音乐故事

音乐故事（精选10篇）

音乐故事 篇1

引言

2011年11月6日,首届中国歌剧节在福建福州开幕,担纲开幕演出的是福建原创歌剧《土楼》,整部作品既有西洋歌剧的品质,又有浓郁的福建地方特色。本届歌剧节持续到11月30日,共有16台歌剧登台演出,包括大家耳熟能详的《江湖赤卫队》《小二黑结婚》等老剧目,也有最近几年新创的《远方的胡杨》《紫藤花》等。对中国歌剧艺术事业的发展具有重要的里程碑的意义,它有利于更好地探索当代中国歌剧艺术的发展方向,为中国歌剧艺术的成长发展奠定了良好基础。

2013年6月,由中国歌剧研究会、北京大学歌剧研究院、福建师范大学音乐学院联合举办的“2013中国歌剧论坛”在福建师范大学音乐学院召开。这是自“2008中国歌剧论坛”及“2011·福州首届中国歌剧节暨歌剧节研讨会”以来,我国歌剧界的又一盛事。中国歌剧界同仁聚集一堂,共同探索中国歌剧创作之道。本届歌剧论坛主题为“攻坚克难,开创中国歌剧创作新局面”,其任务和目标主要是研究中国歌剧创作现状,提高中国歌剧创作质量。期间,北京大学歌剧研究院及福建师大音乐学院师生分别奉献两场歌剧《青春之歌》与《费加罗的婚礼》(音乐会版)。他们带给了福建广大音乐爱好者特别是声乐演唱者以很好的示范和鼓励。这2部歌剧演出也是采用音乐故事会版的形式,是有故事情节的简约版,但却显示出了极好的效果,值得我们认真的研究和发掘这种形式的魅力之处。

一、音乐故事会版歌剧的概念

由于歌剧故事越来越壮阔,舞台布景越来越豪华,使得第一次世界大战前后的欧洲歌剧越来越陷入危机。演出剧团不得不要求作曲家为他们写些成本较低的由少数演员、较小乐队演出的作品——即室内歌剧。这类以室内小场景为特色的歌剧多为独幕,全部角色不超过五六个,有时以室内乐队伴奏。如施特劳斯的《阿里阿德涅在纳克索斯岛上》、兴德米特的《卡迪拉克》、布里顿的《仲夏夜之梦》等。此外也有人认为《茶花女》《叶甫盖尼·奥涅金》等无室外场景的歌剧也属此类,甚至西方公认的第一部歌剧《达芙妮》也可算是室内歌剧。

意大利籍华人声乐教授林徐伟2002年在北京成立一个奥贝拉歌剧中心,这几年排演了多部意大利歌剧,如多尼采蒂的《拉美摩尔的露琪亚》、威尔第的《游吟诗人》和《假面舞会》、普契尼的《蝴蝶夫人》和《波希米亚人》等。曾在香港大会堂,林徐伟出品的歌剧《波希米亚人》开演。这一场《波希米亚人》既不是音乐会式的清唱,也不是编制庞大的演出,而是由钢琴取代乐队伴奏,带妆带演带舞台,其他与普通歌剧无大异。套用“室内乐”这个概念,这样一种形式或许也可以称为“室内歌剧”。

音乐故事会版歌剧与室内歌剧的形势基本一样,有剧情但结构以简约为主,舞台布景、道具、配乐等一种简洁化。音乐进行过渡部分由导演在台后进行解说和衔接,所以音乐进行也比较紧凑。这种形式在当下不时地出现,表现出了良好的效果,是歌剧艺术这种大型综合艺术的一种有效的载体。可以预测到未来广阔的前景。

二、音乐故事会版歌剧的主要特征

这种音乐故事会式或者说室内性质的歌剧演出通常最主要的特征有如下几点:

(一)舞台、服装道具、乐队简约化

以在福建上演的《费加罗的婚礼》为例,一副沙发,几把椅子(这有点像音乐表演课程中的音乐视觉化训练的最初模式,在这里如果了解这部作品剧情的话应该是很简单却很有效的);一个小型的管弦乐队(约缩小为正常管弦乐队的三分之一;有时候直接用三角钢琴伴奏);一位舞台现场导演(主要讲述剧情和幕间的过渡);几位主角(没有群众演员,主角着角色服装,但也是简约型的,形象到位即可);整部作品演下来,声情并茂,充分表现了莫扎特这部作品的感染力和声乐魅力,颇为感人。这部歌剧是平民化的体裁,本身场景比较生活化,现在以音乐会讲故事的方式演出,让人感觉更亲近。

(二)对表演的要求严格

先前的歌剧演出,特别是20世纪以来,庞大的歌剧院和演出队伍,华丽的服装和灯光,优秀的演出乐队。这一切似乎还不能紧跟上观众的挑剔视觉,现在的科技手段和演出模式对于传统的歌剧艺术来讲无疑是冲击巨大的,现在很多的歌剧院都破厂了,除了当前顶尖的优秀剧院积累了丰厚的观众资本和强劲实力外,大部分的歌剧院基本上都处于亏损状态。在这种形势下,探索歌剧艺术的发展,特别是在成本和艺术魅力上如何达到一定的平衡本来就是一件很困难的事情。音乐故事会版的形式在一定程度上在一定时期里,有它很好的一面,简约化的概念本来就比较符合一部分生活忙碌状态中人们的一种有效选择。但一定注意简约化的概念也带来对于表演者的严格要求。原因也很简单,包括舞台、配乐、道具都简约了,如果歌者的表演和唱功不行的话,那么就会很明显的影响着演出的质量。简练的舞台设置等必然会对演唱者提出更高的要求,要不然就是普通的音乐会了。除了良好的唱功,还要控制好舞台的剧情表演,要知道这比正装演出要难很多,因为正装演出比较容易入情境,而没有很正装的演出必然很产生一些表演上的缺陷的。只是,我们比较满意的发现,这次的演出在音乐表演上没有让人感到失望的地方的。唯一遗憾的是莫扎特的重唱没有唱好,我一直认为,莫扎特是位重唱艺术的大师,在他的作品里面,重唱占有重要的地位,这点需要我们努力去研究的。

(三)现在歌剧艺术发展的有效载体

歌剧艺术好像从没有像今天这样在我国得到如此的重视和发扬,各地兴建大剧院,上演传统优秀剧目,推广我国原创歌剧,好像在证明,中国没有歌剧不行,中国没有国产是不对的。国家大剧院的宏伟结构让人惊叹不已。这几年的歌剧艺术的推广取得了丰硕的成果。全国正在形成一股看歌剧、爱歌剧的这么一个良好氛围。歌剧院或者能承载歌剧演出的场地越来越多了,但是其市场却迟迟没有形成,歌剧艺术毕竟不同于影视等,拥有广阔的商业价值,歌剧艺术是否拥有商品属性值的探讨,但很明显的是一场歌剧的演出所花费的投资与门票的收入是不可等量计算的。或许可以这样讲,向欧美等国著名歌剧院常年上演歌剧的这么一种模式和气氛目前还没形成。2011年11月6日,首届中国歌剧节在福州开幕,或许在不久的将来,有可能歌剧这门古老的艺术在中华大地又一次获得重生。但基于目前的国内市场和财政压力,音乐故事会版或者说是“室内歌剧”也许是让歌剧走向更多观众的一条捷径。

三、结语

歌剧作为艺术殿堂中一颗璀璨的明珠,是融音乐、戏剧、舞蹈、舞台美学等为一体的综合艺术形式,被公认为音乐、戏剧艺术领域中的“航空母舰”,自20世纪初传入我国,百余年来,中国歌剧一方面主动学习外国经典歌剧在音乐创作、声乐训练等方面的深厚经验和科学方法,不断提高歌剧创作的艺术质量,同时坚持从中国民歌、戏曲等传统艺术中汲取养分,形成了一种既具有西洋歌剧特征又富含民族个性的“中国流派”。1945年大型民族歌剧《白毛女》的问世,标志着中国歌剧开始走上一条具有民族特色的发展之路,产生了以《白毛女》《洪湖赤卫队》《刘胡兰》《小二黑结婚》等为代表的一批优秀作品,在新中国成立、发展的不同时期,对满足广大人民群众精神文化需求发挥了积极而独特的作用。

作为传统艺术,歌剧的贵族色彩让它在现代社会遭遇很多尴尬,在没有歌剧传统的地区尤为显著。一方面,主流意识把歌剧当作塑造文化品格的重要工具;另一方面,普通市民要么把歌剧当作猎奇的圣物,要么敬而远之。因此,普及歌剧必不可少,而且还要讲究策略。特别在当前,随着高科技的广泛应用,广播、电视媒介的出现,使得这种传统的表演方式遇到前所未有的挑战。

中央音乐学院教授、歌剧《青春之歌》的作曲唐建平说:“在当前环境下,许多地方院团还不具备演出大型歌剧的能力,与其成为二流大歌剧团,还不如集中人才与经费,成为一流的室内歌剧团。随着时代潮流的演变,如今,室内歌剧(音乐故事会版歌剧)也已经成为当代歌剧的一个重要品种。”

相信人们能从这种形式中找到一种适合的方式,使歌剧艺术得到更有效的推广!

参考文献

[1]章安琪.西方文艺理论史精读文选[M].中国人民大学出版社,2003.

[2]陆贵山.中国当代文艺思潮中[M].国人民大学出版社,2002.

[3]朱振山.外国歌剧选曲[M].人民音乐出版社,1999.

[4]钱苑,林华.歌剧概论[M].上海音乐出版社,2003.

