书法艺术空间美学特征（共11篇）
书法艺术空间美学特征 篇1
摘要：舞蹈是随着时代的进步, 社会精神文明与物质文明发展下来的产物, 是人类最古老的艺术之一。它将运动元素、舞蹈元素、音乐元素、美学元素融为一体, 并通过舞蹈者的肢体语言来诠释美、表现美。舞蹈表演艺术具有独特的美学特征及美学规律, 失去美的舞蹈不能称之为舞蹈。因此, 如何正确的认识美的性质, 探索舞蹈表演艺术美学特征及美学规律, 使我国舞蹈文化更高层次的发展, 更好的促进我国人民的精神文明建设变得尤得为重要。本文对舞蹈艺术的美学特征进行简要分析。
关键词：舞蹈艺术,美学特征,虚假性,抒情性
一、美是舞蹈艺术的“灵魂”及最本质特征
舞蹈是随着时代的进步, 社会精神文明与物质文明发展下来的产物, 是人类最古老的艺术之一。它将运动元素、舞蹈元素、音乐元素、美学元素融为一体, 并通过舞蹈者的肢体语言来诠释美、表现美。自古以来, 众多美学理论学家都认为“舞蹈比所有美丽的语言更为优美”其实质就是说, 往往人们无法用言语表达的情感都是通过肢体语言的舞蹈艺术来表达。
众所周知, 美是艺术的“灵魂”, 而对于舞蹈艺术来说更是如此, 美是舞蹈艺术最为本质的特征。舞蹈本身就是一种美, 其全身散发出美的旋律、美的舞步、美的线条、美的画面, 说起舞蹈人们自然就产生美的联想。正是因为舞蹈艺术有着这样一种独特的本质特点, 才吸引着人们对舞蹈的追捧与热爱。人们在欣赏舞蹈时, 透过舞蹈对美的诠释, 时刻带给人美的享受, 丰富了人们的精神生活, 陶冶了人们的情操, 净化了人们的思想感情。任何一门艺术如果失去美学特征, 将变得毫无价值, 对舞蹈表演艺术来说也不例外, 可以说失去美的舞蹈不能称之为舞蹈, 只是一个空壳毫无艺术功能。然而我们知道, 舞蹈表演艺术是否顺利发展, 是直接影响我国人民精神文明建设的重要因素。因此, 如何正确的认识美的性质, 探索舞蹈表演艺术美学特征及美学规律, 变得尤为重要。
二、舞蹈表演艺术的美学特征分析
(一) 舞蹈表演艺术的气韵、韵律性美学特征
气韵及韵律是舞蹈最为突出的美学特征, 中国古典舞蹈及朝鲜民族舞蹈是最能诠释气韵美学特征的舞蹈。中国古典舞的审美特征无处不在, 不管是过去的戏曲舞蹈, 还是到以“圆形”动态所包括的“拧、倾、圆、曲”动势节律的身法态势、“提、沉、冲、靠、含、腆、移”的动作元素均体现了古典舞的审美特征。“气韵”站在舞蹈艺术的角度解释即“气”就是指呼吸。“意”就是 意念, “意”者心之所思也。“气韵”是朴素的辩证唯物论观点在传统舞蹈学思想上的生动体现。“气”、“韵”管辖着舞蹈表演、教学、创作中的“形”与“神”。这里的“形”即外在动作, “神”即“神韵”、“心意”, 是舞蹈的内涵起着主导和支配作用。舞蹈气韵在各种节奏变化中形成了形神兼备、内外统一、身心并用, 意、气、力、形、四者相互贯通、联系紧密, 并通过以神领形, 以形传神、以形取意、静中有动、动中有静, 柔中有刚、刚中有柔, 高度的融入到形体的表现之中。完美的动作、情感的表现是四者有机结合及渗透生成的产物, 使舞蹈的动作和韵律“明快洒脱、刚劲有力、延绵流畅”达到艺术美的境界, 这无不体现了气韵的美学特征。气韵、韵律的美使舞蹈表演艺术更具有价值。
(二) 舞蹈表演艺术的虚拟性和假设性美学特征
舞蹈表演艺术来源于生活、表现生活并高于生活, 与其它艺术相比更具有一定的虚拟性和假设性。舞蹈通过丰富而夸张的想象把现实生活中不可能发生或难以发生的动作融入到舞蹈表演中。在舞蹈《水》、《金山战鼓》《追鱼》中都有具有表现, 人们看到刀美兰一边急速的旋转, 一边挽着头发 ;梁红玉在交战最关关键时候却跳到了鼓上的翻扑;老翁与鱼一起挽臂同行。在我们看来这些都显得非常不可思议, 舞蹈的这种虚拟性和假设性更引起人们舞蹈产生兴趣及好奇心, 人们并不觉得它的荒谬, 而更愿意走进剧场去观看他的“虚假”美。虚拟性和假设性构成了舞蹈艺术的另一个美学特征, 它超越了自然, 并成功的把人们内心“千奇百怪”的想法在舞台上展示, 在人们看来, 这更是一种美的欣赏及感受。因为他们知道舞蹈的这种虚假及假设并不是完全脱离现实生活实际的妄想, 而是建立在人们内心最本质的生活、思想基础上通过艺术手法创作出来的。
(三) 舞蹈表演艺术的直观、形象性美学特征
我们知道舞蹈表演艺术是一门视觉形象的艺术, 人们通过肉眼直接观察就可以享受它的美。这就要求在舞蹈的编排及表演过程中无论是舞蹈所表达的情感、舞蹈故事情节的叙述还是在舞蹈人物的塑造等方面、都必须 直截了当、直观形象的展示在观众面前。与其它舞台艺术相比舞蹈表演艺术更具有独特的直观、形象性美学特征, 因此, 在表现方式及处理手法上也有所不同。这就要求在进行舞蹈情节及人物塑造的编排时要尽量简单化, 不能太复杂, 不然会影响整个舞蹈所表达的效果, 观众也不能领悟舞蹈的真谛, 舞蹈表演艺术也将失去价值。
舞蹈表演艺术的直观、形象性特征大大增加了舞蹈的美感, 同时也给舞蹈编排者带来一定的难题。直观性决定了舞台上表现的故事情节应该是正在发生的事件, 那么对于要表达过去发生或将来要发生的假设性情节就要进行灵活的处理及说明。比如, 在我们熟知的舞剧《灰姑娘》中, 仙女要求灰姑娘要12点钟前回来, 为了在观众面前表示未来的12点钟, 随着灰姑娘从皇宫回来, 舞台上都会出现一座立钟, 上面显示时间正好是12时, 然后在音乐上配上时钟的响声, 这样观众便很直观清楚的明白了故事情节。
(四) 舞蹈表演艺术的抒情性美学特征
自古以来, 众多美学理论学家都认为“舞蹈比所有美丽的语言更为优美”其实质就是说, 往往人们无法用言语表达的情感都是通过肢体语言的舞蹈艺术来表达。舞蹈表演通过肢体语言把人们内心对客观事物引起的最真实情感活动抒发出来, 舞蹈擅长的是抒情而不是叙事。舞蹈表演艺术的美感并不是仅仅表现在造型美上, 回首众多优秀闻名的舞剧哪一个不是因为受舞蹈抒发出的人内心对客观事物及事物发展的最真实想法、反应及思想情感所感动而举世闻名的呢!所以说抒情性是舞蹈表演艺术的又一大基本美学特征。舞蹈表演艺术的气韵性及直观性让舞蹈抒发出的人的情感比诗词文学的表达更具有感染力及说服力。舞蹈表演艺术的抒情性使得人内心 真实情感活动更丰富化、细腻化, 人们在欣赏舞蹈的同时更多的是想象和回味。随着社会的不断进步及舞蹈表演艺术的进一步发展, 观众对舞蹈的兴趣也越来越侧重于舞蹈的抒情性, 人们感兴趣的是透过舞蹈所抒发出来的最真实的社会现象及思想情感。如今, 人们通常用“浪漫主义的色彩”来形容一个成功的舞蹈创作, 这里的“浪漫主义色彩”即情感丰富表达, 这也充分体现了舞蹈表演艺术的抒情性美学特征。
三、结语
综上所述, 舞蹈是随着时代的进步, 社会精神文明与物质文明发展下来的产物, 是人类最古老的艺术之一。美是舞蹈艺术最为本质的特征, 失去美的舞蹈不能称之为舞蹈。舞蹈表演艺术通过气韵性、直观性、虚假性、抒情性等美学特征, 时刻带给人美的享受, 丰富人们的精神生活, 陶冶人们的情操, 净化人们的思想感情为我国精神文明建设做出了巨大贡献。随着社会的不断发展, 我们要正确认识舞蹈表演艺术的美学特征并掌握其美学规律, 使我国舞蹈文化进一步发展。
参考文献
[1]党允彤.谈“有意味的形式”对舞蹈艺术的美学意义[M].作家, 2009.
[2]陈燕.体育舞蹈的美学艺术探讨[M].电影评介, 2009.
[3]杰伊·弗里德曼.舞蹈与舞蹈家的美学特征[M].文艺研究, 1990.
[4]郭勇健.作为艺术的舞蹈—舞蹈美学引论[M].百花洲文艺出版社, 2006.
[5]蒙昌敏.简析舞蹈艺术的美学特征[J].大众文艺, 2010.
