弹奏课程

弹奏课程（精选7篇）

弹奏课程 篇1

摘要：以车尼尔599、849、299教材中的相关练习曲以及钢琴基础教程一到四册中的练习曲为例, 构建高校基础钢琴弹奏课程的教学方案, 提供基础钢琴弹奏课程教学设计的紧凑性与高效性, 以此来全面提高高校学生在基础钢琴练习曲上的弹奏能力与综合弹奏水平。

关键词：基础钢琴,弹奏课程,教学设计

随着教育改革的逐渐深入, 我国致力于全面实行素质化的教育理念和教育口号, 从培育学生全方位的综合素养出发, 来贯彻和落实现代化钢琴人才的培养策略。基于此, 为了提升高校基础钢琴弹奏课程的教学质量和教学水平, 通过在创新教学改革的目标下完成相应的教学设计与教学优化工作, 发挥更具实践性的钢琴教学效用, 来全面开展细致化、创意化的基础钢琴弹奏课程教学改革, 从而促进各个高校基础钢琴弹奏课程实现综合化与全面化的发展目标。

一、基础钢琴弹奏课程的重要意义

从钢琴艺术的角度来看, 基础钢琴弹奏课程的具体教学目标, 更多的是注重对高校学生钢琴基本能力的训练, 站在运用车尼尔练习曲与钢琴基础课程的角度下, 来提出更为人性化和科学化的基础钢琴弹奏课程的教学设计思路, 来完善当前实行的基础钢琴弹奏课程的设计方案, 目的是满足各大高校学生的学习需求。

基础钢琴弹奏课程教学工作作为各大高校艺术专业设置的重点教学课程, 在当前素质教育的背景下, 各大院校内部的基础钢琴弹奏课程应该大力实行教学改革。从钢琴基础教程与车尼尔练习曲入手, 发挥基础钢琴的教学引导性与入门性, 这样才能全面满足现代学生的学习需求, 同时也才能落实在高效与科学的钢琴教育标准基础之上。

二、钢琴课程创新教学的设计思路

(一) 深刻明确基础钢琴弹奏课程的具体教学目标, 使各大高校学生更加深入地了解和体会基础钢琴课程的培育目的和培育宗旨。教师在进行钢琴课程的创新教学设计过程中, 应该使具体的教学目标更加明确。通过结合更具入门性质的钢琴教材比如车尼尔的“三大梯度”教材599、849、299, 以此来有效引导高校学生对基础钢琴课程的兴趣度和参与度, 降低学生学习钢琴练习曲弹奏的难度。

(二) 以全面提高学生的人文气息为目的, 在基础钢琴弹奏课程中创新设计“弹奏钢琴基础课程一到四册中的代表作”教学模块, 来带动学生积极地深入了解每册钢琴基础教程中不同钢琴演奏家的代表作品。因为在钢琴基础教程中钢琴练习曲的难度相对来说更适合刚入门的学生, 比如一册中的《太阳出来》《士兵进行曲》以及二册中的《小托卡塔》《北风吹》等。这样通过利用该教学模块引导学生对不同钢琴演奏练习曲进行深入感悟和认知, 不仅能够从钢琴演奏作品中感受到基本的演奏技巧, 同时也能够切实提升学生对钢琴基础性弹奏的感知能力和艺术感悟能力, 以此来有效培养学生的人文气息。

(三) 在基础钢琴弹奏课程中加入“多版本”的演奏元素, 以此来更加多元化地培育高校学生在钢琴演奏方面的多元风格和扎实技巧。在开展基础钢琴弹奏课程的教学过程中, 教师可以在课堂上尽可能多地加入不同风格的钢琴音乐元素, 比如来自不同国家、不同地区、不同民族、不同年龄以及不同曲风喜好的多元化音乐元素, 以此来通过更加全面和多角度的钢琴音乐艺术氛围, 带领众多学生学习更具专业化和包容化的钢琴演奏技巧和演奏方法。比如车尼尔299中的快速练习曲中有非常适合学生入门弹奏的练习曲, 更是完美地展现了正宗奥地利维也纳的钢琴弹奏风格。

(四) 教师可以在基础钢琴课程中设计“自由拓展”环节, 通过为学生演奏不同风格、不同流向的钢琴演奏曲, 引导学生对其进行自由拓展和思考, 在自我原创的基础上开发自己喜爱、适合和追崇的钢琴演奏音乐。在创新教学设计环境的作用下, 积极鼓励每位学生对每首钢琴音乐作品演奏进行多元化和个性化的改编。通过挑选钢琴基础教程一到四册中的基础型钢琴练习曲, 从而在外国钢琴曲中适当地加入自己民族的民俗音乐元素, 或者将不同戏曲元素融合在钢琴演奏曲中, 实现不同领域音乐艺术的完美结合。比如, 可以选取钢琴基础教程三册中的《威尼斯船歌》, 让学生自我开拓和自我想象, 根据自己的喜好在练习弹奏《威尼斯船歌》时适当地加入民族元素, 形成具有钢琴弹奏的独特魅力。

综上所述, 对于高校基础钢琴弹奏课程教学工作来说, 通过进一步优化和改善, 可以在结合现代教学理念的条件下开展更为具象化的教学内容。以上围绕高校基础钢琴弹奏的具体教学设计与教学思路展开分析, 为促进高校钢琴教学工作实现科学化、规范化与健康化发展做出了不懈努力。

参考文献

[1]向阳, 刘琉.在钢琴教学中培养学生的创造性思维:对文山师专音乐系钢琴教学的思考[J].文山师范高等专科学校学报, 2015 (2) :78-81.

