写生创作论文

写生创作论文（精选11篇）

写生创作论文 篇1

在大多数绘画学习者的眼里, 写生和创作似乎是分离的。认为写生和创作相较而言, 似乎写来的容易些, 只需要面对大自然的人物景象, 配上大自然自身赋予的颜色, 描绘者只需“照搬”就行了;而创作总让人望而却步, 被认为是费神的、需要缜密思考和成熟的创作观念方可动笔才行。这种想法是错误的。

一、水彩画写生也是水彩画创作的一种形式

写生为创作提供了永不枯竭的艺术灵感, 画家在自然中写生时面对千变万化的物象会保持一种新鲜感会不断的激发画家的创作灵感。在与自然或客观对象交流时, 画者能更加主动的感受自然, 体味生活, 从而挖掘生活中的美, 以轻松自如的心态作画, 画面上会使人感觉自然生动充满活力。

吴冠中先生改变了西方写生作品完全忠于客观对象的绘画方式, 在写生中不时变换角度和地点, 将不同的景物经过处理集中而产生超越客观对象的具有形式美的艺术效果。水彩艺术家黄铁山先生每次外出, 他都随身带着自己设计制作的水彩小画箱, 抓住一切时机观察写生, 随时用水彩记录自己眼前的景象和感受。他的创作便是从写生作品中演化而来的从对他的写生作品与创作的比较中, 我们可以很清楚的看到这一转化过程。这些细小的调整增强了画面的层次关系使作品更加丰富耐看, 充分的体现了他的审美情感。

黄铁山先生的水彩写生不在是简单的再现自然, /而是从视觉的直接接触景的过程中充分调动对于几形体、色彩和空间等诸多艺术理念性的语言, 又在写生中融合心灵的感悟和在对表象朴实的捕捉中构成自己独到的表现力。他的创作不仅保留了写生作品的生动情趣而且对具体细节的刻画亦相当深入, 使写生与创作如此完美的结合起来。这种日积月累的长期直接写生, 使他对生活和艺术有了更为深刻的理解, 在写生的过程中全身心的融入自然, 人境合一, 从而使其作品更具感染力。

二、创作得益于写生

第一, 素材的累积。

大量的写生练习, 正是为我们提供了一个“熟能生巧”的过程, 为创作表现埋下了伏笔。面对户外采景作画, 需冷静思考, 眼前的景是什么地方吸引了你, 激励你去表现。艺术来源于生活。画者首先必须热爱生活, 熟悉他所描绘的生活、对象, 作画才能得心应手。

第二, 表现技法运用。

国画中常讲“意在笔先”, 出自:晋·王羲之《题卫夫人笔阵图后》:“夫欲书者, 先干研墨, 凝神静思, 预想字形大小, 偃仰平直振动, 令筋脉相连, 意在笔前, 然后作字。”其含义是指:作画之前要具备成熟的构思、感性和理性思维的指导, 然后下笔。这是一种成熟的作画方式, 对于水彩学习也同样受用。“意在笔先”是为了让我们胸有成竹, 下笔在握。它是一个思考的过程, 也是作画的前提条件。不过话说回来, 水彩画是一种比较特殊的画种。因为水具有流动性, 所以造就了他的“与众不同”, 具有偶然性和必然性, 所以, “意在笔先”并非能控制的了整个画面, 有时候最终的画面效果也是“意在笔后”形成的。写生不仅能挖掘画家的视觉美感和独特的思维, 也能让画家逐步寻找到自己的艺术语言, 因此写生是画家成长的必由之路, 是画家形成艺术风格的最佳途径。概括成一句话就是:发现美、表现美和实现美。对生活有了丰富的积累后, 才能有艺术上的概括与浓缩。创作中有时看来是偶然的现象, 其实是一种必然的结果。

三、水彩画写生与水彩画创作之间的关系

水彩画创作与写生是相互促进、相互支撑、互为依据、相互影响的关系。水彩画写生是水彩画专业学生与水彩画家最先接触的水彩画创作的艺术训练过程, 然而水彩画创作并不是水彩画的终极目的。由于水彩画的写生性是自水彩画诞生之日起就一直存在的, 也可以说, 水彩画写生就是水彩画的主要创作形式之一。那么水彩画创作能力必定是在水彩画家大量写生、积累了艺术体验之后而逐渐得以增强的。通常当我们在水彩画创作上遇到瓶颈或者问题时, 想到的必定是通过相关的写生实践来获取创作的灵感与新思路。审美、技法是水彩创作的最重要的问题。在当下的高等美术教学中, 审美与技法训练是造就新时期画家的必修之课, 我们并不推崇只有思想没有行动能力的艺术家, 因此, 在高等美术教育中, 这两项重中之重是必须遵循的。因此, 这也印证了写生与创作之间相互增长、相互促进的关系。想从根本上使艺术创作上升一个层次, 那就必然要在写生与创作之间反复探索与实践, 体会其间相互影响与制约的微妙。

写生和创作是相互联系, 密不可分的。写生是联系艺术家与生活的桥梁, 只有在写生中才能不断获得新鲜的感受, 激发创作热情, 才能让作品更具生气与活力。面对神圣的大自然, 我们都是大自然的主人, 但她又主宰着我们, 当我们面对她时, 需要用心去交流。就像王肇民的静物, 不仅仅是静物;黄铁山的风景, 不仅仅是风景。我们要从自然中汲取创作的营养, 更进一步繁荣和发展中国水彩画。

写生创作论文 篇2

写生采风活动的工作方案

根据市委主要领导的有关指示，我市拟邀请100位潮籍知名画家集体创作百米画卷《潮汕胜景图》（暂名），在新规划建设的“潮汕历史文化博览中心”显要位置进行展示。现就有关工作制定如下采风写生工作方案：

依照市委宣传部部署，***画院组织潮籍名家及画院画师共约30人于 月 日至 日到潮州凤凰山、普宁大南山、途经韩江、练江、榕江三江及沿途特色民居写生，让画家们搜集创造素材，用画笔记录潮汕地区秀美的自然风光、创作出体现潮汕丰富的人文景观和独特的民俗风情，充分体现潮汕人民的勤劳、勇敢和智慧，用线条和色彩勾勒出一幅山清水秀、人杰地灵、物华天宝的潮汕全景图。

为确保活动顺利进行，现制订方案如下。

一、主题：

《潮汕胜景图》画家写生采风活动

二、时间和地点

时间：

2014年 月日至 月日。

地点：

潮州凤凰山、普宁大南山、途经韩江、练江、榕江三江及沿途特色民居。

三、活动日程安排（时间三天）

第一天：全体人员在***画院集中出发，沿韩江经潮州

赴潮州凤凰山采风写生，当晚在凤凰山住宿；

第二天：赴普宁大南山采风写生，当晚在大南山住宿； 第三天：回汕途中经练江、榕江及沿途特色民居采风写

生，当晚返回汕头住宿；

第四天：举办画师活动。

四、人员及车辆安排：

（一）人员：约30人。

（二）车辆：37座大巴车一辆。

五、活动经费：

1、车费：5500元（37座空调旅游车）一辆。5500元。

2、住宿费：300元/人/2晚。9000元。

3、餐费：早餐10元、中餐30元、晚餐30元共210元

/人。6300元。

4、凤凰换车游览费用：18元/人。540元。

5、导游司机费：60元/人。1800元。

6、保险费：6元/人。180元。

7、汽油、门票及其他费用：5000元。合共：28320元。

附：外地画家到汕住宿两夜食宿费用另计。具体费用实报实销

***画院

油画写生与创作 篇3

关键词：油画；创作；写生

在油画艺术的发展历程中，写生起到了非常重要的作用，它作为油画创作的经典手段和方式，有力地促进了油画创作的繁荣与兴盛。比如，在西方油画创作中，从达·芬奇、库尔贝等大师到印象派以及后印象派在面对自然时都选择了直接写生的方式，并为世人留下了不少艺术珍品。此外，写生作为一种探索手段，在我国百余年的油画发展历史中也起到了很大的导向作用，是促使油画成为我国绘画领域重要推动力量之一。随着时代的不断发展，写生也逐步突破传统的界限，表露出一些新的特征，为油画艺术的变革起到了先导作用。21世纪是影像的世纪，随着信息技术的不断发展，图像的来源以及获取图像的手段日益多元化。与此同时，不少照片、图片也被运用到了油画创作之中，拓展了油画了发展的空间。但不少人据此认为“写生过时”，甚至发出“写生无用论”的感慨，则无疑错误估计了写生与创作之间的关系，是典型的快餐文化思维在油画创作中的表现。事实上，写生作为沟通生活与创作的桥梁，无论什么时候都是油画创作中必不可少的基石。文章立足于此，就油画的写生与创作做了相应的研究。

