单簧管的发展与研究

单簧管的发展与研究（共6篇）

单簧管的发展与研究 篇1

单簧管出现得比其他木管乐器都晚。直到1700年以前, 在艺术史中没有任何单簧管类乐器的证据, 这说明单簧管是最年轻的管弦乐团木管声部成员。

单簧管的发展可以划分为三个阶段:试验阶段:登纳改造沙吕莫管成为具有现代乐器特征的单簧管。实用阶段:缪勒改造成为十三键单簧管。完善阶段:法式乐器和德式乐器。

1. 乐器试验阶段

1700年左右, 享有盛誉的德国乐器制造家, 约翰·克里斯托夫·登纳 (Johann Christoph Denner, 1655—1707) 在纽伦堡制造出第一支单簧管。他在一种七孔管乐器沙吕莫管 (Chalumeau) 的基础上进行改造, 乐器管身前面和后面各增加了一个按键, 后面增加的泛音键是最重要的, 可以说是发明单簧管的重要标志, 使乐器音域扩展了两个八度。

这种单簧管由黄杨木制作, 有七个孔的管体和两个左手按键, 能够演奏出少量的半音。与现在的演奏方法不同, 登纳时代的演奏方式是将簧片紧贴上唇, 下唇贴住笛头。演奏的时候能够拥有较大的音量, 缺点是不能够控制音色, 形式上仍带有实验色彩, 只能作为乐团强奏时的效果乐器。

单簧管的第三个按键大约出现在1730—1740年, 登纳的儿子雅克布 (Jacob Denner, 1681—1735) 将乐器管身加长, 把原来只能用“超吹”方法演奏出来的降B音和新增的B音连接在一起, 使高音和低音两种音域的单簧管结合成为一种乐器。这个阶段的乐器, 管径、吹口, 以及簧片的尺寸都比现代单簧管大一些, 音质也比较粗糙, 常见有D调和C调乐器两种。

1750年, 出现了四键和五键单簧管, 分别在左、右手位置, 这种乐器能够演奏出半音阶。德国单簧管学派的创始人演奏家约瑟夫·比尔 (Joseph Beer, 1744—1812) 创办音乐学校, 编写教程和书籍, 传授演奏技艺, 学生日益增多, 单簧管得到业内的认可进入全新的发展阶段。

巴黎音乐学院第一位单簧管教授, 巴黎歌剧院的演奏家让·勒菲弗尔 (Jean Leféver, 1762—1829) 为了进一步提高了乐器演奏的灵活性, 给单簧管安装上了第六个按键, 以便于胜任更多指法较为复杂曲目的演奏。这个时期制造的乐器, 音孔与内管, 有着精确的尺寸, 制作工艺日趋精良, 可以吹奏出令人满意的音色, 带动了演奏技术和技巧的进步。

1770—1780年, 英国出现乐器笛头, 以及连接笛头和管身的调音管。那时的演奏者像现在演奏者一样, 使用同一个笛头来交替吹奏其他音调的乐器, 而目前广泛使用的单簧管乐器笛头的尺寸, 是在一个世纪以前就已经固定下来的。制作乐器笛头所需要的材料, 经过多次试验, 曾经使用过多种材料, 从木头、象牙、金属、玻璃、硬橡胶等, 到现在广泛使用的塑胶。

2. 实用阶段的单簧管

德国单簧管演奏家伊万·缪勒 (Iwan Müller, 1786—1854) 经过反复实践之后, 在1809年对单簧管进行了三项改进: (1) 在六键单簧管的基础上, 加上增加了第七个按键, 使之成为十三键单簧管, 后来萨克斯为这种乐器装上了环键。 (2) 发明了带螺栓的金属哨片箍, 使哨片可以固定在笛头上进行演奏。 (3) 增加了管身后面右手拇指的手托, 演奏者可以牢靠地固定乐器进行演奏。

其优点在于, 简化了演奏技术, 使转调变得容易;能够演奏出更多的颤音, 解决了发音和指法方面的问题。这种单簧管成为当时大多数演奏家使用的标准乐器, 如意大利的卡瓦里尼, 英国的拉扎鲁斯, 等等。

1825年, 缪勒编写了一部单簧管演奏教程, 介绍了十三键单簧管, 并著有练习曲《为所有调性而创作的30首练习曲》。作为演奏家, 缪勒带着他的十三键单簧管进行表演, 音乐旅行遍布欧洲大陆, 成为早期的器乐演奏传播者。

3. 乐器完善阶段

随着作曲技术的不断提高, 作曲家对乐器演奏性能的要求越来越高。对于速度快, 变化音多的乐曲而言, 十三键单簧管显得有些难于胜任, 指法不够顺畅, 有些乐句根本不能演奏出来, 演奏者和乐器制造师们一直在寻找新的改进方式。

(1) 法式乐器

1843年, 巴黎音乐学院的单簧管教授亚森特·克罗斯 (Hyacinth Klosé, 1808—1880) 和法国乐器制造家小路易斯·奥古斯汀·布菲 (Louis August Buffet) 开始研制新型单簧管。他们把波姆研制的“圈键体系”这一套先进的装置移植到了单簧管上, 增加了环键装置, 使音孔的分布和指键的距离更加合理。手指可以一边按住音孔, 一边借助波姆长轴连杆去控制其他音孔。乐器在指法上变得更合乎逻辑, 演奏者的手指得到更多的自由, 可以在任何音上演奏颤音, 有利于技巧的展示。1870年, 这种类型的乐器成为法式乐器的标准型式, 并且开始在意大利、英国、美国和比利时等国家流行。

