雕塑创作的反思论文

雕塑创作的反思论文（共10篇）

雕塑创作的反思论文 篇1

在人类文化艺术发展的过程中, 雕塑始终都以不可替代的样式而存在, 各个历史时期的雕塑作品都在以不同的时代特征展示着人们对真, 善, 美的追求。20世纪末21世纪伊始, 在“西风东渐”和“东学西渐”的文化艺术碰撞中, 雕塑艺术也在发生着深刻的变革, 包括架上雕塑在内的许多艺术创作都受到了新思想和观念的影响, 审美观念和创作思想的不断更新变化, 给当代雕塑艺术的创作者提供了新的动力和方向, 各种艺术样式异彩纷呈, 应有尽有, 尤其是年轻朋友的创作更体现着新时代的潮流和前卫的思想, 扮演着艺术创作中“弄潮儿”的角色, 作品反映着他们对身边环境和当代文化艺术的思考, 展示了一种暂新的艺术气息和风貌。然而, 在许多展览中我们不难发现雕塑作品中形式和内容的关系方面存在着许多基本的问题, 需要我们重新审视雕塑创作的规律和原则, 在对这个老生长谈的问题进行反思和重新审视后, 认为这种关系应为首先雕塑作品形式要具有悦目性特点是首要条件, 其次雕塑作品内容要有对真善美追求的侧重是重点方向, 再次作品的内容和形式要有内在的关联性是雕塑创作中始终如一贯穿的主线。

一、形式的悦目性是架上雕塑的第一要素

艺术作品是人类精神文明和物质文明的结合体, 虽然在新时代, 有新文明, 新思想, 新科技和新工艺等方面的不断更新, 雕塑艺术的样式风格和内涵思想均在以一种宽松的姿态绽放异彩, 但这些作品在任何时候都应该能给人带来视觉的享受, 同时展现着现代人的文明和时代美感, 能引领人们畅游于新形式, 新思想的愉悦的三维视觉艺术世界当中。在这个自由创作的时代里, 从事艺术创作的人们拥有着随意和自由发挥的空间, 如雕塑创作的边缘化, “泛雕塑”、“非雕塑”化现象的出现, 但这种自主性和“无标准”的雕塑创作自由也造成了一些不健康的艺术现象的发生, 使雕塑的创作已没有了合理而明确的定义和界定, 这种随意性就像一把双刃剑同时也使本该具有真, 善, 美的高雅艺术气

和谐社会的全局。注释

1. 马克思恩格斯选集:第4卷[M]人民出版社, 1995 383-384

2. 胡锦涛在省部级主要领导干部提高构建社会主义和谐社会能力专题研讨班上的讲话[N]人民日报, 2005 06 27, 第1版

3. 马克思恩格斯选集, 第四卷M 1人民出版社1995:383

4. 马克思.1844年经济学—哲学手稿M.人民出版社, 1979:72

参考文献:

[1]胡锦涛在省部级主要领导干部提高构建社会主义和谐社会能力专

息的作品趋于庸俗化, 甚至变为丑恶, 丑陋和丑化的作品形象, 在历届高校毕业生作品展中呈现较多。这些雕塑作品对于形式奇特, 色彩鲜艳, 材料新颖的新生代的追求和探索, 产生了一些耳目一新的作品形式, 但这种孤立的对形式的探索方向却偏离了视觉美感的轨迹。我们应该清醒地认识到任何不堪入目的新, 怪的形式只能使人们吃惊而不会吸引观者对作品发生更大的兴趣。现在的某些作品为了吸引别人的注意力, 就在形式搞怪上下功夫, 刻意的标新立异, 钱绍武先生称其为“怪叫一声”的现象, 这种形式的创作思想在目前的创作中屡见不鲜, 它不是按照艺术的规律进行的艺术活动, 必须拨正这种创作倾向, 以艺术内涵表达的需要为基点进行具有悦目性艺术形式的探索才是可持续发展的道路。另外在雕塑作品的欣赏中, 需要有优美的形式作为第一要素才能在作者和观赏者间架起沟通和交流的桥梁, 有新的思想观念, 却没有动人悦目的艺术形式, 就没有引领读者和你深入交流的保障。雕塑作品正是由于有了悦目性和冲击力的形式才会夺取观者的目光, 带领人们进一步品读作品的内涵, 因此, 雕塑艺术的形式美感在个作品中具有首要的, 第一位的价值。

对于架上雕塑创作来说同其他艺术一样, 创作的灵感来自由材料和形式美引发的顿悟, 或是对生活, 人生以及心理深层的触动而产生。一件优秀的作品是通过一定的物质材料和艺术手法形成的物质形式, 它依附于对精神内涵的表达和诉说, 这种表达则需要以形式美为载体。无论是材料、色彩, 还是工艺、技法等都是构成作品形式的有力要素, 从这些角度深入地进行实践和探索才能产生有意义和价值的艺术样式, 同时这些艺术形式就自然地表达了人们的内心情感。

因此, 重视艺术形式美感是基本前提, 雕塑的形式美感是作品和欣赏者沟通的第一要素, 没有悦目的形式就没有吸引读者品读作品的叩门石, 也称不上符合视觉艺术形态范畴的美术作品。因此, 使作品具有悦目性的形式是构成优秀架上雕塑作品的基石。

二、内容的文学性是架上雕塑的核心

艺术是精神层面的表达。雕塑艺术的创作是由对宇宙, 人生, 对自然, 生活有所感悟之后寻求的形式寄托的一种创造行为, 也可能是因为某种具有美感的形式偶遇后对作者视觉和心灵的碰撞而产生的。在艺术作品中, 无论思想和文化上存在多么大的不同, 地域的差距上有多么大的差别, 却都可以是在对自己的认识、见解、情绪和感受的基础上寻求到的一种不同的形式观照。形式美能给人留下深刻的印象, 观赏者会在美的形式的吸引力下去品味作品内涵, 但印象能否深刻长久最终却要取决于作品内容的深度和格调的高低对读者的影响, 也就是作品所反映思想内容的程度。雕塑作品之所以需要体现一定的思想性和文学性, 是因为无论何种材料和形式一旦脱离了丰富的内容, 形式就会显得乏力和无趣, 作品就不具备感人的生命力。思想性和文学性的内容虽然来自对生命的思考和体悟, 对历史和现实的再认识, 但在对于历史题材和内容的重新品鉴, 认知和升华中, 还要以一种认真的, 严肃思考的探索精神和创造能力来形成闪现着感性和理性结合光芒的智慧结晶, 这样创作出的雕塑作品自然不会是流于单纯的符号表现, 更不会是丑化, 恶搞和调侃的丑陋形式。那些对整个社会状况, 个体生存状态的诉说都可以使作品体现出感性唯美和理性哲思的精神含义, 甚至文学性都可以作为作品境界的一种审美诉求。有了这样的深刻思想和耐人品味的哲思意境, 作品才会光彩夺目, 才能引发人们更多的思考, 在作品和心灵之间产生更高层次的情感和理性的碰撞, 启迪心智。

题研讨班上的讲话[N]人民日报, 2005 06 27, 第1版

[2]马克思恩格斯选集:第4卷[M]人民出版社, 1995 383-384[3]马克思恩格斯选集, 第四卷M 1人民出版社1995:383

[4]马克思.1844年经济学—哲学手稿M.人民出版社, 1979:72

[5]李红卫“生态文明建设——构建社会主义和谐社会的必然要求”, 学术论坛, 2007 (6)

刘莹 (1974——) , 女, 汉, 贵州商业高等专科学校社科部副教授。

演唱者如何深层表现歌词内容

段小丽 (甘肃省西北师范大学音乐学院730070)

摘要:声乐是以音乐和语言两者紧密结合来表达作品思想情感的一种综合性艺术。声乐区别于其它器乐最大的特点是以人声作为乐器, 而且这种乐器能够清晰表达歌唱语言即歌词的具体内容。因此, 作为声乐, 深层、清晰地表现歌词内容至关重要。本文试图从演唱者的角度就如何表现歌词内容及它的文学性做一探析。

关键词:演唱者;歌词;文学性

我国老一辈著名歌唱家苏凤娟曾说任何一位成功的演唱者在演唱任何一首歌曲时, 都要首先从歌曲的内容, 即文学性内容出发, 然后根据内容的需要运用不同的声音。我国“人民音乐家”冼星海也曾说:“歌曲是歌词与曲调的化合, 歌词在歌曲中占了决定地位, 一首歌曲有意义与否, 差不多从歌词就可以看到一部分”。[1] (P250) 可见, 作品的歌词及其文学性不论是在演唱过程还是在声乐作品的创作过程中, 都占有不可替代的份量。因此, 演唱者对其必须进行深入体会和研究。

一、了解作者及歌曲的创作背景

1.了解作者

每位作者所处的时代、社会环境、以及当时作者本人的身份和社会地位, 都会深深地影响甚至决定他们的创作。如词作者的文学创作特点及风格, 曲作者的艺术创作特点及风格等。

2.了解歌曲的创作背景

范晓峰先生曾指出“任何声乐作品都是一定历史时期的产物, 这是它原生的存在基础, 也是它生长的基本土壤”。[2] (P227) 了解了创作时代, 演唱者便会根据作品有意识地将自己假定在某一具体时代, 这样就很容易从时代方面去把握作品。如果不了解特定历史条件与时代背景, 不掌握戏剧情节的来龙去脉, 只按照字音和旋律的变化漫无主次地去唱, 这种无情之曲是永远不会感人的。

然而在当下众多的专业或非专业的展览中, 许多雕塑作品虽然也在努力诉说着某种理解, 思考和看法, 但作品却过于简单和直白式地诉说, 有些专家称其现象为图说或图解。这种情况几乎在当前的任何一个展览中都能找到影子。这些作品我们不可否认作者在实践探索中所做出的努力, 然而其作品所表现出来的感染力, 思想内涵和文学的诗意性却远远不够。如果我们对积淀下来的优秀的文化艺术作品进行品鉴的话, 那么它们无不在除了独特的形式之外还用它发人深思, 蕴藏深刻内涵的文化背景来感染和启迪着我们的心智。历史是可以借鉴的镜子, 优秀的作品是可以帮助我们前行的坐标, 当代架上雕塑对于内涵和外延的理解已逐渐趋于宽泛甚至偏颇, 但如果要想创作出优秀的雕塑作品那么在内容上的努力仍是重中之重。简而言之, 内容是作品形式探索的依据, 在艺术美的创造中, 不能盲目, 单一地追求雕塑作品的形式, 只有具有了积极健康的思想性和文学性精神内涵的艺术创造才具有价值和意义。

三、形式和内容互为关联是雕塑作品的基本原则

对于所有的艺术作品而言, 内容和形式是构成艺术美的两个基本因素, 它们之间对立统一并相互依存。一件优秀的艺术作品的产生需要作者为此付出艰巨的脑力和体力劳动, 也就是需要对生活, 对社会, 对人生充满热情和激情, 用自己的眼睛和心灵去感受并体悟身边的人、事、动态和社会, 需要艺术家长期不懈的思考和积累。而在当代展览中所展示的一些作品, 其形式和内容存在着较大的脱节, 例如有的为表达某种观念, 在形式上过于追求独特的效果, 标题则是不为熟知的词汇, 作品的标题和形式没有成为诠释作品灵魂的媒介, 这种情况是层出不穷。还有一部分作品故弄玄虚, 往往会让观者失去欣赏作品的兴趣, 表现的许多内容和格调过于平淡、冷漠、低俗。我们在仔细品读时, 不少作品令人费解到形式和内容没有任何联系性, 更谈不上和谐完美的统一, 而且有的甚至仅仅是一种形式, 这样的作品不会给观赏者留下很深的印象, 也很难触动人们的心灵, 单有形式没有感人内容的雕塑是空洞苍白的, 脱离了内容去寻找形式是没有意义的。美, 应该在各类艺术展览中最大“尺度”地得以呈现, 艺术美不但是外在的形式体现, 还有深层的内涵和诗一般的意境流露, 这两个方面的协调和结合才能起到陶冶观者情操的作用。真, 善, 美在艺术家的创作中应该始终都是他们创造美追求美的主要方向和

