装饰性元素

装饰性元素（精选11篇）

装饰性元素 篇1

苗绣的起源与文化意蕴

苗绣图案类型丰富, 题材繁多, 大都出现在生活的必需品之上, 例如服饰、寝具、背包等。苗族刺绣的图案具有非常吉祥的寓意, 这些图案纹样源于他们具有神秘色彩的文化。民族神话故事为这些图案的创造提供了形象依据, 从而有了原始的设计理念和形象造型;民族的宗教信仰主宰了苗族人民的精神生活, 从而创造了与信仰有关的形象和图案;对于图腾和神灵的崇拜也给苗族人创造吉祥图案提供了对象。

另一方面, 苗绣也是对大自然生灵的讴歌, “万物有灵”世世代代传承在这片土地上, 因此大部分作品都是以物化的神灵的形式存在, 这种“神灵”的造型精美, 表现了人民对灵性的追求, 因此作品充斥着灵性的装饰美感。

苗族刺绣的题材

苗绣作为一门艺术, 记录着苗家的历史和文化, 手工技艺都非常精美, 图案内容都显示了人们对美好生活的向往, 寓意吉祥。苗绣在服饰上的运用主要集中在袖口、领口、裤脚、裙腰、衣襟、围兜、包被、帽子、鞋面等, 做工精湛, 形象生动, 呈现古朴自然之感。图案的内容大多以动物、植物、人物和生活场景为主。

由于刺绣的装饰位置有所不同, 在题材选用和主题表现上也会有所区别:在婴儿的包被上大多是以龙凤纹样为主的兽纹;在袖口部位和裙腰部位会选用代表苗族人民美好憧憬或崇拜的图腾等;在鞋子和鞋垫上大多都采用代表吉祥寓意的动物纹等。这些刺绣不仅起到了经久耐磨的作用, 还有一个重要的作用就是增添装饰性, 充分地体现了苗族人民的审美需要。

苗绣的造型艺术语言

苗绣这门艺术追求的是崇尚自然、以真为美, 追求淳朴。因此, “自然、自在之美”是苗绣追求的品格, 装饰性、传承性和写实性成为了苗绣重要的特征。

在苗族刺绣图案上, 大致有抽象的变形图案、具象的写实图案、逻辑的几何图案这几种类型。

(一) 抽象变形

在无字时期的苗乡, 大胆的造型图案即是苗族人民表达思想感情的“文字”, 在苗绣的艺术作品中, 夸张的抽象变形图案占了苗绣图案里面相当重的比例, 如群兽纹、牡丹纹、花草纹、鱼纹、麒麟纹、禽鸟纹、蝴蝶妈妈和人神共舞纹样等。图案的呈现主要是平面化的表达手法, 运用夸张的手法强化事物的动态和神态特征。因为放弃了透视和光影的塑造, 所以这种图案往往更加具有装饰效果。但这些夸张手法下的抽象造型并没有脱离其主题, 只是抓住其最具代表性的特征夸张变形, 从而提取出了图案元素, 这样的图案往往较有装饰意味, 也是艺术作品最诙谐、委婉的表现形式。

图1中所表现的是苗族人民对生灵的崇拜, 以夸张变形的龙纹为主轴, 凤纹和蝴蝶纹穿插其中, 人物和神兽共舞、共存, 画面完美, 构图饱满, 以平铺和叙述的方式展现, 极具装饰性, 配合着艳丽的色彩, 装饰效果跃然纸上。

(二) 具象写实

由于苗绣的装饰图案都来源于生活, 是人们审美生活的具体反映, 因此出现了许多描绘苗族人民生活场景和民族理念的作品, 图案的选取也基本上偏向写实, 但是却不乏装饰性和趣味性。在许多龙纹装饰品里面, 人面龙身的形象并不少见, 因为龙的形象在苗族世世代代人民的心中就是神灵的化身, 是具有灵气的神物, 龙头被人面取代, 寓意人和神的结合、人和自然的融合, 加之龙身周围往往装饰着花草纹等植物纹, 主题鲜明、装饰特点突出, 这种图腾与族人之间的相互融合更使其具备独特的装饰意蕴。

(三) 几何符号

几何图案中的元素同样来源于图腾崇拜和生活中的物象特征, 因此几何纹和符号化的纹样在苗族刺绣里就比较常见, 这些纹样都有明显的特征, 一般以成组或循环出现。比如刺绣中众多的动物、植物、人物形象都是采用的比抽象和写实更为概括的符号化纹样进行装饰。在现代艺术法则里, 点、线、面是最为基本的构图准则, 而在苗绣纹样中, 古老的创作者们或用圆形、或用菱形等简单的几何纹样将常见的形象进行概括和总结, 并运用简单的直线和弧线来勾勒, 再加上夸张的变形, 因此不管是图案的元素还是刺绣本身都具有较强的装饰性。

苗族刺绣图案的装饰特征和审美价值

(一) 装饰特征的表现手法

苗绣的表现手法多种多样, 从造型法则上大致分为:整体与局部的变形与统一、对称和均衡、节奏与韵律、调理与反复等, 其中, 整体和谐尤为重要。刺绣作品首先给人的印象就是统一和谐的整体美感, 不论是样式、色彩、技法下呈现出来的任何图案都与图案的排列位置紧密结合, 既显示了局部的主体性, 又显示了不同图案的整体性。

苗绣突出的特征就是不满足对现实世界的模拟与再现, 因此, 苗绣在装饰的艺术手法上也遵循了艺术的审美特征, 常常出现的呈现方式就是“米”字、“十”字和“团花状”等套组式的组成方式, 以二方连续、四方连续、中心发射、单独纹样和多种纹样结合为复合图案等手法, 并将这些具体的手法运用到刺绣的装饰表现上。

(二) 审美价值

苗绣的审美价值贯穿了整个苗族的文化内涵和历史发展, 首先在传统文化的基础之上分析苗绣图案的审美价值, 其次通过对装饰纹样的解读、对工艺技法的掌握和苗绣本身的审美特征这些方面加以体现。

(三) 装饰运用

今天, 我们不难发现, 一些现代元素与民族元素相结合的设计产品出现在了我们的生活里如 (图2) , 例如首饰、家居装饰品、服装、背包等, 苗绣就在其中, 那是由于苗绣的图案具有独特的装饰魅力, 这是一种新的艺术潮流, 是装饰设计的新风尚。苗绣的图案造型大部分运用夸张的造型, 这些图案不管是整组使用还是打散再结合都不会破坏其装饰的目的, 再配上现代设计的新思路、新材料、新逻辑, 把刺绣艺术完美结合运用到装饰艺术品中, 让民族语言在现代装饰艺术品中有了新的解读, 这是一种更符合时代特色的发展趋势, 已经真正融入到有品质的艺术生活之中, 这种艺术带来的民族精神不仅给现代艺术品注入了新鲜的血液, 也提高了人们的生活品味和装饰需求。

结语

本文以苗族文化和历史意蕴为导入点, 深入探讨苗族刺绣图案的艺术特征和审美价值, 从而解读到刺绣作品的装饰性, 更加明确的指出艺术作品所呈现的装饰效果。从造型的特征、艺术的表现手法和纹样装饰效果的运用等各个方面都渗透着苗绣的装饰特征。因此, 苗绣是一门永久的学问, 是渗透着千年来不老技艺的精华, 我们对传统艺术的研究不仅要传承和发扬, 更要站在时代的脚步上精益求精, 保留中华民族最淳朴的艺术, 并与时代相结合传承下去。

装饰性元素 篇2

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伴随着物质文化的丰富，人们对于室内软装饰设计的要求也越来越高。人们对于室内软装饰设计不再停留于简单的功能实现，更多的是一种美观与精神层面的实现。传统元素作为一种丰富的素材，已经被广泛运用到了各种设计中，并且深受广大群众的欢迎。在实际的设计过程中，应遵循以人为本、和谐统一，功能需求为基础的原则，充分结合传统元素与现代装饰技术，打造出具有特色的、舒适的室内环境。本文就室内软装饰设计中运用传统元素进行研究，就具体怎样运用传统元素展开分析。

我国人民生活水平的提高不仅带动着室内装饰行业的不断发展，人们对于室内装饰设计的要求也逐渐提高。作为室内装饰的关键环节，软装饰已经成为人们关注的焦点。传统元素作为设计资源的丰富来源，被逐步运用到了各种领域的设计中，尤其是在室内软装饰环节中，传统元素的运用更是深受广大群众的喜爱。以下就传统元素运用在室内软装饰中进行分析，就一些应用要点展开讨论。

传统元素运用在室内软装饰设计应遵循的原则

1.统一和谐的原则

我国传统文化自古以来都崇尚统一性与完整性，这也在室内装饰设计上得到了体现。实际上，室内装饰属于基于实践的创作性作品，涉及到的范围较广，且层面较多，且呈现出多元化、多样化的形式。在实际的设计过程中，必须要注意视觉中心的关键要素，以此来营造主次分明的层次美感。运用传统元素一定要明确好室内的主从关系，可以对某一部分进行强调，打破设计的单调感，但一定要显得有朝气。其次，对于室内的空间而言，设计的过程中更不能忽略了空间的功能性与艺术性，所有的软装饰都应以服务于人的原则进行设计。另外，软装饰设计一定要满足整体空间色彩统一和谐的原则，避免过多或者不协调。软装饰与硬装是室内设计的重点，两者的统一和谐、相辅相成显得尤为重要。

2.对称均衡的原则

从理论上来讲，对称和均衡是室内设计最主要的原则，也是设计史上最古老、运用最广泛的原则。古代很多室内装饰在对称均衡上体现的非常出众，不论是家具的陈列还是空间布局全都表现出一定的对称性。然而对称性运用不当，反而会使人产生一种稳重、规矩，不容打破的格局，难免带来沉闷、压抑的感觉。随着社会的进步，人们对于室内的对称均衡布局已经开始了改变，各种个性的软装饰设计逐渐发展起来，这也给室内软装饰设计更好的运用传统元素提供了条件。

3.以人为本的原则

室内设计作为一项服务于人的创造性活动，必须要根据人的不同需求以及活动规律，来对室内空间的功能、环境等进行改变。这不仅是指室内环境的物质条件改变，对于界面装修都要能反应人们的物质需求与精神需求。软装饰涉及到的内容是多方面的，包括家具、布艺家纺以及室内陈设等，各个软装饰的要素之间应存在着一种联系，这种联系必须满足以人为本的原则，给人们提供方便、舒适的实际生活空间。因软装饰的特殊，在设计时应充分把握主次关系，避免给人造成装饰过分之感。