波姆式单簧管的研制成功, 标志着现代单簧管的指键结构发展已基本完成, 成为现在使用最广最普及的乐器。克罗斯由此被称为“现代单簧管之父”, 而布菲家族的乐器制造厂则以“布菲”品牌的乐器制造而闻名全世界, 是现在世界上顶级的单簧管品牌之一。

(2) 德式乐器

“波姆式单簧管”出现后的几年中, 并没有立刻取代十三键单簧管, 缪勒单簧管依然在德国、英格兰和奥地利等国家流行, 那里的演奏家和乐器制造家们正酝酿着对它进行改进。

1860年, 德国的卡尔·贝尔曼 (Carl Barman, 1811—1885) 开始构思如何改善单簧管。他和乐器制造家合作, 给缪勒的单簧管增加了五、六个按键, 将环键与长轴连杆的优点运用在乐器上, 改善了诸多不合理的运指法, 这款乐器一直沿用到20世纪初。他的运指比起波姆式略显不便, 但因在管身上的开孔数较少, 使得音质更加纯净, 特点是:乐器管径大, 音壁厚, 发音浑厚凝重、音色纯正圆润, 具有典型的德国单簧管学派风格。

1920年, 德国的奥斯卡·欧赫勒 (Oskar Oehler, 1858—1936) 对单簧管做了一些更为完美的改革, 在保持原德国学派传统音色的情况下, 解决乐器操作方面的不便, 发明出欧赫勒 (Oehler) 系统, 共有27个按键和5个环键。在音准方面比法式乐器更加优秀, 指法的便利性与法式乐器不相上下。

直到现在, 德国的音乐学院以教授德式欧赫勒体系乐器演奏为主, 德国交响乐团的演奏家们也均以使用德式欧赫勒体系乐器为主, 几乎不使用法式乐器。大多数的德国乐器制造厂商, 也以主要或专门生产这种体系的单簧管而著称。

现代音乐在不断地向前发展, 演奏家技术日益提高, 乐器制造商们也不断地提高乐器性能以满足演奏家的要求。我们有理由相信, 在不久的将来, 单簧管将会更加合理、完美。

摘要：单簧管是一种常见的西洋管乐器, 普遍应用于独奏、重奏、室内乐和交响乐团等。最初的形制十分简单, 是仅能演奏单音的欧洲民间乐器, 经历了百年发展, 成为能够展现优美音色和高超技巧的音乐会独奏乐器。作者参考了国内外许多单簧管专家的著作、论文等, 在前辈们的研究基础上进一步介绍了单簧管的发展。

关键词：单簧管,形制确立,发展

参考文献

[1]平克斯特波尔著.王旭青译.音乐小百科——单簧管[M].上海音乐出版社, 2007.

[2]科林.罗森著.章滨译.单簧管[M].北京:人民音乐出版社, 2007.

[3]迟铮.单簧管演奏入门与提高[M].北京:人民音乐出版社, 2004.

单簧管新指法的研究与有效运用 篇2

一、单簧管新指法在音准音色中的运用

对单簧管演奏加以评价,往往根据音准音色的完美程度评定,如何运用新指法,将音准音色把握得更加完美,是指法创新关注的重点。在音准音色中运用新指法,会根据音区差异而有所不同,现针对低、中、高三种音区对新指法运用加以具体阐述,指法主要以谱例的形式加以表示。

首先,小字组的E-B,小字一组C-#F,是低音区和次中音区主要包含的内容,在此范畴对单簧管新指法加以运用,主要有如下几方面的创新:小字一组C中采用的新指法,对于演奏抒情慢板部分而言,能够提高C音的音高,增加了作品的共鸣;而小字一组D中采用的新指法,则对D音有减弱作用,同音高的降低使声音更加柔和;小字一组E采用的新指法,对于弱音处理具有重要的意义,该指法将E音的音高在很大程度上降低,用按半孔的手法对音准调整起到了很大作用;对于小字一组F,该处有两种指法运用,两者之间存在较大差异,但是两者的作用效果很是相近,都可以提高音准的融合度;小字一组#F的新指法,主要具有提高#F音的作用,能够提高作品的共鸣感[1]。

其次,中音区对指法的运用。中音区对新指法的运用,主要是对管口B和C进行修正,通过修正这两个音的指法,使B、C音准变化更加平衡。左手食指按住E音键,演奏时采用双孔排气方式,是该区新指法的主要要点。

最后,高音区对指法的运用。在音准、音色等方面,高音指法的实用性能相对较弱,对指法要求的难度也较大。小字三组C运用新指法时,对于演奏者的气息和嘴型有较高要求,演奏者最好在放松的情况下采用;而对于小字三组#D,应借助右手无名指和中指,抬起手腕将键孔外圈按住,顺利打开音孔,这样音色才会更加明亮。