书法艺术空间美学特征 篇2
武术运动发展至今，经历了许多年的变迁和发展，从单一的强身健体逐渐发展到现在的武术套路型运动，在武术套路运动中开始讲究美学特征和艺术性，让越来越多的学习者在强身健体中发挥出武术元素里面的各种功能价值，从而适应21世纪发展中的社会主义国家个市场的强大需求。笔者就武术套路运动的美学特征和艺术性进行了研究和探索。
1.武术套路运动的特点
在古代社会中，劳动人民经过长期的打猎和征讨生活，在这些活动中慢慢开始掌握了一些自我保护和输赢的一些技巧。这些技巧伴随着社会的逐渐发展，在各种各样的文化感染下，开始产生了异议，部队中开始将这种技巧进行总结和完善为战场上的对战，广大群众将这种对战方式进行了小范围的学习，市场上逐渐开始了各种各样的对战方式即武术运动开始流行。明朝时期中有一位非常厉害的战将，他将这些民间$传的对战方式进行了一系列的汇总和总结，根据战场个士兵的实际情况和对谁情况，制定出了一琴禹合士兵的对战方式即武术拳击运动，存不同的场合有着不网的尚_套路和方式，这些拳击运动讲究的是快、稳、准。这种拳击方式在当#战场上使用效果很好，使每个士兵在打仗的同时也学会了应对各种攻击和保护自己的各种拳击方法。最后经过各种学者的切磋和完善，这些拳击运动经过一系列的组合，开始形成了有步骤式的武术拳击方式。古代武术运动通过了各种各样的历史演变，将刚开始武术的防护功能逐渐发展到了保家卫国的拳击运动方式。这种拳击运动经过一系列的发展和演变，逐渐形成了武术夺路运动。这种群术套路运胁为以后学有硏究中圉稗本套路垮动昀美学特征和艺术性提供了很好的作用。由此可见，古代社会中的武术套路是都是由许许多多个简单动作组成的。这些简单动作大概可以分为这几种跳跃型、保持高度平衡型、各种滚翻类型及由各种手势、手法、步型、步法等元素组成的各种类型拳击运动的基本简单动作等。这些简单式的动作进行组合动作就开始形成了武术套路运动，武术套路运动也开始逐渐形成。武术套路训练强调以拳击运动为基础，要求练习者以练好拳击为出发点，再在学习对武术套路运动中各种器械之间的练习。练习者在武术套路运动技术训练中，必须着重重视武术架势、力气、节奏、内在精神、自身形象等方面的要求，在练习中时时刻刻要突出武术套路运动中讲究的技击特点的运用，从而体现武术讨论运动德体用兼备的独特风格。
古代社会中，广大群众将武术运动逐渐开始运用到舞蹈中，即在练舞的同时也穿插了武术运动，从而为舞蹈环节中增加另一种刚柔的美，在练舞的同时也学会了一种自我保护的意识。一些研究武术的学者在经过舞蹈中穿插武术这种方式中开始研究武术运动中的美学特征。武术套路运动是中国传统文化到现代文化两者之间的一种动态形式的表现。中国是一个历史大国，每个国民受到这个历史大国各种时期的不同文化特点的熏陶和感化，在人生价值观、思想观、民族风情、生活方式、审美观中起到很大的决定性作用。古代广大群众的学习拳击主要是为了保护自己不受到外来侵害，其次是在舞蹈中学习简单的武术，面对这些不难发现，古代拳击武术受到一定的限制，深究原因是受到当时文化的影响。伴随着经济、生产力和科技的逐渐发展，广大群众受到越来越多的文化熏陶，开始将武术运动发展为各种的实用型、套路多样性和各种艺术性。因此，研究中国武术套路运动特点，要根据武术套路运动所处的地域环境和历史人文背景，这样才能有依据性、针对性的研究出一条适合学习的武术套路运动特点。
2.美学特征在武术套路运动中的应用
中国传统文化中讲究女卫悦己者容，一些学者普遍认为武术运动的一些柔软性动作相当干这些女性，柔软中的美。什么是武术夺踭运动中的美学特征，如何将武术套路运动中的美学特征发挥到日常应用中，笔者从武术套路中对美学特征的创造进行了研究，从而研究美学特征在武术套路中的应用。
武术套路运动从古代到现在的一步步发展，离不开实际生活中对武术运动的应用，拳击运动套路是广大群众经过反复的`推敲对一些防护小技巧进行了提炼和完善，从而体现出了另一种生活式的武术战斗，群众在不断的练习中进行不断的思考和完善动作，让练习者展现出一副出神入化的防护画面，让广大群众在观看的同时，感受到武术套路运动带来的另一种美。练习者在不断的练习中，对拳击的套路产生整体的协调然后进行出拳之类一系列的动作，这些动作带动了练习者自身在武术拳击套路运动中的一种技术的增加，同时也让武术套路运动发挥出另一种美。武术套路运动在练习时，带给观赏者的是一种武术动作美，而带给练习者的却是一种有心而发，自然而然随性的美，产生这两种不同美的原因在于观赏者和练习者之间存在的审美观、艺术角度不同，通过这种方式可以让不同的人群在武术套路运动中感受到来自于不同的美学特征。武术套路运动经过一系列的改变和完善，主要是由于广大群众对武术运动的保护需求不同，从而促进越来越多的人对武术套路运动进行不间断的改善，因此，可以说武术套路运动的美学特征在许多方面来源于实际生活，紧贴实际生活。武术套路运动在使用时创造者经过构造背景和音乐，让观赏者看到背景和音乐后触景生情，使得观赏者随着无语套路运动中动作的震撼力和感染力获得愉悦、满足、表扬、给武术套路运动表演产生一种新的美学感受。
因此可见，武术套路运动中练习者将武术与自身相互结合，武术套路运动中的形式美和练习者矫健的形体带给观赏者在欣赏武术形式美得同时也对练习者形体美带来一种视觉上的享受，让越来越多的观赏者在武术套路运动练习中欣赏到美轮美奂的中国武术套路运动文化美，武术套路运动练习者在练习的时候，每个运动动作之间展现的动态美，刚柔并进，需与实等各种各样矛盾结合体的运动套路之间的规则性变化，每个武术套路运动之间的动作和武术套路运动的结构在保持一定的运动方向，通过练习者自身的协调性将武术套路运动的各种姿势发挥的淋漓尽致，充分发挥自武术练习者身体的灵活性、稳固性、柔韧性、协调性等特点。武术套路运动练习者通过发挥自身这些特点将武术套路运动中的每一个动作进行柔和，丰富武术套路运动内容，让内容更加丰富多彩、耐人寻味，让中国武术套路运动文化越来越完善，并传承到永久，武术套路运动中的每一个动作要点经过练习者进行各种完善和丰富多彩的内容进行相互结合，让观赏者在欣赏武术套路运动美的同时，也在武术套路运动表演力追求一种意境美和各种动作之间的协调美，这种美让观赏者不仅欣赏到美得表象，更欣赏到美带给自身的一种享受，因此，加强武术套路运动的美学特征让观赏者不仅从美学的角度上观赏了武术套路运动，同时也对中国武术套路运动练习者的这种武术套路方式的一种肯定，使得每一个观赏者达到一种身心完美的一种心理震撼。
3.武术套路运动中艺术性特征
武术套路运动中的美学特征主要分为人工美、社会美、形态美。人工美相当于人工百分之百的进行塑造，就如一颗石头经过各种手法的雕刻，使得自身发生着许多的变化带给观赏者各种形式的联想。人工美难能可贵，它是一种天真，一种乐趣。社会美主要表现在人与人、人与大自然的关系、人的内心世界、素质、道德观以及各种的社会上的形态的一种美学体现。形态美讲究的在创造中进行一种技术和方法，也是艺术性中一个重要的组成因素。武术套路运动中的艺术特征有着非常重要的表现形式，武术套路运动外在形式的美I武术套路运动里面的形态美。
武术套路运动外在形式的美是指在武术套路运动中通过对武术套路动作进行有秩序的排列或者是前呼后应来体现武术运动的艺术性特征，经常带给观赏者一种整齐、主次分明、匀速前进和后退、对比鲜明、人员协调性一致等场面。让观赏者武术套路运动中通过各个动作之间的不断变化形式，增强对武术套路运动中艺术特征的感染力。武术套路运动里面的形态美，深究形态美不难发现武术套路运动中的依韵美，这种美是中国艺术文化从古到今一直主导的特点。要求在内部中进行静止状态下的意境美的发现。武术套路运动练习者在练习的同时，也用武术套路运动中的一招一式来体现自己的内心世界，用自身的肢体工作勾画出具有鲜活生命力的各种场景，这些场景带给观赏者各种想象，这些想象看似虚无，但却真真实实的存在与观赏者的实际生活中。
意境美是许多人对审美标准的最深层次的追求，将要体现的生活美景和自己内心思想情感进行相互融合，从而形成的一种艺术氛围。该氛围具有完整性，经常使然产生各种联想，武术套路运动在全拳击的艺术表现上，带给观赏者一种慷慨激昂、以柔克刚的画面美，使得观众在这种画面美中进行各种联想，意境幽怨而深长。
4.结语
中国民族声乐艺术的美学特征探析 篇3
关键词：中国 民族声乐 艺术 美学特征
音乐被称之为流动性的建筑，能够给人一种美好的感受，不但可以有效地触动人类的感情世界，强化人类的专注力，调节人类的情绪波动，而且能够激发人类的丰富想象力与创造力。在华夏民族数千年的悠悠历史进程中，逐渐形成与积累下来了无数珍贵的文化历史遗产，而民族声乐艺术就是其中最为璀璨的明珠之一。从广义角度去看，我国的民族声乐艺术包含范围非常广泛，即曲艺、戏曲、民歌、小调等都在其范畴之内。从狭义角度去分析，民族声乐艺术主要是指继承民歌传统唱法并汲取西方美声唱法的一种现代化民族音乐艺术。步入21世纪之后，在这个充满歌声的新时代，更是中国民族声乐艺术向前推进的关键时期。因此，随着民族声乐艺术理论与研究的迅速发展，中国民族声乐艺术的探究受到了广大学者的关注，音乐领域也把民族声乐艺术的理论范畴与美学特点探索提上了重要日程。
一 中国民族声乐艺术概述
纵观中华民族发展历史，不难发现中国民族声乐艺术对审美的追求由来已久。在某种特定的社会文化形态下便会形成其相对应的美学理念，长久以来在中华民族传统文化中占据重要地位的血缘关系和人伦关系是促使我国民族传统艺术文化美学理念形成的根本条件。而传统艺术文化中的美学理念对我国声乐艺术的演进起着重要的影响作用。
我国傳统的音乐美学理念的形成产生于西周时期，经过了萌芽阶段、百家争鸣阶段、魏晋南北朝、隋唐、两宋、元明清发展时期，最终形成了一套完整的理论体系。从这几个发展时期来看，便会发现中国传统文化中的音乐美学理念是在著名的儒家与道家音乐思想相互竞争、相互促进的环境下发展的，以当时的社会政治、伦理道德为基础形成了一套对音乐的理论，指出音乐必须要受到礼的约束，在审美的过程中注重将主客体、感性与理智等形式的统一，以给人们带来轻松、愉快的审美感受。在某种程度上可以说，中国民族声乐艺术自产生之日其便深受传统声乐审美理念的影响，经由社会历史的千锤百炼，中国民族声乐艺术在儒家和道家美学思想的基础上已经形成了天人合一、中正和谐的审美思想。鸦片战争的爆发，标志着近代社会的开始，西方音乐美学思想开始广泛传进中国，促进了中国传统音乐美学向具有现代美学特征的民族声乐艺术美学的发展。
综上所述，我们不难发现中国音乐美学理念既充分吸收了我国传统音乐美学思想的精髓，同时也借鉴了西方社会音乐美学理念中的积极性元素，兼容共生，完全符合当下的美学思想观念，声乐艺术美学特征尤为显著，形成了典型的中国式民族声乐美学特征。
二 中国民族声乐艺术的情感美学特征
