音乐是情感的艺术

音乐是情感的艺术（共8篇）

音乐是情感的艺术 篇1

一、我国音乐教育现状概述

现状之下, 我国音乐教育呈现出了许多问题。例如, 随着教育业的改革, 非审美体验占据了音乐体验的主导地位, 这样使得审美体验往往被大众所忽视;音乐课堂教育过于单一化, 只是将简单的教学目标植入课堂当中, 往往忽略了情感艺术的激发与培养, 使教学达不到优良的目的;只注重音乐的外在价值, 往往忽略了音乐本身的价值, 对于音乐教育的发展趋势, 没有透彻的研究等。最为严重的是, 教师在实施音乐教育过程中, 往往对音乐教育不够重视, 从而使得音乐教育陷入僵局。我们都知道, 音乐注重情感艺术, 也注重灵魂共鸣, 透过音乐本身, 能让人体会到音乐内在的美感以及情感艺术, 进而产生灵魂共鸣, 以此作为听众感情的“寄托所”。由此可见, 具有合理性与科学性的音乐教育是以情感为基础的, 并且具有情感性的教育。因此, 结合我国音乐教育的现状, 对音乐教育的情感艺术进行探究便显得极其重要。

二、音乐教育的情感艺术探究

(一) 正确认识音乐情感, 是情感艺术的基本体现

音乐情感是以形式为基础, 进而表现出来的。也就是说音乐情感是通过形式而表现出来的。而音乐情感的形式表现往往需要掌握充分的音乐知识, 更为重要的是需要对音乐情感有一定程度上的认知。但是在现今的音乐教学中, 师生往往对音乐教育的认识存在一定程度的偏差, 将音乐教育中的技术训练看的尤为重要, 进而使得情感艺术没有办法很好地传达出来。在音乐创作过程中, 音乐作品往往结合了作者的情绪、思想以及感情, 例如, 贝多芬的《悲呛奏鸣曲》, 透过该作品的内容便可显性看出贝多芬在早年就已经有了及其顽强的精神, 面对残酷的生活和社会压力, 他并没有就此妥协。到了青年时期, 贝多芬就能够正视现实, 并与现实作斗争, 进而追求属于自己的自由与幸福。由此可见, 音乐的情感往往蕴含于音乐当中, 进而以形式表现为途径, 将情感艺术充分有效地传达出来。因此, 教师在实施音乐教育过程中, 使学生正确地认识音乐情感, 进一步才能体会到其中的情感艺术。

(二) 音乐教育的情感艺术讲究自然流露

在欣赏音乐的过程中, 听者往往将自己的情感融入到音乐所表达出来的情感当中, 两者结合, 进而获取对音乐情感的认知。例如, 某些音乐作品中喜、怒、哀、乐等一系列情感, 便会和听者自身的情感产生共鸣, 从而让听者自身的情感自然流露出来。由此可见, 音乐教育的情感艺术是讲究自然流露的。然而, 在音乐教育中怎样将学生的情感自然流露出来却是一大挑战。在音乐教学过程中, 往往过分依赖现代化教学器材, 从而使得音乐教育呈现出“机械性”与“表演性”, 在很大程度上失去了音乐教育的本质。因此, 合理的教学方案是非常有必要的, 教师应该作为引导者, 通过沟通交流, 让学生更具欣赏音乐内在美的能力, 进而提升对音乐学生的积极性, 在合理的教学模式下, 使得学生的情感艺术自然流露出来, 以此使得音乐教育的情感艺术更具表现力。

(三) 音乐教育的情感艺术讲究感性体验

在感性体验与理性体验两者之间, 音乐教育的情感艺术更讲究感性体验。音乐作品是具有时代性的, 它所传达出来的情感艺术也不是一层不变的, 有些音乐作品往往经过时间的洗礼, 其生命力更加旺盛, 情感艺术也更加浓郁。例如, 洗星海的《黄河大合唱》, 内容表现形式雄浑而高昂, 所传达出来的情感具有极为丰富的时代感。在时间的洗礼下, 其中的情感艺术更加浓郁, 结合当时的社会背景, 更能激发出听者的情感。在这一过程中, 听者的情感并不是因为音乐作品的标题或者文字而引起感情共鸣的, 而是透过一种感性体验, 让音乐作品的感情艺术有效地表现出来。又如, 《江河水》, 我们在听到音乐时, 那种悲凉、苦闷的感情便自然地从我们心里流露出来, 这无疑是一种感性的体验。鉴于此, 在音乐教育中, 想要使学生的情感艺术有效表现出来, 便需要培养学生的感性体验。

(四) 透过情感体验更能传达出音乐教育的情感艺术

音乐的情感体验往往是多样化的, 而合理地看待音乐情感体验的多样化, 更能体现出音乐教育的情感性。普遍存在教师对于学生音乐情感体验中的多样性问题表示困惑。让学生自己体会, 则效果不佳, 往往体验与音乐作品的原意相违背。教师作为引导, 配合学生一起体验, 学生对于情感体验的积极性又不高。种种现象便不能够让音乐教育的情感艺术有效地传达出来。有就是说透过情感体验能够传达出音乐教育的情感艺术, 但是该如何培养学生的情感体验成为了当今教学中的一大难题。因此, 在音乐教育过程中, 教师就应该充分认识到不同的学生, 对于情感体验的能力也是有所不同的, 进而设计出具有合理性与科学性的音乐教育方案, 让学生的情感体验能力得到提高, 进而让音乐教育中的情感艺术自然地流露出来, 以此达到良性教学的目的。综上所述, 音乐教育的情感艺术需要通过情感体验传达出来, 但是在物欲横流的社会中, 如何将听者的情感体验充分激发出来, 是现今之下音乐教育的一大难题, 也是情感艺术中的重中之中。

三、结语

通过本课题的分析与探究, 充分认识到在现状之下, 我国音乐教育存在的一些问题, 例如, 音乐教育的非审美功能取代了审美功能、音乐教学目标单一化以及音乐教育过于重视外在价值, 而往往忽略了音乐教育本身的价值等。进而对音乐教育的情感艺术进行了探究, 认识到正确认识音乐情感, 是情感艺术的基本体现、音乐教育的情感艺术讲究自然流露、音乐教育的情感艺术讲究感性体验以及透过情感体验更能传达出音乐教育的情感艺术。鉴于此, 在音乐教育过程中, 充分注重激发并培养学生的情感艺术, 能够让音乐教育更具时效性与科学性。以此推动音乐教育的良性发展, 让我国的教育事业能够拥有更加广阔的发展前景。

注释

1[1]雷馥鲜.浅析音乐教育与素质教育的关系和内涵[J].音乐时空, 2013 (31) :12-15.

2[2]杨永兰.浅析音乐教育的德育渗透[J].艺术科技, 2013 (15) :45-48.

3[3]蒋巧.音乐教育的情感环境探微[J].北方音乐, 2013 (15) :67-69.