[2]郭立红.钢琴课程的实用性与实践性探索[J].漳州师范学院学报 (哲学社会科学版) , 2014 (2) :146-149.

[3]刘淑萃.即兴伴奏在钢琴教学中的作用及教学方法[J].赤峰学院学报 (自然科学版) , 2015 (15) :204-205.

钢琴弹奏浅谈 篇2

一、听觉

钢琴表演艺术对于听觉的要求很高, 演奏者对作品的把握从技术到艺术最终都要体现在音响的审美、创造上, 而所有的音乐要素都需要演奏并通过听觉来进行整合。

著名钢琴家鲁宾斯坦在谈到钢琴时曾这样说:“钢琴是一件乐器, 也是一百件乐器”。钢琴独奏需要演奏者用自己的头脑充当指挥并用双手驾驭钢琴这个“庞大的交响乐队”, 其难度可想而知。其中除了高超技巧以及独特的审美力外, 更重要的是他们具有良好的外部 (耳朵) 与内部 (内心) 听觉。听觉事实上是对读谱和弹奏的反馈。乐谱一经读出, 就要弹奏, 而弹奏的质量主要由耳朵判断。音乐中的听觉, 主要有三个层次:一是基本的听辨能力。即对听音、和弦、节奏的训练, 是人耳对音的高低时值、强弱、色彩变化的感受能力。二是深层次的听辨。音乐作品有其特定的语言规律, 包括旋律、调式、调性、和声等, 自身有着极为丰富的色彩变化。三是内心音乐“听觉”, 这是听觉的高层次体验, 它是音乐感受的升华。伟大的作曲家贝多芬耳聋后还能写出那么多不朽的作品, 正是由于他强有力的“内心听觉”。而这种“内心听觉”是从事音乐专业学生应具备的。钢琴专业学生在练琴时就要养成良好的、有目的的听觉习惯。

在听觉的内容及要求上特别要注意以下几个方面:

首先, 应教给学生放松自然的弹奏方法, 建立良好的发音概念, 要让学生用听觉来鉴别弹奏方法和声音状态是否正确;节奏要素是音乐构成中的“骨骼”, 要求学生不仅从听觉上分辨出时值的比例和强弱关系;在和声听觉上, 应引导学生从内心感受和声序进的紧张与松弛的律动、稳定与不稳定、谐和与不谐和的变化过程, 尽可能弹出主体与空间感。

其次, 要协调好纵向与横向的整体听觉能力, 要从音响效果上“纵”、“横”两方面来进一步提高对音乐审美的听觉能力。听觉对音乐声部纵向有多层次要求, 手指必然会运用不同的力度触键, 调整左右手强弱、主次, 在对音响效果的横向听觉过程中, 首先要让学生认识到音乐像语言一样。其陈述要求分句、不同的乐句、不同规律要形成彼此呼应, 因此完整、流畅、有表情的弹奏好每个乐句的音乐内涵至关重要。

二、手指触键的弹奏法

在谈到触键方法时, 18世纪到19世纪上半叶是传统的弹奏方法占主导地位。从J·S巴哈、海顿、莫扎特、克列门蒂、贝多芬, 直到车尔尼等人的一个很长阶段, 其特点是强调手指的独立弹奏, 并以固定的手型与平衡的手腕。J·S巴哈弹奏法将弹奏钢琴和羽管键琴的动作移植到钢琴演奏上来, 这是一种轻向浅的触键方法。随着钢琴制造业的不断发展及客观要求, 演奏者能更充分地发挥其潜在能力, 创造出更美, 更激动人心的音响。因此, 在触键方法上, 也有着更深刻的变化。例如:克列门蒂要求手指强有力的触键;贝多芬则接受和沿袭了克列门蒂的风范。贝多芬的作品因力度和戏剧性需要, 不仅要手指, 还使用手臂以及整个身体, 为钢琴演奏法开拓新途径, 创造出震撼人心的效果。