声乐艺术简单的说是指音乐和诗词二者的相互结合，其突出特征是借助艺术的表演形式将高级的社会情感传递给他人，即艺术情感。因此可知，声乐艺术的首要表现方式便是“声”，也就是歌声，演唱者本身具有的并通过一定的学习掌握到的发声技巧和能力;其次便是“情”，是指歌唱者对歌曲情感的把握与表达。古代音乐人士认为歌唱就是对某种事物表达内心情感的过程，情不仅仅只表达内在美，同时也在歌唱中占据重要地位，毫无情感表达的歌唱并不会被定义为艺术。古人认为声乐必须声情并茂，用声音将内心情感表达出来其最基本的要求。
从记载先秦之后的文献资料与近现代的歌唱实际表演去分析，把情感作为歌唱表现方式的基本理念具有主导性与一贯性。从如家学说中的孔子、孟子、荀子至《乐记》等在内的诸多历史文献，都将“用歌表达感情”当做审美音乐艺术的核心。在古代，唐朝著名的诗人与音乐艺术评论家，白居易就曾明确指出“唱情”的美学定义，其推崇声情兼具的演唱方式，反对没有任何任何唱情的演唱，这种新颖、独特的音乐理论观点对后世的音乐艺术发展产生了重要的影响。还有清朝的李渔，也认为明晰歌曲的感情并充满感情的去演唱，才能全神贯注并将应有的精神贯注到歌曲之中，不仅能够给予演唱生命，而且能够促使演唱变得自然、流畅、迷人。从中可以看出李渔对“情”在歌曲中的重视程度，这是对白居易“唱情”理论的继承与创新发展。近代以来，我国声乐艺术在西方浪漫派情感美学思想的重要影响下，把声情、词情和曲情融合后在歌唱上形成了独特的审美特征，进而实现了音乐创作的水准。词情是指作者在进行声乐创作时将内心情感和心理感受借助能够抒发内心情感的词曲进行转化，因此不同的情感便通过不同的声调表达。
曲情是指作者在进行音乐创作时运用特定的调式与和声等艺术形式将音乐所包含的内心情感表达出来。声情是指以词情和曲情为核心，借助歌唱的方式将音乐中的情感幻化成非固定的音符，表面来看向听众传递的只是一种声音，但其中更多的则是对情的传递。必须对声乐具有一定程度的感知并能够较好地把握其中的情感才能将音乐中的声情表现的完美无瑕。
三 中国民族声乐艺术的创造美学特征
我国民族声乐艺术兼容了古今中西的音乐美学思想，是一门具有创造性的综合艺术，在不断发展的过程中日渐形成了其特有的存在方式。中国民族声乐艺术的创造性美学特征简单的可以归纳为“古为今用、洋为中用”，在继承传统艺术精华的同时积极借鉴西方美学思想中的优势，在具有民族特色的同时也为其增添了时代性。
“古为今用”主要是指中国民族声乐艺术在创作、歌唱、审美等诸多方面都具有传统与当代的差别。当代中国民族声乐艺术是在传统声乐美学思想的基础上形成的，其中的诸多优秀艺术思想和美学理念都是对传统声乐艺术的精华部分的传承与创新。“洋为中用”指的是在音乐表达形式方面，要学会借鉴西方国家美学思想中科学的、合理的、进步的歌唱技巧和审美观念，学会有选择性、有针对性地吸收其所包含的积极性因素。“洋为中用”于声乐艺术方面，表现为中西方的完美结合，一方面科学合理地吸收西方国家声乐艺术中的呼吸、共鸣、声音位置等表演和歌唱方法，赋予了中国民族声乐艺术在表演形式和歌唱方面西方声乐艺术美学独特的审美感受和听觉体验。“古为今用、洋为中用”的创造性美学特征在中国民族声乐的艺术创作中也有着完美的呈现。不难发现，当前的中国民族声乐艺术在创作的旋律、节奏、和声、配乐等方面都有着明显的现代气息。
我国的声乐艺术是集中国民族声乐艺术与西方声乐艺术思想、中国传统声乐艺术和现代民族声乐艺术、西方没声艺术与戏曲艺术一体的艺术表现形式，各种声乐艺术的表现形式在中国民族声乐艺术的舞台上百家争鸣、百花齐放，是中华民族劳动人民智慧与创造性的象征。
四 中国民族声乐艺术的现代美学特征
随着社会的快速发展和时代的不断进步，世界各国文化频繁交流往来，人民的文化视域不断扩大，审美需求和欣赏水准也日渐提高。中国民族声乐艺术在这种新时代的背景下，在演唱、创作、审美等方面都紧跟时代潮流，呈现出时尚现代的美学形象，符合新时代的审美趋势，贴近现代人的审美观念。
纵观当下的民族声乐艺术舞台，不管是在表演者的外形包装上，还是在舞台布景方面，无一例外地都给观众带来了独特的审美体验，充满了鲜明的时尚气息和强烈的视听感受。在听觉上，多种演唱方式的融合、音响伴奏的标新立异、歌唱风格的时尚多元等，都企图给人民大众带来独特的听觉体验;除此以外，新时代下的民族声乐艺术也伴随着个性的外部造型、璀璨的舞台布置、风格迥异的服装、三维立体的视频影像，都给观众强烈鲜艳的视覺冲撞力。在呈现方式上，演唱者打破常规，试图尝试和探索与众不同的表演形式，给予中国民族声乐艺术一定的时代性，顺应了当下求异求新的美学艺术品味。著名歌唱家宋祖英在维也纳演奏大厅、美国肯尼迪表演大厅、鸟巢和台北小巨蛋音乐厅等都曾举办过独立的音乐演唱会。在诸多音乐会上，宋祖英与和多明戈、朗朗等音乐人士皆有过完美合作，将民族和声乐、民族和通俗、声乐和器乐结合，从多个方面向世人展示了中国民族声乐艺术的现代性美学特征，不断将其推向全世界人民的眼前，得到了国际社会的一致好评。
当包括电子音乐在内的抽象类音乐出现在世界的音乐之林时，时代发展的烙印就深深的刻在了声乐艺术中，对中国民族声乐艺术发展而言，传统和时尚相互统一在一起是与华夏民族独特的审美特征相一致的。中国音乐具有别具一格的中华民族音乐的特色气息，这一系列因素都是中国民族音乐艺术与其他音乐艺术相区别的根本所在。因此，将传统演唱方法、表演与审美教特征与现代化的音乐表现相融合，是推动我国民族音乐艺术走向全世界的必经之路。
在经济全球化日益发展的大背景下，要实现中国民族声乐艺术的现代化发展，以开放化、多元化的思想对待中国民族声乐艺术在新时代的创新性发展。而实现这一目标要求我们以传统文化为根基，汲取上下五千年的历史精髓，并促进声乐意识的现代化构建，培养坚定的民族声乐艺术主体观念;努力推动中国民族声乐艺术的多元化进步发展。另外，加强声乐艺术从业者的理论知识学习与研究，深深扎根于作品的创作，建立具有中国特色的声乐制作体系，提升我国民族声乐艺术的全方位、民族化、现代化与创新化发展。范围宽广的中国民族声乐艺术，具有鲜明的时代美学特征。我们要始终坚信，随着全球化的日益推进与各国的相互往来，必会进一步加强音乐艺术的交流与合作，中国民族声乐艺术也必定会在世界音乐领域中占据重要地位。
参考文献：
[1] 刘暄：《当代中国民族声乐艺术的范畴及其主要美学特征》，华中师范大学硕士学位论文，2006年。
[2] 王亚辉：《论中国民族声乐艺术的美学特征》，《音乐之声》，2014年第8期。
[3] 罗曼丽：《美学视域下的民族声乐艺术》，《长江大学学报》（社科版），2014年第4期。
[4] 盛文峰：《我国当代民族声乐艺术的范畴及主要美学特征》，《艺术百家》，2010年第7期。
[5] 徐敦广、王志华：《关于我国民族声乐艺术审美取向的思考》，《东北师范大学学报》（哲学社会科学版），2006年第6期。
[6] 叶慧薇：《“虚空中现真象，神明中透出幽情”——赏析中国声乐作品〈飞天〉的音韵美》，《美与时代》，2006年第2期。
[7] 张艳林：《传统民歌在当代民族声乐中的价值和意义》，《阿坝师范高等专科学校学报》，2010年第2期。
[8] 陈军凡：《中国古代民族声乐艺术的演讲（一）——中国古代声乐艺术的萌芽和古歌时代》，《美与时代》（下半月），2002年第4期。
浅议舞蹈艺术的美学特征 篇4
一、抒情化
抒情化是音乐、舞蹈这类表情艺术的基本属性。我国汉代的《毛诗序》云:“情动于中而形于言, 言之不足故嗟叹之, 嗟叹之不足故永歌之, 咏歌之不足, 不知手之舞之, 足之蹈之也。” (1) 这就将人类表达情感的四种方式做了排序:语言→嗟叹→音乐 (咏歌) →舞蹈 (手舞足蹈) , 从中还可以看出, 舞蹈是人类情感表达的最高形式与最后手段。
事实上的确如此, 无论是情节舞还是情结舞, 均以情感作为灵魂和生命。舞蹈作为人体艺术之一种, 舞者的形体动作, 都可以通过力度的强弱、速度的快慢、幅度的大小等多种方式, 表现人的繁复多变、深刻细腻的内心情感。
作为人体艺术, 舞蹈与杂技、武术等人体艺术有本质的区别。杂技、武术虽然和舞蹈一样, 都具有直接可视的特点, 也有着动作的持续呈现方式。但是, 杂技、武术不强调表现人的情感与人物之间的情感关系, 而是通过新、难、巧的高难度动作, 折射出人的智慧和力量。而舞蹈艺术则强调表现人的某种特定的内在激情, 在表现人的思想、情感等方面, 具有特殊的作用。舞蹈艺术是由舞者内在的心动、情动驾驭外部的“行动”的。舞蹈也有高难度技巧动作, 但它们是为表现人的情感服务的, 是为表现一定的情绪、一定的思绪, 或营造某种情境而存在的。舞蹈的人体, 是由心灵驾驭的人体;舞蹈的心灵, 是由人体外化的心灵。身心一致, 表里透明, 身体与心灵一起飞翔, 这乃是舞蹈艺术所具有的特殊的没学品格。
舞蹈重在表现人的情感的成功特证, 不胜权举。例如《红绸舞》的热烈欢快之情、《荷花舞》的自由舒放之情、《天鹅之死》的拼搏抗争之情;又如民族舞剧《玉卿嫂》, 就通过女主人公玉卿嫂这一典型的中国寡妇的形象塑造, 通过她洁如水仙爱如烈火的性格刻画, 通过她爱上一个身体病弱但又敢于迎接朝阳的青年庆生, 但由于年龄和感情的寄托不同所酿成的悲剧经历, 重点表现出玉卿嫂心灵深处的痛苦, 因为具有强大的情感震撼力。再如民族舞剧《红楼梦》、也通过女主人公林黛玉的古典舞所特有的造型美以及戏曲舞蹈中的“圆场”、“水袖”、“碎步”、“蹉步”、指法、身段等外部表演动作技巧, 表现出林黛玉多愁善感的性格和她痛苦北非的内心情感。
由此可见, 情感化是舞蹈艺术的重要审美特征之一。
一、韵律化
舞蹈是富于韵律化的艺术, 韵律化也是它的重要审美特征之一。
所谓“韵律”, 原指“诗歌中的声韵和格律。是诗歌形式美的重要方面。主要包括:音的高低、轻重、长短的组合, 因结合停顿的数目集位置, 节奏的形式和数目, 押韵的方式和位置, 以及段落、章节的构造。韵律增强了诗歌的音乐性和节奏感。不同语种的诗歌, 由于语言结构不同, 韵律的规则也就不同。如汉语古典诗歌讲求平仄交替、对仗联偶、押尾韵, 拉丁———印欧语系的诗歌注重轻重音、长短音、音步、顿数等都是韵律的具体运用。” (2)
舞蹈艺术的韵律, 指的是舞蹈艺术的韵味和规律, 所谓舞蹈的“律动”或“动律”, 也指的是这种有规律的运动。
具体而言, 舞蹈艺术的韵律, 主要包含音乐性和节奏感量大内涵。
舞蹈的音乐性众所周知, 自古以来, 舞蹈就和音乐结成孪生姐妹, 乐舞一体, 歌舞联合, 从来就没有无音乐伴奏 (舞曲) 的舞蹈, 因此有人说:“舞蹈是无声的音乐, 音乐是有声的舞蹈。”这话颇有道理。我国唐代的《霓裳羽衣舞》, 又名《霓裳羽衣曲》, 这便是乐舞一体的及好例证。
舞蹈与音乐合二而一, 音乐情感与舞蹈情感相同步, 形成情感链与情感结, 从而取得1+1>2的艺术效果。从这个意义上讲, 不懂音乐的人, 就不能从事舞蹈艺术的创编与表演工作;反过来说, 要从事舞蹈艺术的创编与边沿工作, 就必须懂得音乐。也就是说, 舞蹈艺术是音画同步、视听一体的艺术。