二、深刻理解歌词内涵, 准确把握情感基调

邹长海先生指出“语言的作用广及一切感受, 特别是作曲家和歌唱表演家在创作和再创作过程中要进行形象、情感、声音、审美等思维活动, 这些思考和思维又必须通过歌词来进行分析、综合、概括和体验”。[1] (P248) 可见, 歌词的文学性在声乐作品中占有非常重要甚至决定性的作用。歌曲中的人物形象以及事件发展的过程也主要通过歌词来描述。不但如此, 语言形象也是表现歌曲情感最有力的手段, 因为歌词是主体生活感受的物化结果, 是主体真实情感的流露。有些歌曲的歌词还包含着内在潜语, 这就意味着不能始终只停留在歌词的表面, 做粗浅的理解和表现, 而要挖掘文学内涵, 给予语言以生命和灵魂。只有这样, 才能准确展示作品的主题思想。

三、分析曲式脉络理清歌词段落层次

人们把音乐称为流动的建筑, 而曲式脉络则是构成建筑的主要框架, 也是为了适应歌词的整体结构与表达而形成的严谨而规则的结构结晶。它是词曲结合的书面布局, 是演唱时音响流动的脉络, 提供演唱时的基本行腔规律。演唱前如果不分析理解, 就很难把握它的整体构建。演唱者既要从歌曲曲式的主要脉络着眼, 还要理清歌词内容的段落层次, 演唱者才能随着音响流动的清晰脉络, 使情感的抒发、衔接、过渡、起伏都能够准确地表达出顺序与层次, 从而更加形象、更加细致地表达歌曲的文学内涵与思想情感。

四、想象歌词意境技术艺术完美结合

声乐作品主要是通过演唱者把无声的歌词变成活的情感, 把歌曲中的形象变成有血有肉的艺术形象。这样歌词就成为演唱者形象思维的重要工具之一, 因为演唱者对歌词所进行的抽象思维也离不开生活中的人、事、物、景的形象, 而且生活实践中总是充满了千变万化的具体形象, 这些相关形象的信息在演唱者大脑

导航坐标, 观赏者当然也希望看到形式和内容完美结合的作品。

正如马克思说:“如果形势不是内容的形式, 那么它就没有任何价值了”。因此在架上雕塑创作中我们不能独立地强调美术作品的形式感。但如果过分重视了材料和孤立的形式因素, 忽视了内容和思想, 就会使作品呈现出轻浮感, 缺乏内涵, 深度和意境美, 观者不知其所云, 没有震撼力, 但如果雕塑作品的内容和思想性过于晦涩, 就让人摸不着头脑, 看起来也很累, 过犹不及, 作品的艺术性同样会大大降低, 不少作品就是为了讲清自己的说辞, 使作品成为一种简单的图解样式, 符号化, 图示化, 雕塑自身的表现语言显现的非常生涩, 所以在创作中, 我们应该是发自内心的情感流露, 这样创造的雕塑语言才生动自然, 艺术魅力才能永远发光。

综上所述, 雕塑艺术的形式和内容需要自然的结合, 它是构成优秀作品的两个重要因素, 优秀作品的产生, 需要艺术家具有深厚的生活经理和较为成熟的艺术技巧, 要求艺术家在具体的创作过程中求得作品形式和内容的完美统一。因此在雕塑创作中, 我们时刻需要明确作品要具有悦目的形式, 深邃的思想, 还需要这两者的和谐结合。把握了艺术的基本创作规律和原则, 无论环境形势如何变幻都可能创作出优秀的传世作品来。

摘要：当前文化和艺术的多元化发展形式使许多美术作品都从传统封闭的状态中走向了多元开放的融合, 其中架上雕塑艺术的创作, 也在彰显不拘一格的魅力。但在很多雕塑展览中却显现出了作品内容和形式方面的许多基本问题。本文从当前架上雕塑艺术创作的角度, 结合展览中所凸显出来的问题进行了重新的审视和思考, 对创作中如何处理雕塑形式和内容的关系提出了个人的所思, 所悟。对于这个老生长谈的问题进行及时的反思和重新审视, 对认清雕塑艺术创作的规律和原则并使当前的创作能健康的发展具有重要的现实意义。

关键词：架上雕塑,形式美感,文学性,和谐结合

参考文献

[1].《论绘画艺术的形式与内容》崔大振《商业文化 (学术版) 》2008年05期

[2].《艺术中的形式与内容》朱雁《艺术教育》第5期

[3].《试论“艺术”概念的形成与艺术学的学科历程》陈旭光《浙江社会科学》第6期

雕塑创作的反思论文 篇2

关键词：陶瓷雕塑；创作；问题探究

随着科学技术的飞速发展，社会文明在不断地进步，人们对于精神文化层次的追求也越来越高。陶瓷雕塑作为一种艺术品，在艺术品市场中占有重要的地位。如何紧跟时代的发展进行陶瓷雕塑创作，并将陶瓷雕塑的艺术性与商品性完美的融合到一起，成为目前陶瓷雕塑家面临的一个重要问题。而随着经济全球化的不断加深，以及互联网技术的不断发展，人们的观念发生了巨大的变化，对于陶瓷雕塑的设计风格与表现内容也产生了不同的要求，如何利用陶瓷雕塑的商品性，将其艺术内涵充分地表达出来，并陶冶人们的情操，成为目前陶瓷雕塑创作者亟待解决的问题。

一 概述

陶瓷雕塑是陶瓷装饰的一种，一般情况下是指具有独立性的立体陶瓷雕塑制品，需要经过模印、镶嵌以及手工镂、捏、堆塑、雕刻等成型过程并经过高温烧成。按照制作方法可以将陶瓷雕塑分为圆雕、浮雕、镂雕、捏雕等，按制品可以分为素雕和彩雕两种。我国的陶瓷雕塑历史悠久，早在隋朝就开始制作。明朝时期，发明了适合于为陶瓷雕塑加彩的五彩颜色，促进了陶瓷雕塑技巧由简朴向精致进化。明朝是德化陶瓷发展最鼎盛的时期，此时中国的制陶技术已经达到了前所未有的惊人水平，郑和下西洋时将中国的德化陶瓷带到了国外，因此名扬海外。

随着时代的不断发展，目前，我国的陶瓷雕塑创作者主要分为两类：传统陶瓷雕塑与现代陶瓷雕塑。传统陶瓷雕塑在我国具有深厚的根基，在国内外有着深远的影响，他们继承并发扬优秀的传统雕塑文化，将雕塑语言融入到陶瓷艺术中，赋予传统陶瓷雕塑新的艺术生命力。现代陶瓷雕塑则是借鉴西方的雕塑创作手法与思想观念，创作出一些抽象、前卫、时尚、现代的陶瓷雕塑作品，这类作品更加注重个性的表达，突出作品的审美性。传统陶瓷雕塑对雕塑内容的选择、对人物动作的设计更多的是针对一些普遍性的社会观念，而现代陶瓷雕塑更注重个人观念的表达，更重视陶瓷雕塑创作者自身对于问题的思考。

随着社会文明的不断进步和西方文化的冲击，人们的思想观念有了很大的转变，如何使创作出的陶瓷雕塑作品符合大众的品味，满足人们精神文化的需求是陶瓷雕塑家面临的一个重要问题。目前，我国的陶瓷雕塑创作还具有许多问题，例如很多陶瓷雕塑家缺乏创新意识，创作出的作品无法给人新鲜感；有些陶瓷雕塑作品内容匮乏，缺少内涵；有些陶瓷雕塑作品只重视商品性，忽视了其艺术性等。此外，由于我国的现代陶瓷雕塑起步较晚，因此很多现代陶瓷雕塑创作者忽视了陶瓷雕塑制作过程的重要性，导致创作出的陶瓷雕塑作品存在一些制作方面的缺憾。因此，在提升我国陶瓷雕塑家创作能力的过程中，不仅应该重视对创作观念、创作意识的提高，还应该注重提升陶瓷雕塑家的基本制作能力，力求在制作和装饰方法上达到完美。

二 陶瓷雕塑创作中的问题及解决对策

（1）重视陶瓷雕塑基本制作能力的提升，减少制作上的缺憾

陶瓷雕塑要用粘土配料，然后经过成型、干燥、烧制等工艺流程制作而成，陶瓷雕塑在创作过程中，势必会受到制作工艺的限制，因此，在陶瓷雕塑中应该注意以下几个方面的问题，以减少制作上的缺憾。

首先，在陶瓷雕塑创作时应该注意重心点与支撑面的问题。如果重心偏离了支撑面，在烧成时作品会因为坯体的收缩而导致倒塌或者开裂。因此，在进行陶瓷雕塑创作时，要重视早期的型制设计，否则在作品成型时会出现很多问题。但是，在实际设计时，由于人们的不同要求、雕塑作品的复杂性以及雕塑设计的新颖性等因素，导致不同的雕塑作品差异很大，因此无法对陶瓷雕塑的创作作出定性要求，需要创作者在构思设计时对雕塑的造型有很好的驾驭能力。

其次，要把握好负荷部位的体积问题。有些陶瓷雕塑的负荷部位体积比较小，厚度比较薄，导致作品在成型时发生变形甚至坍塌。因此，陶瓷雕塑家在进行雕塑创作时，应该对底部较小的支点以及一些重要的负荷部位采取加厚处理，或者在其周边搭建临时支点分担上方压力，保证雕塑作品的成型。此外，很多陶瓷雕塑作品都是以非对称的形式出现，因此，雕塑家在创作雕塑时还要妥善处理作品形体块面之间的体量问题，使得作品在空间分布上更加合理。

最后，陶瓷雕塑的创作还要注意陶瓷材料的质地选择。不同的陶瓷雕塑原料，在烧成的要求不同，因此生产出的雕塑作品表现出的艺术效果也会有一定的差异。在进行陶瓷雕塑创作时，应该根据不同的主题选用不同的土质，例如造型精细的题材应该选用细腻、洁白的土质，而造型粗犷的题材应该选用厚实、古朴的土质。

（2）创作者的文化认识不足

随着经济全球化的不断加深，各种不同的文化之间发生激烈的碰撞，人们的思想观念同以前相比有了很大的改变。作为陶瓷雕塑创作者，如何吸收国外文化的精粹，并将其恰当、合理地用于陶瓷雕塑创作中，是目前我国陶瓷雕塑家面临的一个重要问题。有些创作者对国外的文化略懂皮毛，就迫不及待的将其表现在雕塑作品的创作中，结果创作出的作品不伦不类，毫无艺术性可言。因此，陶瓷雕塑家在吸收国外文化时，首先应该充分地了解其文化内涵，取其精华，然后再运用于自身的雕塑创作中。