18世纪是传统与现代的手指触键方法之间的一个过渡阶段。这时期突出代表人物肖邦、李斯特、舒伯特给浪漫主义时期创造了一个新的演奏学派。肖邦认为:让五个指头发力相等是违反自然, 既然每个指头形状各异, 那就不去破坏每个指尖触键特有的功能, 反而应该加以发展。肖邦能做到不必过分耗费精力, 就能弹奏出洪亮的音响, 特别是连音和如歌奏法。列舍蒂茨基 (车尔尼的学生) 在教学中使学生的手指得到严格训练的同时, 让学生使用整个手臂, 放松手指不要敲击, 手指触及琴键时继续和键在一起。而现代弹奏法要求强调手指独立运动, 让它们之间相互渗透、相互包容, 触键点要集中, 要体现出明晰、清脆、灵巧之感。在弹奏运指的同时, 自肩起贯通至臂腕部, 从上至下无阻隔的传递到指尖, 这需要学生上部身躯各个部位能够相互协调并运用自如。尤其是臂腕部应尽量放松, 整体投入、上通下点, 手指站立, 这样所发出的音响通透亮丽, 松弛而有弹性, 富有光泽。在节奏韵律上有脉动感, 有活力, 更有清澈的颗粒性。

三、踏板的正确使用

钢琴大师霍洛维兹曾对他的学生说:“踏板不是用脚踩的, 而是用耳朵踩出来的。耳朵听出来了, 也就会踩踏板了。大师基赛金则认为正确使用踏板极为重要。”“正如要用头脑而不是手指来学习正确的手指技巧。”因此学习正确的踏板法开始于耳朵的支配而不是脚。大师霍夫曼还严肃地告诫:“倾听”我们自己的演奏是所有音乐演奏的基础。当然也是使用踏板技巧的坚固基石。

踏板可分为:切分踏板、全踏板、半踏板、颤音踏板等几种, 踏板使用得恰当与否牵涉到许多因素, 特别是要有敏锐的听觉, 手与脚的协调配合运动尤其重要。在练习时往往有很多学生脚只顾“往下踩”, 却不顾“往上抬”。或者形式地动一下, 没有彻底抬起, 根本没换干净。这样连着踩, 出来的音响效果完全是噪音。在练习踏板时要从三方面注意:对手的弹奏能力, 脚对踏板的控制能力与听觉的审辨能力得以协调平衡地全面发展。在钢琴上, 用正确与不正确使用踏板的反复弹奏, 让学生用耳朵去分辨声音, 不断提高鉴别力, 训练学生灵敏的听觉, 从而加强准确控制踏板的能力。在踏板的运用上不外乎两种情况:一种是踩得“太脏”, 因换不彻底造成声音上浑浊。另一种是踏板换得“太干净”, 进入“换得愈干净愈好”的误区。结果, 丢掉和声连接的进行。

从以上情况看, 教师在帮助学生解决具体问题时应耐心培养学生细微的听辨力及训练脚的灵活性, 使其正确合理地使用踏板, 真正感受到“踏板是钢琴的灵魂”之内涵。

四、攻克技术性难点

在指导学生练琴时, 首先对不同时期、不同作品进行科学分析。找出规律和不同特点, 明确目标, 这样可避免学生练琴的盲目性、片面性。学生练习时因程度不同, 要因人而异地采用相对训练方法。有些学生在遇到技术难点时, 往往出现急于求成心态。练琴时不耐心, 操之过急。虽然学生都有过慢练, 但效果相差甚远。要求:慢练时要保证各项要求不易丢掉;其次, 所谓的因人而异就是要每个学生根据自己的情况和水平及作品难点的程度, 选择自己适当的慢。但要达到自己的目标, 在学习慢练方法时要具有高度的灵活性。多练“功到自然成”。只有量的不断积累, 才能在一定时候产生质的飞跃。在几个小节弹奏难点解决后, 尚不算完结, 必须与前后各小节连接起来。在丰富的和声弹奏织体中, 连奏法将优美的旋律弹奏得层次清晰。

弹奏心灵变奏曲 篇3

小阳, 男, 9岁。他性格暴躁, 容易冲动, 自控能力差, 爱发脾气;有缺点或错误难以承认, 坚决不改, 并千方百计找茬, 把所有的错误和责任都强加在别人身上。而且经常对同学做出严重攻击性行为, 如毁坏他人学习用具、毁坏公物等。后来通过与他谈话得知, 之所以会有那些过激行为, 完全是出于报复同学打小报告、不理解以及污蔑, 借此以宣泄自己不满的情绪!

二、个案分析

1. 个人因素

被试对象性格暴躁, 和同学不能很好相处, 情绪易激动, 克制力差, 爱玩, 受到批评或挫折时不能正确对待, 而往往采取缺乏理智的攻击性行为以解心中之恨。一次, 因作业没做, 老师问其要作业, 说谎没带, 便请来了家长, 他知道事情要戳穿, 当着家长、老师的面大发雷霆, 把铅笔狠狠地甩在地上, 放声大哭, 觉得自己受委屈, 并对自己的错误还理直气壮不肯认错。有一次, 他竟因为同学碰了一下他, 就用脚猛踢对方。

2. 家庭因素

四世同堂, 第四代只有他一个, 曾父母、祖父母对他的溺爱可想而知!再加上父母都在离家较远的企业上班, 经常加夜班, 根本无时间管教孩子。等他们有时间教育孩子时, 方法就一种———严厉地打骂!而4位老人对他的教育也不得法, 过于溺爱。再加上自己贪玩、懒散, 养成爱发脾气、情绪不稳定、攻击性强的性格。祖父母根本管不动他, 无人管教而造成了行为自由散漫, 养成了种种不良习惯。