舞蹈的节奏性也显而易见, 节奏是舞蹈艺术最基本的构成要素和表现手段。舞蹈的节奏, 主要表现为人体的律动, 即人体动作的力度、速度、幅度的规律性。也就是说, 舞蹈节奏常常体现为人体韵律美。我国著名舞蹈家、被誉为“中国现代舞之父”的吴晓邦先生认为, 构成舞蹈的三要素就是表情、节奏、构图。他说:“‘舞蹈的表情’就是由人的内在感情所表达出来的各种姿态和动作。而‘舞蹈的节奏’都是表情上‘人体动’的基础。……换句话说, ‘舞蹈的表情’离开了‘舞蹈的节奏’是不可能存在的;而节奏如果不通过表情也不可能表现出来。”
舞蹈动作节奏的起伏变化, 不仅可以表现一定的思想内容, 表达一定的情绪情感, 而且也可以形成误导的韵律美。在这方面, 也有许多成功的范例。例如大型民族舞剧《丝路花雨》, 以举世文明的敦煌壁画与丝绸之路为背景, 通过唐代画工神笔张合女儿英娘的经历, 以及他们同波斯商人伊努思的友好往来, 表现了“友好交往, 通商互助, 和睦相处, 同泰民安”的主题, 歌颂了中外人民源起流长的传统友谊。其中的艺术亮色, 是从壁画上的舞姿为基础, 创作出新颖的舞蹈语汇, 并且运用中国古典舞蹈的节奏和韵律, 把舞蹈动作与静态造型完美结合起来, 取得了理想的艺术效果。特别是剧中英娘的一段独舞, 从“反弹琵琶”的造型开始, 动作节奏由缓到急, 动作幅度由小到大, 动作速度由慢到快, 动作幅度由小到大, 动作力度由弱到强, 充分表现了人物的情感变化, 塑造出优美动人的舞蹈形象, 使观众深深领略到舞蹈的韵律美, 也使整个舞剧获得极大成功, 被誉为“复活了的敦煌壁画”。
节奏把舞蹈与音乐紧连在一起, 舞蹈动作的节奏是以音乐的旋律的节奏为基础的。“舞蹈节奏的进行是表现音乐内在灵魂的形象, 舞蹈动作的延续、重复、变化始终伴随着节奏。” (3) 富有韵律美的舞蹈动作, 建立在节奏基础之上;而音乐的节奏, 又需要通过优美的舞蹈动作来形象地展现。显然, 对于舞蹈与音乐这两大艺术而言, 节奏都是构成二者韵律美的重要因素。
由此可见, 韵律化也是舞蹈艺术的重要审美特征之一。
二、民族化
民族化更是舞蹈艺术重要的审美特征之一。世界上任何国家、任何民族的任何艺术, 都以民族化作为艺术之根。对此, 古今中外的许多文艺理论家和艺术家, 都有十分明确的认识和精辟的论述。俄罗斯作家赫尔岑说:“是任何艺术家在他们的真正的作品中总是充满民族性的。”法国作家伏尔泰也认为:“谁要是考察一下所有其他各种艺术, 他就可以发现每种艺术都具有某种标志着产生这种艺术的国家的特殊气质。”
所谓“民族化”, 是“指作家、艺术家创造性地运用和发展本民族的独特的艺术家创造性地运用和发展本民族的独特的艺术思维方式、艺术形式、艺术手法来反映现实生活, 表现本民族特有的思想感情, 使文艺作品具有民族气派和民族风格。是一个民族文学艺术成熟的标志之一。文艺作品要达到民族化, 作者必须熟悉本民族广大人民群众的生活、思想感情、愿望和艺术爱好, 继承本民族文艺的优良传统和创造性地吸取其他民族文艺创造的优点, 并把它们有机地结合起来, 才能创作出为人民群众所喜闻乐见的文艺作品。” (4)
文艺作品的民族化, 是一项全方位、系列化、深层次、高水准的复杂系统工程, 它包括民族艺术思维方式、民族艺术形式、民族思想感情、民族艺术手法、民族艺术风格、民族风俗习惯、民族人文景观、民族自然风貌、民族语言等等。而其中最重要的, 是民族精神, 因为民族精神是一个民族赖以生存和发展的精神支撑。一个民族, 没有振奋的精神和高尚的品格, 不可能自立于世界民族之林。
我国舞蹈艺术成功的民族化之路, 充分地证明了民族化对于舞蹈艺术的重要性。不仅本土的民族舞, 如《红绸舞》、《采茶扑蝶舞》、《千手观音》、《黄河儿女情》、《雀之灵》、《俺从黄河来》、《红手绢》、以及民族舞剧《宝莲灯》、《红楼梦》、《丝路花雨》、《大梦敦煌》等, 具有鲜明的民族特色, 是民族化的舞蹈艺术精品;而且引进来的西方舞蹈品种———芭蕾舞, 也涌现出民族芭蕾舞剧《白毛女》、《红色娘子军》、《大红灯笼高高挂》等经典之作。
由此可见, 民族化更是舞蹈艺术的重要审美特征之一。
综上所述, 可见情感化、韵律化、民族化, 是舞蹈艺术的三大重要审美特征, 只有遵循这三大重要审美特征, 才能创编、表演出舞蹈艺术的精品之作与经典之作。
舞蹈和一切艺术一样, 迫切需要总结、继承、创新、发展。
参考文献
[1] 、中国美学史资料选编[M]上册.北京:中华书局1980年版。
[2] 、辞海[M]缩印本.上海:上海辞书出版社2000年版。
[3] 、彭吉象著.艺术学概论[M].北京:高等教育出版社2002年版。
书法艺术空间美学特征 篇5
关键词：白族扎染图案；美学价值；艺术特征
在我国云南的西部的地区，聚居着白族这样一个少数民族，他们有一门独特的纺织品印染工艺，也就是扎染，这也是这一民族的文化载体。通过白族扎染工艺，可以为我们呈现出非常优雅的纺织品，并且其图案方面非常具有特色，具有自身独特的艺术特征，也拥有较高的美学价值，下面笔者将进行具体的分析。
1 白族扎染图案的主要题材类型及其中所蕴含的美学价值
就云南白族的扎染来说，现实生活及自然环境是其图案取材的主要依据，这些不同题材的图案也具有不同的美学价值，下面笔者将进行具体的分析。
1.1 动物题材及其美学价值
在云南白族，扎染图案中动物题材比较常见，之所以选择这些动物，可能是因为动物本身具有普遍性的吉祥寓意，也可能是由于民族图腾文化的影响，具体来说，白族扎染图案在动物题材方面主要的特点：一方面，动物的题材类型具有多样性，既有在生活中真实存在的飞鸟、鱼类、蝴蝶等，又有民族深化传说中的一些动物，如神鸟、凤凰、龙等，尤其是神鸟在白族印染图案中尤为常见，受到普遍欢迎。另一方面，动物造型也具有传神性和生动性。在扎染中的动物图案并没有过分对写实进行追求，它注重对动物的基本特征进行保留，在此基础上，充分运用抽象概括以及高度夸张的手法，让扎染技艺和动物特征进行进一步融合，最终让动物造型变得更为传神和生动。
1.2 植物题材及其美学价值
在白族的扎染图案中，植物题材也较为常用，主要是对植物的基本特征进行保留，然后运用扎染技艺对其进行夸张变形和抽象概括，其特征主要体现在以下两个方面：第一，自然界真实存在的花草树木是其植物题材的重要来源。在云南白族的扎染图案中，桂花、兰花、荷花以及桃花都较为常见，并且我们可以在日常的纺织品和服饰中看到这些图案的踪迹。第二，植物题材具有非常丰富的寓意。例如，牡丹是常见的一种扎染图案，从中可以透视白族的历史文化，尽管云南地区并不能生长牡丹，但牡丹具有荣华富贵这样的寓意，在扎染中经常出现这种图案也正是体现了白族人民向往和追求美好生活。再如，石榴、莲花也是白族重要的印染图案，这主要是白族文化作用的结果，这两种植物都具有多子的含义，在一定程度上反映了白族对生殖的崇拜。
1.3 几何题材及其美学价值
几何题材是云南扎染又一常见题材，几何图案给人以非常独特的视觉享受，在白族也受到热烈的欢迎，它主要的特点：其一，几何图案具有想象丰富的特点。扎染图案的创作题材为点、线、面以及其他几何图形，其中蕴含了白族人民的创造力与想象力。通过图形的不同组合，使得几何图案呈现一定的规律性，让人的视觉效果具有绚丽感。其二，几何题材一般不单独使用，和其他题材进行组合。云南白族的扎染借助组合搭配呈现出全新的效果，整个图案在层次上更为分明，在内容上也更为丰富，给人以更强的视觉冲击力和审美享受。
2 白族扎染图案中所体现的艺术特征
白族的扎染艺术家具有非常高超的扎染技艺，并且想象力丰富，因而使得其扎染图案呈现独具一格的特点，并且具有非常鲜明的艺术特征，具体体现在色彩运用、构图设计以及题材造型等各个方面，下面笔者将进行具体的分析。
2.1 夸张生动的题材造型
在白族的扎染图案中，夸张生动的题材造型是其重要的艺术特征，白族的扎染艺术家在认真观察各种题材之后，对题材中所包含的本质特征进行保留，然后借助扎染工艺的精湛性以及变形夸张、高度概括抽象等手法，对相关题材进行一定的再创造。图案的题材造型传神性和夸张性非常突出，从中可以透露出艺人独特的创造力和想象力。同时，从中也可以将白族人审美观念的独特性和朴实性体现出来。
2.2 均衡对称的构图设计
在云南白族的印染图案中，对于均衡性和对称性也极为强调，这与其图案的多样性并不冲突。其一，构图具有非常突出的均衡性特征，这是当图案无法满足对称时，艺人去追求的一种视觉效果，在不对称的情况下，构图的均衡性会让整体图案更加自由活泼，给人以较好的视觉享受。其二，白族扎染中，对称性也是其构图追求的重要目标，这主要是让图案的左右部分或上下部分沿着对称轴能够重合，从而让人在视觉上能有规律和稳重的美感。
2.3 和谐鲜明的色彩运用
白族扎染图案对色彩运用也非常重视，尤其是色彩的鲜明性与和谐性，通过对比的形式让色彩鲜明表现得更为显著。同时，适当的色彩搭配也能够让颜色更为和谐。具体来说，主要可以从两个方面进行分析：其一，运用对比的手法让色彩更为鲜明，在云南扎染中，对白色和蓝色这两种颜色使用得较为普遍，这是白族人特有习惯的体现。他们的染料来自板蓝根，其就是蓝色的，因而在日常使用中，白族人也经常将其运用到扎染技艺中。另外，由于蓝色具有明亮、浓郁的特点，这就使得白族扎染在色彩运用上具有独特而鲜明的风格。其二，白族扎染的整体色彩风格具有和谐性，尽管他们所用的主色调白色与蓝色都具有明亮鲜艳的特点，但这二者之间通过彼此映衬与对比，在视觉效果上却能够给人以和谐、雅致以及朴实的感觉，两种颜色的运用尽管具有浓郁鲜明的特点，但其中所包含的气质具有意味悠长的特点，也因此这两种色彩长期在白族扎染中进行使用。
总之，云南白族的扎染技艺既是少数民族文化的重要代表，同时也是中华民族文化的重要组成部分，其图案具有鲜明的少数民族及地方特色，在长期发展的过程中，这一扎染技术也在传统的基础上不断进行革新。这一技艺，尤其是其中的图案非常具有特色，来源也非常丰富，其原型包括动物、植物以及几何图案等等，在这些原型的基础上进行创新，让白族扎染的图案更具特点。除此之外，其艺术特征也不容忽视，在题材、造型以及色彩上都有所体现，上文笔者已经进行了具体分析，其对其他传统民间技艺的发展也具有重要的启发意义。
参考文献：
[1]牛晶晶，彭建斌.作为女性艺术的白族扎染研究[J].青春岁月，2013（09）.
[2]卢芝艳.大理周城白族扎染工艺的教育传承机制探究[D].西南大学，2010.
[3]邱春林.守住“核心技艺”——以大理白族扎染为例谈传统手工技艺的生产性方式保护[J].美术观察，2009（07）.
[4]肖友兴.“非遗”视野下民间剪纸与白族扎染的造型寓意对比研究[J].美与时代（上），2014（03）.
[5]蒋群，赵琛.浅析大理白族扎染蝴蝶图案的象征意义[J].美术大观，2010（08）.
[6]史玉媛，周怡，杨正香.绿色草本扎染的研究及推广项目报告——以大理白族扎染为主要研究对象[J].轻工科技，2014（07）.
