现代设计之美

现代设计之美（通用12篇）

现代设计之美 篇1

现代设计产生于工业革命后的工业化大生产, 它作为新时代的产物, 和传统设计有着很大的区别, 是一项与大工业化生产、现代文明以及现代社会生活有着密切联系的设计活动, 与社会的发展和人们的生活需求息息相关。设计是融合了科学的理性与艺术的感性、技术美与艺术美融为一体的创造性设计活动, 它是一项整体性很强的规划, 无法剥离其中的任何部分。设计之美不同于自然之美, 也不同于艺术之美, 是多种因素有机统一与协调的结果。

一、功能与形式的和谐

功能与形式的关系, 是现代设计在发展过程中所一直面临的问题, 两者是不可分离的。正如黑格尔指出:“功能是在具体感性形式中显现出来的功能, 形式又是显现功能的感性形式, 功能与形式不可分离, 艺术要把这两方面调和成为一种自由的统一的整体。”产品具备两种基本特征:一是标志产品属性的功能, 二是产品存在的形态。功能即其使用的价值, 是产品之所以作为有用物而存在的最根本的属性。设计并不是单纯的造型, 功能性是产品的一大要义, 而功能又依附于形态而存在。关于功能的探讨, 古已有之, “象以载器, 器以象制”, 是古代哲人对造物形式与功能提出的合理的设计标准和器用思想, 指出形式来自于功能的结构, 而功能需通过形式来承载。孔子云:“质胜文则野, 文胜质则史, 文质彬彬, 然后君子。”这是内容与形式的统一, 反映在设计上, 其实与功能和形式的协调思想实质是相同的。

美国芝加哥建筑学派的领军人物路易斯·沙利文在19世纪末提出“形式追随功能”的观点, 在今天看来, 出发点仍是好的。它是基于当时欧洲对设计功能的关注以及对繁复装饰的不满应运而生的, 对反对当时工艺生产和建筑中的虚饰之风有着重要的积极意义, 也影响着现代设计的发展。而后, 包豪斯又强调“艺术与技术的新统一”, 种种发展纠正了当时过度装饰之风的蔓延, 发掘了物品的功能之美, 创造了简洁明快的设计风格。

然而, “形式追随功能”虽然强调功能的重要性, 却没有排斥其他设计要素, 但这一口号一旦被功能主义利用, 发展成为“功能至上”的过激看法, 则失去了其存在的初衷。功能主义将“形式追随功能”极端化, 把实用功能与装饰放在完全对立的位置, 排斥一切实用功能以外的要素, 是消极、片面的。设计品的存在不仅承载着器具的实用功能, 也承载着情感, 体现着使用者的个性化需求和审美趣味等, 因此, 功能主义灌溉出的冰冷的造型语汇必然会遭到消费者和市场的冷落。形式所追随的功能, 不能狭隘地被理解为物质功能, 如实用性、操作性等, 除此以外还应考虑到诸如情感体验等非物质功能。

另外, 美的概念并不是一成不变的, 设计会随着时代的发展而变化, 当代的设计风格的形成是不断改进的思想观念以及那一时期的社会、经济、科技、审美等的综合产物, 一些口号的提出也必定有其时代背景。在物质匮乏时期, 人们的需求往往以低层次需求为主, 重视产品的物质功能, 而在经济发展之后, 社会的总体需求则逐渐转变到产品的非物质功能, 人们在现代的高度机械文明时代, 更希望能在人情味的唤回中得到休息。一些将功能或是形式任意一方走向极端的设计, 都是与设计之美背道而驰的。正如唐纳德·A·诺曼在《设计心理学》一书中指出:设计人员一不小心就会陷入两种致命诱惑, 即“悄然滋长的功能主义”和“陷入误区的外观崇拜”。1

威廉·立德威尔在《设计的法则》中有“美观实用效应”这一法则, 指出美观的设计看起来更好用, 使用几率也更高, 而不美观的设计, 接受度往往不高。“美观的设计更能促进正面态度的形成, 而且人们会更愿意容忍美观设计的缺陷。”2产品是消费者满足自身需求的一种媒介, 而人的需求是多元化的, 并不仅仅局限于物质方面。设计作为造物手段, 目标是为人服务, 满足人的全面需要, 因此当设计进入人们的生活, 其功能一定是综合的而不是单一的, 满足人们的情感需求、社会需求, 给人以精神上的愉悦和享受等等, 也是功能的一部分。

形式与功能是不可分割的, “形式追随功能”有其正确性, 可作为设计美的指导原则, 但也不能当做严格的设计规则, 应该根据具体情况大胆取舍, 协调好功能与形式的关系。华而不实、过度装饰不是好的设计, 然而只重视实用功能却忽略了外在形态的设计也会显得粗陋, 只是冷冰冰的、没有个性的物件。设计应是精神享受、情感体验与实用功能紧密结合的, 功能与形式之间, 没有严格的孰轻孰重与主次之分, 而是相辅相成的统一体。总而言之, 设计品要达到功能与形式的和谐统一, 也即“有意味的形式”, 才不失为一件美的设计。

二、“度”的合理把握

设计的过程, 涉及到各种“度”的把握, 如何进行选择、取舍、平衡、协调, 贯穿设计活动的始终。“度”会以外显与内隐的形式存在于可视、可触、可感的多维物质形态之中, 上文所述的功能与形式的和谐, 实质上也是一个需要合理把握“度”的问题。

生理层面的尺度, 即人机工程学, 它建立在大量的实际测量和科学实验基础之上, 把人、机、环境系统作为研究的基本对象, 使在设计中能够充分考虑人体的各种尺度, 达到人与物的和谐并创造出最舒适的环境。

最初的人机工程学是以人的物理量度为出发点的, 而后从“人体尺度”发展到“人的尺度, 更多关注人的情感需要, 从生理尺度发展到心理尺度、情感尺度。另外, 功能美、造型美、结构美、材料美、技术美的审美维度的把握, 也在不同层面影响着设计活动。尹定邦先生说:“在几乎所有的设计类型中, 最基本的技术因素和形式原则便是尺度和比例。”

举两个很简单的例子来说, 一是铅笔的设计, 六边形的截面必然有它的道理。如果是圆的, 则铅笔易滚动, 掉落于地使笔芯折断。若是三角形或四方形, 那么握笔时手就会痛。六边形是一个恰恰好的“度”, 不但使得铅笔不易滚动, 还满足人体工程学, 持握舒适, 在技术上又左右对称, 便于生产。另外, 我们所用的纸在尺度与比例上也是有讲究的, 方形是为了不浪费材料, 而纵横比被设定为2:1, 使得纸张不管对折几次, 纵横比都保持不变, 这也是尺度的把握。

建筑师阿尔帕蒂在他的著作《论建筑》中说:“美即是各部分之谐和, 不能增一分, 不能减一分。”又说“美是一种协调, 一种和声。各部会归于全体, 依据数量关系与秩序, 适如最圆满之自然律‘和谐’所要求。”现代设计中的那些富有表现力的形式运用温和而人性化, 注重人的情感体验, 不多不少, 如点缀的音乐, 驱散了阴冷的静寂, 却也压制了过多的噪音。

古人有句颇有见地的谚语, 即“多样悦人”, 是指很容易被感知的图案会让人觉得单调乏味, 多样性则能使人愉悦。“审美经验方面的一个最基本事实, 即审美快感来自于对某种介于乏味和杂乱之间的图案的观赏。单调的图案难于吸引人们的注意力, 过于复杂的图案则会使我们的知觉系统负荷过重而停止对它进行观赏。”3如果没有规则中的不规则, 则只会给人又硬又冷的感觉, 在乏味与杂乱之间把握一个度, 才能体现设计之美。

然而, 装饰的度在设计发展的过程中, 不断地演变着, 也有颇多著名观点提出。如密斯·凡·德·罗提出的“少即是多 (Less is More) ”, 即主张美存在于朴素的高雅。阿道夫卢斯指出“装饰是罪恶的”, 而罗伯特·文丘里的“少则生厌 (Less is a Bore) ”则是对极简派设计现代主义思潮日益深入人心的反省。如上文所说, 每一个口号的提出都有其背景, 关于装饰的度, 与功能和形式的关系探讨, 实则是一致的。某一设计难题可能会有多种解决方法, 但最为优雅的解决途径则是相对用料更少、更简洁, 却不失功能的那一个。然而我们要意识到, “少即是多”并非是粗枝大叶, 简洁和单纯也并不是简单和单一。在保证功能的前提下, 装饰成分是可以节制的, 而如何把握节制的度便是考验一个设计师是否成熟的标尺了, 若是过分简单化则又毫无兴致, 成为“少则生厌”。如何减少过剩元素, 达到美的实现, 这种对限度的感觉也是我们应该推崇的品味。如唐纳德·诺曼对好设计提出的三个目标:简约、多用、满足, 形式上的简约也并不是唯一标准。协调处理好设计品的各个关系, 把握好其中的各种“度”, 才能真正体现设计之美。

除了这些外显的“度”外, 还有内隐的“度”, 如设计伦理。设计的核心是“以人为本”, 达到人与物的和谐, 人机工程学是技术层面的, 而设计责任、设计使命却是蕴含在设计表象下的价值观问题。科技的发展若运用不好也会带来弊端, 若设计只重利益或是一味满足人的物欲而忽略了人类与环境的关系, 只能对人类发展带来不利。必须把设计放在合人类发展目的性的位置看待, 从社会伦理中体察设计之美, 形成设计伦理观, 推行绿色设计、生态设计, 将设计运用到有益于人类生存发展的方向上, 为人们创造更合理的生活方式。

三、融入文化语境与日常生活

设计是文化的一种载体, 是文化的外在表现, 设计风格也必然受到文化的影响, 设计的文化层面的美感也是设计之美的重要部分。某种意义上来说, 设计也属于一项社会文化活动, 不同的社会文化所具有的不同精神风貌和心理结构, 以及价值和审美观念, 均对设计的产生与发展起到了不可忽视的作用。纵观世界设计史, 每一个时代的设计无不与当时的社会文化紧密联系在一起。一个时代的文化氛围, 是那个时代设计发展的土壤;一个时代的设计, 又反映出那个时代的文化面貌与特征。

文化理念对设计演变有着深刻影响, 另外, 设计也会因文化差异而有所不同, 且不说东方与西方间的设计区别, 中国与日本也是各自有民族特色的。维克多·帕帕奈克在《为真实的世界设计》一书中提到:只是把各种各样的物品、工具和人工制品从一种文化挪到另一种文化中, 便希望它们在其中起作用, 这是不可能的。具有异国情调的装饰品和艺术品可以通过这种方式进行转换, 但是它们的价值似乎明确地依赖一个事实, 即它们是异国情调的——换句话说, 是在一种不相同的语境中观看而获得的。4每种艺术作品都属于它的时代和名族, 社会生活中的文化诸要素构成了设计的生存语境。设计与文化这两者是紧密结合的, 文化是设计的源泉, 也是其内涵, 设计是无法从文化语境中剥离的, 若照搬不同语境中的设计则会不伦不类, 正如日本的榻榻米无法完美地在西方生活内和谐存在一样。

我国有着悠久、深厚的传统文化, 为现代设计积累了深厚的文化土壤, 而我们手中握有文化的大量积累, 就该将其充分利用到创造设计之美中去。而且在现今这个设计多元化的时代, 文化的融合体现在生活的方方面面, 因此与世界其他各民族的文化交流和渗透也是设计创新的不竭动力, 这与保持民族自身文化特色是并不冲突的。现代设计与传统文化融合, 与外来文化融合, 都是能更好地发挥设计美的方向。

除此之外, 就是与生活相融合。美是深深扎根于文化和生活的, 而并不是仅仅局限于欣赏。原研哉说设计“不单单是创造的思想, 还是通过物品探寻生活和环境本质的生活的思想”。“人活着就有环境, 一点点去发掘交织于环境中巨大的智慧积淀的过程, 就是设计的妙趣所在。”5设计的无尽可能性不仅是在新科技、新技术、新材料中, 也饱含在我们日常生活的普通环境里。有时不必刻意追求新奇, 就在这样的文化语境中, 在我们的日常生活中, 使人重新发现熟悉中的未知, 这种感觉也同样充满创意。6可以说, 用设计来唤醒人们对文化、对生活的进一步认知, 美化我们的日常生活, 也是设计美的所在。

摘要：现代设计产生于20世纪初。设计的美学力量是令人惊讶的, 文章从功能与形式的关系、设计中的“度”、文化的融合以及美是生活的产物这几个方面, 对现代设计中的设计之美进行阐述。

关键词：功能,形式,尺度,文化,日常生活

注释

11.唐纳德·A·诺曼.设计心理学[M].中信出版社, 2003:178.

