在此段时间里, 西方音乐出现了众多的流派, 如表现主义音乐、电子音乐、序列音乐, 同时在音乐创作手法以及音乐语言方面也有了一定的革新, 这些音乐的出现在极大程度上促进了中国当代音乐创作的进步。

中国音乐发展在上世纪七八十年代形成了一种内外交融的音乐风格, 是一种完全不同于中国传统音乐风格的音乐, 正是这种中西合璧的音乐加快了中国音乐的前进步伐。上世纪八十年代初, 改革开放的风潮带动了中国大陆的音乐发展, 跟上了现代音乐发展的大潮。无数的音乐创作者开始学习西方的创作理论, 西方的曲式结构对于中国的音乐创作产生了深远的影响, 由于无数音乐爱好者对于西方音乐作品、乐器、音乐结构创作方式进行不断的学习与了解, 同时利用先进的理论对中国音乐发展进行研究, 为我国以后的音乐发展奠定了坚实的基础, 使得我国的音乐创作者在对于音乐的创作上有了更为深刻的认识, 创作理念也不断得到发展, 使得中国音乐界陆续出现了较为优秀的音乐作品, 使得更多的中国人对音乐产生了浓厚的兴趣, 对音乐的探索力度不断地深入。

由于受到西方先进音乐理念的影响, 中国音乐创作者开始打破原有的传统的创作理念, 解放思想, 与时俱进, 音乐作品中越来越多地表现出了自由的观念, 对于原有的各种创作禁忌也开始摒弃, 不断进行着新的创作方式的尝试, 西方的音乐创作手法对于中国音乐创作者的影响越来越大, 中国的音乐创作者利用先进的创作手法, 创造出了许多极为优秀的音乐作品, 带给了中国人民较好的音乐体验, 同时这时期创作的音乐作品都具有较强的现代意识, 这是历史发展的必然趋势, 代表了社会前进的方向。

当代音乐创作特点

1.较强的民族性

为了使得音乐作品具有鲜明的中国特色, 在音乐创作的过程中, 必须要将传统的民族性以及时代性相结合。虽然西方的音乐创作技巧对于中国的音乐创作具有一定的影响, 但是传统的中国民族特色是不能够被抹杀的, 因此, 中国音乐创作者在进行音乐创作时, 会在音乐中营造一种具有民族特色的音乐氛围, 表现中国音乐的民族性。

这种营造民族氛围的音乐创作主要是注重对于音乐题材的选择, 为了能够使得音乐作品能够呈现出较强的民族特色, 对于中国文化有一个较好的体现, 所以一般借用比较具有中国特色的题材来进行音乐创作, 如《水调歌头》、《离骚》等, 创造者选择中国古诗词作为创作题材, 别有一番风韵。这种利用具有传统民族特色的题材进行创作, 可以有效地体现出民族性。

2.创作思想的转变

自上世纪八十年代, 西方音乐创作理念传入中国, 相应的创作方式、创作技巧对于中国音乐者的音乐创作带来了巨大的影响, 使得中国音乐创作者的创作技巧以及审美方式都有了一定的改进, 这种具有突破性的改进对于中国音乐创作具有重要的意义。同时为了创新音乐创作方式, 中国音乐创作者开始将各种不同的音乐进行一定的组合, 将不同地域、不同风格、不同文化的音乐方式进行融合, 将会产生一种全新的音乐作品, 正是由于音乐创造者们的不断创新, 才使得中国音乐创作呈现出多元化的发展趋势, 音乐风格多样, 带给人们不同于以往的听觉享受。

3.语言个性化

为了表现出多样的艺术风格, 使得音乐更加具有个性, 就必须利用丰富的音乐体裁进行音乐创作, 选用不同的创作体裁以及创作理论, 形成不同的音乐结构, 可以有效地表现出语言风格的个性化。如《荒漠暮色》就是利用《梅花三弄》作为音乐创作题材, 创新创作结构, 利用交响乐队、和声以及中胡的音色创作出独具特色的音乐作品。利用中西合璧的音乐创作方式, 将不同的音乐创作方式进行融合, 利用现代思维进行指导, 在体现时代性的同时又能够较好地体现中国丰厚的文化底蕴。

“单章—套曲”曲式中所包含的结构性变速原则

所谓的套曲组合原则就是指协奏曲、奏鸣曲、交响曲等大型的音乐作品, 其不同的乐章依据乐曲的内在发展逻辑进行有规律的积累, 使其形成一定的乐章曲式组合原则。这种套曲组合原则大致可以分为单章化套曲和套曲化单章两种组合形式, 是套曲组合原则与循环、再现、奏鸣等曲式组合原则相互结合的产物, 是继西方浪漫主义以后的大型音乐作品中的一种非常重要的曲式类型, 对于中国作曲家的创作具有重大的影响。同时中国作曲家在进行音乐创作时会将这种套曲组合原则融入创作之中, 和中国音乐结构创作中的结构性变速原则相互结合, 形成一种新的音乐结构模式, 这就是“单章—套曲”曲式, 有时作曲家们在其中融入一些奏鸣曲式原则, 正是这种不断创新、不断探索的精神, 使得我国的音乐创作呈现出了百花齐放的状态, 成为了世界音乐宝库中一笔珍贵的资源。