二、单簧管新指法在和弦音中的运用

单簧管演奏主要以单声部旋律为主,对于和弦音部分的研究和创作也相对较少,真正的单簧管和弦音产生仅是上世纪的事情,并且单簧管的和弦音主要是对指法排列组合的创新,当前对于和弦音指法的运用还受到较大限制,只有部分慢板演奏或者是特有乐段才会采用和弦音指法。但是,经过不断的研究创新,和弦音新指法仍取得了一定的成效[2]。

三、单簧管新指法在微分音中的运用

微分音一般是指1/4 音与3/4 音,由于单簧管演奏十分困难,对于微分音的掌握难度较大,基于微分音与常规音符之间等因规则相同,单簧管微分音在数值上出现了1/4 与3/4 相等,对此具体讲解,就是说明小字一组E降3/4,与小字一组D升1/4 是等同的,在其指法和音高方面该规则都适用。在单簧管演奏过程中,为了使作品更加完美,对于微分音指法进行充分运用,是当前单簧管演奏常常采用的方式,微分音新指法的创新成效更加显著。

四、单簧管新指法在代用指法中的运用

通过组合新的指法,可以提高单簧管演奏的实际效果,使乐句之间连贯自如,作品诠释更加有效,而指法方式的组合运用,一般被称为代用指法。新指法在代用指法方面的运用,主要体现在乐句连接和跳音两个方面。

第一,新指法对于乐句连接的运用。乐句连接自然连贯,能够使音乐变得更加悦耳动听,但是这对指法的要求非常高,对于新指法在音准音色、和弦音、微分音等各方面的运用要掌握,并将新指法与气息相互结合,从而到达乐句的完美连接。

第二,新指法在跳音中的运用。单簧管演奏十分困难,在很多作品的演奏过程中,会受到某些装饰音或者经过音的阻碍,一旦指法运用不恰当,将直接影响整个作品的效果。为解决这些音符的制约,需要运用新指法进行跳音,从而使演奏更加和谐自然。

五、结语

综上所述,单簧管指法技术的创新有所成效,不论是在音准音色中,还是在和弦音和微分音部分,甚至是在代用指法中,新指法都发挥了有效的作用,使单簧管演奏更加完美,更能够将音乐作品发挥到极致。但是随着时代的不断进步,单簧管指法不能止步不前,应在探索之中不断发展与完善,创新更多更优秀的指法技术。

摘要：随着时代的不断发展,作为新一代演奏乐器的单簧管,其演奏技术有了进一步的发展与成熟,单簧管的指法运用也有所创新,为单簧管的发展作出了突出贡献。本文将对单簧管新指法加以研究,具体分析现代创新的单簧管指法,希望能够供单簧管爱好者借鉴与参考。

单簧管的演奏与表演心理探究 篇3

关键词：单簧管,表演心理

艺术是伴随社会发展与人类文明进步的时代产物。艺术的形式多种多样, 而音乐艺术与其他艺术形式又有着本质的区别, 例如, 美术、书法作品和文学作品一经完成就可以与观众见面, 无需任何中间环节。音乐艺术需将音乐作品通过表演的方式来体现其艺术作品的内涵与价值, 是在表演过程中进行审美与创造, 也就是通过对音乐作品的二度创作, 才能使观众在听觉与视觉的基础上得到情感的升华。

单簧管是一种高雅的木管乐器, 它经历了西方音乐发展的各个历史时期, 在西方管乐器体系中占有很重要的地位, 其音色独特, 艺术文化价值深厚, 受到全世界音乐爱好者的青睐。作为专业的单簧管演奏员, 要想充分展现作品的艺术价值并形成自身的演奏风格, 需要扎实深厚的基本功、高超的演奏技巧和良好的艺术修养。同时, 充分的台前准备与良好的心理素质对表演的质量也起着十分重要的作用。

一、曲目选择与作品风格的准确把握

根据演出的性质来选择曲目是很重要的。演出的性质分为专业性和非专业性。专业性分为专业比赛和专业性的汇报等。非专业性主要是指一般性的文艺演出。性质的区分最终是根据观众的专业性和非专业性而区分的。无论是哪种性质的演出都需要在确定演出或比赛日期后尽快选择曲目。专业性曲目的选择除了比赛指定曲目外, 应根据自己的技术水平和风格把握的能力选择相应的曲目, 尽量选择完全能够驾驭的专业作品。非专业性的演出则应尽量选择观众耳熟能详、节奏感明显和速度欢快且篇幅不大的曲目。

音乐表现的最终目的是实现音乐作品的艺术价值, 评委和观众会根据演奏者对作品的理解, 音色, 技巧, 作品完成度和表现力等各个方面进行评价。所以应该结合自身特点, 选择能充分发挥自己各方面水平的曲子, 而不是一味的追求难度、技巧和速度。一首单簧管作品是作曲家的艺术结晶, 是演奏者酝酿情感的依据。

曲目确定之后, 要了解作品, 研究作曲家的创作意图、艺术构思、时代背景和艺术风格;根据作品的曲式结构、调性布局与和声色彩、乐句转换、情感变化等, 创造性地赋予乐曲新的含义, 充分揭示和发挥作品的主题思想。