3. 学校因素

他上课不认真, 捣蛋插嘴, 老师对他很头疼, 批评时可能有些粗暴, 而且批评总有他的份, 缺少耐心地与他沟通, 增加了他心里的不快!另外由于是低年级, 班级同学都比较弱小, 被他欺负时间一长, 就自然而然养成了一种逆来顺受的习惯, 不敢把事情告诉家长或老师, 这样就助长了他在班级里称王称霸的气焰。

三、个案辅导策略

遇到情绪刺激, 不管是喜是哀, 都应有宣泄的机会。如果情绪得不到适当宣泄, 积郁于身, 会导致严重的消极体验和问题行为!因此, 指导孩子合理宣泄情绪, 培养良好的行为习惯, 是促使他们保持心理健康的有效措施之一。

1. 宣泄不良情绪, 培养健康有益的爱好

正确掌握他不良情绪的成因后, 教师要想方设法使他及时排解心中的纳闷和困惑, 并积极引导他通过正常的渠道宣泄不良的情绪。方法一:用写信、写日记等形式, 把烦恼和委屈转移到纸上, 从而避免语言和肢体冲突。方法二:将其恶劣的情绪宣泄到有益的文体科技活动或有益的社会活动上去。

2. 寻找优秀品质, 培养神圣的集体精神

采用“情感投资”“捕捉闪光点”“寻找感觉”等方法与他及其家庭建立良好的师生关系, 让他倾吐自己的心声。宣泄自己的感情, 化对立情绪为融洽气氛。锻炼他学习、交往及良好行为的品质, 提高他的自信心, 找到自己在班级、学校、家庭中的位置及感觉。

3. 家校合作, 搭起美好生活桥

采用“沟通”“融洽”等方法经常与其父母取得联系, 希望为了孩子多回家、多教育、多关心。平时要求注意创设与孩子沟通的情境, 真心听孩子的倾诉, 少用粗俗而又无效的打骂教育方式, 通过换位思维及互相关爱等方式正面启发培养孩子真善美的道德情操。同时让他从与老师和父母及同学对立情绪中解脱出来, 使家长与学校共同担负起教育孩子的责任, 指导家长共同做好转变工作。

4. 宽容与博爱同行, 呼唤纯真的心

(1) 争取任课教师的支持。与任课教师沟通, 利用一切机会发现他的闪光点, 对他不自制的行为以柔和的方式加以制约, 减少了他与老师的冲突。同时, 常用目光、点头、一定的面部表情暗示他, 及时提醒他遵守纪律。一有进步, 立刻表扬, 奖红花, 给他加分, 强化其良好的行为。这样, 既有利于教学过程的顺利进行, 也使他获得了一种宁静、平和、友好的学习氛围。

(2) 引导学生用宽容的心来帮助他。教师要引导学生以一种宽大为怀的心情去包容他的缺点, 以一种沙里淘金的耐心去发现他的优点, 和平相处, 使他逐步入正道, 寻找到良好的感觉。如让全班同学都关心他, 安排最优秀的学生与他同坐, 他喜欢画画, 我把他画的画展示出来给全班同学欣赏, 请他帮班级出黑板报。

5. 加强自我管理意识, 塑造健全人格

制定目标, 让他明确自控行为的主要目标, 严格规范自己的行为。“当行则行, 当止则止”, 提高自我控制能力。制订一个时间规划表, 要求他从现在开始, 从小事做起, 逐步磨砺自己的意志, 让他意识到一味地原谅自己, 迁就自己, 伤害别人, 只会在错误、缺陷、恶性的斜坡上越滑越远, 最终不能自拔。实施批评和表扬有机结合的方式, 规范其行为, 引导其从偏激中走出来, 塑造一个具有正常心理的人格。第一周, 课上允许有10分钟做小动作, 允许有4次插话, 课后杜绝不友好行为;第二周, 上课允许有5分钟做小动作, 允许有两次插话;与人平淡处之;第三周, 上课尽量不做小动作, 尽量不插话, 与人友好相处。

四、辅导效果

通过师生、家长近半年的共同努力, 他现在已经有了很大的变化。不仅学习成绩不断提高, 而且与同学之间的关系也变得较为和睦了。能够积极地参与一些活动, 对老师有了信任感, 平常因报复心理而做出的宣泄行为几乎没有了。

如何提高钢琴弹奏水平 篇4

关键词：钢琴演奏,钢琴弹奏,方法,技巧

钢琴学习是音乐学习的手段之一, 钢琴作为一种键盘音乐, 近年来受到的喜爱程度越来越高, 在音乐学习过程中有十分重要的作用。钢琴也是一门技巧性和应用性很强的艺术, 在学习的过程中, 想要全面地掌握钢琴艺术, 则需要付出很多的努力。在钢琴练习过程中, 基本的技巧是提高钢琴水平的重要过程, 但在此技术上还应该要注重对乐谱的理解, 从音乐的内容出发, 才能更好地理解音乐, 才能弹奏出更加有内涵、有情感的钢琴曲。在学习的过程中, 学生应该要将教师的教学内容内化成为自己的东西, 形成一套独特的学习方法, 从而能够根据自己的实际情况加强对钢琴艺术的练习。