著名的音乐作家秦文琛的《唤风》就是一个典型的单乐章协奏曲, 以音色的对比以及音响的变化作为分类依据, 大致可以将这首协奏曲分为五个部分:第一部分的引子是以唢呐的独奏为主要形式的。第二部分利用清晰的慢板节拍营造出较为平稳的音乐氛围, 其音响、速度、节拍与引子部分截然不同, 形成了鲜明的对比。在第三部分中, 速度逐步加快, 规模逐渐变大, 表现出了丰富的音乐内容, 同时利用乐队协奏与唢呐独奏相互结合, 交替进行, 具有一定的展开性。第四部分的音乐显得尤为活跃, 速度较快, 显得朝气十足。第五部分具有非常明显的收尾性质, 音乐逐步归于类似于第一部分的散板, 在缓慢的音乐中利用唢呐与第一部分形成呼应, 乐曲逐步迈向尾声。这是一首典型的“单章—套曲”, 从整体结构上完整地表达出了“散—中—快—慢”的速度变化规律, 表现出“单章—套曲”的整体曲式特征。

边缘曲式与结构性变速原则

边缘曲式是在20世纪后期兴起的一个曲式学术语, 在同一个乐曲结构的创作过程中, 其中融合了两到三种不同的结构组合原则, 这几种结构组合原则中有一种作为其主导原则, 其他几种则处于附属地位。由于中西方音乐创作结构的不同, 以及相互之间的沟通交流, 使得在中国音乐的创作中完全依照中国传统的音乐结构模式来进行音乐创作结构布局的作品并不多见。中国作曲家对于音乐的创作大多采取的是将中国传统的结构性变速原则与西方的奏鸣、套曲组合、再现等的曲式组合原则进行一个有机的结合, 从而创作出一种具有混合性特色的音乐结构作品来。和边缘曲式一样, 同一个音乐作品中只有一种曲式组合原则占据主导地位, 结构性变速原则在一些音乐作品中占据了主导地位, 在其他一些音乐作品中则占据了辅助地位, 每一首音乐作品中结构性变速原则对于作品所起到的作用也是不同的。

著名音乐家赵晓生所创作的《太极》是一首钢琴独奏, 是赵晓生利用其创新的太极作曲技法进行创作的, 在对《太极》的音乐组织结构进行分析的过程中, 我们可以发现, 该创作的音乐结构是较为明显的结构性变速原则, 利用“散—中—快—慢”作为基本的逻辑进行创作, 将结构性变速原则融入到创作之中, 该作品一共分为八个段落, 每个段落都有固定的单字标题。第一段的引子利用三连音、切分节奏, 使得整个段落的韵律显得尤为缓慢。作为整个作品的主体部分, 第三段至第七段的速度有着一定变化, 由最开始的缓慢节拍逐步过渡到慢板, 再慢慢过渡到中板, 再经历了急板之后, 在最终又回归到引子的缓慢节拍。同时与开头所表现出的“破”以及“承”形成较为鲜明的呼应, 这种呼应不仅体现在乐曲的材料、节奏上, 在音型、力度上也形成了呼应, 使得乐曲最终重现了开篇的缓慢节奏。在该作品中, 曲式的变化以及结构性变速原则是创造者主要考虑的因素, 而再现原则只是起到了一定的辅助作用, 同时该曲中力度的变化也在一定程度上加强了速度变化形成的结构关系。

结构性变速原则与曲式结构的组合原则

为了能够使得音乐作品获得更多音乐爱好者的青睐, 作曲家在对于音乐作品的音乐结构进行创作的时候, 会遵循一定的发展逻辑, 这种发展逻辑是符合广大听众的审美情趣的。估计中外由于地理位置、文化环境、审美观念的不同使得不同地区的音乐结构组织形式也不同, 这就造就了世界各地丰富的音乐结构组织形式, 西方音乐是以多声部音乐为主体的, 而受到中国传统文化影响的中国传统音乐则是以单声部音乐为主体的。西方音乐强调的是各个曲式部分之间的协调性, 而中国音乐则讲求各个曲式部分之间的统一性。中国的传统音乐具有线性思维以及渐变的特点, 这就使得速度的变化成为了中国音乐中重要的结构力因素, 因此在中国音乐机构的创作中往往是以某一个曲牌作为故事情节的主要线路, 同时通过“散—中—快—慢”中速度的不断变化来形成整个音乐作品的组织结构, 这种音乐结构组织模式在我国的音乐作品中较为常见, 这些音乐作品都是通过速度的变化来形成不同的音乐创作作品。这种速度的变化在中国音乐作品中具强大的结构力作用, 这种结构性的变速原则也可以称作中国式结构性变速原则, 在当前中国的音乐创作中得到了广泛运用, 成为了中国音乐创作者在进行音乐结构组织时常用的手段之一, 是中国音乐发展不可忽视的因素。

结语

通过对于中国式结构性变速原则的分析我们可以知道, 结构性变速原则是以中国传统的审美观念中的渐变思维为核心的, 在对于音乐结构的创作中, 通过对速度的控制, 来形成独特的音乐结构模式, 不同作曲家对基本的渐变过程进行简化或者加以复杂化, 这都是对音乐结构组织的一种创新, 正是这种不断的创新, 为我们带来了众多风格各异的优秀音乐作品。但是结构性变速原则并非全部的音乐结构力因素, 只是其中较为重要的一种, 音色、调式等等, 同样也是音乐结构中的结构力因素。在未来的发展过程中, 我们要不断加强对于中国当代音乐创作结构模式的关注度, 不断研究、改进、革新音乐的创作技法, 促进我国音乐的不断发展。

摘要：随着社会的不断发展, 音乐也经历了其不同的发展阶段, 同时由于受到地理位置、文化观念的影响, 导致东西方音乐的组织结构存在一定的差异, 正是由于存在这种差异, 不同的音乐结构在中西方之间相互流传, 壮大了音乐创作的队伍, 同时延伸出新的音乐结构。人民对于音乐结构的研究也日益深入, 开始关注速度对于音乐结构的影响, 文章就中国当代音乐创作中的结构性变速原则进行分析, 研究其对于音乐发展的作用。

关键词：音乐创作,结构,变速原则

参考文献

[1]杨正君.中国当代音乐创作中的结构性变速原则[J].星海音乐学院, 2013, 2.