22.威廉·立德威尔.设计的法则[M].辽宁科学技术出版社, 2010:18.

33.贡布里希.秩序感——装饰艺术的心理学研究[M].湖南科学技术出版社, 1999:10.

44.维克多·帕帕奈克——为真实的世界设计[M].中信出版社, 2013:17-18.

55.原研哉——设计中的设计[M].广西师范大学出版社, 2010:438.

66.罗伯特·克雷.设计之美[M].山东画报出版社, 2010.

现代设计之美 篇2

“叮叮，叮叮”，

水滴拍打着冰河。

发出清脆，即爽的声音，

在黎明的矫醒前，

你会被它那清澈的蔚蓝保护色所吸引。

静看着雪，

融化在冰河上。

带着炽热的心。

沁入冰河，

落叶—秋，。

陈年的叶。

带着一丝秋风落下，

隐隐的一幕泛黄，

到别有风情。

”咻”，

听，

那是风的声音。

潮湿的天气，

充满着惬意，

沙漠—夏。

饥荒的沙漠，

流露出金灿灿的沙粒，

配合太阳的震响。

似乎无时无刻都有暴风雨的降临，

到处都是可怕的欲望，

饥渴的埋怨，。

夏天的沙漠

是汗水，

是把太阳描写的可怕的季节，

树丛—春。

露珠从叶上滑落，

动物与人们在树下乘阴，。

一个充满生机的树丛

似乎所以都重新开始，

不时来的几场春雨，

使整个春天都是潮凉的代言。

不时传来几声鸟叫，

在说，

现代设计之美 篇3

【关键词】线条之美 现代包装设计 运用研究

1 敦煌壁画的线条之美

我国古代艺术家在造型方面一直以线为最基本的造型手段，“线条”被他们赋予了生命和精神。敦煌壁画作为我国艺术的发源地和聚集地。在各代的壁画艺术表现方面都大量地使用了“神奇”的线条；之所以称之为神奇主要是在数以万计的壁画人物形象塑造方面，都以富有变化的和超强表现力的线条完成。

所有的壁画造型都采用不同长短、粗细、深浅的墨线，塑造了一座座静穆、慈眉、智慧、威猛可畏的佛、菩萨、金刚等出神入化的形象神态。例如，盛唐时期的敦煌壁画“反弹琵琶”，运用线条塑造了一位体型优美典雅的舞者形象，将女性的身姿构画的无比优美和谐，尽显人体的S形曲线之美，成为整幅作品的核心。下面笔者通过四个方面概述一下敦煌壁画的线条之美

1.1 线条具有形式美法则

所有人物、故事和环境都以“书法性”的线条完成，用笔完成了起笔、行笔、收笔。每笔的藏锋露锋，提按顿挫，或疾或徐，或轻或重都会彰显线条的节奏感；每幅画面上的线条长短搭配，粗细结合，疏密得当，虚实相生等富有韵味，最终构成了整幅作品的韵律感。

1.2 线条具有整合性

线条虽然把画面分割成了若干个块面，但是线条又像人体筋脉一样把每一个局部连接整合在了一起。让自己发挥媒介的作用，把画面的既丰富又统一表现得淋漓尽致。

1.3 线条具有空间性

敦煌壁画的墨线和颜色的交相辉映，以及画面故事情节的构成形式，营造了一个如真似幻，虚实相映的画面，摆脱了在自然空间和视觉上的局限性，最大限度地扩大了壁画在表现方面的时空自由度。

1.4 线条具有艺术性

线条的艺术性是指墨线具有装饰性和表现性。装饰性具体表现在黑色线条和红色线条的搭配，以及赋色后的“复钩线”具有的强烈视觉效果。表现性具体为墨与色、线与面等相互之间形成的富有微妙变化和具有协调统一的独特美学意义。

由此可见壁画的线条在创作时期创作者就赋于线条以“独特的艺术语言和生命”。

2 敦煌壁画的线条与现代包装设计的联系

随着我国经济增长的日益加速，中国现代包装设计正在面临机遇和挑战，最主要的目的是达到经济效益的最大化。为了实现此目的，首先要最大可能地做到技术的真正应用与落实。其次是挖掘潜力，也就是“一手伸向传统，一手伸向现代”。这是包装设计的文化属性决定。而学习传统就是设计出具有我国传统文化韵味特色的现代包装设计。敦煌壁画的线条之美在中国包装设计中的运用，不但正好继承、弘扬了传统文化韵味，而且也巧妙地和恰当地将文化的传承性与壁画艺术的创新性完美地结合起来。一方面体现了民族壁画艺术的线条之美的艺术性和精神性；另一方面也准确地和有效地反映了我国商品经济的发展，展示了我国现代包装设计艺术的继承性和创新性的水平。

今天，运用壁画的线条之美作为包装设计创作元素的作品大量涌现，我们要理性地看到成绩也要认识到一些问题。我国现代包装设计需要走“异质化包装路线”，今后如何更好地利用敦煌壁画的线条之美，利用丝绸之路经济带来积极主动地推销自主品牌，向世界宣扬企业的品牌文化理念，这才是我国包装设计要选择的成功之路。

3 敦煌壁画的线条之美在现代包装设计中的运用研究

利用丝绸之路经济带形成的一个新的经济发展区域，让自主品牌展现超强的竞争力，因此时代需要有中国特色的包装设计。加强对敦煌壁画的线条之美在现代包装设计中游刃有余地应用，有利于我国商品经济的长远发展。

敦煌壁画线条的审美特征是如何运用到中国现代包装设计当中来的，我们可以通过以下几个方面了解。

3.1 运用壁画线条具有的打散重构性

现代包装设计中的造型形式呈现的设计感和强烈的视觉冲击力是通过运用壁画线条的打散重构组合而成，是对壁画线条的完美运用和深化。这主要是因为形态构成学可以将线条打散重构，包装设计师利用传统壁画的线条作为设计元素，精心的构思，全力的物化产生极具民族性、时代感、材质美的视觉效果。

现代包装设计突出外观造型的独特性和艺术性。例如，丝路花雨酒的包装设计就是运用敦煌壁画人物形象的线条之美，让消费者对该产品有了深刻的认识和感受。

3.2 运用壁画线条表现出的疏密性与虚实性

壁画的线条具有疏密性与虚实性。壁画线条可以提炼元素也可以塑造形象，对整个版面起到统筹安排和整体布局的作用，运用壁画线条表现出的疏密性与虚实性的章法构成技巧就会给消费者一种创新感与节奏感，让消费者具有更多的兴趣和消费意愿。例如，现代包装设计中对线形字体的使用，体现的是一种秩序感和形式美。字体线条表现出的疏密性与虚实性将繁缛与简约，强烈与柔和等所有元素交融于一体，在包装版面上完美地呈现出来，让壁画线条的内韵在现代包装设计上大放异彩。

3.3 运用壁画线条构成装饰性

壁画的线条具有强烈的装饰性，这是壁画的表现手段，更是壁画的根本属性。将壁画线条的装饰性作为一种设计元素融入到现代包装设计，突出的表现为包装版面对空间构成产生的视觉冲击力。另外，壁画的线条自身也具备个性化的装饰特点。运用壁画线条可以突破保守、乏味的包装版面设计，传递更加强烈的设计魅力和感召力，增强商品的竞争力。

例如，在现代茶叶包装设计中为了展现我国“茶文化”的博大精深以及出于视觉传递的形式美感的需要，包装设计师大多会对组合过的线条进行图形纹样处理，以求得独特的视觉效果和深邃的文化韵味。现代包装设计一边继承传统设计元素，一边创造性地吸收借鉴其他视觉设计元素，必将创作出众多构思巧妙的设计作品。

3.4 运用壁画线条塑造形象的具象性与抽象性

敦煌壁画的形象往往是创造者结合现实生活想象、对照写生出的形象，这些形象就具备了具象性与抽象性。例如，壁画中的“供养人”是对捐资者的如实表现，他们是运用线条塑造的具体形象。运用壁画线条塑造形象的具象性，我们可以在食品包装设计时具体真实地描述产品形象，以免让消费者对商品信息产生误解。

壁画中最主要的佛、菩萨等都是通过线条语言来表现创造者的非凡想象力，线条传递的是创造者对创意构思的理解和表现技术，由于没有范本可参照，表现的常常是抽象的形像。在现代酒类包装设计中可谓深入挖掘，巧妙构思。以高度抽象性的包装设计对各类酒有了明确的指向性。

3.5 运用壁画线条表现出情感性与象征性

敦煌壁画的线条在塑造每个形象时，为了追求造型的准确和神形兼备，艺术创造者将自己对艺术的体验和感悟通过线条表达出来，给每一根线条赋予了思想、情感等。最大限度地发挥了线条的表达功能，最终描绘出无与伦比的敦煌壁画宝库。另外我们会被创造者在线条表现中传递的精神所折服，尤其是线条带有创造者的一丝不苟的品行和独特的审美趣味。而这些恰好是当代包装设计师们缺失的东西。

总之，线条是现代包装设计中的一个关键元素；是造型和艺术特征表达的重要组成部分；更是传达商品信息不可或缺的主要视觉元素。敦煌壁画的线条之美在我国现代包装设计中的运用，已成为当代任何一个企业精心打造品牌形象具有超强竞争能力的重要一环。

结语

通过敦煌壁画的线条之美在我国现代包装设计中的运用研究，我们最终希望我国能够构建一套具有民族特色、具有国际化竞争实力的现代包装设计表现体系，真正实现现代包装设计理念、文化审美、艺术表现和经济需求的和谐发展，最终呈现的是具有中国发展特色的、民族性的、个性化的、良好识别性的和易读性的我国现代包装设计发展之路。

参考文献

[1]段文杰.敦煌石窟艺术论集[M].甘肃人民出版社，1988.