音乐故事 篇2

姓名：谭巧

学号:12405700610

专业：机械大类 音乐是一种很美的艺术，让人禁不住就陶醉其中，不管是优美的还是激烈的，都有震撼人心的巨大效应。好的音乐永存于世间，能够跨越时间和空间。说起音乐，其实我几乎不懂音乐，但媒体的发达，使得音乐之声不绝于耳，走在大街上，到处都放着流行歌曲，各种店铺里都放着音乐。在身边众多的喜爱音乐者的渲染下，我也逐渐开始听一些喜欢的歌曲。

我对乐谱不太认识，觉得自己五音不全，所以我基本上不唱歌，只是听歌；我听音乐的理由很简单，音乐节奏柔和，弦律优美，也喜欢音乐里的唱词；词，简单、明了、有丰富的内涵；我有选择性的听歌，并不是哪些歌最受人欢迎就听哪些歌，我只选择哪些旋律优美，让自己听起来感觉很舒服的歌，不管是新歌还是旧歌，也不管歌曲的类型是何种。每次听歌时，我都会不自觉的随着音乐的节拍而敲击手指。

我与音乐接触的不多，依稀记得，最开始与音乐接触是在童年。童年的时候，父母、亲戚、老师都会教小孩子一些歌曲，记忆深刻的有《世上只有妈妈好》、《一分钱》、《小燕子》、《两只老虎》、《小嘛小儿郎》、《小兔子乖乖》。对于这些歌曲有些影象还记得，在学《世上只有妈妈好》的时候，经常把歌词中的“世上只有妈妈好，有妈的孩子象块宝”和“没妈的孩子象根草”搞混淆，唱成“有妈的孩子像根草”。这些歌曲郎朗上口，容易学，小时候学歌倒是学的挺认真的，有时候在上学的路上还会唱几句“小呀嘛小二郎，背着那书包上学堂，不怕太阳晒，也不怕那风雨狂，只怕先生骂我懒呀，没有学问喽，无颜见爹娘„„”。

小学、初中都有音乐课，老师会教一些书本上的歌曲，记得的有《让我们荡起双桨》、《剪羊毛》、《大海啊大海》，还记得学《剪羊毛》这首歌是为了参加班级合唱比赛。对这几首歌的歌词记得不多，只有《让我们荡起双桨》还记得几句，可能是因为其旋律优美；对《大海啊大海》只记得开头，而《剪羊毛》则完全不记得了。

歌词是音乐必有的，歌词也是音乐的“前锋”，谱写乐曲的是人类的心，而音乐展现的是人的心世界。歌曲的文字表达了一首歌曲的主题，就像《世上只有妈妈好》这首歌，其歌词表达出了妈妈对儿子的养育之恩，儿子对妈妈的回报。歌词是吸引我们喜欢这首歌的前提。音乐不是文字和旋律的合作曲，它还有更深刻的一面，使我获益匪浅。有些歌词讲述人生哲理，使我得到启发。有些歌词也蕴含着各地的传统文化、习俗，丰富我对其它地方的了解。

我喜欢歌曲，但我并不追星。最开始接触的流行歌曲是周杰伦的《青花瓷》，刚接触这首歌曲的时候，就感觉它很悦耳动听，很喜欢。虽然不懂其旋律和意境，但我还是喜欢这首歌，当时还用它作为手机铃声。这首《青花瓷》风靡大江南北，当时音乐老师还让班上会唱这首歌的人教导我们学习，还手抄歌词。那时我唱的还行，现在的话因为很久没听没唱，只会一点点了。

音乐是人情感的反映，是作曲家与人类灵魂的沟通，在音乐的国界里只有心灵的交融，只有情感的交织与共鸣。也许音乐与写作之间有许多的共同点，他们都是靠人的感受进行互通，写作是用来记载自我，而音乐能使人体味人生和生活。欣赏音乐就像欣赏文学作品一样。同样的一首诗，不同的人看了都有不同的理解，但往往最吸引自己的，都是最能引起自己共鸣的那部分，它给自己的情感冲击最强烈。我对光良的《童话》就有一种深深的感触，每次听这首歌曲我都很认真的听，随着歌声而逐渐陷入。我一直觉得当歌曲的意境和自己的情况相接近时，会特别喜欢上这首歌曲，而不相似时，就没有那种感觉了。如林志炫的《单身情歌》，刚听到这首歌时很喜欢，但现在来听，却没有那种深的感情冲击了，应该是因为我现在不是单身了。

不同的音乐能给人不同的感受，不同的心境对音乐也有不同的理解，音乐能让你哭，能让你笑，能让你心思飞扬，也能让你情绪沉落，有悲伤同时也有快乐。

不论你是快乐或痛苦，幸福或迷惘，激动或不安，都能在音乐中得到舒缓。我用音乐来了解生活，感受悲欢离合；用音乐来表达热情，诉说喜怒哀乐，我用音乐来感染旁人，让他们发现美好，感悟生命。

有故事的音乐 篇3

在一个夜深人静的夜里，独自欣赏着熟悉的画面和旋律。一个美丽的庭院，住着冯·特拉普上校一家。冯·特拉普上校是七个孩子的父亲，孩子们的母亲特别喜欢唱歌，可是她生病去世了。从此，父亲不再允许孩子们唱歌，因为孩子们的歌声会勾起他对妻子的思念。一个年轻活泼的修女玛丽亚来到冯·特拉普上校家里做七个孩子的家庭教师，玛丽亚同样是一位喜欢唱歌的女孩，尽管上校不允许家里有歌声，可她还是偷偷的教孩子们唱歌。

远处是美丽的雪山，玛丽亚领着七个可爱的孩子在青草地上歌唱：“让我们从头开始来学习，从这开始真有趣！你要念书就先学A、B、C；你要唱歌就先学do、re、mi，do、re、mi，do、re、mi这三个音符最先遇到你。Do、re、mi、do、re、mi、fa、so、la、ti。好，我把他说得容易些，注意听：do是小鹿多灵巧，re是金色阳光照，mi是我把自己叫，far是向着远方跑，so是穿针又走线，la是紧紧跟着so，ti是茶点加面包，他把我们又带回do！”这首名叫《哆来咪》的歌是玛丽亚对七个孩子的音乐启蒙之歌，在她形象的比喻中，do、re、mi、fa、so、la、ti七个音符不再枯燥无味。因为她的到来，美丽的庭院中又充满了欢声笑语，冯·特拉普上校总是紧绷的脸也舒展开来，甚至无比深情的唱起了《雪绒花》。

音乐剧《音乐之声》的剧情在中国可谓家喻户晓，片中的歌曲《孤独的牧羊人》、《雪绒花》、《哆来咪》、《晚安，再见！》都成了人们记忆中最值得珍惜和细细回味的旋律。

那么，什么是音乐剧呢？音乐剧是由喜歌剧及轻歌剧(或称“小歌剧”)演变而成的。早期称作“音乐喜剧”，后来简称为“音乐剧”，是19世纪末起源于英国的一种歌剧体裁，是由对白和歌唱相结合而演出的戏剧形式。音乐剧融戏剧、音乐、歌舞等于一体，富于幽默情趣和喜剧色彩。它的音乐通俗易懂，因此很受大众的欢迎。

音乐剧在世界各地都有上演，但演出最频密的地方是美国纽约市的百老汇和英国的伦敦西区。因此百老汇音乐剧这个称谓可以指在百老汇地区上演的音乐剧，又往往可泛指所有近似百老汇风格的音乐剧。自20世纪20年代起，百老汇名家辈出，经典佳作频频登台，如《音乐之声》、《美女与野兽》、《狮子王》等。《猫》、《西贡小姐》、《剧院魅影》、《悲惨世界》并称世界四大音乐剧。其中，《猫》是一部童话式的作品；《西贡小姐》是一部女性为主的爱情悲剧；《剧院魅影》以美声唱法为主，是“歌剧－轻歌剧－音乐剧”过渡的典范；《悲惨世界》则代表着文学巨著改变音乐剧的典范。

谈如何开展幼儿园音乐故事教学 篇4

一、幼儿年龄特征及学习思维分析

3—6岁是一个动荡不安的时期, 孩子到3岁时会突然发生很大变化, 有些孩子变得非常不听话, 固执、任性, 有的孩子情绪突然变得很不稳定。3岁儿童的大脑发育虽然还没有完全成熟, 但是他们的语言已经接近成熟, 生活经验也积累了很多, 认识能力有了巨大的进步。3岁孩子的语言发展很快, 但是思维发展较慢;他们做事情、想问题, 总是以自我为中心的;和8—9岁的孩子相比, 他们还显得非常幼稚, 幼稚得不讲道理;他们有时很任性、不听话, 想自己做事, 但有时又非常依赖大人;他们对自己感兴趣的事情积极性很高, 对自己不感兴趣但是有社会意义的事情, 则不那么愿意做;他们的情绪还很不稳定, 仍然会动辄大哭大闹;他们与小伙伴的关系也还很不稳定等等。这个阶段的儿童, 思维仍然是自我中心的。例如, 他们还不能鉴别词语和词语所指的东西, 不能鉴别他们自己创造的游戏、梦幻符号和现实之间的差别。由于幼儿还没有内化的思维, 他们很难把外部规则内化为自己的需要。所以对他们来说, 最好的学习方式是通过游戏来学习, 这些学习可以为以后的规则学习打下基础。

二、幼儿园音乐故事表演策略

1. 让幼儿更好地进入角色

角色表演创设的是一种与现实生活中真实的问题情境相类似的学习情境, 表演中可以表露出孩子们真实的情感及行为方式;角色的表演及分析、讨论, 可以使孩子们意识到内隐的心理过程, 提高孩子们认识自己和他人的能力, 促使自身不断地成长。因此, 音乐故事教学要通过角色扮演, 通过建立问题情境, 让孩子们来演示问题, 产生解决问题的愿望, 最终培养孩子们掌握分析解决问题的技能技巧。在教学中, 教师要重视选编和指导音乐故事表演。选择或创编音乐、故事的关键是故事情节和音乐节奏要匹配。在选编音乐故事时, 教师要注意音乐和故事的互相融合、有机渗透。在选编音乐故事时, 首先要考虑幼儿的生理和心理特点, 故事中的角色不能过多, 以1—2个或2—4个为宜, 否则幼儿不容易把握。幼儿扮演角色表演时, 要求幼儿密切注意别人的表演和情节的变化, 不至于和别人发生碰撞或跟不上情节的节奏。其次, 选编的音乐要形象鲜明, 段落清晰, 衔接和转换处要特征明显。为了让幼儿更好地进入角色, 教师可以在音乐中加入声效, 以减少对故事情节转换的提示。如在狮王进行曲教学中, 教师在一些音乐处加入了狮叫声效, 引导幼儿用动作创造性地表现狮王吼叫和小动物害怕的动作。可通过提问:你们听这是狮子王在干什么?什么样的吼叫会使人害怕?狮子王的吼叫一声比一声洪亮, 小动物一次比一次害怕, 大家来试试在动作和表情上怎样区分和变化?