音乐是情感的艺术 篇2

关键词：钢琴；音乐艺术；审美情感；表达

一部优秀的钢琴作品，在蕴含作者对于音乐艺术追求的同时，也展现出了独特的音乐风格，是艺术形式与内容相互融合之后的产物，可以为听众带来审美体验，对于钢琴演奏者而言，想要向听众更好地传达钢琴音乐艺术中所蕴含的情感，就必须在其中融入自身的情感，以心理上的共鸣唤起丰富的情感体验。

1 钢琴音乐艺术审美情感表达的特点

在钢琴作品中，对于情感的表达是非常重要是，同时体现出了主观性和丰富性的特点。从主观性分析，主要是指采用音乐手法，表达人的主观世界以及内心感受，在这里，音乐是一种表现的方式，通过主体性的内容及表现形式，结合钢琴这种极具表现力的乐器，可以表达出人的主观感受，表达现实生活中的各种场景，这种表达所反映出来的，是一种纯主观的，同时带有一定社会典型性的个人情感，这也是不同作曲家的作品在音乐风格上迥异的主要原因。例如，肖邦的作品在歌唱性的旋律中，蕴含着丰富的情感；李斯特的作品不仅技巧华丽，而且饱含激情；舒曼的作品比较简短，但是个性十足，充斥着浪漫的诗意。[1]正是这些风格不同、情感迥异的音乐作品，构成了多彩而又富有层次的钢琴音乐艺术。从丰富性分析，钢琴音乐作品表达出的作曲家的情感是多种多样的，纵观钢琴艺术的殿堂，在作品中表达的情感主要有两类，一是民族情感，体现出了对于自身民族发展历史、斗争精神以及价值观念的肯定，以及对祖国的眷恋。例如，李斯特立足匈牙利的民歌，在融合吉卜赛音乐后，创作出了注明的匈牙利狂想曲；肖邦在波兰文学的叙事诗中汲取灵感，借鉴波兰民间音乐形式，创出了《叙事曲》，都充分体现出了民族特征；二是自然情感，表达出对大自然的热爱和欣赏，例如，在门德尔松的《威尼斯船歌》中，采用三段体形式，结合三连音伴奏音型，形成了一种婉约、悠扬、柔美而又带有淡淡伤感清欢的旋律，恰到好处地表现出了泛舟威尼斯的感觉，在表达作者内心情感的同时，也为听众展示出了一幅优美的画卷。

2 钢琴音乐艺术审美情感表达的形式

在钢琴音乐艺术中，对于审美情感的表达，并不单纯的局限于音乐作品，其形式是多种多样的：

2.1 旋律

钢琴音乐的旋律创作不同于古典音乐，更多地强调对比以及旋律的自由舒展，赋予作品以抒情性和歌唱性，以浪漫主义取代了英雄主义。以钢琴体裁中富有浪漫情调的夜曲为例，其可以说是浪漫主义时期器乐作品的一种代表，多用以表达对静夜的沉思，并以此来抒发情感。[2]例如。肖邦的夜曲，虽然在风格上受到了菲尔德的影响，同样的感情细腻，同样的富有诗意，但是在创作手法上无疑更加丰富，通过“加花变奏”的方式，在重复主旋律的过程中，加入了相对短小的音型和颤音、琶音以及花腔等，使得作品整体更加生动，更加富于变化，在增加旋律流动感的同时，提升了对于情感的表达力度。

2.2 和声

在音乐情感的表达中，和声是至关重要的。在不断的发展过程中，古典音乐的和声语言逐渐被时代所淘汰，无法充分满足浪漫主义音乐在情感表达方面的需求，对此，作曲家们开始了积极的探索，以更加大胆新颖的和声，通过个性化的方式，来实现对于主旋律的支持，比如采用一些非功能性的和声进行，或者各种变音、不协和和弦的使用等，取得了相当辉煌的成果。例如，在舒曼的钢琴作品《孩子的请求》中，结尾部分并没有墨守陈规的在主和弦上终止，而是结束在D大调属七和弦上，这种突然的终止带来人一种意犹未尽的感觉，似乎音乐并没有就此结束，情感的抒发也在持续进行。由此可见，在钢琴音乐作品中，和声不再仅仅作为音乐的一个组成部分，而是成为了一种有效的表现工具，对大小调体系的调性轮廓进行了模糊，使得情感的表达更加深入。[3]

2.3 小品

从体裁方面分析，音乐可以根据情感表达的需要，来自由选择形式，其中最为突出的表现就是钢琴小品，其作为浪漫主义作曲家抒发情感、表达情绪体验的有效形式，受到了大多数作曲家的青睐，可以凭借瞬间的感悟，进行作品的创作。例如，肖邦在自身的许多作品中，通过对踏板的合理运用，有效丰富了钢琴的音响色彩，尤其是对右踏板的极致使用，使通过广阔的空间，使得原本短促的乐音出现了新的变化，对和声进行了相互连接，钢琴的音色变得更加丰润开阔，在审美情感的表达方面更具优势。这种看似简单的改变，并不仅仅是形式上的变革，更体现出了音乐观念的转变，而实际上，这种转变在古典主义时期简直不可理喻，但是立足浪漫主义背景，从情感表达的需要考虑，却又成为了一种必然。

3 钢琴音乐艺术审美情感的诗意化表达

自古以来，音乐与诗歌似乎都有着不解之缘，两种看似截然不同的艺术形式，却往往能够实现相互之间的连接和转变，钢琴音乐艺术在审美情感的表达中，同样体现出了诗意化的特征。[4]

3.1 标题音乐的发展

从本质上分析，标题音乐是音乐与其他元素的一种结合，是一种大胆的尝试，通过标题的方式，赋予音乐一种诗意化的启示。例如，在舒曼的《童年情景》中，存在着一系列的标题，如《捉迷藏》、《竹马游戏》、《入睡》等，将听众带入到了童年的回忆中，勾勒出了一个美妙而且趣味无穷的场景。标题音乐是作曲家以文学的形式来描述钢琴音乐，并且在诗歌中汲取意象塑造出来的，表现出了其对于生命、爱情、梦境等的感悟。

3.2 诗歌的改编创作

实际上，有大量的钢琴音乐作品都是直接根据诗歌进行创作的，如李斯特的钢琴夜曲《爱之梦》，就是根据其自身创作的三首歌曲改编而成，尤其是其中最为著名的《爱吧！》，取材自德国著名诗人弗莱里格赖特的诗作，整首乐曲从一个轻柔缓慢的旋律开始，主题旋律温暖深沉，通过简约质朴的分解和弦，模仿竖琴的表现效果，借以表达含蓄、多情、深沉的心态。

3.3 诗歌意境的营造

许多优秀的作曲家不仅可以对诗歌进行改编创作，更能够直接从诗中获得灵感，进而在作品中利用钢琴来营造出诗歌的意境，表达自身对于诗意的理解。以其中的代表人物舒曼为例，其在《童年情趣》的第七首《奇幻的梦境》中，采用了单三部曲式的结构，以反复变化而又婉转动听的旋律主题，表现出了梦幻般的色彩，通过细腻的明暗对比，营造出一种诗的意境。

4 结语

音乐与人的心理活动以及情感活动存在一致性，能够实现感情的同步，其本身就是一种人的主观表象，可以凭借优美的旋律，表达出作曲家、演奏者的内心情感，引发听众的心灵共鸣。钢琴音乐能够将简单的音符和记号转变为美妙的乐音，表达内心的情感变化，唤起各自的人生体验。

参考文献：

[1]袁科.论钢琴音乐艺术的审美情感表达[J].时代文学（下），2009（3）：197-198.

[2]刘琉.钢琴音乐艺术的审美情感表达和魅力[J].教育艺术，2010（2）：23-24.

[3]刘琳.论钢琴音乐艺术的审美情感表达[J].成功，2013（20）：275.

[4]吴旭东，马宁宁.钢琴艺术审美因素与情感关系研究[J].音乐时空，2015（24）：110.