一、加强对乐谱的理解

音乐是一种特殊的艺术, 是能够唤起人们内心的那份感动的艺术, 能够让人产生强烈的共鸣。钢琴作为音乐的重要组成部分, 一直被认作是一种高雅的艺术。钢琴演奏过程中, 乐谱是一个十分重要的内容, 乐谱是进行演奏练习的基础, 在练习的时候, 必须要对乐谱进行研究和了解, 从而才能更好地掌握乐谱的内涵, 使得弹奏过程充满情感。首先应该要进行正确地读谱。在初次接触钢琴的时候, 面对简单的乐谱, 也应该有一种全面的意识, 要从乐谱中读出音乐的音符、节奏以及音乐形象。拿到曲子之后不能马上就弹, 应该要对乐谱进行分析, 对乐曲背后所体现的那种感情有更深的了解, 以便在弹奏的时候更有感情。比如巴赫的非标题性音乐《平均律》这首曲子, 如果单纯地从表面上看基本看不出作曲家想要表现的是什么意思, 但是从巴赫的思想特点和完整统一的形象思维来看, 由于巴赫所处的复杂时代, 因此其创作受到宗教的影响也比较大, 所以他会借助宗教来表达人民的痛苦, 表达对人民的同情以及歌颂。同时, 巴赫作品也反映了人们对光明的向往与追求, 这种非标题音乐也包括了当时社会所不能论的语言, 对当时的人民的生活以及社会现状是一种很好的反映。在练习的时候, 应该要对乐谱有一定的了解, 从而在弹奏时能够更好地把握其中的点。读乐谱的时候, 也可以对乐谱进行一定的标记, 比如乐谱章的休止符、拍号、调号、连奏、断奏等一切与乐曲相关的标记有所了解, 从而做到更加流畅的演奏。

二、重视节奏节拍

钢琴练习过程中, 要求要对乐谱进行阅读, 但应该要有一种整体意识, 要对钢琴乐谱的节奏有一种全面的把握。很多人都对节奏把握不当, 这是钢琴演奏过程中的一个普遍缺陷, 钢琴的节奏是不能改变的, 因此只有自己在练习的时候学会去适应节奏、了解节奏的特点。重视钢琴的节奏, 首先需要对拍子有准确的感知。为了对节奏有一种准确的认识, 可以试着在练习的时候养成数拍子的习惯, 如果数拍子还是不能掌握好节奏, 则可以尝试使用节拍器, 从而防止在弹奏的过程中出现抢拍的问题。其次, 要对钢琴乐谱的节奏进行感知。在数准节拍后, 要做的就是感觉节奏。音乐中的强弱拍、节奏特性、音流中的节奏划分等, 都是在钢琴弹奏过程中应该要把握住的东西, 比如要找到一首曲子的节奏特点, 要对每个小节的强弱拍节奏进行区分和感知, 要体会到节奏的动态特征等, 从而更好地把握住钢琴练习的节奏, 调整自己的弹奏技巧。

三、加强慢速练习

钢琴的慢速练习过程中采用慢速练习方法是一种十分有效地训练方式, 钢琴慢速练习指的是在弹奏完成一首曲子的过程中, 利用慢于曲子正常节拍的速度进行慢速练习的一种方法。慢速练习不仅仅是指速度上的慢, 更是一种情感上的细细品味, 是一种全局的慢, 是为了更好地体会到钢琴艺术的魅力而故意采用的一种方法。钢琴慢速练习, 有助于对曲子进行分析和掌握, 让人的大脑能够有更多的时间去思考。比如在练习的过程中, 通过放慢速度可以让演奏者明确要如何去改变弹奏的策略, 要如何运用指法从而得到更好的弹奏效果。接触一首新的曲子时, 只有进行慢速练习, 才能对曲子中的各种音乐术语进行准确的掌握, 尽量减少出错率。并且在放慢速度进行练习的时候, 可以对手指的弹奏动作、触键感觉、指法、分句、音色等方面进行全面的控制。在放慢速度进行练习的时候, 还应该要对整体的音乐形象进行掌握, 从而对一首钢琴曲进行逻辑串联, 使得钢琴艺术的魅力得到完美的还原。需要注意的是, 这里所说的放慢速度, 只是一种相对的慢, 是在确保乐曲弹奏流畅的基础上放慢速度, 从而使得音乐的表现力更强, 使得钢琴弹奏的张力更强。

四、结语

综上所述, 钢琴是一种提升人的艺术修养的艺术形式, 钢琴弹奏过程中, 为了提高弹奏水平, 应该要多加练习, 加强对乐谱的理解, 加强练习过程中的节奏控制以及慢速练习, 从而不断提高钢琴弹奏水平。

参考文献

[1]阿旺坚才.浅谈如何培养学生的钢琴演奏能力[J].音乐时空, 2013, 06.