在此过程中, 引导小朋友自由讨论和比较创编出狮王四种由弱到强的吼叫, 用不同幅度的动作表现不同程度的害怕。又如在活动“小老鼠上灯台”的结尾处, 教师加入了“小老鼠逃跑”撞到东西时噼里啪啦的声音, 将小老鼠逃跑时紧张害怕的情绪表现得淋漓尽致。再次, 在幼儿真正进入角色表演之前, 教师可以先合作分角色扮演, 表演力求精彩;或教师以动画片的形式展示给幼儿观看各个角色的表演, 这样能激发幼儿的兴趣以及主体性的发挥, 为幼儿更好地进入角色作铺垫。

2. 让幼儿专注的体验音乐

在幼儿通过分角色创编动作和分段表演, 对音乐有了进一步的了解后, 欣赏音乐的环节能使幼儿专注、完整地体验音乐中的故事形象, 分清每段音乐所表现的特定角色的特点, 体会在音乐中故事情节是怎样逐渐展开的等等。韵律活动是幼儿非常喜爱的一种集体音乐活动, 但韵律活动动作多、难度大, 幼儿较难掌握。在教学的设计中, 可以通过听、说、玩、演四个环节, 紧紧围绕幼儿的兴趣开展, 提高幼儿学习的基本动力, 让幼儿感受、熟悉、理解、表现音乐。针对幼儿爱听故事的特点, 首先, 教师可以利用讲演的方式并辅以道具把音乐故事的内容讲给幼儿, 例如“小兔子乖乖”这首音乐, 教师在讲与之匹配的故事时, 要把自己的声音和动作扮成大灰狼、兔妈妈、小兔三种角色的声音和动作, 而不是一个声音和动作平铺直叙地讲下来。同时要有与之相符的图片或头饰进行展示, 幼儿在讲演的氛围中能深刻地理解音乐故事的内容, 为音乐故事表演打下一个坚实的基础。其次, 教师可以尝试利用故事和音乐匹配, 让幼儿对音乐的内容和结构有初步的印象。并根据音乐设计一份图谱, 让幼儿听音乐, 看图谱, 做身势, 让幼儿在动动玩玩中感受、理解音乐, 享受音乐活动的快乐, 调动幼儿学习的积极性、主动性和创造性。另一方面, 教师要想让幼儿专注于音乐的体验, 教师可根据故事情节和内容进行设计提问, 如故事里有几种动物, 发生了什么事, 最后怎么样等, 以引导幼儿根据音乐故事角色特征和情节变化, 通过模仿、迁移进行分段、分角色的动作创编和表演, 用各种具体形象的姿态语言、面部表情表现音乐故事情节, 深刻表达内心对音乐的理解和领会。在这一环节中, 教师要充分发挥指导者的作用, 启发引导幼儿根据音乐故事具体生动地表演各种角色, 以表达自己内心的体验。但是, 教师在指导的同时也要考虑音乐的结构、节奏和风格, 不能因刻意追求角色动作和表情的翻新而忽略音乐本身的特点。例如在狮王进行曲教学中, 可以先让学生完整的欣赏音乐, 再根据故事情节理解音乐性质, 使音乐内容和故事内容匹配。 (1) 教师配乐讲述故事, 初步了解音乐内容。 (2) 出示图谱, 了解音乐内容与结构。提问:什么地方像乐队在演奏?什么地方像狮子在走路?什么地像狮子在吼叫?什么地方像小动物在表演?引导幼儿根据图谱了解乐曲可以分成四部分 (迎接、走路、吼叫、表演) 。 (3) 看图谱做声势练习。引导幼儿根据图谱上的图像用动作表示做声势练习。又如在小兔子乖乖音乐教学活动中, 幼儿通过连续完整地倾听音乐和观看与之匹配的道具, 分辨兔妈妈、小兔子和大灰狼的节奏变化特征, 分清哪段音乐表现了什么情节、主要是哪个角色在活动、什么时候表现的是角色冲突, 等等。有效地增强了音乐感受能力。另外, 在组织这一环节时, 教师要注意不要使用太多的口头语言, 而是通过表情、眼神及个别的肢体语言提示幼儿倾听和体验音乐的展开以及音乐变换所带来的情节变化等, 为下一步的角色表演作铺垫。

3. 让幼儿自由的抒发情感

在幼儿理解音乐情节和熟悉音乐故事后, 教师可让幼儿自由寻找合作伙伴, 协商角色分配, 然后进行音乐故事表演。以狮王进行曲教学为例, 教师要引导幼儿根据故事情节和音乐性质创编动作。一是引导幼儿创编各种乐队表演动作。提问:乐队用什么乐器演奏?狮子王要出来了心情觉得怎样?怎样表现兴奋与激动?二是引导幼儿用动作来表现狮王走路。提问:谁来了?你是怎样听出来的? (要求幼儿跟随音乐的节奏用动作和表情表现狮子王威风凛凛的模样) 三是引导幼儿用动作创造性地表现狮王吼叫和小动物害怕动作。提问:你们听这是狮子王在干什么?什么样的吼叫会使人害怕?狮子王的吼叫一声比一声洪亮, 小动物一次比一次害怕, 大家来试试在动作和表情上怎样区分和变化? (引导小朋友自由讨论和比较创编出狮王四种由弱到强的吼叫, 用不同幅度的动作表现不同程度的害怕) 四是引导幼儿把自己想像成某种小动物, 创编不同的舞蹈动作。提问:狮子王过生日不吃小动物, 大家都觉得很高兴, 想象一下你是什么小动物会怎样表现高兴的情绪?在表演中, 要不断提醒幼儿把自己的感受和创造表现出来。为了激发幼儿的表演兴趣和内心的愉悦情感, 使他们更好地进入表演情境, 有时教师要根据音乐故事内容和幼儿一起布置简单的情景, 制作适当的道具。如活动“小兔子乖乖”中小兔子、兔妈妈的房屋以及相关的头饰, 活动“小老鼠上灯台”中的灯台和桌子, 活动“小红帽”中的小红帽、花、礼物等。这些道具的运用有助于幼儿更好地理解角色并进行表演。在表演中, 教师在不影响幼儿表达情感的情况下可以进行启发引导, 以期幼儿对角色有更深刻的理解。教师可以参与角色表演, 以促进表演活动的深入开展。教师参与角色扮演, 能使幼儿从心理上拉近与教师的距离, 并能自由地抒发自己的情感。活动结束后, 可以以提问或讨论的形式让小朋友自由的表达感受和抒发情感, 例如:“小红帽”音乐活动结束后, 教师可以问幼儿小红帽是否聪明?哪些地方表现了她的聪明?大灰狼可恨还是可爱呢?幼儿通过对这些问题的回答, 可以表达出喜欢小红帽, 憎恨厌恶大灰狼的情感。

综上所述, 在音乐故事教学的构思和设计上, 要提供给幼儿主动活动的空间, 让幼儿在匹配的音乐故事刺激下产生兴趣, 让幼儿在主动的探索和思考中学习和发展, 从而使孩子在音乐故事活动中更感兴趣、更富有成就感、更能表达出孩子的情感。

摘要：对于儿童而言, 音乐是一套有联系、相互依赖和个体化的活动, 也是其个体发展的一种表现。在音乐故事表演活动中, 通过创编动作和表演, 以音乐内在的特性和感染力来唤醒儿童的主体意识, 可以促进儿童的主体性、自主性、能动性、独立性和创造性, 起到其特殊的教育作用。通过这种音乐故事教学活动, 不仅可以降低幼儿因活动中的不确定性而产生的焦虑和紧张感, 同时可以给幼儿的学习带来很大的快乐。

关键词：幼儿园,幼儿,音乐故事

参考文献

[1]贾小红.浅谈幼儿教学活动形式[J].合作经济与科技, 2005, (16) .

[2]张红梅.浅析幼儿园教学活动中教学情景创设[J].新西部, 2009, (9) .

音乐故事作文 篇5

今天是音乐节，小动物们都在准备。

树叶上几滴小水珠“滴答滴答”地落下来。几缕悠悠的风吹过松树林，树枝上的雪块落下了，掉落在风铃上，发出悦耳的铃声。

布谷鸟醒了，她唱了一首又一首悦耳动听的歌曲，把正在睡觉的朋友们叫醒了。

小猫从远处的巢穴跑来，身边威武的大金毛和娇小的吉娃娃正友好的对她笑，“喵喵!……汪!汪!汪汪!”远处车站的火车启动了，火车汽笛声传了出来：“呜——”，第一辆班车也开在指定的道路上，一派和平安宁的景象!

小溪潺潺地流着，鸟儿还慢慢地唱着，动物们虽然饿着，仍搬运着东西，为下午的音乐会做准备。

下午，音乐会开始了!激动人心的时刻就快到了，小松鼠握着小木棍一个个试小风铃，棕熊还在搬运成熟的果实，画眉还在练习唱歌，青蛙王还在指挥合唱团……

“开始!”一阵悦耳的歌声传到她们的耳里，即使不用伴奏，一首空前绝后的经典合唱歌曲也就这样诞生了!

松鼠正“叮叮当当”地轻轻敲着小风铃，当风铃声伴着美妙的歌声时，所有人都陶醉了，静静聆听。

“嘶——”一声刺耳的电锯声打破了往日的宁静，一声咒骂声传入小动物的耳中。“救命啊!杀人啦!警察快来呀!”棕熊每人手中拿了两个水果，向他们砸去，“谁?哦，几只乳臭未干的熊!拿枪来!熊掌很珍贵的!”听了这后，所有动物都逃了。“嘣!”一声枪声，“嘣!”两声，两只来不及跑的小兔子倒在了血泊中。

“啪、啪!”一只只风铃掉在了地上，躲在树上的小鸟心想：“这怎么办呢?我带领大家攻上去!绝不让猎人得逞!小鸟们用嘴叼着一块块玻璃往打枪的人头上砸去。“啊!”猎人被打昏了，棕熊见状，捡起石头继续砸，猎人

可没想到动物们的临危不乱!“呃—”被吓昏了头。

经过一番激烈的对抗，森林队大战猎人队，猎人队惨败，手脚并用逃出了森林。

音乐名片背后的故事 篇6

从重组建立时的青涩到三赴北京国家大剧院演出，从在国内默默无闻到亮相华盛顿肯尼迪艺术中心、韩国统营音乐节，从名不见经传，到被业内专家评价为“潜力无限的乐团佼佼者”