（3）创作者的创新能力不足

目前，我国陶瓷雕塑创作中的一个主要问题是创作者的创新意识不足，创新能力有待提高。很多陶瓷雕塑作品给人一种似曾相识的感觉，其原因就是创作者没有深入研究素材，基于惯性思维进行创作，导致作品与原作大同小异，例如某作品“红娘”，明显给人一种泥人张的感觉。因此，陶瓷雕塑创作者平时应该深入生活，钻研素材，努力在陶瓷雕塑中加入一些创新元素。在创作过程中，可以借鉴他人作品中的优点，但是要将其融入到自己的创作风格中，而不是一味地抄袭。陶瓷雕塑是涉及到创作者学识与才能的艰苦的创作过程，因此，创作者要脚踏实地，通过自身的努力走出自己的创新之路，而不是投机取巧，抄袭他人的雕塑作品。

（4）陶瓷雕塑作品缺乏艺术内涵

部分陶瓷雕塑作品给人一种光彩绚烂、富丽堂皇的感觉，细看之下，却发现造型平平，没有什么创新之处。造成这种现象的原因是创作者在陶瓷雕塑创作时没有一个好的题材，导致作品缺乏艺术内涵，只能通过加强彩绘来吸引眼球。要想解决这一问题，创作者需要在生活中积极地寻找创作素材，努力培养一双善于发现美的眼睛，为雕塑创造提供优秀的题材和丰富的艺术内涵，从而使得创作出的陶瓷雕塑作品摆脱内容贫乏的毛病。

此外，由于陶瓷雕塑作品同时具有艺术性与商品性，因此，部分创作者在进行陶瓷雕塑的创作时，顾此失彼，或是设计出的作品过于复杂导致难以生产，或是过于注重商品性使得作品缺乏艺术性。在进行陶瓷雕塑的创作时，创作者应该预先考虑生产的相关环节，然后将艺术内涵融入作品中，从而使作品既不脱离生产，又具有一定的艺术性。

三 总结

我国的陶瓷雕塑创作拥有悠久的历史，德化的陶瓷雕塑更是名扬海内外。然而，随着社会文明的不断进步和中西方文明的不断交融，我国的陶瓷雕塑创作也面临着很多问题。提高我国陶瓷雕塑的创作水平，需要切实提高我国陶瓷雕塑创作者的基础制作能力以及他们的创新意识，摒除雕塑作品的抄袭之风，从而为我国的陶瓷雕塑创作一个良好的发展环境。

参考文献

[1] 姜明.关于景德镇当代陶瓷雕塑人物创作的几点建议.经纪人学报.2006.

[2] 曹春生，陈丽萍，邵长宗.陶瓷雕塑造型与材料应用.武汉理工大学出版社.2006.

中国当代雕塑的创作新机遇 篇3

一、前言

中国当代艺术虽然从起步到当下时间还不是很长, 但是却已经经历过了艺术市场的黄金发展期而开始沉淀, 雕塑艺术作为艺术表现形式中的重要一支, 自然受到不小影响。我国当代雕塑艺术也经历了一个发展改变期, 主要表现在以下几个方面:首先是艺术品市场 (特别是雕塑艺术方面) 逐渐成熟, 城市景观建设与雕塑日益密切;其次, 我国当代雕塑家们在不同时期的创作状态亦深受“欧风美雨”的影响, 其创作与艺术市场的供求关系也日益微妙。这些都反映出当代雕塑艺术发展走向和趋势, 也给雕塑家们带来了机遇和挑战, 只有用心体验当代社会生活, 保持先锋的精神和良好的创作状态, 才能在艺术大潮冲刷下留下自己的印迹。

艺术史发展到现在, 正是当代艺术为主流的时期。要系统地了解时代在艺术作品中留下的痕迹, 就必须去了解其产生、发展的经济、人文等各种背景。

二、历史

1978年中共十一届三中全会的召开, 拉开了中国改革开放的序幕。经济的快速发展及人民观念意识的变化促进了中国当代艺术的发展。雕塑作为艺术的重要一支, 特别是在当代大环境下的雕塑艺术, 也打破了之前死气沉沉的氛围, 艺术家的创作方式以及作品的创作观念都跟随中国社会的变化而不断地突破和发展。

20世纪80年代中期, 中国兴起了建设城市雕塑的热潮。开始主要是由于政治生活的需要, 城市中遍布了具有强烈意识形态的、高亢激昂的写实性人物雕塑。后来由于开放形势下市场经济的推动, 以及人民观念、需求的变化, 更多风格柔美而温情的雕塑开始取代表达火热政治情感的雕塑, 出现在城市的公园里、小区内、交通主干道上。尤其是到了20世纪90年代, 雕塑作品在商业上的发展空间显得越来越大, 经济利润也随之更加丰厚, 并且随着西方当代雕塑理念的引进, 城市雕塑与景观的界限、定义也越来越模糊, 对城市雕塑性质与类别的判断也已经发展到不能完全下定义的阶段。这样一个大的趋势吸引了大量的雕塑家投入到城市雕塑、景观设计的工作中去。

在当时那样热火朝天去下海的大背景下, 走另一条纯雕塑艺术的道路因为受众面相对较小而呈现出一种阳春白雪的境况。由于现代雕塑长久以来都不是最受中国社会关注的艺术形式, 并且中国的当代艺术及其理论都是舶来品——这样的先天不足使当时的雕塑艺术家对作品创作赋予了一种先锋的实验性。当西方的艺术理论及优秀的艺术作品突然呈现在中国艺术家面前时, 在学习中追随以及模仿成了一种必然的现象。从20世纪80年代作品中的审美反叛及世俗化内容的呈现, 到上世纪90年代末当代和前卫成为艺术的方向, 后现代艺术形式出现在众多艺术家的作品中, 中国当代艺术从更多的自发性和随机性逐渐地转型为自觉的学术状态。在现实主义、波普艺术、媚俗艺术等艺术形式的影响下, 中国社会大众消费文化、商业文化崛起、政治神话破灭和人民普遍信仰缺失的现状, 给艺术家们提供了无比丰富的创作素材。这样使本土雕塑艺术的创作超越了固有形式并且深入到社会、经济、政治、文化、精神的每一个层面。雕塑艺术在纯艺术领域也介入了中国的当代生活, 本土化的创作理念以及中国当代艺术理论体系的不断完善, 表明了一种新的并且牢牢扎根于中国的艺术已经日趋成熟。

三、现状

当城市雕塑发展得如火如荼的时候, 雕塑家之间、雕塑作品之间的竞争也在不断加剧。20世纪90年代末期, 大量的雕塑作品充斥了市场, 加上良莠不齐的制作工艺和甲方市场意识的过分提高, 使得城市雕塑市场逐渐进入一个不良循环中。另外, 这股热潮蔓延了过长的时间, 几乎已经耗尽了雕塑工作者们的热情。到2000年之后, 材料以及制作费用的几次大幅度飙升更是打击了市场。成本的增加、利润的减少、甲乙双方观念的变化使得城市雕塑市场的发展空间大不如前。

相对的, 当代艺术的崛起使得很多原本致力于城市雕塑创作的工作者们转而投向纯艺术创作——国家发展的强劲势头, 再加上艺术家们多年的不懈努力, 使中国的当代艺术吸引了全世界的关注。国际资本和中国民间资金大量涌入, 加上收藏家、美术馆、画廊、拍卖行、基金会等以个人或机构的形式为中国的艺术做了大量的推广和传播, 更加促进了其繁荣的景象。有着当代面貌的雕塑作品则跟随油画的脚步, 价格迅速攀升。这样的外力极大地推动了雕塑艺术家们的创作热情。另一方面, 中国社会的巨大变化和由此带来的文化、精神上的冲突使得艺术家在其敏锐的视角下产生强烈的欲望诉求, 从本土现实中产生出强大的创作动力, 同时也丰富着本土雕塑家的创作经验和艺术语言。如, 新现实主义和波普风格的雕塑在20世纪90年代末期混乱而亢奋的市场需求刺激下成为了中国真正意义上的后现代题材的雕塑——中国当代艺术随着中国社会的变化而发展变化, 在作品中体现出当代的社会机制是绕不开的命题。

四、作品

20世纪80年代以来, 由于受到西方现代艺术思潮的冲击, 中国雕塑家们一知半解地迅速把西方现代主义雕塑的基本样式实践了一遍——特别是在充满激情的“八五”新潮美术运动中, 雕塑家们尝试运用新的手法和采用新的材料, 作品中充满了学习痕迹。在上世纪90年代以前, 具有先锋探索精神的雕塑艺术家如朱祖德、宋海冬、隋建国等努力参与艺术革新的浪潮, 但是还是脱离不了形式主义的局限。

而中国雕塑正式进入转型期则是在20世纪90年代, 作品的学术性在之前的探索过程中不断加强, 雕塑家开始在文化层面上思考雕塑的问题, 加上学术性的期刊、研讨会、论坛等出版和举办, 作品观念性的加强等, 使雕塑不再拘泥于形式或者雕塑语言本身, 而是开始对其内容进行深入的挖掘和探讨。随着当代艺术市场的升温, 批评也开始渐渐繁荣, 但是雕塑方面的批评声音却相对弱很多。一方面由于如上所述的当代雕塑历史与现状产生的原因;另一方面则是批评本身对主流艺术形式的攀附。虽然状态不甚理想, 但是理论方面的跟进还是影响了雕塑发展, 它与装饰艺术的界限开始模糊, 对当代创作造成了重要的影响。这样的面貌使中国当代雕塑的创作具有了真正意义上的前卫性并且与国际艺术接轨。在这个阶段, 接受过严谨学院训练并且具有前卫意识的一批中青年雕塑家们开始崭露头角, 后来成为中国艺术界的中流砥柱。

隋建国在1997年的雕塑作品《衣钵》中解构挪用了中山装这种革命时期的文化符号, 将其塑造成像佛龛一样坚硬的空壳, 带领人们去重新反思历史和时代、重审政治对社会和文明的影响。

刘建华以传统的陶瓷制作方法与人物塑造相结合的方式创作出彩塑系列《迷恋的记忆》。作品带有强烈的观念性, 以艳俗手段、嬉戏态度冲击着中国的传统文化观念。

展望的雕塑作品《假山石》, 用不锈钢材料置换太湖石, 这件具有后殖民主义色彩的观念雕塑作品, 以工业的、现代的“物”来假造、模仿自然和历史, 力图提醒人们对传统文化与现代文明关系进行反思。

蔡志松运用树脂、铜皮、铜线、麻布等材料创作了《故国·颂》。这件作品以及其后创作的《故国系列》借鉴了秦始皇陵兵马俑的造型方式, 以强烈的禅意和富含张力的人物塑造来表达中国的民族精神和历史感, 探讨当代语境下的中国传统文化境遇。

向京以女性的视角创作的一系列女性雕塑形象, 探讨女性在当代生活下的状态。随着其“你的身体”个人作品展的开幕, 她的作品以强烈的视觉、心理冲击给观者带来思考。

当20世纪90年代的艺术家们完成了当代艺术观念的转化后, 2002年左右, 一批青年雕塑家在消费文化和大众文化充斥的、急速发展的当代社会开始以自己的方式诠释艺术。他们大都出生于上世纪70、80年代后, 不同的人生阅历及观察社会的角度使他们的作品带有强烈的时代感。这批青年雕塑家们也创作出了不少优秀的作品, 但是在现在市场温度居高不下的情况下, 要保持好的创作状态和发展态势, 对年青人更是个考验。另外, 不少画家像周春芽、尹坤、庞永杰等也开始介入雕塑领域, 以雕塑创作的形式来表达其艺术观念。