[2]刘西莉.包装设计[M].清华大学美术出版社，2007.

论趣味、时尚与现代首饰设计之美 篇4

现代首饰作为现代服饰的重要组成部分, 它主要佩戴在人体着装的几个最引人注目的部位, 起着重要的点缀作用, 形式美感强而又是佩带恰当的首饰有整体着装的画龙点睛之妙, 它不仅能够映衬出人们着装之灵气, 也突出地反映了佩戴者的审美品位和时尚特征。由于, 现代首饰既没有像服装一样的保暖和遮羞等实用功能, 而随着现代文明的到来, 人们佩戴首饰也不再受宗教信仰和拜物图腾以及传统礼仪的严格约束, 以及随着社会的逐渐富裕, 人们的消费能力得到了普遍提高, 佩戴首饰已不再是社会等级和财富的象征。现代首饰因此而摆脱了重重思想枷锁, 成为了纯粹意义的时尚和休闲饰品。

二

现代首饰作为现代时尚商品, 与现代社会文化、流行时尚、消费观念和审美趣味始终紧密相连。首饰是人类装饰和美化自身的艺术, 装饰和美化的目的就是为了引人注目, 因而首饰天生就具有社会时尚中最典型且最普遍的审美特征。而时尚是一种非功利性的自由选择, 它既不同于法律、也不同于风俗, 不受法律制度或道德原则约束, 不符合时尚的行为一般不会受舆论谴责, 但它多表现为由审美趣味支配, 使时尚具有一种无形的压力, 强制人们去投入到它的行列。由于趣味具有效仿性, 因而, 它虽是个人爱好, 但其中也包含了社会的共同化要素, 在一定程度上反映了精神文化要求的一致性。伽达墨尔说:“最紧密地与趣味相联的现象就是时尚。”[1]时尚, 作为一种社会潮流, 它反映着一定时期内人们对精神文化的普遍要求, 这种要求具有普遍性和时段性, 它在一定时期内对社会成员具有很强的吸引力, 生活在社会中的每一个人, 都有追求趣味的天性, 亦即追求良好社会时尚的天性, 因此, 作为时尚产品的首饰, 在设计上是否符合当代人的审美趣味, 能否反映出消费者的审美趣味是设计的生命力所在。

正如斯蒂芬·贝莱所说“趣味是设计最人类化、最直接、最能引人注意的因素。”趣味是使首饰佩戴者和欣赏者感到心身愉快、感到有意思、有吸引力的特性。首饰设计的趣味就是设计品位的选择。首饰作为一个人的外表装饰物, 在一定的程度上, 向人们所展示的是一个人的精神面貌、趣味爱好、性格个性和审美修养, 其本身就应该具有趣味这一特性, 任何人选择和佩戴首饰都希望从中获得美感, 寄托自己一定的情感, 展现自己的个性魅力。从心理学角度来看, 有趣味的东西最具有吸引力, 也最能表达情感, 没有谁不愿意接受趣味事物, 就像没有谁不愿意接受美的事物一样, 对美的追求就是对趣味的追求。正如梁启超所说的“趣味是生活的原动力”。[2]朱光潜也认为, 美是心借物的外形来传达情趣。“因为艺术是情趣的表现, 而情趣的根源就在人生。”[3]因此, 首饰需要反映人们的生活情趣和追求, 它不仅是人类的物质产物, 同时也是人类的精神产物。首饰作为物质产物起着美化人的外表的作用, 作为精神产物寄托着人们对美好生活的追求。例如, 非洲赤道地带粘粘部落的黑人认为狮牙是最美的饰物, 这反映了狩猎民族的生活趣味。而我国古代的福寿首饰, 则反映了幸福长寿, 子孙满堂的生活趣味, 龙凤首饰, 则体现出当时人们对龙凤图腾崇拜和权贵的向往。结婚定情首饰, 则寄托了幸福长久的美好愿望。每个人都根据自己的兴趣和需要去选择产品, 没有任何产品的选择不体现消费者的趣味。

三

首饰的审美趣味具有明显的时尚性。首饰流行与否总是受到流行时尚的影响, 是因为人们审美趣味在不断的变化, 时代变了, 人们的志趣和追求在发生相应的变化, 人们对首饰审美要求也会随之发生变化。在同一时代, 由于人们的生存环境, 文明程度, 生活追求的大致相同, 所以人们对美的认识与追求也大体相近。因此, 一个时期内的首饰设计, 如果符合了人们普遍的趣味和追求, 那么, 人们就认为它是美的, 就会流行, 如果没适应这个时期人们的趣味范围, 人们就不会接受, 更得不到认同。某一类型的首饰如果在一定时间和地域流行, 就会形成一种设计风格, 这种设计风格就会成为一种时尚。因此, “时尚是风格的普及化, 其实也是设计风格的高度商业化阶段。”[4]

随着人们生活水平的不断提高, 以及社会意识的改变, 文明程度的进步, 人们对生活的追求发生变化, 人们对于时尚首饰设计的主题思想要求也必将随之发生根本的改变。当代的社会随着科技的发展, 电脑网络, 信息传递导致了人们的生活日渐远离自然而人工化、机械化, 人们的内心就更深地向往自然, 在心灵深处希望得到一些抚慰和安宁, 这种情绪在首饰设计中得到了直观流露。所以, 二十一世纪初首饰设计出现了两种并行不悖的时尚潮流;一种是追求新潮, 与时代脉搏一起跳动, 在这类首饰设计中宇宙星体造型和抽象几何造型特别多, 这些造型的流行, 反映了人们推崇新奇浪漫和超越的生活趣味;另一种是追求传统风格而提倡“返朴归真”和“回归自然”, 而这类首饰设计中仿生花草的造型比较多, 这些首饰造型的流行它反映了人们厌倦了城市生活的浮华, 对乡土风情生活趣味的美好向往。[5]

人类的生活方式和生活环境在不断的发生改变, 世界各民族的经济、文化、艺术在不断地交流和融合。文化的复杂性和交流的频繁性, 使人们的审美趣味也变的多样性, 如何设计出符合现代人们审美趣味的首饰, 成为了首饰设计师所要面临的最大挑战。要迎接这一挑战, 首饰设计师必须深入生活去了解人们的志趣和追求, 在设计中注入美好的趣味追求, 这样的首饰设计才有生命力, 才能得到人们的喜爱。“如果首饰设计师们能够着眼于制作更多的有趣味、有创新和能佩戴的首饰作品, 那么, 首饰就不仅仅是财富的象征及装饰的物品, 它还可以成为富有一定内涵的感动人心的艺术品。”[6]

首饰设计师既是趣味和时尚的制造者, 也是趣味和时尚的引导者。任何一个希望自己的产品能够引起人们注意的设计者, 都试图引导和参与公众的趣味, 并以高品位的优秀设计引导时尚潮流。

四

现代首饰作为时尚性的情趣饰品, 审美趣味的变化直接影响着首饰流行时尚的变化。优秀的首饰设计也必然要反映出一定时期内人们的志趣和追求。所以, 首饰设计应不仅要满足人们追求美的目的, 同时要在设计中注入良好的审美趣味, 藉之提高人们的审美品味, 激发人们美好的愿望和人生志趣, 为社会营造一个文明、健康、高尚的服饰文化氛围, 亦是设计师义不容辞的责任和使命。怎样在首饰设计产品与消费者之间建立起有效的交流关系, 怎样在首饰设计和消费者的趣味之间寻找中介关系, 则是当代首饰设计和制作应当给予高度重视的问题。

摘要：首饰的审美趣味具有明显的时尚性。首饰设计师既是趣味和时尚的制造者, 也是趣味和时尚的引导者, 当代首饰设计师应以高品位的设计引导时尚潮流。

关键词：首饰,趣味,时尚,美

参考文献

[1]李泽厚, 汝信.美学百科全书[Z].北京:社会科学文献出版社, 1990:219

[2]梁启超.趣味教育和教育趣味[M].北京:中华书局, 1981

[3]朱光潜.谈美[M].合肥:安徽教育出版社, 1997:146

[4]王受之.产品的故事[M].北京:中国青年出版社, 2005:p15

[5]王志成.现代首饰设计的审美情趣及主题探讨[J].超硬材料工程, 2005 (05) :56-58

现代与古典之美 建筑摄影技巧谈 篇5

我们已经习惯了生活在钢筋混凝土铸成的“森林”中，既然我们没法改变它就改变我们自己的观念好了；自然森林虽然令人心旷神怡，但人类建造的水泥“森林”其实也别有韵味。建筑物往往都能体现当地的民族风俗、科技含量和特殊功能（如桥梁、教堂）等等，所以说拍好建筑物不仅仅是保证画面的垂直、不变形，还要体现出建筑物的内涵才算是一张完美的照片。

建筑摄影是一个具有广泛拍摄对象的领域，它包括现代科技发展水平的高楼大厦、广场桥梁等等，也包括传统风格的宗教建筑、城堡别墅、桥和水坝等等。当然还包括室内设计装饰等等。建筑摄影主要是为了展示建筑物的规模，外形结构以及建筑物的局部特征等。其拍摄的特点是，被摄对象稳定不动，容许长时间曝光。另外，还可自由的选择拍摄角度、时间等客观因素，运用多种摄影手段来表现对象。

下面我们来欣赏一下从互联网上采集的一些经典的建筑摄影，下一页我们再来讨论详细的拍摄方法。

CanonEOS20D&Sigma15-30mmf3.5-4.5

NikonD70 &18-70mm

NikonD50&15-55mm 不要一看见好的图片就是单反相机所拍摄的，民用级数码相机照样能拍摄出令人刮目相看的照片，只要我们掌握技术和多动脑想想，你的照片也会成为别人模仿的对象的。

声明：本文采用了一些经典的风光摄影作品作为范例，相片均选自互联网。

★建筑摄影之现代篇

现代建筑物主要的特色是技术含量高、外观靓丽、多功能一体化等等。所以我们拍摄的时候要尽量体现出它出彩的一面。

如果建筑物的内外空间都很拥挤，那么广角镜头（有时是移动镜头或透视调整镜头）对于在画面中囊括所有的被摄物，将起非常重要的作用。通常情况下，建筑物的一个细节或一个突出的特征往往会吸引你的注意力，为了记录下这一细节或特征，长焦镜头可能有助于你解决问题。

CanonEOS300D&70-200mm 上图体现了建筑物“高”的特征，毕竟往往高的建筑都是引人注意的，也从另一方面体现出此建筑的技术含量。此片没有从低端往上仰拍，而运用低云来体现它的高，这也正是因为建筑物是静止不动的，所以客观因素造就了拍摄的成功。

NikonD70&18-70mm 上图主要体现了现代建筑的艺术性元素，建筑已经不仅仅局限于是一座“房间”的单一功能，有的甚至成为当地的地标性建筑，给旅游业也可以带来可观的收入。

Nikon5700 现代建筑不仅有技术方面的、艺术方面的、还有功能方面的，新型的工业建筑群虽然给我们的环境带来了污染，但也是生产生活的必然产物，相信有不少人都很欣赏这种工业之美。