浅议经典艺术作品的美学特征 篇6
一、经典艺术作品的内涵
1. 经典的内涵。
“经典”一词在中国自古有之, 初被意为“纵向的纹路”。许慎在《说文》中记载:“经, 织也”。“典”本义为标准、法则。在《四角号码词典》中“典”有“作为依据或准则的书籍等含义。将“经典”合并在一起解释与《辞海》和《现代汉语词典》的解释大体相同, 即“传统的权威性著作”和“宗教教义的典籍, 著作具有权威性”。在西方“经典”canon, 译为“原则”、“准则”或“标准、真作、精品”。
2. 经典艺术作品的内涵。
所谓经典艺术, “是指具有超越时空的精神文化价值”的艺术作品。通俗的说就是在艺术这个门类中的经典艺术作品。艺术家们创作的作品属于艺术品, 但是却不都是经典艺术作品。一幅真正经典的作品是能够反映出作品创作时期的审美文化, 它体现了作品当时创作的理念、审美想象、价值取向、创作风格、流派特征。它们含有丰富的文化内涵, 具有非常强大的社会影响力。经典的艺术作品能够有效地体现出创作者的本性。从时间上讲, 它将人们生活的历史与文化通过作品展现, 作品作为一种历史资料可以完好地保存;在地域上, 它体现着该地区的民族文化观念, 是民族特色的标志。可见, 经典艺术不单单指一幅简单的艺术品, 它拥有比一般艺术作品更深刻的内涵。
3. 经典艺术作品的评价标准。
经典艺术作品能成为经典, 我认为第一点应取决于艺术创作者的创作目的与情感投人程度。杜书瀛先生在他的《论艺术的特性》一书中曾写到:一个真正的艺术家, “在再现客观世界的同时, 也表现自己的主观世界, 对生活作出自己的评价;艺术家在对生活作理智认识的同时, 还贯注进自己的感情”。经典艺术作品在创作时应有思想、有情感, 从自我的视角去关注大千世界、芸芸众生, 其内涵才会深刻。荷兰作家凡·高在1888年创作的《向日葵》的画面中深刻地表达了画家内心强烈的情感, 充满了对生命的爱。使每一位欣赏者同样可以从画中感受到画家对于生命的热爱。经典艺术作品能够成为经典, 第二点应该取决于在作品中体现出的对于社会和人生深度与广度的描写。就拿文艺复兴时期的绘画作品来说, 我们从绘画作品中可以深刻地观察出画家对于人性的关注和描绘, 出现了大量的肖像画, 让人们欣赏画作之余, 也感觉到人文主义思想的光辉。所以, 当我们每一次重新欣赏文艺复兴时期的绘画作品时, 仍然可以感受到来自于当时社会的最强音。经典艺术作品可以让欣赏者从艺术作品中认识生活、认识社会, 从而认识自我。经典艺术作品能成为经典, 还因为经典艺术作品是具有延续性的作品。经典艺术作品是具有延续性的, 一部伟大的作品之所以伟大, 是它给后世留下了深远的影响。让每个人从作品中看到自己、认识自己、解剖自己, 从而成为一个完美的人。
二、经典艺术作品的美学特征
经典艺术作品拥有艺术作品所共有的美学特征, 同时还拥有自身独特的美学特征, 即人性美、形式美及其使人产生共鸣, 震撼和打动人的心灵。
1. 经典艺术作品是具有人性美特征的。
在黑格尔看来, “形成真正的美和艺术的中心和内容的是有关人类的东西”, “只有人的形象才能以感性方式把精神的东西表现出来”。《蒙娜·丽莎》, 是意大利文艺复兴时期著名画家达·芬奇的肖像画代表作, 它代表了达·芬奇的最高艺术成就, 创作于1503—1506年。这幅肖像画的特点可以用“和谐”来概括, 它体现了人外在和内在美的统一。因此, 不应该仅仅把这幅作品看作是一个人的肖像画, 它代表了整整一个时代, 作品中闪耀着人文主义思想的光辉。画面上的蒙娜丽莎神态安详端庄, 眼神宁静温柔, 身体微侧, 肩披轻纱。达·芬奇把蒙娜·丽莎这个人物的丰富的内心感情和漂亮的外形巧妙的结合起来, 使观赏者仅仅通过人物面部的表情而去体验人性美。达·芬奇创作的《蒙娜·丽莎》之所以如此迷人, 是因为她完美的表达了文艺复兴时期人文主义的理想。经历了中世纪长期的宗教束缚和封建压迫, 在人性遭到长期压抑之后, 创作者们都十分向往真实的活生生的人物形象, 《蒙娜·丽莎》正是完美地表达了这种人性美的特征 (见图1所示) , 在许多的经典建筑设计中也同时体现出人性美的特征。安东尼·高迪创作的米拉公寓, 充分地体现出关注人性美的特征。高迪在设计米拉公寓时充分的运用到人体工程学的理论, 根据人平时的行为习惯、心理因素、思维方式等等, 在满足整个建筑功能的基础上, 对建筑的设计风格进行艺术化处理, 使人们居住和使用非常方便和舒适。“对米拉公寓整个建筑外立面、顶部都大量运用波浪形曲, 到处可见蜿蜒起伏的曲线, 这种曲线的运用使得整体设计中对人的心理生理需求和精神追求得到尊重和满足, 是设计中的人文关怀, 是对人性的充分尊重”。
2. 经典艺术作品是具有形式美特征的。
形式美的特征可以说体现在每幅艺术作品中, 尤其凸显在经典艺术作品当中。不论经典的绘画作品或是建筑作品都可以从中体会到。从达·芬奇的《蒙娜·丽莎》到高迪的《米拉公寓》, 可以从不同的艺术种类中显现。文艺复兴时期的著名建筑家帕拉迪奥在谈到建筑的形式美时, 他认为“美产生于形式, 产生于整体和各个部分之间的协调”。安东尼·高迪创作的《米拉公寓》, 在建筑史上被称作最前卫、最疯狂, 于1984年被评为“世界文化遗产”, 它以其独有的曲线设计特点吸引了全世界观赏者的目光, 被后世人所称赞! (见图2所示) 。高迪极力塑造建筑的形式美特征, 从米拉公寓建筑外立面可以看到高迪把点、线、面、体有机地结合在一起, 整体建筑外立面沿线是弯曲的, 但中间穿孔般的窗口却是规则的。体现出多样统一的组合规律, 通过这种新型的组合吸引人们的眼球。整个建筑的内部空间设计同样独具匠心, 每个房间的内部形状几乎是都是圆型的, 包括顶面的天花板、立面的窗户、走廊, 其中最有特色的设计部分就是米拉公寓在建筑立面的窗户上双面采光, 光线是由中庭和外面街道照射进来。在色彩方面的运用同样奇特, 外立面是浅色的, 远看像海浪, 但是在内部设计确大胆运用一些绿色或黄色, 充满生机。可以说, 米拉公寓是形式美特征的集中体现。
3. 经典艺术作品使人产生共鸣, 震撼和打动人的心灵的美学特征。
凡是经典的艺术作品都可以使人产生共鸣, 它能触动每个人心灵的善良, 使欣赏者和创作者同声相应, 同气相求。经典艺术作品从表达的内涵、画面到它的精神特质, 都是和受众群体能产生共鸣的艺术, 它会超越时间、空间, 也会跨越国界、地区。《蒙娜·丽莎》之所以可以流传500多年还被人们品评和研究, 《米拉公寓》之所以获得那么崇高的荣誉, 都是因为它们震撼、触动每个人的心灵。人们从可以从他们作品的内涵、形式中找寻共鸣点, 令自己在享受美感。同时这些作品也留给我们无尽的联想和猜测, 激发我们达到欣赏的最高峰。
正确认识经典艺术作品及其美学特征对于我们艺术的整体发展和人们审美意识的提高有着重要的作用。经典艺术作品以其独特的人性美、形式美、共鸣感触动着人们的心灵, 以其优越的审美形式体现我们的审美理想, 同样它也是提高大众自身审美能力, 实现人性自由, 创造完美人格的重要途径。
参考文献
[1]杜书瀛.论艺术的特性[M].北京:人民文学出版社, 1983:44.
[2]黑格尔.美学 (卷二) [M].朱光潜, 译.北京:商务印书馆, 1979:136, 165.
[3]李树榕, 葛丽颖.艺术概论[M].呼和浩特:内蒙古大学出版社, 2005:191.
[4]王受之.世界现代设计史[M].北京:中国青年出版社, 2002:228-239.
书法艺术空间美学特征 篇7
一、接受审美在声乐表演艺术中的表现
刚开始的时候, 接受美学理论是在文学艺术的领域应用的, 而且应用的非常成功。声乐表演艺术与美学艺术有相同之处, 它们的审美接受主体是相同的, 都是以人为主体, 所以把接受美学理论引入到声乐表演中来是有一定的基础的。文学艺术有三大要素, 包括作家, 作品还有读者。声乐表演艺术则包括四大要素分别是作者, 作品, 负责演唱的人员还有观众。其中属演唱者是最为关键的, 从创作者的角度来看, 演唱者其实也是处在一个欣赏者的位置上, 但是相比较于欣赏着来说, 演唱者还需要根据自己对于歌曲的理解将歌曲演绎出来, 通常也被我们称为音乐的二次作者, 创作者创造出一首歌曲后由演唱者演唱出来, 让大家欣赏。音乐对于我们来说是比较抽象的, 它不像文学艺术无法用文字去进行表述, 而是使用一些音乐符号。所以接受美学理论在声乐表演中的应用是非常有必要的。
1. 审美接受活动前的准备
广大的审美受众必须具有一定的欣赏能力才能够进行欣赏, 然而由于欣赏着所处的生活环境, 家庭背景以及教育程度等不尽相同, 也就造就了他们各自欣赏能力的不同。欣赏水平的大小决定了欣赏者愿不愿意持续进行欣赏活动, 此外不同地域, 不同民族的人由于文化等的差异, 对某一事物的欣赏心理也有很大的区别, 这种欣赏的心理对欣赏者的一些活动起到了一定的制约作用, 同时也造就了欣赏者对于艺术作品个性化的理解。
2. 审美接受活动中的接受
审美接受也是一种审美的心理活动, 它是比较复杂的。优秀的艺术作品能够激发出欣赏者的热情, 让欣赏者更加愿意继续它的欣赏活动, 声乐艺术作品是比较特殊的, 基本上都是一些印刷字体以及一些声乐的乐谱等等。然后通过演唱者的演唱将其展现出来, 让广大的受众进行欣赏, 以此来赋予它艺术的魅力。通过这样的方式可以引起欣赏者的情感共鸣, 激发欣赏者的想象。欣赏者的情绪被充分调动起来以后便会以更加积极的心态去回应表演者, 让表演者展现出自己表演的热情。演唱者不仅是创作者的欣赏受众, 在欣赏者看来它也是艺术的创作者, 还可以起到将作者与欣赏者沟通起来的作用, 欣赏者在感受声乐作品的同时充分发挥自己的想象, 发自内心的与演唱者产生共鸣, 并且在欣赏的过程中让自己得到精神上的满足, 这种过程就被称为审美接受, 这是一种心灵的交流, 而且非常富有诗情, 并且欣赏者也可以全身心的投入到这种意境之中, 体
地取材, 就地生产。产品以人民生活必需和急需的日用大、中、小型陶瓷器为主, 如瓮、缸、罐、壶、盆、碗、钵、杯、盘、碟、灯台、花瓶等等。因属民用窑, 产品设计实用大方, 烧制质量可靠。为方便产品销售, 在窑址选择上用心良苦, 大多建在琴江、五华河及其支流沿岸山坡上, 以方便水上运输, 销往县内外各地。在清代末期至民国期间, 我县陶瓷业又有了更大的普及发会音乐的美好。
3. 审美接受的留余
艺术欣赏是以一种积极地心态去接受艺术, 感受其中的内涵, 并且当欣赏的活动结束之后, 他们的这些感受也不会立马消失, 而是会把这些共鸣一直延续很久。声乐的魅力是让人无法想象的, 真正懂得音乐的人对音乐也非常的痴迷, 欣赏者每欣赏一次音乐都会有一种感觉留在心中, 随着逐渐的积累, 就塑造出了自己的内心世界, 甚至可以成为欣赏者的精神支柱。艺术作品的魅力就在于此, 由此看来说艺术作品可以净化人的心灵这也不无道理, 这种对于心灵的净化不仅仅是在声乐的欣赏过程中有, 在欣赏完成后的一段时间仍然会持续, 继续发挥它的效用。