二、演出场地考查与乐器状态调整

表演前需要提前体验演出现场, 包括观察演出场地的大小、室内还是室外、声音的传导性等等, 这些因素都直接影响着表演效果。原则上单簧管本身发出的声音不经任何传导设施直接传递给听众是最好的效果。场地的不同需要调整不同的乐器状态。如果是专业性的音乐厅, 有利于声音的传导, 应尽量奏出柔和明亮的音色, 这就需要演奏者选泽笛头时, 封口不宜过大, 哨片可以选择平时室内练习的厚度即可;非专业性剧场且观众在300人左右时, 应尽量选择略大于平时练习的笛头封口, 且哨片厚度要大于平时练习半号或一号, 这样演奏出的音色浑厚, 穿透力强, 但这种选择不利于作品细腻性的把握, 需要演奏者很好的控制;如果是室外演出, 需要借助声音传导设备, 笛头最好选择金属或水晶材质, 封口不宜过大, 金属哨卡, 哨片尽量选择稍薄或直接使用平时练习时的哨片, 这样奏出的声音有金属色彩, 较适宜在室外演出。

三、作品的熟练程度和完整度

作品的熟练程度和完整度是决定演出效果很重要的因素。熟练程度是演奏者对作品技巧性的整体把握, 体现着演奏者根据作品对乐器的驾驭能力, 这是演奏者必须解决的问题, 需要通过科学刻苦的练习才能实现。完整度是演奏者对作品的整体思维控制能力, 大多数演奏者都有这样的体会:在台下的练习过程中, 每一遍都会有不同的错误出现, 这不是单一的技巧性问题, 而是对作品整体思维控制能力不足的表现, 这就要求演奏者在注意力高度集中的情况下对把握作品整体形象进行严格的演奏训练, 发现问题及时改正, 并记在大脑中。通常情况下, 在演出前能够达到三四次整体练习不出现任何错误, 正式演出时作品的完整性就应该有保证了, 这样的熟练程度也是增强演奏者自信心的一个重要因素。

四、临场放松练习与调整最佳表演状态

紧张是每个从事音乐表演者都有的亲身经历, 紧张现象表现为心理变化和身理变化两个方面。通常发生在演出前和演出过程中, 主要是演奏者的心理紧张而导致生理紧张。

较大的心理波动首先发生在演出之前, 越临近上台, 心理波动的紧张感越大, 这是对演出结果的未知性的正常反映, 即人们通常所说的怯场, 在能够保证作品熟练程度和完整度的情况下, 演出前可以减少练习时间, 以利调整情绪。人的心理紧张与生理紧张相伴而生, 生理上的松弛往往会使心理上放松, 可通过以下几种方式来减轻心理的压力:

1. 调整呼吸法

可以采用腹式呼吸法。这种单纯的腹式呼吸比我们通常使用的胸腹式呼吸法更加放松。以坐式为例, 双脚踏平, 身体坐正, 双目微闭, 注意力放在腹部, 用鼻慢慢吸气, 吸气时腹部鼓起来, 气吸足后稍微屏息, 然后用嘴慢慢将气呼出。

2. 肌肉松弛法

做一些放松的动作, 例如伸懒腰, 震颤肌肉等。

如此多次重复, 可明显起到心理放松的效果。

总之, 音乐是表演艺术, 音乐演奏的过程是一个创造美的过程, 也是各个环节协调配合的过程。作为听众与观众, 他们想得到的并不是机械的演奏技术, 而是有思想、有情感的音乐。因此, 作为一名优秀的单簧管演奏者, 既要有美妙的音色、扎实的技巧, 同时还要具备较高的文化素质和音乐修养, 如此才能在长期的艺术实践中形成自己独特的演奏风格。

同时, 在日常的教学中要经常将演奏技术的娴熟与艺术修养的提高相结合;也要将艺术的表现、独特演奏风格的培养等等都放在演奏的运动规律上去思考。只有这样, 才能在演奏的过程中准确揭示作品, 在演奏过程中真正体现出自身的审美创造, 达到情真意切的艺术境界。■

参考文献

[1]陶存孝主编.单簧管艺术[M].北京:中国音乐家协会单簧管学会会刊, 2001

[2]卿烈军刘长何主编.单簧管艺术[M].北京:中国青年出版社, 2007

[3]黄希亭著.心理学导论[M].北京:人民音乐出版社, 2002

[4]振民著.音乐理论与教学[M].上海:上海音乐出版社, 2003

浅论单簧管的演奏与教学实践 篇4

关键词：单簧管

单簧管成了我挚爱的乐器,演奏各种乐曲成为我孜孜不倦的追求,永不满足的渴望。因此在1981年我成为专业团的青年演奏员。在学习理论与实践的过程中,在领导的关怀与同志的帮助下,我融入了齐心奔上进的整体。崇高的理想是为祖国文艺界贡献力量,使我开始了一个阶梯又一个阶梯的攀登。专业进修,拜师学艺使我得到了乐理真髓和提高造诣的捷径。三位名师:孟欣老师,雷明礼老师,周泰老师对我悉心教诲,关爱有加,使我终生感恩。