★建筑摄影之古典

古典建筑摄影，其实主要拍的是他的典雅这个方面。古典建筑其实因为年久失修大多都光彩不再艳丽，但古典艺术气息在细节上有很好的体现，拍摄古典建筑的细节可以说是一个拍照技术的捷径。

有时为了烘托古代建筑的氛围，光的运用就更加重要。针对你想突出的要点，细心地观察光线如何才能发挥作用。直射光的照射角度是否在你想了解的细节上投上了阴影？或者你是否认为那些阴影在画面中起着积极的作用，形成了有趣的明暗图案？如果建筑物的某一侧光照不合适，那么另一侧也许会好一些，或者你也许不得不换一个时间回来拍摄。在拍摄建筑物时，天空感是一个重要的条件。晴朗的天空或有暴风雨的天空可能产生戏剧性的画面，但应尽可能避免在阴暗的天空，极端的天气情况，比如薄雾缭绕或灰雾蒙蒙，可以给画面增加新的内容。

CanonEOS5D&Sigma28-200 泰姬陵我想谁都知道，拍摄泰姬陵我想也谁都能从这个角度去拍，之所以它不同于其他之处就在于阳光和晨雾的运用，让它在我们的眼中又增加了一丝的神秘感。

CanonEOS10D&100-300

OlympusC-2100UZ 古典建筑不仅仅是名胜古迹，当地的流传已久的风俗建筑特色，也是拍照的好素材，通常最能体现当地特色的建筑物莫过于普通大众住的民居了。有些民居因为不连贯，整体性不太好，我们也可以拍摄它的局部来体现当地的风俗特色，有时我们觉得身边的建筑没有任何可拍之处，我可以负责任的告诉你，你已经审美疲劳了。

CanonEOS350D&70-300mm 觉得古典建筑太死板？太陈旧？让我们等待暴风雨的来临吧！虽然我们不建议在雷暴天去拍照，但能照出上图的效果着实让人兴奋不已，还是那句老话，建筑物自己不会动，排出什么样的效果要看摄影师们的把握了。毕竟这种戏剧性的画面不是谁都能碰上的。

★建筑摄影之桥梁

“一桥飞架南北，天堑变通途”。桥梁在有河流的城市中的作用是举足轻重的。桥梁的拍摄也属于建筑拍摄的另一个分支，桥梁的线条可以作为很好的引导线来帮助关注引入画面，从而达到摄影师们的目的。不仅是桥类，大多数建筑物，都具有不同的角度、不同的表面、不同的姿态和不同的特点供照相机拍摄，当你绕着感兴趣拍摄的建筑物四处走动时，请仔细观察视线上下建筑物的细节，发现建筑物所呈现出来的流畅和协调的特性。与此同时，还应观察光线照射建筑物的角度，判断何时光线对画面最为理想。不同集中的镜头，焦镜头的焦距调整可以明显影响建筑物的外观。

CanonEOS10D&未知镜头

上图利用桥体作为引导线，让观众的目光很自然的移到画面左侧的繁华都市，前景的桥柱也能很好的体现画面的纵深感。

NikonFM2&未知镜头

大桥往往是最容易成为历史景观建筑物之一的，通常它也同时隶属于古典建筑摄影这个范畴，但是大桥并不会应为宣布为“名胜古迹”而停止它的作用，所以拍摄大桥无论是从大的整体还是大桥的细节来拍都是很不错的拍摄点。

NikonD70&未知镜头

能从大桥的这个角度往下拍需要很大的勇气才可以。远处的迷雾也给大桥带来了神秘的色彩，而桥上的汽车则很好的充当了参照物的角色，大桥的宏伟得以很好的体现。

★建筑摄影之室篇 其实室内摄影也应该叫建筑内摄影，很多建筑物外观看起来很普通，里面却别有洞天，因为室内拍摄和外界的天气已经完全隔离，所以室内摄影有一个最大的问题就是——光线。

在室内拍摄建筑物的内部装饰时，若现场光线过暗，可使用三脚架进行长时间曝光。对于狭小的室内照明（或大房间的小部分），手持式闪光灯非常有用，但同时要长时间曝光，而长时间曝光又需要配备三脚架或别的照相机稳定装置。所以室内拍摄最重要的就是一个字——稳。

CanonEOS1Ds&未知镜头

FujifilmFinepixS9500 螺旋状的楼梯可以很好的抓住观看者的目光。来引向相片的最深处。室内摄影相对简单，只要保证你有过一个三脚架，一般构图满意的话拍出来的片都是你想要的结果。

NikonCoolPix5700 大型的建筑物通常内部的装饰也很宏伟，只要光线运用得恰到好处，保证画面的清晰不模糊，拍出好的照片来不是难题。

总结：

混搭中式的现代惊艳之美 篇6

让传统中式风格更贴近现代人的生活习惯和审美品位，我们需要略施小计以求惊艳效果。最简单的方法便是通过家装的色彩运用和布艺的材质搭配来调动中式风格的情绪表达。另外，借由改善空间的结构层次来加强中式空间的现代味道，在多种风格混搭的空间中，中式元素贯穿始终，其特有的“禅味”散发出的意蕴绵延扩展……

本案设计风格，设计师定位为现代+中式元素的混搭风格。崇尚自然环保主材，采用实木原材、局部装饰造型，家私以现代风格为主，辅助中式元素装饰手法及现代饰品摆件，营造舒适的人文居住环境气氛，突出设计之特色。

本套居室的设计意图是让空间显得通透、干净和纯粹，让居室在某种意义上获得更大的空间。所以在前期的户型分析上做了一些调整。

此户型的原有结构有几个问题：

入户走廊较窄，没有入户鞋帽给的位置。

厨房较小，不适合现代人的生活习惯。

次卫面积小，使用不方便。

主卫进出方式不合理，导致衣帽间太小。

因此本案的设计在户型结构上作了适当的调整：

拆除次卫生间与入户走廊、主卧室相衔接的非承重墙，缩窄了主卧室走廊的宽度，减少了浪费面积，增加了入户鞋帽柜；次卫生间单独淋浴区。

拆除了书房与厨房之间的非承重墙，从新做了分割，一半为厨房增加了冰箱及冷餐操作区，另一半在书房增加了一个暗藏式收纳柜，以解决家居的收纳问题。

拆除西侧阳台原有的门联窗，采用碳化板作为墙面装饰，改造成餐厅的休闲区，以扩大整体空间的延续性。

在材料的选择与颜色的运用上，也相对单纯。水曲柳罩色擦银与仿皮革装饰的大面积运用，带来了空间的大气与宁静感。灯光处理上则采用了区域点光源装饰，主光源为辅的手法。

为了使空间不至于单调，在细部上也进行了着重的处理。整体空间既有统一，又有变化。这种变化赋予空间情趣感，例如入户走廊因为空间较窄，木质颜色较深，所以墙面上采用了大面积的暖色仿皮革软包装饰，地面也采用了以浅色仿大理石砖为主的铺贴方式，通过以上浅色柔和材质与深色木质的对比，使改造后的走廊既有实用功能，也给人感觉高贵大气，而不是拥挤的感觉。

客厅与餐厅因为在一个区域，而餐厅的一面墙又有两个房间门，稍显凌乱，所以将两个房间的门做成了造型隐藏门，朝向客厅的一面被做成了红色布纹软包，与墙面的米色仿皮革、地面的黑色串边形成对比，既有功能上的意义，又让视觉得以变化，空间更显多变。餐厅则是采用居中摆放的方式，上方的吊顶为圆形石膏板顶，取天圆地方之意，原始顶面镶嵌了一组木质雕花刷白处理，以中式元素为基础并按照现代风情改良的白色雕花，与白色玻璃的圆形餐桌共同勾勒出一个充满文化情调，但又不失时代气息的温和空间。而且原来墙面上的暖气也改到了两组酒柜的中间，用镂空的实木雕花做了隔挡，既有功能作用也有装饰效果。

客厅因为是一个异型的房间，所以通过顶面的石膏板吊顶做成了一个长方形，并在原始顶上压了一圈带有中式元素的回龙格装饰，进行了空间调整，从视觉上尽量淡化房间异型的感觉，影视墙则采用了隐有山水感觉的天然爵士白大理石，以迎合中国的风水之意，并与地面浅色仿大理石砖进行遥相呼应，与沙发墙的啡镜刻花及深色实木雕花形成一个完美的整体。客厅的主视点，精致的白色纯皮沙发，一盏水晶吊灯用布艺围合，为整个客厅空间增光添色。影视墙的银色云纹雕刻，又是那么的相得益彰。环顾客厅，大幅啡色镜面雕刻的荷花，表达的是主人的艺术品位。在这里或是一家人饭后品茗聊天，尽享天伦之乐；或是三五知己谈天说地好不热闹。总之少不了的是亲情友情，感受到的是书香门第。

主卧室背景墙，因为主卫的进入方式已调整，主卫、衣帽间与卧室相接的墙面采用了布艺软包的处理，这使它看起来像一面墙。而两侧的造型，则分别可开启进入主卫及衣帽间，而门闭合时就是一道墙。这种设计，与目前流行的以透明玻璃做隔断的手法也大相径庭，其目的在于使空间更显纯粹，隐匿视觉不雅之处。

主卫生间内部由于马桶位置不太合理，所以通过地面垫高的方式改造了马桶的位置，与洗手台柜、浴缸连成一体，使其空间更加合理，顶面摒弃了现有市场常见的铝扣板吊顶，而采用了防水石膏板与防水乳胶漆进行装饰，以此淡化卫生间瓷砖与卫浴冰冷的感觉，与卧室形成一个完整的舒适空间。

除此之外，本案空间的亮点还在于儿童房，因为房间面积较小，所以在能利用空间的情况下，所有的家具都是采用柔和的青竹面板现场制作的，抬高的地台，下方为储物空间，地台上即可作为儿童玩的空间，也可以作为儿童的床来用，墙面上淡绿色的壁纸与米黄色的家具相谐相融，从中也体现出整体空间气氛的和谐，让空间拥有了淡雅清新的和谐美感与别样情调。

论现代诗歌的音乐之美 篇7

关键词：现代诗歌,音乐美,具体体现

现代诗不受旧体诗的外在形式制约, 完全把新诗的表达方式从旧体诗的框框中解放出来。诗人可以自由的抒发自己的情感, 采用各种变化到繁复离奇的表达形式, 可以用各种语言, 包括古体诗词的语言, 俚语, 口语, 西方文字, 也融和了很多西方的思潮, 融合自由主义、浪漫主义、象征主义、现实主义、抽象主义等诸多的艺术手法。现代诗呈现了自己灵动、自由、色彩斑斓、富有生命力的一面。衍生了很多的流派, 新月派, 现代派, 朦胧派, 学院派, 下半身学派, 先锋派……