传统元素在室内软装饰设计中的应用

1.传统元素的直用

在实际的软装饰设计过程中，应结合现代技术将传统元素运用起来，更好的服务于室内装饰设计。其实，不论从技术上还是从装饰内容上来看，传统元素都有着丰富多样的资源供使用，传统元素本身的审美性、装饰性都能够利用起来。例如，我们可以使用传统的木雕技术，将其运用在室内的木质家具中，包括桌椅和书柜等布设。木雕不仅具有很高的价值，其制作工艺精细，非常适合营造古色古香的主题装饰，不仅能营造大气磅礴的氛围，更能体现出使用者的性格特点。

2.传统元素“意”和“形”的提取

将传统元素应用到室内软装饰设计中，重要的就是传统元素“意”“形”等要素的提取，不仅要表现出主题想要营造的氛围，根据元素的特点采取装饰工艺，达到强化主题的效果，更要凸显出室内装饰的灵魂。一方面，通过一定的设计法则，体现出传统元素意与形上的寓意。利用形式多样、造型丰富的不同元素，根据其表现出来的形态合理运用到现代设计中去，取得意、形统一的效果。

3.重构传统元素

装饰性元素 篇3

研究前景

随着国家经济实力的增强，世界影响力的增加，中国风在世界范围内掀起，传统装饰元素在现代建筑装饰设计中应用广泛，其在室内装饰设计中不同的利用方式营造出不同的室内空间精神感受及氛围。随着传统装饰元素的普遍使用，这一过程中逐渐出现很多不好的现象。对传统装饰元素的不甚理解使其在装饰设计出现乱用、滥用的现象，造成装饰主题的混乱。传统装饰元素不加修饰的直接使用往往忽略了新时代背景下对于装饰设计的新的要求，室内装饰设计缺乏创意和原则。中国传统装饰元素在一定程度上可以看做中国传统文化传承的载体，深刻理解传统的装饰元素，进行合理恰当的运用，结合新时代的特点，设计出更具时代特色的装饰元素，更好地传承传统文化。如何在建筑室内装饰设计中更好更恰当地利用中国传统装饰元素值得建筑设计师深入地思考与实践。

中国传统装饰元素的特点

中国传统文化底蕴深厚，具有形式种类多样、内容丰富的装饰元素，传统元素在室内装饰设计中的应用大致分为纹样、传统装饰色彩、汉字三大类。中国传统装饰元素是深厚文化的传承，反映出传统文化的地域特点和独特个性。

1.纹样

纹样可大致分为传统基础纹样、叙事性纹样两种；传统基础纹样随着人类社会进程的发展而发展起来，纹样的题材大多来源于生活，随着社会发展，其审美需求日益凸显，可以大致分为动植物、自然山水、建筑、几何图案等几类；叙事性纹样主要用于记录历史场景，便于后人比较直观地感受历史场景。叙事性纹样与传统基础纹样最大的区别在于前者以一种叙事的方式直白地表达人们的生活、心理感受等。

2.传统装饰色彩

中国古代封建社会等级制度森严，不同的社会地位建造的建筑色彩不同；中国传统装饰色彩包括：白、青、黑、赤、黄；传统装饰色彩的使用考虑等级制度、伦理、风水、哲学等众多因素。

3.汉字

中国的汉字由象形文字发展起来的，是一种语言图像化，具有一定的审美价值；不同汉字笔画长短、粗细、疏密的不同形成富有变化的节奏和韵律，汉字作为一种装饰要素在建筑室内装饰设计中起到很好的装饰效果。

传统装饰元素在建筑室内装饰设计中的运用

受中国传统风俗文化的熏陶、生活习惯的影响，中国传统装饰元素符合大多数人的审美观念，传统装饰元素大量地运用于室内装饰设计中，世界范围内也更重视中式传统元素和符号的使用。

传统装饰元素的运用

1.纹样的运用

建筑的室内装饰设计常常使用纹样，纹样的运用达到寓意的效果，满足人们的审美需求；几何纹样在室内装饰设计中应用广泛，例如冰裂纹、云纹的使用等；冰裂纹应用广泛，可以在天花、隔断、背景墙等多处采用，大多用于隔断区分室内空间；冰裂纹呈现出混乱又极具规律的造型特点，丰富装饰的层次，形成一定的韵律，达到装饰的均衡与稳定。云纹作为传统元素在室内装饰的运用素来有祥云的称号，拥有吉祥如意的美好寓意，例如2010年世博会国奥村卷云纹的装饰使用。

2.传统装饰色彩的运用

中国传统装饰色彩中每一种都具有自己特有的魅力；白色表征一种纯粹静谧，黄是高贵典雅，青是生机勃勃，黑是深远幽静，红是热情奔放；中国红在装饰中的使用成为装饰色彩运用的一个典范，红色代表中国人的热情好客、乐观向上的进取态度。红色座椅、餐厅中的红桌布都是红色在室内装饰设计中的运用。湖南大学法学院咖啡厅的室内装饰设计以红色作为主色调，红色的座椅、白色的地面形成公正、严肃的氛围；室内装饰的色彩处理应考虑对比与统一，结合时代背景下的新特色，形成丰富和谐的效果。

运用手法

1.结合时代新的元素直接使用

传统装饰元素经过历史的沉淀具有一定的特色，建筑室内设计中为突出室内空间的氛围或主题，常常采用具有特色的传统装饰元素，采用新的材料、技术使传统装饰元素兼有新时代的特点，传统元素的直接使用不宜过多，应在室内空间装饰的整体风格和主题的调控下，做到主次分明，风格统一。

2.传统装饰元素的抽象简化

传统装饰元素可能过于繁琐，反映特定历史时期下的历史文化特点；而信息化时代下，人们往往更倾向于简单舒适的室内装饰设计，对传统装饰元素进行抽象简化；深入了解不同传统装饰元素的文化内涵和各自特色，结合时代的需求，对传统元素进行抽象提炼，使其更符合时代发展的需求。

3.传统装饰元素的拼贴

传统装饰元素往往具有象征性涵义，可以用于烘托室内空间环境的氛围、室内装饰主题，传统装饰元素进行符号的提取，室内装饰设计中拼贴使用，产生新的符号装饰，建立新、旧装饰的联系。

（作者单位：长安大学建筑学院建筑系）

论Punk唱片封面的装饰性元素 篇4

现代社会里, 随着唱片工业化制度的相对完善, 音乐唱片作为一种文化传播介质, 具有了双重性, 一方面它是人们的精神消费品, 一方面它又是商品。而唱片封面作为介绍唱片特定内容的包装形式, 自然继承了这种双重性。唱片封面对于唱片的推广宣传有着举足轻重的地位, 封面设计的成功与否和在工业化前提下的商业因素有直接的联系, 同时它也必须对唱片所承载的音乐内容所包含的精神表达有所呼应, 由于它的表现对象有着鲜明的文化性和丰富的艺术内涵, 因此唱片封面的设计也充满了创造性和艺术性。时值今日, 唱片封面设计早已成为了现代美术设计行列中的一员, 作为现代视觉传达设计中的一个独立门类, 唱片封面设计有着广泛的主题选择, 多样的表现形式, 强烈的个性色彩, 艺术想象的极大自由, 这使得它深得艺术家与设计家们的钟爱, 成为他们表达个人感情的艺术形式。

20世纪70年代, 商业化音乐的泛滥 (最明显的例子是迪斯科音乐兴起) 使青少年对流行音乐逐渐产生厌烦情绪。他们想听的音乐听不到, 不想听的音乐随处可闻;另一方面, 失业和经济危机是英国70年代中后期最头疼的问题, 这使大批青少年对统治阶层产生了怀疑, 对摇滚乐的不满。对资本主义的怀疑, 使他们有可能用一种方式把不满发泄出来。而对于唱片设计者来说, 需要摆脱的第一个束缚就是来自商业客户所代表的资本势力, 因为在一个高速运转的市场规则中, 设计师为满足商业客户的各种要求已经丧失了一切的自主权, 他们不是直接面对公众进行视觉沟通, 而是经过了商业公司的层层过滤, 设计师的自我创作被极大的扼杀了。这时, 一场气势磅礴的朋克音乐风暴席卷而来, 它的始作俑者和拥护者都是那些来自劳工阶层的青少年, 他们的目的是通过破坏、否定和毁灭一切价值观念的手段来抗议糟糕的现实。在日复一日的反叛和挑衅行为中, 反权威精神和自己动手 (Do-it-yourself) 的精神慢慢开始进入他们的血脉, 蔑视一切陈规, 选择自己的生活, 靠自己双手创造自己的文化。从那以后, 独立唱片厂牌 (Indie Labels) 开始如雨后春笋纷纷涌现, 一个脱离主流唱片和娱乐工业的独立文化生态圈开始形成, 它有自己的受众, 自己的生产线, 自己的发行系统和自己的宣传媒体, 各种街头文化元素被粗糙并且随心所欲地运用在了唱片封套设计上, 这一切都使得朋克唱片封面设计具有了一种别样的、草根性的魅力, 也在世界唱片设计史上永远留下了自己的位置。

一切从“唱片史上最酷的封面”设计说起吧, 虽然这不是一张朋克唱片, 但我确信这是我此次唱片封面鉴赏之旅的完美开始。《白碟》的故事——一切都崭新而充满张力, 淡定却带着某种较劲般的张扬, 这正是我爱的那种感觉, 摇滚乐的叫嚣不安被一层看似淡漠的薄膜包裹捆绑, 带着某种窒息前的绝望。