论音乐表演艺术的情感与境界 篇3

关键词：音乐,表演艺术

音乐是感情的艺术, 抒发感情是音乐艺术最基本的表现功能。音乐通过其超强的情感传达, 在带给人们精神慰籍的同时, 也塑造了丰富多样的人性情感。因此, 音乐表演中的情感表现极为重要, 以情感人是音乐表演的基本要求。这就需要表演者在深刻理解音乐作品的基础上, 将自己的真情实感融入其中, 通过想象与联想, 传达给观众最真切的情感, 从而使表演获得成功, 展现出音乐作品。

一、什么是音乐表演艺术

表演艺术是通过人的演唱、演奏或人体动作、表情来塑造形象、传达情绪、情感从而表现生活的艺术。

音乐是以声音为物质媒介, 以时间为存在方式并且诉诸听觉的艺术。音乐不像绘画、雕塑等造型艺术那样, 能够直接提供空间性并且在时间中凝固不变, 它在时间中展开并完成, 具有时间上的连续性和流动性。同时, 声音对应于主体的听觉器官, 人们对音乐的把握主要是靠听觉来完成的。所以, 音乐又称听觉艺术。音乐以声音为物质媒介, 声音的非造型、非语义的性质, 决定了音乐是一种抽象的非描写的艺术。音乐不能够描绘、造型、叙事和写景, 不能够提供空间的视觉形象, 也不能说明思想与概念, 生活中大量的视觉形象也难以用声音再现。但是, 音乐却擅长表现人的情感、情绪的状态及运动过程。因此音乐主情而不主形, 是情感的艺术。

受表现媒介的制约, 音乐表现的情感往往是微妙、复杂而宽泛的, 甚至只是某种抽象的情绪本身。音乐形象是欣赏者心灵建构的高度自由的表象, 带有极大的抽象性、不确定性。构成音乐组织的声音, 不是自然界中杂乱无章的噪音, 而是经过选择提炼、加工概括的有组织的乐音, 是人类的直接创造物。包括节奏、旋律、和声、调式、调性、复调、曲式等, 统称为“音乐语言”。音乐家就是利用它们, 创造无限丰富而又有感染力的情景氛围, 传达某种情感的。

二、音乐表演中的情感与理性

现实生活中, 人们都习惯于把音乐与感情画符号, 这当然没有错, 音乐表演是需要极大的情感投入的, 演奏家对于作品产生感情共鸣也是绝对必要的, 演奏家们探求音乐表演中的“投情”已有几百年的时间了, 直到今天, 音乐表演中投入热烈的感情仍是必需的, 但在音乐演奏过程中, 表演者始终不能失去“自我”, 需要保有自己作为一个旁观者和评论者的地位, 这是作为一个表演者必需要明白的道理。如果一个演唱者, 他在演唱时太过投入于作品内容, 从而造成声音的失控, 气息不足, 当然观众是可以理解的, 虽然感情成分是够了, 但是作品却缺乏了完整性。一位小提琴演奏者, 在表演某部作品时, 其中包含着人生的酸甜苦辣, 但凡演奏过这部作品的演奏家, 他们对此都下了很大的功夫了解作品内容, 也投入了很多感情, 但是没有一个像看过这部作品的观众们热泪盈眶, 他们都有理性的一面在控制着, 如果他们也失声痛哭, 那么, 他们的运弓会失控, 音色会受到影响, 情绪再不能得到控制, 演出将怎么继续下去, 观众们还欣赏什么。

同样, 演奏者如果太注重理性, 观众看到就是一具没有血肉的躯壳, 机械化的, 还不如作品的原谱, 人们看到乐谱的时候, 还能顺着强弱记号和各种表情术语来想象, 而理性化的演奏却什么也感觉不到。可见音乐表演的感性与理性是相辅相成, 缺一不可的。

三、深刻理解音乐作品的内涵是情感传达的基石

音乐表演的基本要素是指构成音乐的各种元素, 包括音的高低、音的长短、音的强弱和音色。由这些基本要素相互结合, 形成音乐的常用的“形式要素”, 就是音乐的表现手段。其中最基本要素是节奏和旋律。

所谓内涵是指内在的含义, 即思想感情。理解音乐作品的内涵是音乐表演的基础。在音乐表演中, 演员一定要有客观的认识和基本的忠实。只有对作品深入细致地分析, 才可能真正进入表演的创作过程, 从而创造出感人的艺术形象。对音乐作品理解肤浅不能投之以深情, 或者进行歪曲原作的情感表现, 是绝对不允许的。因此, 我们不仅要把握乐曲情感的基调, 同时也要细致地体会乐曲情感的发展逻辑和色彩变化, 将情感的表现真正建立在充分理解作品情感内涵的基础之上。在理解音乐作品的基础上, 再运用精湛的技艺、巧妙的方法, 真切、生动地把音乐的情感传达给听众。

情感性是一切艺术给人以美感的重要特征之一。有情与无情, 情浓于情寡, 常常决定着一部艺术作品的兴衰成败。舞蹈作为以抒情性为内在本质属性的艺术品中, 这个特点尤为鲜明。它的体现形式主要是情绪感染的直接性和情绪感染的强烈性。

四、不同音乐表演形式中的情感传达

通过不断地学习和音乐表演实践, 笔者明白了不只是为了展现和打动自己, 更重要的是把音乐中的情感表达出来, 能够把这种情感传递给观众或听众, 从而给他们带来一种审美体验。但是不同的音乐形式由于情感的表现方式不同, 所呈现的特点和听众的接受程度也是不同的。其实, 任何一种形式的音乐表演和作曲一样, 都是创造性地行为。因为只有通过它, 才能使作品感性地呈现, 才能使同一作品呈现为形态各异的美。音乐如同其他艺术形态一样, 通过音符、节奏、织体等表现手段, 表达人的感情和对社会、生活的感受。音乐以其乐音的运动这种特殊的表达方式, 表现作曲家蕴含在作品中的感情。如果从乐曲中抽掉感情内容, 乐曲就会沦为毫无意义的零碎的音响。而在音乐表演中, 演奏者不仅仅需要把谱面上应有的东西表达出来, 还应该根据自己对乐曲的理解 (这种理解包括作曲家的个性、创作时的心理、演奏者的生活阅历等) 进行创造性的表演。表演者在表演音乐表演就不仅仅是一种再现的艺术, 更重要的应该是将音乐赋予创造性, 以丰富音乐的内涵, 并赋予音乐新的生命, 这样才能保持艺术的不断发展。不同的人具有不同的创造力, 不同的人也具有不同的理解力, 即使是同一个人在不同的时期也会有不同的音乐体验。因此, 音乐就随着不同表演者不同的创造性而具有不同的姿态, 而这些也恰恰构成了音乐的多样性, 也体现出了演奏者的综合素质和能力。所以, 创造性在音乐中不是偶然的, 而是必然的。过程中, 应该完全进入该作品的情绪、内容, 才能比较充分地表达出作曲家的本意。

五、音乐表演的三层境界

音乐表演艺术拥有三层境界, 首先是直觉。直觉对艺术家来说非常重要, 是否拥有直觉是能否进行创作的先决条件。对直觉, 我们一般的解释是:人类感知世界的能力和方式。由此看来直觉是人人都有的。而在艺术家那里, 这种直觉方式则发展为一种对艺术语言的直觉, 也可以说是艺术的直觉。

1. 境界之一——直觉

艺术直觉包涵着深刻的内在心理因素, 直觉是一种最基本的理性活动, 是对客观世界的感悟和深刻的心理体验过程。直觉绝非单纯的感知, 而是与情感的想象、感知交融在一起的多种心理功能的综合体。

所以, 在音乐表演艺术中, 音乐家的艺术直觉, 在其对客观世界的感悟中、在对艺术形式的把握中起着巨大的作用。它使音乐家不断发现、不断启发自己的艺术思维, 不断地提高音乐的艺术创造能力。直觉是艺术家进行艺术创作的生命线, 任何一个伟大的音乐家无不凭借着他的独特而又非同寻常的艺术直觉而驰骋于音乐的神圣舞台。我们可以看到, 音乐大师门德尔松, 用激情和灵感催生出了不朽的传世名作《森林交响曲》, 那阵阵林涛, 那隐伏于林海万山丛中的无穷故事, 被大师用音乐诠释得精妙绝伦。