关于现代诗歌是否应该保持音乐美, 这个问题其实在二十年代就已经开始辩论过。当时最突出的应该以新月派 (掌门人徐志摩) 和现代派 (掌门人戴望舒) 为代表。新月派可以说, 对中国现代诗的演化, 发展, 对于现代诗的传统美学和西方美学的融和, 对于诗歌内在的音乐美和建筑美的艺术表现, 都有非常重要发意义。特别是它把充满自由的白话诗和感伤风潮的新诗, 变成具有艺术美、音乐美、建筑美的现代诗歌, 对诗歌的发展有巨大的推动作用。他们对诗的音乐美, 提出音尺、音组的概念, 以取代最初的缺乏诗的格律的自由诗和白话诗。徐志摩的《再别康桥》, 朱湘的《葬我》都体现了音乐在现代诗的艺术美的重要性。

如徐志摩的《再别康桥》:

轻轻的∕我∕走了

正如∕我∕轻轻的来;

我∕轻轻的∕招手,

作别∕西天的∕云彩。

整首诗语言简洁, 共7节, 每节4行, 每行6至8字, 双行首字都低一格, 诗句均齐中又有变化。节奏每句多为三拍。全诗的韵, 是双线交织或勾连的。节内双行各自押韵, 基本上每节换一韵。单行则比较灵活, 有的在节内押韵, 有的节与节之间前后勾连。双行与单行之间有时也前后承接相联。这些都构成了音乐的美感。这样的诗行给人的视觉形象是流动的, 甚至不用读, 看上两遍就会有音乐的体味了:“轻轻地”这支主旋律在字里行间忽前忽后忽高忽低地反复出现, 尽情地咏叹着, 把一片惜别留恋而又飘逸潇洒的神态微乎入微地吟唱出来, 勾起读者神秘而丰富的想象, 简直可以用它来和德彪西那句由长笛反复吹出的缱倦柔绵的牧神主题曲相媲美。

现代派, 继承了法国象征主义、意向派的影响, 又独辟蹊径, 创造了具有散文美的自由诗体。他们重视的诗情而非字句上的变异, 诗的韵律他们强调, 不是字的抑扬顿挫, 而是情绪的抑扬顿挫。他们主张去掉诗的音乐成分, 代之以散文体的自由表达。押韵的位置错综变化, 常用首语重叠, 加上奇特的字句组合, 似断实连的分节跨行, 但是实际上, 他们取剔的音乐部分, 实际是以诗歌内在的音乐旋律取代外在的韵, 音节, 表现出的“音乐的精神”。最能体现这种音乐精神的是戴望舒的《雨巷》:

她默默地走近

走近, 又投出

太息一般的眼光,

像梦一般地,

像梦一般地凄婉迷茫。

诚如叶圣陶所说, 《雨巷》在音乐性方面具有突出的成就, 它替新诗的音节开了一个新的纪元。全诗共7节, 每节6行, 每行长短不同, 押韵的位置错综变化, 常用首语重叠, 加上奇特的字句组合, 似断实连的分节跨行, 使得全诗回荡着一种深沉的优美的旋律, 细腻而传神地暗示了诗人低回而迷茫的心境。

现在现代诗经历过很多的诗体和形式, 思想意识的演变, 形成了诸多的流派, 但是诗歌良莠不齐, 真正体现出诗的美感, 完全体现出诗的意境, 简洁, 朴素, 或者浑厚深刻的大作并不多。就诗的本身艺术成就来讲, 当代的诗歌需要一种纯粹的诗歌精神, 过多的重视外在的表现形式, 过多的泛滥个人的情感都是不可取的。

极简之美在现代海报中的体现 篇8

随着文化的发展和科技手段的逐渐提高, 传统的运用绘画风格的图形和文字来设计表现海报的形式已经过于单一, 这也是目前现代海报涉及面对的主要困境, 因此为了适应当前社会的发展形势, 为海报设计提供新的创作空间, 很多设计师把眼光集中到了一种相对特殊的设计手法——极简主义。这种手法简洁明了, 通过使用简单的线条以及色彩、图形等结构的使用表达出设计者的态度。本文正是着眼于极简主义的基本理念, 结合一些设计师的创作思想, 浅析极简主义, 了解极简主义的实际运用, 了解极简主义的特殊之美。

2 极简主义理论概述

极简主义 (Minimalism) , 也称为微模主义, 它不同于现代中所认为简约主义, 而是在二战之后的60年代才广泛兴起的一个特殊的艺术流派。它是对所谓的抽象表现主义的一种反动而走向极至, 以最纯粹的的事物本身或独特形式展现在观者面前作为自己的表达形式, 扩大作品在艺术表达上的想象空间, 让观看者亲身参与对作品的重新塑造, 并最终成为作品在开放空间限制下的原创者。通过将这种极简主义与现代海报的设计进行相融合, 形成极简海报这种独特的艺术表现形式。

3 极简主义的影响

使用极简主义进行视觉形象方面的改变主要是使含义相对隐含, 不采用聚象手法来强化视觉意义, 而是用理性的几何, 线条, 对比等等基本元素将海报所要表达的意思传递出来。简洁而不简单, 简洁的背后有着理性的思考与高度的概括。

4 减法在现代海报中的运用

1) 现代海报重视使用减法的原因。

(1) 海报设计的减法能加强海报的视觉冲击力。有资料显示, 画面中的单纯性比强烈对比更能吸引人们的眼光, 也更加突出视觉上的冲击。海报设计运用减法, 去除复杂的元素, 使其更加明了、生动, 能够更有效的加强海报对人带来的影响力。当今社会, 科技革命带来的了巨大的信息量, 也让人们的生活节奏不断加快, 信息过载, 所人们厌倦了过于复杂的设计风格而将目光转到自然简介的创作当中去, 它符合现代人们的审美需要, 这样具有视觉冲击力的海报也更容易让人们接受[2]。

(2) 减法让海报更含蓄、更有想象力。在一个单纯的画面上简单勾勒几笔的线条和简单色块以及结构图形让人们去想象, 一千个人眼里有一千个哈姆雷特。但如果将要求进一步具体化, 规则逐渐明确化, 那人们的想法就会越来越一致, 但是想象力也就会变得单调。由此可以说明简化的图形可以给人更多的想象空间, 抽象艺术更能激发观众的想象力。

德国现代最为著名的视觉设计大师霍尔戈·马蒂斯 (Holger Matthies) 教授曾经说过:“一幅好的招贴, 应该是靠图形语言说话而不是靠文字注解”。

2) 怎样在海报设计中运用减法。

(1) 明确设计目标。要想在海报设计中灵活的运用减法, 首先要明确自己的设计目标, 将自己的设计风格提前制定成确定的目标体现在自己的设计作品中, 避免在设计时因产生过多的想法而影响“减法”创作。日本设计大师原研哉在每次设计新的作品之前, 都会将自己的主要思想明确下来, 在后期的具体创作中用以规范自己的创作, 时刻提醒自己要给作品做减法, 正式基于这样的长做目标, 才使得原研哉每次的设计都能有独特的魅力[3]。

(2) 删减设计元素。要给艺术海报做减法的创作, 也就是说就是要对整体作品的设计元素进行删减, 把重要的有独特意义的图形元素和文字元素进行细致的整理和总结, 减少重复的或者是无意义的元素的出现, 使视觉上更加干净和简洁。同时色彩上的纯粹也很重要。删减设计元素, 把自己作品中最为重要、有意义的元素进行加工保留, 舍弃那样过多的修饰成分, 把海报中最特别的元素进行放大展现, 以达到自己的设计目的[4]。

(3) 调整主次关系。把不具有重要意义的视觉元素去掉后也要再次调整各个组成部分之间的主次关系, 把整体画面构图进行调整并且着重展现画面意义。同时在进行减法时要注意一些具体问题。减法只是一个相对的过程, 主要目的是在一定的画面比例中删除点多余的成分从而让海报更加具有价值, 减法的目的就是传达意义上更加清晰。而不是单纯的为了做减法, 那样就会使海报的设计进入误区。同时减法是能更好的体现设计师的个人风格和设计意图, 让海报变得独特而生动, 避免重复化, 如今的社会追求多样性, 个人的表达十分重要, 这就要求设计师在给海报做减法的时候也要尤其注意个人价值的因素。

5 极简海报的作用

1) 突出海报主题。运用极简主义进行海报的创作, 可以减去画面中多余的成分从而把最为直观重要的元素保留下来, 把海报的主题最大限度的突出出来。以往过多设计元素的海报往往会因为画面的复杂性而让观众忽略了画面的主题, 运用极简主义进行创作后, 能解决这一问题, 使海报真正起到推广宣传、表明态度的作用。

2) 利于观众想象思考。传统的过于复杂的画面设计, 往往含有较多的限定元素, 而这也就限制住了观众的想象力, 使画面产生的受众效果往往就比较单一, 缺乏创新性, 而极简主义的设计则为观众的自我想象保留了大量的空间余地, 画面的适度空白, 也是为了增加观众的自我思考, 是作者和观众之间的互动大大加强, 双向交流感增加[5]。

3) 体现个人意志。在极简主义的创作中, 作者的个人意志体现的非常鲜明, 例如香港著名的设计大师靳埭强就体现出他强烈的个人风格, 他在创作中非常善于将中西方元素进行巧妙的融合, 体现不同文化之间的互动交融, 他主张把中国传统文化的精髓, 融入西方现代设计的理念中去, 简洁却不似西方极简主义的绝对。靳埭强认为这样的相融并不是简单的彼此相加, 而是在对中国文化深刻理解的基础上的融合其他的文化内涵。由此可以看出, 运用极简主义进行的现代海报创作, 不仅仅有利于海报自身内涵的上升, 也可以充分体现出作者的思想, 表现个人风格, 同时用这样的画面来丰富整体的海报画面。

6 结论

老子《道德经》说“万物之始, 大道至简, 衍化至繁”, 把复杂冗繁的表象层层剥离之后就是事物最本质的大道理。生活中最简单的实例像复杂生命遗传系统, 就是有DNA双链四个碱基两两配对控制的, 从而指挥着无数的蛋白质合成, 最后形成复杂的生命体。这些事例都说明我们的生活在去除了复杂的外表之后最本质的就是最简单的组合, 因此在现代海报的设计上, 极简主义的运用也是证明了这一点, 可能极简主义的重新回归是因为我们社会的生活节奏越来越快, 人们的压力越来越大, 由此追求更加简单的生活, 但不管是因为什么, 极简主义带来的美感已经非常明显, 大道至简, 这可能才是现代海报的设计中真正的追求。

参考文献

[1]吴艺华.海报设计[M].人民美术出版社, 2011.

[2]弗格斯·奥康奈尔.极简主义[M].人民邮电出版社, 2015.

[3]达志翔.现代平面海报设计中的减法[J].湖南科技学院学报, 2014.

[4]约翰逊.摄影的极简主义[M].中国摄影出版社, 2014.