一九六八年出版的《白碟》 (The White Album) 是Beatles的第九张录音室专辑。流行音乐的唱片封套设计, 在六十年代仍是十分青涩的一门艺术, 而Beatles成了全世界最有本钱玩这种试验的乐团, 他们是人类史上最受欢迎的流行音乐組合, 不管录什么做什么, 都保证能为唱片公司带来上亿英镑的全球收益。Beatles以其市场魅力, 几乎是在预算无上限的情況下做专辑, 也更有能力和唱片公司的创意执刑部门争取更大胆、更复杂的设计条件。《白碟》的设计, 便是在这样的情況下诞生的, 它結合了流行乐坛的至尊天王Beatles和倍受景仰的波普艺术大师Richard Hamilton。Hamilton用现代艺术的手法设计唱片封面, 大胆而细致, 使唱片封套俨然成为全新的艺术创造领域。最初, Hamilton担心纯白太单调, 曾一度考虑过印一圈咖啡渍在封面上, 或者用一颗青苹果刮过白色的封面纸张, 留下淡淡的痕迹和几粒苹果籽。但这些和食物相关的概念后来都被打消了, 全白的魅力毕竟无法取代。于是唱片史上不可能更简约的封面诞生了:雪白的封面上, 只有小小的The BEATLES的字样浮凸出來, 右下角是一列流水号码, 每张唱片都有属于自己的编号——这是Hamilton用“限量版”概念开的玩笑, 做一个有五百万张的“限量版”!多年后, 当初被Hamilton视为玩笑的“限量版”概念却有了不凡的身价, 現在拍卖市场上品相尚佳的《白碟》英国单声道 (mono) 初版, 流水号码在0000500以內的动辄要价上千英镑, 0000050以下的更不得了, 有钱都未必买得到。据《英国唱片收藏指南》所载, 凡流水号码低于0000010的《白碟》, 不论版本, 市值大约一万八千英镑, 身价之高, 恐怕连Hamilton更专长的波普拼贴作品都望尘莫及。买了《白碟》的乐迷, 同时也拥有了一份现代艺术大师的作品。据统计, 《白碟》仅在英美两地即已累计售出超过两千三百万张, 是史上最成功的双专辑。这是流行文化史上革命性的一刻:在嘈杂激昂的一九六八年, 流行乐坛和现代艺术的巔峰人物合作了一出精彩的设计方案, 以致于今日的我们回首这个辉煌片段的时刻, 已很难分清是音乐征服了人们, 还是“白碟”的设计使其格外的低调却如此的令人难以忘记。

在细致的讲述了“白碟”的神话之后, 我忽然觉得有点尴尬, 不知道如何从装饰元素的功能上来全面地分析它的美学意义, 但我却知道, 一切仍在计划之中。“白碟”让我想说的一切都更简单直接了——当封面设计完美地融入音乐中, 它就蜕变为一个崭新的存在, 它不再单单是提供演唱者讯息、唱片风格、音乐暗示、甚至收藏的功能的载体, 它有了新的生命, 我称其为“嫁衣”, 因为它承载着待嫁处子面对爱乐人时暧昧的抗拒与摩擦, 透过着羞涩的嫁衣, 收藏者和被收藏的音乐期待着最富激情的融合。

参考文献

[1]顾盼.外国现代设计艺术.浙江人民美术出版社.1980.

[2]郝舫.伤花怒放:摇滚的被缚与抗争.江苏人民出版社.第二版.2004.

试论装饰艺术设计中的绘画元素 篇5

装饰艺术设计主要是运用现代科学技术和美学规律等作用于建筑装饰中，以增加其美观性。因为装饰艺术是由绘画艺术发展而来的，所以其最大的特点就是美观。装饰艺术不仅有艺术的属性，还有着自身的独特性。装饰艺术设计是一门考虑使用价值的艺术，它与其他艺术作品一样，主要通过装饰艺术设计画面表达作者内心的装饰情感和内涵，但也有着其他艺术所没有的实用性。由此可见，装饰艺术设计利用了绘画艺术的基础元素完成了整个作品的创作，这样的作品不仅包含了艺术属性，还包含了装饰艺术的实用性。在装饰艺术设计中，作为创作基本元素的点、线、面的运用就十分讲究了，因为他们是能够表达画面主体的基本语言，对于画面整体表达效果都十分重要。因此研究装饰艺术设计中的点、线、面的特性，对于促进装饰艺术设计的发展有着重要的意义。

点、线、面不仅是绘画艺术的基本元素，还是诠释绘画艺术的语言，因而被广泛运用到各种艺术设计中，以说明艺术作品的特点。抽象派画家康定斯基认为，点、线、面作为表现造型艺术最基础的语言和单位，它们具有符号和图形的特性，能表达不同的性格和丰富的内涵，他们抽象的形态赋予了造型艺术的本质和超凡的精神。由此可见，点、线、面这三个元素有着自身的特性和功能，而其特性和功能造就了不同的艺术种类，其中装饰艺术设计就是突出的代表。因为在装饰艺术设计中，不论主题是具象的还是抽象的，其具体的表达还是要由点、线、面放在平面上来进行诠释。而这种诠释直接冲击着人们的视觉，令大众感受到装饰艺术设计的特点。

我们知道艺术创作是通过作品来表达情感或精神方式的，而具有情感或精神的作品，我们称之为艺术作品。作为艺术作品元素的点、线、面不仅肩负着传达作者思想或精神的任务，还表达着作者不同的情绪特征，因而也被赋予了特定的情绪特征。那么它们各自都有着怎样的情绪特征呢？

首先，绘画艺术中最小的元素，即“点”。在几何图形中，点没有具体的存在单位，只有位置，也是构成绘画艺术最原始的元素。在视觉世界中，点是最简单的视觉元素，即人们视觉的基本单位。但它的准确适用可以抹掉空间在画面上的价值，使得绘画艺术作品中的情境变得更加意向化。以北宋画家米芾的《萧湘奇观图》为例，这幅作品完全使用水墨并强化“米点”，不去沉溺于传统山水画的那种用笔墨的勾皴来表现树林、山石，而画面效果也就有了那些“点”组合出来的视觉信息，也成就了差异于在此之前的山水画的特殊的神韵。除此之外，许多国际著名画家对于点的认知也有很巧妙的运用。例如在米罗的《米罗美术馆听觉室的共鸣板》中，米罗就把“点”的意向情绪推到了极致，使作品画面更加意象化。当然在作品中，点、线、面都是必然存在的因素，虽然画家将点、线、面抽象出来装饰他们的情绪世界，但更多的是个人情绪的隐藏，而且努力突出了“点”的韵律组合。因为“点”不同的排列形式可以产生不同的肌理“面”，那么這时候的点就不单单是一个点，而是作为装饰艺术设计中的语言肩负表达艺术精神和内涵的任务。它将具象事物的情感和思想转化为了简单、抽象的语言因素，向大众传达了他们的内心世界。对于作者来说，艺术作品本身不是单纯的景物表达，而是情绪的升华和心灵的装饰。所以艺术家们对于点的应用赋予了更多语言。“点”作为一种符号，也就传达给我们一种独特的视觉信息，就像一段悦耳乐曲的音符，传达着一种视觉的慰藉。

其次，由点构成的“线”也是装饰艺术设计的重要元素。从几何上来讲，线是由点在空间上连续移动的痕迹，增加了点的存在感，因而也成为了绘画艺术的基本单位。在绘画艺术作品中，“线”可以把画面中的情感连接在一起，使我们的情绪顺着线的方向寻找，也可以说使大众产生了心理共鸣，而后再让我们感受作品中的种种思想。因而画家喜欢用线把通过观察的事物勾勒出来，这样的作品既是作者的感觉，又是作者思想的传达。在我国绘画艺术史上，线条的运用可谓独具匠心，我国传统绘画艺术没有多余的装饰，只要简单的线条勾勒，就能展现不同的艺术效果。这主要是由于作者将感情和思想寄托于线条的不同排列方法，使之能够达到直抒胸臆的效果。我国的书法和篆刻等多种艺术讲究线条本身的韵味，彰显线条的恒久魅力，同时线条也把书法和篆刻等艺术表现的淋漓尽致。

线条的灵性丰富了书法和篆刻等艺术的语言形式，使艺术作品的意向把作者的感情表现的淋漓尽致。在篆刻艺术中，线条是唯一的表达语言，因而只有其分割、连接、融汇都十分讲究，才能达到相生相克的视觉冲击。而在装饰艺术设计中，线条不仅是描述具体事物的语言，还可以是独立的线条语言，充分表达着本身的形式美。这主要是由于在装饰艺术设计中，线条不是固定不变的，它依赖于事物的形态，有时还需要适当的变形，而且变形而不破形，筐形而不媚形，这样不仅能改善线条呆板的状态，还增加了线条的韵味，提升了其装饰作用，例如敦煌壁画中的“飞天”婀娜多姿，线条圆润、流畅，四肢舒展，彩带似云飘拂。这时的线条在其造型上显示出了这一时期所独有的风格样式。另外，艺术家们也经常用线条来表达内心的情绪波动，因为线条本身具有组织、结构、穿插、虚实的变化，他们的合理运用可以有效的展现艺术美，将艺术者内心的体会和感情逐渐扩大化，令受众看到设计中的内涵。从古代的地中海地区、埃及、希腊、罗马等地区的装饰图案中可以领略线条在其装饰图案中的价值，其中的线条肩负记载历史、事件等画面的主题，同时也成为一种视觉符号。

最后在装饰艺术设计中，“面”是在客观环境中真正存在于我们视线之内的，是名符其实的视觉元素。与其他两点相比，“面”的存在更加真实化，尽管它是由点和线构成的，但它对于艺术的展现是比较完善的，而且还发挥了其数量的优势，占据了受众的视线。就拿克里姆特的作品《吻》来说，整个画面在人物的服饰上装饰了大量的微型元素，使得画面充满节奏和生机。一般来说，“面”可以分为虚面和实，而且不同的画面带来的不同的感觉，也使得作者的表达更加详尽。就这点来说，克里姆特的《人生的三个时期中》中就有明显的运用。在画面中，其背景才有了直线分割的原则，将平板的空间分成上部分黑色平涂，形成实面，而下部分则应用了肌理处理法，形成了虚面，从而在打破了画面的单调，形成了有层次感的画面。而在装饰艺术设计中，这样的设计可以加大空间的面积，令人身心愉悦。

由上可知，点、线、面是构成装饰艺术设计的基本元素，令设计具有韵味。在设计中，点、线、面元素可以进行组合的运用，也可以单独运用，不管怎样都会增加画面的艺术感。点、线、面作为基础单位，有着自身的特性和美感，在画面中可以更好的传达作者的审美及情感，因而在装饰艺术设计中得到了广泛的应用。在设计中，点、线、面的组合不仅是艺术的表达，还是作者情感的抒发，所以研究点、线、面的特性对装饰艺术设计的进步有着重要的作用。

| 作者单位：华北水利水电学院

苹果手机壳装饰元素探究 篇6

随着苹果手机在2011年2月打破了诺基亚手机连续15年销售量第一的格局, 苹果公司也成为了全球第一大手机生产商。产品的更新换代也很快, 陆续在2007年推出了iphone第一代;2008年第二代3G;2009年3GS;2010年第四代;2011年4S;2012年的iphone5。正是由于苹果公司高品质的品牌、雄厚的资金支持、盈利模式与产品的创新, 使得在中国内地市场的占有率大幅度提升, 并且带动了整个苹果手机外围产品销售市场的兴起。说到外围产品, 它包括保护套膜类、数据线缆类、电源电池类、耳机音箱类、车载配件类、存储卡盘类等多个大类近百个品牌的上千款产品。