[2]杨正君.“单章———套曲”曲式及其基本表现形式[J].中央音乐学院学报, 2009, 1.

传统材料在当代雕塑创作中的应用 篇4

要探讨传统雕塑在当代雕塑创作中的创造性应用, 我们首先应该理清当代雕塑对传统雕塑在概念和外延上进行了哪些突破、

跟随着时代的步伐来发展的, 传统艺术在现代人的眼里, 只能够当成是一种神秘的, 不可触摸的艺术, 符合现代人生活的现代艺术则成为了我们生活的一部分, 更平民化。现代艺术的实用价值也是很重要的, 现在这个竞争异常激烈的社会, 常常把人弄的烦躁疲惫, 这时的现、当代油画作品就有着温暖港湾、心灵慰藉的作用, 设想一下, 经过了忙碌的一天, 回到家, 你是更愿意欣赏那些传统的、大多和教堂神灵有关的油画, 还是更愿意看那些有着现代气息, 有着清新淡雅的色彩, 富有感情的现代油画呢?

四、传统艺术与现代艺术的大融合及其“百家争鸣”

吴冠中先生曾经说过:“艺术是什么?艺术是感觉, 是灵感。这种感受是微妙的感受、可爱的感受, 把这种感受传达给你, 这是艺术。”

在当今的社会中, 美术教育不可以教条化, 不可以太过于死板, 不能片面地认为传统的、规规矩矩的东西就是对的, 应提倡百花齐放、百家争鸣。艺术是无价的, 同时艺术也是有感情的, 艺术就是画家感情的一种宣泄。或许, 在一幅油画上随意的泼上色彩, 即使没有任何的造型, 没有任何的色彩搭配之说, 但那也是一种情感的表达, 或许艺术家在创作这幅作品的时候就是这样的一种心情, 这种随意泼上颜料, 毫无拘束的、不受任何形式限制的心情。我们不能把这种情感的表达看成是故意的炒作、哗众取宠, 因为它也是带有情感的艺术, 只不过每个人情感的表达方式不一样罢了。艺术应该是没有标准的, 有标准的那不叫艺术, 雕塑的材料语言在传统雕塑的基础上又了哪些新的语言探索, 并在此基础之上对传统材料进行有目的的分析和研究, 方能更有效的发现和认识其在创作中的可能性。

首先, 当代雕塑对体积、体量观念上与传统雕塑不同。在当代雕塑创作中, 强调雕塑的体积和通过体积塑造强调空间占有的传统观念被打破, 以前用作检验标准的体量感认识在当下不再是唯一标准, 抑或在一些雕塑中不能再作为评价标准。一些现成品雕塑、装置雕塑、光雕塑等其制作过程无雕也无塑, 当代雕塑创作对体量的理解不再局限于物理层面, 而是更多的关注虚拟空间和心理空间的探索。艺术家罗伯特·史密森在美国犹他州的大盐湖上用沙石制作直径为160米, 长1500米的《螺旋状防波堤》, 这件作品采用开放的形体和空间构思, 打破了传统雕塑形体的自我封闭, 将空间向更为广阔的范围延伸。空间的开放可以借用任何环境硬件以及与公众的互动, 使作品成为艺术家营造的一个有意味的氛围。形与空间互动, 情与景互动, 作品与观众互动。此时, 传统雕塑创作中用作检验标准的体积、体量对艺术品已无能为力。

其次, 当代雕塑对光、色、环境等的追求的多样化。传统雕塑除开西方在一定时期内对色彩有所排斥, 追求纯粹的体积追求“高贵的单纯与静穆的伟大”之外, 大多数时间里是和色彩相结合的。当代雕塑不仅重新认识色彩的价值, 并且使色彩跳出对自然地模仿或为叙述主题服务, 使雕塑的色彩发展成为独立的语言形式。光线、环境因素都成为雕塑创作中和体积一样优先考虑的内容, 不再仅仅为表现体量服务。在一些三维激光作品和装置作品中, 光、明暗甚至声音成为雕塑的主体, 取代了材料表现和真实的体量关系。

另外, 雕塑从“凝固的舞蹈”演变为“跳动的音符”, 追求

艺术没有对错之分, 不管是传统艺术的那种严谨、神秘, 还是现代艺术的抽象化、几何化、个性化, 只要是画家用情感表达出来的东西, 那就叫艺术, 不能说谁是对的, 谁就是错的。对于现代油画中出现的诸多流派, 甚至有的可能还未有一个流派的名称, 我们都应该从正面去看待它们, 因为古往今来, 每一种油画流派的出现都是经历了一系列的争议的, 这是不可避免的。传统艺术与现代艺术应该大融合, 和谐发展, 文化是“百家争鸣”的, 艺术也应该是“百家争鸣”的。每一种艺术的风格都代表了那一个时期, 都是价值的一种体现。我们应该多注重创造性的东西, 有情感的东西, 不管是什么风格, 那都是画家对生活的理解, 都是对灵魂的诠释, 生活是艺术的, 换句话说, 生活就是一门艺术。传统艺术与现代艺术只有在大融合且“百家争鸣”的情况下, 才能越走越远。

参考文献:

[1]杨斌.消费文化与艺术创新[M].江西美术出版社, 2007. (07) .