现代设计之美 篇9

关键词：现代陶艺,审美性,工艺性,创作

0 引言

“在我国, 现代陶艺属于新兴的陶瓷艺术门类, 在如今, 中国现代陶艺创作水平日益提高, 不断将西方现代陶艺元素与中国传统陶瓷艺术元素取长补短、融会贯通, 而大众审美亦趋向于包容和多元化, 从而使现代陶艺日渐为中国大众审美所接受, 它独特的审美以及工艺特色也得到普遍认识与理解。”

1 造物之美—现代陶艺审美性与创作

现代陶艺是伴随着20世纪现代艺术运动而崛起的, 是现代艺术的重要组成部分之一, 它已经几乎完全脱离了实用范畴, 成为创作者情感的纯粹艺术表达方式, 与传统陶瓷艺术的审美方向既存在着共性特征, 也具有非常显著的区别。中国的现代陶艺虽然晚于国际世界陶艺发展数十年, 但是基于无比深厚的中国传统陶瓷艺术宝库, 在吸收西方外来陶艺方面进展非常迅速, 散发着独具特色的审美魅力。

1.1 材质美与现代陶艺创作

一般认为, 现代陶艺属于现代艺术范畴, 而传统陶瓷艺术则属于工艺美术范畴, 二者之间最大的区别之一在于对材质的观念, 传统陶瓷艺术在其发展过程中不断追求完美、工细、严谨, 使其材料的本体特性被不断掩盖, 而现代陶艺则是尽可能地发挥材质的本来属性。从某种意义上来说, 多角度、多方式、创造性地展示陶瓷材质的本体美感是现代陶艺创作的目的, 并在此过程中实现作品的审美价值和释放创作者的审美理念。

基于材质本体美的展示是现代陶艺创作的核心理念之一, 现代陶艺创作者首要需要培养的是对材质美的充分发现和理解, 这些材质不仅包括传统的胎釉原料, 它还包括现代出现的新型材料以及非陶瓷材料, 如玻璃、金属、木材等。可以说对材质美的领悟是现代陶艺创作者的基本素质, 无论材质是粗糙还是光滑、是光亮还是暗淡、是厚重还是轻薄, 对于任何一种材质, 创作者都应能从中发现美的意味与启示。

在这样一种材质观念下, 现代陶艺作品中的任何一种材质展现方式都渗透着创作者的个人审美旨趣, 在传统观念中被认为是不完美的、甚至是失败的、丑陋的材质表现, 如釉的剥落、开裂、暗淡无光, 胎的变形、塌陷等等, 都被视为材质的特点, 而非缺憾。如图1为黄焕义的现代陶艺作品《躺着的梅瓶》, 整件作品表现的是一只胎体扭曲垮塌的梅瓶, 但我们却从中感受到独特的历史沧桑的美感。材质美法则的重新确立彻底打破了旧有的审美观, 极大地拓宽了现代陶艺的审美域限, 使审美建立在创作者的个性审美精神之上。

由于材质美的个性表达特点, 现代陶艺的创作者应当要参与到作品创作的每一个阶段, 而不是拘泥于传统的分工模式, 只有这样, 创作者才能把控材质由泥土、釉土变化为胎釉的全过程, 并在每一过程中都充分体现和展示其个性表达, 并且在这一过程中, 创作者对材质的未来变化并不做固定的规划, 而是随性而为, 使作品材质美的表达成为必然性与偶然性相结合的产物。

1.2 形式美与现代陶艺创作

现代陶艺以材质美的追求为核心审美观念, 在此基础上形成了现代陶艺独有的形式美, 这种形式美大大区别于传统陶瓷艺术。二者之间的区别既表现在材质观的不同, 也表现在现代陶艺形式美的建立在很大程度上依赖于观者的心理感受, 因而其形式往往是富有创意和耐人寻味, 给受众以无穷的想象空间。

造型是现代陶艺形式美的主要内容, 这一点与陶瓷雕塑有所交叉, 但与传统雕塑更为直观的形式表达相比, 现代陶艺的造型是基于创作者的创意而存在的, 呈现出极强的主观性特征, 而这种主观立意需要观者从其造型中去揣摩、解读, 并形成共鸣。因而, 现代陶艺有具象的表现造型, 但更多的是抽象的, 以此来形成独特的空间感和视觉感。

色彩也是现代陶艺形式美的重要内容, 一方面, 创作者通过色彩来表达和深化主题立意, 另一方面借独特的色彩表达方式来呈现个性化。与造型一样, 色彩也是为作者创意而服务的, 因而, 创作者往往需要根据立意大致地设计一种总体的色调, 或灰暗、或明亮、或斑驳、或纯净, 以渲染气氛, 突出内涵, 然后在此基础上选取适当的材质, 包括各种胎釉原料, 特别是高温颜色釉, 在必要的情况下, 采取一些表现更为稳定的釉上或釉下颜料来强化色彩感。

除造型与色彩外, 肌理美的形式表达也是现代陶艺不容忽视的。这种肌理美分为两部分, 一部分是由其材质本身所呈现出的肌理, 这种肌理美是属于材质美的一部分, 而另一部分则是通过创作者的干预而形成的肌理, 即采取各种工具进行刮擦等处理而形成的肌理, 是体现形式创意的重要内容, 一为天造, 一为人作, 二者相辅相成。

另外, 绘画美也是现代陶艺形式美的重要组成部分, 尽管现代陶艺作品大多摒弃陶瓷绘画, 但仍有不少作品表面采取部分甚至全部彩绘的手段, 这种绘画来源于各种釉上彩、釉下彩以及釉中彩陶瓷绘画, 但可以采取更具新意的表达, 并与作品独特的造型、色彩与肌理相结合, 形成中西合璧、雕画结合的独特形式美。

我们以戴雨享现代陶艺作品《泥释》 (图2) 来分析其形式美, 其造型犹如一座陡峭的山体, 颇具创意, 其色彩主体为泥胎本身的黄白色, 却又通过绘画和印章表现来增加其色彩感, 而在肌理处理上则既保留了泥块本身的肌理, 又采取了部分刻划处理, 泥块中镶嵌的一块绘画表现, 描绘了一幅文人山水画, 具象了画面主题。

2 工艺之性—现代陶艺工艺性与创作

2.1 手工性与现代陶艺创作

手工性是现代陶艺在工艺性方面最大的特点, 这也是其与现代工业陶瓷最大的区别, 一位真正的现代陶艺创作者, 在作品制作的每一过程都应亲力亲为, 从原料的制备 (包括炼泥、糅泥、配釉等) 、成型 (泥条盘筑、拉坯等) 到装饰 (雕刻、彩绘等) 和烧成 (气烧、电烧以及更具手工特色的柴烧、盐烧、乐烧等, 在每一道工序中几乎都能留下创作者独有的手工创作痕迹。

传统陶瓷艺术也多由手工完成, 但与现代陶艺相比, 前者注重于不断采取精细的手段对手工痕迹加以消除, 留下近于完美的外观感受, 而后者则在很大程度上保留这种手工痕迹, 正是这种手工痕迹的存在, 使每一件陶艺作品都成为独一无二, 烙印上深深的个人符号。也正因如此, 现代陶艺的原创性较传统陶瓷艺术更为强烈, 也是对批量化产生的工业陶瓷的一种反制。

由于全程参与的手工劳动, 现代陶艺创作者既是智力劳动者, 更是体力劳动者。一件成功的现代陶艺作品往往需要创作者具有深厚的工艺知识及技巧, 遵循基本的工艺原则, 反复进行多次的手工实践才能制作成功。

手工性既使现代陶艺的制作成为繁重的活动, 但同时也增加了其趣味性, 创作者在手工创作的过程中开拓想象思维、传达真情实感、释放心绪压力, 从而赋予整个创作过程以独特的意义, 并通过火的历炼而凝固于作品之中。

2.2 环保性与现代陶艺创作

现代陶艺的手工性体现的是一种人与物的交流关系, 其本质上虽然是艺术品, 但其所使用的材料丰富而广泛, 大量作品成为商品点缀生活和工作, 使其成为社会化程度很高的产品, 这就不能仅考虑人与物的关系, 还需要考虑环境因素。现代陶艺的出现本身即包含有对大规模现代陶瓷工业生产中所出现的大量耗费资源和污染环境现象的一种反叛与抵制, 而当前现代陶瓷工业已经改变了粗放经营的模式而向环保型转变, 而以回归自然、返朴归真为理念的现代陶艺, 更应顺应这种潮流, 在工艺性方面注重绿色环保, 尽力采用环境友好型材料和工艺手段。

对现代陶艺工艺环保性的提倡, 既反映了我国传统“天人合一”的美学理念, 体现人与自然的和谐相处, 也是针对当前环境污染严重、自然资源日益匮乏所作的对策。如现代陶艺作品最集中的产地景德镇早在2009年已经成为资源枯竭型城市, 而面对陶瓷原料资源日趋减少的事实, 少数创作者在作品中追求大型化、繁复化的倾向显然是不可取的, 而应尽量创作小型、简约的作品, 这也是一种国际陶艺发展趋势。如图3为张婧婧的现代陶艺作品《弧》系列之一, 其流线型的造型、纯白的色彩, 简洁而美观, 充分契合了绿色环保的创作理念。

为了达到绿色环保的要求, 现代陶艺创作者在创作中应当尽量减少材料的浪费, 特别是少使用或不使用昂贵奢华的材料, 而材料本身的安全性也是非常值得注意的问题, 应尽量避免采用毒性较大的材料而采用对人体健康无危害的材料。在这要求现代陶艺的创作者应当要树立起绿色思维, 创作真正绿色的作品。

3 结语

从20世纪末以来, 中国现代陶艺在数十年间, 从无到有、从弱到强, 不断茁壮成长, 而其之所以具有如此蓬勃的生命力, 在于其能够与时俱进地符合于现代人的审美观念与追求, 无论是它的审美性还是工艺性, 都是一个庞大的体系, 横贯中西、纵穿古今, 等待着正在崛起的中国现代陶艺群体更加深入地开拓与挖掘。

参考文献

[1]白明.世界现代陶艺概览[M].南昌:江西美术出版社, 1999.

[2]余勇, 邓和清.中国现代陶艺的意义何在?[J].中国陶瓷, 2015, 51 (02) :85-88.

[3]梁柏.打破工艺与纯艺术的界限—谈我国现当代陶艺创作[J].中国艺术, 2010 (03) :148-150.