五、结语

20世纪80年代一直到21世纪后的中国, 雕塑创作随着当代社会、艺术的发展历程而不断地进行着自身的变革。在借鉴了类似城市雕塑热潮之类的市场经验教训以后, 中国当代艺术市场应该会越来越规范化, 资金投入也将会越来越理性, 只有向这趋势发展, 雕塑家们才能创造出更多更好的作品呈现在大众眼前。在这样的大潮流中, 中国当代雕塑艺术在不断地“进化”, 可能会随着中国的发展走向一个本土创作理念越来越强的方向, 也可能因为全球化程度地加深、文化与民族地融合, 创作理念突破本土意识形态的限制, 深入到世界的各个方面去。然而当局者迷, 我们不能为我们自身所处的时代轻易地下一个判定, 但是无论是怎样地发展方向, 雕塑家们只要用心厘清历史, 体验当代社会生活, 保持先锋的精神和良好的创作状态, 把握住时代机遇, 对自己作品负责, 才能在艺术的大潮中留下自己的脚印。

参考文献

[1]邵大箴.西方现代雕塑10讲[M].南宁:广西美术出版社, 2002

浅谈陶瓷雕塑新产品的创作体会 篇4

关键词：陶瓷雕塑；新产品；创新；科研开发；审美自由

1 陶瓷雕塑新产品创作过程

（1）陶瓷雕塑。直到今天，西方人对中国的称呼直译过来还是“瓷国”，中国瓷器对世界的影响由此便可看到。陶瓷雕塑是陶瓷业中较为重要，且具有能给人较强审美感受的一种艺术表现形式。早在我国隋朝时期就开始了制作，且其品质较为精美，较陶瓷的其他种类、风格而言，更容易受到人们的欢迎。至清朝，我国的陶瓷雕塑远销海内外，享誉世界。直到今天，陶瓷雕塑依然盛名不衰，其很大的原因就在于，我国陶瓷雕塑与时俱进的创新性。

（2）创新过程。以上内容简要介绍了我国陶瓷雕塑的发展历程，以及享誉海内外的盛名。陶瓷雕塑之所以历久弥新，长盛不衰，一直都受到世界人民的一致好评，很大程度就在于勤劳智慧的中国人民，在其创作的过程中，根据时代发展审美的变化和需求加以创新，使其保持长久不衰的生命力。社会的进步，需求以及审美的多变性，都会要求我们实时俱进，不断创新，陶瓷雕塑也是如此，一直以来我国陶瓷雕塑的创作都与创新并肩而行。从最初的设计理念，蓝图规划，到中间的具体操作过程，再到产品成型，内涵底蕴的赋予，以及销售出境的渠道，“新”字可谓是无处不在，所以正是有了新产品的创作，我国的陶瓷雕塑才能在世界上立足于不败之地。这也是在陶瓷雕塑的新产品创作中最为深刻的体会，在下文中会有更加详细的说明。

2 陶瓷雕塑审美自由

（1）审美客体自由多变。谈及我国瓷器雕塑的新产品创作体会，最为艺术品主体客体的审美自由性，便是不得不提的一点。在本处就着重从两个方面来阐述关于陶瓷雕塑在新产品创作过程中的审美自由。首先来讲客体，时代的进步拉动了人们的审美观念，作为被人们所喜爱的陶瓷雕塑，它以审美客体的身份出现在我们的眼前。从其自身而言，无论是其制作所需要的原材料来讲，或是创作过程中的工艺技术来说，陶瓷雕塑都充满了自由多变性。之所以说陶瓷雕塑的创作过程自由多变，还有便是艺术家的创作充满了偶然性，然后在艺术家偶然性的创作之下，作为艺术品的陶瓷雕塑可能就会骗了里原先设定的创作理念。正是由于这一偶然性，或许正是人们以往所没见到的，“新奇”的一点便会抓住了广大审美主体的心。

（2）审美主体随即自由。于陶瓷雕塑的审美客体自由多变相比，其审美主体也是具有非常大的自由性。时代的变迁，社会的进步，以及人们涵养水准的提高，就其自身来说，多审美客体的要求也会也来越高。而对于陶瓷雕塑来说，其价值就在于服务于广大的审美主体消费群。不仅社会大环境的变化，会对审美主体的审美有所改变，就其自身来说，随着年纪的变化，阅历的增加，以及心态的调整，其审美需求都会发生不同的变化。正是由于审美主体对审美客体要求的随即自由性，所以在陶瓷雕塑的创作中，要推陈出新，出现新的艺术品，来满足审美主体的审美需要。这点在后文中的创作目的性方面还会进行阐述。关于满足审美主体的自由多变性，也是陶瓷雕塑新产品创作过程中最为直接的体会。

3 陶瓷雕塑创新

（1）创新的必然性。对于陶瓷雕塑新产品的创作而言，其精髓所在便是一个“新”字。而“新”为何意，新在哪，便是我们现在要解决的问题。新的所在便是创新，马克思主义讲创新才能推动和维持事物的不断发展。不管在哪方面，没有了创新就等于止步不前，停留在原地，就算在挣扎，顶多称得上原地踏步。世间百态，瞬息万变，一个变字变道出了事物发展的内在属性，而陶瓷雕塑作为一种审美客体，一种为人们所喜爱的工艺品，也应该顺应浩浩荡荡的时代大潮，将创新融入到陶瓷雕塑的创作中。有了创新，才有推动事物发展的动力，以不至于出现百年如一的烂摊子尷尬局面。在创新的推动下，有了新作品的出现，有了新奇的审美刺激，才能在激烈的竞争中立于不败之地。

（2）陶瓷创新。经过上文的分析，我们能看到，创新对于事物发展长久不衰的必然性。同样，陶瓷雕塑新产品的创作过程中，保持强有力的竞争力，创新便起到了关键的作用。经历过陶瓷雕塑工艺品新产品创作，我们可以体会到，创新的意义所在。从我国隋代开始，一直到今天，陶瓷雕塑一直为人们所喜爱，不过我们可以清晰的看到，同样的喜欢，同样的陶瓷雕塑，吸引人的方面确实不大相同的。在每个时期，陶瓷雕塑的吸引力都不尽相同，这边是创新的魅力所在了。我们可以想象的到，没有新产品的出现，从隋朝的陶瓷雕塑一直到现在，没有任何创新，那么还能被人们所喜爱么，恐怕早就会。泯灭在悠悠的历史长河中了。所以说，是创新推动陶瓷雕塑的发展，使其有经久不衰的持续生命力。

4 陶瓷雕塑创作目的性

（1）创作目的性。就陶瓷雕塑而言，艺术家在其创作的过程中，要有非常明确的目的性。他们必须要知道自己在干什么。对于新产品的出现，当然不排除，在蓝图设计的过程中，敏锐的艺术家灵感突现，从而创造出精美的陶瓷雕塑新作品。不过，在大多数的情况下，都是在陶瓷雕塑新产品创作的过程中，带着明显的目的性，他们知道需要创新，需要改进的地方在哪，把自己创新的设计融入到陶瓷雕塑的创作中去，以此来完成新产品的创作过程。因此正是艺术家们在新产品创作之前，便有了明确的目的性，才有了新产品的不断涌现在我们的眼前。

（2）价值目的性。不管在哪方面，其都会有存在的价值所在。而对于陶瓷雕塑来说，不仅仅有的只是审美主体对其的喜爱，还会有其商业经济价值，生活使用价值。然而，不管哪种价值来说，其都是要为作为审美主体的广大消费者服务的。所以在陶瓷雕塑新产品的创作中，要有明确的目的性，又要明确其价值所在是服务其审美主体。本着目的性去进行新产品的创作，要知道其服务的主体的需求体现在哪，他们的审美需求提升到了那个层面。然后带着这些目的性，将创新融入到陶瓷雕塑新产品的创作中。这样才会使大家对陶瓷雕塑的喜爱程度牢牢的把握住，不断推出新作品，在历史长河中立于不败之地。

5 总结语

本文从陶瓷的审美自由，陶瓷雕塑的创新过程及其必然性，陶瓷雕塑创作目的性三个方面来具体阐述了陶瓷雕塑新产品的创作体会。通过陶瓷雕塑新产品的创作过程，我们可以看出，随着人们审美意识的不断强化，陶瓷雕塑的客体也在随着审美主体的变化而变的自由多变。为了使陶瓷雕塑的发展继续向前，陶雕的新产品创作的急需性就显露出来，另外陶瓷雕塑的创作目的性在新产品的创作过程中的重要性也是不容忽视的。通过本文的解读，作者对陶瓷雕塑新产品的创作体会，就完整的呈现在大家眼前了，最后表示对我国的陶瓷雕塑越来越受到世界人民的欢迎寄予真诚的祝愿。

参考文献：

[1]刘春霞.陶瓷雕塑要注意的几个问题[J].艺海，2011（06）.

[2] 包林平，张仁保.谈当代陶瓷雕塑艺术的表现语言[J].陶瓷研究，2011（02）.

[3] 张新悦.线的轮回——纤维艺术创作构图初探[J].大舞台，2011（07）.

城市公共雕塑创作中的文化定制 篇5

约翰·伯查德曾说过, 城市本身具有某种人格化的个性, 个性之美, 是城市文化之美的体现。由此可见, 城市个性的核心就在于城市文化特质的差异。现在大家都公认, 我们千百年形成的城市灵魂正在逐渐丧失, 当今的城市文化建设也相对滞后, 而此刻, 公共艺术作为视觉化、物质化、持久性的文化载体, 是可以担当一些非常独特的, 有时甚至是不可取代的作用。一件成功的城市公共艺术作品是离不开它所在城市的文化背景, 只有从城市文化出发, 才可能找出两者之间的联系。

一、城市公共雕塑与城市文化的关系

城市文化是需要用适当的方式来呈现的, 要解决一些历史文脉的传承、地域特色的显现以及城市当下气质的彰显问题, 而城市雕塑恰恰能够较好担负这些使命。但近些年中国城市建设迅猛, 相关部门在急切改变城市面貌的良好愿望与刺激经济增长的现实利益驱动下, 由于缺乏冷静分析与理性规划, 对公共雕塑的组织和创作盲目立项, 仓促设计, 造成公共雕塑只追求可怜的形式感, 缺乏内涵和创意, 没有鲜明的文化特色和精神指向, 俨然成了一种模仿、抄袭的快餐式产品。因为这些问题, 城市雕塑反而给城市形象带来了负面影响。

我们都知道, 区分城市与城市之间的本质差别要看城市所处地域及其城市文化的内涵与差异。一方面, 城市文化是城市雕塑的创意源泉, 城市雕塑应该从属于城市文化。如“撒尿的男孩”雕塑, 根植于布鲁塞尔的历史文化, “自由女神”雕塑, 也代表了美国的自由和民主;另一方面, 城市雕塑的视觉化、物质化、持久性的特征能够更深层体现和凝聚城市文化。城市文化需要通过城市的建筑形态, 历史遗产等物质实体作为载体来体现, 而城市雕塑作为城市公共空间的重要组成部分, 是城市文化通过实体物质来表现自己的绝佳代表。所以城市公共雕塑与城市文化两者是相辅相成的, 城市文化对城市公共雕塑起绝对支撑性的作用, 城市公共雕塑从属于城市文化, 受到城市文化决定性的影响。