一、油画写生概述

写生作为美术创作的一种手段、方式，由来已久，五代时便有“工画而无师，唯写生物”，这里写生特指对自然物象如鸟兽、花木等的临摹，与之相对应的则有“写真”“写心”“写意”等。现代绘画领域中的写生则指创作者对客观物象进行直接描绘的作画方式，描绘的对象主要包括人物、静物、风景等，它一方面可以用作初学者训练学习的手段；另一方面也被视作绘画创作的手段之一。一般而言，写生服务于作品素材的搜集，并不被视作成品绘画，当然，也有部分画家将写生视作创作技法直接创作，最为典型的便是印象派画家。

写生归根到底是创作者与写生对象之间的一种特殊形式的交流，根据字面意思，它主要可以分为三个层次的内容。第一，“写”。所谓写生，以“写”为主要手段：“写”不同于“摹”、“描”等词汇，它更多地是一种倾注了创作者内心情感与想法的创作手段，能够很好地凸显出创作者的主体性，而这正是绘画不落俗套的基本要求之一。“写”使创作者脱离了具体的时空限制，在写生环节中具有较高的灵活性和自由度，因而，无论是对象的选择、构图的安排还是气氛的营造上都有鲜明的个人特征。第二，“生”。“生”意指生物、生命、生活，泛指自然界中一切事物，具体到油画写生中而言，就是人物、静物、风景三大类别，它们是艺术创作的源泉。创作者的写生过程，就是对外界生物的一种主观感知过程，这能够帮助创作者找到自然生活中物与物、人与物以及社会生活中人与人之间的微妙关系，从而使绘画创作更为贴近生活，也更具感染力。第三，“感”。无论何种艺术形式，其本质上都是艺术家与外在事物主客观合为一体的过程。艺术作品既有客观事物的风貌，同时又凝聚了艺术家本人的思想、情感，在这一过程中，“感”至关重要。就写生而言，“感”意为“情感”“感受”，是沟通自然与主体的媒介，能够诱导创作者在强烈主观意识的诱导下对客观事物进行加工、提炼、创作。总而言之，写生是主客体的统一，同时也是创作者情感与理性的完美结合。

二、油画写生与创作的关系

在油画漫长的发展历程中，写生与创作犹如硬币的一体两面，而两者之间的关系历来也是研究者的研究焦点之一。随着社会的不断发展，油画创作的激发日益增多，写生作为一项传统技巧日益被技术化、手段化，甚至模糊化，这不仅不符合写生的本质属性，对油画的健康发展也是极为不利的。

（一）写生与创作的融合关系

艺术创作的本质是自由的，它是艺术家或创作者将内心情感的外化，随着科学技术的不断发展，艺术创作的自由属性更加凸显，创作者可以根据自身需要随意创作，从而满足个性表现的需求。因此之故，不少人将写生视作油画创作的一项技巧，甚而仅仅是创作素材搜集的手段，这无疑是对写生在油画创作中地位的矮化，并且也是对写生价值的低估。具体而言，写生与创作的关系可以表示为：它不仅是素材搜集的手段，更是一种独立的创作形式，事实上一部好的写生作品，本质上就是创作。因而，写生与创作实质上是相互融合的关系。首先，写生能够为创作奠定良好的基础。就油画创作而言，一幅优秀的油画作品需要具有精心选择的素材、完美的色彩搭配、良好的结构布局、真挚的个人情感等多个要素，写生作为沟通艺术与生活的桥梁，恰能起到相应的作用。其次，创作的一种具体形式就是写生。油画创作与写生之间虽然存在着绝对的区分点，但这并不意味着写生作品不可以视作油画作品，事实上油画写生作品展也是目前油画展的重要组成部分。

（二）写生与创作的属种关系

如前所述，油画创作的一种具体形式就是写生。具体到逻辑关系而言，油画创作与写生实质上是相容关系，并且是相容关系中的属种关系。之所以会呈现出这种关系的逻辑前提是，写生与创作本质上是不可分离的，写生不能被简单地视作一种技能、手段而与创作割裂开来，否则创作便会成为无源之水、无根之木。换言之，在油画创作中，写生可以是创作，但创作却不一定全是写生。首先，就写生可以是创作而言，在油画创作的历史中，不少作品甚至是优秀作品都是直接依赖于写生的。比如印象派画家的绘画，大都是对自然景物的写生，同时它们也是名闻世界的著名画作，典型的有俄罗斯画家谢罗夫的《少女与桃子》等。当然，并不是所有写生都能成为画作，甚至是经典画作，这和创作者本人在写生中所消耗的精力、投入的情感有着重要关联；其次，就创作不一定是写生而言，写生本质上与油画创作是一体的，但这不意味着所有的油画创作都需要依托于写生，事实上，随着现代科技的发展，很多创作者直接运用照片、图片等作为创作的依据，一定程度上消解了写生的意义。

三、油画写生在创作中的意义

（一）发展艺术语言

艺术创作的本质是艺术家个性的展示，因而，敏锐而独特的艺术语言是任何伟大的艺术家以及优秀的艺术品所不可或缺的宝贵品质之一。就油画创作而言，缺乏独立见解，对人生和自然缺乏独到的观察力、体验力与领悟力的人是不可能具有新颖的艺术语言的，因此，也难以创作出上等的作品。就艺术语言而言，它存在于广袤的社会生活与自然现象之中，需要创作者用心去反复操练，才能逐步获得，而油画写生则是发展和培育创作者个性思维以及观察力、领悟力的有效途径，对于其艺术语言的形成、发展以及突破有着相当积极的意义。举例而言，面对同样的自然风景，不同的创作者所呈现出来的自然风貌与内在情感存在着较大的差异性，这种差异性就是艺术语言的魅力所在，也是写生艺术语言的理论意义与实践价值。

（二）丰富表达途径

写生虽然与创作处于相互融合的关系，但这并不意味着写生等于创作，事实上，从工具论的角度出发，写生对大多数创作者而言，缺失是素材搜集的重要方式以及绘画技巧中的一个类型。换言之，写生对于创作者表达途径的丰富也具有重要意义。如前所述，写生的对象大体包括人物、静物以及风景三大类，就以风景写生而言，风景本身就魅力无穷，正所谓“横看成岭侧成峰”，无论从哪一个视角出发，都有可能产生不同的观感，写生有助于创作者自我认知这种观感，并在不断的练习中强化这种观感，从而使之带有鲜明的个人印迹，成为一种个人风格。吴冠中是我国当代著名画家，他对写生有着深厚的感情，并充分肯定写生在油画创作中的作用，将写生视作素材积累以及风格探索中的必经之途，其《北国风光》就是典型代表。

（三）提升创作技能

就艺术创作而言，表现力与创造力是艺术生命所在，也是创作者创作技能的具体显现。就油画创作而言，如何有效地提升创作者的表现力与创造力，也是创作能够取得成功的关键所在，而写生恰是最为适宜的途径。写生一方面需要创作者在仔细观摩创作对象的基础上，融入自身的想法与感情，进而去把握油画造型中的基本规律、分析方法以及表现手法等，这可以使油画创作摆脱“习气”与“套路”，提升油画创作的创新性，给人耳目一新的感觉。此外，写生也能够很好地培养创作者敏锐而生动的审美感受力，从而丰富并拓展创作者的艺术审美空间，提升其创作技能。这样就使得创作者能够以契合自身艺术特性的形式来将作品表达出来，使艺术创作更具创造力。

（四）培育审美情感

油画作为绘画的一种重要形式，归根到底是一种精神文化产物，它是创作者对外部事物的一种艺术表达，充分体现了创作者的个人情感与内心思想。在这种艺术表达的过程中，载体是创作对象、手段是创作技巧，核心则是审美情感。换言之，创作者的绘画技巧决定了油画是否合格，而创作者个人的审美情感则决定了油画能否伟大。写生作为油画创作的基础性工作，对于创作者审美情感的生成具有相当积极的作用。因为对于爱好绘画的创作者而言，写生通常来源于其内心的冲动，而非外界的压力。因此，处于强烈的需求，他们会投入到油画的写生过程之中，并且在写生环节中借助真实的体验与感悟来培育自身的审美情感，为日后的创作奠定基础。

四、结语

写生作为油画创作中基础性工作之一，对油画事业的传承与发展有着非常重要的作用。作为一种创作技法，它能够帮助创作者搜集创作素材，训练创作技巧；而作为一种艺术形式，它本身又是油画创作中的一个类型，以写生为内容的油画作品乃至精品也为数不少。目前，尽管随着现代科技的发展，写生在油画创作中的地位、价值存在被低估、矮化的风险，但不可否认，写生仍然是未来油画发展中所不可或缺的内容。

参考文献：

[1]贾万雄.略论油画写生在艺术创作中的意义[J].艺术教育，2010，（07）：115.

[2]闫明.略论写生对油画创作的重要意义[J].大众文艺，2013，（03）：83.

[3]窦凤圆.论写生在油画创作中的重要性[D].新疆师范大学，2008.

[4]刘维维，孙薇.心灵的感悟与视觉的升华--浅谈油画风景写生[J].艺术研究.2008，（03）：83.