“音乐神童”莫扎特4岁会作曲, 6岁开演奏会, 天赋的音乐艺术直觉造就了他如此之多的伟大作品。在莫扎特《费加罗的婚礼》中的一个曲子《求爱神给我安慰》中, 看似简单的一个乐曲, 并没有大喜大悲的华丽却表现了人性的本质, 而且主要通过悟性和直觉来实现, 并无依据任何心理分析。所以我们在感受莫扎特的声乐作品时, 要是真正领悟到了, 就能感受到蕴藏在心底的一种力量, 那是内心情感的自然流露。他对乐曲的形式感和对称感似乎是与生俱有的, 而且他将此天赋与他那半来自学习、半来自直觉的万无一失的技艺紧密结合在一起。他在歌剧中不仅表现出迄今仍无人可及的戏剧感, 而且还透过与当时几位最伟大声乐家的接触而扩展了歌唱艺术的天地。由于具有极强的敏锐度与能以超然物外的态度洞察人生, 他所塑造的舞台人物可与莎士比亚笔下的同类人物媲美。

2. 境界之二——兴趣

在充分感受直觉对于音乐表演的重要性后, 我们必须关注的便是第二个层次——兴趣。兴趣是个体以特定的事物、活动及人为对象, 所产生的积极的和带有倾向性、选择性的态度和情绪。

每个人都会对他感兴趣的事物给予优先注意和积极的探索。

兴趣是爱好的前提, 爱好是兴趣的发展和行动, 爱好不仅是对事物优先注意和向往的心情, 而且表现某种实际行动。我们在生活中, 通过对生活的体会, 必然会对某些东西产生喜爱或者厌恶, 一个人对艺术的某个特点的喜爱正是形成他自己风格的要素, 所以兴趣对于音乐艺术表演尤为重要。音乐家肖邦对波兰音乐和文化的浓烈兴趣, 在肖邦的后半辈子的作品中显示出重大作用, 他为我们谱写了如此优美的旋律, 让我们到现在还回味无穷。

在音乐艺术表演中, 不仅需要掌握技巧, 更重要的是把握艺术的精神内涵, 因此, 兴趣在音乐表演中发挥了很大的作用。

兴趣是学习音乐的基本动力, 是我们与音乐保持密切联系、享受音乐、用音乐美化人生的前提, 是我们主动进行学习和研究的精神力量。

一般来说, 兴趣就越广泛知识面越宽, 所以, 我们需要博览群书或常去音乐厅、学术报告厅等, 多受熏陶, 培养对各方面知识的浓郁兴趣。因此, 人的兴趣不仅在学习、生活中发生发展起来, 而且又是认识和从事活动的巨大动力。

3. 境界之三——风格

因为有了兴趣, 音乐表演艺术才能表现得更加丰富, 才能形成各种不同的风格。所以, 解决了兴趣以后, 值得我们长远考虑的便是音乐表演艺术的第三层境界——风格。

当我们在欣赏音乐表演艺术时, 往往会觉得他们具有各自不同的特色。不同钢琴大师的表演让我们感觉有的柔和优美, 有的雄浑有力。不同指挥家的指挥, 有的质朴热情, 有的温柔亲切。声乐表演、舞蹈表演也有不同的特点和不同的民族特色, 这些都体现了艺术的不同风格。

任何一位伟大的演奏家其演奏技艺与风格都会深深地打上时代的烙印, 这一点上梅纽因大师也不例外。总的看来, 他属于世纪交替间, 演奏观念和风格逐渐变浅时期的演奏大师。从他的早期演奏上来看, 其风格明显受到克莱斯勒和埃奈斯库的影响, 尤其是埃奈斯库作为梅纽因的老师, 他将自己赋予音乐以丰富的表情和甜美意境的特点尽数传给了这位非常善于学习别人特点的学生。

此外梅纽因在一段时期内也十分推崇海菲茨的演奏, 当时梅纽因为了能像海菲茨那样精确而科学地掌握技术, 曾在这方面下了很大的功夫, 并导致了他在一个时期的演奏中, 同样揉进了华丽和令人惊叹的炫技效果。然而梅纽因最终并没有成为炫技型的演奏家, 而是在汇集了百家之长后形成了自己独特的, 以深邃的逻辑性和细腻的音乐性为特点的演奏风格。梅纽因接受的是典型的法比学派教育, 帕辛格曾经是伊萨依的学生, 而埃奈斯库则是马而西克的学生他们两人是法比小提琴学派的主要传人, 梅纽因从他们的身上全面地掌握了法比学派的精华, 后来又在自己的演奏实践中将这种精华做了进一步的发展。

六、结束语

音乐表演, 是赋予音乐以生命的创造性的行为, 其本质意义就是如何真实地再现原作, 如何使音乐作品焕发出应有的光彩。对于音乐表演者来说, 如何把握好“二度创作”, 如何在尊重原作的基础上尽可能地表演是技术与表现力完美的结合, 是音乐表演获得其独特品格的基础和保证;而如何通过自己的表演把音乐的美传达给观众, 如何使听众在音乐的熏陶下洗涤心灵, 如何使人们因为有了音乐而感到充实快乐, 是音乐工作者毕生的事业和追求。综上所述, 在音乐表演艺术中, 直觉是一个前提, 拥有了好的天赋与直觉是进行艺术创作的首要条件, 而培养对音乐的兴趣值得我们关注并需要我们去解决。在探索音乐表演艺术时, 我们对风格需要进行横向纵向的研究, 这是一个值得我们长远考虑的话题, 这三层境界在音乐艺术表演中缺一不可。

参考文献

[1]于润洋译.卓菲娅·丽莎音乐美学译著新编.中央音乐学院出版社.书号

[2]张前.论音乐表演创造的美学原则.中央音乐学院学报, 1992, (4) :3-10.

[3]施敏.论声乐教学中二度创作的培养[J].齐齐哈尔大学学报 (哲学社会科学版) , 2003, (06)

[4]高鲁生.歌唱家与二度创作刍议[J].音乐世界, 1992, (08)

[5]廷声.谈歌曲二度创作的得失[J].音乐世界, 1988, (06)

音乐是情感的艺术 篇4

关键词：线条；艺术家；个人情感

1 线条是生命情感传递的载体

线条不是真实存在的，它不具有物质性。线条始于艺术家通过绘画来表达自身的艺术修养和情感体验，是遵循着审美规律应运而生的。线条是用来传达艺术家个人性格和主观情感的一种手段，因此艺术家们用线的风格迥异。线条的美感来源于艺术家的自身修为与丰富内涵，它是眼心手和谐统一，同时作用下的产物。“艺术作品本来就是艺术家独特的、视觉知觉对象，以他的选择能力，所得出的自由形式。”（哲学家费德勒语）由于东西方文化背景的差异，“线”的绘画表现形式亦有一些差异：东方画家注重神韵、意境的表达，在线的运用上亦重视表现情感，作品中追求形不到而意到，富有强烈的韵律感和装饰感；西方画家作品中的线则更具理性。在宏观而概括的东西方划分下，线条的表现力因不同艺术家自身的生活经历和性格特质再次得以更细的区分，往往与作者的情感及主观意念紧密联系在一起。线条是艺术家真情实感的一种载体，它们的面貌体现了艺术家的个性风格以及精神世界，没有情感就没有了艺术源动力。梵高说：“有时情感非常强烈，使人简直不知道自己是在工作……笔划持续连贯而来，好像一段话或一封信中的词语一样。”塞尚说：“画面自有其真实性”，我们在大师的作品面前之所以感动，是因为伟大的作品一定包含两个方面：一个是技术上的，一个是精神上的。另一方面，我相信凡是能震撼人们心灵深处的作品，一定凝固了画者饱满的深情，画面不只是画家精神的载体，它传递了画家所赋予的人性或神性光辉，这才是作品动人之处。“我画我自己的现实”墨西哥女画家弗里达·卡洛这样说。绘画中没有情感表达，笔墨再多也不能成为优秀的艺术作品，没有带上特殊的心情，再美的模特儿，也会被熟视无睹，也只是空的躯壳，并不感人。线条源自绘画技法，始于画家自身的个人修养和个人风格特点。中国画讲究“骨法用笔”。就好比歌唱家的歌喉，旋律中的音符，它细腻而全面地创建了一幅优秀画作的审美底蕴。