二、城市公共雕塑创作中的文化定制——举例说明

城市公共雕塑作为公共艺术组成部分, 它代表了一个城市的文化品位和个性特征, 反映出了城市的文化内涵和精神气质。针对国内公共雕塑丧失灵魂的“不锈钢恐怖主义”现象, 笔者在创作中坚持城市公共雕塑应当基于地方文化而设计, 应当分析地方文化与城市雕塑之间的关系。以下用近几年笔者公共雕塑创作实例, 来探讨城市公共雕塑的实施建议。

(1) 为“刘开渠2011中国首届“刘开渠奖”国际雕塑大展”定制的公共雕塑作品《长江巨埠——圆》 (见图1) 。该作品地处安徽芜湖, 芜湖是个湿地之邦乃千湖之城, 人杰地灵, 由于面临长江、青弋江, 是长三角下游重要湿地城市, 所以在创作中使用了水的元素。雕塑上端的整片瓦檐, 及灰瓦下面的水幕, 形成了徽派建筑特有的“马头墙”造型, 当马头墙没有水时候, 不锈钢材质将周围环境充分吸收, 远观雕塑犹如浮在空中的三段瓦檐, 增加了雕塑的神秘感。芜湖是近代最早开埠通商的城市之一, 是中西融合的典范。所以作者的雕塑风格是以传统的元素 (马头墙) 为载体, 使用当代的表现手法及材料 (不锈钢) 。作品结合芜湖的历史文化及特色, 践行刘开渠先生融贯东西方文化的崇高理想, 表现出古典情韵与现代文明在希望之城芜湖中相互交融、熠熠生辉。

(2) 为“大连星海新天地”定制的城市公共雕塑作品《同舟》 (见图2) 。大连建市一百年来, 走过一条艰难曲折的文化苦旅, 形成独特的文化类型和文化心理。基于大连的历史, 作者的创作思路意在突出大连近些年的剧变。大连是一个有港口带动发展起来的城市, 港口的兴衰关系到城市的发展, 所以作者采用了大连最长见的渔船作为创作素材;大连文化的普及性不够, 是一个移民形成的城市, 没有归属感, 许多不同的亚文化在这里有一个融合的过程。人扎下根, 文化也扎下根, 所以作者也选用了另一个创作元素—树。作品意在把大连塑造成一个独有的, 富有个性特色的, 最具活力的现代化城市。

三、结语

希望中国城市雕塑的发展, 沿着这个城市本身的文化脉络和发展逻辑, 循序渐进地来建设。只有城市雕塑与城市文化相协调, 因地制宜创作独特新颖、立意深远、富有感染力的作品, 才能增加城市的艺术魅力, 提升城市的人文精神品位, 塑造城市的现代文化形象。

参考文献

[1]马钦忠.雕塑·空间·公共艺术[M].上海:学林出版社.2004.

[2]孙振华.城市公共雕塑与城市文化盯[]J.雕塑, 2005 (3) .

[2]王忠.公共艺术概论[M].北京:北京大学出版社, 2007.

东北地区抗联题材雕塑的创作研究 篇6

比如,敦煌县城标志性的雕塑《反弹琵琶》,取材于敦煌壁画反弹琵琶伎乐飞天像,展示了古时“丝绸之路”特有的风采和神韵,也显示了该城市拥有世界闻名的莫高窟名胜的特色。在广阔的东北地区分布着很多抗联题材的雕塑作品,它们其或以单独雕像表现形式出现或以雕像群的形式出现,在不同地点以不同的艺术表现形式向人们讲述着东北抗联的英雄事迹,激发人们珍惜来之不易的美好生活。可以说,东北地区抗联题材雕塑是弘扬抗联精神的重要艺术形式,也是抗联文化的重要组成部分,更是中国雕塑艺术的一块奇葩。

一、具备高超的创作技巧

展现雕塑作品艺术魅力的关键是增强雕塑的表现力,才能形成强烈的感染力,引起观众的共鸣,而达到这个目标的首要一点就是创作者要具备高超的创作技巧。雕塑创作者要善于根据具体要求运用不同的艺术技巧,解决具体问题,运用夸张、概括、提炼、含蓄等技巧,突出特点,省略某些细节,强调某些部分鲜明而突出,激发观众的想象力,这样作品的表现力就得到加强。雕塑者还要根据材质使用不同的雕刻技巧和工具,凡是以硬质材料作为媒介,雕刻技巧中就需要用到雕刀、刻刀以及斧锯等,也因此将其技巧称之为雕刻。如木雕、石雕、牙雕、竹雕等。凡是以软性材料作为媒介而制成的雕塑叫做塑造,如泥、石膏、蜡、面等。雕塑的艺术表现形式,与雕刻技法密切相关。由于各种物质材料性能不同,其造型、构图、雕刻方法也必须与其相适应,即“因材施艺,刻法嬗变”。另外,在表现手法上,雕塑家要做到把绘画语言用在雕塑当中,因为雕塑不可能把寒风凛冽的画面展示给观众,因此就需要在雕塑者在创作过程中通过塑造语言把风雪表现出来,以达到绘画的视觉效果。如创作东北地区抗联题材雕塑作品时,创作者要考虑到战士们迎风顶雪,头应该是低着而不是挺胸抬头形象,而且风吹帽子的状态也要体现出来,这些都需要创作者具备高超的创作技巧。

二、增强观察生活的能力

艺术作品是社会生活在艺术家头脑中的反映,对生活的感受而产生的情感和思想,是艺术表现的主要内容。有感而发的创作灵感,都是基于一种对生活的感受。艺术的观点不同,对艺术和生活的关系问题有不同的认识,往往产生较大的争议,也导致了创作的不同态度和作品。根据雕塑艺术的本质和特点,雕塑家要能够体现自己所感到的生活美,要能创造出完美的作品,在创作过程中就需要经过艰苦的探索,以敏锐的感觉、饱满的热情,不断提高造型的表现力和价值,使之逐步升华为完整的艺术形象。因此,创作者要从深入生活、熟悉生活,从生活中获得感受,获得体验,从现象繁杂的生活中发现和提炼生活素材,选择适宜于雕塑艺术表现,有意义、能够感染人的题材进行创作。同时,雕塑创作者也应该感受到、认识到的人类生活中具有普遍性、共同性的精神和感情,并把它们突出地表现在他们具有特色风格的艺术品之中,以使不同的观众都获得美感,感到应该自尊,同时也尊重别人,理解自己,同时也理解别人,共同前进。比如,殷晓峰的东北抗联题材的雕塑作品《抗联——关东魂》以10名相互搀扶、各具形态和表情的普通抗联战士在雪地艰难跋涉的场景为表现对象。雕塑家通过群体向前有力倾斜的姿态、伟岸的男性身躯以及身经百战的老战士、举重若轻的无畏勇士、百步穿杨的神枪手以及稚气未脱的新兵等人物形象塑造了抗联战士团结一致,顶风沐雪,在恶劣的生存处境中奋勇抗敌的革命精神、斗争意志和民族气概,有力地表现出了抗联战士的坚毅品质和斗争环境的艰苦恶劣,也使观众受到了感动,非常具有教育意义。这部作品的成功离不开创作者对人物的细致刻画,而这与他在日常生活中注意观察和积累是分不开的。

三、在借鉴中外优秀雕塑艺术中学会创新

古今中外艺术家留下了大量的、珍贵的雕塑作品,为创作提供了丰富的可以学习、研究、借鉴的东西,可使得我们扩大眼界,丰富知识,提高艺术修养。古今中外雕塑家在长期的探索艺术规律和艺术表现手法的实践中积累了丰富的创作经验和智慧,创造了许多雕塑技巧,对我们来说是极其宝贵的财富。因此,作为当代雕塑艺术创作者,应该很好地研究古往今来的中外雕塑艺术,体会每个国家、每一个时代的不同变化和时代精神,更重要的是在雕塑创作中体现出当今社会生活状况和时代精神,展现出自己的新思维、新感受、新体验、新创作。比如,通过对中国雕塑史的研究我们可以知道,秦汉的雕塑完全不同于后来发展起来的佛教雕塑,它们大都是表现和反映当时的社会,属于写实主义的雕塑艺术。到了佛教雕塑,创作者们另创了新境界,将宗教思想融入到了雕塑创作中,达到了极高的水平,他们的这种创新精神,对我们的启发和教育是很深的。另外,西方历代雕塑艺术中,既有文化内涵丰富的建筑艺术的装饰雕塑,也有众多动作姿态丰富多样人像雕塑,其创作手法和表现方法也非常值得借鉴。在借鉴古今中外优秀雕塑艺术的同时,东北地区抗联题材雕塑的创作应当以特定的时代为背景,同时要让广大群众看得懂,能够从中感受到人文精神,这样才能够创造出有时代精神,而且既不同于古代中国也不同于西方的具有特定文化内涵和教育意义的雕塑艺术作品。

四、创作者要有民族情结

抗战时期是中华民族由衰败走向振兴的重大转折时期,抗战体现的是中华民族热爱和平、团结御侮、救国图强的民族精神。东北抗日联军是在中国共产党领导下的一支英雄部队。它的前身是东北抗日义勇军余部、东北反日游击队和东北人民革命军,是20世纪三四十年代中国人民抵抗日本帝国主义侵略的伟大民族解放战争的重要组成部分,在中国的革命史上有不可磨灭的伟大功绩。在日本侵略者的大后方,他们14年的艰苦斗争牵制了数十万日伪正规军,有力地支援了全国的抗日战争,他们可歌可泣、英勇无畏的牺牲精神,是中华民族争取独立宁死不屈精神的集中体现。创作东北地区抗联题材雕塑作品,需要创作者深入了解那一段历史,从众多历史故事中选择题材、发现主题,产生创作构思。比如,当代著名雕塑家殷晓峰在接受采访时曾所:“在创作《东北抗联》的半年里,我走访了健在的抗联战士以及他们的后人,听他们讲抗联故事,在整个创作准备过程中都饱含着我的激情和感动。”正是由于这种深厚的民族情结,殷晓峰多次赴东北抗联当年的活动地点寻找杨靖宇将军和部下活动的痕迹,掌握了丰富的创作资料,并塑造真实而富有感染力的雕塑作品,而且这部反映东北抗联题材的作品雕塑作品被国家永久收藏。

当前,东北地区的雕塑作品与地方传统文化的融合方面还有一些缺陷和不足,但是我们应当充分利用东北地区的抗联历史,进一步丰富东北地区城市雕塑创作题材,并促进当地雕塑艺术的发展和创新。

摘要：作为一种独特的艺术语言,雕塑彰显着一个城市悠久的历史文化,也体现着当地人民的生活情趣与生活气息,其产生和发展是人类社会政治、经济、文化发展的结果。雕塑创作中,我们创作者一定要大胆创新,吸收先进的美学思想,与此同时,一定要所处环境、时代背景结合起来。本文将具体探讨东北地区抗联题材雕塑作品的创作思路和方向,希望能够使雕塑成为弘扬抗联精神的一个艺术形式。

传统材料在当代雕塑创作中的应用 篇7

要探讨传统雕塑在当代雕塑创作中的创造性应用, 我们首先应该理清当代雕塑对传统雕塑在概念和外延上进行了哪些突破、

跟随着时代的步伐来发展的, 传统艺术在现代人的眼里, 只能够当成是一种神秘的, 不可触摸的艺术, 符合现代人生活的现代艺术则成为了我们生活的一部分, 更平民化。现代艺术的实用价值也是很重要的, 现在这个竞争异常激烈的社会, 常常把人弄的烦躁疲惫, 这时的现、当代油画作品就有着温暖港湾、心灵慰藉的作用, 设想一下, 经过了忙碌的一天, 回到家, 你是更愿意欣赏那些传统的、大多和教堂神灵有关的油画, 还是更愿意看那些有着现代气息, 有着清新淡雅的色彩, 富有感情的现代油画呢?