作者简介：

论写生与水彩画创作 篇4

第一节研究的背景

在当下我们的许多水彩画普遍存在着作品缺少生活气息、缺乏激情、没有真实的感情流露、作品谈不上创意更没有艺术魅力可言。究其原因就是许多人不接触社会, 不深入生活, 闭门造车盲目的对着照片或者网络上下载的图片, 主观臆造或者直接照着图片复制。要解决这个问题采取写生的方法无疑是解决这一问题的良方。

第二节写作的目的和意义

写生的最大魅力是将画者此时、此地、此情凝结到一幅画面中去, 停留在想要达到的那个点上使之永恒。写生更是训练观察能力和色彩表现能力的重要方法, 面对瞬息万变丰富多彩的自然景观, 作者在高度激动与敏感的同时又要理性的面对画面的构图和色彩的搭配, 必须去选择、归纳、整体、概括地处理画面。写生对于艺术家内在的品质格局有很大的提升, 对于激活艺术生命, 改变苍白、概念、刻板等问题有很大的帮助。

第二章写生与水彩画创作

第一节关于写生

写生的本质

所谓“写生”第一种, 见景写生, 情景交融, 自然中景物给予我们感染与震撼有着强大的吸引力, 令我们非常激动, 兴笔一气呵成所画出来的作品, 是真实情感的流露。另一种, 为创作服务, 在作品主题的要求下到生活中寻找适合作品需要的景物、道具、形象等素材。我们所能知晓的历史上的艺术大师都拥有大量的写生作品, 这就证明了写生是艺术家得以进步的必要方式。

第二节关于水彩画创作

想要让艺术拥有更持久的生命力, 就应该坚持懂得从生活中去获取艺术创作的养料, 正所谓“生活是艺术创作的源泉”。古人云:“外师造化, 中得心源。”这里“外师造化”的实质就是指我们的创作应该依从客观世界中获取艺术创作的基本素材与创作灵感, 大自然的一景一物无疑是我们创作的源泉。

第三章写生与水彩画创作的关系

写生与创作是一种如螺旋般上升的互动递进关系。首先, 水彩艺术创作更多的是通过写生来实现, 它是对写生的一种精华提炼;其次, 写生的质量则直接关乎到水彩艺术创作学术价值的高低, 可以说它是水彩画创作的基础;然后, 水彩艺术在写生中往往能够将所看到的对象描绘得富有情感, 这种情感一方面是对象所自身带有的, 另一方面则是作者主观加入的情感意识。

第一节构建思路

思路是艺术家进行艺术创作的思想源泉, 一条清晰明确的思路决定艺术家能否创作出来有深度、有内涵的艺术佳作。而写生正是建构思路的重要手段, 通过写生, 不仅仅培养出更加系统的创作思路, 也会使绘画技法得到不断提高。

第二节水彩画创作是对于写生的一种提炼与升华

1、水彩画创作过程是在写生的基础上继承和发展的

艺术家在继承固有的优质积累之后, 就要善于整合和加以提炼, 从而促进水彩艺术的新超越, 通过在写生中逐渐培养出来的创新思维能力, 对大量现有积累进行结构重建, 发现新亮点, 发现新的表现方法, 发现新的社会题材, 最终将一些写生的积累改造成新的变化, 水彩画艺术也在这种变化中取得了新的发展。

2、水彩画创作与写生是一个有机体

有机体是指结构和功能上相互联系、相互依赖的各个部分组成的整体。水彩画创作与写生其实并不是相对孤立的, 而且一旦双方孤立, 无法取得应有的联系, 任何一方面都将无法取得实质性的进步。只有将水彩画创作和写生看作一对互补共生的有机体, 正确将两方面有效结合, 水彩画创作才能取得显著的进步。

第四章让写生辅助于水彩画艺术创作

写生如何更好的辅助于水彩画的创作?这是每一个热衷于水彩画的艺术家所需要正确认识的问题。抓住写生中的每个重要环节, 用心体验生活和培养敏锐的洞察力, 专注于培养创造性思维, 深入体悟水彩画的独特韵味, 把每一次写生都当成艺术创作。

第一节注重体验生活和培养敏锐的观察力

实地写生其实是一种很大的乐趣, 艺术家真正应该培养这种能够感受写生乐趣的习惯, 而这种习惯对于提高我们对生活的理解和形成敏锐的观察力具有很大的作用。我们在山水环绕的大自然中, 感受天地的灵气, 聆听万物的声音, 所描绘的对象也不再是局限于眼前的一景, 而是整个宇宙苍生的生命气息。用眼观察所看的景物, 用心联系景物与自然之间的关系, 用手抓住景物最动人的时刻, 这才是写生的正确方法, 也是提升我们艺术思维和技法的最佳方法。真正的艺术家在面对大自然的时候必然是极为饥渴的, 这种饥渴感是一种强烈想把所看所想的景物记录下来的欲望, 这种情绪的冲动也只有在实地写生的时候才会发生。所以, 我们应当把握住每一个让我们产生情绪变化的机会, 抒发出自我的真实情感, 描绘出精彩的水彩写生作品。

第二节注重创新思维的培养

创新思维则是指人们在创造具有独创性成果的过程中, 对事物的认识活动。任何艺术形式只有通过不断的推陈出新才能保持长久的新鲜活力。创新思维的形成是一种综合性的发展结果, 这种综合性包括发散性思维、直觉性思维以及求知欲等等。艺术家在写生过程中, 既要富有天马行空的奇思妙想, 也要具有基本的思维判断, 更要有强烈的求知探索的欲望, 三者激烈的碰撞出新颖的火花, 这样写生就达到了它应有的效用, 艺术家也在这个过程中获得了宝贵的创新思维方式。创新思维的培养看似复杂, 其实也简单, 我们会看到, 往往勤于写生, 善于探索的艺术家更容易获得新颖的艺术创新思维。

结论

善于写生总结, 总结的最终目的还是在于发扬优点, 弥补缺点, 这样对于艺术家而言则是一次次新的跨越。画家要经常进行写生活动, 深入生活, 不断的拓展创新思维, 提高艺术修养, 丰富表现方法, 那么, 就能通过写生创作出优秀的水彩画作品。

摘要：本文通过绘画写生与水彩画创作的关系来阐述写生对于水彩画创作的影响。水彩画的写生在水彩画艺术创作中发挥着重要的作用。自然与生活是艺术的源泉, 而写生的方式就是在源头上获取艺术的养分。通过写生不断的观察新的事物才能够培养个体的创新思维。

关键词：水彩画,写生,创造性思维,水彩画创作

参考文献

山水画的传承与写生创作浅谈 篇5

山水画在唐代开始繁荣和发展,相继涌现出了一些杰出的画家,创造和推出了一些不同风格的流派。主要的画家有李思训李昭道父子、王维、吴道子(人物画家亦擅长山水画)等。其中有以李思训父子为代表的青绿勾斫一派,即“北派山水画”;另外还有以王维、卢鸿一、郑虔等为代表的水墨渲淡为一派的“南派山水”,从而奠定了中国山水画在发展中的两大体系,影响延续了一千余年。

北派山水注重线条色彩,发展到宋代的代表画家有赵干、赵伯驹、刘松年、李唐、马远、夏圭;到明代的代表画家有吴伟、戴进、仇英、唐伯虎;到清代的代表画家有兰瑛等。

南派山水则注重水墨韵味的运用,传至五代的荆浩、关同,到宋代董源、巨然、李成、范宽;到元代的黄公望、王蒙、倪赞、吴镇;到明代的沈周、文征明、董其昌;到清代的四王(王时敏、王鉴、王翬、王原祁)及龚半千,释弘仁等。都是代代传承,并随着时代的发展而不断地注入新的生命力,创造并完善了中国山水画雄厚的基础与辉煌,才有了今天的更全面的发展。

古人在山水画的写生中,由于时代和在使用绘画工具上的制约,不可能像今天那么方便,他们都是以游览、观察、用心记忆,返回后根据记忆的概念和印象来绘画的。在现时中国山水画的写生上,则比古人的条件优越多了,有钢笔、铅笔、泡沫笔、一次性笔和速写笔等,也可以用毛笔画板直接写生。写生能在大自然中学到更多深层次的东西,有很多问题像古人光靠记忆作画是不能完全解决的。有时写生就能画出一幅好的山水作品,如用毛笔水墨就可以直接完成,或用线描也可以完成一幅完整的白描山水画作品。所以说对景写生本身就包含着一定的初步的创作思维,把景观根据构图的需要作出完美的调整和安排。当然没有扎实的笔墨功夫,就没有对景描写的能力。

写生不等于照相,笔者有深刻的体会,如我在九寨沟、峨嵋等地照了几十个胶卷的照片,而到创作时,却起不了构图所需的作用。因为写生动笔动脑、经过思维过滤的构图才是再创作的依据。写生不是简单的景物照搬和依样画葫芦,它包含了画家在写生时的灵感和传统技法的运用。写生的景物只是作为创作时一定的绘画依据和在作画时的思维启发。