二、接受理论对于声乐表演艺术的启发
对于声乐作品的表演者来说, 他们需要不断地提高自己的表演能力, 他们不能单单的把目光集中在声乐作品以及作者身上, 还要观察欣赏者的反映, 从他们的反映出感受自己表演的水平。
1. 主观视角全面观照表演者的声乐表演
由于我们每个人的人生观, 价值观的不同, 也就导致了对于同一个作品大家的理解也不相同, 对于一个成熟的表演者而言, , 他们会以非常主观的心态去看待问题, 并且非常注意自我反省。在自我反省的过程中, 找出自己表演中的不足, 。此外, 欣赏者的意见对他们来说也是非常重要的, 演唱者不仅应该尊重他们的评价, 还要积极地听取他们的意见, 这样有利于发现自己表演过程中的不足, 从而促进自身的提高。
2. 表演过程中的留白
在表演过程中留出空白能够激发欣赏者的想象力, 给他们足够的空间去感受艺术的魅力, 用这种方式来实现艺术作品的欣赏, 接受美学理论也认为在进行艺术表演过程中应该流出一些空白, 通过这种开放式的沟通, 让欣赏者能够参与其中, 欣赏者能够根据自己的想象对清洁, 任务等进行补充。在艺术表演过程中留一些空白, 不仅可以调动欣赏者的积极性, 还可以及发出他们的创造性思维, 声乐作品相对于文学作品而言, 可以留白的空间是非常大的, 足够给欣赏者流出一定的想象空间。
3. 表演过程中的对话
在声乐表演过程中, 演唱者, 作品与欣赏者之间有着非常密切的联系, 对于一个成功的声乐表演来说, 它对于演唱者的要求是非常高的, 不仅要有高潮的演唱技巧, 还要有舞台表演经验, 能够实现较好的舞台效果, 最好是能够与欣赏者进行一些互动, 调动起欣赏者的积极性, 让欣赏者主动地参与到表演活动中来。一个具有丰富表演经验的人可以很好地把我舞台的效果, 让自己与欣赏者之间记性适当的互动, 并且在表演过程中产生非常好的艺术效果, 比如在一些表演现场, 演唱者会邀请现场的观众一起唱, 有时也会让现场的观众在下面打节奏之类的, 这些都可以实现很好地舞台效果。
接受美学理论在整个文学领域都是一个重要的问题, 声乐审美接受活动也是声乐表演最后需要完成的, 将它与声乐表演艺术相结合, 可以对声乐表演起到指导作用, 进而促进它的提高。
书法艺术空间美学特征 篇8
一、体育与艺术同根同源、相互交融
从历史进程和人类变迁发展来看, 体育和艺术的起源几乎和人类起源一样, 经历了一个漫长和曲折的过程, 诸如很多中外著名名人都对体育和艺术发表过自己不同的看法, 众说纷纭, 但是整体关于体育和艺术的起源研究与发展轨迹不尽相同。艺术来源于体育, 体育蕴藏着艺术。例如舞蹈在中国人不断的发展和创新中逐渐演变出了武术, 最初的武术被很多人称之为一种轻快的, 连贯的舞蹈, 非常具有神蕴和力量, 这就是艺术和体育一种完美的结合之一。又例如东北民间的秧歌最早来源于人们在田间地头劳作的场景, 逐渐演变成了一种全新的艺术模式, 这也属于典型的体育和艺术最佳结合的方式之一, 这符合体育艺术来源于劳动的这一说法, 许多学者认为, 人类最早的体育和艺术模式也就是劳动, 是劳动创造了体育, 秧歌就属于是这种典型的劳动式体育逐渐演变为艺术的成功案例。
生命美学强调, 捉住了生命也就捉住了美的真正内涵, 真正的美在于瞬间的美和长期的美有机结合, 真正的美在于运用诸如人体, 表情, 动作等一切元素构造一个完美的艺术真品, 在平时的社会生活实践当中, 在人生的完美旅途当中, 尽量运用和创造一切活力元素为美服务, 让美真正的超凡脱俗, 瞬间的美需要长期的美作铺垫和传承。没有长期的积累就没有最终的胜利之美。
二、体育艺术的美学特征及美育功能研究
(一) 体育艺术的美学特征
体育与艺术的美学特征, 主要表现在感官上的美学体验和精神上的美学体验, 视觉上的美学是来自体育活动的人体之美、配合之美、协调之美, 通过人体富有张力的表演, 使得体育的美学价值得到体现。同时, 精神上的享受给人民的灵魂带来了震撼, 不论是顽强拼搏之美, 还是汗水流淌之美, 都是体育带给人的美学。
艺术的美感来源于生活的灵性, 生活的点滴则是艺术的源泉, 体育艺术, 形体与身体的运动通过艺术的表达方式的表现出来。人的美首先是物质属性的身体之美, 具体表现为人的肢体美, 容貌美, 线条美, 体态美。作为男性, 就要显现出自己的阳刚之美, 粗犷之美, 而女性则就要注意阴柔之美, 灵秀之美, 水气之神韵。同时, 再加上平时体育运动和体育锻炼使之身体机能自动调节, 达到阴阳平衡, 更加显现生机盎然的健康人体美, 协调的运动美。
纵观历史变迁, 体育与艺术交融的成就造就了无数的无与伦比的精美作品和物质, 从体育场馆、人物雕塑到运动器具, 从国家的国旗、国徽到普通的邮票、明信片, 从体育文学、摄像到体育歌曲与绘画, 无不反映体育艺术的高度融合之美, 创意之美, 激发大家的审美情趣, 使人们的视觉、感官、心灵得到强烈冲击震撼和熏陶。
在奥运会上, 体育健儿们顽强拼搏, 登上最高领奖台的一刹那, 在义勇军进行曲奏响之时, 激动之情意于言表, 荡气回肠, 这是催人奋进的精神之美, 象征着中华民族万众一心, 奋发图强, 勇争第一的历史使命和精神象征。这种胜利之美, 比赛之美震撼了人们的心灵, 使得众人雀跃, 狂喜至极的境界。体育艺术的特点是过程复杂曲折, 体育比赛不仅要重视结果, 更要看重过程, 细节决定成败, 时刻要以乐观, 不怕输的精神去面对整场比赛和最后的结果, 这也是一种心态上的成熟和完美, 这是一种虽败犹荣, 从头做起的坚忍精神和坚强毅力。
(二) 体育艺术的美育功能研究
体育的美育功能有很多形式, 就现代体育运动就其观赏性愉悦性竞争性而言, 和艺术具有同样的特质, 并且体育和艺术时刻也有着交相辉映的生命内涵。体育艺术这门新兴学科与其他学科相较, 除了展现力与美的结合, 还具备更加形象的美育作用。
在教学、实际训练和展演过程中, 能够更加直观地培养参与者的审美品位, 尤其是健康的审美观念, 能够发展参与者鉴赏美和创造美的能力, 促进由内而外全面发展的教育功能。例如现代奥林匹克之父顾拜旦曾说, 奥林匹克运动是智力, 艺术, 力量三者的有机完美结合。从体育艺术的表演性的角度来说, 健美操、啦啦操、艺术体操、花样游泳、花样滑冰等体育艺术项目, 就是典型的以音乐为主题, 通过人体肌肉运动的方式, 以节目竞演的形式来达到艺术和体育的完美结合, 在表演或比赛中让观众感受到一场美妙绝伦的视听盛宴。
当然无论在奥运赛场上, 艺术舞台上这种荣誉之争也是在所难免的, 这就要谈到体育和艺术的另一共通之处, 就是竞争性, 艺术有层次之分, 体育也有差距之感, 当然这也符合达尔文的生物进化论和整个人类社会发展的规律, 那就是优胜劣汰, 弱肉强食, 好比足球的淘汰赛和声乐PK赛一样, 能坚持到最后的, 能站上领奖台的都是比赛中发挥最好的, 状态最佳的。这就完全符合体育艺术的竞争性的特点, 除了其中的爱国精神、团结协作、勤勉奋进等品德教育之外, 体育比赛当中经常提到友谊第一, 比赛第二, 向对手祝贺也是一种心胸博大的美, 这些美都要融入我们的体育比赛当中, 融入到我们的艺术境界里去, 这才是真正的美的诠释和真谛。
摘要：追寻体育与艺术发展的历史长河, 探寻体育与艺术相互交汇, 相互游移的文化现象, 从中找到体育与艺术的共通点, 相似点, 交汇点, 从美学和观察视角, 揭示体育与艺术交融的美学价值, 对于人类社会的发展和进步, 体育与艺术也在不断的升华和融合, 其美学特征及美育功能也是人类社会文明的标志, 逐渐已是人类社会发展不可或缺的重要组成部分。
关键词：体育艺术,美学价值,美育功能
参考文献
[1]陈思, 袁荣凯.浅论学生体育审美特点与体育教学的美育渗透[J].文体用品与科技, 2014 (21) :63-64.
[2]韩宏雷.体育教学中美育对学生发展的影响[J].中学课程辅导:教学研究, 2016, 10 (15) .
书法艺术空间美学特征 篇9
二胡音乐是中国民族音乐的一种表现形式,展现的是中国民族音乐特有的风格和韵味,体现的是中国民族文化悠久而深厚的思想和艺术底蕴。胡琴类家族脱胎于戏曲音乐、说唱音乐,并都有一个从伴奏到独奏,从大雅之堂走向民间,又从民间走上大雅之堂的漫长而循环提升的共性特征。民族音乐传统作为胡琴艺术的母体, 是胡琴艺术创作取之不尽、用之不竭的创作源泉。
一、二胡演奏艺术内容的音乐美学特征
(一)音乐表演活动内容的美学特征
音乐对美的展现,一种重要的途径就是进行音乐表演活动。在音乐表演活动当中,作曲家、演奏者、听众是其中的主体,他们通过不同的方式对音乐进行了诠释。 在这一过程中,演奏者具有最为重要的作用,他除了对音乐产生心理活动以外,还发挥着承接作曲家和听众之间关系的作用。因此,在音乐表演活动中,二胡演奏艺术所体现出的音乐美学特征,可以从创作、演奏、倾听三个方面进行划分。
(二)二胡演奏的音乐表现性
在二胡的演奏过程中,其声音具有十分明显的线条化的特点,能够很好地体现出音乐作品的风格。在我国经典的二胡作品中都包含了十分丰富的内容和情节,其音乐旋律性都具有单线条的特点。二胡演奏的声音与人类声音的频率十分接近,更容易引发与人之间的共鸣, 适合表达和抒发人们内心的情感。
二、二胡演奏的创新意识
二胡艺术的创新,也是二胡的“现代化”问题,但也不能简单地以西方“先进”艺术理论标准为准则。二胡艺术是中国民族音乐艺术,不能也不可能采取一个统一的审美标准,更不能采用非常西化的现代化艺术理论来衡量它。因此,看二胡艺术是否创新、是否现代化, 一定需要有它自己的标准:第一,其审美价值是否符合我们中国文化的本质特征;第二,是否能够拓宽我们二胡艺术的创新观念和创新技巧的道路;第三,我们的二胡艺术家是否能够解决当下面临的艺术难题;第四,民族性、艺术性必须依然是我们衡量二胡艺术美感最有效的标准。
二胡艺术的创新与发展,需要我们拥有一种积极的态度和发展的眼光。发展是保护我们祖国民族器乐最好的方式。只有这样才不会让我们的民族器乐离人民生活越来越远。然而,我们不得不看到,当二胡艺术进入高等院校,二胡艺术的演奏和传承已经逐步脱离了人民的视线。经过高等学府严格训练出来的二胡演奏员,一定能够很快地掌握二胡艺术的各种技巧,并能演奏高难度的艺术作品,这也是值得我们肯定的一方面。而另一方面, 我们也看到对于二胡艺术的传统乐曲、民间乐曲在演奏上所表现出来的空虚和苍白,各种传统技巧的运用和二胡艺术独有的神韵的表达,以及不同技法的运用与不同艺术风格作品的体现,甚至在对许多传统乐曲深刻意境的内涵的理解和把握上都缺乏应有的厚度和力量。