经过四年淬火磨炼的青岛交响乐团，以出色的演出引起了国内外音乐界的广泛关注和赞誉，成为青岛乐团最美丽的一张名片。

自己的，才是最好的

10个篇章的恢弘巨作，经久不衰的热烈掌声，散场很久了，观众依然沉浸在慷慨激昂的曲目中……这是2008年7月28日青岛交响乐团携首部拥有独立版权的原创作品——《奥帆组曲》在北京世纪剧院的初次亮相，随后又赴香港、上海两地进行了“乐动奥运”的奥运城市巡演。“《奥帆组曲》的诞生，标志着青岛交响乐团结束了没有原创作品的历史。”青岛交响乐团代团长连新国对此颇感自豪。

在对传统的德奥乐曲进行专业诠释的同时，打造自己的品牌产品，提高艺术创作水平，也是交响乐团安身立命之本和开拓市场的支点。而创作一部既在全国有一定影响，又带有浓厚地域特色的原创作品，对于青岛交响乐团这样一支成立时间不长的市级乐团来说，也绝非易事。面对职业化交响乐团的发展道路，中共青岛市委、市政府从乐团的组建伊始就给与了大力支持。

2005年4月8日，青岛交响乐团在青岛市歌舞剧院交响乐团的基础上重新组建。同时，青岛市人民会堂也作为乐团的固定排练演出场所划拨进来，这就使青岛交响乐团成为全国首家场团合一、设施完备的地方级交响乐团。高的起点为乐团搭建了广阔的发展天地，2008年奥帆赛的举办又为乐团的艺术生产提供了创作源泉。

为展现青岛“帆船之都、音乐之岛”的城市形象，突出山海城帆的都市特色，2008年，乐团特别委托美国好莱坞著名作曲家杰弗里·罗纳先生创作了交响乐作品《奥帆组曲》。由海的呼唤、扬帆万里、情系青岛、乘风破浪等10个篇章组成的《奥帆组曲》，不仅是青岛交响乐团成立以来首部拥有独立版权的原创作品，更是奥运史上首部反映帆船运动的交响乐作品。它将昂扬乐观的奥帆精神与美丽迷人的青岛风貌融为一体，在成为这座城市交响乐的代表作同时，也跻身于奥帆赛文化遗产的行列。

两步走，梦想有多远

指挥家，是一个交响乐团的灵魂人物。优秀的演奏家，也会积极促进乐团成员的水平提升。为早日实现成为一流交响乐团的目标，青岛交响乐团在成立的4年时间里，广泛邀请了国内外知名指挥家、演奏家与团合作，并聘请国内外同行专家进行讲解和指导，为演奏员提供了开阔视野的机会。

像克里斯蒂安·爱德华、郑小瑛、李心草、叶咏诗、俞峰、曹鹏、林友声等多位国内外知名指挥家，都先后与青岛交响乐团同台合作过。而著名演奏家刘云志、李传韵、刘扬、吕思清、秦立巍、盛原等，也在与乐团的合作中擦出了精彩的火花，使得演奏现场高潮迭起。翻看2009音乐季的演出榜单，我们会发现青岛交响乐团的特邀阵容更加“豪华”，尤其是拟定的三场室内乐音乐会中，还特邀了有着中国三个乐队首席之称的陈允(中国爱乐乐团)、梁大南(北京交响乐团)来青岛指导。相信有了“大师”们的参与，乐队协作能力和演奏水平将会有质的提高。

在大量“引进”知名指挥家和演奏家的同时，青岛交响乐团还积极地“走了出去”。乐团派出的“四重奏”组、 “八重奏”组先后赴法国、俄罗斯进行访问演出，受到了中国文化部和国外观众的一致好评，乐团还被俄罗斯文化电影署授予“突出贡献奖”；2007年10月，应韩国统营国际音乐节组委会的邀请，青岛交响乐团全团赴韩国参加开幕式演出并进行巡演，也在当地引发强烈反响；2009年新春美国的“中国风韵”巡演，更让青岛交响乐团成为中美文化交流史上中国交响乐团中惟一同期双跨卡内基、肯尼迪两道门槛的交响乐团，前不久刚刚结束的与台湾高雄乐团在高雄联合演出的“水岸之恋”音乐会，也用音乐架设起两岸友谊的桥梁。

大量对外文化艺术交流活动，让青岛交响乐团的年轻艺术家们受益匪浅。在世界顶级交响乐团经常光顾的举世闻名的艺术殿堂里演奏，能切身感受到它们所共有的美妙音响、艺术环境和专业管理，精湛的演技也在神奇的空间得到了最佳的体现。不仅如此，一系列的访问演出活动也加大了乐团成员的磨练力度，增加了他们的舞台经验，通过交流和学习开阔了视野，检验了自己的演奏水准。尤其在与知名指挥家、演奏家及其他乐团的合练过程中，很快就能找到感觉融合到一起，也极大地增强了乐团的协作能力。

在艺术和市场中穿行

有人说交响乐是曲高和寡的艺术，有着数不清的经典佳作，但愿意去欣赏的人却不多。青岛交响乐团虽然成绩斐然，但在演出市场的创收也是发展中所必须考虑的问题。

不同于电影院和话剧院，只要将票价降低就会有人来看，乐团要想将大众吸引进音乐厅，首先就要培养出交响乐的观众群。其实有时候并不是群众的欣赏水平不高，而是他们了解高雅艺术的机会太少。针对这种情况，青岛交响乐团先后开展了“音乐季”、“打开音乐之门”的演出和讲解活动，并通过成立爱乐俱乐部、青少年交响乐团在民间进行推广和普及。四年下来，乐团已经成为大众传媒和许多青少年观众关注和喜欢的对象。

根据群众的文化消费需求，乐团还将2009年的音乐季活动分成了音乐季音乐会(含室内乐音乐会)、乐团国内巡演、商业演出和公益演出(含“进校园”普及音乐会)四大类别。每种类别都各有侧重，可以满足不同观众的欣赏需求。除此之外，乐团还将定期举办“名曲鉴赏”、“艺术沙龙”、“音乐世界是多少”、“专家讲堂”等形式多样的公益性活动，力求将高雅艺术植根于群众心中。相信这份根据市场和百姓口味烹制的“大餐”，会使得“众口不再难调”，乐团发展之路也将越走越宽。

乐手，用音色说话

从最初的“乐坛雏燕”，到如今的羽翼渐丰，青岛交响乐团所拥有的三管编制及全员聘用体制改革，最大限度地挖掘和释放了自身潜能，给乐团带来了生机活力。

三管编制，即中国著名指挥家张国勇先生、世界著名指挥家朱晖先生曾任乐团艺术总监，青年指挥家徐东晓先生担任常任指挥，小提琴演奏博士刘玉霞女士担任乐队首席。演奏员由来自全国各大音乐院校和海外归来的优秀毕业生以及有演奏经验的其他交响乐团乐手组成。乐团实行的全员聘用制，破解了制约乐团发展的人才“瓶颈”。多劳多得，不劳不得的严谨作风随处可见。乐团内演奏员位置的变动，直接体现了乐团内考核上岗，以岗定薪的体制改革原则。

在一个大型乐队中，演奏员的座次对他的声望和荣誉感都有着不小的影响。青岛交响乐团演奏员们的座次不是固定的。每年4月份的考核之后，都会有些人进前排，有些人到后排。这种前排后排的变化，直接与演奏员的薪酬挂钩。举例来说，坐在最前面的声部首席的收入，会比在后排的演奏员收入多出一半。曾经有一位声部首席因为考核分数过低，从首席变为普通演奏员，收入也顿时骤减。

现在的乐团成员们，将更多的精力放在潜心艺术、苦练内功上，每天至少要保证4个小时的排练时间，为接下来的音乐季演出打下坚实的基础。已走在全国同行前列的青岛交响乐团，队伍的精神面貌富有生气和活力，因为大家都看到了乐团的美好将来。

常任指挥徐东晓

中国音乐家协会会员，国家一级演奏员。曾在中央乐团、新加坡交响乐团、中国国家交响乐团任首席长号，与许多世界著名指挥家、独奏家进行合作演出。

曾成功指挥中国国家交响乐团室内乐音乐会、中国国家芭蕾舞团交响乐新年音乐会等，担任青岛交响乐团常任指挥以来，成功指挥了青岛交响乐团2006新年音乐会、拉赫玛尼诺夫专场音乐会及《奥帆组曲》首演音乐会。

乐团首席刘玉霞

俄罗斯国立格涅辛音乐学院小提琴演奏博士，目前国内惟一的一位小提琴专业演奏博士。

音乐故事 篇7

用三秦“母语”讲述中国故事的标志性创作

1.乡土情怀———“长安乐派”的深情表达

“长安乐派”是从20世纪80年代开始由李石根、鲁日融等先生提出和倡导的, 以陕西关中、陕北音乐为素材, 具有浓郁陕西地方特色的音乐创作、表演以及音乐教育发展理念和模式。[1]“长安乐派”在这一时期的创作主要表现为民族器乐独奏、协奏或合奏, 作曲家以陕西的历史文化和现实生活为题材, 以秦腔、眉户、碗碗腔、西安鼓乐、社火、秧歌、陕北民歌等传统和民间音乐为创作素材, 展示了三秦大地的历史和精神风貌, 在国内外影响重大。

2.民族魂魄———大汉三部曲的史诗歌唱

从1992年至今, 陕西歌舞剧院联合省内外各方力量, 连续推出了大汉三部曲:《张骞》 (陈宜编剧, 张玉龙作曲, 1992年) 、《司马迁》 (张平编剧, 张玉龙作曲, 2000年) 和《大汉苏武》 (党小黄编剧, 郝维亚作曲, 2013) 。这三部歌剧执著地关注汉代这样一个中国历史上最为意气风发、血脉喷张的时代, 关注三位代表中华民族精神特质的历史巨人。艺术家以史诗般的宏大笔触, 将历史叙事与对现实的关注紧密结合在一起。这三部作品不仅是中国当代民族化歌剧的代表之作, 也显示了强烈的现实意义和时代内涵。

3.走向世界———赵季平和韩兰魁的中国叙事

赵季平的音乐创作题材广泛, 体裁丰富。其音乐作品尤其是电影音乐在国内外获得了高度的评价与赞誉。除此以外, 他在大型管弦乐创作方面的成就同样为人称道, 代表性作品包括管子协奏曲《丝绸之路幻想组曲》 (1982) 和交响叙事曲《霸王别姬》 (1999) 等。在赵季平的音乐中, 脚下的土地、民族的历史、当下的生活是他持久关注的题材。在创作手法上, 赵季平善于将我国传统和民间音乐元素, 尤其是陕西的音乐元素与现代作曲技法相结合, 形成了自己独特的音乐风格。诚如黎琦在论及赵季平的室内乐《关山月》和大提琴协奏曲《庄周梦》时指出:作曲家“以当代中国音乐家的文化自信, 用现代‘母语’的中国叙事方式, 表达对生命灵魂、宇宙天体的感悟和哲思, 与前沿的西方艺术观念进行对接和碰撞。”[3]