单簧管成为我爱不释手的伙伴,吹奏单簧管是我每日必不可少的功课,加劲把基本功夯实。

登台演奏的生活,由于主题不同,风格各异,倘不能灵活变通便会平板单调,无妙可言。

人类社会不断进步,追求理念求实求新。单簧管的起源于衍变以及广泛流传当然不能脱离历史背景与所处的现实。对这一点,每个学习黑管的人不可不知。

至今仍被简称为黑管的单簧管,在十七世纪末至十八世纪初已风靡整个欧洲,起名叫查鲁斯。中国管它叫竖笛,又名简易单簧管,这件乐器很受人喜欢,经过欧洲和法国制造商联合几度打造,加上几次键子,一直到1825年—1827年,这件乐器才得到完善,就是现在常用的17键高音b B调单簧管。它的音域为三个半八度。它的问世,弥补了木管组的残缺,为之增光添彩。此后,世界各大名曲作家,如:贝多芬、韦伯……纷纷为它谱曲。所以使这件乐器在演奏室内乐、室外乐、独奏、重奏、合奏都占有一席之位。在不同场地发挥极致,美妙无双。

作为一个演奏员,既然已全身心投入这个专业,就必须爱一行专一行,不断总结经验教训,由点滴的体会积累成宝贵的经验。力戒偏差失误,至为重要。

参加单位大、中、小规模的演出是如此,壮年时期分别教不同年龄段的在校学生学习单簧管的演奏本领,使其达到熟练技巧,也是如此。

演奏时,要挺胸抬头,目视前方,管体离开身前方30度至35度,右脚向前迈出小半步,犹如稍息姿态,手形往上方倾斜,手指自然弯曲,犹如抓馒头一般,有力且灵活。保持正确的口型,下唇包住下齿,上唇含住笛头,双唇向两侧微拉,似乎抿嘴微笑。面部表情自然是欢愉神态。呼吸采取深腹式吸气方法。吹奏之前要把体内余气呼出,吸气时要快速多吸。发音吐气像微风一样平稳均匀,不要颤抖,听起来发音结实,没有缝隙。坚持不懈就会打好坚实的基础。对未来的进一步学习演奏有很大帮助。

积久成良习,独奏也自如。在以独奏形式演绎作品时,就能把主题、变奏、散板、抒情、快板等层次表现得淋漓尽致。

独奏既然是独擅其长,就应该有自成体系,独揽优势的思想准备,一气呵成贯彻始终的信心,演奏过程中,演奏员要充分体现作品本身的深广内涵,以疾徐变换,跌宕起伏引人入胜,以极其饱满的情绪,逐渐推向高潮,使观众受到启迪和鼓舞。甚而有身临其境,人同此心的感觉。音响戛然而止,尚有余音缭绕。轰然喝彩,这便是圆满的收场。把握好阶梯递进式的演奏要领,渴望收到事半功倍的效果。

教学生学习单簧管时,本着循序渐进的原则,由浅入深,逐步提高。每学习演练一支乐曲时,教师做了示范演奏之后,便让学生自己吹奏,老师提出要求,学生一一做到,贵在讲清道理,防止机械模仿或产生依赖思想。

要独奏,专业演奏员尚恐有怯台的潜意识存在,以至妨碍演出成功几率。更何况是初学乍练的青少年呢!因此,教师必须帮助学生树立信心,坚定意志。就像培养独立工作能力一样重要。当学生能独立连贯地吹出一支乐曲时要鼓励,发现有差错时,要及时指导改正,不能加以呵斥。通过反复练习,终能达到要求的标准。

在吹奏乐曲时,发现学生太拘谨,我让他们放松,对每个音符都不可演奏的过于呆板。要活灵活现。因为音符是生命,节奏是灵魂。打个比方说:手里有一只鸽子,不要攒紧,放飞它,等于是飞向音乐领域的长空。

进一步要求发音要准,不能似是而非。吐音含混,谓之音质不纯;音节错乱,谓之缠夹不清。音要准,节奏要稳,赋予感情色彩的变化。这和识字读准字音同样重要。

一、独奏见本领,见胆识,见魅力,是万万不能忽视的。

参加管类乐器的竞赛,评定等级的测验,都是一身亲赴,不能借力于他人。切记:一毫也疏忽不得。思绪稳健,考虑周详,练成过硬本领,掌握纯熟技艺,无往而不利!

合奏,是多种乐器同台演出,共同表现一个主题,音响效果自非独奏可比,或管弦齐奏,或错落纷繁,声势豪壮,音域拓宽。键盘乐器、管乐器、弦乐器,各尽其能,各展其才,但绝对不是标榜个人,而是要发扬凝聚力强、旗帜鲜明的团队精神。所以,每个演奏员都要通晓全部乐曲,要有全局观念,把自己演奏的部分与整整齐齐,严丝合缝的作品,密切配合,犹如分航同舵,分关把口一般,无懈可击。无疵可遣。既然是个庞大的演出队伍,那么就要做到排列有序,端肃坐姿,不能左顾右盼,不能显出丝毫的懈怠和轻漫神色,更不允许有任何小动作。段落衔接上,抢前错后都会造成不可弥补的损失。俗话说:“齐心协力,唱一台好戏。”言浅意深,可资借鉴!