其中, 苹果手机壳受到了广大苹果粉丝的热捧, 据调查显示, 超过70%的客户选择苹果手机壳的原因是装饰和彰显个性, 并不是仅仅因为保护手机的原因。正因为如此, 苹果手机壳才有了从材质、设计风格、工艺方面的不断拓展, 才使得今天苹果手机壳的装饰元素呈现出百花齐放的局面。

苹果手机壳虽然种类五花八门, 配件市场上主要以硅胶、TPU、PC材质、皮质、金属材质为主, 各种材质各有特色。按照苹果手机壳的装饰元素分类, 分别是单色壳、卡通动漫壳、苹果标志壳、仿生壳、仿自然现象壳、水钻壳、艺术创意流行壳、高级定制壳等等。以下, 笔者就苹果手机的装饰元素进行系统的分析。

一、单色壳

市面上大多数的TPU材质的苹果手机壳, 手感不错, 软硬适中, 透光性强, 基本上是单色系为主, iskin, 卡登仕、洛克、moshi等等都是单色壳类产品中比较知名的品牌。还有一些单色壳是金属、皮革材质, 这类材质的苹果手机壳外观较为简洁, 偏重商务风格或者简约风格。

说到单色, 其实也具有广泛的意义, 正是因为流行趋势的引领, 导致了手机壳的颜色也趋于对流行色的应用。与社会上流行的事物一样, 流行色是一种社会心理产物, 它是某个时期人们对某几种色彩产生共同美感的心理反映, 当然, 它也是带有倾向性的色彩。

2011春夏带给了我们强烈的季节趋势导向, 尤其值得注意的是乐观主义精神贯穿在色彩时尚之中, 例如冲突撞色、阳光黄、长蓝调、橘汁黄、孔雀蓝、水洗色。这些浓烈大胆的色调的运用, 也使得苹果手机壳呈现了一种极简主义的风格。

作为单色, 有柑橘探戈、珊瑚色、奶油色、铁蓝色、灰色、绿玉色、藏青色、浅淡色、长春花色、橘色等。海洋泡沫绿色能与柑橘探戈一起组成令人意想不到的组合, 也是2012年的主要色调。

正红、艳橙与金属质感的流沙金色形成了一个暖色系, 清新薄荷绿与湖水天蓝一同归入冷酷色系。橄榄幽绿与稻草卡其色为视觉提供了一个中性的自然色彩界限, 从而也给色彩一个缓冲地带。这三个系列共同组合成2013年的多元化的色彩趋势。

正是因为流行色在手机壳上的使用, 使得流行色的意义更加深远, 具有了更加广泛的传播范围。

二、插画 (卡通动漫) 壳

插画 (卡通动漫) 壳在手机壳市场的占有率是最高的。插画 (卡通动漫) 这种形式的表达具有广泛的意义。

在中国, 插画 (卡通动漫) 实际已经遍布于平面和电子媒体、商业场馆、公众机构、商品包装、影视演艺海报、企业广告, 甚至T恤、日记本、贺年片当中。与此同时, 插画 (卡通动漫) 的目的性、制约性、实用性、通俗性、形象性、直观性、审美性、趣味性、创造性、艺术想象力、多样化、多元化受到了众多苹果粉丝的喜爱。

插画 (卡通动漫) 的表现形式很多, 自由形式的、写实手法的、黑白的、彩色的、运用材料的、电脑制作的……

例如最流行的几米的漫画, 《森林里的秘密》、《微笑的鱼》、《向左走, 向右走》、《听几米唱歌》、《月亮忘记了》、《森林唱游》、《我的心中每天开出一朵花》、《地下铁》, 《照相本子》、《1.2.3.木头人》、《我只能为你画一张小卡片》、《幸运儿》、《你们我们他们》、《又寂寞又美好》、《履历表》、《遗失了一只猫》、《小蝴蝶小披风》、《失乐园》等43本漫画作品的片段, 都曾出现在苹果手机壳的装饰图形中。正是由于这些画面细致得使人爱不释手, 图为主、字为辅的形式很新鲜, 充满了浓厚的都市感, 就像是画给每个人自己的寓言和童话。这种清新、流畅的画面出现在手机壳上, 散发出了深情迷人的风采。

三、苹果标志壳

众所周知, 在西方话语体系中, 苹果是智慧的象征, 当初亚当和夏娃就是吃了苹果才变得有思想, 现在引申为科技的未知领域。苹果公司的标志是咬了一口的苹果, 表明了他们勇于向科学进军, 探索未知领域的理想。苹果电脑公司早期由Ron Wayne设计的牛顿徽标已经鲜为人知, 中间是牛顿坐在苹果树下读书的一个图案;上下有飘带缠绕, 书写Apple Computer Co字样 (当时还没有上市, 所以用Co而不是现在的Inc) ;外框上使用了英国诗人William Wordsworth的短诗。牛顿徽标用了很短的时间, 由于过于复杂, 不易于大众传播, Janov设计了今天我们所熟知的彩色苹果徽标, 简化苹果的形状, 并且在一侧被咬了一口, 以防苹果看起来象一个西红柿, 在图形当中增加了六条彩色的、水平色条。2003年, 苹果又更换了标识, 将原有的彩色苹果换成了一个半透明的、泛着金属光泽的银灰色L O G O。

无论是早期的充满了浪漫、人文和人性色彩的牛顿徽标, 还是彩色苹果徽标的活力和朝气, 到现在新的标识立体、时尚和cool, 人们都能够体验到苹果产品所具有的亲切感, 同时也彰显了苹果的价值观, 并将之视为一种娱乐与流行趋势。于是, 一种新的手机标准已被确立。充满乐趣的苹果手机迅速成为市场上那些崇尚个性的消费者的首选。这个俏皮的LOGO出现在了手机壳上, 与一本正经的其他手机阵营形成了鲜明的对比, 使用者们甚至通过这个L O G O寻找与自己抱有同样价值观的人。

除了使用苹果标识做装饰图形的装饰手机壳之外, 还有很多是把苹果标识改变颜色, 改变状态、改变数量、改变装饰元素之后的再设计图形, 同样也受到了果粉的追捧。

四、仿生壳

从纯保护的角度来讲, 硅胶壳是最为有用的, 质地柔软而且防水性好, 市面的硅胶类苹果保护套外形上通常走的是萌路线, 主要面对的是为年轻的女性。比较畅销的款式是轻松熊、兔耳朵、蝈蝈、大象、蒙奇奇、大嘴猴、猫头鹰、狐狸等等。并且这些动物头型都是立体的形状, 有些还是亚克力材料, 非常可爱。在众多品牌中, 韩国kiki品牌是仿生壳的典型。

五、仿自然现象壳

PC类材质的仿自然现象苹果手机壳, 首先从材质上而言, PC材质抗冲击性强, 韧性很好, 透明度高, 易加工成型。从厚度上做文章, 就有了风靡一时的pc超薄壳, 从1mm, 0.7mm到0.5mm, 再到0.4mm, 手机壳越做越薄, 总之其设计宗旨就是原汁原味地体现iphone的魅力。其次从装饰元素而言, 相对于由人类活动引发的社会现象而言, 装饰图形是仿照自然界中由于其自身的运动规律自发形成的某种状况, 如月有阴晴圆缺, 四季变化, 气候的冷暖, 刮风下雨, 白天黑夜等。比较多见的图形呢, 分别是祥云、水滴、星形雪花、冰珠、霜、彩虹、北极光、融凝冰柱、火旋风、冰圈等等。

仔细分析消费者的购买心理, 使用这类机壳, 第一, 是想标新立异, 使用仿自然现象元素是一种个性化的体现;第二, 是体现使用者心情的一种方式, 很多苹果手机持有者, 会配很多的手机壳, 以表达不同时期的心情。例如彩虹, 形状弯曲, 色彩艳丽, 红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七色光是最能代表美好心情的。其它如北极光等, 也是地球上最美丽的景色之一, 人们会为该现象的神秘和美丽所深深吸引。

六、水钻壳

很多朋友在购买饰品的时候, 经常会听到“水钻”这个词, 大概意思都明白就是“仿钻石”。其实水钻只是对“仿钻石”的统称, 而水钻又是有很多种类的。我们在市面上通常会见到的“水钻”的种类分别是玻璃、人造尖晶石、人造蓝宝石、水晶和黄玉、锆石、立方氧化锆 (即“苏联钻”) 。形状主要分为平底和尖底, 烫钻属于平底一类, 但背面有背胶, 水钻壳就是用机器加热烫在底壳上的, 尖底钻是需要在底壳上先钻好水钻位才能粘上去的。

柏宝利、YDO是水钻壳做得比较好的品牌。关于水钻壳的魅力, 首先就在于水钻材质, 其次还在于利用水钻粘合而成的的图形。当然, 图形种类繁多, 分别是单色水钻装饰、卡通立体水钻装饰、花朵水钻装饰、动物水钻装饰、时尚纹饰 (豹纹、斑马纹) 水钻装饰。此类壳造型夺目、闪亮、炫丽、夸张, 特别适合女性, 一般在一些聚会、宴会场合, 可以彰显自己与众不同。水钻壳市面种类也很多, 也可以自己购买水钻, DIY成自己想要的图形效果, 以求彰显个性与独特魅力。

七、艺术创意壳

一些设计师们根据环保主题, 例如生物多样性保护、水源保护、海洋保护、土壤保持、牧场保护、森林保护、矿物资源保护、能源节约、城市保护等主题, 或者还有一些热点问题关注, 把原本应该出现在广告、海报当中的内容, 呈现在了手机壳上, 体现了现代人对地球环境的关注度。

还有很多情侣主题壳, 即图形是关于爱情的主题, 也就是说一个图形分别在两个手机壳上呈现, 只有在两个手机合在一起的时候, 才能看出来这个图形的全貌;也可以是两个手机壳的图形内容不同, 但都是与爱情主题是相关联的。