浓郁的西北情怀、强烈的忧患意识和深刻的抒情性是韩兰魁创作的重要特色。《两乐章交响曲》 (1989) 《音诗———丝路断想》 (2003) 等是韩兰魁的代表性作品。西北丰富而厚重的历史、严酷的生活环境与西北人精神中蕴含的生命张力, 在韩兰魁的笔下融化成一种朴实、大气、刚烈、多情的艺术表达。在创作技法方面, 韩兰魁是开放而“精明”的, 他从不排斥任何现代技法和观念。正好相反, 青年时期的作曲家曾经热衷于各种现代音乐风格的探索并取得了不俗的成就, 德国留学的经历也使他对西方当代创作烂熟于心。在他的音乐中, 传统与当代、中国与西方达到了一种巧妙的平衡, 从而形成了一种貌似中庸, 实为成熟而持重的风格表达。

以开放和理性的心态在传统与现代之间自由穿越

以一种开放的心态和开拓者的姿态, 兼容并蓄古今中外各种音乐传统和技法, 创造性地理解中国历史并关注中国当下, 既是陕西当代音乐创作的特色, 也是其带给我们成功的经验。在笔者看来, 这种经验可以总结为三个方面, 即:清晰的创作理念, 对现实的强烈关注, 和谐的社会音乐环境。

1.重视本土文化, 兼容并蓄中西传统的创作理念

这里讲的创作理念, 主要是指音乐创作的关注点。从20世纪西方现代音乐的创作观念和创作技法发展来看, 现代音乐创作是一种典型的“个性化”写作。用崭新的手法表现独特的内容, 不仅是作曲者拥有的权利, 也是作曲者必须面对的艺术诘问。受“自律论”音乐美学的影响, 很多作曲家的兴趣从对音乐表现内容的关注转向了音响本身, 进而形成了对音乐结构逻辑和个性化写作技法的痴迷, 这在一定程度上可能导致作曲者对表现内容的忽视。随着我国的改革开放, 这种创作观念的转变逐渐影响到了音乐创作。

上个世纪70年代末到80年代, 陕西的专业音乐创作充斥着一种如饥似渴的探索精神。伴随着对各种西方现代音乐技法的尝试, 陕西涌现出了一批主要由青年学生创作的、堪称“新潮”的实验性音乐作品, 如张豪夫的《钢琴协奏曲》、刘铮的《云岭风情》等。与此同时, 一批西安音乐学院的骨干教师和中年作曲家在吸收近现代创作技法的基础上, 坚持以中国历史和民间题材为表现对象, 使用富有民族化、地域化特色的现代音乐语言创作了《长安社火》 (鲁日融、赵季平1980) 、《音诗·骊山吟》 (饶余燕1982) 等优秀的音乐作品。在以后的岁月里, 对三秦文化、中国传统和民间题材的关注与创作技术上的兼容并蓄结合在一起, 逐渐形成一种开放而理性的创作传统, 进而铸就了陕西当代音乐创作鲜明的地域特色和时代风格。

2.提倡人文关怀, 关注现实生活的文化担当

重视历史题材, 重视传统和民间文化是陕西音乐创作的特色, 但是这一特色从来没有成为陕西作曲家回避现实矛盾的借口。作为华夏文明发祥地之一的陕西, 曾有周、秦、汉、唐等十余个封建王朝在此建都, 丰富而灿烂的历史文化和民间传统成为音乐创作取之不尽的源泉。由此看来, 当代陕西作曲家关注历史和传统题材是具备现实条件和理性基础的。同时, 改革开放以来中国社会的全方位变迁也为作曲家提供了鲜活的艺术题材。总体来看, 陕西当代作曲家注意将这种题材纳入音乐创作, 他们的作品在提倡人文关怀的同时, 也不乏对现实生活深层次的思考。在当代的创作中, 像韩兰魁的交响合唱《绿色的呼唤》这样聚焦当代社会重要命题的优秀作品, 就深刻地展示出作曲家对环境保护这一世界性热点问题的关注。

3.和谐的社会音乐环境———优秀音乐创作的土壤

音乐创作与音乐接受和音乐批评之间具有密切的联系。优秀的音乐创作可以感染和培养音乐受众, 听众良好的反应可以进一步鼓励创作, 理性的音乐批评则可以使作曲家认识到作品的成败得失, 从而在以后的创作中进行有针对性的改进。“大汉三部曲”的完成固然与陕西歌舞剧院强烈的社会责任心有关, 但社会各界的热情鼓励所产生的积极影响也不可忽视。虽然陕西还缺乏像“上海之春国际音乐节”“北京现代音乐节”这样高水平的音乐交流平台, 但陕西作曲家积极参与各种形式的艺术交流, 开阔艺术视野, 丰富创作手法。在全省各界的支持和鼓励下, 陕西的优秀音乐作品在全国得到广泛的好评。

以“为谁讲故事”的文化自觉, 唱响中华民族伟大复兴的主旋律

改革开放以来的陕西当代音乐创作实践带给我们一些重要的启示。其中最令人深思的是:生活在当下的陕西音乐家应该用怎样的音乐形式和音乐语汇来表达怎样的内容, 通俗地讲, 即:作曲家用哪种语言, 讲怎样的故事?

“讲怎样的故事”取决于“为谁讲故事”。毛泽东于1942年5月《在延安文艺座谈会上的讲话》中指出:“为什么人的问题, 是一个根本的问题, 原则的问题。”[4] (P857) , 他根据抗日战争的斗争现实, 提出了新文化中的新文学新艺术是为人民大众服务的这一原则。[4] (P855) 虽然今天的中国社会现实与70余年前相比已经发生了巨大的变化, 但《讲话》中的这一原则仍然保持着旺盛的生命力。习近平在论述“实现中华民族伟大复兴的中国梦”时指出:“中国梦归根到底是人民的梦, 必须依靠人民来实现, 必须不断为人民造福。”[5] (P14) “党的群众路线教育实践活动”可以看作是党和国家在追求“中国梦”这一执政理念下的切实举措。联系以上重要论述和实践的精神可以看出, “人民群众”的幸福始终是党和国家各项方针政策的基石和出发点, 也是各项工作的奋斗目标。让音乐作品为人民群众理解和喜爱, 发扬中华民族的优秀传统文化和民族精神, 激发社会“正能量”进而使人民群众为实现“中国梦”而群策群力, 应该成为当代音乐创作的指导思想。

厘清了“为谁讲故事”这个问题后, 就可以回答“讲怎样的故事”这个问题。音乐家在音乐创作中拥有选择题材、风格、技法的自由, 也完全可以关注自己的个性表达。但是音乐家也应该明确地意识到自己的历史和社会责任, 意识到自己的音乐创作对于当下中国社会发展的积极作用。习近平指出:“中国传统文化博大精深, 学习和掌握其中的各种思想精华, 对树立正确的世界观、人生观、价值观很有益处。古人所说的‘先天下之忧而忧, 后天下之乐而乐’的政治抱负, ‘位卑未敢忘忧国’‘苟利国家生死以, 岂因祸福避趋之’的报国情怀, ‘富贵不能淫, 贫贱不能移, 威武不能屈’的浩然正气, ‘人生自古谁无死, 留取丹心照汗青’‘鞠躬尽瘁, 死而后已’的献身精神等, 都体现了中华民族的优秀传统文化和民族精神, 我们都应该继承和发扬。”[5] (P34)

中国优秀的传统文化和民族精神是中华民族历史上薪火相传的理想信念, 也是改革开放以来我国取得一切成就的精神保障。“大汉三部曲”选取了中国人耳熟能详的历史题材, 通过艺术化的构思, 将这些历史题材与当下的时代精神紧密联系起来。歌剧《张骞》表现出的百折不挠的开拓意识, 《司马迁》中忍辱负重的精神气质, 《大汉苏武》中忠贞执著的爱国主义情操等民族精神经过数千年的积淀, 已经深入中华民族灵魂和血液, 成为中华民族赖以生存和伟大复兴的精神基质。以上作品既是大众所熟悉和喜爱的题材, 同样具有艺术上的独特构思, 其成功的经验值得重视。

音乐是一种交流的艺术。音乐形式和音乐语汇如果要成为一种交流的工具, 就必须使交流双方、尤其要使听众能理解这种工具的规则和含义。而听众的理解能力是通过日常生活中所聆听和熟悉的音乐循序渐进地培养和提高的, 这种音乐显然就是本地区、本民族的传统和民间音乐。因此作曲家在锻造自己的音乐语汇时, 应该注意到音乐语汇发展的连续性和历史传承性, 有意识地将现代音乐技法、个人风格创新与本地区、本民族的音乐特点相融合, 运用群众喜闻乐见、易于理解的风格、体裁和创作手法, 撷取中国历史和现实中集中体现传统美德和时代精神的题材, 吸收和借鉴古今中外成功的创作经验进行艺术化的提炼和表现。通过这种融合所形成的音乐语汇, 既是作曲家独特的表现手法, 也是一种富有创新性的当代音乐语言。前文所列举的优秀作品都可以看作是这种融合的成功范例。

“用当代的语言, 讲中国的故事。”的确是陕西当代音乐创作带给我们最重要的启示。

参考文献

[1]李石根.社会主义民族音乐体系与长安乐派[J].交响, 西安音乐学院学报, 1991, (1) .

[2]李宝杰.文化整体性与长安乐派发展的基本理路[J].交响, 西安音乐学院学报, 2011, (6) .

[3]黎琦.从黄土地到世界当代中国音乐的文化坐标赵季平[J].文明, 2014, (3) .

[4]毛泽东.在延安文艺座谈会上的讲话[C].毛泽东选集 (第三卷) , 人民出版社, 1991, 6.