[2]华茂.提高技术感悟音乐——浅谈钢琴弹奏技术训练的目的[J].艺术教育, 2014, 15.

弹奏课程 篇5

一、和弦的弹奏方式

和弦的弹奏有两种表现功能:一种是单一的和弦功能, 这种和弦弹奏的重点在于, 当手指触键时, 所有的和弦音能够在同一时间发出整齐的声音;另一种是多声部、多层次的和弦功能, 这种和弦弹奏时需要控制手指的力度, 从而能够使某一个音或某两个音突出, 而其他的音相对弱化, 形成层次丰富的多声部效果。

1、声音整齐的和弦弹奏

从人体结构看, 我们每个人的手指生来参差不齐, 因此, 想要在弹奏中达到整齐的声音效果, 需要掌握扎实、牢固的弹奏技巧。在这种和弦的弹奏过程中, 手指与掌关节的支撑至关重要。触键时, 双手的手掌需要呈握酒杯的形状, 让手指保持适度紧绷。同时, 要让肩部、臂部、肘部等部位尽量放松, 以便可以将力量顺畅的传递到指尖。这样, 弹奏出的和弦才能够声音饱满、有力。

在掌握了正确技巧的同时, 耳朵的听辨也是帮助声音整齐的关键。在弹奏中, 通过敏锐地听辨控制下键的力度与高度, 从而使声音达到统一、平衡, 也是练习和演奏时需要训练和调节的。

2、层次丰富的和弦弹奏

同声音整齐的和弦弹奏一样, 层次丰富的和弦弹奏同样强调良好的支撑。略有不同的是, 由于层次丰富的和弦弹奏常常需要强调和弦音中某些音的旋律性, 因此控制这些旋律性较强的和弦音, 使其形成不同于其他和弦音的音色特点, 并使和弦的整体弹奏层次分明, 成为了钢琴学习和演奏中的一个难题。

为了使这种类型的和弦更加层次分明, 在弹奏的过程中要做到手部力量与重心的转移, 将力量和重心放到需要突出旋律的手指上, 而其他手指的力度要有所控制。

二、和弦弹奏在钢琴作品中的运用

单一功能的和弦多表现热情、华丽、浪漫、深沉的情感色彩。如格里格的《钢琴协奏曲》气势宏伟、辉煌;肖邦的《降b小调第二钢琴奏鸣曲》悲壮、沉重;钢琴协奏曲《黄河》热情、澎湃, 这些音乐作品均运用了单一功能的和弦弹奏大大丰富了音乐的表现力, 推动着音乐的进一步发展。

多层次、多声部的和弦功能几乎在巴赫的所有复调作品中有所体现, 只有掌握了多层次和弦的弹奏方法, 我们才能够真正理解巴赫复调作品的美妙。

二、和弦弹奏在钢琴学习中的意义

1、和弦弹奏有助于演奏技巧的提高

虽然本文并没有过多的涉及掌握和弦弹奏技巧与钢琴综合演奏技巧之间的关系, 但毋庸置疑, 和弦弹奏技巧的练习和掌握对于提高钢琴的整体演奏技巧与演奏水平有着显著提高。

放松是钢琴学习的第一步, 很多学习钢琴的人都知道, “放松”的概念是相对而言的, 和弦弹奏对于准确理解“放松”这一概念有着重要作用。在和弦弹奏中, 肩、臂、肘的放松是力量得以传递到指尖的前提条件。但是, 当和弦发出强音时, 弹奏过程中更需要的是产生于身体、形成于手臂的爆发力, 这种爆发力将会使得小臂、手腕、手掌及手指呈现出一定程度的紧张状态。其实, 这里所说的“紧张”是指牢固的支撑, 如果这一支撑松懈, 和弦的弹奏将会软弱无力。因此, 在和弦弹奏中的“松”与“紧”是协调统一、相辅相成的, 如果在弹奏和弦的过程中, 正确理解和体会到了这一状态, 将会对钢琴的学习有巨大的促进与提高。

2、和弦弹奏有助于音乐表现力的增强

和弦弹奏运用在不同的音乐作品中表现着不同的音乐形象。就像前面提到过的, 格里格《钢琴协奏曲》中所使用的和弦表现出了宏伟、辉煌的气势;肖邦《降b小调第二钢琴奏鸣曲》的第三乐章“葬礼进行曲”, 使用的和弦表现了悲壮、沉重的情绪。除此以外, 贝多芬《“热情”奏鸣曲》中使用的和弦深沉、浑厚, 将乐曲的主题思想表现的淋漓尽致;同样是贝多芬的另一部作品《“黎明”奏鸣曲》, 阴沉、冷峻的和弦构成, 呈现出了与“热情”完全不同的情绪与风貌。

还有, 如施特劳斯《蓝色多瑙河》中的和弦欢快、活泼;丁善德《儿童组曲—扑蝴蝶》中的和弦灵巧、机敏;舒伯特《降A大调即兴曲》中的和弦持续、密集。

和弦弹奏虽然不是钢琴音乐作品唯一的表达方式, 但却是不容忽视的重要手段。和弦弹奏的准确可以增强音乐的表现力, 丰富音乐的情感表达, 将音乐作品更加生动地得以呈现。