总的来讲,写生是画家内心面对其景的自我感受与真实景物的结合,即写其意、抓其神。

不论写生或是创作,所画的景物总得有地域特色。如画三峡的瞿塘峡入口“夔门”,只要将桃山这个标志性山头画出来,而其它表现的环境可以千变万化,然观画者一看便会认定那是三峡的“夔门”;又如画三峡的巫峡,只要有神女峰列入画面,那必定就是三峡之巫峡的一段。这就是在创作画中的地域特征。

在画大幅山水时,画面的构成和处理上,很重要的一点就是要有很深的基本功,因其场面宏伟、内容较多,所以要有驾驭画大画(巨幅)的画面组织能力,而且还要表现出大画的气势来。

画小幅画、册页、小品则需画面轻松一些,因画面内容要少些,但却要求笔墨上的使用恰当,画得精确到位,具有一定的气质韵味和内涵。

中国山水画的构图布置也是关键所在,笔墨功夫再好,若构图不理想也画不出好的作品。

所以山水画有很多讲究,要注重水墨浓淡的变化,用笔起伏转折的变化和整体布局的虚实对比、大小空间对比、用笔的枯润对比、山岩的大小对比等,做到巧妙构思,在结构上力求变化,这样才能画出好的、经得住推敲的山水画作品。画家对作品怎样表情达意,也体现了山水画家的心胸,因为一幅山水画也就是一首表达景物情感的诗,诗言志,画亦如此。所以常说画如其人就是这个道理。

唐王维作画是“诗中有画,画中有诗”。诗与画的有机结合,形成传统山水画中的“文人山水画”,讲究立意上境界高雅,具有浓重的书卷气,这是画家内心气质的自我体现。如在他的画中诗句有“落花寂寂啼山鸟,杨柳青青渡水人”“行到水穷处,坐看云起时”“白云回望合,青霭入看无”等写景色的诗与画的相互融合。这些都是与写生时去深入观察景物的四时变化分不开的。所以作画应是未曾下笔,意在笔先,对画面有一个通盘的布局设想,对构图和创作要达到什么境界和目的,心中有数。

我在不断学习传统笔墨功夫的基础上,通过几十年的写生与创作实践,在向大自然的学习中,总结出了一整套适合自己的中国山水画的表现技法。如各种树木、森林、河流、泉瀑、岩石结构,山体、坡、滩、山脉走势的转换,风晴雨雪的表现,还有具象、抽象、肌理效果等都作了很多的尝试、探索、研究,从而形成了自己的绘画语言和独特的个人风格。

“古为今用,洋为中用”这八个字给我带来很多启示和收获。“古为今用”即是传统的吸收,“洋为中用”则是吸取外来文明的精华为我所用。如在大景巨幅山水画创作中可借鉴西画的素描关系和透视方法来解决厚重、深度、层次效果,解决江河、瀑布中的光形和结构透视问题等,这就是“洋为中用”吧。

以上浅议,来自笔者多年亲身实践所体会的一点点心得,用以交流,并盼专家们指教!

写生创作论文 篇6

根据我这次的创作感想, 追随艺术来源于生活这一意点, 艺术的内容与形式必须找到一个参照点, 在油画的绘制和写生中来体现对生活的感受。也通过在油画创作上进行一次学习上自我总结和体现, 从不成熟的阶段向成熟的阶段的一种学习呈现。通过风景与人物的结合, 促使造型能力的巩固和生动性, 使人感受生活无穷无尽的丰富性。我所描绘的油画人物风景主要是强调对色彩环境的运用和色彩外光, 色彩空间的理解。并通过学习对创作思维方法的认识和对创作思维图像构成特点的有效加强。通过风景人物的相结合, 体现艺术来源于生活的意点, 通过风景人物的相结合, 运用绘画的语言来描绘生活中流露出的自然美。

我的创作构图也是准备了很久的, 从一开始的下乡素材体验收集, 到后来的创作定稿, 准备绘画的这一整个过程, 是一个漫长的学习过程。我的创作画面主要是想表达朴实的民俗民风, 那种在我们日常生活当中无形流露出的一种最简单最快乐的感觉。根据写生拍摄当地的风土人情和自然风光, 我共创作了两幅油画作品, 两幅画虽然画幅都不是很大, 但却凝聚了我很多的心血和思想:第一幅画的大小是1.7*1.5米, 描绘的是在一片绿油油的草地上坐着一位朴实而又快乐的庄稼老汉, 身着简单的劳作衣服, 在暖洋洋的日光下晒着太阳休息的场景。身子旁边便放着劳作的竹筐和竹棍, 与人物之间形成明显的冷暖对比。再用绿色的大自然作为背景, 更显得贴近自然贴近生活;另外一幅画的大小是1.7*1.15米, 运用写实手法和自我创新的绘画思维、理念, 掌握干、湿画法相结合。描绘几位身着民族服装而又风趣的老太太, 聚在茶馆门口聊天的情景。用鲜艳而又对比明显的木房子、木凳子、土地砖和苍老的大树作为背景, 更可体现少数民族的一种风土人情, 但却与现代的社会相结合, 而不脱离发展快速的都市生活, 别具特色。这两幅画都是我们下乡拍摄的真情实感和真实感受, 他们虽然画幅不大, 但却凝聚了我对他们的许多丰富感情。

另外, 在这两幅画里我还强调了对色彩的表现手法和亮度冷暖对比。因为色彩是油画表现力的基本要素, 是油画迈不开得槛, 它的表现力是油画艺术的特征。培养自己对色彩的审美感受, 掌握色彩表现的语言规律是油画学习的核心。所以我很注意这一点, 也是我重点要学习的。例如我第二幅画的背景色与人物之间冷暖的对比, 红房子与地面明度、冷暖的对比, 人物之间色彩的对比。

所以说艺术与生活是一致的, 同样油画与生活也是一致的。生活和表现生活的艺术依赖着我们一条极其细腻的心灵来贯穿, 所以我们要用心的去体会。在我看来有形物体主要是由一块块色彩元素构成的, 也有赖于色彩周围的事物。因此一幅油画作品是沉浸在颜色颤动, 重叠交错的气氛当中, 在我的油画作品当中, 我始终追求着这种气氛感觉, 并成为我追求油画表现生活的重要载体和无限渴望。

我们需要观察生活体验生活, 不断地与大自然交流, 从中获得充满活力的感受。绘画是一种视觉艺术, 曾经有位学者说过, 面对丰富多变的自然物象, 我们将自然生活的美转化为艺术美不是靠文字或语言来完成的。观者之所以能从画中那些平凡的题材中看到自己从未发现的美, 那是缘于画家眼睛超常的敏锐。一片景物, 其所以美, 是因为含有一种微妙难说的意义。

通常艺术作品的内容是构成艺术作品最重要的因素之一, 是经过体验、加工创造的人类生活。油画创作课和下乡的课程在油画教学以它的独特性和针对性贯穿了我们对油画的学习, 特别是在训练我们造型能力与掌握绘画语言这两个因素里发挥其重要的意义, 在油画创作及下乡写生训练的教学独创性, 并且能有效通过造型和视觉语言的表现力度来表达出对人、自然、社会及个人的内心体验, 得到一次有意义的文化洗礼。一切艺术均是我们现实生活的反映, 社会现实生活是艺术创作的源泉和基础。

在这次的两幅油画创作中, 还有很多的不足和要修改的地方, 也有很多很多要再次学习的地方, 这些都需要今后我的知识积累和再度完善。学习用最基本、最简单准确的绘画手段表达出我内心最强烈的理念和情感, 言简意赅, 提高自身的造型综合能力和创作基本规律, 找到自我表现的个体性、独创性和丰富性。更加要注重画面造型和油画技法的相对视觉美感统一。在我今后的绘画道路上, 我也都会保持一种认真严谨的态度。

绘画作为一种造型艺术, 注重的就是画面的气质和神韵。油画创作和写生在油画教学以它的独特性和针对性贯穿了我们的学习过程, 特别在训练造型能力与掌握绘画语言两个因素里发挥其重要的意义, 在油画创作及下乡写生训练的教学独创性, 并且能有效通过造型和视觉语言的表现力度来表达出对人、自然、社会及个人的内心体验, 得到一次有意义的文化洗礼。我们应该看到, 无论是设计艺术大师还是绘画艺术大师.在通往成功的艺术道路上, 都是遵循着自然规律, 脚踏实地的以平静的心态, 用更多的精力和时间, 在创新研究艺术实践中探寻, 是我们走向成功之路十分重要的基础。

摘要：艺术来源于生活, 通过对油画的学习和写生来体现生活中的感受、进行一次自我总结和体现, 从不成熟的阶段向成熟的阶段的一种学习呈现。通过风景与人物的结合, 促使造型能力的巩固和生动性, 使人感受生活无穷无尽的丰富性。我所描绘的油画人物风景主要是强调对色彩环境的运用和色彩外光, 色彩空间的理解。并通过对创作思维方法的认识和对创作思维图像构成特点的有效加强。通过风景人物的相结合, 体现艺术来源于生活的意点, 通过风景人物的相结合, 运用绘画的语言来描绘生活中流露的自然美。

关键词：油画写生,创作构图,生活题材,色彩运用

参考文献

[1]《关于罗丹日记选抄》.雄狮图书公司出版.熊秉明著P50.