四、传统艺术与现代艺术的大融合及其“百家争鸣”

吴冠中先生曾经说过:“艺术是什么?艺术是感觉, 是灵感。这种感受是微妙的感受、可爱的感受, 把这种感受传达给你, 这是艺术。”

在当今的社会中, 美术教育不可以教条化, 不可以太过于死板, 不能片面地认为传统的、规规矩矩的东西就是对的, 应提倡百花齐放、百家争鸣。艺术是无价的, 同时艺术也是有感情的, 艺术就是画家感情的一种宣泄。或许, 在一幅油画上随意的泼上色彩, 即使没有任何的造型, 没有任何的色彩搭配之说, 但那也是一种情感的表达, 或许艺术家在创作这幅作品的时候就是这样的一种心情, 这种随意泼上颜料, 毫无拘束的、不受任何形式限制的心情。我们不能把这种情感的表达看成是故意的炒作、哗众取宠, 因为它也是带有情感的艺术, 只不过每个人情感的表达方式不一样罢了。艺术应该是没有标准的, 有标准的那不叫艺术, 雕塑的材料语言在传统雕塑的基础上又了哪些新的语言探索, 并在此基础之上对传统材料进行有目的的分析和研究, 方能更有效的发现和认识其在创作中的可能性。

首先, 当代雕塑对体积、体量观念上与传统雕塑不同。在当代雕塑创作中, 强调雕塑的体积和通过体积塑造强调空间占有的传统观念被打破, 以前用作检验标准的体量感认识在当下不再是唯一标准, 抑或在一些雕塑中不能再作为评价标准。一些现成品雕塑、装置雕塑、光雕塑等其制作过程无雕也无塑, 当代雕塑创作对体量的理解不再局限于物理层面, 而是更多的关注虚拟空间和心理空间的探索。艺术家罗伯特·史密森在美国犹他州的大盐湖上用沙石制作直径为160米, 长1500米的《螺旋状防波堤》, 这件作品采用开放的形体和空间构思, 打破了传统雕塑形体的自我封闭, 将空间向更为广阔的范围延伸。空间的开放可以借用任何环境硬件以及与公众的互动, 使作品成为艺术家营造的一个有意味的氛围。形与空间互动, 情与景互动, 作品与观众互动。此时, 传统雕塑创作中用作检验标准的体积、体量对艺术品已无能为力。

其次, 当代雕塑对光、色、环境等的追求的多样化。传统雕塑除开西方在一定时期内对色彩有所排斥, 追求纯粹的体积追求“高贵的单纯与静穆的伟大”之外, 大多数时间里是和色彩相结合的。当代雕塑不仅重新认识色彩的价值, 并且使色彩跳出对自然地模仿或为叙述主题服务, 使雕塑的色彩发展成为独立的语言形式。光线、环境因素都成为雕塑创作中和体积一样优先考虑的内容, 不再仅仅为表现体量服务。在一些三维激光作品和装置作品中, 光、明暗甚至声音成为雕塑的主体, 取代了材料表现和真实的体量关系。

另外, 雕塑从“凝固的舞蹈”演变为“跳动的音符”, 追求

艺术没有对错之分, 不管是传统艺术的那种严谨、神秘, 还是现代艺术的抽象化、几何化、个性化, 只要是画家用情感表达出来的东西, 那就叫艺术, 不能说谁是对的, 谁就是错的。对于现代油画中出现的诸多流派, 甚至有的可能还未有一个流派的名称, 我们都应该从正面去看待它们, 因为古往今来, 每一种油画流派的出现都是经历了一系列的争议的, 这是不可避免的。传统艺术与现代艺术应该大融合, 和谐发展, 文化是“百家争鸣”的, 艺术也应该是“百家争鸣”的。每一种艺术的风格都代表了那一个时期, 都是价值的一种体现。我们应该多注重创造性的东西, 有情感的东西, 不管是什么风格, 那都是画家对生活的理解, 都是对灵魂的诠释, 生活是艺术的, 换句话说, 生活就是一门艺术。传统艺术与现代艺术只有在大融合且“百家争鸣”的情况下, 才能越走越远。

参考文献:

[1]杨斌.消费文化与艺术创新[M].江西美术出版社, 2007. (07) .

[2]许静涛.徐沛君.传媒与当代艺术[M].江西美术出版社, 2009. (03) .[3]舒可文.相信艺术还是相信艺术家[M].中国人民大学出版社, 2003

作者简介:

马舒婷 (1989.2—) 女, 江苏人, 华南师范大学美术学院硕士研究生在读。

生命感的表现。伴随着电子影像、计算机技术的发展, 以及雕塑家对新技术、新材料、新表达方式的探索, 雕塑艺术自身的边界得到拓展。如入围北京奥运雕塑项目的由艺术家拉尔方索创作的《风中之舞》, 雕塑借助的风的力量, 在空间中起伏摆动, 产生形体上的变化和空间中的位移。这件作品打破了传统雕塑的静态的审美观念, 从另一角度阐释了雕塑艺术静和动的相对性。

再有, 当代雕塑在创作上更加注重综合材料和表现方式的应用, 往往一件作品上不止应用一种材料或一种表现方式。传统雕塑的语言表达方式和对材料应用方式的单一局限了艺术家对形式创新的追求和准确艺术观念的表达, 在创作中, 艺术家更多的尝试不同的材料和不同的表现方式以及材料与表现方式之间的最佳契合点, 带来了综合表现方式的创新。

鉴于当代雕塑在概念、外延上的延伸和对材料使用观念的上述变化, 我们在使用传统材料进行雕塑创作的过程中需要把握好以下两个层次的关系:

第一个层次, 我们应该首先认识材料的性能和给观众的心理感受。我们可以从单纯的削弱作品的叙事性, 突出材料在作品中的主体地位, 从材料本身的性能入手, 利用不同材料的特有属性和对人的心理印象这两方面来思考艺术创作, 了解手头的材料, 充分发掘它潜在的艺术感染力, 根据具体创作需求, 选择材料某方面性能, 为预设的艺术效果服务。我们以木材为例——在材料性能上, 木材本身具有纹理不同的木纹结构, 不同的木材又具有不同的颜色, 比如楠木的深褐色, 乌木的黑色, 柏木的中黄色等, 在实际创作过程中对木材的纹理和颜色进行预先的考虑对于作品的最终效果有很大的影响。同时木材又具有可燃烧的特点, 燃烧后的碳化、表面的龟裂、颜色的改变, 这些现象都是木材特有的属性, 有着独特的视觉冲击力。同时木材又具有良好的天然造型和极强的可加工性, 既为我们根据木材本身的纹理、造型、质地进行创作提供了可能性, 又为我们为木材掺入加工后的人工效果提供了方便。比如乌木本身在底下潮湿的环境中埋藏久远造成其表层纹理多变且常以不同的造型出现, 为我们因势造型提供了方便。

在心理感受上, 木材给人首先是生命感, “十年树木, 百年树人”。人们通常会用木材来借喻人, 比如榆木疙瘩、光棍、恶棍、古板等等的形容词汇。木材的另外一个心理感受是温暖感, 这种感受能在我们选用的木质家具、地板的应用上得以体现, 木门前我们会觉得温暖、润泽, 同时会感觉门后的主人和蔼容易亲近, 如果换做铁门则冰凉、沉稳, 甚或让我们觉得门后的主人比较严苛、不苟言笑。

第二个层次, 建立在对材料的性能和心理感受理解的基础之上, 在创作中我们便可以很好的利用材料的加工性能和材质特征, 以及材料带给人的心理感受方面的因素, 进行强化、平衡或错位的处理, 或者利用当代雕塑对传统雕塑在材料应用和在雕塑艺术概念和外延上的拓展, 合理的利用光、环境、自然力等要素或综合利用以上要素进行创作。在方法上可以有以下几种:

第一种方式, 强化某方面的物理性能。强调性能是建立在对材料的物理性能和心理感受的充分理解基础之上的, 同时需要通过尝试不同的加工方法和可能性研究, 最大限度加工材料, 产生想要的效果。作品如艺术家卡普尔2004年为芝加哥世纪公园创作的《云门》不锈钢雕塑, 充分利用材料的高度反光性能, 捕捉了整个广场和周围的环境, 弧线的造型, 扭曲了投影其上面的天、地、人的景象, 将整个钢筋水泥的城市森林变形为光怪陆离的超现实世界, 并且这个超现实世界似乎正在被雕塑底部的凹陷形成的漩涡慢慢吞噬。通过雕塑表面观众看到了一个扭曲旋转的空间, 雕塑的尺寸在观众的心理层面无限放大, 人们就在身处的现实空间与心理的虚拟空间徘徊, 陷入沉思。

第二种方式, 肌理的对比。肌理是传统材料的一大特点, 不同的材料肌理各不相同。对肌理的兴趣是吸引我们探究一件作品的原因之一1。肌理指材料表面的特征。通过视觉获得的肌理特征如作品表面的硬度、粗糙、光滑、尖锐等视觉效果会在人的心中产生不同的感受, 像折断的木块形成的锯齿状裂痕给人以折损、有危险、锋利、怕刺伤的感觉。不同的材料不同的加工手段会带来不同的肌理效果和和心理感受, 我们可以利用造型方法的不同、利用人工加工和随机产生的肌理效果的对比、自然与工业肌理效果的不同所造成的心理对比、肌理特点和由此而来的对作品最终效果的积极作用, 为我们的雕塑创作服务。如四川美院艺术家徐光福老师的木雕作品《莎翁意象》恰到好处的利用了乌木埋藏地下所形成的自然肌理与人工雕琢打磨的肌理之间的对比关系, 自然纹理是大自然的鬼斧神工人是无法模拟的, 同时他把局部的精雕细琢与大形结合的很到位。作品“西南乡土风格很重, 然而在形与形的组合、人的内心感受方面又不失当代之风”2。

第三种方式, 传统材料与光、色、环境的结合。我们进行传统雕塑和当代雕塑的比较时已经看到了当代雕塑在光、色、环境等方面的利用上与传统雕塑的不同, 在进行雕塑创作时, 应积极调动各种因素, 配合材料强化艺术感染力。光线的作用不仅仅是让我们看清物体, 它是极富表现力的因素, 根据光线的角度和强度以及自然光与人造光的变换, 与合适的传统材料进行配合, 置于合适的展示环境中, 会强化最终的艺术效果。主要可以通过强化材料的质感与自然光线的关系、反射环境的光线或倒影自然、利用光线的方向与材料造型的合理搭配、人造光源与传统材料肌理的对比等方式进行尝试。