2 艺术家通过线条表达个人情感

个人情感是一个综合作用下的产物，是天性、所处时代、生活经历等结合后面对客观事物的主观表现。而线条作为实现个人情感表达的形式，则会根据具体心绪的不同，有不同的表现力。此文以艺术家蒙克和比亚兹莱为主要分析对象，具体看待线条如何实现艺术家个人情感表达。

2.1 蒙克（Edvard Munch）

幼年丧母，姐姐被肺结核夺去了生命，妹妹又患上了精神病。童年时的不幸成为了蒙克的个人经验，以至于其一生的创作都深受影响。他曾在童年时期编写了一本附有插图的“日记”，日记最后一部分写到了关于对艺术原理的观察，其中很独特的一点就是他对体验态度和观察反映事物的标准有着极端的主观性的体验和支持。蒙克将这种创作扩展为一种客观和表现主义方向，这种情绪内容是很重要的。蒙克最著名的《呐喊》中骷髅一样的面庞、血一样的晚霞，扭曲的人物形象，在表达这些张裂的情感的时候，蒙克的用线可谓生动固执，整幅画面除了个性鲜明的色彩有助于情感表达外，最击中人心的就是粗粝的线条，压抑里透出狂放，线条营造出整个画面的氛围，使人感受到恐慌、惊惧、甚至透过线条能听到骷髅人发自心底充满尖叫的声音。正如他自己所说：“我要描写的是那种触动我心灵和眼睛的线条和色彩。我不画我做见到的东西，而是画我所经历的东西。”

2.2 比亚兹莱（Aubrey Beardsley）

曲线是比亚兹莱插画中最重要的语言元素之一，通过曲线传达了温柔、缠绵、流动、自由、柔和等情感因素，这也正是比亚兹莱被誉为唯美主义大师的重要原因。比亚兹莱的线条艺术就这样在线的长短繁简快慢全在随意中自然流露、随势乘机的独特魅力。线的疏密、走向、强弱等形态会使画面产生沉静、骚动、悲恸、愉悦等不同感觉，线条往往暗示和记录着艺术家的情感变迁。十九世纪日本浮世绘版画传入欧洲，比亚兹莱吸收了日本浮世绘中酣畅淋漓且具有高度装饰性的线条。用线条来界定轮廓，用未加描摹的空白背景营造空间感，以简化的方式追求形式的统一，经过个人的艺术创作后呈现了独特的艺术风貌。

其代表作《莎乐美》讲述的是一个爱情世界里由爱转恨的故事，在“THE CLIMAX”这一节的插图里莎乐美的刻画中，衣饰采用了中国白描式的手法，只是显得更为克制，简练而又理性。表达出了莎乐美终于获得自己心爱人，却是一颗已死去肉身的头颅时的凄凉的悲怆美。由弧线所分隔的黑白背景空间蕴藏着动感，居于右上方的莎乐美手捧约翰的头，做出准备亲吻的姿势，约翰头颅所滴下来的血开出了罂粟花，血滴花束形成的直线背景的弧线与鳞片状的圆形成对比，共同构成画面的均衡。这种特殊动感的线条将画面主题表现得更具戏剧性和感染力。

随着画风的日渐成熟，比亚兹莱的线条更成为通往比亚兹莱内在真实的道路，使我们透过一根根线条潜入画中人物和画家内心。比亚兹莱很多作品中描绘有巫师小丑与乞丐这些社会底层人民。我们甚至可以把这个反复出现在比亚兹莱插画作品中的小丑视为画家本人。虽然在艺术上有着极高的造诣，比亚兹莱的生活和艺术道路却极尽辛酸。开始他只是一家保险公司的小职员，弃职作了专业插图画家。1894年著名的《黄皮书》杂志创刊，22岁的比亚兹莱便成为了它的美术编辑。但杂志一共才出了四期，主创者王尔德便因同性恋罪进了监狱；比亚兹莱因此郁郁寡欢，传媒也把作为王尔德好友的他作为追逐的对象。画家只得辞去职务，进了由萧伯纳等人创办的《萨福伊》杂志社，但它不久也由于各种原因夭亡了。比亚兹莱穷困潦倒，又患了肺结核，不幸在26岁便离开了人世。再晚一点的时候，遗传的肺病渐渐拖垮了他，弥留之际最后的杰作《沃尔波尼》中，比亚兹莱运用如铁丝一般 坚硬的线条来描绘主人公的形象，实际上，比亚兹莱晚年 的几幅作品風格非但不是颓废主义的，相反饱含着高昂 的生命激情，背后却是比亚兹莱向我们传达了深深的悲哀。深入审视其晚年作品，发现画作中有很多对最后生命的感悟。

参考文献：

[1]邱紫华.思辨的美学与自由的艺术黑格尔美学思想引论[M].华中师范大学出版社，1997.

[2]贺志朴.石涛绘画美学与艺术理论[M].北京：人民出版社，2008.

[3]徐青.线条的情感性在比亚兹莱插画艺术中的表达[M].合肥师范学院.

音乐是情感的艺术 篇5

一、音乐的审美

俗话说“美的崇高的超然性”。音乐这种美的艺术在审美上有一些特殊性, 它首先是通过声音来表现艺术, 乐音的。音乐的审美包括感受美、表现美和创造美, 它是在平时的积累中逐渐形成的。在最初欣赏审美的时候, 我们会发觉这个音乐很美, 很愿意去听, 这就是我们在欣赏中不由自主的产生一种对音乐声音的共鸣, 这种音乐对我们来说具有很强的感染力。例如《白毛女》中的喜儿角色, 《卡门》中的主人公的生活状态, 《梁山泊与祝英台》中的凄美爱情故事, 而这种审美意识需要人们经过自身的亲身体会感受其生活的环境、状态、对待生活的态度等一系列的相关知识, 通过自己的理解、细化, 转换成自己的审美意识, 把人物演绎的更加的生动, 使作品更具有审美价值。

二、音乐的情感

如果把乐曲比做一杯饮品, 那么声音就是一杯白开水, 情绪就是不同的果汁粉、咖啡粉, 等等。情绪就是使无滋无味的白开水, 配上各式各样的味道, 根据口味的不同, 添加自己喜欢的调味品与份量, 总有一个会让你感觉舒服。然而情绪在歌曲中就起到了调味剂的作用。

例如音乐对人们的情绪和心里有着明显的影响, 所以音乐具有调节情感的作用。这种调节首先表现在情感的强化和弱化上, 使得其中强度符合某种目的和要求。我们的国歌出自于《风云儿女》的主题曲《义勇军进行曲》, 影片展现了当时的有为青年对社会现状的不满, 走上了革命道路的故事, 歌曲由田汉作词, 聂耳作曲。而田汉正是在监狱中突发灵感创作了这首歌的歌词, 聂耳根据歌词只用了几天时间就谱成了曲。影片播出后受到广大人们群众的喜欢, 而这首歌曲更是鼓舞了千万人民群众投入到抗日救国的洪流中来当然如果没有词曲谱写者对当时环境的深刻体会, 对自己爱国情感的一种宣泄, 是不可能创作出这么深入人心的音乐, 更不会一直流传至今。所以说在音乐中情感的流露是必不可少的部分, 也是推动音乐进步的重要因素。

三、情感的表达方式方法

音乐的情感表达, 主要从乐句的分句、呼吸的安排、速度与节奏、音色与力度、音符与休止符的准确性等五个方面来展示情感表达的训练方式方法。

( 一) 乐句的分句与呼吸的安排

根据每一个乐曲的不同, 音乐感觉的不同, 有效的划分乐句, 能很好的运用呼吸安排呼吸就能很好的表现音乐。例如李叔同的《送别》这是一首带有抒情色彩的歌曲, 为了突出音乐的情绪与感觉, 体会“长亭外, 古道边, 挥手送友人的感觉与心情”, 演唱者要注意每句的音色与其相连接的换气点, 如果做不好这两点, 那么是很难完美的演绎出这首歌曲给人带来的听觉感受。