写生是山水画创作的源泉 篇7

随着时代的演进, 对于大自然的神秘, 人们开始对它进行关注、表达, 必然对山水画产生重大影响, 在山水画创作有了更大的提升。画家对自然的认识逐渐转向自觉有意识。山水画逐步完善的过程, 也是一个写生与创作并进的过程。写生是直接观察、领会、记录自然景物生态面貌的技法, 只有到真山真水中实地写生, 只有在大自然的启迪下, 才能引发出创作灵感。“外师造化”、“师法自然”, 讲的就是写生。山水画讲究意境, 意境是画的灵魂, 意境是景与情的结合, 即所谓“见景生情”。意境的产生有赖于思想感情, 而思想感情的产生又与作者对客观事物认识的深度有关, 即所谓“外师造化, 中得心源”。钱松岩老先生曾经讲过“不看真山真水就没有资格画山水”的话, 石涛也说要“搜尽奇峰打草稿”, 这都是一样的意思。范宽为何在山水画的高度成熟时期影响如此之大?郭熙何以在山水画的保守、复古和变异时期“自成一家”?清代的石涛为什么是自我派的代表?他们的艺术成就能给我们怎样的启示?

下面就以这三位山水画家的三幅代表作为例来认识写生对于山水画创作的重要性。

一、范宽的《溪山行旅图》

(一) 范宽北宋山水画家, 艺术成就卓越。历代画论对他评价甚高, 认为他的山水画, 在宋朝“自无人出其右”。他早年向李成、荆浩学画山水, 对他们的笔墨章法, 学得很像, 经过一段时间后, 他感到面临两条不同的艺术道路:一条是沿袭他们的面貌继续画下去;一条是另辟蹊径, 自创新格, 要创新那就必然需要到自然山川中去, 作新的探索。他选择了后者, 明确地提出了中国画史上的一句名言:“与其师人, 不若师诸造化”。认为前人的画法是从客观自然中提炼出来的, 他强调向大自然学习, 非常重视写生, 不仅“卜居于终南、太华”, 而且“常危坐终日, 纵目四顾, 以求其趣。虽雪月之际, 必徘徊凝览, 以发思虑” (刘道醇《圣朝名画评》) 。注意表现自己对客观自然的认识、体会和感悟。这是范宽在实践中运用了张璪“外师造化, 中得心源”的精神。

(二) 其代表性作品《溪山行旅图》, 画面描绘了关中 (终南山、华山) 一带景色。终南山宽广、高大、雄伟、山谷幽暗, 太华山奇拔俊秀、险峻雄伟。这些特征在范宽的画上已留下深深的烙印。我们可以在这幅画中找到相似的印证。古人说范宽“善为山水传神”, 正是范宽对终南山、太华山深入观察、感悟的结果。范宽以一句话总结他的领悟:“前人之法未尝不近取诸物, 吾与其师于人者, 未若师诸物也, 吾与其师于物者, 未若师诸心。” (《宣和画谱》)

此画全景式构图, 重山叠峰, 草树蒙茸, 山石坚硬, 具有真实感。山势雄健、丰厚, 正面折落有变化、有空间, 山脚的开阔路上, 毛驴行人, 动态准确生动, 富于关中的地方特色和生活气息, 可见范宽对关中一带的景物和民俗了如指掌。

西峰-华山主峰之一。西峰为一块完整巨石 (又名“斧劈石”) , 浑然天成。特征:绝崖千丈, 似刀削锯截, 呈陡峭巍峨、阳刚挺拔之势。此峰与图的山貌相适。其山, 用粗犷中锋笔线勾出山体, 用笔断续, 笔断气连。笔法重实, 山石多以钉头、雨点、豆瓣一类的皴法。密实中有规律组织, 与客观物象真实性相吻合, 表现了山石的“质”。笔法呈刀斧砍状, 有沉着、痛快、利落、生辣的特点, 十分适合体现石山的现实观感。

岩壑间, 用水墨渲染, 多次在绢本上染成, 故极具浓重沉着浑沦之意蕴。其石, 描绘了北方常见石灰岩层的自然现象。因范宽长期生活在大自然中, 观察感受, 体会这种真山压面的气势, 才能创作出如此逼人的画意。而山石用笔效应是意境体现的关键, 山石外廓骨线“重”笔, 内廓皴纹理。从而显现真石质感。其树, 和关峡、中南山植被相似。具有:楠木、樟木、巴山松、红豆杉、珙桐等野生树种的特点。树丛有前后之分, 用墨讲究, 用直笔、枪笔 (在书法艺术上是指用笔由蹲而斜上急出) , 树身淡墨一染变过, 树干中锋勾勒, 树叶双勾、单勾、点染, 看起来浑厚逼真, 表现出画家“察物明理”的思想。总而言之整个画面充满了重质感, 气势磅礴, 凛凛逼人, [2]是关中一带地貌的真实写照。

二、郭熙的《早春图》

(一) 郭熙, 北宋山水画家。早年无师承, 多从自然中来, 中年之后专意李成, 笔法大进, 虽师法李成, 但认识到师法自然的重要。《林泉高致》可以了解:他明白造就各地山水不同风貌的道理, 则不仅师法大自然, 而且注意深入研究。对于山水画创作, 他提出要师法传统“不局于一家, 必兼收并览”。更重要师法自然“广议博考, 以使我自成一家, 然后为得”。最重要师法自心, 主张“饱游袄看”、“所经之众多”对各地山水作精心的研究。他反复批评只在传统里转, 没有经历丰富的画家, 讨厌“惟摹”的坏风气他的画能真实而微妙地表现不同地区、季节、气候之特征。有远近浅深, 四时朝暮, 风雨明晦之变化, 有“可行”、“可望”、“可游”、“可居”之景观, 讲究山、水、路的结构, 务必画出本质的真实, 创造出极其丰富优美动人的意境。他指出:“嵩山多好溪, 华山好多峰, 衡山多好别岫, 常山多好列岫, 泰山特好主峰”, “春山治而如笑, 夏山苍翠而如滴, 秋山明净而如妆, 冬山惨淡而如睡” (郭熙:《林泉高致·山水训》) 。这都是他深入体察生活, 对景造意, 刻苦钻研的结果。

(二) 郭熙的代表作品:《早春图》, 描写北方早春时节清晨的景色, 着重表现自然界不同季节的不同特征, 这离不开画家写生。此图传达了冬去春来的信息, 大地复苏的细致的季节变化。可以断定郭熙平日对自然的现象、季节特征观察细致入微。正如他所说:“……欲夺其造化, 则莫神于好, 莫精于勤, 莫大于饱游饶看, 历历罗列于胸中……”, “远近浅深, 四时朝暮, 风雨明晦”。

此画空间处理运用了高远、平远、深远独特构图方法, 繁复的崇山峻岭, 体现了画家观察自然的独特方法和审美观, 北方山石、树木和清雾缭绕的迷漫气氛表现得淋漓尽致。

近景画巨石层叠而上, 中景画薄雾轻笼, 右部山头为云雾所遮, 画中山石:用粗细而又曲折的线条写出轮廓, 山石皴法几乎不用线条, 用松而毛的笔恣意挥洒, 再用水墨连扫带写加勾, 速度很快, 一遍基本完成, 在略加修饰而已, 有浓淡干湿和飞白的效果, 称为“乱云皴”或“鬼脸石”。线条既不疤, 小枝略带侧锋。上仰如鹿角, 下垂似鹰爪, 人称“蟹爪郭熙”。这都是画家通过写生实践, 深入体察对象的结构、姿态、质貌及生长时节、气候、地理环境, 才可以掌握对象的组织结构和形态, 然后创作为艺术形象, 产生合适的表达技法。其景点, 人物、房屋、船的呈现, 增添了生活气息。这些全都符合他对山水画创作的追求, 整个画面体现出“可行”、“可望”、“可游”、“可居”景界, 是对自然山水的提炼, 是师古人、师造化、师自心的结果。

三、石涛《搜尽奇峰打草稿图》

(一) 石涛, 清初著名山水画家。前朝宗室, 为躲避清军追杀, 保全性命, 自幼出家。能书善画, 性格顽强、耿直, 一生结识了许多画友, 其中对石涛画艺影响最深的是梅清。石涛学画过程, 不仅借鉴前人之长, 而且极注重外师造化, 积极探索自己的艺术道路。主张“借古以开今”、“我自用我法”, 强调从自然中吸取创作源泉, 到大自然去写生。石涛一生登山临水, 从湘源到楚水, 从越中到黄山, 搜尽奇峰打草稿。

(二) 石涛传世作品甚多, 代表作《搜尽奇峰打草稿图》, 概括了画家一生游历所经山川之精粹, 表达了画家的艺术思想。展开这幅画卷, 画面群山起伏环抱, 长城蜿蜒。尖峰峭壁、奇锋怪石, 或横或竖, 错落其间。山中樵径、溪水曲曲折折, 往来萦回。远景一带河水, 悠然而逝, 给人以胸襟顿然开阔之感。平仰的视角, 截取式构图, 展示了北方山川的雄伟风貌。画中植被、点景都十分丰富, 茂树翠竹, 随处可见, 争奇而生。屋舍隐现, 渔舟往来, 点缀人物, 或闲坐论道, 或援径觅句, 或乘船往来游览。