还有一种是一周生活壳, 就是把每周周一到周日的生活状态呈现在手机壳上, 一天换一个壳, 一周7天, 7个壳分别按照时间来使用。

另外, 还有一些亲子壳的图形表现, 装饰图形重在体现一家人的美满和幸福。

八、高级定制壳

说到定制, 现在很多网络卖家也开展了苹果手机壳的定制, 例如手机工坊, 也开始依据消费者的个人需求量身定做一些创意感十足的手机壳。价位与其他类别的手机壳不相上下, 所以吸引了很多消费者的定制。那么, 判断一个行业是否够引领潮流, 就看它有无高级定制。继时装界和珠宝界之后, “高级定制”也出现在智能终端周边产品的国度当中了。当大牌如Vivienwestwood、Lanvin等竞相放下身段为i Phone设计手机外壳, 当潮人们对于更换手机外壳的热情已经赶超服饰妆容, 手机外壳已然成为提升个人时尚指数的重要装备。

全球知名智能终端产品方案提供商比科斯携旗下主打品牌, 在深圳发布了“2013春夏手机时装潮流趋势”, 马毛、玳瑁、波点、豹纹、立体雕花、复古蕾丝等等当下最热门的潮流元素等被应用到手机壳的设计当中, 也让手机换装有了新概念。另外还专门成立了比科斯中央研究院, 着重将创意设计列为吸引客户的有力武器。那么, 真正意义上的“一对一个性化设计”近期将成为现实, 客户只需提供理念或图案元素, 借助国际最先进的专业技术, 即可为其制成专属的定制手机壳。

综上所述, 在设计飞速发展的今天, 手机壳这一设计载体, 越来越受到人们的喜爱与重视, 人们对设计元素的要求也是越来越多元化, 单是苹果品牌就出现了如单色壳、卡通动漫壳、仿生壳等八类装饰元素, 受到了“果粉”的热捧。由此可见, 手机壳可以是流行文化的传播途径, 可以是流动的广告, 还可以是个性的名片, 同样, 它也可以是一件珍贵的纪念品, 并且被赋予了特别的意义。

参考文献

[1]葛鸿燕.视觉传达设计原理.上海:上海交通大学出版社, 2010

[2]钟锦荣.平面设计手册.广州:岭南美术出版社, 1992

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[4]康爱英.手机外壳的注射模具设计探析[J].华人时代, 2011 (12)

[5]熊小华.从企业战略角度分析苹果手机产业成功的原因[J].企业管理, 2012 (31)

[6]郑仕远.水钻表面镀银新工艺[J].电镀与涂饰, 2000 (03)

[7]张岚.高级定制进化论[J].数码设计, 2010 (10)

[8]李春.从月亮忘记了品评几米漫画[J].中山大学学报论丛, 2002 (05)

陶瓷装饰中龙文化元素的运用 篇7

古人曰:“龙,鳞虫之长,能幽能明,能细能巨,能短能长,春分而登天,秋分而潜渊”。龙是我国古代传说中的一种身体长的有鳞有角的动物,能兴云降雨。在中国,龙是至高无上的神物,也是最高的祥瑞。它汇聚了人们的信仰、梦想、希望、敬畏。凡是有中国人的地方,就有龙的踪迹,因此形成了龙的文化。上古时代,氏族部落的人们把龙作为崇拜的图腾,但不限于此。《易林》说:“黄帝驾龙乘凤,东上泰山,南游齐鲁,邦国咸喜”,认为中国人的始祖黄帝是龙属。又根据《史记》记载,夏是龙的后裔。周人则以龙自居。周人原来崇拜鼋,就是鳖。“我周人出自天鼋”(《国语·周语》),可是灭商以后,崇拜龙了。“既见君子,为龙为光”,(《诗经·小雅·嘉鱼》)“用昭乃穆,丕显龙光”,(《父钟》)说明他们以龙为尚。因此,在各种各样的材质、器物上以龙纹为饰,是为了标榜自己为龙属、龙子。故上古时代龙纹的使用,除有图腾意义外,还是为了显示自己为龙的传人,反映了中华这个大民族所传承的特定的审美观。

“龙”字最早见于目前中国最古老的文字—商代甲骨文和金文中,这说明在中国文明的早期,龙的形象就已经存在了。而陶瓷是一种工艺美术,它表现出相当浓厚的民俗文化特色,广泛地反映了我国人民的社会生活、世态人情和我国人民的审美观念、审美价值、审美情趣与审美追求。所以,人们在陶瓷创作中也是借助龙的形象来表达一种信仰,一种理念。在陶瓷装饰中,龙纹的发展是沿着由原始图腾向神灵崇拜到生活化和世俗化这条轨迹演变的,久而久之,形成古今陶瓷千变万化的龙纹饰,但热爱生活,追求幸福、和谐、吉祥这样的主题还是亘古不变的。古往今来,不论少数民族还是汉族,不论是宫廷还是民间,都对龙纹表现出一定的偏爱,使之成为陶瓷装饰纹样中极有生命力的题材,富有强大的民族精神感染力。

2 历代陶瓷装饰中的龙的形象

龙纹是陶瓷器装饰的传统纹样之一,最早出现在中原地区龙山文化陶器上,彩绘蟠龙纹陶盆是最富有特征的器物。此时龙纹可能是氏族、部落的标志,与氏族图腾崇拜有关。在二里头文化早期(夏文化)陶器上,有浅刻的龙纹。商代前期与中期灰陶器及白陶器上,流行夔纹。夔为一脚的龙,习称夔龙纹。西周印纹硬陶上,尚有夔龙纹。战国及汉代彩绘陶上出现龙凤纹和蟠虺亦是龙的一种。南朝晚期至唐代,龙多作堆贴、捏塑在器物上。唐代是封建社会的鼎盛时期,社会经济、文化都非常发达,此时的龙纹装饰,又有了新的艺术形象。整体的龙纹艺术,也体现了唐代以肥为美的审美观念。此时龙的特征是:身体是胖美健壮的蛇体;身上以斜方格组成网状纹鳞片,代替了鱼鳞片纹;前腿与身关节处长出细长翼。整条龙的背脊带鳍。龙尾像蛇尾,卷曲成S形;龙爪从过去的兽爪变为鸟形,爪甲绘成略弯的三角形,显得锋利有力;龙首的双角多分叉,口角比前期明显加深,所以上颚较长,特别是上唇,长而往上翘起;眼睛从过去的圆眼、三角眼变为凤眼。凤眼是最美丽的眼睛,是智慧、聪明、感情丰富的象征。

宋代是经济文化相对繁荣时期,是陶瓷工艺的飞跃阶段。南北窑场林立,名扬中外的五大名窑就是出自此时,是陶瓷史上百花争艳、多姿多彩的黄金时代。此时龙纹的装饰极为普遍,有立体的有平面的。平面的龙纹手法多样,有刻花、划花、印花、贴花和彩绘等。龙纹发展到宋代,其体形变化已基本上形成格局。过去的兽体已经消失,固定了蛇的长体。身上的鱼鳞纹代替了唐代的网状纹,脚渐渐的缩短,以强有力的、锋利的鹰爪代替了过去的兽爪或马蹄爪。脚上的肘毛画得较长而有曲线,改变了过去短、少或无的情况。上下唇也有变化,长而尖的上唇缩短了,改变了过去上长下短的现象。宋代龙纹身胖体粗,张大舞爪,给人一种凶猛、威武、气势冲天之感。这是非常成功的艺术佳作(图1)。

元代龙纹很有特色,变化不大,其特征是:身体为弯曲的长蛇体状,体胖身粗,身上饰以鱼鳞纹或网状纹;头细而圆,比宋代或明代的龙头小得多,龙首多无头毛,有个别的绘疏毛;上下颚较长,分张口和合口,下唇上翘,长出一小块似如意头状,张口的多伸舌,舌小如戟状;颈部细小;四肢细而颚力,肌肉隆起,显得颚骨有肉,爪长而微内弯。龙分三爪、四爪和五爪,但以三爪、四爪为多。龙的周围往往衬以灵芝状的朵云,其尾巴长得长而尖,同时还衬以长长的火焰纹(图2)。

明代洪武年间的陶瓷龙纹传世不多,最有代表性的是江苏南京明故宫出土的洪武白釉红彩龙纹盘。其龙纹的造型基本上保持着元代龙纹的形状:头小,颈细,身细长,鳞状龙纹,周围衬托以火焰纹,如意头状朵云;头的疏毛和肘的毛比元代更少,仅三、四条而矣;龙爪五趾,改变了元代时三、四趾的现象,而且这时的五趾相靠较近。永乐、宣德时的龙纹,改变了前朝那种身细头小的幼稚龙形态,变得形体粗壮肥大,威武凶猛,形象高大,龙首比元代变大,上下颚较长,下颚比下颚长而高高突起,有张口和闭口之分,张口的伸舌,闭嘴的上唇似如意状,鼻的两侧有对称的长马头,下颚多有两束或三束的疏须,头毛是一束束的疏毛,前期较少后期的发多。发曲而向上冲,有怒发冲冠之势,显得很有神威。龙爪有三、四、五趾之分,趾甲成三角形,略微内弯,显得锋利刚劲。人们称明代的龙爪为鹰爪。这时的龙纹,周围衬托以海涛、缠枝花、火焰、朵云等。这时的朵云与元代完全不一样。元代的是一头一尾,而永宣时是一头三尾或四尾;元代的云尾显得瘦而长,永宣时的云尾显得肥而短(图3)。

清初龙纹尚存明代遗风,例如,顺治云龙纹花瓶,龙为张牙舞爪,头细圆,上下颚长,上颚突起,如意状鼻,鼻翼两侧对称的长须向前起舞,头毛成蓬向上竖。但龙的食趾和拇趾不像明代龙爪紧紧相靠,而是距离较大,像鸡爪形状发展,故人们称清代的龙爪为“鸡爪”。至康熙时期,龙嘴变短,眼睛变小,身躯变肥,头发像狮子,龙须细长而卷曲,神态凶猛。雍正时期仿明代龙纹,但头部特征同清代。乾隆时期龙身粗,毛发多,嘴部特征仿明代,整体有苍老感。嘉庆、道光以后,龙的身躯更为臃肿,龙纹的绘制呆滞,线条简化,毫无威严之感(图4)。

3 龙文化元素的内涵

中国文化中的龙形象,始终都不是自然实物的模拟,而是多种图腾综合的想象产物。龙是我国历代人们心目中的一个威力无比、善于变化、能兴雨雷而利万物的神异动物。闻一多《神话与诗》说:“凡图腾都是那一图腾团族的老祖宗,也是他们的监护神和防卫者,它给他们供给食物,驱除灾祸,给他们降示预言指导他们趋吉避凶。”神化与图腾相比,从社会学上看,它是一种进步。从某种意义上说,图腾表现的是人对自然的畏惧、无奈、被动和无所作为,到对神灵的有可为有可不为,因为神权在中国从来都未占到统治地位,这说明了文明的进步。龙的形象是图腾与自然神综合的演化物。从审美的角度来看,龙无疑是古人的一种艺术创造。它是从鱼、鳄、蛇和云、电、虹等一个个具体物象而来,经过由众多人参与的模糊集合,形成一个建立在各个具体物象之上,又涵蕴着各个具体物象的新的形象。它的形成过程,是“美”的因素集纳的过程,用一句人们常说的话,就是“源于生活又高于生活”,其间渗透着、灌注着古人的神话猜想、宗教体味、审美快感和艺术情趣。