一个优秀的二胡演奏者,除了要掌握扎实的演奏基本功和高超的技巧外,还要了解不同作品的时代、地域和文化背景,更要了解作品的语言音调,直接由演奏者通过丰富的润腔手法得以体现。但由于长期以来人们对二胡乐曲的润腔演奏技法研究不够,导致传统乐曲的润腔没有得到很好的保护和继承,使二胡艺术在演奏技巧迅速提高的同时,却淡化了中国传统音乐中特有的韵味, 这是一个遗憾。在对二胡的研究中,越是深入,就越感觉需要认真对待的东西太多了,而最重要的是理性对待二胡的发展现状,这样也才能在创新与发展上有所作为, 为二胡艺术的明天更快、更好地发展尽一份微薄之力。
摘要：二十一世纪的中国,无论是政治、经济、文化还是社会生活都发生了巨大的前所未有的变化,从中国千年文化语境中成长起来的二胡艺术,自然也经历了种种变化。二胡艺术作为一种音乐形式,虽然在表现方式和题材上显得略为单一,但是其复杂性和多变性,与西方现代音乐艺术走马灯式的变换,也有异曲同工之妙。
书法艺术空间美学特征 篇10
关键词：罗西尼、歌剧艺术、美学特征、艺术风格
罗西尼是意大利重要的歌剧作曲家，同时也被认为是意大利歌剧圈中的灵魂人物，一生创作了38部歌剧，12部康塔塔和大量的小型音乐作品。罗西尼在其作品中，展示出了极强的旋律天赋、细腻的戏剧冲突、令人忍俊不禁的幽默以及十足的韵律感。这些都是其歌剧经久不衰的重要原因。他18岁的时候写出了第一部喜歌剧《结婚契约》，1813年写成了第一部正歌剧《坦克雷迪》（Tancredi），这两部均在威尼斯上演的作品是罗西尼早期的成功之作。1812年至1816年间写就的歌剧，《试金石》（La Pietra del Parazone）、《意大利女郎在阿尔及尔》（L’Iranian in Alzeri）以及1816年的《塞维利亚理发师》等，使其跻身著名歌剧作曲家的行列，在国际乐坛上享有盛誉。特别是《塞维利亚理发师》，成为他最负盛名的佳作，亦为意大利喜歌剧的经典名作。1816年至1824年间，《奥赛罗》与《摩西在埃及》在那不勒斯上演，《灰姑娘》和《塞密拉米德》则分别在罗马、威尼斯上演。1829年罗西尼写了其最后一部歌剧《威廉·退尔》，这部作品反映了民主自由的愿望，是罗西尼正歌剧中登峰造极之作。作曲家采用了阿尔卑斯山区牧歌的音调，音乐语言简单而朴实，摒弃了当时社会音乐生活中的浮华。合唱在音乐和剧情的发展中都占有重要的地位，群众场面十分壮观；有些地方接近法国式的大歌剧管弦乐比较丰富突出；序曲非常出色，至今仍是音乐会上时常演奏的一首名曲。此剧对大歌剧体裁的形成和发展起到了极其有力的推进作用。罗西尼在19世纪的意大利歌剧不可遏制地沉沦下去之时挺身而出，在风雨飘摇的紧要关头力挽狂澜，从而成就了意大利歌剧的盛世。
（一）罗西尼歌剧的美学特征
歌剧，将音乐、戏剧、文学、舞蹈、舞美、角色塑造以及语言等多种元素融合一体，充分展现了其独有的美感。传统的歌剧，都具有其自身的美学特征，而对于罗西尼的歌剧而言，其独特的美学特征主要表现在对人物的塑造、音乐的选调、剧本的斟酌、故事情节的选材、声音及人物的完美配置上。
在罗西尼时代，传统的歌剧因内容或是王公贵族的老套故事，或是脱离现实的遥远虚幻的神话，形式上皮肉脱节、水乳不融，很难满足观众的需求。严肃的正歌剧日渐衰落，喜歌剧便应运而生，登上了歌剧舞台。罗西尼认为，歌剧的主要目的是通过旋律优美、不感伤、真情流露且平易近人的音乐取悦并感动听众。他的喜歌剧里的人物既有为生活艰苦奋斗的贫民，又有虚荣浮华的上层人士，他用现实主义的笔触，用浪漫主义的表现形式，给观众带来了智慧的启迪。当时已近暮年的交响乐大师贝多芬在罗西尼来访时说，“我看过您的歌剧，感觉很愉快，只要有意大利歌剧院的存在，他们就会上演您的歌剧。”
1.剧本的斟酌
文学脚本是歌剧故事情节的主要来源以及人物形象塑造的重要因素。在西方歌剧发展的历史上，歌剧的文学脚本一般都是来源于著名作家的文学作品。以罗西尼的喜歌剧《塞维利亚理发师》为例，其文学脚本来源于法国作家博马舍于1775年所写的剧本，是博马舍《费加罗三部曲》中的第一部，而莫扎特于1786年创作的歌剧《费加罗的婚礼》，则是取材于《费加罗三部曲》的第二部。在当时的时代背景下选择这部作品，与罗西尼本身对于歌剧发展方向的敏锐判断力与对艺术发展的大胆把握是分不开的。正如罗西尼对自己的评价，“我曾有过敏捷的才能，我本该有所成就。”
2.音乐的选调
罗西尼歌剧艺术在音乐上的最大成就在于被后世所称道的“罗西尼渐强”，以及其“嗓音大师”的称号。在管弦乐众多乐器的伴奏下，罗西尼“破天荒地第一次在总谱里写上了声乐部分中的装饰音、花腔性的音调技巧性的经过句等，而剥夺了意大利歌手们历来的权利。以后的作曲家们也大多仿照这一先例去创作”。在罗西尼的歌剧音乐中，诙谐喜悦的音调总是能够随处所见，这可以很好地达到创作者希望让观众在喜悦的情况下抛去思想负担，从而用轻松的方式思考严肃问题的创作目的。以《塞维利亚理发师》第一幕为例，理发师以咏叹调式的话语以及乐师们表演时音符所表现出来的詼谐幽默，整体音乐旋律轻快且具有流动性，和声色彩变化丰富，词曲结合犹如一体，让观众的情绪轻松喜悦，却能陷入无限的沉思。
3.舞美的呈现
罗西尼歌剧的一个重要美学特征，就在于其具有极其完美的舞美呈现。这不仅是对歌剧艺术发展的极大促进，同时也对喜歌剧的发展开创了先河。在罗西尼歌剧创作的过程中，舞美的设计总是显得随性与即兴，往往是感性重于理性。他自己曾经说过，“没有什么比急迫更能激发灵感了。”这种创作的灵感及来源，体现在其歌剧的舞蹈与舞美中，则是一种真情与真性的自然流露，毫无矫揉造作之嫌。在《塞维利亚理发师》中，巴尔托罗医生的贪婪的眼睛、费加罗自身的快乐与乐于助人的性情、罗西娜的美丽及追求爱情自由的渴望以及伯爵的失望伤心与喜悦都被演员们演绎得淋漓尽致。在举手投足之间，完全将不同的形象通过舞蹈与舞美的感性设计融为一体，让肢体成为了情感的完美诠释，从而成为了这部歌剧创作的一大特征。此外，在这部戏剧中，整个歌剧场景都是依照生活本身的方式进行布置，毫无华丽而言。但历史沉淀之后，观众却依旧能够记住剧中清晨的街灯与那洗尽铅华后的美丽。
4.声音的诠释
罗西尼歌剧音乐中，对于用不同的声音来塑造不同的人物形象，进行了淋漓尽致的发挥与搭配，可谓是声音与角色相统一的典范。就女低音这一声音运用而言，在19世纪初的严肃歌剧中，年轻英俊的少年和英雄形象一般都是由男高音音色来进行塑造的；而更早前，这种角色通常是由阉伶歌手进行呈现。随着社会上阉伶歌手的逐渐消失，人们已经从慢慢接受转变为十分乐意看到女性歌手在舞台上的表演。特别是女低音歌手，她们的音域和音色与阉伶歌手最为接近，所以在听觉上最容易让人们接受演员角色从男性到女性的转变。罗西尼把女低音声部基本用在这两个方面：在喜歌剧中都是扮演具有诙谐性格的女主角；在正歌剧中都是扮演具有英雄气概的青少年。
nlc202309090342
在演唱的技巧上，女低音无论从哪一点来看都不比女高音逊色。快速的花腔跑动同样非常精彩，装饰音、颤音也很精细。总体上看，罗西尼把女低音看作一种低端声区，所以他创作了不断反复、回旋的轻快乐句，用跑动的音阶上行或下行的方式，在琶音或跳音的帮助下，让演唱者毫不费力地唱出更高或更低的音。
女低音音色与角色相结合的运用，在歌剧《赛维利亚理发师》中的罗西娜和《灰姑娘》中的安杰琳娜这两个角色中达到了顶峰。我们在分析角色类型时发现了一个细微的变化，罗西娜和安杰琳娜的角色都是以一个略微高的音域在演唱，其音域浮动在女中音和女低音之间。而《试金石》中的克拉丽斯和《意大利女郎在阿尔及尔》中的伊莎贝拉这两个角色，如果用女低音的音色来演绎，其效果及反响会更好。
（二）罗西尼歌剧的艺术风格
除了突出的美学特征之外，罗西尼歌剧对于西方歌剧发展史还有一个不可忽视的贡献，就是其作品突显出的艺术风格，不仅成就了罗西尼自身的歌剧艺术，也推动了整个西方歌剧艺术的发展。
1.浪漫主义的风格
19世纪初，浪漫主义思潮席卷整个欧洲，也正好是意大利正歌剧走向穷途末路之日。而此时，罗西尼的歌剧吸纳了浪漫主义层次多样的表现形式和凸显人性的内涵导向，唱词对白富有张力、唱腔声乐澎湃酣畅。罗西尼及其以后的多尼采蒂、贝利尼的歌剧音乐，皆受到文学戏剧的均匀节奏流动的感染，显示出连贯性的特点。某种程度上说正是由于罗西尼的出现才挽救了颓废时的意大利歌剧。在完成对浪漫主义的继承之后，罗西尼开始通过人物群像的塑造设定、跌宕曲折的剧情推进，以及深刻浑厚的主题传达来创作歌剧，继而也形成了其对于浪漫主义的昂扬热烈、奔放明快的诠释格调与个人特色。继罗西尼之后，经过多尼采蒂、贝利尼，19世纪意大利浪漫歌剧终于在另一位歌剧大师威尔第的手中达到了光辉的顶峰。
在人物形象塑造方面，浪漫主义以渲染人性之美、展示阶层群体的鲜明特征而迥异于现实主义。罗西尼继承了浪漫主义的创作理念，其善于通过个性各异、性情多重的形形色色的人物群像的情绪波动与情感诉求来展现真切细腻的众生人性，并分别为不同人物配以热情洋溢、洒脱奔放的腔调唱词，以强化突出其个性，这种个性多样的人物塑造也使得罗西尼的歌剧散发着鲜明跃动的“浪漫人性”气息。
在剧情推演方面，传统的现实主义艺术所主张的，是真实直接的故事脉络的设定模式；而对于浪漫主义歌剧艺术而言，其倡导故事架构的多变、故事情节的悬念以及故事结局的圆满。罗西尼将浪漫主义故事铺陈的理念传承创新、发扬光大。他善于将剧情框架设计得彼此独立而又相互联系，并在剧情框架的衔接环节处设置悬念、铺垫暗示，以增强故事的表现力。这种独特多变的推演手法也使得罗西尼的歌剧充满了跌宕曲折、引人入胜的浪漫韵味。
在创作主题方面，传统的现实主义艺术主张“血淋淋地剖开现实万象”，而浪漫主义则是呼吁以“艺术展示真实世界”的表现方式来宣扬其呼吁个人主义至上、标榜自由平等博爱的价值观念。在罗西尼的歌剧作品中，他撷取了浪漫主义思潮中的自由精神与抗争意识，同时适时结合了新兴阶层谋求个人价值凸显与社会公正实现的价值索求，在塑造人物多样性与营造故事跌宕性的基础上，传达其歌剧作品的鼓励抗争、争取自由、实现平等的核心主题，这种强烈的浪漫主义人文理念也让罗西尼的歌剧显得更加深刻浑厚、震撼人心。
2.民族与喜剧特色
正歌剧走向衰落其中一个重要的原因，就是其内容及音乐特色过于阳春白雪，对观众并不能具有很强的吸引力。因此，要让歌剧更加吸引观众，就必须加入更多属于观众自己的元素，来源于民族民间的音乐元素便走进了罗西尼的歌剧之中。可以说，罗西尼的歌剧艺术以鲜明的意大利民族音乐特色，给面临衰落的意大利歌剧注入了一剂强心针，让这个日渐没落的艺术重新回到了人们的日常生活中。他的《坦克雷迪》中的“我心激动”，《威廉·退尔》中的渔夫歌等直接取材于民歌填词而成。在《威廉·退尔》中，作曲家还采用了阿尔卑斯山区牧歌的音调，音乐语言简单而朴实，摒弃了当时社会音乐生活中的浮华。意大利民歌常见的同名大小调的转换、由下行小三度和大二度构成的音调及充满活力的节奏型等，在他的歌剧中几乎俯拾皆是。