第四种方式, 利用自然力使传统材料与时间结合。瓦尔特·德·玛利亚曾说过“艺术家用泥土创作的同时, 还用时间来创作。”这句话不仅表明了材料与时间的关系, 而且强调了时间因素对于艺术作品的重要性。在雕塑创作中我们可以灵活的利用自然力和时间对材料造成的随机的、不可预知的影响, 将其最为雕塑创作的一部分进行利用。艺术家约翰·威伦比彻的作品《燃烧的四面体》用粗木横放四面叠加构成类似金字塔的外形。展出过程中他将作品点燃, 木材由最初的微微冒烟, 到火焰熊熊燃烧直至变为灰烬, 整个作品在木质造型燃烧的过程中完成, 部分由人控制, 部分随机产生, 作品中间空心和逐渐缩小的顶部创造了烟囱般的效果, 使得气流向上升腾带动新鲜空气从底部进入增强火势。但木材燃烧的实际过程和燃烧的时间是无法控制的。它戏剧般的效果使人联想到生命与死亡、历史与湮灭、存在与虚无。

第五种方式, 利用心理错位获得审美愉悦。材料的表面特征常常引起我们伸手触摸的欲望, 通过触摸我们能够准确的感知对象。当我们不能触摸艺术品时, 对作品的印象就只能来源于我们的视觉, 我们可以灵活的应用视觉容易受到表面效果欺骗的现象, 对该材料的视觉印象和心理感受做与传统感受不同的呈现, 造成心理错位, 从而加强深化艺术表现特征, 让观众产生奇妙的“原来如此”的感受。

高校雕塑创作课教学浅析 篇8

一、创作性的技法语言

泥塑雕塑技法在雕塑的作用日渐显现, 作为雕塑专业的学生必然要接受严格的基本功训练, 这就是技法的训练。技法的训练有塑造方法的训练和形体的训练等, 以上训练方法均是学生必须具备的基本雕塑技法。但在创作阶段中, 教师应尝试指引学生运用新表达学习的技法, 以更好地创作。

在塑痕的创新运用中, 我们经常能够看到泥塑技法, 塑痕是雕塑中的专业称谓, 即雕塑工具抑或手应用在雕塑过程中所形成的泥巴的自然纹理, 相比一些表面光滑的雕像, 通过塑痕便能较容易地凸显作品的手工性与作品的表现力。塑痕的运用经常出现在罗丹的作品中, 其作品许多部分均借助手实现, 极少用到工具, 所以, 于雕塑表面产生特定的塑痕。其中较为有名的《巴尔扎克像》便符合这种情况, 罗丹创作开始前做足了准备工作, 其中有制作许多小稿、解巴尔扎克等, 最终选定的人物形象为, 身体披着睡衣在夜色中思索的巴尔扎克形象。整体作品十分逼真, 并无过多细致刻画, 整体画面反映了作家和泥土接触后留下的自然痕迹, 和之前以写纪念性为主的雕塑相比, 无过大区别, 自然的塑痕在艺术家的手中, 表现出了雕塑的质感, 折射出赫尔巴特的崇高形象。

“线”是对形体的一种表现, 也可称为创作语言, 传统雕塑多讲究使用块面造型, 线本质即为物体的外轮廓线, 由肌肉骨骼的穿插关系与块面的穿插结构构成, 事实上, 形体内部的线同样按照结构穿插形成。因此, 传统雕塑无线根本不在于凸显线的功效, 却是现代雕塑不可或缺的创作手段。

尤以意大利伟大雕塑家——曼祖为例, 他创作了众多的浮雕作品, 均是在线和面结合的基础上展现形象的, 其中他给安特卫普创作的受难与埋葬题材的高浮雕, 使用了划线的方式来刻画人物衣褶的主要转折与分割部分, 均通过划线的方式刻画了人物的外轮廓, 二者形成对比, 线与体块相结合, “绘画感”便体现在整体浮雕作品中, 顷刻展现了浮雕的构图及人物形象, 生动而唯美, 突出了极强的表现力。

二、创作性的素描草图

美术教学的本质在于素描, 素描对一些问题的解决, 如透视、比例和块面关系等发挥了重要作用, 学生进行的最基本的素描训练有观察方法的训练和造型方法的训练等。基础的素描教学重在解决基本问题, 但在创作阶段, 素描还具有另一种功能, 即帮助学生形成创作意图。雕塑创作中的创作草图绘制应引起重视, 事实上, 很多著名的雕塑创作均源于画创作草图, 画素描与速写是艺术家创作思维与生活的反映, 同时也是创作习惯的一种表现, 此外, 草图即是创作, 是最初的创作构想。

如现代雕塑之父罗丹, 一生总绘制了2000 余张草图与素描, 其流程几乎通过素描草图而绘, 创作的典型草图《青铜时代》通过写实的方式塑造了男子形象, 无论是整体姿态, 还是面部表情均非常和谐, 全身舒展开来, 好似无拘无束, 展现了内在力量。身体轮廓结构匀称而不失完美, 一定程度上反映了精确的解剖知识, 此外, 也展现了草图中底座的厚度, 对草图主体风格无丝毫影响, 结合得轻松自如。素描草图真实地反映了罗丹的创作意图, 奠定了他创作的坚定基石, 《青铜时代》是罗丹艺术一生中的典型代表作品。

再如英国著名雕塑家亨利摩尔, 终其一生共创作了5000 余幅草图与速写, 它们表达了他最初的创作想法, 以更好地开展后续的创作工作。他一生都在创作母与子的题材, 创作了两幅素描草图《斜倚的母与子》, 通过最简单的线条将母与子的形象勾勒出来, 尽管画面相当简单, 然而审视其用线可见, 精确地处理了体块[1]。另一幅草图画也反映了同样的一种情况, 从四个层面:正面、侧面、反面和后面来描绘, 雕塑家从不同的角度把控雕塑造型, 清晰明了。

三、结语

有关创新思维的培养, 应注重突出创新精神、创新欲望与塑造能力等的重要作用[2]。尤其学生在作品创作时, 更要具备创新思维。总之, 课程教学在创作课阶段中, 教师应考虑学生的实际情况, 让学生积极参与创作中, 采用多种方式开导学生, 开启他们想象力, 点燃思维的火花, 创作出优秀的雕塑作品。

参考文献

[1]辛力强.浅谈高校雕塑创作课教学[J].大众文艺, 2015, (09) :250-251.

浅谈吕滨辽金文化雕塑创作 篇9

关键词：辽金文化 雕塑创作 北方民族文化雕塑语言

依照流域文明的分布标示图，在东北的历史轨迹中，重要的东北执政区域被划分为五大文明流域区：黑龙江流域、辽河流域、鸭绿江流域、图们江流域、大、小凌河流域。而哈尔滨作为金、清两代的起源，以（哈尔滨）上京为核心点出现数十个村乡，自公元1115年，延续至19世纪末之际，金代在上京（现哈尔滨阿城区）建都，居住居民近三万人，而且随之而来的交通便利、商贸往来、人口也开始呈上升趋势，自此，众多条件为城市的形成和发展奠定了基础。

中国东北地区对世界政治格局潜移默化的影响作用，东北地区是历朝历代的执政区域，具有一定的特殊性。经历了历史的推移，改朝换代，中国东北的文明的诞生、文化的合并、民族的迁徙，东北地区在中国的历史上具有国际性、跨地域性的特点。辽金时期多民族渊源起始于公元10世纪初到13世纪前期的三百余年，在祖国的北半部先后建立了契丹贵族统治的辽朝（916-1125年）和女真金朝贵族统治时期（1115-1234年）金朝与两宋南政治并立，形成中国历史上又一次南北朝的局面。起源于鲜卑契丹族的金朝是我国北方古老的民族之一，从长远的角度来观察，辽、金两朝不仅推进了祖国疆域的稳定和中华各民族的融合，大大促进了北方民族对于中华中心政治的凝聚力的同时，对于中国历史的发展进程做出了推进的作用，辽金时期的发展其功劳是不可估量的。辽金文化，既是当时的北国特有地域文化，同时也成为中国古代流域文化中的重要组成部分，是不可忽视的。

一、辽金文化对雕塑创作影响

在中华民族的历史演變中，鲜卑、契丹、女真等民族在中国文化发展中曾经产生了重要影响，尤其对黑龙江的物质文化起到重要作用，而纵观哈尔滨历史在近千年的东北历史发展轨迹中，哈尔滨这座城市兼容了女真金源文化、外侨文化、京都移民文化，是一座古今文化、中外文化兼容的城市，形成一个多元化复合型的文化类型城市，哈尔滨的辽金文化雕塑在深入挖掘内在文化的同时，不只停留在表面做文章，更是因其独特的历史背景而形神具备。哈尔滨辽金文化雕塑在地域文化中是具有历史价值和地域独特性质的，在内容的展示过程中，雕塑所展现给观赏者的是文化历史和雕塑艺术，并不是简单的模仿和表面的复古，甚至要挖掘出黑龙江流域更深层面的民族文化、风土人情、地域文化、民俗习俗等于生活和精神息息相关的辽金文化雕塑，在充分挖掘蕴含哈尔滨文化特征、人文史、民间传说以及本地的自然地理环境内涵的文献后，在雕塑创作上不仅具有本土文化的特征，更具有新时代对辽金文化的传承。

在中华民族上千年的历史演变中，鲜卑、契丹、女真等民族不仅在中国文化的发展中占重要影响地位，更是哈尔滨城市的历史溯源，而辽金文化雕塑历史再现了哈尔滨的地域风情，辽金文化雕塑创作以传承哈尔滨地域文化渊源的古都文化，也弘扬了黑龙江流域具有特色的历史文化，辽金文化雕塑真实再现了中华民族上千年的历史，其民族的号召力、人文精神和历史对世界的影响力。女真族在哈尔滨建立了金国第一国度——上京会宁府，自此创造了灿烂的文化，起点源于黑龙江，并且从这里走出去入主中原。在这片黑土地上，珍贵的文物、壮阔的历史、不朽的文化都是构成哈尔滨辽金文化雕塑的主体。

二、吕滨辽金文化系列雕塑

吕滨黑龙江哈尔滨人，1985年毕业于沈阳鲁美美术学院雕塑系，后在哈尔滨市画院担任院长，任职兼职哈尔滨理工大学教授、哈尔滨工程大学教授。在他的作品之中，占重要地位的系列雕塑——辽金文化雕塑，他本人现亦是黑龙江辽金文化的领军人物之一，辽金时期在历史文献记载上的北方文化里曾有过“驯鹿人”之称呼。辽金人的生活漂泊不定，以狩猎为生，以草原和森林为家，以游牧为生。吕滨的辽金文化系列雕塑创作北方辽金人的生活为主题题材，在扎实的雕塑基础之上遵照对辽金时期的历史研究后最大程度还原了辽金人的炙热情感，以突显辽金时期人们的勇敢、豪爽的民族种族特点。在现当代在雕塑的形式语言和创作观念有了很大的改观，在经历了世界变迁。中国雕塑受到了西方艺术的影响，中国与世界各国艺术交流的日益密切，在大量的艺术方式、艺术语言不断传人中国后。中国雕塑界现当代已融合世界多元化的雕塑的景象，在与时俱进的同时也带来了弊端，层出不穷的多元化元素不停地夹杂在雕塑创作中，而对于历史的题材，民族化的纯粹却越来越不纯粹，越来越多的中西文化融合，更多元素存在于雕塑创作中，雕塑创新的脚步突飞猛进，而吕滨的辽金文化雕塑却在其中独具一格，依旧保持传承文化的心态持续关注地域民族文化，以传承历史、保持人文主义的角度创作辽金文化雕塑。