从陶瓷器上的龙纹发展演变,可以看出,龙纹有一个从简朴到繁丽,从宗教化向艺术化,从随意性向规范化发展并蔚为多元的发展过程。朝代的更迭,人世的沧桑,文明的发展,观念的演变都对龙纹的形象及其含义产生着千丝万缕的影响。所以龙形象的演变往往也体现了有关龙的信仰观念的演变。龙纹的演绎,深刻体现了古人的智慧和民族文化的底蕴,当然亦不乏帝王的君主意识,从中,我们可以深切体会到华夏文化的性格和思维特点。比如说元、明、清三代的龙纹。三代龙纹的外观可概括为元秀、明狞、清庄:元龙头小、身躯长,形体常被绘作细脖、细腿、细爪和尖尾的,体态轻盈,曲躯蟠舞,给人一种“昂首举爪、遨游在天”的感觉;明龙凶猛威武,胸前大多饰有曲折的绶带,身披火焰纹,怒发冲冠,咆哮于海涛祥云之间,以示主宰权势;清龙气宇轩昂,龙首的后脑勺丰满、身躯硕壮,盖以庞然大物之态,行震撼天地之威。在民窑生产的陶瓷中龙纹更多地保留了原始龙的短粗简洁,稚拙可爱的形象,充满了生活气息,给人以亲切感。

龙还具有统一性与包容性,它是原始图腾的优化组合,并整合成一个统一体。这一性格凝聚了民族向心力,铸就了中华民族的博大和雄浑。龙作为一个整体,体现的是中华文化的一种秩序和结构观念,纹样是这种秩序和结构的形象化。如龙生九子的纹样组合成一个团形旋转的纹样就是一种秩序。这种秩序为处理整体与局部、统一与差异等关系提供了文化和心理的保证。另一方面,龙反映了巨大的应变力和创造力。龙能屈能伸,可敬可畏,能文能武,扬威又施恩,威严又活泼,仿佛是中华民族的脊梁。龙文化,已经历史地凝结为中华民族的精神气质,它象征着一种力量,一种对美好未来的向往,它已经超出原始的图腾文化和陶瓷等工艺美术的范围,而成为中华民族共同的民族文化。

参考文献

[1]许慎.说文解字[M].天津古籍书店影印,1991

[2]孙征.龙纹的流变.中国艺术设计史论,装饰,第100期

装饰性元素 篇8

一、陶瓷装饰的装饰形式、工艺及纹样特点

1、装饰形式

装饰形式的意思是指对陶瓷进行各种的点、线、面、纹饰、釉色、造型、质感等等的装饰艺术。在装饰时要注重对比和协调装饰形式设计与陶瓷的外观和形态。在任何情况下, 整体的协调从始至终都是陶瓷装饰形式美中必须要遵循的重要的法则之一。陶瓷的造型可以分为三种:传统的、异形的、特异型的, 陶瓷的装饰形式中存在着各式对比, 通过这些对比使陶瓷装饰设计更加完美。

2、装饰工艺

陶瓷装饰工艺是传统工艺技巧和科学技术的综合, 集成了多种装饰工艺。在新石器时期, 人们就已用会用模印、压印等工艺方法制作装饰纹样来实现陶瓷的美感。随着历史的发展和科技的进步, 出现了更多陶瓷装饰的工艺, 如今已经有刻、雕、堆、印、填、镂、捏等工艺手法, 工艺手法的多样使得陶瓷装饰效果更加丰富。

3、装饰纹样

陶瓷的装饰纹样就是把生活中存在的自然形象通过艺术的手法, 让那些形象在色彩、构成、外观等方面与陶瓷工艺契合并且具有一定的审美价值的一种设计形象。古时人们多以弦纹、水波纹动植物形纹饰、几何形纹、人物故事等作为装饰的纹样。陶瓷的装饰纹样是陶瓷装饰艺术中的重要组成部分, 其纹饰是按照一定的规律形式组合成完整的并且符合新意的图形。

二、陶瓷装饰元素在室内设计中的应用

陶瓷装饰元素称为中国传统装饰元素中的重要组成部份, 如果将陶瓷装饰元素的价值发挥出来, 将其融入到现代室内设计中, 使它与现代室内设计有机结合, 可以为室内装饰带来更多的亮点。陶瓷装饰元素有很多种类, 表现形式多样, 且蕴含深厚的文化内涵。陶瓷装饰元素的在室内设计中的应用可以通过直接选用、提取和重新组合的方法来实现, 在现代室内设计中的应用主要表现在艺术瓷、日用陶瓷、建筑卫浴陶瓷等方面。

1、陶瓷装饰元素的直接应用

陶瓷的装饰元素经过千年的发展与演变至今所流传并保存下来的成熟装饰技艺能够直接应用至现代室内设计之中。陶瓷装饰元素极为丰富, 其中纹样是陶瓷装饰中最具有代表性的装饰元素, 它的种类复杂多样, 大多数取材于中国传统装饰的图案, 这之中最具有代表性的就是麒麟纹、朱雀纹、凤纹、盘枝纹、龙纹等。在这些装饰技艺与内容上发展的比较成熟的陶瓷装饰元素中, 室内设计可采取直接选择并应用的方式, 能让人感受室内空间所散发出的民族文化的美感。例如室内设计中餐厅背景墙可以运用梅的元素应用, 梅树强劲的枝干给室内增添了一种大气, 且室内中式文人的气息立显;传统动植物纹样的应用, 赋予了空间那种宁静深远的意境, 使人置身其中能够心境平和, 有远离浮华之感。

在直接使用陶瓷装饰元素时, 一要遵循适度原则, 设计方法要合理, 不能随意堆砌。二就是要重视装饰对象与装饰的题材之间的和谐, 必须符合主题。

2、陶瓷装饰元素的间接应用

对陶瓷装饰元素的提取指的就是提取它其中的内在要素, 并且在这个的基础上要适当的强化、夸张和修饰, 通过这个方式来突出最具有装饰特色的那个部分。在陶瓷装饰元素的间接应用的时候, 一定要根据所处的空间环境中的构造需求, 选择跟空间氛围相搭配的元素, 元素的间接应用可以从以下的两点入手。

首先是意的提取, 需要对陶瓷装饰元素重新结构, 并将之应用于现代室内装饰设计中。有案例中设计者对沙发的深蓝颜色形成的重色调与室内背景以及窗帘的白色形成对比, 如同青花瓷器的白底蓝花, 符合现代人所追求的优雅的生活方式, 桌上放置白蓝相间的怒放花朵与室内空间动静相宜, 现代物件与传统元素之间的配合形成视觉反差。

其次是形的提取, 包括陶瓷的外形和装饰纹样的形, 不同的装饰元素具有的不同的形态。形的提取先要对装饰元素具有的特点进行一定的分析, 从而提取它的精华并且应用到现代室内的设计之中。可是, 在提取过程之中, 要充分的考虑与分析原来的图案造型具有的组合方式、形式特点, 必须保证提取到的元素具有其代表性和独立性。例如针对青花瓷的青花纹样进行的提取, 将它与纺织品相结合, 与墙面那种钢筋水泥结构相结合, 赋予了它新的生命力, 而青花元素所具有的庄重典雅提高了室内环境的格调。

三、陶瓷装饰元素的重构应用

陶瓷装饰元素从应用和设计的角度看是在一个不断更新发展的内容, 依据装饰对象的变化和地域环境的不同, 一直在进行不断的变更以适应人们的审美需要。根据现代的设计方法, 在设计的同时可以从陶瓷装饰的纹样之中, 挑选出能够应用于现代设计之中的纹样元素, 来进行现代形式感的变形、抽象、重构和组合, 形成新的一种有机组合。在设计的过程之中, 必须要充分的考虑和分析原来的纹样造型的组合方式和形式的特点, 要保证提取到的元素具有其代表性和独立性, 提炼出更加合理, 并且符合现代人的审美倾向的陶瓷装饰元素。

1、装饰元素的简化应用

陶瓷装饰元素经过了中国文化几千年的积淀, 这之中会有一些不符合现代人的审美观念的地方。所以应该提炼和概括装饰形式的本质上的特征, 把陶瓷装饰元素中繁琐的、次要的、重复的元素简化掉, 并且要结合现代图案的设计来进行再次创作, 最终能够取得形式上的美感与纯净。在现代室内设计中引入的装饰纹样需经过艺术的精简和重构, 以更好的体现传统装饰艺术的设计形式。

2、装饰元素的变形及应用

变形可以说是艺术创作之中的重要艺术法则, 它们指的就是要在创作的过程之中对客观的事物具有的固有形态做出有意或者无意的改变。这改变可以是基于情感上的变形也可以是基于形体结构上的变形、或者是几何形态上的变形。可以对青花瓷之中的青花元素的纹样变形, 以及对青花瓷本身所带给人的意境经过变形提取其精华运用于现代装饰物品中, 用“意境”或者“神韵”取代“逼真”, 用“神似”取代“形似”, 使现代室内环境既有所需要的传统青花瓷本有的意境, 又不失时代感。

摘要：本文从陶瓷装饰艺术的角度分析其美学与实用价值, 举例部分陶瓷装饰中的元素在现如今的室内居住设计中的应用, 最后进行整理并总结出传统的陶瓷装饰和元素的使用方式以及设计方法。经过对这两者之间的分析和讨论, 希望能得到传统文化结合现代设计语言融汇的室内环境美化新形式。