音乐故事 篇8

一、根据课的流程特点合理选择音乐素材

《技巧:肩肘倒立》这堂课在音乐融入之前, 就已经根据教材学情设计好了教案, 并且进行了磨课。于是笔者对之前拍摄的录像课 (无音乐) 的视频, 一边看一边分析, 掌握课的每一个流程及所需的时间, 并一一进行计量;之后根据流程的内容及特点进行音乐素材的合理选择 (见下表) 。

在课堂中, 在热身跑环节笔者选用了学生耳熟能详的《甩葱歌》, 优美的旋律瞬间激发了学生的兴趣, 活跃了课堂的氛围。热身操中利用机器的咔嚓声与闹钟的走动声代替了单调的口令、信号, 体现了音乐节奏对应动作节奏, 既形象又生动。而在基本部分中主要采用的是钢琴曲, 这种缓慢的曲调、明快的节奏, 能给学生更为直接、更为主动、更为丰富的感受, 它所唤起的联想是从情感激发中自由展开, 有助于提高学生学习肩肘倒立动作的连贯性和节奏感, 能帮助学生们克服在肩肘倒立练习中所带来的种种困难。而在素质练习阶段, 截取了《boom》里面的一段音乐, 包含这么一段歌词:加油, 加油, 只要你不放弃, 加油, 加油, 坚持到底……不用教师进行过多的语言讲解, 学生听到音乐自然会坚持到底, 不言放弃。放松部分选择了《我是勇敢小兵兵》, 其音效轻柔、缓慢、恬静, 同时动作简单有趣, 达到了身心放松的目的。

二、根据课的流程预设问题择机融入音乐

既然先有教案、教学流程, 后有音乐, 那么整堂课的教学思路就不会跟着音乐的节奏走。但是, 课中融入音乐, 对于教师的教学能力提出了更高的要求, 教师必须要在课前对整堂课教学过程中可能会出现的问题进行预测, 并提出解决方法, 甚至对用多长时间解决问题等也要考虑周全, 就会避免前一环节问题尚未得到解决但由于音乐响起不得不匆忙进入下一环节的现象出现, 如此便可做到心中有学生, 以生为本。至于哪个点出现音乐, 出现音乐的时间多长及轻重音的把握, 怎样用音乐解决这个点存在的问题, 调动学生的兴趣, 事先都已做出预设。如, 在直腿肩肘倒立的练习中, 预设的问题是出现大部分学生动作不到位或立不起来, 需要教师花更多的时间用于指导, 这里就有一个用以缓冲的轻音乐, 在轻音乐中帮助全体学生纠正共性问题;如果没有出现事先的预设问题, 那样更好, 学生就直接可以在轻音乐中进行自主练习, 教师只对个别学生进行指导。如此恰当择机融入音乐, 可发挥其独有的功能, 实实在在为肩肘倒立技术学习服务。

三、采用音频软件, 对音乐素材进行有效整合

音乐教学法, 不但要求教师熟悉教学流程, 更要懂得如何利用软件制作音效。在整个音效的制作过程中, 笔者采用软件“会声会影x8”进行视频音频的制作:首先把之前录制的录像课进行无声化处理, 再按音效表将音乐素材一步一步插入课堂中, 或无音或轻音或中音等, 前后的时间误差控制在5秒之内, 最后生成并导出音频。因此, 在制作的过程中, 必须对整节课的流程非常熟练与清晰, 即使没有音乐的提醒, 自己也能做到心中有“点”, 心中有“生”。

音乐故事 篇9

时至今日, 这一古老艺术形式随着时代的发展, 不但没有销声匿迹, 反而愈发出新的光辉, 随着中国舞台艺术的蓬勃发展, 音乐剧、舞剧这一艺术形式越来越受到广大群众的喜爱, 音乐剧、舞剧的形式随着时代和科技的发展也在不断地推陈出新, 在古老的舞台艺术的基础上, 焕发出新的异彩, 丰富着人类的精神文化宝库。近些年, 国家对舞台艺术精品创作大力支持, 通过国家五个一工程、国家舞台艺术精品工程、国家艺术基金等, 有力地促进了中国音乐剧、舞剧呈现出蓬勃发展的态势, 音乐剧、舞剧的创作样式和内容丰富多彩, 表现的思想主题和艺术水准呈现出较高的水平, 音乐剧、舞剧愈来愈成为承载中国优秀传统文化的载体和满足老百姓精神文化生活的需求的艺术形式, 一批优秀剧目的创作无不充分体现出深刻的千百年来中华文化的勃勃生机, 中国精神的一脉相承。

经典的文艺作品能够代表一个时代的风貌, 引领一个时代的风气。欧美风靡的《猫》剧, 歌剧《悲惨世界》代表西方工业文明下现代艺术的经典, 解放时期的歌剧《白毛女》《小二黑结婚》, 在革命战争时期发挥着精神武器的作用, 呼唤着四万万中国百姓摆脱三座大山的压迫和剥削, 激发起争取独立, 自由和解放的万众豪情!建国后《智取威虎山》, 芭蕾舞剧《红色娘子军》, 凭借强大的艺术感染力将其所蕴含的争取翻身解放, 追求幸福生活等思想价值观念润物细无声, 影响颇大, 舞剧《丝路花雨》《大梦敦煌》《云南印象》《水月洛神》《沙湾往事》《大汉苏武》等展示了中华文化的源远流长, 海纳百川的雄浑气魄, 享誉海内外。

但是音乐剧、舞剧的发展也存在着“有高原”, “缺高峰”良莠不齐的创作现状, 音乐剧、舞剧的整体发展跟不上人们日益增长的精神需求, 甚至于有些推出的作品于这个时代脱节, 存在低俗化倾向、媚俗、价值观错位。习近平总书记在文艺座谈会上讲话说的有些作品“以洋为尊”“以洋为美”“唯洋是从”, 热衷于“去思想化”“去价值化”“去历史化”“去中国化”“去主流化”, 存在历史虚无主义思潮, 狭隘民族主义的不良倾向。而我们的艺术创作要求创作生产更多传播当代中国价值观念、体现中华文化精神、反映中国人审美追求, 思想性、艺术性、观赏性有机统一的优秀作品, 形成“龙文百斛鼎, 笔力可独扛”之势, 为人民抒写、为人民抒情、为人民抒怀。

中国精神是社会主义文艺的灵魂, 优秀经典的舞台艺术作品必然深刻地体现着中国精神, 中华优秀传统文化是中华民族的精神命脉, 是涵养社会主义核心价值观的重要源泉, 也是我们在世界文化激荡中站稳脚跟的坚实根基。中华优秀传统文化中很多思想理念和道德规范, 不论过去还是现在, 都有其永不褪色的价值。有许多代表中国精神的历史典故:丝绸之路, 屈原, 孔子儒学, 苏武牧羊, 班超不入虎穴焉得虎子, 木兰从军, 曹植, 玄奘, 苏祗婆, 鸠摩罗什, 李白, 杜甫, 岳飞精忠报国, 红楼梦, 林则徐“苟利国家生死以, 岂因祸福趋避之”, 文天祥“留取丹心照汗青”, 格萨尔王, 玛纳斯, 江格尔, 花儿, 妈祖……, 这些千百年来形成的中华文化共同体他们以其独特的精神特质, 深刻地影响着民族精神, 千百年来一直支撑着中华民族的精神大厦。

伟大的时代必然需要伟大的作品, 中国精神必然需要众多的优秀文艺作品作为载体来体现和表达, 音乐剧、舞剧创作必然涉及到文化传承和发展理念, 有其独特的规律性的, 因此探讨音乐剧、舞剧生命力和艺术魅力, 找到经典音乐剧、舞剧艺术创作规律性的元素, 总结艺术创作的得失, 才能更好地引导音乐剧、舞剧的精品创作。下面结合习近平在文艺座谈会上的讲话精神, 围绕挖掘体现中国精神的精髓, 从经典音乐剧、舞剧的深厚底蕴的文化性、引人入胜的故事性和时代变革的创新性三个特性去探究歌舞艺术创作的内在联系和机制。

音乐剧、舞剧的文化性是艺术创作的土壤和基石, 文化是指一个国家或民族的历史、地理、风土人情、传统习俗、生活方式、文学艺术、行为规范、思维方式、价值观念等, 文化的产生是多方面因素作用的结果, 其中的地理环境和经济形态是导致文化出现差异作用的主要因素。应该说任何一种文化都是人类创造的宝贵遗产, 是人类为适应特定的地理环境而在长期的生产、生活实践中创造出来的, 并无优与劣之分。儒家文化、佛教、伊斯兰教、基督教、希腊文明、埃及文明这些人类文明的结晶几千年来都在深刻地影响着人类社会的进程和发展, 他们为人类社会的发展和进步做出了不可磨灭的贡献。这些地域文化是人类几千年来形成的具有特定地域特色和情感的文化认同, 具有长期的稳定性和传承性, 任何一个经典的艺术创作离不开经典的地域文化传统。它必须是长久以来为老百姓所认可和熟知的文化积淀, 这种积淀深植于百姓的生产生活, 具有普遍认同价值, 或歌颂美好的爱情, 或歌颂自由的生活, 或者是英雄人物, 历史文化典范, 民俗文化遗存。国内各省均以代表性、符号性的文化现象, 在社会上较大影响的一些历史事件, 民间故事, 或地域性的文化符号作为文艺创作的题材。诸如北京京剧、陕西秦腔、河南豫剧、宁夏花儿、湖南花鼓戏, 安徽黄梅戏, 浙江越剧、广东粤剧……。地域文化是创作舞台艺术的源泉, 创作好音乐剧、舞剧一定要充分地立足于本土地域文化的精华所在, 发掘出具有符合时代发展的艺术价值和审美价值的文化瑰宝, 达到丰富启示人们。古代新疆的文化西联东出, 东西方文化呈现出绚丽多彩的风姿。在隋九部乐和唐十部乐中, 就有来自西域的《于阗乐》《龟兹乐》《疏勒乐》《高昌乐》和《伊州乐》等乐舞大曲, 其中《龟兹乐》可谓隋唐西域文化艺术最杰出的代表。《旧唐书·音乐志》称:“自周隋以来, 管弦乐曲将数百曲, 多用西凉乐, 鼓舞曲多用龟兹乐”。这些历史文化现象产生了深远的历史影响, 至今仍然在影响着内地及新疆各民族的文化艺术。当然经典的文化资源不但是一种继承, 还更应该担负着传承发展。同时更代表具有人类普遍的审美意识和要求, 它就不仅仅局限于地域化的诉求, 而应该具有更加普遍化的文化意义。比如“英雄主义”, 比如人们对人世间真善美的追求, 比如展现一个民族顽强不息的拼搏精神, 追求自由, 解放的向往, 摆脱奴役、禁锢的思想的枷锁。也可以体现思想、道、仁义这些文化的符号。诸如音乐剧《大汉苏武》歌颂苏武虽被匈奴放逐北海19年牧羊, 依然一心归汉, 绝不做叛徒的爱国主义情怀;《沙湾往事》从广东音乐文化的旋律中体现出的中华民族面对日寇外辱, 表现出中华民族不屈不挠的气节, 《一把酸枣》体现山西人走西口的精神风貌;中国四大名著《红楼梦》孕育舞剧《红楼梦》;舞剧《戈壁青春》体现新疆生产建设兵团几代人屯垦戍边, 献了青春献子孙的丰功伟绩;《丝路花雨》和《大梦敦煌》能够几十年畅演不衰!在于它延续了中华文化几千年的文化脉络, 这个文化基因是深耕于中华民族的精神, 敦煌文化的文化融合和对佛教文化精义的理解已经站在了当时的历史高度, 代表着人类文化的追求和向往, 作为享誉世界的舞台艺术艺术, 它根植于敦煌学这一国际显学, 敦煌几千年来的深厚人文积淀是舞台艺术创作的源泉, 它的文化的丰富性、多样性和史料价值已经为世界所公认, 并为世界各国的敦煌学研究者所瞩目, 整个剧目深深地打上了敦煌文化的烙印, 体现了文化融合的魅力, 剧情在讲述一个唯美的爱情故事的同时, 很好地把敦煌地域文化的特色展现出来, 契合人类文化融合的永恒魅力。它不仅仅是代表敦煌本地的文化, 还有更宽泛的文化价值和人文价值, 更代表中华文化, 甚至于代表人类文明曾经的辉煌成果。因此经典的音乐剧、舞剧创作必然要体现深厚底蕴的文化性, 要与时俱进, 只有对地域文化挖掘地越深入, 音乐剧、舞剧呈现出来的艺术价值就越大。愈是鲜明的体现地域文化, 它表现出来的内容内涵就会愈丰富。