[2]许静涛.徐沛君.传媒与当代艺术[M].江西美术出版社, 2009. (03) .[3]舒可文.相信艺术还是相信艺术家[M].中国人民大学出版社, 2003

作者简介:

马舒婷 (1989.2—) 女, 江苏人, 华南师范大学美术学院硕士研究生在读。

生命感的表现。伴随着电子影像、计算机技术的发展, 以及雕塑家对新技术、新材料、新表达方式的探索, 雕塑艺术自身的边界得到拓展。如入围北京奥运雕塑项目的由艺术家拉尔方索创作的《风中之舞》, 雕塑借助的风的力量, 在空间中起伏摆动, 产生形体上的变化和空间中的位移。这件作品打破了传统雕塑的静态的审美观念, 从另一角度阐释了雕塑艺术静和动的相对性。

再有, 当代雕塑在创作上更加注重综合材料和表现方式的应用, 往往一件作品上不止应用一种材料或一种表现方式。传统雕塑的语言表达方式和对材料应用方式的单一局限了艺术家对形式创新的追求和准确艺术观念的表达, 在创作中, 艺术家更多的尝试不同的材料和不同的表现方式以及材料与表现方式之间的最佳契合点, 带来了综合表现方式的创新。

鉴于当代雕塑在概念、外延上的延伸和对材料使用观念的上述变化, 我们在使用传统材料进行雕塑创作的过程中需要把握好以下两个层次的关系:

第一个层次, 我们应该首先认识材料的性能和给观众的心理感受。我们可以从单纯的削弱作品的叙事性, 突出材料在作品中的主体地位, 从材料本身的性能入手, 利用不同材料的特有属性和对人的心理印象这两方面来思考艺术创作, 了解手头的材料, 充分发掘它潜在的艺术感染力, 根据具体创作需求, 选择材料某方面性能, 为预设的艺术效果服务。我们以木材为例——在材料性能上, 木材本身具有纹理不同的木纹结构, 不同的木材又具有不同的颜色, 比如楠木的深褐色, 乌木的黑色, 柏木的中黄色等, 在实际创作过程中对木材的纹理和颜色进行预先的考虑对于作品的最终效果有很大的影响。同时木材又具有可燃烧的特点, 燃烧后的碳化、表面的龟裂、颜色的改变, 这些现象都是木材特有的属性, 有着独特的视觉冲击力。同时木材又具有良好的天然造型和极强的可加工性, 既为我们根据木材本身的纹理、造型、质地进行创作提供了可能性, 又为我们为木材掺入加工后的人工效果提供了方便。比如乌木本身在底下潮湿的环境中埋藏久远造成其表层纹理多变且常以不同的造型出现, 为我们因势造型提供了方便。

在心理感受上, 木材给人首先是生命感, “十年树木, 百年树人”。人们通常会用木材来借喻人, 比如榆木疙瘩、光棍、恶棍、古板等等的形容词汇。木材的另外一个心理感受是温暖感, 这种感受能在我们选用的木质家具、地板的应用上得以体现, 木门前我们会觉得温暖、润泽, 同时会感觉门后的主人和蔼容易亲近, 如果换做铁门则冰凉、沉稳, 甚或让我们觉得门后的主人比较严苛、不苟言笑。

第二个层次, 建立在对材料的性能和心理感受理解的基础之上, 在创作中我们便可以很好的利用材料的加工性能和材质特征, 以及材料带给人的心理感受方面的因素, 进行强化、平衡或错位的处理, 或者利用当代雕塑对传统雕塑在材料应用和在雕塑艺术概念和外延上的拓展, 合理的利用光、环境、自然力等要素或综合利用以上要素进行创作。在方法上可以有以下几种:

第一种方式, 强化某方面的物理性能。强调性能是建立在对材料的物理性能和心理感受的充分理解基础之上的, 同时需要通过尝试不同的加工方法和可能性研究, 最大限度加工材料, 产生想要的效果。作品如艺术家卡普尔2004年为芝加哥世纪公园创作的《云门》不锈钢雕塑, 充分利用材料的高度反光性能, 捕捉了整个广场和周围的环境, 弧线的造型, 扭曲了投影其上面的天、地、人的景象, 将整个钢筋水泥的城市森林变形为光怪陆离的超现实世界, 并且这个超现实世界似乎正在被雕塑底部的凹陷形成的漩涡慢慢吞噬。通过雕塑表面观众看到了一个扭曲旋转的空间, 雕塑的尺寸在观众的心理层面无限放大, 人们就在身处的现实空间与心理的虚拟空间徘徊, 陷入沉思。