( 二) 速度与节奏、音色与力度

速度是一首作品的关键的基调, 速度定的不准确会使整个作品走样, 甚至是面目全非。如《中国军魂》这首歌曲, 大家都知道它是电视剧“亮剑”中的片头曲, 歌曲铿锵有力, 有团结一致、积极向上的号召力, 而《中国军魂》在做影片的插曲时, 曲调完全没有变化, 速度在原来的基础上放慢了一倍, 在背景音乐中, 让人感觉凄凉、痛苦、体现那种抗日的民不聊生, 与片头曲有着截然相反的效果。

音色是表现歌曲情绪的基本定位, 不同的歌曲需要有不同的音色演唱。歌唱的音色有许多种, 如表现快乐、幸福、开朗、奋发向上的情绪时用比较偏明亮些的, 而表现悲惨、黑暗、残暴、死亡、阴险等都应该用较厚重的声音。什么样的情绪就应该用什么样的音色, 若随意交换, 那样所有气氛都会化为乌有了。

( 三) 音符的准确性

每个音乐作品的每一个音符都是作家的心里情感倾诉, 所以要认真对待每一个音符, 休止符和表情记号。很多描写心情愉悦的、描写春天的等等的乐曲, 都在曲中大量的用实值短小精悍的休止和跳音来诉说想要表达的音乐情感, 如果演绎时对那些休止不注意或延长, 那么音乐的欢快就会消失不见, 失去音乐本身具有的特点。

例如这首《红旗颂》歌曲, 歌曲描绘了俄罗斯人民为了保卫祖国不惜牺牲自己的生命, 凭着顽强的意志和不屈的信念, 把法国侵略者赶出俄国的情景。在乐曲中为了描绘双方激烈战斗的画面, 歌曲中多用于不规则的快速音型来进行表现。曲子中的展开部运用了很多不规则的节奏, 情绪激昂, 使人能够联想起革命斗争的画面, 让人记忆忧心。

音乐艺术的表现是感人的, 能不能很好的对情景做出准确的描绘, 从而表达出作品的思想感情, 就成为了人们对音乐艺术的审美的最低的标准。所以高师学生想要演绎出“声情并茂”的音乐, 要有扎实的的音乐技术做基础, 对于基础专业知识的训练, 我们需要专业的方法和长时间的练习, 在提高自身的技术同时, 自己的阅历和实践的经验也会增多, 对于我们演绎出好的作品也是非常有帮助的, 当我们的专业知识可以上升一个优秀的层面以后, 对于我们演绎歌曲的要求, 就有更高的层次, 这里就强调了“声情并茂”, 这个词看上去很简单, 但是要做好是很难的, 它是对高师学生进入到深度学习的一个过渡阶段, 如果能很好的完成, 则是对我们的歌唱学习会很有帮助。

音乐是精神和灵魂的语言, 我们得用心灵去感受它。对于音乐, 有一千个人去聆听就可能有一千种对音乐的理解, 音乐的情感在音乐作品会根据每个人产生不同的感觉, 这就是音乐艺术情感表现的伟大, 同时也展现了音乐独有的生命力。在我看来, 高师学生在以后的音乐学习道路上, 除了要注重自身专业技术的学习与研究。更要注重如何将自身的情感和理解加入到音乐中去, 让音乐中有自己的感情, 使音乐更加的丰满。

摘要：艺术是以情感交流为中心, 通过不同的表现形式来表达思想感情和内心感受, 而音乐是一种独特的艺术语言, 它存在于乐音和乐音的艺术组合中, 这正是它的独特之处。本文将就高师学生对音乐艺术的情感表达加以浅析。

关键词：音乐艺术,音乐情感,表达方式

参考文献

[1]郑锦扬编著.《艺术概论》.高等教育出版社, 2007.5.

音乐是情感的艺术 篇6

历来, 人类为表达自己的智慧, 思想与情感, 有三条路。第一是科学, 用因果规律公式表述;第二是哲学, 用逻辑思维和规范化的语言陈述;第三便是艺术, 用感受的方式, 既理性又感性, 既高级又通俗, 传达给各式各样的人。而这里所谓“感受的方式”就是情感的表现。

何谓情感?喜悦或悲哀, 温柔的爱恋或是失去的痛心或是激烈的愤怒, 还有那些闪烁、重叠、骚动不安、怅然若失、无法释怀的东西, 只可意会, 不可言传。恰似“才下眉头, 却上心头”。

列宁说“没有人的情感, 就从来没有也不可能有对真理的追求”艺术亦然。如同花木离不开水土, 艺术情感更是植根于对生活的体验, 正如书中所说“从来没有无缘无故的凭空产生的艺术情感”, 书中把艺术情感定义为“是艺术家在体验生活, 艺术构思与艺术创作过程中产生的一种更复杂, 更真挚, 更富有感染力的情绪体验和表现, 它是以对生活的认识, 评价和对艺术意象的构思与审美判断等为基础的或为前提的而产生的一种艺术情怀的表现。”

三国时有民谣“江南有二乔, 河北甄宓俏”, 甄氏有倾城之姿, 曹植曾向曹操请求娶她, 而曹操却把她让给曹丕。甄氏被文帝赐死后, 曹植行至洛水, 恍惚中似乎见其人, 于是写下《感甄赋》, 后被魏明帝更名为《洛神赋》。曹植用满腹的才气写下他毕生的思恋。

同样善良、天真与执着付出的, 还有梵高。一个才华横溢, 充满爱与激情的人, 一个一生几乎不曾看到收获的希望的人。他性格孤僻, 行为固执偏激, 被周围的人称作“疯子”。的确, 他疯狂的作画, 疯狂的去爱、去恨, 失望直至绝望。金黄色的麦田里, 有他热爱生活的身影;插满向日葵的花瓶内, 有他对生活的热望;星夜的天空中, 有他的苦闷与不安。曾经看到过这样一句话“如果说苦难的生活对梵高来说是一块地狱, 那么, 艺术便是这地狱中的一扇打开的窗。”然而, 他却选择了自杀, 这样绝望的告别。

谈到西方的艺术家, 怎能错过旷世奇才达芬奇。他聪颖, 好学, 苦心钻研, 穿破世俗的辱节和宗教的戒律, 他设计出各式武器工具, 然而在那个蒙昧的年代, 是不被世人所接收, 更不被统治者认可的。于是, 人类一思考, 上帝就发笑。他向达芬奇指出了另一条路宣泄他的不满, 去追求他那些“荒谬”的梦想, 尽管与残酷的现实冲撞着。耶稣已预告犹大即将出卖自己, 应验宿命中被钉上十字架的结局。如果生命预告死亡, 将会有什么表情?再看蒙娜丽莎, 脸上罩着如薄雾般的朦胧, 仿佛一切启示与领悟尽在这不可思议的微笑当中。他是要借这微笑宣告美, 宣告他内心真正的信仰。

高尔基说“艺术的本质是赞同或反对的斗争, 漠不关心的艺术是没有的。”我想说, 漠不关心可以是原本就不去在意, 也可以是在经历了爱的火热和痛的彻骨后才有的心如止水, 归于平静。因此, 它也可以是情感。

著名的自我实现理论是马斯洛人本主义心理学的核心思想。“作为一种价值追求, 自我实现是人的本体性实现的一种方式。本质上是人的能动的社会化的成长过程, 是人的自身潜能和价值, 理想和目标的实现, 是人对自身能力的肯定和对现实自我的超越。”