现代设计之美 篇10

关键词：和声,双调性,全音阶,《雾》,《二人台》

20世纪以来, 作曲家们为了寻求与众不同的、更加刺激的音乐音响, 在和声上下了很大的功夫。每位作曲家在试图探索新的和声语言上都有着自己独特的发展手法。下面笔者就和声变化发展初期的双调性及全音阶在现代音乐创作中的运用做一简单的介绍。

一双调性

双调性在20世纪初期引起了很多作曲家的关注, 是作曲家们感兴趣的、运用比较普遍的一种音乐处理手法之一。其特点为两个声部或声部层有各自不同的调中心音 (主音) 并且二者的音阶和音列之间亦有差异, 形成不同调性的同时 (有时亦可能稍有先后) 叠置。这种发展手法打破了传统音乐调性的束缚, 打破了传统音乐调性的单一性, 为音乐添加了不同凡响的听觉和视觉色彩, 使得音乐不再建立在单一调性上的和谐、悦耳且规整的音响之上。它试图打破调性但却没有完全的离开调性, 这使它又与传统有着密切的联系, 它仍然是建立在调性的基础之上, 仍保留着传统的调性的感觉。

法国著名的作曲家、音乐评论家克克劳德·德彪西的《前奏曲》第二集《雾》, 是他的印象派风格的经典之作。从谱例可以很明显地看出两个调性之间的穿梭。左手织体是没有一个变化音的钢琴上白键的演绎, 右手旋律则是钢琴黑键的全部呈现, 就这样把C自然大调与b D自然大调紧密地联系在一起。正是因为这种手法, 使得整首曲子的曲风扑朔迷离、神秘而飘渺, 将《雾》诠释得淋漓尽致、活灵活现。乐曲将薄雾描绘在薄薄的迷雾之中, 似乎一切事物都变得朦胧, 飘忽不定, 就像是一种幻境, 失去了重心, 失去了真实, 使人有一种忘却自我、飘飘欲仙的感觉。本曲的构思清晰、创作手法独特、和声语言新颖, 真可谓是神来之笔。

二全音阶

全音阶即音阶中每两个音之间均是全音关系。它也是20世纪以来现代音乐创作的手法之一, 其前身是勋伯格提出的十二平均率的平均原则, 这使得乐音中的各音在音乐中都占有平等地位。它打破了传统音乐中按调式划分音列以主音为中心束缚, 解放了稳定与不稳定音倾向与解决的问题。在这里十二个音各自均成为主音。由此后引出了全音阶, 全音阶脱离了十二平均律, 将十二平均率分为两组六个音, 也可以说是将一个八度六等分而形成, 即:C、D、E、#F、#G、#A、C为一组, #C、#D、F、G、A、B、#C为一组, 它们两音之间均为全音关系, 这使得全音阶的音列具有高度的对称性。因其对称性较高, 音程种类的含量比较少, 它缺少小二度、小三度、及纯四度和纯五度, 所以音乐创作局限性较大, 和声材料有限, 音乐紧张度较差, 音乐色彩较单一, 但也有其独特之美。

比利时华裔作曲家、皇家音乐学院作曲教授张豪夫为长笛与钢琴所写的二重奏《二人台》就采用了全音阶进行写作。曲子共有两个乐章。全曲的音乐结构紧凑、将两个全音阶纵横交错, 产生出一种独特的音响效果。在这局限性较大的创作手法下, 作曲家能有机地将这种现代的音乐创作语言与民间小戏二人台的表演形式相结合, 将长笛与钢琴合理地联系在一起, 使长笛与钢琴相互为主奏和衬托的形式, 形成一种一唱一合的、两人对话般的意境, 使乐曲充满新鲜感。乐曲以变奏的形式展开, 长笛占主要地位, 钢琴为陪衬。钢琴是在每次变奏之前以引子的形式出现, 在全曲中似乎起到了提问的作用, 长笛则做了回答问题者。音乐表现得生动形象, 和声语言、音响色彩新颖独特。

三结束语

20世纪以来, 随着各种音乐发展手法、各种和声语言的袭来, 作曲家们坚持各自的立场, 运用各自的音乐发展手法创造着不同凡响的音乐。音乐家们试图打破传统调性, 采用各种作曲手法脱离调性、丰富和声语言, 形成更加刺激、更加新鲜的音响效果, 除我在上文中所提到的双调性、十二平均律、全音阶等发展手法外, 还有音级集合、大小调的混合、混合音栓的写法、固定音型、固定低音、解放终止式、解放不协和音、二度尖锐化、大量使用大小七和弦做框架内加填充音的手法、大量使用三全音等很多手法, 这些手法处于音乐发展的改革变化之中, 这种不断改革、不断发展、不断创新的趋势已经形成, 并将不断地发展下去。

参考文献

[1][苏]斯波索宾.和声学教程 (陈敏译) [M].北京:人民音乐出版社, 2000

[2][德]瓦尔特·基泽勒.二十世纪音乐的和声技法 (杨立青译) [M].上海:上海音乐学院出版社, 2006

[3]桑桐.巴托克《小宇宙》中双调式、复合调式与双调性乐曲分析 (下) [J].音乐艺术·上海音乐学院学报, 1994 (1)

现代设计之美 篇11

无论是装置艺术还是展示空间的设计，最终的目的都是通过作者的情感表达给空间编造一个主题，营造一种胜于形象的人造艺术氛围，使观者的情绪受到感染，目的或宣扬一种精神文化或产生商业行为。因此，将装置艺术应用于展示空间是为了更好的表现艺术家对人类生存状态、社会精神文化状态的思考，也是企业家对其商品的鼓吹和宣传一种有效手段。因此，只有充分的理解装置艺术在现代展示空间中的作用，才能发现他们之间碰撞产生的美。

装置艺术的起源与发展

1.装置艺术的起源

装置艺术始于60年代，随着马塞尔·杜尚作品《现成的自行车》以及《泉》的问世，成功开启了立体派艺术的另一扇大门——“现成品艺术”。作品《泉》将小便池作为一种艺术品进行展览，让观者以全新的视角审视生活中最普遍的东西，由此物品原有的使用功能消失了，重新赋予了它其他的艺术含义。

有些人也称装置艺术为“环境艺术”，与 “波普主义”“极少主义”“达达主义”等艺术形式有着极为密切的关联。装置艺术与其它艺术种类表现手法不同，重点通过立体的装置形式来表达设计者对特定问题的思考。比如上海世博会上西班牙馆通过藤条与钢结构完成特殊的“篮子”结构，表达了设计者从自然到城市的设计思想，展现了设计者对可持续生态问题的思考。因此装置艺术是综合场地、材料与创作者情感的艺术。

2.装置艺术在中国的发展

装置艺术颠覆了传统艺术，是对现成物品在一定时空中的展示设计。上世纪80年代，美国艺术家劳森伯格在中国美术馆举办现代艺术展览，激起了很多中国艺术家对于装置艺术进行探索的激情。中国当代的装置艺术高度融入了民族元素，充分体现了中华文化的求同存异、百家争鸣的博大胸襟，是对传统文化的重新定义与解读。

装置大师徐冰的《天书》、蔡国强的作品《草船借箭》等不仅体现了中国当代装置艺术家对于传统符号运用的栩栩如生，而且体现了他们勇于探索的高贵品质和艺术精神。宫林以废旧报纸裱糊碗碟鞋子等，组合成的“媒体”装置，王天德在桌、椅等表面铺设染墨后的宣纸，命名“水墨菜单”，这些作品都有着较为明显的民族性和现代文化深度。

现代展示空间中装置艺术的应用

现代展示空间的设计内容及其广泛，大到规模宏大的博物馆，艺术天堂的美术馆，大型购物广场等，小到橱窗设计，展示道具、展台展柜等。由于现代展示空间以商业为主，重点要突出醒目，引入装置艺术可以形象的体现展品的亮点，引人入胜。

1.橱窗展示中的装置艺术

随着人们对艺术要求的提高，观者对橱窗展示的展品以不能满足简单的形式的陈列，而是多角度的，全方位的，立体的。展示设计中通过装置对主题的演绎和运用，使得其主旨以更美感的形式表达出来。因此，装置艺术是橱窗设计有了更好的表现形式和表达理念，使其设计空间与主题文化更加吻合。

英国建筑大师Zaha Hadid为香奈儿设计出Chanel Mobile Art基于大量的线性元素，营造出一种独特的韵律之感，展示出Chanel高端的前卫与优雅，传递出Chanel的神韵，整个装置重点体现出线条的流动与快感，既让人感觉到随意自在，有不失固有的节奏和韵律，配之以经典的黑白色调，完美的体现出香奈儿的奢华低调之感，强调了香奈儿的时尚与前卫之风。

2.博物馆展馆中的装置艺术

博物馆是具有收藏和展示功能的现代展示空间，其实质意义是对人类社会和历史文化的浓缩再现。与商业展示不同，博物馆展出物品与现代商业展示的商品不同，其展品更注重历史承载文明及文化意义。现代装置艺术的应用，更生动形象展现出博物馆展品的历史厚重感。

慕尼黑的宝马汽车博物馆是装置艺术博物馆的代表。它利用700多个可以被马达所驱动的金属小球布置了一个装置艺术品，金属小球可以通过移动组合成不同的造型，如汽车、水波等，宝马希望用这种装置艺术表现形态展示它在动力和造型设计方面的别具一格，整个装置的设计理念凸显了现代城市“交通复杂性”概念，完美的表现出宝马汽车的灵动与唯美，仿佛所有的宝马展车都在虚拟的空间中奔驰一样。

装置艺术与现代展示空间中的碰撞之美

艺术作为人类思想的精华，主要表现出人们对外物的感受和体会，进而通过自己的理解和创造表达出来。现代展示空间艺术是通过物品外观的展示，表达设计者的思想理念，进而是观者有同样的感受，仿佛身临其境一般，即使观者能观其形，能明其意，能共其鸣。装置艺术有其独有的视觉与感觉冲击，成为现代展示空间中不可或缺的元素。装置艺术和展示设计均是环境空间的产物，简言之，就是说艺术作品通过装置设定在特定的空间内产生一定的艺术意义。因此，通过展示与装置艺术之间的共同性作为总结，从“意”到“形”再到“鸣”这个过程，从主观意思的表达到通过形式来体现，然后让他人形成共鸣在这个传播的过程中体现了艺术作品的成功性，进而达到艺术的升华。

结论

装置艺术与现代展示空间设计的碰撞在于对环境的特定需求，需要把艺术作品放置在一个情景中才能让人触景生情，才能有意义，有内涵。装置艺术是展示空间的体现形式，展示空间为装置艺术提供特定的环境需求，二者之结合展现出现代艺术之美，完美表达出设计者之思之感，更好的表现出艺术家对人类生存状态、社会精神文化状态的思考。

建筑与结构设计之美 篇12

现如今的建筑设计, 建筑的外形是最直接的建筑美表现形式, 但合理的建筑结构为其形态、功能提供美得保障。就结构自身来说, 最重要的是保证承重与稳定两大体系的可靠性, 要保证材料和结构一致性, 不同的材料运用到不同结构之中。在考虑经济的前提下保障安全合理。而技术的发展也为建筑的发展注入了新的活力。结构设计在现代建筑设计中占据着越来越重要的作用。一个完美的建筑, 设计与结构之间的关系可说是相辅相成, 缺一不可的。

悉尼歌剧院, 家喻户晓, 但事实上作为一个艺术品, 它无可挑剔, 但作为一个建筑而言, 它是一个失败的案例。它很好地证明了结构与设计都有着具足轻重的地位, 分庭抗礼。1973年, 丹麦设计师J?rn Oberg Utzon的方案从千千万万的方案中被挑中标, 其设计外观新颖, 富有诗意, 被组委会委员沙里宁挑中, 认为此方案如能实现, 必能成为伟大不凡的建筑。但事实上, 其设计并不是很符合歌剧院的功能要求, 由于歌剧院巨大的空间和弯曲的天花板, 混响时间很长, 回音加重。而弯曲的天花造型影响了舞台上的空间, 不符合标准要求, 无法把舞台布景吊起。因此, 剧院的整体空间规划要重新设计, 但当时项目的决策者对建筑结构要求不甚了解, 准许剧院的兴建, 所以在工程初期就出现许多无法解决的问题。总建筑也缺乏剧院结构的专业知识, 最后引用全球最出色的工程师——Ove Arup协助他们设计。但历时三年, 经过多次计算、试验, 均告失败, 最后不得不放弃, 代之钢筋混凝土肋骨拼接的三角瓣壳体。至此, 才使壳体得以施工。但此时, 预算已大大超支。历时十七年, 耗资5000万英镑, 悉尼歌剧院始告落成。