图中的怪石、奇松、云海得法于黄山, 他第一次登上黄山时, 见到那种奇峰耸峙、云海变幻、怪石虬松, 千姿万态的景象, 内心异常激动, 他为眼前是奇景所陶醉, 搜奇选胜, 目不暇接, 经过细致的观察和深刻的体验, 他将奇峰异境的印象牢记在胸中。在画跋中他曾提到:“黄山是我师, 我是黄山友”。

画卷笔墨的另一个特别突出的特点, 是苔点的运用特多。无论是山峰, 还是陂陀巨石, 甚至水中, 盘空点来, 势如风, 急如雨。浓淡干湿, 层层叠叠, 笔情恣肆, 淋漓洒脱。极好地烘托出大自然山川的豪放郁勃之气势。

(三) 卷首有石涛自题:“搜尽奇峰打草稿”, 这是他一辈子从事山水画的创作革新活动所总结出的一句名言。一方面形象地体现了一辈子艰苦的艺术实践, 他为了搜尽祖国的奇峰, 到处跋涉, 壮游万里;同时也说明了他正确的艺术道理, 不是模仿古人, 固守陈法, 而是到自然生活中去, 以自然为师, 广收素材, 在此基础上经过苦心经营和艺术加工, 提炼出更典型的自然景色, 塑造出比自然更为完美的山川形象。

在作品的卷尾, 石涛本人作了一大段跋文, 其中谈到了自己的艺术主张, 也谈到了对当时占画坛统治地位的拟古、仿古山水画派的看法:“郭河阳论画, 山有可望者, 可游者, 可居者。余曰, 江南江北, 水陆平川, 新沙古岸, 是可居者。浅则赤壁苍横, 湖桥断岸, 深则林峦翠滴, 瀑水悬争, 是可游者。峰峰入云, 飞岩堕日, 山无凡土, 石长无根, 木不妄有, 是可望者。今之游于笔墨者, 总是名山大川, 未览幽牵牢莺尉出郭何曾百里, 入室那容半年。交泛滥之酒杯, 货簇新之古董。道眼未明, 纵横习气, 安可辩焉?自之曰:‘此某家笔墨, 此某家法派。’犹盲人之示盲人, 丑妇之评丑妇尔。赏鉴云乎哉。……”这是一篇重要的画论文献, 对解读画作本身, 不无裨益。

五、结论

略论写生对油画创作的重要意义 篇8

当今社会发展的信息化与全球化, 艺术呈现出更为自由的一面。油画创作往往有着丰富各异的绘画风格, 创作者能够自由地对绘画方法和绘画语言进行选择与运用;加之如今越来越发达的高科技手段介入艺术领域, 绘画创作的个性特征日益鲜明。广大的艺术工作者应当对写生的真实含义进行深刻的思考, 通过生活反映深刻的精神内涵, 必须将写生与创作之间的关系梳理清楚, 深刻了解写生在创作中的重要位置并给予重视。

写生与创作的关系之间不需要设一个绝对的区分点, 因为它们之间的关系是相对而言的, 了解它们之间的相对点有助于不断提高艺术作品创作的质量。众多完美精湛的绘画作品都得益于写生的功劳, 例如印象派的创作对象一般都是大自然, 在基于对自然景象写生的基础上加之令人惊叹的绘画处理技巧, 从而创作出许多闻名于世的优秀绘画创作。例如, 荷兰风景画家雅各布·鲁伊斯达尔的《林中水塘》和俄罗斯画家谢罗夫的《少女与桃子》就是得意于写生的最佳代表。但是, 这并不意味着单纯依靠写生就能创作出优秀的作品。因此, 只有清楚了解自己究竟处于怎样的一个艺术层面, 深刻了解应当报以怎样的创作心态, 才能摆绘画创作中狭隘认识对写生的束缚, 从而最大限度地发挥写生的价值。

二、写生对油画创作的重要意义

1. 充分挖掘油画的创作语言

艺术源于生活并高于生活, 艺术语言是对生活认识的最佳诠释。画家在写生中与自然处于直接的面对面状态中, 其对自然生活的感悟影响着自身绘画语言通道的成型, 这种自身基于自然而产生的感悟影响着绘画直觉和灵感的产生, 从而形成独特的绘画语言。写生不仅仅是原来意义上的收集素材, 而是绘画的一种“操练”。面对自然, 不可每张画都是用同样的技巧, 同样的范式, 在面对丰富多彩的自然面前必须带着一种新奇感和探索的精神, 不断对自然进行充分挖掘, 以此充分发挥写生对创作语言的理论意义与实践价值。

2. 写生是油画创造中艺术表达的重要途径

“风格即人”, 吴冠中更言, “风格是人的背影”。吴冠中先生的绘画风格在大量作品中鲜明地脱颖而出其众多作品在国内外都取得了很高的艺术成就。吴冠中先生将现实与理想进行融合, 在立足中国传统文化的根本上兼续先进的国外创作技巧, 开创出“水墨现代化”和“油画民族化”的创新之路, 并在这条跨语言的探索之路上取得优异的成绩。他对写生在油画创作中的地位给予了充分的重视与肯定, 将写生视为素材的积累以及绘画风格的探索过程, 如作品《北国风光》。

因此, 我们必须树立强烈的主观意识, 才不能跟着对象跑, 大自然的魅力是无穷的, 常令人不由自主地迷失自我, 现场写生是以客观对象为载体、得到提示面创作的关于风景的一些作品, 而不是照片式的抄袭。当然在面对自然写生是也不能胡编乱造, 随意取舍, 我们在膜拜大自然的同时不能沦为她的奴隶。

3. 强化对艺术创造力和表现力的培养

好的写生面对创作对象进行自我的感悟和情感表达的创作过程, 蕴含着鲜明个性特征与时代精神的创造, 在描绘客观事物并且加入自己创作的写生才是真正具有价值、满足艺术创作的要求的优秀作品。大自然提供的东西无比精彩、无比丰富, 在写生时, 应有感而发, 对画面构成方案有自己的思维背景, 才可以改变对象。但这种改变不能形成“套路”和“习气”, 这样的改变才能丰富而生动, 才能不断培养对艺术的创造力和表现力。油画写生不仅仅可以通过体验来准确把握油画造型的基本规律、观察方法、分析方法和丰富多样的表现方法, 还有利于培养即兴的敏锐而生动的审美感受力。

4. 有利于提高艺术家审美情趣和精神艺术

写生能够帮助画家形成自身独特的艺术语言, 并且将自身的艺术语言规范化, 从而形成一种具有鲜明个性特征的审美体系和绘画风格。“登山则情满于山, 观海则意溢于海”, 这种饱含艺术家情感的切身体验, 就是写生的开始。绘画的艺术是一种精神文化的下的产物, 是人们最美好事物的一种表达以及对外部事物的一种表现, 根据这样了解绘画应该是一种精神文化的表达。对于热爱创作的画家而言, 写生往往来源与自身内在需要的激发, 而不是来源于外界强加的压力;倘若创作的冲动不是来源于画家内在的心理需求, 那创作出的作品往往不具有生命力, 从而无法打动世人。艺术作品通常富有精神价值, 通过真实的体验和感悟抓到本源性的问题。

总而言之, 虽然油画在中国已经有了百年的历史, 但关于油画的价值评判标准依然不清晰。我们必须将衡量中国油画的价值标准明晰化, 在西方油画标准的基础上结合自身的现实情况进行客观评判。正确认识写生有利于画家形成个人的绘画风格与绘画语言, 写生不仅仅是对客观事物的全盘描绘, 更是在绘画体验中形成审美情趣与个人感悟的极佳过程。通过在写生中融入具有个性特征的自由创作与创新, 并将这些东西都体现出来, 形成独特的绘画语言, 最终推动中国的美术不断地向前发展。

摘要：写生是沟通生活和艺术的坚实桥梁, 是油画艺术家进行创作的基础, 是锤炼画艺的最佳方式, 是亲近自然和体验生命的绝佳途径。本文通过简析写生的含义, 写生与创作的关系, 讨论写生对油画创作的重要意义, 希望广大艺术家及艺术从事者创作出更好的油画作品来。

关键词：写生,油画,创作

参考文献

[1]贾万雄.略论油画写生在艺术创作中的意义[J].艺术教育.2010, (7) .

[2]张旭东.浅析写生在油画创作中的意义[J].美术教育研究.2012, (7) .

[3]李军伟.论油画风景写生色彩表现中应处理好的几个关系[J].大众文艺 (理论) , 2009, (07) .