装饰性元素 篇9

“现代茶馆”的产生是我国传统茶文化在现代市场经济条件下自觉创新的产物, 更是我国茶文化在寻求商业化、市场化道路上的重要突破。就现代茶馆的设计、装饰审美立场的转变而言, 实际上就是一个审美从传统到现代的过程。对于茶文化、茶馆设计这种带有艺术创新性质的实践而言, 无论是用西方的“审美现代性”观点来看还是用我国“审美现代化”的视角来分析, 其所代表的都是一种拒绝世俗、拒绝平庸、拒绝统一性, 转而寻求文化个性的立场。现代茶馆的设计、包装和装饰本身带有几个典型的属性:一是商业化属性, 即现代茶馆的设计首要的目标是盈利和利润;二是艺术性属性, 即现代茶馆设计遵循着特定的审美立场、艺术规律和传统文化印记等开展;三是开放性属性, 即现代茶馆在文化氛围的营造、艺术的立足点等方面是一个充分尊重个性、包容个性和世俗的交际场所。对于现代茶馆的设计创新来讲, 尽管“现代性”是一种首要的约束性命题, 但是基于一种文化自觉和文化自信的立场, 我国传统文化中的诸多装饰元素都可以被运用到现代茶馆寻求“现代性”的征程中来。

2 现代茶馆设计呈现出的主要趋势特点

现代茶馆是传统茶文化在遇到现代性之后在器物层面进行有机创新、适应和变革的产物, 代表的是一种相对浅层次的茶文化创新, 当然更重要的是在于社会交际层面和价值理念层面实现一种茶文化的现代性转变。现代茶馆的设计充分地考虑到了现代人的生活节奏和生活形态, 在外在的设计上充分地呈现出了这样几个趋势:

2.1 茶馆设计的视觉化趋势

在传统的慢节奏的农耕社会中, 茶馆的设计讲究充分的实用主义法则, 茶馆本身并不注重从视觉上吸引消费者, 更加注重一种整体的人文氛围的发挥, 成为一种相对大众化的交际场所。进入市场经济社会后, 茶馆本身不再是一种纯粹的廉价消费的交际场所, 而是成为一种现代商业模式下相对封闭、高雅的文化消费场所, 也就是说人们在现代茶馆中的消费消遣不是以消费茶水这种物质为首要的目的, 而是借助于这种独有的文化场地实现一种更高层次的商务交际、文化消费等。因此, 在充分地考虑到现代人这种消费心理和消费需求之后, 现代茶馆的设计充分地从消费者心理预约、视觉享受等角度开展了设计的创新, 整体上更加注重满足消费者的视觉体验。

2.2 茶馆设计的功能分化趋势

传统的茶馆作为一种古老的经营行业, 在功能区划的设计上大多是“单一性”的, 也就是说, 无论传统的茶馆是作为“宫廷式茶馆”还是“书斋式茶馆”还是作为“厅堂式茶馆”、“茶楼式茶馆”或者“庭院式茶馆”, 并没有在设计上寻求个性化和功能分化的相关理念。进入现代社会后, 人们的交际模式发生了深刻的转变, 生活节奏也更为明快, 人们的交际目的也呈现出商务、政务、日常、文化、社会等不同的样式, 在充分考虑并给予这些交际以重视的基础上, 现代茶馆的功能设计呈现出更加分化、个性化的趋势。在功能定位上, 现代茶馆充分满足了现代人的交际目的、消费目的、体验目的、审美目的、消遣目的等, 呈现出明显的主体功能区域分化的特点。

2.3 茶馆设计的人文化趋势

我国茶文化本身就是一种“天人合一”、“以人为本”、“和谐自然”的文化体系, 它不仅仅在文化价值关怀上教导人们追求善良、廉洁、正直、和谐等价值, 还在交际层面、制度层面、物质器物层面都引导人们讲究“和谐均衡”。现代茶馆的设计瞄准了现代人精神空虚的特质, 充分地在设计方面增加了人文关怀的内涵, 旨在通过硬件塑造、流程设计、气氛烘托和人文关怀等方面给现代人提供一种心理关怀。例如大多数现代茶楼为了增加这种对现代人的价值关怀, 普遍地大量运用了古代风格的家具、清砖、花瓶、对联等, 给现代人提供了一种心灵栖息的港湾。

3 现代茶馆设计中引入传统装饰元素的重要价值

在全世界范围内, 中华茶文化是内涵体系最为丰富、生活信念最为真诚、嵌入生活层次最为广泛的一种文化教化体系, 代表着一种中华文化的软实力。现代茶楼集合现代性和传统性、商业性和艺术性等属性于一身, 既是一种全新的文化交际符号, 更是一种新时期的茶文化载体。将传统文化中的装饰元素合理地引入到现代茶楼中具有重要的价值意义:

3.1 传统装饰元素有利于为现代茶楼注入和谐的审美立场

现代茶楼代表的不纯粹是现代性, 而是传统性与现代性相互妥协的产物。总览我国审美现代性的发展历程, 先后经历了“审美工具主义、审美独立主义、审美娱乐主义与审美批判主义”这样几个典型的发展阶段, 显示出现代人在审美立场上存在着明显的焦虑特点。我国传统茶文化以及传统的装饰元素所代表的审美立场可以用“天人合一”、“主客体辩证统一”来形容, 与西方工业社会以来形成的“主客二元论”带有明显的差异, 并且在现代社会中这种古典的审美立场可以为现代人提供一种全新的人际关系修养。

3.2 传统装饰元素有利于为现代茶楼注入文化软实力

文化的软实力代表的是一种“不战而屈人之兵”的号召力, 我国作为世界上最为古老的茶文化国家, 仅仅在茶文化领域就有很多装饰元素可以运用到现代茶楼中去, 去增加现代茶楼的历史积淀、文化底蕴和古典气质, 这些东西作为我国特有的一种文化符号, 在跨文化交际的背景下可以为我国的茶文化软实力壮大、茶楼品牌的形成和发扬壮大提供重要的价值牵引作用。

3.3 有利于弘扬我国传统文化精神

传统装饰元素作为一种可观、可感的文化交际符号, 是我国传统优秀文化精神的组成部分。无论是从设计美学还是从建筑学、茶文化学等角度来看, 在现代茶馆中注入传统的装饰元素有助于弘扬我国传统文化主张的那些文化底蕴和形式美感, 有利于我们在一个快节奏的生活形态下加深对传统文化的传承、创新和发展。

4 现代茶馆中传统装饰元素的应用策略

现代茶馆的实际设计尽管遵循着不同的设计思想和设计理念, 但是在实践中大都遵循着文化功能空间、休闲功能空间、社会功能空间这些基本的主题单元设计的思路, 形成了“寄情于物, 人境合一”、“气韵生动, 言无不尽”、“文质兼备, 礼仁教化”的基本格局。基于上文的分析, 我们尝试着提出这样几个建议:

4.1 传统装饰元素的应用策略

传统的装饰元素首先指的是那些极其富有中国传统文化特点的交际符号, 比如说传统的吉祥图案纹饰、传统的色彩或者特殊的造型、不同书法类型的字体等。正所谓“图必有意, 意必吉祥”指的就是这样一种意思。对于不同定位的现代茶馆来讲, 可以根据不同的功能区划定位实施不同的传统装饰元素搭配。比如说对于红茶馆或者红茶主题的交际空间, 可以尝试采用中国红、中国结、红木家具等暖色调的元素来进行搭配, 烘托出一种温馨、古典、雍容华贵的交际气氛。而对于那些相对轻松、年轻的以“绿茶”为交际的空间, 则可以尝试淡绿色色调的设计, 给人一种原始、淡泊的文化感。

4.2 地域性传统装饰元素的应用策略

如同我国茶文化存在明显的地域分布一样, 现代茶楼在艺术设计和市场定位、核心竞争力培育、品牌塑造等方面要充分地考虑到这种地域辐射的边界属性。针对这种地域性的特点, 在运用传统装饰元素时可以有所侧重地选用本地较为知名的名人字画、文化符号、道具家具、建筑构件等, 给往来的消费者提供一种具有本地属性的文化归属感。在现实生活中, 较为知名的老舍茶楼、杭州茶楼、巴蜀茶楼等都大量运用了本地属性的传统文化元素进行艺术设计, 取得了很好的效果。

4.3 情感化设计策略

我国传统的茶文化是一种关于人的审美的情感导向的文化, 本身并不具有物质性和功利性, 内在的基本价值导向是让现代人们“返璞归真”, 使人们的情感能够得到充分的释放和减压。情感化设计的最高境界是“人物一体”、“情景交融”。对此, 可以吸收我国传统的园林设计思路, 在现代茶馆中广泛运用具有传统文化属性的绿色植物、假山、流水等作为主基调开展设计。同时, 围绕着这种人造的情感体验元素, 还可以增加琴棋书画、梅兰竹菊、石雕木雕等元素, 从而给人提供一种直观的美感。

5 结语

茶馆是茶人静坐下来品茗的场所, 茶馆的茶意境在很大程度上左右着茶人的饮茶心境, 而茶馆茶意境的营造往往受到装饰元素的影响。据本文分析, 我们可以从茶馆的设计理念出发对色彩、造型等加以利用, 运用其构建出最为自然舒适的饮茶空间。

参考文献

[1]吴良镛.世纪之交展望建筑学的未来---国际建协第20届大会主旨报告[J].建筑学报, 1999 (8) :6-10.

[2]寇鹏程.中国审美现代性的四大范式及其命运[J].西南大学学报 (社会科学版) , 2010 (1) :157-159.

[3]赵秋菊.中国传统装饰纹样在茶馆室内设计中的应用[D].河北大学硕士学位论文, 2010.

[4]李琼音.茶文化在现代茶馆环境设计中的渗透与应用研究[D].东北师范大学硕士学位论文, 2007.