当然也有许多体现地域文化的题材的音乐剧、舞剧, 但由于对地域文化的肤浅理解, 没能很好地体现地域文化的灵魂。我们可以看到有些音乐剧、舞剧有着故事情节、音乐制作、华丽的服装设计, 舞美设计, 道具, 以及演员的表演, 却看不到他的文化底蕴, 更多地是在玩舞蹈技巧, 让人不知所云, 还有的作品仅仅靠爱情故事去堆砌, 表现爱情题材是舞剧的一大特色, 但是单纯的爱情悲喜剧不足于衬托出舞剧的丰富的内涵, 文化就是音乐剧、舞剧的灵魂, 没有文化内涵的音乐剧、舞剧是没有生命力的, 也是难以成为时代精品, 唯有根植于优秀的地域文化资源, 取其精华去其糟粕, 不断推陈出新, 提炼地域传统文化中代表人类优秀品质、永恒精神, 用现代人的审美意识去结构、诠释、升华。让作品有着更广泛的文化意义表达, 才是创作经典音乐剧、舞剧的根本所在。

音乐剧、舞剧的文化性固然重要, 同时音乐剧、舞剧的创作必须要有引人入胜的故事性去彰显剧目的文化属性。所谓故事性指的是“内容和形式的融合——独具慧眼的主题选择加上独运匠心的故事形态。内容 (场景、人物、思想) 和形式 (事件的选择和编排) 相辅相成、相得益彰而且相互影响”4

音乐剧、舞剧创作的故事性首先要确定好故事的情节主题、思想主题、情感主题及故事结构。中国明代学者李渔在《闲情偶寄》中提出了较为完整的戏曲学说。他论及了戏曲的一般特性是制造幻境, 设身处地、代人立言, 强调“搬演”和“贵浅显”, 在主题上注重“立主脑、减头绪”, 在人物、情节结构上强调“一人一事, “一线到底, ”在语言上要求“慎用方言”。到了黑格尔时期, 提出了所谓的“冲突律”, 就是戏剧中以冲突为核心的创作规律。在以“冲突律”为原则创作的戏剧中一切都归结为冲突:题材是否适合戏剧创作取决于该题材是否包含着冲突;情节是否具有戏剧性取决于冲突的强弱;动作的取舍在于是否能导致冲突;劳逊更强调“戏剧的基本特征是社会性冲突——人与人之间, 个人与集体之间、集体与集体之间、个人或集体与社会或自然力量之间的冲突;在冲突中自觉意志被运用来实现某些特定的、可以理解的目标, 它所具有的强度应足以导使冲突到达危机的顶点”。5舞剧《水月洛神》根植于素有建安风骨——建安七子之一的曹植的《洛神赋》那唯美的诗篇, 对甄妃的赞美, 浪漫、空灵翩若惊鸿, 歌颂一段凄美的爱情, 当剧情到发展到曹植与曹丕争夺皇权争夺甄妃而骨肉相残时, 曾经的兄弟之情荡然无存, 悲泣至极的曹植七步为诗, 凄然咏诵的“煮豆燃豆萁, 相煎何太急”道出兄弟之情、兄弟之恨的悲然感伤, 剧情陡然升华让人感受到文化之美、诗歌之美、艺术之美。悉德·菲尔德说:“一系列互为关联的事变、情节或事件按照线性安排最后导致一个戏剧性的结局”6由此看出故事性在歌舞创作中起到渲染气氛、推动剧情、升华故事主题的重要作用。

故事性大概是音乐剧、舞剧中最需要精心结构的, 往往很多剧有文化, 有想法, 但是故事性却表现的不充分, 大大消弱了舞台艺术的感染力、表现力。毕竟音乐剧、舞剧还是要先讲好故事, 陈规俗套的故事是不会流传开的, 而原创型故事却会不胫而走, 过于突出文化性, 就容易变成民俗展示, 或者是文化符号的堆砌。我们常常可以看到有些剧虽然能够去体现很多的文化元素, 但是缺乏故事性, 仅仅是罗列一些文化符号, 没有有机的将文化整合为一种精神上升华, 通过故事性更好地体现文化内涵。诸如舞剧《千手观音》作为一部力图反映佛教精神精髓的作品, 它把故事集中在12幕, 请命寻莲、长路漫漫、蜻蜓引路、慧心妙悟、逼迫蜻蜓、寻找莲花、童子归善、天地之爱、降魔去病、人莲合一、苦海慈航、千手千眼这些佛教文化的典故。用12首澄净的颂歌将全剧划分成12个段落, 在梵音弦乐、晨钟暮鼓之中, 用12段舞蹈逐一为观众铺展开12幅美丽画卷, 演绎了一位乐善好施的三公主为救父王请命寻莲, 历经千辛万苦终得莲花, 最终涅槃成佛的古老传说。整体而言, 整个剧的想要展现佛教精义, 主题立意很好, 但是却失败在故事结构上, 罗伯特·罗基“结构是对人物生活故事中一系列事件的选择, 这种选择将事件组合成一个具有战略意义的序列, 以激发特定而具体的情感, 并表达一种特定而具体的人生观”, 7但该剧故事性比较弱, 结构平行罗列堆砌, 缺乏剧情的层层递进, 戏剧冲突比较平淡, 比较拖沓, 人物性格简单, 死板, 不鲜活。没有很好的通过故事的结构去丰富佛教的精义内涵, 让人感觉故事的内容难以承载佛教文化的精义所在, 对三公主从人到神的涅盘, 认同度不够, 所以舞剧宣扬的普世真谛也难以让观众产生共鸣。

再比如音乐剧“阿诗玛”故事性就体现的比较好, 故事的讲述是由阿着底一位穷困的巫师开始的, 他的讲述就是音乐剧的第一支歌──《石头的传说挚爱的歌》, 这个“石头的传说”在前述“序歌”之后由四幕戏来“演说”, 分别是《相遇》《相爱》《相离》和《相守》。一个贯彻始终的“相”字, 说明戏剧情节紧扣“两人”关系来推进, 这“两人”当然就是阿诗玛和她的“真爱”阿黑!而在这部音乐剧的“传说”里, 阿黑是外乡人;在阿着底的同乡中, 始终挚爱着阿诗玛的, 是寨主热布巴拉的儿子阿支。剧情体现他们之间的爱情的纠葛和冲突, 整个剧情故事凄美、性格壮美、歌唱优美、情境宏美;以及追求真、善、美的“三角”关联, 追求仁、智、勇的民族性格, 追求信、义、和的价值取向。

好的故事性, 必然要有强烈的戏剧冲突, 黑格尔在《美学》一书中说:“冲突还不是动作, 他只是包含着一种动作的开端和前提, 所以它对情境中的人物, 只不过是动作的原因……。充满冲突的情境特别适宜于同作剧艺的对象, 剧艺本来可以把美的最完满最深刻的发展表现出来的。”他认为戏剧冲突是动作的原因, 由于戏剧冲突的介入, 戏剧可以将原本是发生在生活中松散空间里的事物凝聚在几个“剧艺”场景中, 再以激变的方式把生活中可能是漫长时间中完成的“美的最完美最深刻的发展”过程表现出来。广东舞剧《沙湾往事》以其鲜明深刻的主题, 精美的歌舞呈现, 意韵隽永的配乐, 不但很好地体现了岭南地区的钱鼓舞、南狮、高胡、五架头、龙舟醒狮、粤剧、大鼓等岭南文化符号。而且把整个剧情放置在抗日战争的历史背景下凸显音乐家和日寇之间的家仇国恨戏剧冲突, 让整个剧体现出中华民族宁折不弯、抵御外寇的民族精神, 讴歌民族气节、提振理想信念的, 以其昂扬向上的主题、生动感人的故事、精美绝伦的歌舞呈现, 体现了思想性、艺术性、观赏性的有机统一。

有的通过电影等其他艺术形式的题材进行音乐剧、舞剧创作, 这样创作的好处, 不用在故事本身下功夫, 只需在原故事的素材上进行精加工、改编, 如《红高粱》《钢的琴》《红旗渠》等。从整体的各个环节诸如剧情, 歌舞美术, 音乐, 演员表演都在发生着聚变, 剧情基本上都是以剧的形式综合展示, 戏剧矛盾冲突很有张力, 故事性都很强, 脉络都很干净, 都比较集中的在一个情感线上做文章, 故事简单但是有情感, 很抓人, 情节不复杂但做的很细致, 《钢的琴》本身是获奖的影片。故事立得住, 人物情感抓人, 时代气息浓厚, 就已奠定观众认知的基础, 不要在浪费时间再去想一个经典的故事, 把现有的好东西改编好也是一个经典。适合歌剧的用歌剧的手段, 适合舞剧就用舞剧的手段, 适合音乐剧就用音乐剧的手段, 唯一要做的是如何以舞剧或者音乐剧的形式把电影艺术转化为歌舞艺术, 即可获得良好的艺术效果。