三、吕滨辽金文化系列雕塑赏析

1.辽金文化作品中《怀远》（2007年铸铜）中的人物形象，辽金人左手手持弓弩，腰挎箭筒，体态强壮有力，在衣服的处理上遵照辽金时期的着衣风格，加以他细致入微的研究，箭筒上的图案纹理亦详细刻画，右手捻胡须，辽金人右侧树立一尊马桩，马匹体态圆润而有力，头颅扬起与紧致有力的背部线条相呼应，左蹄微提起，张弛有度，给观赏者强烈的视觉冲击的同时又营造出一种人与马匹的对话，凸显辽金人以车马为家的特征，同时也凸显了，这一时期黑龙江流域的辽金民族已逐步形成了以游牧草原文化逐渐转为森林狩猎文化。

2.辽金文化作品中《塞外地生》（2007年铸铜）在民族文化融合的发展史中，辽、金时期北方民族文化大碰撞的过程中，形成了中国民族文化的沟通、碰触、融合，这一时期的文化变更在中国文化史与文学史上占有重要的地位，两名成年男子年载歌载舞，其地域风俗的多样性与丰富性在雕塑创作中淋漓尽致的体现，首先在衣着服饰上细节的处理，能够观察出所雕塑的人物为富贵之人，服饰使用了貂鼠皮、青鼠、羔皮等材料，所做的服饰用于御寒和彰显富贵的社会地位。在衣物质感的处理上既不失人物动势的体量感，又不失毛皮厚重的朴实、雅俗共存的特征。两尊人物围绕手鼓载歌载舞，通过其愉晚的面部表情和强有力的运动线可感受到辽金时期生活的富有进取。

3.辽金文化作品《狩猎人》（2015年铸铜）以辽金人在森林狩猎野猪为题材，猎人手持战斧，头戴兽头帽，猎人的面部细节棱角分明，刻画的线条出了猎人狩猎时的英勇和坚毅，在皮肤的处理上凸显了猎人的沧桑感，创作灵感源于生命之间抗衡的一个瞬间，描绘刻画了猎人在与野猪搏斗的过程中对存活的欲望，处于下位的野猪，体态粗狂而富有蛮荒之力，重心前倾，为了摆脱猎人的猎杀而踢起整个身体。在辽金文化中狩猎文化是一种民族象征，在辽金文化雕塑的创作中造型刚毅质朴感人，愉悦。

吕滨的辽金系列中每一组创作都充不同角度诠释了辽金时期的民族特色，每个作品造型都各不相同，但唯一不变的是阐释辽金人对生活的追求，对民族的坚强。其创作的外形、神态给人以愉悦的感官享受。而扎实的雕塑功底和准确、娴熟地激发运用则使其在雕塑创作的表达上抒发情绪上更加准确而深刻。

浅谈高校雕塑创作课教学 篇10

一、创作性的素描草图

素描是一切美术教学的基础, 素描对于解决块面关系、比例、光影、透视等基本问题起着至关重要的作用, 学生通过画素描来训练最基本的观察方法、造型方法以及处理整体和局部关系的能力。

基础的素描教学强调上面说到的基本问题的解决, 但是到了创作阶段素描则起到另外一种作用, 就是帮助学生去实现创作的意图。创作草图的绘制对雕塑创作起到至关重要的作用, 事实上许多伟大的雕塑创作都是从画创作草图开始的, 画素描和速写不仅是艺术家生活和创作思维的记录, 而且也是一种创作习惯, 而且草图本身也是一种创作, 代表着初次的创作构想。比如著名的英国雕塑家亨利摩尔, 一生留下了5000余幅速写和草图。这些草图是他创作的最初想法, 为创作提供了完整的前期准备。如他的两幅素描草图《斜倚的母与子》, 母与子是他最一生都在创作的一个题材, 素描用最简单的线条勾勒出母与子的造型, 虽然画的比较简单, 但是从他的用线上不难看出, 他对体块的处理是相当的准确。另一幅草图画的是同样的形象, 是从正、反、侧、后四个面来进行描绘, 雕塑家对雕塑各个方向造型的把握, 让人叹服, 一目了然。又如, 现代雕塑之父罗丹, 一生绘制了2000多张草图和素描, 他的创作过程基本都伴随着素描草图的绘制, 他最为著名的作品《青铜时代》的创作草图, 就是以写实的方法描绘了他将要创作的男子形象, 整个姿态和面部表情十分和谐, 舒展全身, 正在解脱一切束缚, 开始发出内在的力量。全身的轮廓结构不仅均匀、完美, 并体现了精确的解剖知识, 底座的厚度在草图里也有所表现, 没有喧宾夺主, 结合的恰如其分。素描草图充分的表达了罗丹的创作意图, 为他的创作打下了坚实的基础, 《青铜时代》也成为了罗丹艺术生涯中标志性的作品。

二、创作性的观察方法

雕塑是强调观察方法的艺术, 基础的泥塑写生观察方法是强调学生对形体的认识, 也就是要从事物或者模特各个方向的结构、解剖、体块关系等基本形体问题入手, 掌握写实雕塑的基本方法。但是到了创作课的时候, 这个观察方法的定义就要有所改变, 不是从基础层面, 而是要求学生从更加宽泛的角度进行观察, 找到一个感兴趣的“点”来创作, 作为任课教师来说, 要努力启发学生, 甚至找到学生独有的观察习惯并加以引导。

说到观察习惯, 现代主义雕塑大师贾科梅蒂值得一提, 贾科梅蒂从小受父亲熏陶开始进行绘画, 在他开始画一些静物的时候往往把静物画的非常小, 而静物的外围空间留的比较大, 这在传统的构图上是不允许的, 但是每当父亲帮他把构图改好后, 他又按照他自己的方式画的很小, 后来父亲发现他的观察方式很与众不同, 也就偶尔会给予指导, 给贾科梅蒂相当大的发挥空间, 他对于绘画的各种表现, 也能随心大胆地尝试, 不受传统方法的局限。贾科梅蒂的这种观察方式是非常个人化的, 是他自己独有的, 要达到艺术创新的目的, 教师要努力发现学生独特的观察方法, 从每个学生自身的特点入手, 发挥他们主观创作的欲望。

三、创作性的技法语言

泥塑雕塑技法对雕塑意义重大, 每个学习雕塑的学生都要经过严格的雕塑基本功也就是技法的训练。包括形体、比例、塑造方法等, 这些都是学生必须掌握的基本雕塑技法。但是到了创作阶段, 要试着引导学生把现有所学的技法用创新的方式表达出来, 达到创作的目的。

泥塑技法对于塑痕的创新运用最为常见, 塑痕是一个雕塑的专用术语, 指的是在雕塑过程中用手或者雕塑工具制造出来的泥巴的自然纹理, 对比表面光滑的雕塑来说, 运用塑痕能使作品更具表现力, 突出作品的手工性。塑痕的运用在罗丹的作品中比较常见, 他的作品大部分都是用手完成的, 很少借助工具, 因此会在雕塑表面留下特有的塑痕, 他的最负盛名的《巴尔扎克像》就是这样一件作品, 罗丹创作之前做了大量的准备工作, 包括了解巴尔扎克, 制作大量的小稿等, 最后他选取了一个披着睡衣在夜色中沉思的巴尔扎克形象。整个作品没有矫揉造作、过分细致的刻画, 表面布满了雕塑家双手与泥土充分接触而留下的自然痕迹, 与以往的写实的纪念性雕塑不同, 艺术家利用自然的塑痕赋予雕塑强烈的质感, 表现了巴尔扎克的伟大气概。

运用“线”来表达形体也是一种创作性语言, 传统雕塑讲究的是用块面造型, 线所指的其实就是物体的外轮廓线, 它是由块面的穿插结构、肌肉骨骼的穿插关系形成的, 而形体内部的线其实也是由这些结构穿插形成的。因此传统雕塑是不会有线的实质性定义的, 不强调线的作用。但是现代雕塑中已经将线作为了一个很有效的创作手段。比如著名意大利雕塑家曼祖, 他的很多浮雕作品就是通过线与面的结合来表现形象的, 如他为安特卫普的Middelheimpark创作的题为受难和埋葬的高浮雕, 在人物衣褶的主要转折部分和分割部分都采用了划线的方式进行刻画, 而人物的外轮廓也同样采用了划线的方式来形成对比, 这种线和体块的结合使整个浮雕作品具有了一定的“绘画感”, 浮雕的构图和人物形象顿时显得生动起来, 增强了表现力。

四、创作性的形式语言

艺术创作的形式是至关重要的, 这里所指的形式是说雕塑雕塑以一个什么样式结构来表现形象, 好的作品都有一个好的形式, 这种形式能够最充分的表达创作者的艺术思想。

运用变形的手段创作形象是一种最常用的方法, 泥塑变形指在客观事物造型的基础上将其有特色的地方加以变形或夸张, 从而达到突出作品典型艺术形象的目的。如著名雕塑家吴祖光对造型有着非常独特的理解力, 这给他的雕塑带来鲜明的个人特色。这种个人特色, 体现在其造型的简约, 形象的适度夸张和空间的丰富想象上, 他创作的人物已经脱离了现实中的客观形象, 已经不再是强调人物的解剖、形体等一些写实特征, 而代之以符号化、简约夸张的变形造型, 人物是简单的头大身子小的裸体或半裸形象, 面部五官大多是平面化处理, 表情呆滞, 或坐或站或蹲, 配以船或水管等造型, 增加空间感。他的作品初看十分好玩儿, 但在好玩儿中品味出的却是生存的无奈与苦涩, 形式感极强。再如我带的2015级本科雕塑方向毕业生中, 有一个同学的毕业创作是一组人物浮雕, 她把人物照哈哈镜时的变形形象作为素材进行创作, 形象夸张有趣。有的眼镜很大嘴很小、有的眼睛鼻子挤成一条线等等, 形象古怪, 虽然和原形相差很大, 但是显得很生动。浮雕一共分为九块, 每三个排成一排, 其中八块是哈哈镜变形的形象, 最后把人物原形的一块放在正中间, 变形的形象和原形对比反差很大, 大小相同的浮雕块以排比的形式使整个作品形象鲜明, 形式感突出。

还有一种创作方法是利用抽象的观念去创造抽象的形式。所谓抽象是指形象已经从客观中抽离, 形象本身已经完全脱离了客观, 是艺术家主观创造的产物。如布朗库西的最有名的作品《天空中的鸟》, 作品是一个上端尖、下端有柔和曲度的锥形形状, 这个形状已经抽象和简化到难以辨别的程度, 但是作品的线条却奇迹般的让观者联想到鸟的形象, 那优美的弧线甚至让人想到了鸟翱翔蓝天的轨迹, 布朗库西恰到好处的运用了抽象的造型形式, 把关于鸟的所有典型性的审美因素用最简单的造型表达出来, 让人产生无限遐想。又如隋建国近阶段的雕塑作品《盲人雕像》, 他用眼罩蒙住眼睛, 盲雕了一件抽象的泥塑作品, 并用最传统的套圈放大技术将其等比例放大, 作品被放大到两到三米的高度甚至更高, 除了泥塑还有套圈的木架也被作为独立作品镶嵌到墙上, 作品利用了传统泥塑的方法去诠释艺术家的观念, 把创造形象的权利完全交给了作者的意念, 是一种带有潜意识成分的抽象创作形式。