罗西尼是一个极具天赋的音乐天才，这同时表现在他极高的即兴创作才华上。罗西尼既熟悉美声唱法的演唱技巧，又懂得如何让技巧为歌剧服务，使其更具剧场效果，因此他的作品既能让演员发挥特长，又能对观众产生极强的吸引力。即便是歌剧中的华彩乐段，经过罗西尼的处理，也不会让大家感受到单纯地卖弄技巧，而是紧密地与剧情贴切结合。罗西尼的主要成就是喜歌剧，其故事内容大多肤浅、轻率，带有即兴的特点，然而由于它们的剧情生动，富有讽刺幽默意味，而作曲家又能在其中加入正歌剧的因素，这就相应地提高了它们的情趣。同时，他也能以喜歌剧的因素丰富正歌剧，使其音乐诙谐流畅，开阔爽朗，又有很多轻快花哨的装饰，总给人耳目一新之感。
3.华彩乐段的突出
所谓华彩乐段（Cadenza），是指歌剧主人公咏叹调结束处由独唱者即兴发挥演唱的段落。这个乐段的演唱风格较自由，难度较高，是歌唱者在演唱中的一个闪光点，因而非常引人注目。自由的即兴发挥，使得“炫技”成为了华彩乐段的主要表现形式，而作曲家则成了技巧性演唱的奴隶。咏叹调之所以被认为是歌剧中最重要的段落，是因为在咏叹调中，优美的旋律和富有难度的歌唱技术能将剧中人物性格详尽地刻画出来，歌剧中的主人公亦是通过咏叹调来表达内心独白、叙述戏剧冲突，它是全剧中最重要的段落。但在当时的年代，谱面上并没有详细的华彩音符，任由歌唱演员按照自己的喜好在舞台上即兴演唱，使音乐向前运动并要求得到解决的动力减少，乐句连贯性受损，剧中人物也被其无尽的“炫技”演唱塑造成自恋、庸俗、肤浅、搔首弄姿的形象。虽以其高超的歌唱技巧博得一时的掌声与喝彩，但最终还是因缺乏艺术表现与内在的情感表达而令人感到乏味。
罗西尼对这样的华彩乐段进行了较大的改革。他在歌剧创作中，让歌唱者失去了即兴发挥的自由，严格限制歌唱演员这种专断的行为，第一次为演员在总谱上规定了详细的装饰音、华彩乐段，要求演唱者严格按照乐谱演唱。这样做的结果，使得歌剧艺术的完整性与艺术性得到了维持，也使得作曲家、作品以及演唱者三者之间达到了一个高度的统一。罗西尼坚信，没有良好的歌唱习惯，作品中人物情感表达就无从谈起；脱离了人物情感表达，纯粹的演唱技巧也成了歌唱者们没有灵魂的“炫技”。
在羅西尼的歌剧作品中，男高音和女高音都需要表现咏叹调的华彩乐段。尤其是随着女性歌手演唱技巧的趋于成熟，美妙的声音加上华彩的装饰，可以更加充分地表达激动、愤怒、欢乐等情绪。颤音和回音的合理使用，可加强音乐推进过程中的终止感；倚音可演唱的旋律线条丰满，滑音和快速的音阶上行或是下行都有助于推动高潮的到来。在其代表作《塞维利亚理发师》中，花腔大多夹杂在歌词、乐句中进行，而不是只有某一个词来独立完成一个花腔乐句或一个花腔乐段。他的花腔既有短小的、点睛式的装饰，也有音区跨越大、长串的音阶或和弦分解等形式，多姿多彩的花腔也就成为罗西尼歌剧唱段极具特色和魅力的一部分。
作为意大利歌剧的复兴者，罗西尼在继承意大利民间音乐特点和歌剧传统体裁形式的基础上，打破了歌剧史上一直奉行的以歌词为主导的做法，大胆地创造了以音乐旋律为主导的风格，并创作了许多以男声为主角的歌剧，从而开启了歌剧演唱史上的“美声学派的新时期”。
浅析网络剧的艺术生产与美学特征 篇11
关键词：网络剧创作,互联网思维,美学特征
网络剧在创作过程中能够在一定程度上体现出社会大众的要求, 并且符合互联网思维的发展趋向, 笔者探讨网络剧的艺术生产和美学特征的目的, 也是为了在当前形势下更好地发展网络剧, 借助互联网的优势, 创新思维模式。
一、网络剧的概述
网络剧的产生是现代社会的表现, 传统媒体是有限的, 即版面有限、容量有限、时间有限, 而以互联网为代表的第四媒体所营造的新媒体语境在一定程度上讲是无限量的, 它版面空间无限、表现形式多样、动静态相结合, 但社会上众说纷纭, 对网络剧的认识还不是很全面, 认为网络剧是“在网络平台上播出的影视剧”、“电影的衍生品”、“模仿电视剧或电影的一般本体美学特征, 以视听元素和剧作手段为其形式, 以展现故事和塑造人物为其内容”等。
作为一种新生事物, 网络剧的产生和发展历程都比较短, 网络剧在艺术手法和观赏度上都存在着标准不一的现象, 这也给网络剧实质特征的界定带来了一定的麻烦。笔者认为, 所谓网络剧就是通过互联网传播具有一定的观赏性, 能够满足大众需要的戏剧, 这种剧种和电视剧、电影具有同样的特质。
二、网络剧的发展与艺术体现
网络剧从上世纪末本世纪初开始出现, 但是网络剧具有自娱自乐性、娱乐大众等特点, 适应社会大众的观赏需要。总的来说, 网络剧的发展经历了以下几个阶段, 同时在每个阶段都具有其特有的艺术性。
1. 恶搞阶段:网络剧发展的前期
本世纪初出现的《大史记》, 可以说是网络剧的起始, 这个网络剧只是简单地将某些故事短片剪切拼凑, 没有太多的艺术创新, 在剧目的表演过程中, 没有太大的修改, 所有的内容只是用俗称的语言表达出来, 这种表达方式无所谓审美方面的需求, 对剧目的表达体现了恶搞的成分, 甚至有些地方走上恶俗、粗俗的道路, 难以体现艺术性。之后出现影视作品, 其恶搞成分开始引起社会的普遍关注, 其中最为著名的就是《一个馒头引发的血案》, 社会学者开始思考恶搞影视剧目是否符合社会大众的要求。
2. 山寨剧:一种具有艺术成分的网络剧
恶搞剧在短期内可能受到关注, 但是其没有多大的审美价值, 更没有艺术性, 所以只是昙花一现, 但是山寨剧的出现, 即俗称戏仿, 真正体现出一些网络剧的特征, 尤其是在互联网思维下的山寨剧, 已经开始脱俗, 体现出剧目的观赏性, 网络剧此时才开始出现艺术化的因素, 比如在四大名著的网络剧中, 虽然没有电视剧的宏大场景和过多的人物塑造, 但是其中的精髓部分能体现出来, 并且能够真正产生艺术美。新的艺术体裁的形成和发展总是在吸收先存艺术体裁的合理因素和发扬它的独特优势的基础上, 摒弃某些体裁或某些体裁中不利于表现社会生活的元素, 在能动的综合中, 创造出一种与过去的一切先存体裁都具有血肉联系但又截然有别的新的艺术形式, 可以说, 此时的网络剧开始进入独立发展的前期, 其艺术性的体现也更加强烈。
3. 网络剧独立发展阶段:体现了大众的艺术形态
近几年, 网络剧的发展比较迅猛, 而且网络剧在互联网思维的影响下, 其艺术性得到极大的发展, 与前期的形态有很大的变化。随着社会公众对网络剧影视作品的关注, 在创作网络剧的过程中, 创作者更关注中国网络剧和社会大众的链接, 多采用互联网思维, 有一种置身其中的思想在创造, 而且在影视作品中涌现了一些备受社会公众喜欢的表演者, 他们的影响力逐渐加大。而且, 政府也支持网络剧的发展和创造, 此时网络剧可以说进入一个全新的发展阶段, 人民的生活也深深地打上了网络剧的烙印。另外, 此时的网络剧还具有极强的艺术性, 在表现手法、表现内容等方面都能够体现出极大的观赏性, 创作者和拍摄者也都通过结合社会的发展以及大众的需求不断加大投入, 打造商业大时代, 极大地推动了网络剧的发展。
三、网络剧的艺术创造和美学特征
在当前, 尤其是在互联网思维之下, 网络剧得到如火如荼的发展。
1. 网络剧的艺术创造
网络剧的发展经历了三个阶段, 每个阶段都体现出社会生活的实质。在当前互联网发展的时代下, 网络剧的创作和播放都产生了新的形式, 主要体现在以下几个方面:第一就是在制播模式方面。电影的片长一般有两个小时, 这样电影就有充足的时间去处理悬念, 但是网络剧的情况与此不同。根据相关调查, 网民在观看网络剧的过程中一般是半个小时左右, 也就是说网络剧从开始到结束应当缩短时间, 在开始阶段通过五分钟左右的时间吸引观众, 这样才能引起观众的兴趣。所以说, 网络剧与电影和电视剧的制播模式存在差异。第二是叙事模式方面。网络剧在互联网思维之下进行创作, 不能和传统的电影或者电视剧的模式一样, 如设置场景等, 而应当有自己的叙事方式, 体现出其特点, 比如在一部网络剧中都会有不同的角色, 社会公众在观看影片的过程中, 会根据自己的喜好选择不同的角色, 这就要求网络剧创作时有一个庞大的支线网络, 设置多样的角色。
2. 网络剧的美学特征
网络剧在现代社会得到公民的认可, 除了因为网络剧的创作和播放都体现了美学的特质外, 还表现在网络剧具有其区别于其他剧目的美学特征, 能最大程度地吸引观众。网络剧的美学特征主要体现在以下几个方面:第一是网络剧的兼容性, 这是在网络发展的综合性前提下所体现出来的。网络的发展为各种媒体的进步与发展提供了机遇, 在网络的帮助下, 人们的生活更加便捷, 不论是看电视还是购物, 都越来越依赖网络的力量, 这就为网络剧的兼容性提供了基础, 网络剧在表演过程中可以兼容一些新闻、广告等, 同时网络剧在表现手法上也更加灵活多样。第二是网络剧运作方式的参与性, 这种美学特征的产生和网络传播的交互性有很大关系, 在现代作品传播过中结合了多种因素, 通过这些因素的影响, 网络剧能够最大程度地展现其中的审美特征, 从网络剧的运作方式上看, 故事创意、演员选择、景地选择、播出方式等都可以体现观众的参与性, 网络剧可以在播放过程中边收集网民的意见与反馈, 边修改拍摄, 每一个网民都有可能是编剧, 有时甚至连导演也不知道故事的最终结局将会如何, 一切尽是未知, 未来充满想象, 这使网络剧形成一种最敏感的、旨在促进自身审美适应性与完善性的反馈机制, 这是电影、电视剧观众不可能拥有的审美感受与审美体验。第三, 网络剧的内容更加接近大众生活。网络剧在当前互联网思维的影响下, 其创作更加注重社会的需求, 也就是通过对社会生活的反映来创作, 这就是网络剧的平民化, 这种平民化使网络剧具有草根性, 而且从创作主体、创作方式等方面看, 草根性十足, 草根性网络剧在社会中受到极大的欢迎。
四、结语
网络剧是现代互联网发展下的产业, 同时由于网络剧需要不断地创新, 互联网思维就显得更加重要, 网络剧在互联网思维之下的创作、制播等将会更具优势。互联网思维要求网络剧具有社会性、平民性和草根性, 每个人都可以成为网络剧的主角或者制作者, 这就是互联网思维的核心, 也是推动网络剧发展的前提。
参考文献
[1]郭晶.诠释网络媒体话语权[J].中国广播, 2013 (3) .
[2]危怡.当下网络剧创作的主流文化价值导向探究[J].电影文学, 2012 (17) .
[3]刘扬.新媒体语境下的网络影视剧传播与本体美学特征[J].民族艺术研究, 2010 (5) .