第二种方式, 肌理的对比。肌理是传统材料的一大特点, 不同的材料肌理各不相同。对肌理的兴趣是吸引我们探究一件作品的原因之一1。肌理指材料表面的特征。通过视觉获得的肌理特征如作品表面的硬度、粗糙、光滑、尖锐等视觉效果会在人的心中产生不同的感受, 像折断的木块形成的锯齿状裂痕给人以折损、有危险、锋利、怕刺伤的感觉。不同的材料不同的加工手段会带来不同的肌理效果和和心理感受, 我们可以利用造型方法的不同、利用人工加工和随机产生的肌理效果的对比、自然与工业肌理效果的不同所造成的心理对比、肌理特点和由此而来的对作品最终效果的积极作用, 为我们的雕塑创作服务。如四川美院艺术家徐光福老师的木雕作品《莎翁意象》恰到好处的利用了乌木埋藏地下所形成的自然肌理与人工雕琢打磨的肌理之间的对比关系, 自然纹理是大自然的鬼斧神工人是无法模拟的, 同时他把局部的精雕细琢与大形结合的很到位。作品“西南乡土风格很重, 然而在形与形的组合、人的内心感受方面又不失当代之风”2。

第三种方式, 传统材料与光、色、环境的结合。我们进行传统雕塑和当代雕塑的比较时已经看到了当代雕塑在光、色、环境等方面的利用上与传统雕塑的不同, 在进行雕塑创作时, 应积极调动各种因素, 配合材料强化艺术感染力。光线的作用不仅仅是让我们看清物体, 它是极富表现力的因素, 根据光线的角度和强度以及自然光与人造光的变换, 与合适的传统材料进行配合, 置于合适的展示环境中, 会强化最终的艺术效果。主要可以通过强化材料的质感与自然光线的关系、反射环境的光线或倒影自然、利用光线的方向与材料造型的合理搭配、人造光源与传统材料肌理的对比等方式进行尝试。

第四种方式, 利用自然力使传统材料与时间结合。瓦尔特·德·玛利亚曾说过“艺术家用泥土创作的同时, 还用时间来创作。”这句话不仅表明了材料与时间的关系, 而且强调了时间因素对于艺术作品的重要性。在雕塑创作中我们可以灵活的利用自然力和时间对材料造成的随机的、不可预知的影响, 将其最为雕塑创作的一部分进行利用。艺术家约翰·威伦比彻的作品《燃烧的四面体》用粗木横放四面叠加构成类似金字塔的外形。展出过程中他将作品点燃, 木材由最初的微微冒烟, 到火焰熊熊燃烧直至变为灰烬, 整个作品在木质造型燃烧的过程中完成, 部分由人控制, 部分随机产生, 作品中间空心和逐渐缩小的顶部创造了烟囱般的效果, 使得气流向上升腾带动新鲜空气从底部进入增强火势。但木材燃烧的实际过程和燃烧的时间是无法控制的。它戏剧般的效果使人联想到生命与死亡、历史与湮灭、存在与虚无。

第五种方式, 利用心理错位获得审美愉悦。材料的表面特征常常引起我们伸手触摸的欲望, 通过触摸我们能够准确的感知对象。当我们不能触摸艺术品时, 对作品的印象就只能来源于我们的视觉, 我们可以灵活的应用视觉容易受到表面效果欺骗的现象, 对该材料的视觉印象和心理感受做与传统感受不同的呈现, 造成心理错位, 从而加强深化艺术表现特征, 让观众产生奇妙的“原来如此”的感受。

当代城市雕塑创作原则 篇5

在我真正从事雕塑艺术学习之前, 雕塑这个词在我脑海中的印象是浑厚、坚硬、牢固这些传统材料的心理特征, 虽说偏执, 这却代表了大多数人的印象以及雕塑在材料选择方面的某些认识。艺术发展到当前的阶段, 在雕塑创作中材料的可用范围极度扩张, 各式新材料不断涌现, 为雕塑家的创作呈现效果提供了广阔的可能性, 同时装置、行为、观念、影像等艺术形式的涌现为当代雕塑创作中的材料选择和应用提供了新的方式, 这是积极因素。然而这种情况也产生了负面的影响, 不少艺术工作者极端的将材料的创新与作品的当代性划等号, 在材料的选择上求新求异, 在形式层面裹足不前, 弱化了作品本身的内在追求。同时, 玻璃钢等替代材料的大量应用, 特别是刮灰、烤漆等工艺的应用所取得的市场效果让不少艺术工作者趋之若鹜。这些导致了材料使用理念在雕塑创作中的混乱, 特别是导致了金属材料、木材、石材等传统雕塑创作表现材料在雕塑创作中陷入误区, 日渐丧失了其在雕塑创作中的固有阵地。

要让传统硬质材料在雕塑创作中焕发出新的生机与活力, 找到新的创作出路, 同当代雕塑艺术创作观念和发展合上节拍, 需要我们首先对其在创作使用中的误区有一个深入的分析, 找到其丧失阵地的症结。

首先, 材料使用作为雕塑创作内容承载的创作观在当代雕塑创作中已经不再适用。早期, 人们使用木、石、金属等传统材料更多的是利用材料的耐久性, 不易损坏的特点。因为古典艺术的一大特征是叙事性, 一件艺术作品在讲述一个故事, 人们通过直观的视觉形象来了解整个故事。因此, 重要的是故事本身, 艺术品只是这个故事中一个典型的、具有代表性的片段, 他们或是英雄人物、或是宗教神祗, 用以师教化、树人伦, 要保留好这个片段供大众欣赏需要石材、木材、金属材料等的耐久性、庄重性等的性质, 这就导致了在雕塑艺术发展的漫长岁月中这三类传统材

参考文献:

[1]童春冠.浅谈建设职工书屋的作用[N].江汉石油职工大学学报.2011 (02) .[2]韩伟.建设职工书屋推动企业文化[J].现代企业文化.2012 (20) .