二、多重奏的演练探新,使我们在单簧管的发展上向前迈进了一大步。

第一次是用《游击队之歌》为版本,编排了三重奏。雄伟的歌词,悠长的气韵,使演奏的学生受到了深刻的爱国主义教育,受到了英雄气概的感染,学英雄肝胆,爱党爱国爱人民勤奋学习,成为伟大祖国建设者、保卫者。做革命事业可靠的接班人。

单簧管的发展与研究 篇5

1.1 正确的呼吸

1.1.1 呼吸在管乐的演奏中是个关键, 对音色的质量起着决定作用。

吹奏单簧管要首先学会如何正确的吸气, 特别是正确呼气。演奏管乐的呼吸方法与我们平常呼吸是一致的, 一般采用深呼吸, 也称为胸腹式呼吸。遇到快速演奏时, 深呼吸来不及的时候, 也可采用急呼的方法。

1.1.2 呼吸对于正常人来说是一个正常运动。

一般不会觉察到它的存在, 呼吸是每个人必须需要的, 对我们正常人来说可以延续我们的生命。

1.2 长音练习

1.2.1 练习长音是掌握呼吸的重要途径。

也是固定嘴型、训练嘴部肌肉、提高声音的控制能力的重要途径。

1.2.2 管乐的长音如同手风琴的风箱, 是产生声音之源。

管乐不用气吹, 乐器不会吹声音。管乐吹奏最本质的特征是长音加手指。在长音中手指按乐谱去动作, 构成了乐曲。因此长音非常重要, 是学习管乐的基础。

1.2.3 胸腹式呼吸, 是正常呼吸法。

吸气时, 胸腔扩大, 横膈膜向下压缩, 小腹收缩, 腰部感到四周膨胀有力。换气时最好用嘴换气, 不要用鼻子, 将嘴角稍微放开吸气。吐气时, 利用控制能力, 使气息能够均匀、逐步吐出。

1.2.4 长音练习要记住两个关键点。

第一, 不要气吹尽了才换气, 这样会喘气, 更减慢了换气的速度。第二, 嘴角不动, 闭嘴只用鼻孔吸气时不对的。

1.2.5 练习长音应做到三个注意。

第一, 发音要有音头, 要清晰。第二, 接下来的长音部分声音要平稳, 力求不要抖音。第三, 最后收音时留下一点余音, 不要太秃。

1.2.6 长音练习力度分为:

弱、强、从弱在渐强在减弱进行。 (尽可能的在一个较长的时期坚持这三种不同力度的练习)

1.3 乐曲中的呼吸

吹奏乐曲中的过程中应该注意:呼吸的运用, 就好比人说话一样, 应该在一句话说完以后再换气, 吹奏乐曲是也是一样的。

2 单簧管演奏中吐音的要领

2.1 吐音的种类及特点

吐音是吹奏乐器的一个重要技术。单簧管演奏上分为连音和断音。初学者拿起单簧管的第一件事, 就是吹响它, 这就涉及到发音问题。发音是指把含在管嘴含在嘴里, 舌头自然放在哨片之下, 气息吹入管嘴的同时, 使哨片震动而发声, 舌头离开哨片, 声音也被吐送出来的一瞬间。舌头堵住吹口就发生断音现象, 舌头离开吹口声音就继续发出。

2.2 练习吐音的要领

练习吐音时, 舌尖部分要堵住哨片的尖部位, 舌头离开哨片的一瞬间马上又堵上, 使声音短促。这样的短吐舌需要一个较长时间的练习才能演奏好, 练习可以先用中等的速度, 不要太快。可先用“G”练习, 因为“G”发音比较容易。

吐音练习要领分为单吐音和双吐音两种, 要领各有侧重。

2.2.1 单吐音练习要领。

在练习的过程中吐气不要中断。吐音的力量也不要过大。舌头不要过度紧张, 舌尖部分堵住哨片不要过于用力, 以能接触到就可以了。练习吐音时最好用四个音为一拍, 任何练习都应该保持有节奏的进行下去, 没有节奏的练习应该避免。

舌头收缩时候, 距离哨片尽可能的短一些, 使气流能通过就可以了。

2.2.2 双吐音练习要领。

双吐, 就是用舌尖和舌根循环吐音。吹奏连音时, 舌头的动作必须特别的平稳, 反之, 会由于舌头的任何一个小动作都会使联姻的圆滑性受到影响。吹奏从特强音开始时, 舌头必须果断的、尽快的离开哨片。像弹簧一样。在音的断奏时, 音符上方有句点, 这时舌头要自然的、轻轻的像前面推进, 舌头的向后缩回也要特别的快。在演奏个别不间断, 又不相连, 音符上面没有小点, 也没有连线, 舌头应该特别从容。特强音要求舌头较有力的推动, 之后就弱下来, 一直到吹完这个音的时值。当力度发生变化时, 也要或多或少的变化舌头的动作。为了练习舌头的灵活性, 在吹奏开始时就要练习舌尖的推动, 并且逐步加快舌头运动, 只有在舌头的推动练习踏实之后, 才可以换另外一种动作。

摘要：音乐无国界, 随着文化交流的日益发展, 单簧管的演奏成为西洋乐器中无可取代的组成。呼吸与吐音的单簧管演奏的重要基本功, 要领的掌握与演奏成功与否密切相关。本文从呼吸与吐音的要领入手进行分析, 是长期演奏与训练中所得, 以期与同行共享。