3、和弦弹奏有助于复调音乐的解读

复调作品是指两个以上相对独立的声部线条有机结合的音乐作品。复调音乐不同于主调音乐, 它具有多层面、多线条的特点, 在复调作品中, 和弦不再是音与音纵向的聚合, 而是隐藏起来的各个声部的旋律构成。要想完成好一首复调作品, 在弹奏一个和弦时, 要把和弦中的每一个音符当做独立的音来看待, 把连接在一起的一串和弦中的每个音横向看待, 想象成独立的声部。在弹奏不同的声部时, 需要通过手指来控制弹奏的力度, 当和弦中的某一个音或两个音的横向连接构成了主题声部时, 它的弹奏就应该有所突出。其他的声部则用让位于主题声部, 但同时也要保持良好的旋律性, 从而使每一个声部清楚、完整, 层次分明, 使音乐作品得到很好的诠释。

综上所述, 和弦弹奏技巧在钢琴演奏技巧中的独特性与多样性奠定了其重要的地位, 它不仅能够提高钢琴综合演奏技巧, 同时能够大大丰富音乐的表现力。尤其是对于复调音乐的理解与诠释, 层次丰富的和弦弹奏提供了很好的方法, 通过控制与聆听, 接近复调音乐的的弹奏要求。当然, 在实现目标的道路上, 离开了艰苦的练习与不懈的努力, 一切都将很难完成。■

参考文献

[1]但昭义.钢琴教学与辅导[M].北京:华东出版社, 1999.

[2]赵晓生.钢琴演奏之道[M].北京:世界图书出版社, 1999.

浅析钢琴弹奏耐力的因素 篇6

据科学家研究, 人在长时间从事一种运动的时候, 他发挥的技术水平是受生理周期的波动而上下起伏的, 钢琴弹奏也不例外, 也受这一周期规律的影响。但是, 一位好的钢琴弹奏者却可以通过自己生理上和心理上的调节和韧性来克服这一问题。换句话说, 也就是良好弹奏力的表现。可想而知弹奏持久力对钢琴弹奏是多么的重要。那么, 影响弹奏持久力的因素到底有哪些呢?他们在实际弹奏中又起着什么样的作用呢?下面我们将进行详细的介绍和分析。

首先从生理机能的肌肉纤维类型来看, 人体肌肉中的肌纤维可分为白肌纤维和红肌纤维。白肌纤维的特点是持久性差;红肌纤维的特点是持久性好。这样, 如果红肌纤维在人体中占优势者就有良好的先天持久力素质。所以每个人的生理条件不同, 拥有弹奏持久力的能力也不尽相同。

接下来我们还要来了解一下在运动生理学的角度, 肌肉是怎样运动的。我并不打算介绍用来做某个动作的某些肌肉的名称, 什么叫伸肌, 浅屈肌, 掌骨等等, 因为不一定任何一个钢琴家拥有高超的弹奏技术都了解了所有弹奏动作所关系到的每一块肌肉的名称以及转动方向等。一个关节的肌肉可以是三种情况下的任何一种:绝对强直, 绝对放松, 平衡。

(1) 绝对强直意味着所有的肌肉都是紧张的, 就好像握紧拳头似的; (2) 绝对放松意味着没有肌肉处于任何形式的紧张状态, 就好像睡眠状态中手的状态; (3) 平衡意味着一块肌肉紧张, 另一块肌肉放松, 就好像把手臂举起并保持一定的高度。当你坐在钢琴前的座位上, 你的双臂垂放在你的身体两边, 整个胳臂的肌肉都是放松的, 但当你在开始弹奏之前, 就得先活动六处关节:肩, 肘, 腕, 指掌关节和两节指头关节。只有一块肌肉是使肘关节保持你所需要的角度, 只有一块肌肉去抬起手腕以起支撑的作用, 只有一对指关节使手指保持在琴键上。但在手指头靠顶尖的两个指关节处, 肌肉必须是坚定的, 紧张的, 以防手指下到琴键时滑下去。我们每说一句话, 每做一个动作, 都需要有很多相应的肌肉群块共同的。但是当我们在弹奏中去故意移动一个关节时, 我们就急剧地增强肌肉的收缩, 弯曲它。而从生理的角度上来说, 肌肉是只具备收缩即“拉”的功能而不具备扩张即“推”的功能。那么, 与“拉”相反的动作就要靠肌肉的收缩来完成, 而每次肌肉收缩, 都需要尽快还原, 以等待再次拉紧工作。这个时候如果肌肉没有及时的“还原”, 毛细血管就会被阻塞, 血液就不能正常流通, 无法给肌肉输送氧气, 肌肉中的能量得不到及时补充。在这种情况下弹奏就会出现疲劳, 僵硬的状态。影响弹奏持久力的另一方面就是心理因素, 在分析这一因素之前我们应该了解这样一种心理现象:钢琴弹奏不仅是一门时间的艺术, 也是一次性的艺术, 不允许再重来一次。它要求弹奏者在弹奏的过程中将曲子中的所有元素都尽可能完美的表达出来。而要将这所有的因素表现在实际的弹奏中是需要一定程度的心理上的紧张。但许多人在弹奏中都会产生一种有害的精神紧张, 诸如:面对听众就心跳加速, 手脚僵硬等等。这种心理紧张直接影响到肌肉紧张。如果肌肉紧张, 毛细血管就会被阻塞, 血液就不能正常流通, 无法给肌肉输送氧气, 肌肉中的能量得不到及时的补充。在这种情况下弹奏, 自然会出现疲劳, 僵硬的状态, 使弹奏无法进行下去。产生这一现象的原因主要有以下两点:

1、心理素质差。有些人由于天生的情绪和心理稳定性差, 弹奏中对环境的适应能力很差, 特别是在公众场合弹奏时, 面对外界的各种刺激, 心理过于紧张, 导致手脚慌乱, 头脑混乱。这种过度紧张会导致大脑处于过于兴奋的状态, 大脑皮层的抑制能力和对神经系统以及皮下中枢的调节技能减弱, 造成身体紧张使手臂, 肩部, 手指的肌肉过度紧张僵硬, 动作失去协调性。有些人由于指触过于敏感, 对不同琴的触感适应也十分的慢, 也容易导致在弹奏中不能正常的发挥技术水平。

2、对技术没有把握造成的紧张。这一问题中又有两种不同的情况。一种是曲子的难度太大, 超越弹奏者所能驾驭的能力范围, 使得弹奏者背负较重的心理负担, 引起心理上的紧张, 随之产生生理上的紧张。另一种是平时对曲子的练习不够, 对技术难点还没有完全克服, 对音乐风格还不能完全把握和诠释等等。精神上就开始紧张, 手指发抖, 全身肌肉运动失调, 从而影响弹奏持久力。

弹奏学生英语学习“五部曲” 篇7

一、用好小耳朵

耳朵是用来听的, 但其实它也是左脑的外部延伸, 用来分析辨别并记忆事物。人生来不会说话, 但会听, 在听多听熟后才会有想说的欲望。教师要注意使用有效的声音刺激学生学习, 教会学生学会听, 包括听音、听调。在进行英语教学中要求学生听清英语的发音, 所以磁带或是教师的发音一定要非常清晰;其次, 要求学生学会分辨噪音, 如对话的背景、环境等;最后, 通过排除杂音, 留下自己需要的语言内容。在听的过程中要学会倾听, 捕捉有用信息, 解放耳朵, 能听多少听多少。听的材料包括课本的对话、英语歌谣、顺口溜等。

二、用好小眼睛

眼睛作为吸引住学生注意力的通道是万万不可忽略的, 特别是对小学生。让学生从视觉输入信息, 引起大脑兴奋, 促进与听觉中枢的配合, 在语言中枢上得到信息的反馈。首先教材必须新颖活泼, 其次教具中图片的色彩及画面必须符合学生的生理和心理特点, 如同样是教授“眼晴”一词, 都采用图片教具, 一张是形象逼真的眼睛图, 另一张是卡通图, 而且将单词eye画入其中, ee代表眼睛, 再长上睫毛, y代表鼻子。学生更倾向于后者, 卡通图对单词记忆更生动;而动态的画面又会比静态的画面更能吸引人。最重要的是要在教学中为学生开拓更广阔的认知视野。教师在教学中可以充分发挥自己的创造力和想象力, 把词汇变着花样呈现给学生。另外, 利用简笔画教学, 在英语教学中也是非常不错的教学方法, 哪怕画得有些夸张, 也会深受学生的喜爱。

三、用好小嘴巴

嘴巴, 毋庸质疑是英语学习过程中最重要的感官之一。长期以来, 英语教学都是围绕考试为中心, 导致学生学的都是哑巴英语———开不了口。因此, 要怎样刺激学生的嘴巴, 让其想说、能说、会说, 这是新课标更加注重的, 也是英语教学一直关注的问题。要让学生一想到一听到, 就产生想说的愿望。教学中教师应尽量使所听、所说的内容具有趣味性, 且朗朗上口。教师可以采用节奏说、律动说、韵律说等。如在教授head, face, nose;ear, eye, mouth;leg, knee, foot;neck, arm, hand这些人体部位时, 就可以将其串成韵律诗让学生读, 这样的形式很受学生欢迎。

四、用好手和脚

手脚的运用也是多感观刺激教学中不可或缺的。手脚的运用可以使学生通过触觉, 对语言的实体进行感知;可以让学生把对语言的反应用动作来理解;还可以运用在教学气氛的调节中, 让学生的大脑摆脱妨碍它发挥功能的一切障碍, 成为准备接收知识的“海绵”。如在学cat, duck, panda等动物名词时, 教师通过指令Act like a cat/ duck / panda. 等让学生模仿动物言行, 边说边做, 既能活跃气氛, 增加兴趣, 还能使学生对句子的掌握易如反掌。

五、用好小脑筋