料在雕塑创作中占据了主导地位。这里的材料是内容的附庸, 没有其独立性。

然而, 当代艺术的一大特点就是艺术品逐渐摆脱了叙事性, 材料本身的审美意义在当掉雕塑创作中的角色得以独立出来, 可以不再仅仅作为内容的载体, 传统的美学依据更加不符合当代艺术创作。可是我们仍然能看到大量的艺术家遵循传统观念, 依照传统的工艺流程制作石雕、木雕等, 先制作一个艺术形象, 然后翻制出来, 按照这个形象进行雕琢, 重复着古希腊人做过的事情。他们可以说自己在用传统工艺表现当代的人、事、物, 是具有当代性和探索价值的。但我认为, 这种制作方法, 其艺术创作的核心观念也还是叙事性, 这和古希腊人做的没有两样。这种材料使用的陈旧观念将传统材料带入到一个狭隘的路径, 限制了其材料独立性和在当代艺术中的可能性。

其次, 我国艺术教育体系和传统教育带来的影响始终存在。我国艺术教育长期秉承“艺术来源于生活”“艺术反映生活”的艺术观念, 古典叙事性理念根深蒂固, 因此将材料作为内容的物质载体来运用的土壤深厚。同时雕塑教学过程中长期接受传统的写实技法教育, 最怕听到“基本功不扎实”的评价, 这个观念也被带进品是的创作中, 以基本功的好坏来评价作品好坏, 囿于其中不能自拔, 畏缩于纯粹形式的探索和材质美感的表达。就在当下, 各大美术院校所开设的石雕、木雕、金属铸造等课程中, 其教学重点还是侧重于传统的制作技法教学训练。这些都导致了其在创作过程中疏于对当代艺术的思考, 疏于对材料在当代雕塑中所起作用的思考。

再次, 时代对艺术工作者的影响。中国艺术的发展从古典到当代用几十年历经了西方几个世纪的历程, 各种思维的碰撞空前剧烈, 用传统观念利用传统材料进行雕塑创作和抛弃传统材料竞相追求材料的新奇和表现的极端化现象并存。传统材料在当代雕塑创作中的应用研究这种不讨巧的活路少人问津。

再有, 传统材料被日常生活同化。传统材料在当代雕塑创作中运用的另一难点在于他们在人们日常生活中的应用层面太丰富、太广泛、太习以为常了, 这使得我们对这些传统材料日渐失去了新鲜感和敏锐感。室内外的石质地板、木质家具、金属门窗、铁皮汽车、林荫大道、木石走廊……金属、木材、石材这些天然材料已经被同化, 被生活化了, 它们渗透到了人类的生命之中, 我们利用他们又被它们辖制, 它们已然成为我们生活中的一部分。然而生活部同于艺术, 当我们尝试将这些材料应用于艺术创作中时, 怎样使它们让大家眼前一亮?如何把这些材料从日常生活中抽离出来做深入骨髓的改变, 使观众产生不同寻常的感受, 这是我们的任务。

研究和认识传统材料在当代雕塑中的使用误区是我们能够正确利用这些珍贵材料的前提, 认识到这种误区, 并通过我们所掌握的现代雕塑材料的表现方式和对传统材料的熟练把握, 可以更好的利用这些传统材料, 把思维从日常顾虑的牢笼中解放出来, 为艺术家的创作开辟出更多的可能路径。

作者简介:

王敏, 性别:女, 民族:回族, 籍贯:开远, 出生1964年5月16日, 从事的工作:宣传教育, 现在的职称:馆员, 研究方向:企业文化。

摘要：传统硬质材料在雕塑艺术创作中所处的地位受到挑战, 新材料和新的创作表现方式的不断创新以及新的材料观都对传统材料的使用方式产生着冲击。要使其在当代雕塑的发展中占据一席之地, 需要我们认清其在创作中的使用误区, 以期更好的利用这些传统材料, 把思维从日常顾虑的牢笼中解放出来, 为艺术家的创作开辟出更多的可能路径。

当代城市雕塑创作原则 篇6

作为最重要的艺术表达方式之一,具象艺术的历史源远流长。随着现代艺术的兴起,具象雕塑似乎成了保守的象征;原有的艺术传统经过现代艺术方式的不断解构,逐渐丧失了它在历史上曾经拥有过的中心地位。当此之时,对于重新发现具象雕塑传统中不可替代的艺术特质,成为当今每一个有志于具象艺术发展的雕塑家必须深入思考的问题,其中的关键就是如何传承与创新。应该看到,人们对具象艺术的思考与探索,从未因为它受到花样百出的现代艺术的挤压而终止。在后现代艺术流行的大潮中,随着对新具象雕塑表现可能性探索的持续深入,像曼祖等当代具象雕塑家努力地沿着传统艺术精神的轨迹孜孜以求,不断出新,为我们提供了具象雕塑的表达新方式。正因为如此,具象艺术在文化发展的现实中又重新占据了重要的地位。反思于此,我们不应该无视具象雕塑在传统艺术源流的基础上迈开新步伐的现实,总结其中的规律,肯定其中的价值,都具有重要的意义。