单簧管的发展与研究 篇6

普朗克单簧管奏鸣曲, 是普朗克室内乐作品的一部代表作, 深刻体现了普朗克晚期的创作风格。乐曲第一乐章就涵盖了快慢快的结构形式, 这种结构形式是由普朗克深刻的创作背景与创作意图衍生出来的, 演奏时通过复杂的速度变化, 丰富的节奏形式, 独特的乐思, 夸张的音乐跨度, 体现了作曲家晚期对社会与政治的严肃思考;第二乐章为轻柔的、浪漫的曲调, 让听众充分感受到了法国独有的浪漫情调;第三乐章为火热的快板, 乐曲的技巧难点也集中体现在了这里, 复杂的节奏型, 变化音与大幅度的音高跨度, 主要技巧包括重吐、平衡音、装饰音、颤音等, 技巧之难, 即使是最优秀的演奏者也视其为挑战。

二、普朗克奏鸣曲的演奏技巧

(一) 第一乐章的快板

普朗克的单簧管奏鸣曲, 几乎是每一个专业演奏家在公开场合都要表演的乐曲。因为技巧性是这首曲子的灵魂, 开头三个小节为每分钟138拍, 谱面是十六分和八分音符的音型不断重复, 不停地刺激听众的神经 (参见谱例1) 。五次反复后, 随着最高音小字三组的降“sou”进入高潮, 紧接着乐曲急转直下, 迅速由亢奋的状态归于平静, 以两组短促的段音回到起点 (参见谱例2) 。短短几个小节, 普朗克通过娴熟的运用单簧管各种演奏技巧把音乐的主题烘托得淋漓尽致。

要演奏好这一段, 重吐与气息的配合紧密相连, 吐音需要气息作为支撑才能奏出力度, 气息的力度与重吐的强度呈正比。熟练运用这个原理后, 把它用到每个重吐上才能把音乐以合理的音色推向高潮。顶端三个平衡音“fa”“mi”“fa”把乐曲推向顶点, 处理上依然是气息的连续支撑。下行时, 第六小节两组段吐短促有力, 舌头不能过重或过轻。过重体现不出下行的感觉, 太轻又缺乏颗粒感, 情绪就很难再继续下去, 这种演奏力度介于重吐和段吐之间, 需要舌头充分控制发音的力度。练习时, 可把节拍器调成慢速, 反复体会舌头的力度, 随后再慢慢加速, 这种方法叫做“慢速体会法”, 在下文中会多次提到并作更细致的解释。此外, 主题结束是在第7、8小节, “p”的力度预示着第一次高潮走向回归, 也预示着下一次暴风即将来临。

谱例1 (第1~3小节)

谱例2 (第6~8小节)

当普朗克用精湛的作曲技巧一次又一次的诠释着这首暴风骤雨般的奏鸣曲的时候, 听众再次被强烈的强弱落差和善变的速度形态所打动, 然而在这一系列的背后出现了一个让听众意想不到的平静, 像一双冷峻的眼睛注视着整曲浮夸的曲调。“p”的力度符号在第40~41小节的出现非常显眼, 仿佛四周顿时安静了下来, 重吐的符号照旧, 然而演奏却与前面的重吐大相径庭。第一个音要像小精灵一样跳出来, 俏皮, 干净, 此时嘴迅速收紧, 让下唇微微抵住哨片, 帮助压低音量, 用舌头小心翼翼地在笛头上碰触, 继而瞬间收回, 其它的音用腹部的气压顶好后一代而过即可, 无需刻意发力, 整句乐曲只需“弹”出第一个音, 呈现出“大头小身”的形状即可。在指法上也出现了特殊的运指, 左手小指与右手食指反向配合, 一个抬起的同时另一个按下, 这在单簧管指法中是个个例, 演奏时极易出现杂音, 演奏者需要对指法非常清晰才能达到要求, 这时“慢速体会法”则是唯一能够解决问题的方法。首先把速度调整到原速的四分之一, 用极慢的速度反复进行练习, 慢慢熟练后再适当增加速度。速度的快慢可根据演奏者的实际情况进行调整。以此类推, 速度越来越快, 练习的次数逐次递减, 手指也越来越干净, 最后到达谱面要求的速度即可。

随着这两组小精灵的谢幕, 乐曲又迎来了新一轮的起伏, 这种大起大落的情绪几乎贯穿着整个乐章。然而, 当听众几乎对这种情绪已经习以为常的时候, 作曲家曲风一转, 立刻把听众带入了平静。第78~104小节把听众从波涛汹涌的大海带入了安静优雅的森林, 作曲家不停地使用双附点加六十四分音符重复着同样的旋律, 这旋律开始听起来似乎感觉到悠然, 恬静, 安详, 然而随着一遍又一遍的重复, 听者心理产生了变化, 似乎在表达一种无奈, 一种哀怨, 他意识到了即使有前面的波涛汹涌, 前赴后继, 然而最终还是逃不过失败的结局, 这是在为年少轻狂而反省与自嘲, 正与普朗克晚期偏向严肃政治性风格相符, 体现出这首乐曲的深度。