这样看来, 无论是诗歌, 音乐, 美术等一切艺术都是作者由感而发的心声。这并不是说其他人就不由感而发, 只是艺术家相对比常人更敏感, 易受刺激, 善于把握, 抓住那些转瞬即逝, 细细碎碎的层次。“倘是一组声音, 他能辨出气息是哀怨还是欢喜;倘是一个姿态, 他能辨出是英雄还是萎靡;倘是两种互相补充或连接的色调, 他能辨出是华丽还是朴素。靠了这些能力深入人心, 物心, 达到物我合一。”的确, 人总是不由自主的要表达内心感受, 艺术家更是如此。对于他们来说, 一切骚扰不宁与安定祥和, 连最微妙的波动, 最隐蔽的心情都能表达出来, 并把它们扩大特征, 推之极端, 登峰造极。

国画大师潘天寿说:“此妙果, 既非得于形象上, 又非得于技法, 而得于画家心灵深处之创获。”而鲁迅先生说的更明白“创作总根于爱”, 哪怕是恨也是由爱而生。就像当年毕加索惊闻希特勒的飞机狂轰滥炸自己的故乡格尔尼卡, 愤怒激发了创作灵感, 这愤怒又何尝不是源于他对家乡对祖国的爱?爱最容易与人息息相通, 心心相印, 传达真情。

摘要：现如今, 多少眼睛被五色流光遮蔽了, 看不见四时更替, 季风的变幻;多少耳朵被万象喧嚣阻塞了, 听不见落叶簌簌, 沉默的歌唱。然而, 就如同因戏曲而感动的水土, 由感而生的艺术才注定生机勃勃。情感源于生活, 艺术源于对生活的情感, 或喜或悲, 或爱或恨, 或无情或茫然, 即便掺杂酸涩无奈。从先秦《诗经》里那多情女子在城阙等候恋人, 望眼欲穿, 唱出一句“执子之手, 与子偕老”;到蒙娜丽莎静定的微笑和耶稣的死亡与永生;再到梵高的挣扎, 迸发与幻灭;直到今天百舸争流的艺术大潮, 正是情感贯穿于艺术创作的始终, 即便看似波澜不惊, 却在心底漫延开来, 泛滥, 汹涌澎湃, 逆流成河, 爆发于画布或琴弦, 胶片或是如歌的行板, 一切便才如同, 观园里公子贾宝玉, 听人唱的一句“开辟鸿蒙, 谁为情种”, 恍惚间开场。

关键词：艺术,情感,自我实现,爱

参考文献

[1]吕景云, 朱丰顺.艺术心理学新论[M].北京:文化艺术出版社, 1999.

[2]李长荪.美学艺术学与哲学讲义[M].南昌:江西人民出版社, 2006.

音乐是情感的艺术 篇7

一、节奏之于表演的意义

节奏无处不在,它是伴随着有明确目的的活动而产生,节奏的存在使某一活动变得更加有意义,相反,节奏紊乱就是无意义的活动的堆积。但是需要弄清楚的是,速度与节奏的区别与联系,尤其是对于演出来说,节奏松不等于速度快,节奏紧不等于速度慢,二者有时相辅相成。

节奏之于表演有着至关重要的作用,节奏掌握得好,戏才能好看。演员创作的第一步,就是要认真研究剧本,在领会导演构思的基础上找准戏的速度和节奏,把握戏的整体脉络,从而使自己的角色能够与剧本的节奏、速度达到完美的结合,这样表演出的节目才能够更具看点,更加耐人寻味。

二、表演节奏的多样性

在表演的艺术中,节奏分为内部节奏与外部节奏。内部节奏,即心理节奏,是人物的思想情感变化的强弱、快慢、长短和张弛。外部节奏,则是表现在形体和语言上的强弱、快慢、长短和张弛,具体包括动作的速度节奏和言语的速度节奏。内部节奏是外部节奏的根本动因,外部节奏是内部节奏的外在表现。

外部节奏是演员表演外化的窗口,一切形体和语言的快慢、松弛都是来自于内部的反应。形体动作速度节奏是表演时的肢体运动的规律。同样,语言速度节奏是语言外部动作的规律,它也是心理速度节奏的一种表现形式。对于演员来说,影响言语节奏有两方面因素:一是台词处理中的速度与节奏,二是文学语言中的速度和节奏。要想准确地掌握表演速度与节奏,把剧本中的文字转化为真切的、带有感情的表演,则首先需要对语言的规律进行深入探究,对语言的使用技巧进行深度把握,这样才能轻松驾驭角色,准确地运用语言、台词去表现人物内心。

三、节奏在话剧表演中的重要性

毕业大戏《灵魂拒葬》这部戏是描述战争时期六名为了自己的国家奋不顾身的战士,在战场上英勇奋战,最后却牺牲在自己人的炮火之下。于是他们的灵魂拒绝被埋葬,为了让他们被埋葬,将军找来了他们的妻子、母亲、情人、姐妹来劝说他们安息。本剧主要体现了战争时期为了利益不择手段,心狠手辣的人的丑恶嘴脸。同时也体现了人们之间的亲情、爱情的伟大与至高无上。

笔者在剧中所扮演的角色是一位士兵的情人,名字叫裘丽亚。裘丽亚与士兵摩尔根从小青梅竹马,十分相爱,摩尔根像亲人一样存在于她的生活。但是为了国家能够取得胜利、获得安宁,摩尔根这位勇士奔赴了战场,并在临走前向裘丽亚许下诺言,等战争胜利了他就会回到家乡与裘丽亚结为夫妻。但战争残酷,为了取得最后胜利,残忍的将军下了一道炸死所有人的命令。就这样,那些可怜的士兵死在了自己人的炮火之下。摩尔根就这样离开了裘丽亚,而裘丽亚同时也失去了自己的父亲和弟弟。所有的亲人都离她而去,这时候她得到了一个消息,就是将军让她见摩尔根一面,然后劝说摩尔根被埋葬。

此时的裘丽亚心情无比激动,也无比复杂,因为她不相信摩尔根就这样离开了自己,更不想摩尔根被埋葬。最后,她决定与摩尔根一同埋葬,在去坟墓前自己准备好了一把手枪。这段戏的整体节奏是,从开始裘丽亚见到摩尔根时的高兴与激动,到确定摩尔根已经死亡不愿意接受的心理过程。直到摩尔根再次证明自己已经死了,她才从梦幻中醒来,决定去天堂寻找摩尔根。这是裘丽亚这个人物整段戏的心理节奏,那么通过心理节奏的体现,就要外化出台词与形体语言。只有把这三者结合得至善至美,才会把这段戏所要表达的中心思想展现出来,才会与观众产生共鸣。因此,一部戏的整体节奏很重要,而一段戏的节奏更重要,因为它直接影响了整部戏的节奏。

四、结语

实践出真知,对于一名演员来说,表演技巧的提升,就是需要在每一次演出结束后,不断总结反思,只有合理地掌握了节奏与速度,将二者作为打通内外的一座桥梁,才能不断地提升自己的表演能力,找到合适的创作方法和表演形式,让演出真正散发出迷人的魅力。

摘要：速度,即是运动的快慢与张弛,在表演中,它与节奏关系密切,同时又有区别,二者是不可分割的整体。节奏对于一个演员的表演成功与否起着决定性的作用。同时,表演节奏也是演员抒发自己内心情感的一条渠道。本文就结合本人参演的毕业大戏《灵魂拒葬》中的人物,浅析节奏是表演艺术的情感脉搏。

关键词：节奏,剧本分析,表演,舞台艺术

参考文献

[1][俄]玛·阿·弗烈齐阿诺娃.斯坦尼斯拉夫斯基体系精华[M].北京:中国电影出版社,1990.