装饰性元素 篇10

前言

油画起源于欧洲，上世纪传入中国至今，有着极其复杂的发展历程和重大的变化。当代油画在发展过程中不断汲取中国装饰元素养料，将它们以油画的方式展现出来，有效的弘扬和发展中国传统文化。

中国装饰元素简要概述

当代油画创作呈现出自由松散的状态，它们的观念、风格、手法、形式多种多样不拘一格。中国传统民族元素和外来思潮艺术互相碰撞，产生当代油画使用的主要素材，其中最主要的素材为中国传统装饰元素素材。中国传统艺术造型、线条和色彩构成等，成为油画绘画手法的基础；具有代表性的中国传统艺术形式，主要有以下几种：壁画、青铜器、雕塑、民间美术、陶瓷，这些都构成油画创作者的主要艺术素材。油画画家创作的艺术形象不仅是对现实人物与事物的客观描写，也是在自身理解基础上进行适当加工。他们对原有装饰素材进行彻底加工改造，把原有事物形象、颜色、肢体动作和形态，进行夸张、省略、改变和精简，产生夸大和放大原有事物某种特质的效果。这种加工带来的视觉冲击令人震撼，产生一种浑然一体却又层次分明的艺术层次感。中国当代油画创作者对中国装饰元素的大量运用，恰好能展现朦胧又贴近现实的艺术效果，具有高度的提炼性。

中国装饰元素在当代油画中的应用

中国装饰元素在当代油画中的应用，主要体现在以下几点：1.简洁轮廓搭建出所要描绘事物的整体外形，利用恰当的比例关系呈现出整体和谐的艺术效果；2.在整个绘画空间中适当安排构图，留出空白和间距，产生一种错落有致的美感；3.色彩的恰当使用、色彩明暗与深浅的变化，勾勒出整体的艺术观感，引发欣赏者对人性与艺术的思考。许多中国当代油画创作者，都试图使用浓重的中国传统装饰意境与形式，表达自身创作油画所呈现的状态和境界，其中的代表人物为周春芽先生。

周春芽先生的油画创作，喜爱用中国传统装饰元素入画，表达传统水墨画的意蕴和自身高洁志趣。他们不仅能够熟练使用油画的创作方式，而且能融入传统中国传统装饰进行艺术创作。二者合为一体，显得中国油画创作人物事物的形态更加生动传神。周春芽的油画创作作品多样化，它不局限于现有的中国传统装饰艺术，也不局限于油画的颜色、造型和神态，因此创作的作品千变万化神态各异。周春芽先生的创作完美体现东西方文化交融与创新，他的主要作品有：《假山》、《红石》、《山水》，后期的《红人》、《桃花》、《绿狗》等。这些或静或动的中国传统装饰艺术，全都有着鲜明的形象特征，也有着活灵活现的艺术表现。他的主要创作方式为：简练与细腻融合，先勾勒出事物大体轮廓，再加上事物自身的重要细节；特别是中国传统装饰艺术的生动描写，传达出博大精深的文化精髓。

中国装饰元素在当代油画中应用思索与意义

1.中国装饰元素在当代油画中应用的思索

中国装饰元素承源于中国文化历史背景下，其与传统文化精神、社会功能、审美要求和形式美感有着千丝万缕的关联。中国装饰元素为中国传统文化中分支，它以中国传统文化作为基础和依托，不断扩张自身文化含量；但同时中国装饰元素又为传统文化中不可或缺的一部分，它和传统文化存在互为支撑的作用。

但如今西方流行文化思潮的入侵，使得当代油画发展商业化，油画价值判断成为商业行为。而大量以传统内容为题材油画创作，并没有很好传达传统文化特征，油画成为商业大环境下大量复制的廉价品。目前融入传统民族文化形态与历史积淀的油画创作，受到外来多种文化形态以及商业市场模式的排挤；而照搬西方的油画创作，也带有严重的模仿痕迹，独创性作品的产出较少。中国当代油画创作进入迷茫时期，这值得我们深入思考。

2.中国装饰元素在当代油画中应用的意义

中国油画创作者，能够很容易学会西方油画方法、技法、装饰性和现代感等绘画技巧，却很难学到西方油画深邃含义。而中国传统装饰元素，能够恰当弥补油画创作者的素材缺失问题，为中国油画创作注入悠久而博大的文化内涵。中国装饰元素与当代油画创作的巧妙结合，使得中国油画创作带有鲜明西方油画技巧，也兼具传统中国文化意蕴。中国传统文化历史的价值，就在于中国装饰元素，它具有传统性、装饰性、传统样式等文化特征，展现出无可比拟的文化表现力。

如今世界油画中逐渐出现中国油画创作者的作品，这表明中国油画创作中国装饰元素的运用，使得国外欣赏家产生极大震动与心理冲击。中国传统文化以其深厚的底蕴、兼容并包的精神、海纳百川的风度与气势，赢得国外鉴赏者的尊重与重视。中国传统文化的主旨为自然和谐、天人合一的精神，这种精神有着不确定性、自由性和无限性的特征。这种精神融入到具体的艺术表现个体中，会迸发出强烈的艺术感染力和文化认同感。壁画、青铜器、雕塑、民间美术、陶瓷等中国装饰元素的使用，使得中国油画创作展现出独特东方文化意蕴，最有代表性作品为吴冠中先生的作品。吴冠中先生的作品在继承西方形式美绘画传统的基础上，加以东方传统装饰元素点染，形成独具特色油画绘画风格。他的油画作品具有以下特点：不同于其他油画创作者简洁的创作手法，吴冠中先生的油画作品小巧、细腻，具有强烈的东方绘画神韵。他笔下的人物事物清新淡雅，既有这古朴的特点，又有着灵巧生动的形态展现，他的油画创作最能代表中国传统文化的意蕴。

四、结语

中国装饰元素在当代油画中的应用广泛，而中国油画也需要传统文化的支撑，才能够有着长远稳定的发展。只有将西方绘画技艺与东方文化意蕴紧密结合，才能迸发出文化的巨大活力。

（作者单位：河西学院）

浅析中国古建筑中的装饰元素 篇11

关键词：装饰,建筑,传统,图案,空间,色彩

装饰, 作为人类生活和观念意识所释放的产物, 是人类文化历史的重要组成部分, 是最早的艺术形式之一。装饰是实用性的艺术设计, 装饰和建筑是不可分离的一个整体, 建筑承载着装饰, 装饰美化着建筑, 使人透过装饰本身, 感受到建筑的精神因素。如建筑中的室内、外设计、家具设计、室内纺织品设计等, 各种器具的设计也离不开装饰造型和装饰图案的设计。

一座优秀的古建筑通常是通过装饰把它的魅力展示出来的, 像中国宫廷建筑和园林中的屋脊、长廊是富有象征性的雕刻和色彩鲜丽的彩绘, 这都离不开装饰设计的作用, 如果从建筑中抹去这些装饰造型或装饰物, 建筑将会暗淡无色, 失去艺术的魅力。

中国的古建筑是世界上历史最悠久, 体系最完整的建筑体系。我们从以下几个方面分析古建筑的装饰语言:

一、传统建筑中的装饰图案

因为中国传统建筑是以木结构的, 所以能保存下来的古建筑并不多, 而且中国几千年的的传统建筑几乎都是在封建统治下而形成的, 而建筑的装饰是代表着主人的身份地位的, 所以我们今天能看到的建筑装饰大多是以前皇帝或有钱有地位的人居住的地方。“北京的紫禁城, 可以说是无处不见龙, 大殿的天花板上布满着坐龙, 屋檐下彩画里则有行龙、升龙和降龙。”在皇帝穿戴的衣帽, 使用的器具, 供皇帝观赏的工艺品上都出现大量的龙, 龙的形象成为皇帝的代表。在以动物为内容的建筑中, 除了龙以为, 狮子应该要占据第二位了, 从宫殿、陵墓到寺庙、祠堂, 这些建筑的大门前几乎都可以见到狮子。作为守门神兽, 紫禁城太和门门前的铜狮子体大色浓, 高居于石座之上, 增添了皇宫入口的宏伟气势。但并非所有的狮子雕刻都是这么凶狠。北京北海石桥两头的石狮子, 蹲在石座上, 形态各异, 有的正襟危坐, 有的侧头望着湖水, 有的胸前抚育着几只幼狮。可见, 中国传统建筑中的装饰纹样都有着一定的比拟手法。

古建筑的门窗是与人接触最多的部位, 在它们身上自然集中地进行了多种装饰处理。一座宫殿、寺庙的大门, 门板上有成排的门钉、中央还有一对兽面衔着的门环, 门框的横木上有多角形或花瓣形的门簪。古建筑的窗是较密集的窗格。对这种窗格加以美化就出现了菱纹、步步锦、各种动物、植物、人物组成的千姿百态的窗格花纹。古代艺匠们在形式单调的门窗上制造出千变万化的窗格花纹式样, 在简单的梁、枋、柱和台基上进行了巧妙的艺术加工, 应用这些装饰手段造成了中国古代建筑独有的特征外观。由此可见, 在建筑中, 装饰的因素是从没有间断过的, 这就是人类的智慧力量。

二、传统建筑中装饰性空间结构的应用有着明显的体现

中国古建筑个体多为简单的矩形, 单纯而规整。普通的住房、寺庙的佛殿、园林的厅堂、宫殿殿堂莫不如此。现存规模最大、形态最为复杂的四合群体就是北京明、清两朝的宫城——紫禁城。北京城艺术构思的主导思想是通过严整规则的构图来体现皇权的至高无上, 以城楼、宫殿区的高大建筑和广场、鼓楼和钟楼把全轴线分为三大段。自南而北, 三段渐次缩短, 作为前导的前段和作为收束的后段节奏较为和缓, 衬托出中段即宫殿区更为浓郁、壮丽和尊贵。在前段的天安门, 广场横向展开, 使这座本来体量不小的城楼显得更加雄伟;午门广场纵长而宽, 远处午门的凹形高大城墙上耸立着成组的巍峨殿堂, 人离午门越近, 建筑的体量感越强, 三面围和的凹形空间愈加令人感到咄咄逼人, 充分显示了皇宫大门的威严气势。这些都体现了中国古建筑很讲究空间布局结构。

三、中国古建筑中有着明显的色彩组合

中国是个多民族的国家, 但是只要一说到中国, 人们很自然的就会想到那红红的中国结。红色是中国的传统吉祥色, 它代表着幸福, 喜庆和热情。同样, 中国的古建筑也有自己的颜色:北京的紫禁城, 碧蓝的天空下一大片金黄色的琉璃瓦屋顶, 宽大的白台基上成排的红柱子与门窗, 色彩强烈而鲜明;江南苏州园林, 却是白墙黛瓦, 绿树碧水, 色调宁静、淡雅, 让人心中感到非常安静和舒适;还有西藏寺庙, 红、白相间的墙体, 屋顶上金色的法轮法幢, 在蓝得发亮的天空衬托下, 显得浓艳而粗犷。如果我们把它们的色彩效果相比较, 就可以发现, 同样是利用对比的手法, 一个表现的比较细致, 一个则是很粗犷。

从原始社会的第一件装饰品的诞生, 到21世纪装饰设计全方位发展, 经历了许许多多不同风格的演变过程, 建筑也随着装饰的发展而发展, 但是, 不管怎样的变更, 建筑装饰都深深的扎根于传统的土壤之中。作为“凝固的音乐”的建筑体系更需要把握好设计中的点点滴滴, 继承和发展优秀的文化遗产, 更好地在设计上创新。

参考文献

[1]楼庆西《中国古建筑二十讲》三联书店

[2]辛敬林《装饰设计》西南师范大学出版社

[3]杨辛、谢孟主编《艺术欣赏概要》中央电大出版社