(二) 第二乐章的浪漫曲

第二乐章是浪漫曲, 进入这一乐章终于体会到了法国人久违的浪漫。开头两小节作为引子, 乐曲从漫不经心的极弱开始, 然而听众刚刚探究到引子的旋律, 情绪立刻转变为极其自由的强音, 仿佛在告诉听者, 那个年少轻狂的普朗克又回来了。这里演奏的时候, 需要强大的气息支持第一个重吐, 演奏时尤其要注意音色的把握, 作曲家需要的是放松的重音而不是撕心裂肺的重音, 做到这点要气息下沉, 重心在腹部, 口腔放松且张开, 呈现“下紧上松”的状态。紧接着两个延长音符号同时落在了小字二组“la”上面 (参见谱例3) , 这进一步体现了法国浪漫自由的风格。这两个音之间是递进的关系, 第一次对“la”只是点到为止, 演奏者做适当的延长, 只要演奏平稳即可, 而第二次的“la”沿袭第一次的长度与力度并给与加强, 短暂的强调之后迅速渐弱, 承接后面三十二分音符下行音阶, 仿佛在表达一次又一次的努力而无果的失落情绪。“la”的处理需要演奏者充分体会作曲家的心境, 一方面抱有极大的希望, 另一方面还要面对结果与之相反的巨大失落。

谱例3 (第3小节) :

第11小节进入这一乐章的主题, 优美与浪漫的情绪弥漫着整个乐章, 仿佛听众闻到了阵阵花香。

(三) 第三乐章的演奏技巧

乐曲开头由钢琴弹奏出一个重音后便引出单簧管暴风骤雨般的主题, 开头使用“ff”的力度在告诉听者新一轮的抗衡又一次到来, 此乐章主题的演奏需要具有穿透力, 仿佛是一把利剑直穿听者的心里 (参见谱例4) 。开头的重吐尤其重要, 腹部需要强有力的气压, 之后利用腹部的气压轻轻弹出舌头。第3~4小节三个连续32分音符要有向后撤的感觉, 之前的附点16分音符的休止需要准确无误, 多数演奏者由于运指太快, 往往出现提前进入32分音符的情况, 这样虽然速度跟上了, 但乐曲节奏出现了混乱。作曲家本意是想表现革命你追我赶的紧张气氛, 这种混乱的演奏对乐曲本意的紧张感便打了很大的折扣, 中心含义也就没有那么准确。

谱例4 (第1~4小节) :

第三乐章第18~20小节音乐走向进入高音范围, 且配合段吐技法演奏。这时注意段吐要轻巧、干净、短促, 高音区要保证每个音的音准, 这是对演奏者基本功与演奏水平的考验。充足的腹部气压是演奏的基础, 如果演奏者对气息运用不熟练, 在演奏前需进行气息练习, 使用胸腹式呼吸法。其原理是先将气吸到胸腔里, 在吸气结束的瞬间使气息向下挤压横膈膜, 进而让横膈膜产生气压激发哨片。初学者通过练习长音重复这个过程, 先慢慢体会气息下沉的感受, 当演奏者能够准确找到腹部的位置后, 再按照以上方法进行完整的练习。这里要注意的是, 这种练习要贯穿于每天的基本功训练, 而非一蹴而就即可完成。气息问题解决后, 接下来要进行段吐练习, 即舌头轻触哨片。这里要注意两个位置:第一个位置是舌头碰触的位置, 要用舌尖去碰触, 这样做的好处是缩短舌头每次接触哨片的距离, 进而增加舌头的灵活性;第二个位置是碰触哨片的位置, 大多数人往往选择是哨片尖向下3到5毫米的地方, 认为这样的吐音比较好发, 易于上手。而正确的方法则是舌头碰触哨片尖部才是正确的位置。这样做的好处是, 吐音可以轻巧短促的发出来, 符合这首乐曲的要求。

第三乐章最后一个小节指法较为复杂, 且力度要求“ff”。倍高音区指法不同于低音区规律的运指, 手指跨度较大, 此时需要用“慢速体会法”。笔者建议此处以八分音符为一拍, 使用80的速度练习, 先增强手指的位置感。练习五十遍以后, 位置感增强, 此时可适当加快速度, 反复练习。指法问题解决后, 按照谱面要求增加力度, 很多演奏者由于演奏音高的原因嘴会咬的很紧, 这样会严重影响力度的表现, 因为嘴咬的紧就会限制哨片的震动。众所周知, 物体震动产生声音, 反之, 不震动或限制震动自然也就不会发出好的声音。正确的方法是口腔上下颚打开并放松, 腹部力量顶住, 这是发出强音的基础。下唇微微给哨片一点力度, 保证音准即可。

三、结语

本文通过对普朗克单簧管奏鸣曲的深入分析, 系统地阐述了第一乐章的结构特点、第二乐章的气息运用以及第三乐章的演奏技巧, 作品的演奏难点集中体现在复杂的节奏型、变化音与大幅度的音高跨度, 包括重吐、平衡音、装饰音、颤音等, 通过复杂的速度变化, 丰富的节奏形式, 独特的乐思, 夸张的音乐跨度, 体现了作曲家晚期对社会与政治的严肃思考, 而作品轻柔、浪漫的曲调, 也让听众充分感受到了法国独有的浪漫情调。

摘要：弗朗西斯·普朗克 (Francis Jean Marcel Poulenc, 1899年1月7日-1963年1月30日) , 是著名的法国作曲家和钢琴家。在室内乐作品方面, 他曾为各种乐器创作奏鸣曲, 其中的单簧管奏鸣曲是他晚期的一部代表作, 深刻地体现了普朗克晚期的创作风格。本文探讨普朗克单簧管奏鸣曲的乐章结构、情感运用与演奏技巧, 旨在加深对作曲家创作情境的理解, 高质量地把握和演奏单簧管奏鸣曲。