反观中国雕塑艺术,传承的构想和创新的实践应该是中国精英艺术阶层努力践行的艺术理念。从中国当今雕塑家的结构主体来看,他们主要是在西方学院式雕塑教育体系和思想指导下培养出来的雕塑界精英,因此源于西方雕塑传统的经验为这样的主体提供了相应的艺术表现形式。然而,只有中国的文化理念才能使我们的作品正真拥有文化的精神和灵魂。这就像古希腊雕塑为西方雕塑的制式提供了格式化方案一样,而意大利文艺复兴的人文精神则为西方雕塑注入了人的精神和生命,使西方雕塑不再仅仅是形式或内容的简单延续,西方雕塑也在不同的历史阶段获得了新的起点,不断构筑出辉煌的艺术生命和文化价值,并一直延续至今。那么,中国的雕塑家在开拓中国雕塑的现代之路上,也应该由此而获得应有的启示。

艺术来源于生活,来源于自然,而艺术的成果又贵乎创新。在我们生活的这片土壤中,中华文化绵延五千年,从其清晰的文化发展脉络来看,传承与创新一直是主旋律。中国文化精神的独到境界,以及自然的人格化意蕴,把精神的生命体融合到自然的旋律当中,渗透出中华文化的人文精神。梅兰竹菊的品格隐喻,汉唐雕塑的宏大气度,都是值得我们研究与传承的精神财产。中国文化对自然的独特认识与表现,也是其人文精神的体现,它对待艺术表现不仅仅体现在自然物态的诗性特质,更为强调的是人文气质的高洁品性、人文情怀的抒发与张扬。取径于此来考察当今雕塑艺术的探索,我认为,对于传统人文经验的领会,不能仅仅停留在形式传承上,更重要的是对文化精神的延续。创作出具有文化传承意味的作品,将是中国具象雕塑的当代发展史上至关重要的标志。

在这方面,我以自己的作品《花·物语》系列为例,有如下思考。“花”是人类美好情怀的物态象征,而荷花在中国文化传统中又以其被赋予的独特的人文品格,如“出污泥而不染”的高洁而为人传诵。我这个系列的作品即试图以此文化寓意,表现人与自然的和谐共存与追求发展的美好理想,着重抒发作者对生态、对自然、对生命的关爱。该系列以具象写实手法和浪漫主义情怀,通过植物与人物的相互融合,表现出物中有我、我中有物、物我相融的天人合一的精神境界。在创作过程中我认识到,具象雕塑的精神境界和文化品格的体现,既不是对客观物像的简单描摹,也不是主观意念的随意拼凑,而是主客观世界的有机统一,是艺术家通过“外师造化,中得心源”创造过程而在自然美、生活美和艺术美三方面取得高度和谐的体现。

当代城市雕塑创作原则 篇7

自中世纪以来,法国的建筑艺术在欧洲的建筑星空中一直占有重要地位,哥特式建筑、古典主义建筑都曾达到非常高的水平。20世纪初,生于瑞士的勒·柯布西埃(Le Corbusier)来到法国从事建筑设计直到20世纪60年代,其充满革命性的建筑思想和永不枯竭的创造力,领导现代主义建筑潮流,推动法国现代建筑发展,影响深远。

20世纪70年代,英国人罗杰斯和意大利人皮亚诺设计的位于巴黎城市中心的蓬皮杜文化中心,震动了建筑界,其未来主义的风格嵌入巴黎历史街区中,引来许多非议。而如今经过时间的洗礼,这幢建筑已为巴黎人所接受,成为城市的又一景观。(图1)

20世纪80年代后,由于政府对大型公共文化设施的重视,国际知名建筑师的积极参与,为法国建筑界注入活力,一批法国本土建筑师脱颖而出,吸引了世界的目光。他们的作品充满个性而又丰富多彩,其创造力令人惊叹,其建筑设计趋向引人关注。

二、发展趋向

“现代建筑设计要求重新定位。重新回过头来从装饰艺术中,从历史中寻求养料。建筑设计重新注重在建筑与所处环境之间建立一种和睦关系,甚至创造一个与建筑技术相平衡的新环境来达到这种和睦。最重要的一点是,建筑设计师重新学会通过建筑设计叙述一个故事。”1

法国的当代建筑创作中既有包赞巴克(Christian de Portzamparc)充满浪漫风格的形体塑造,又有以先锋性、前卫性著称的建筑设计工作室(Architecture Studio),还有将建筑技术与视觉艺术完美结合的让·努维尔(Jean Nouvel)等等。尽管表现形式不同,但都融合了理性与诗意,以大胆的构思、永不枯竭的创新精神为特征,并形成渐趋明显的雕塑化趋向——塑形。

建筑师Massimiliano Fuksas就认为:当代建筑越向前发展,便越趋向于雕塑艺术。这种趋向在许多建筑师的作品中都有突出的表现,如包赞巴克、多米尼克·佩罗(Dominique Perrault)等;同时,这种趋向在近年新建的社会住宅中也清晰地反映出来。尽管许多建筑师声明更关注其他方面,但雕塑化的建筑设计趋向,却从不同风格建筑师的作品中展现出来。

三、塑形——理性思维模式下的浪漫表达。

欧洲建筑有很深的理性传统,偏爱几何形体的使用,从希腊帕提农神庙、罗马万神庙到勒杜的探索,再到勒·柯布西埃的作品,一再显现出这种趋向。法国当代建筑创作中表现出的强烈的雕塑化趋向,是这种内在理性思维模式的延续,其塑造的方式在理性中透出对浪漫的追求。