罗伯特·麦基认为“故事的讲述是对真理的创造性论证, 一个故事是一个思想的充满活力的证据, 是将思想转换为动作。故事的事件结构是一种手段, 你首先通过它来表达你的思想, 然后在证明你的思想……而且绝不采用任何解释性的语言”。8无疑故事性在音乐剧、舞剧中最有感染力、最能打动人心的, 它总是在不经意间激发起人们内心最深层次的渴望和梦想。

“诗文随世运, 无日不趋新。”创新是文艺的生命, 时代变革的创新性是音乐剧、舞剧创作永葆青春的动力。刘勰在《文心雕龙》中就多处讲到, 作家诗人要随着时代生活创新, 以自己的艺术个性进行创新。唐代书法家李邕说:“似我者俗, 学我者死。”宋代诗人黄庭坚说:“随人作计终后人, 自成一家始逼真。”李渔提到“脱俗套”, 习近平总书记在文艺座谈会上指出:“文艺创作是观念和手段相结合、内容和形式相融合的深度创新, 是对各种艺术要素和技术要素的集成, 是胸怀和创意的对接。推动文艺创新, 需要从根本上做起, 从多方面入手, 提倡体裁、题材、形式、手段充分发展, 推动观念、内容、风格、流派切磋互鉴, 才能不断推出富有艺术创造力的优秀作品。”同时科学技术的每一次重大进步, 都会给文艺的生产方式、传播方式、消费方式、表现方式和发展阳台带来革命性的变化, 如今高科技的表现手段, 已经被广泛地运用到歌舞艺术创作中, 精美绝伦的歌舞效果, 大大拓宽了歌舞艺术的表现形式, 但是在运用现代科技成果的同时, 也不能一味地玩弄技巧, 创作观念和内容是艺术创作的根本, 要让高科技更好地拓展、延伸艺术创作观念和内容的广度和深度, 从而大大增强艺术作品的感染力和表现力。《大梦敦煌》《丝路花雨》《沙湾往事》《水月洛神》《八桂大歌》《大红灯笼高高挂》《一把酸枣》《风中少林》《云南映象》《粉墨春秋》、芭蕾舞剧《二泉映月》、舞剧《孔子》, 音乐剧《大汉苏武》, 这些舞剧都是文化性、故事性、创新性相结合, 深刻体现中国精神的精品力作。

习近平总书记在文艺座谈会上谈到“要综合运用各种方式、不断推进文艺形式创新。文艺发展到今天, 各种文艺门类齐头并进、互渗互融, 呈现出各种艺术形式交叉融合的态势, 要推动传统艺术门类之间相互融合, 推动传统艺术形式与现代艺术形式相互借鉴, 在文艺样式交汇融合中不断有新的探索创新。”优秀的文艺作品就是民族文化创造智慧的结晶, 浓缩着民族的历史社会认知和精神想象力的最新成果, 只有各民族之间优秀的文化的融合才能产生出更好的文化形式和内容, 好的舞台艺术必然是文化融合的典范, 很多的经典舞台艺术融合了多种艺术表现形式, 使得舞台艺术的艺术水准和思想境界得以很大的跨越和提升。

中国精神是社会主义文艺的灵魂, 优秀经典的歌舞艺术作品必然深刻地体现着中国精神, 习近平总书记在文艺座谈会讲话中提到“戏曲艺术不仅承载着中华优秀文化的因子, 蕴藏中华民族不断进步的核心价值、思维方式和文化意识, 而且萃取了传统诗、词、赋、音乐、绘画、舞蹈、武术等各种传统文化的特点, 集中凝聚着中国古典美学意识和美学命题。戏曲的歌舞的写意、艺术表演的程式化、人物塑造的以形传神灯, 无不受中国古典美学精神的影响, 也无不体现着中华美学的风范, 成为中华文化的一张名片。”因此在创作经典音乐剧、舞剧时, 要把文化性、故事性、创新性有机的结合在一起, 三者互为影响、互为制约、缺一不可, 一个没有文化性, 仅仅是故事性、创新性的就会让内容缺乏底蕴, 只是是形式上的华丽而已, 当然只有文化性还是不够, 静思构巧的故事性会让才能让文化性展现的淋漓尽致, 血肉丰满;创新性是建立在文化性和故事性的基础上, 在创作观念上求新求变, 展现时代精神风貌, 弘扬文化风采, 只有这三性有机统一, 相互作用, 相互影响, 相得益彰, 才能造就中华文化精品力作, 才能充分体现以爱国主义为核心的民族精神, 以改革创新为核心的时代精神, 传承和弘扬中华优秀传统文化, 让中国精神成为中国文艺的灵魂。

注释

11.严复, 夏曾佑.《国闻报附印说部缘起》, 《晚清文学丛钞·说戏曲研究卷》, 摘自余秋雨《中国戏剧史》[M].长江文艺出版社, 2013:237.

22 .三爱 (陈独秀) .《论戏曲》最初发表于1904年《安徽俗话报》第十一期, 摘自余秋雨《中国戏剧史》[M].长江文艺出版社, 2013:237.

33 .天谬生.剧场之教育, 载1908年《月月小说》第二卷第一期, 摘自余秋雨《中国戏剧史》[M].长江文艺出版社, 2013:240.

44 .罗伯特·麦基.故事 (序) [M].中国电影出版社, 2001:9.

55 .劳逊.戏剧与电影的剧作理论与技巧[M].中国电影出版社, 1989:213.

66 .悉德·菲尔德.电影剧作写作基础[M].中国电影出版社, 2002:15.

77 .罗伯特·麦基.故事[M].中国电影出版社, 2001:39.

音乐故事在教学中的应用 篇10

因此，我从事30余年音乐教学，在教学中常常借助于音乐故事的帮助，进而完成教学任务，取得了事半功倍的效果：

例一：《魔王》的故事

奥地利作曲家舒伯特在1815年冬天写作了一曲《魔王》，同时抄写了一份谱子，寄给了歌德。当时歌德没有把舒伯特放在心上，连一封信也没回，直到晚年，歌德在一次音乐会上听到女高音歌唱家德天里昂故人演唱这首歌后，为之感动，他长时间热烈鼓掌，眼泪不禁夺眶而出。然而，此时作曲家舒伯特已离世两年。歌德对舒伯特为自己的诗歌谱曲的一片情意，已经报答得太迟了。

本来《魔王》这支艺术歌曲很难懂，情趣也不浓，可经这个故事一点拨，学生们从故事中不仅知道作曲家的严谨作风，更主要的是学生明白了要用正确的态度去对待人，用美的心理去欣赏音乐，小小的音乐故事一下就让学生热爱起这支《魔王》的曲子，学生学起来轻松多了。

例二：伴奏

歌唱家狄诺。帕迪拉举行独唱音乐会，伴奏的钢琴家为了表现自己，只顾自己把钢琴弹得很响，甚至经常盖住了歌声，帕迪拉频频向他示意，他却全然不顾，演唱会结束后，帕迪拉跟那位伴奏的钢琴家亲切地握手并谦虚地说：“先生，今天，我很荣幸，能参加你的钢琴独奏会，并用歌声来为你伴唱，特此表示衷心的感谢。”钢琴家听了，窘得答不出一句话来。

这则故事讲完后，学生们哈哈大笑，笑声中明白了伴奏的作用，笑声中对伴奏这种演奏形式有了深刻的理解。

例三：民歌

小调是民歌音乐体裁的一种，小调流传世间久远，如教材中《无锡景》、《沂蒙山小调》、《一根竹竿容易弯》、《小放牛》，每首民歌都有劳动人民的生活故事和生动的传说。

《小放牛》这个小调来源于一个神话故事。

相传河北省有个叫赵县城南理的地方，有条大河名叫洨河，在古代它的水势很大，每逢夏秋两季，大雨来临，雨水和山泉一并顺流而下，沿途又汇合几条河流，形成了汹涌的洪流，因此洨河两岸的居民和来往的行人都感到非常不便。著名的工匠祖师鲁班知道了，在一夜之间就造好了这座赵州大石桥。这个奇迹惊动了“八仙”之一的张果老，他存心要和鲁班开个玩笑，在驴背的褡裢里一边装上“太阳”，一边装上“月亮”，要在桥上走过；同时还约了柴荣推着载有“五岳名山”的独轮车，两人同时行走，鲁班刚把大桥修好，十分得意，便让两人过桥，谁知两人上桥后，桥被压得摇摇欲坠。鲁班一看情况不妙，立即跳下桥去，用手托住桥身东侧，才使两位仙人带着日月和五岳名山顺利通过。从此，桥上留下了几处人们津津乐道的“仙迹”。《小放牛》里所歌唱的就是这一段生动的传说。

在教学《小放牛》这个小调的时候，我首先给学生讲授了这个独具魅力的神话故事，生动有趣的故事把学生的注意力吸引过来了，很好地帮助学生学习了这个小调。

类似的例子还有很多，如介绍莫扎特时，我讲了“神童”的故事；欣赏关东风情这一单元，《风雪爬犁》乐曲描写了东北山区的猎人，乘着爬犁，满载丰收的喜悅，奔驰在莽莽雪原，胜利归来的情景；欣赏《梁山伯与祝英台》小提琴协奏曲时，我首先讲过了缠绵悱恻的广为流传的梁山伯与祝英台的民间故事，这个故事表现了封建制度对青年男女的迫害，歌颂了对封建礼教的反抗精神。最后化为蝴蝶，表达了他们对美好爱情的向往。教育学生刻苦学音乐时，我讲了“滥竽充数”的故事；讲音乐的社会功能时我讲了“四面楚歌”、“一曲解围”的故事等等。

音乐故事之所以能在教学中发挥作用，这是由于青少年活泼、好动，好奇心强，而音乐故事对他们有很强的吸引力。适合青少年学生的心理，满足了他们的好奇心。

形象思维胜过逻辑思维，感性认识胜过理性认识，而音乐故事恰恰是形象思维、感性认识。

在教学过程中寓教于乐，而音乐故事正是这种教学方法的体现。