回顾悉尼歌剧院的建造过程, 可说是艰难曲折。在建筑师J?rn Oberg Utzon以橘子为灵感设计出漂亮的建筑外观时, 他并没有太多的考虑建筑的可实行性与作为歌剧院的功能性, 这导致了悉尼歌剧院再投入建造时遇到了前所未有的麻烦, 他可能更没有想到他设计的史无前例的蛋形复杂结构需要后期如此多的电脑计算和结构分析。好在有Ove Arup的协助与指导, 才可以将设计付诸于实践。可以说, 在悉尼歌剧院的设计中, 结构师起到了至关重要的作用。甚至可以说, 没有结构师, 就没有悉尼歌剧院, 也就没有这一传奇。

屹立在密歇根湖畔的密尔沃基美术馆, 它的优美身姿如同一只振翅欲飞的天鹅。她的设计者是圣地亚哥·卡斯特拉瓦, 他不仅是一位优秀的建筑师, 而且还是一位杰出的结构专业人士。一个优秀的设计是建筑师和结构工程师相互配合的结晶, 建筑师与结构师在设计过程中肩负着不同的使命, 作为一名结构师, 关心的是结构的安全性、耐久性及结构形式, 而建筑师关心的大多是体型、功能、空间布置。缺乏结构知识作为基础, 再美, 再好的建筑也无法实现。只不过密尔沃基美术馆的建筑设计师拥有建筑师和工程师的双重身份, 对结构和建筑美学之间的互动有着准绳的掌握。这一点更便于其对建筑的设计, 每一个设计思想都有结构知识作支撑。最简单、最朴实的结构功能, 造就了极其雅致而壮丽的美, 从这一点可以看出, 设计师所设计的这种拱状室内造型是通过设计师的理性结构思考的, 这一建筑形式的实现也必须依赖其对混凝土拱结构的了解。

每个优秀的建筑师在做设计时总是会考虑建筑形态与功能的结合。艺术与技术是优秀的建筑必不可少的部分, 而要实现两者的统一, 这要求建筑师不仅要做到两者在形式上的结合, 也符合内在发展规律。建筑材料是表现结构设计美学的表现途径之一。建筑材料的不同能够展现不同的建筑语言——木材展现生态原始、石材展现厚重自然、玻璃展现灵巧轻盈等等。而不同材料的相互结合又展现在不一样的建筑特色。其中, 钢结构建筑最能体现结构技术与艺术的完美结合。而钢结构比之混凝土和砖石结构相比有更好的力学性能, 使其更能体现结构造型的独特魅力。

北京奥运会主场馆——鸟巢, 是由李兴刚、赫尔佐格、德梅隆等建筑师共同设计的体育场。建筑整体形态像拥有生命力的“巢”, 钢结构形成了独特的美感。“鸟巢”的结构特点十分复杂。在设计及施工方面都存在很多特点及难点。而建筑是一门工程性很强的艺术, 只有能够实现才能真正为人民所理解接受。而结构设计正是使之得以实现的手段之一。尽管困难重重, 但是经过建筑师与结构师的密切配合与合作, 采取了编织式的结构, 克服重重困难, 最终完成了这一建筑奇迹。由此可见, 良好的设计需要良好的结构技术为依托。鸟巢的设计中充分体现了人文关怀, 吸声膜的材料是鸟巢的下层膜材料, 钢结构构件上设置吸声材料设置在钢结构件上, 以及电声扩音系统, 保证观众坐在哪里都能听到清晰的声音。除此之外“流体力学”也运用在鸟巢的设计中, 模拟自然通风的情形, 使自然光和自然通风充斥在整体体育场中。而合理的结构设计是得以实现这些人文关怀的保证与前提。只有建筑师与结构师的相互协作, 才能创造出符合大众审美的, 经济的, 实用的, 安全的优秀建筑作品。

因此, 建筑师与结构设计师同样都是为建造出人们所喜爱的建筑对社会最大的贡献的人。

结构形态是表现结构设计美学的表现途径之二。力度美是其一。建筑结构是建筑的骨骼, 是支撑建筑的系统, 力度美是建筑结构的重要表现。高层建筑采用筒体结构, 剪力墙, 就是以刚劲表现力度的例子。

而高迪的曲线建筑是柔韧力度的表现, 他的建筑作品造型奇特, 怪诞不经, 形成自己的独特风格魅力。

然后是仿生学。大自然是最美的设计师。而不同的生物则是不同美丽的创造者。在生物进化的过程中, 不同的生物形成最有利于生存的身体结构。最简单的例子———蜂巢, 其结构复杂又合理, 令人叹为观止。圣地亚哥·卡斯特拉瓦将仿生学也应用到密尔瓦基美术馆的这对翅膀上, 我们可以看到, 良好的运用仿生学的建筑结构, 都是既能够满足艺术美, 又能是高强度稳定性好的建筑结构。

互动体验在廉政教育展馆设计中的创新应用

冯玉雪徐亚楠 (郑州轻工业学院河南郑州450000)

摘要:随着国家廉政文化建设的推进, 全国各地都在进行廉政基地展馆的建设, 廉政展馆设计得到了更多的关注。本文从现代展示设计的发展趋势入手, 阐述互动体验在廉政基地展馆设计中的必要性, 结合廉政基地展馆展示设计的自身的特点, 分析实现互动体验的思路, 探究互动体验在廉政基地展厅设计中的创新应用。

关键词:廉政基地;展示设计;互动体验

现今各地都在积极开展廉政文化建设, 廉政教育展馆的建设包括其中。各地廉政教育展馆如雨后春笋般纷纷落成之时, 廉政教育展馆的展示设计也得到了更多的关注。廉政文化信息传播应采取什么样的有效途径, 廉政展馆应该如何设计才能更好的突出其作用, 表达其主题, 让受众对反腐倡廉有更深刻的认识, 让官员受教育、群众受启发, 营造一种良好的廉政文化, 这些都是在展示设计中需要去研究, 去关注的问题。从展示设计方面对廉政展馆进行研究十分具有现实意义和理论指导意义。

随着会展业的发展, 展示设计呈现出多元化趋势。“互动体验”作为新生的艺术形式得到了人们的欢迎, 其在展示设计中的应用已经成为一种新的趋势。在展示中增加互动性、体验性, 能更好的让观者主动去了解和接受展示信息, 使展示与受众的交流更加充分、深入、流畅。根据廉政教育展馆的自身特点, 加入互动体验的具体应用, 能更好的突出本质、表达主题、深化中心, 从而达到更好的信息传达效果。

一、廉政教育展馆设计现状

1. 廉政教育展馆的快速发展

廉政教育展馆种类繁多, 近年规模在不断扩大。2008年启动全国廉政教育基地命名工作, 在一些基地原有的基础上新建、改建、廉政教育展馆。2010年中央纪委监察部命名第一批50个全国廉政教育基地。这些基地中有反映党革命斗争和建设历程的纪念场馆;有反映老一辈无产阶级革命家、革命先烈和全国重大先进典型崇高风范的纪念设施, 以及一些各地新建廉政教育主题场馆。现今各个地区都在大力开展廉政教育基地建设。以河南为例, 全省18个地市均已建立了设施齐全、功能齐备的廉政综合教育基地。2010-2012年间在建的廉政教育基地数目和规模都在不断增大, 2012年河南已经进行了第三批廉政教育基地的命名工作。政府对廉政教育展馆建设, 使廉政教育基地在完善廉政内容、突出廉政主题、提高教育效果等方面有较大进步。

空间布局的合理配置是表现结构设计美学的表现途径之三。如密斯凡德罗设计的巴塞罗那德国馆。其主体结构几乎裸露的外表, 建筑形体简单, 不加装饰, 利用钢、玻璃和大理石的本色和质感, 灵活多变的空间设计, 使我们能切身体会到空间结构设计的美感以及简洁高雅的气氛。也充分体现了密斯的名言——“少就是多”。因此合理的利用空间、设计空间, 在建筑结构允许的前提下的建筑作品, 会有不一样的美感和韵味。

最后便是高科技和新材料的运用。高技术风格建筑表现出不

2. 廉政展馆展示设计现状及问题

在现有展馆中, 展示形式上多采用图文并茂, 结合实际案例的展览方式。展陈实物较少, 陈列水平较低、阅读性文字较多, 多为阅读式的、系统性的表述, 缺乏教育的吸引力、感染力, 展示形式比较单一。在展示色彩的运用上多采用红色, 反面案例多采用蓝灰色调;在造型上, 多为简单的装饰性造型, 缺乏艺术表现能力, 创意简单, 缺乏感染力;在空间环境上, 空间得不到有效的利用, 缺乏深入的设计和空间互动意识;在艺术形式上, 一些展馆采用了雕塑, 场景复原, 人机交互等手法, 但大多都是直接运用, 不能达到深入互动, 缺乏对受众情感的呼应及内心的深入触动。在廉政教育展馆设计时, 设计人员没有完善的受众研究资料可供参考。展示设计多是设计师自身经验认识以及同政府部门的沟通中达成。缺乏对展览直接受众的深入研究, 不能对直接受众的需求、心理意识有一个确切的把握, 展示设计往往不能深入人心、不能让受众对展示信息有深入的认同。使得现今廉政展馆的建设不能达到很好的信息传播效果, 起不到良好的教育作用。虽然廉政教育展馆设计融入了新媒体的运用, 可以有更多的互动形式, 但互动形式缺乏创新, 不能给予受众深刻的体验, 达不到良好的教育目的。

二、互动体验已成为一种趋势

1. 互动体验在廉政教育展馆中的应用是时代的要求

在这个信息爆炸的时代, 展览的功能越来越受到众人的质疑。展览的最重要的功能就是传递信息, 而今随着科技发展、互联网和各种移动终端设备的普及, 人们可以随时随地的、近乎零成本的、快速迅捷的收取各种各样的信息。再来看展览, 这种高费用、高投入、长时间的信息传播模式是否已经显得过于笨拙陈旧, 而将被时代淘汰。面对时代对展览的猛烈冲击, 以阅读为主要传播信息模式的展览将在不久的将来彻底被时代淘汰。信息正越来越多的通过更加快捷的方式传播, 实体展览主题正逐渐变为某种理念或精神, 展示内容也逐渐由具象变为抽象。实体展览的存在更多的意义在于对“精神”的表达。而这种对某种理念、某种精神的传播需求, 需要对人们内心情感和感受等有深入的互动、特别的体验达到深刻的认识和理解, 使其触及心灵。总而言之, 现代展览的发展向着“反阅读”、由具象到抽象的方向发展, 注重对受众情感、精神性的感召, 互动性, 体验性已经成为展览的发展趋势。廉政教育展馆的建设要具有时代性, 不能脱离

同的建筑美学, 而高水平的施工是高技术设计的重要保障。新的材料也为更多的建筑提供了可能性, 只有拥有技术支持, 才能满足设计师最建筑的奇思妙想, 创造出令人称赞的建筑作品。