油画写生与创作之间的关系探析 篇9

最早的油画作品出现在西方,主要为宗教服务,拉斐尔、达·芬奇等在油画创作方面都有许多的代表作,伴着清朝时期传教士的大量访华,油画也随之传入中国,但我国早期的油画作品多以学习西方风格为主,也带有浓厚的西方色彩。到现在为止,油画的发展总共经历了古典主义、现实主义、印象主义、后印象主义以及现代象征主义五个阶段。油画的分类与素描、水彩、水粉画一样,分为人物、风景和静物三类。油画教学中最基础的课程为写生,尤在风景油画中应用突出,所谓写生就是直接对客观现实进行描绘的一种作画方法。在创作过程中更多强调对客观事实的尊重,主要为油画创作搜集素材和提炼技巧,但随着后期的逐渐发展越来越多的油画创作者喜欢直接以写生的方式进行创作,这使写生成为了油画创作的主要手段之一。油画的创作相较于写生的直接明了就稍显间接,而且需要创作者长期的艺术沉淀和技巧锻炼,通过大量的时间、知识和情感共同融合来使作品得到完成,在这其中创作者的主观因素起到了决定性作用。因此,创作更倾向于主观思想的表达,创作者将自身的审美和修养融入客观对象中所描绘的作品便是创作。

二、写生与创作的关系

(一)写生与创作的联系

一直以来写生与创作的关系问题都是艺术爱好者们谈论的焦点。通常而言写生是油画创作的基础,它为创作者提供丰富的绘画素材,长期的写生训练可使其在绘画技巧、绘画信念以及绘画思维上得到极大的提升,让创作在写生的基础上得到继承和升华。人类自身处于一个变幻莫测的世界里,丰富多彩的物象世界为油画创作者提供了更多的素材选择,然而不同的事物在不同的视角下所展现的美大都不尽相同。油画创作者往往拥有一双与众不同的眼睛,他们善于寄情于物,通过选择不同的素材来表达自身眼中所观察到的不同美景。写生就是创作者获取素材的最好途径,在写生过程中随便一个简单的事物都可以给予他们美的感悟,进而激发他们对其进一步的创作。同时,创作者经过长期的写生训练后,对绘画题材的理解和把握通常会更精准,在绘画技巧和绘画思维上也会变得娴熟、灵敏,长此以往,创作者会为自己总结出一套适合自己惯用的作画经验和方法,为创作提供更加成熟的帮助,这些将会是他们绘画生涯中最宝贵的财富。

(二)写生与创作的区别

写生和创作之间除了密切的联系外,也还有许多不同之处。例如,写生主要是面对对象直接描绘客观因素为主旨,多数的写生是短时间的即兴发挥,太过在意眼前客观事物的形象和色彩就变成了普通的临摹或照抄,在情感表达上略显不足。创作则是对作品的间接修饰,多强调主观因素的作用,创作者在某一处或者某一瞬间事物的吸引下有了创作的欲望。通过对素材选择、整体构思、颜色搭配以及绘画技巧的反复琢磨再与自身想要在整件作品中所表达的情感相结合,经过长时间的尝试和修改才创作出理想的画作,作品所表现的主观思想是创作中最大的亮点。

(三)写生与创作的结合

在现实的油画创作中写生和创作之间并没有明确的界定,虽然在概念上存在些许不同之处但通过对实践操作的探索,我们可以得知两者的联系多过区别。多数是处于共同存在、共同发展的状态之下,创作离不开写生,写生同样也需要创作。创作者想要更好地完成油画创作,油画写生训练是不能被忽略的,走和跑的先后顺序是一个永恒不变的规律,只有遵循客观事实的存在才能在艺术创作中走得更远。写生和创作在油画绘画中是一个有机整体,写生是创作的先导,创作是写生的影响因素。成熟的油画创作者在面对创作素材时,首先应该对该素材进行客观判断,运用自己在油画写生中积累的经验选择适合自己的作画技巧,然后再加上主观意识对该作品创作的意愿和期望,通过主观因素与客观因素的结合把两者的优点共同融入到作品之中,如此才能满足油画创作的真正目的。当然写生和创作并不严格独立按照先后顺序出场,在写生中进行直接创作的大有人在,油画创作者的主观能动性、艺术感、色彩敏感度、油画技巧和丰富的个人情感等素养,都是在写生中进行创作的有利条件。因此,能否清晰界定写生与创作间的关系已不再重要,二者的共同合作各取所长才是油画创作中更重要的东西。

三、当今油画创作所面临的问题

油画创作发展到现在,随着科学技术的进步,信息化、网络化、影像化已逐渐渗透其中,相机和DV等影像设备为油画创作提供诸多便利,应用也变得越来越普及。大自然提供的素材多不胜数,通常转瞬即逝,油画创作者为了能够更多地收集到创作素材,留住每一个精彩片刻,往往会采用各种影像设备将其记录下来,然后回到家中筛选出自己最满意的创作素材,如此一来使得油画创作的风格、形象变得丰富多彩,这对油画事业的发展也是极为有利的。然而,影像设备运用得越多使油画创作者对图像资料变得越依赖,从而渐渐忽视了写生在油画创作中的重要性。许多油画创作者受高新科技的影响,错误地把影像、图片这类二手资料当成了油画创作的一手素材来进行创作,减少写生训练的时间,模糊了写生素材和影像资料的关系,无法正确认识写生在油画创作中的真正价值。这种过度依赖影像资料的创作行为,脱离了写生的本质,创作者已然无法通过写生的方式身临其境去亲身感知真实素材所带来的美感,更无法为油画创作赋予更多的情感和主观意识,造成油画的发展处于一个毫无生活气息、冷漠单调的艺术氛围里,完全违背了油画创作的初衷,是油画领域中极为危险的现象。

四、怎样提高油画创作者对写生的重视

著名画家陈丹青说过:“写生实践的长期匮乏,是当前传统类型绘画了无生气、僵滞不前的深层原因。”不难看出,如果油画创作中缺了写生这重要一环将会造成多么严重的后果。如何提高油画创作者对写生的重视度成为了现今油画创作中的首选要务。笔者认为我们可以从以下三个方面去解决这一难题:首先,油画创作者应该提高自身素质,学会用创新的思维看待油画的写生和创作,通过对油画家和油画作品的深入了解,提高自身的油画审美标准,认真学习著名油画家的创作特点,为自己总结出一条合适的油画创作之路;其次,将写生作为油画教学的重要课程,通过系统的写生学习,让油画创作者了解写生训练对创作所赋予的价值和体验,在潜移默化中提升对写生的重视;最后,鼓励油画创作者在写生和创作形式上进行创新,推翻原来一成不变的“临摹”写生模式,将技术创新和艺术创新相结合,采用开放性的创作思维将写生变得更加生动有趣。

结语

油画艺术从传入我国到后期的蓬勃发展是一个艰辛且意义非凡的过程,写生在油画艺术的发展中,不仅是一种创作手段而且是一种艺术,写生作为油画创作的基础引导着创作的发展具有导向作用。同时在艺术文化发展的今天,写生更是被赋予了更新的意义,其在油画艺术中的地位越来越重要。油画创作者在创作过程中应该提高对写生的重视度,将客观的写生与主观的创作相结合,成就油画作品的成功。

参考文献

[1]赖培文.浅析人体写生在油画人物创作中的作用[D].苏州:苏州大学,2015.

[2]石林池.贵州乡土油画创作研究[D].贵阳:贵州师范大学,2016.

[3]奚静之.俄罗斯美术十六讲[M].北京:清华大学出版社,2005.

写生创作论文 篇10

关键词：写生；当代花鸟画；创作

中图分类号：J211.28文献标识码：A文章编号：2095-4115（2014）08-21-1

一、中国花鸟画的特点是注重写生

在中国绘画发展史中，花鸟画不管发生什么变化，都包含着写生的实践基础。唐代张璪提出的“外师造化，中得心源”，就诠释了写生与创作之间的密切联系。花鸟画表现的内容离不开画家对自然界中花草、虫鱼、禽鸟、走兽、蔬果等物象的观察。在人类早期的原始壁画和陶器上，我们就能发现古人用鸟的纹样装饰彩陶。从唐代开始，出现了真正意义上的花鸟画，著名的花鸟画家有边鸾、韩幹等。在五代的花鸟画中出现了“黄家富贵，徐熙野逸”的绘画风格。但二者都是在观察生活的基础上“写生”描绘。到了宋代，花鸟画达到鼎盛时期，宋徽宗更是对写生的要求达到了极致。元明时期的花鸟画以写意居多，文人们喜欢通过梅、兰、竹、菊等抒发心中意气，但还是注重写生，代表画家有沈周、陈淳、徐渭等。晚清至近代以来，花鸟画有了新的变革，但写生仍是改变传统花鸟画的重要手段，恽南田、任伯年、齐白石等人都在当代花鸟画创作中有着重要的影响。由此可见，写生在花鸟画的创作过程中有着不可替代的作用。写生是对客观事物再认识的深化过程，不但能够认识生活，丰富生活的感受，而且可以积累创作经验，吸收创作源泉。