音乐是情感的艺术 篇8

歌唱艺术中灵魂与生命应完美结合, 只有将“声”与“情”有机地结合在一起, 歌唱才能声情并茂、感人肺腑、动人心弦。声乐流行歌曲的情感抒发与其它类型的声乐艺术歌曲相比较, 它的情感抒发会更加外在, 更容易表现歌曲的喜、怒、哀、乐, 而声乐艺术歌曲它的情感表现更内在些。唐代诗人白居易曾说过:“唱歌者必先唱情。”他在《问杨琼》中提到:“古人唱歌兼唱情, 今人唱歌唯唱声。欲说问君君不会, 试将此语问杨琼。”白居易此话主张歌唱声情并茂, 反对为歌唱而歌唱。也就是说, 歌唱真正的价值与美, 就是来自正确的发声技巧及生动地表现作品思想内涵, 以声情并茂的演绎去感染听众。比如:一位好的歌者在演唱作品, 他用歌声表达情感艺术, 演唱欢悦的曲子时, 可让听众眉飞色舞;唱到悲伤的曲子时, 他只用声音表达感情, 这将失去感染力, 让听众无法融入音乐的情感中, 所以, 在一首歌唱作品中, 演唱者在感情上有了真情并将声音融入于情感中, 淋漓尽致地表现, 这就会把听众带进歌曲的世界里, 与歌唱者一起去感受音乐的真谛。

打开流行演唱情感的钥匙

歌唱艺术是最情绪化、最能触动心灵的艺术。既要注重声音完美的表现, 又要讲究语言感情的表达, 从而真正提高歌唱水平。好的歌唱是人们用优美的歌声表达人们的思想感情的艺术, 需要演唱者用心去感悟, 读懂作者赋予歌曲所要表达的情感。

流行歌曲易传唱, 贴近人们的生活, 深受广大群众所喜爱与欢迎。在流行演唱的歌唱艺术中, 注重的是歌唱的优美音色以及歌手演唱的情感表达、个性特点。在流行歌曲教学中, 如何把一首流行歌曲作品教好, 主要是如何把一首好作品用“情”与“声”充分的表达出来, 可以从作品的旋律、节奏、歌唱等多方面去理解、感悟歌曲, 这次每位受教育者要解决的重要问题。与此同时, 演唱者必须认真体会作品中的丰富情感, 在流行歌曲教学中, 每一首声乐作品, 都具有它深刻的内涵与意义, 要与作者原本要表达的情感相一致, 产生共鸣, 只有做到这样, 才能真正打开情感的钥匙。

《乐记》中所说:“诗, 言其志也;歌, 咏其声也;舞, 动其容也。三者本于心, 然后乐器从之, 是故情深尔文明, 气盛而化神, 和顺积中而英华发外, 惟乐不可以为伪。”因此, 在任何的音乐作品中的感情音乐音乐化了的情感、音乐形式是感情化的形式。情感变成了音乐的情调, 融化在音乐的形态之中。

流行歌曲在歌唱艺术中的实例教学

一首好的声乐作品离不开演员演唱的情感艺术处理。“情”和“声”就相当于灵魂和生命, 针对学院学生的培养目标及学生的特殊性, 研究和探索与之相适应的声乐教学思路和方法, 是实现有效教学的关键所在。以情感培养为着眼点, 构建良好的主导和主体关系, 挖掘作品的思想情感, 让学生真正走进音乐、融入音乐, 参与多样的音乐实践活动, 以“情”带声, 以“声”传情, 声情并茂的演唱, 有效地提高声乐教学的质量。在声乐教学过程中, 应抓住重点知识, 多方面、多角度提出问题并相互质疑问题, 训练思维的深度和广度。引导思考方法, 训练思维灵活性。如:指导学生对每首曲目从不同层次、不同侧面去认识声乐演唱, 训练发散思维, 指导学生从多种唱法及其属性可能具有的相似性的思考进行思维集中训练, 指导学生从结论出发思考解决问题, 训练逆向思维, 训练思维的灵活性等等。

演绎好一首好的歌唱作品, 最重要在于处理好歌唱的艺术。歌唱的艺术包括丰富的感情表现, 深层次的歌曲内涵, 以及演唱者自身的声音条件及情感流露的整体结合, 也就是我们所谓歌曲的再度创作演绎。在我的教学当中, 我注重认真分析旋律的结构, 音乐的语汇, 情绪的变化, 整首旋律的特征以及描绘的形象, 这样, 才能具体表现出歌曲作品的特点和风格。所以在歌唱艺术表现当中, 首先要注意旋律的线条, 唱的要连贯, 正确的把握好节奏的特点, 体现出特有的情感色彩及丰富的作品内涵。

例1:在我的教学过程中曾处理这样一首作品《好男人》。这首歌曲是一首韩国风格的流行歌曲, 旋律进行比较密集, 主要以十六分音符为主体, 所以要运用很多切分音符的节奏型, 针对学生演唱来讲颇有难度, 如果要想把这首作品演绎好, 重在于歌唱艺术的处理。这首作品男女都可以演唱, 但是男生唱这首歌颇为适合。我的一位男学生演唱这首歌曲, 我主要让他注重歌曲中的快旋律, 用快节奏的呼吸状态进行演唱, 要求短促呼吸, 换气正确, 咬字正确动听, 音色统一稳定, 保持音断气不断。比如其中有一句:“只是怕朋友, 会担心难过才微笑着说谎。”我对学生说, 这句话应该保持音断但呼吸连接得要紧密, 最好中间不要换气, 这样的感觉演唱才能根本更好地表现出这首歌曲的味道:当中还有一句“好男人不会让心爱的女人受一点点伤。”这句话特别要注意副歌部分“心爱”两字的唱法, “心”字一定要窄母音, “i”字打开时要唱的圆润, 为“爱”字做好准备, 因为两字正是高音部分难唱的音, 所以更加巧妙的咬字, 才能清晰的吐字, 唱出每个音。另外, 我还要求学生在唱“爱”字时, 一定要把它的字头唱出来, 它是一个元音字母开头的音, 腔体呈打开状态, 但是“a i”字没有字头, 所以我们要自己设于它一个字头, 也就是把这个字在原有的拼音的基础上加上一点“叹气声”来念准这个字, 这样唱出来会别具一格。因为这首歌曲的旋律跳动幅度较大, 所以要求学生一定要喉头稳定的歌唱, 注意不要使声音出现里出外进的状态。这样才能把国内的民族音乐风格与特点淋漓尽致的表现出来。

例2:我在处理另外一首作品《把耳朵叫醒》。这首歌曲是带有摇摆特征的流行歌曲。要求音色要明亮清纯。这首歌曲的情感表现是体现一种成熟演唱中略带一股孩童般的纯真, 活泼可爱, 具有都市流行风格的特点。这首作品适合女生演唱, 它也有一定的难度, 旋律轻快, 节奏带有很强烈的摇摆特征, 所以要求学生要有强烈的意识, 天真地把这首作品表现出来。我要求我的一位女学生在演唱这首歌曲时候咬字一定要放松, 有些字可以模糊用气息的线条带过, 不要重于字眼可以一带而过。如“d o d o do re mi sol, 像风筝呼啸而去, sol sol sol si re fa, 是落叶轻轻哭泣”, 可以把“风筝呼啸和落叶轻轻”咬字略带过。在副歌部分有混声状态演唱“那被你遗忘的旋律确是我宿命的追求……”这句中需要真假声结合的方法来演唱, 要求女生的声音不要过分真实, 否则会显得僵硬打破歌曲的美感。所以要在“遗忘的”后面“旋律”进行真假混声, 注意气息的饱满, 然后把后面的旋律直接唱出来, 音色就优美了。这是一首对于女生来讲训练真假声演唱打分一首好作品, 轻快的旋律可以带给我们轻松愉悦的教学环境, 学生明亮音色的演唱有助于现代流行音乐声线趋势的发展。最终达到歌唱艺术处理的教学目的。

在流行歌曲演唱中, 我们要好好体会作品的各个方面, 以便更准确地把握作品的“情”与“声”。只有确切地把握好作品的“情”与“声”。只有确切地把握好作品的内涵及真实的情感, 这正是在歌唱中完美表达歌曲的情之所在, 才能更好地抓住歌曲艺术的灵魂与生命。

参考文献

[1]李晋玮李晋瑗编。沈湘声乐教学艺术[M].华乐出版社, 1998.