今天的法国建筑在许多方面都是对勒·柯布西埃的继承和发展,因此谈到当代法国建筑的雕塑化趋向时,不能不回溯勒·柯布西埃的作品。

1. 溯源——勒·柯布西埃的作品

(1)Villa La Roche,1923~1925(图2-4)

这幢别墅平面呈“L”型,外墙白色粉刷,深灰玻璃及窗框,清新、雅致。建筑简洁的外形和变化的体量与周围建筑形成鲜明的对比(图2),而其内部室间的塑造更是令人印象深刻。

从入口首先进入一个三层高的贯通空间(图4),主要功能都围绕此空间布局。垂直的墙面显然经过了精心设计,界面完整、大气,一角伸出的楼梯平台俨然空中的雕塑,平添了戏剧性效果。

位于二层的展室空间两层高,弧形的坡道从一侧通向上层,其色彩与造型亦是雕塑化的处理手法,普通的建筑元素在设计师手中都成为空间塑造的精灵(图3)。这幢小建筑是简洁而理性的,但其空间的连续、丰富和雕塑感,已清晰可见。

(2)巴黎大学巴西馆(图5-6)1957~1959

巴黎大学巴西馆与朗香教堂大致处于同一时期,有着粗野主义风格和强烈的雕塑感。建筑的底层楼梯及裙楼的处理,非常雕塑化(图6),同时建筑细部(如落水口)也成为外墙的有机组成要素,就像雕刻之于雅典卫城之不可或缺一样。在这里建筑已成为体积表演的舞台,辅以单纯的色彩。

(3)小结

现代主义一度走向僵化教条,现代派大师们的作品却从未教条过。从勒·柯布西埃的作品中,感受到的是理性力量下的创造力,不断求新、超越自我的境界,而当代法国建筑师正是继承了这一传统,理性中表达浪漫,用现代的材料和技术手段塑造新的雕塑感。

2. 继承与发展——法国当代建筑师作品

(1)“形体的舞蹈”——巴黎拉维莱特法国高级音乐舞蹈学院(图7),包赞巴克

包赞巴克的早期住宅作品已有雕塑化特征,而音乐学院则是建筑空间雕塑化处理的集中体现。整个建筑群被设计成若干个相互联系又有一定独立性的体块,通过直线与曲面对比以及不同外立面色彩处理,形成一个丰富而独特的空间特征,建筑与构件成为空间中的雕塑。

(2)“多姿多彩的生活空间”——巴黎贝西(Bercy)住区(图8-9)

贝西(Bercy)住区位于塞纳河畔,巴黎第12区,是近年来整体开发的居住、商业服务、办公综合区。贝西住区整体布局理性规整,居住建筑形体简洁、大方、干净而富有雕塑感。

同样是居住建筑,在建筑形体组合上却有着多样化的表达。比如临街的和面向中心公园的居住建筑之间,在简洁的建筑形体上仍然表现出迥异的形式,构成丰富而多样的住区景象。

(3)“融入景观环境的艺术雕塑”——巴黎盖布朗利原始艺术博物馆(图10-12),让·努维尔

博物馆建在巴黎市中心,塞纳河边,埃菲尔铁塔脚下。建筑由4栋风格迥异的建筑物组成,像一组含蓄的雕塑,隐于塞纳河边的绿色景观中。设计师运用最新的技术手段,通过塑造建筑形体、色彩与环境的内在关联,表达对原始艺术的尊重。

建筑形体穿插流动,沿塞纳河展开的弧形体量上镶嵌各不相同的“盒子”,形成强烈的雕塑感,在光影的变幻下跳动不停。每个盒子都是一个小型展室,进行诸如主题音乐等小型展览。

(4)小结

以上实例仅是法国当代丰富而多样的建筑作品中极小的一部分,这些公建及住宅建筑中体现的雕塑感渗透着理性的思考,更是勇于创新的结果。

四、启示

1. 塑形——建筑雕塑化趋向,丰富多彩的整体表现形式

建筑的雕塑化趋向只是法国当代建筑设计中的一个趋向,已经具有如此丰富的表现形式,令人深思。创新的意识和对美的追求是法国建筑向前发展的动力。巴黎之所以成为巴黎,不仅因为拥有像卢浮宫,圣母院等等古老的建筑遗产,更因其有蓬皮杜文化中心等反映当代特征的建筑形象。每个时代都为城市留下反映时代特性的作品,这才是艺术之都巴黎美的根源。

2. 理性框架下的原创精神

建筑师在理性的框架下去创造独特的建筑,这种创造性与个性及对完善的追求推动着建筑师们从各个方向发挥原创的力量。即使面对历史街区,也绝不复古,而是创造崭新的时代形象,这和勒·柯布西埃的新建筑精神本质——革命性与创造性是相通的。

当代中国与国际建筑界的交流日益增多,而真正原创的建筑作品犹可期待,只有当建筑的创作有了原

参考文献

[1].范黎.法国现代建筑综述.P6.世界建筑导报,1999:01/02

[1].Le Corbusier著,陈志华译.走向新建筑.天津科学技术出版社,1991

[2].布鲁诺.赛维著,张似赞译.建筑空间论-如何品评建筑.中国建筑工业出版社,1985