二、写生在当代花鸟画创作中的作用

近现代中国花鸟画的作品，风格多样，形式多变，但从一些优秀的绘画作品中我们可以发现，画家都是崇尚以自然为师，重视在自然中进行写生、采真、创作，对生活进行观察是画家们重要的创作方法之一。

齐白石的大写意花鸟画，就是学习了青藤白阳及吴昌硕等文人的绘画传统。他从小生活在农村，使他非常熟悉山明水秀的家乡环境、生动活泼的乡村风俗、田间劳动的农具以及塘边篱上的花草虫鸟。他真诚地表现着这些，所以在他的作品中我们可以发现他对这些客观对象———虫和鸟的生理结构是非常熟悉的。齐白石画虾最有成就，他把生活中的虾处理成作品中的虾，用概括有序的几笔淋漓尽致地表现了形体，不仅虾的形准确、软硬质感、透明性和动态好，而且完美的笔墨表现超过了前人。这都不能忽视齐白石关于“写生”的观念。在“神似”的基础上，他既能“捉虫写生”，工细写实得逼真微妙，又能默记于心。他说过仔细观察和研究的时间比画虾的时间多得多。他也要求自己“下笔如神在写真”，“作画贵在写生”。由此可见写生的重要性。

在当代的花鸟画作品中，我们仍然可以看到写生在当代花鸟画创作中起着重要的作用。比如我们从画家江宏伟的绘画作品中，可以看到他的绘画内容都是生活中常见的花草、鱼虫、禽鸟，那么这些都是他在大自然中不断地写生所得来的。他的绘画作品都是来源于写生，创作的每一幅作品都是从写生稿开始入手的，在一次次深入自然和生活的写生过程中，慢慢地挖掘着自然的内在美，领悟着自然的生命力。他在写生的过程中，非常重视对所要描绘的对象的观察和体会。观察是认识所要表达物象的重要途径，不是单纯地观察大自然，而是对动植物生长的梳理整合，最终以美的形式呈现在绘画作品中。在花鸟画的创作中，有时我们看一丛花很美，当我们把它表现出来时却不尽如人意。那么他对这一现象也提到过，“在用眼睛观察时，视觉始终是流动的、宽泛的，视线可以不断地转移摇摆，最终得出的是一个综合的印象”。根据他的观点，就要求画家在面对一个自然物象的时候，并不是看到就要马上表现出来，而是需要在观察之后，根据自己的画面需要有取有舍地构图。这是一个慢慢比较、慢慢整合、不断品味协调的过程。这就是传统绘画理论中的“形神兼备”“情景交融”的思想，在江宏伟的许多写生画稿中，都能感受到他那份对自然物象的细心观察与精致描画。

三、写生在工笔花鸟画创作中意义重大

“笔墨当随时代”，就是说绘画作品要真实地反映时代生活的真情实感。花鸟画如果想要要创新，就应在继承传统绘画的基础上，融合时代的新观念和借鉴外来艺术的优秀精华，创造新的中国花鸟画。画者只有通过这样的写生过程，不断加大对大自然的观察力，才能积累创作素材，提高观察和表现物象的能力。这样创作出来的作品，才能在描绘花姿鸟态中融入画家真实的主观感受，同时也能感染观者，让观者与画家产生共鸣，进而唤起某种微妙的情思与深刻的体验。

参考文献：

[1]孔六庆.中国画艺术专史：花鸟卷[M].南昌：江西美术出版社，2008，12.

[2]江宏伟.心物对话：工笔花鸟教学讲座[M].石家庄：河北美术出版社，2002，7.

[3]周积寅.中国画论辑要[M].南京：江苏美术出版社，1985.

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写生在艺术创作中的作用 篇11

关键词：写生,创作

艺术创作的基础是生活体验, 是对现实与社会生活的某种反映, 是将对生活的感受提炼为艺术意象, 并在作品中得到物化。因此, 写生成为创作的基础, 因为写生的最大特点就是它的直观性, 是对客观对象鲜活的、生动的描绘, 它的表现方式往往率真而直接。写生的这些特点使它对创作发挥了重要作用, 本文试图通过探讨写生与创作的关系问题, 发掘写生在今日创作中的重要价值。

一、写生与造型能力的提高

阿恩海姆曾经说过艺术家的优越性在于:“他不仅能够得到丰富的经验, 而且有能力通过某种特定的媒介去捕捉和体现这些经验的本质和意义, 从而把它们变成一种可触知的东西。”这种能力就是我们常说的“技巧”, 但是技巧的提高首先是建立在对对象的直观感受的基础上, 然后把这种直观的感受加以提炼、深化, 最后内化为画家的造型能力和艺术感知能力, 由此可见, 写生对于创作者的造型能力的提高有着至关重要的地位。

首先, 写生培养了创作者独特的感受力, 这也是创作的基本前提, 也是提高造型能力的基本前提。这种感受力就是建立在感知和观察的基础上, 比如创作者的任务就是如何在客观对象中感受到明暗、色彩、线条、物体之间的空间关系等等, 通过写生, 可以锻炼创作者在对象中感受到这些纯粹形式组合, 从而提高自己的造型能力。

其次, 写生最为直接地锻炼了创作者的技巧, 这也是提高造型能力的关键。写生不是主题创作, 它不需要考虑内容与形式之间的谐调问题, 可以感性地、直接地捕捉对象, 在写生中锻炼自己的创作技巧, 从而提高造型能力。

最后, 写生可以丰富艺术表现力、积累审美经验, 这是提高造型能力的重要因素。造型能力的提高有赖于审美经验的积累, 缺乏审美经验就无法提升造型能力, 也无法丰富艺术表现力, 而写生正是积累审美经验的有效途径。

二、写生在创作中的作用

写生的特点以及它对造型能力提高的帮助, 使它在创作中发挥了十分重要的作用。画家张海东说:“写生为创作提供取之不尽的源泉, 而艺术创作又将客观世界提炼升华, 通过对自然万物深入体察, 带有创作意识的写生, 把握住客观空间, 自然会使我们穿越画面的空间, 进入梦寐以求的自我空间的创作。”写生在绘画创作中的作用主要体现在以下三个方面。

1) 写生为创作做好了技巧上的准备。没有哪艺术家一开始就进行创作的, 都是经过了严格、系统的基础训练之后, 才有能力进行创作。写生就是基础训练最为重要的部分, 通过写生, 艺术家不但习得了表现对象的绘画语言系统, 而且也提高了他表现对象的能力, 这种造型能力的获得为他解决创作中遇到的难题提供了技术支持。

2) 写生为创作积累了大量素材。创作的根本源泉是真实的生活, 只有通过对真实生活的切实体验和感知, 创作才能具有感染力。写生活动最重要的特点就是它与生活、与对象之间的直接性, 使它能够积累大量原始的、丰富的素材, 为创作提供了启发和内容的源泉。

3) 写生为创作问题的解决提供了启发。创作的构思以及具体实践中会遇到大量难以想象的难题, 比如构图、形式与内容的协调、表现、造型等等, 这些问题直接关系到创作的成败, 向优秀作品借鉴是一条重要途径, 但通过写生来解决这个问题就更具针对性和直接性。

三、从写生到创作的方法步骤

由上可见, 写生对艺术创作的重要性, 因此如何从写生转换到创作则成了艺术家的重要课题, 并对创作的成败起到了举足轻重的作用。下面具体探讨这种转换的方法步骤。

1) 确定创作的主题。首先要明确艺术创作的主题以及创作意图, 只有确定了创作的主题, 才能形成“问题意识”, 并能够带着这个问题有目的地进行写生, 使写生成为有针对性的活动, 并在写生中去寻找解决问题的答案, 或者在写生中寻找灵感, 从而最大程度地提高创作。艺术创作指导写生活动。创作会使写生成为有目的性的锻炼, 也就是说使写生也具有一种“问题意识”, 从而深化对写生的理解。

2) 带着问题进行写生。不针对艺术创作的写生最后常常流于肤浅和漫无目的, 在写生活动中应该以创作试图表现的主题或创作中所遇到的难题为核心, 有目的地去解决这些问题。同时, 这种“问题意识”深化了对写生的理解。比如不能确定创作主题时, 可以通过写生深入观察生活, 艺术创作者“总是能在常人所不在意的普通的事物中发现生活与自然的内涵, 寻找与生命的契合点, 做出对生活、自然和生命的独特思考”。比如在表现生活场景或人物神情遇到困难时, 可以通过写生而得到解决, 使艺术创作更具生动性。

3) 将在写生中的鲜活感受转换到艺术创作中来。虽然创作相比写生更加成熟、深入, 但是创作的一个弊端就是缺乏写生的那种鲜活感, 这种鲜活感能够在艺术创作中表现出来, 那么创作就更具生命感, 作品也就实现圆满。在写生中就应时刻注意哪些具有感染力的东西可以移植到艺术创作中, 在创作时也应强调如何保留写生中那些动人的因素。

参考文献

[1]阿恩海姆.艺术与视知觉[m].北京:中国社会科学出版社, 1984.

[2]张海东.创作与写生之浅议[j].文艺评论, 2007.