声乐技巧论文

声乐技巧论文（精选12篇）

声乐技巧论文 篇1

众所周知, 我们所说的声乐艺术, 就是通过描述真实的人生, 来表现艺术的一种富有魅力的歌唱形式。声乐艺术的最终目标在于, 向听众传达声乐作品所蕴含的丰富内涵和特殊情感, 并且运用悦耳优美的声乐来感染和触动听众的敏锐心灵。 在与声乐为主的艺术中, 声乐技巧一直以来被视为它的要素之一, 直接关连着它的的表达效果。我们也可以说, 如果丧失了声乐技巧的坚强且有力的支撑, 根本就不可能谈到声乐艺术的强大表现力。只有在进行声乐的艺术表演时, 掌握了杰出和水平高超的声乐技巧, 才能够更好地根据声乐作品所要求的音乐风格进行更有效的技巧的综合运用, 调节演唱者的声音形态, 从而向听众传送出声乐艺术的作品所蕴含的内涵和特有情感。

一、声乐技巧在深化声乐艺术的内涵方面起着重要作用

声乐技巧借助巧妙地将人声和语言相融合这一途径, 向声乐艺术提供出深远的意义和深刻的内涵, 能够促进声乐艺术朝着积极和开放的演奏模式这一方向发展, 能够推动声乐艺术的作品更好地呈现出其自身的非凡魅力和宝贵价值, 能够深化和丰富声乐艺术的原有内涵。演唱者能够运用声乐技巧来展示出或者深情、亦或快乐、或者忧愁、亦或绝望等多元素化的生命感想和领悟。就是由于多种多样的声乐技巧的巧妙使用, 能够将声乐技巧所创造出的艺术和情感以及精神完美无缺地结合了起来, 才能够创造出来质量上乘切有丰富内涵的声乐艺术作品。在中国传统的声乐艺术的严密体系中, 由于地域间存在差异, 或者民族存在着不同, 声乐技巧拥有极其丰富和复杂的美学标准, 在语言、共鸣、咬字等方面所要达到的审美标准有明显的区别, 这恰恰能够推动声乐艺术朝着多种方向蓬勃发展。总之, 声乐技巧能够十分有效地深化着声乐艺术的固有内涵。

二、管窥声乐技巧在塑造出完美地艺术风格方面起着重要作用

若说情感是声乐艺术中不可或缺的核心或者灵魂部分, 风格便是声乐艺术的核心。可是不论情感亦或风格, 二者都需借助出色的声乐技巧来帮助和支撑表现。声乐风格会因语言习惯、风俗风情、社会环境、审美水平等因素发生改变, 具体表现在技巧方面就成了咬字、呼吸、共鸣、语调、发声等, 通过调整技巧能呈现出既然不同的风格效果, 这些也是促进多元化的声乐风格的发展的坚实基础。曲子给声乐艺术提供了框架, 需具体的演唱技巧给其增添色彩。在声乐表演中, 歌者能依据实际情况的要求, 恰当运用和管窥声乐技巧来更好地展示歌曲的特点与风格。

三、管窥声乐技巧可以增强情感的表达

我们都知道, 情感和技巧是管窥声乐艺术的两个不可或缺组成部分, 但是在管窥声乐传承极其发展的过程中, 怎样调节二者的关系从始至终都是是大家喜欢研究的方向。人们往往忽略了二者从根本上不是对立的事实, 而事实是二者相辅相成, 相互依存。在现实的表演当中, 假如情感失去了技巧的支持, 或者技术存在缺陷的时候, 那么这个时候情感的表达自然也就没有了它原有的效果, 固然会显得空洞乏味, 毫无生气。然而假如歌唱者光有熟练的技巧, 但是没有感情投入时, 那么也不可能给听众以美的熏陶。

四、管窥声乐技巧可以加强管窥声乐艺术的多元素发展

管窥音乐的发展不但可以保持其原本的特点和风格, 而且还可以一直吸取新鲜的血液, 并且给管窥声乐艺术的带来希望。众所周知, 意大利的美声唱法在全世界都是倍欢迎的, 他们经历了数千年的沉淀, 才有了较为完善的管窥歌唱技巧体系, 其他的许多国家的歌唱家也在试图寻求本国管窥声乐技巧的发展方向, 这样的趋势致使世界的管窥声乐艺术正向着多元化的方向发展。中国也在这个重要的博采众长的进程中逐步形成了独具特色的“中国美声的唱法”和“民族声乐的新唱法”。

管窥声乐艺术向往的最终目的就在于美的感受, 而管窥声乐的美以及自然的美之间存在着一定的差距, 因此它需要管窥特定声乐的技巧来支撑, 并且依据美学的特点来塑造和展示。总之, 管窥声乐技巧是声乐表演中极其关键的构成部分之一, 在管窥声乐艺术以后的创新和发展的过程中也起着不可缺少的作用, 非常值得我们对管窥声乐艺术进行广泛的宣传与运用。

参考文献

[1]刘潇林;论声乐艺术的演唱风格[D];西南大学;2009年.

[2]路敏;陈涛;;提高声乐表现技巧的相关因素探讨[J];中华女子学院山东分院学报;2009年04期.

[3]李晓红;;摸索中的原生态唱法和学院派声乐教学的方法论比较[A];民族文化与文化创意产业研究论丛 (第三辑) [C];2011年.

[4]彭斌;声乐艺术与声乐技巧[J];池州师专学报;2004年05期.

声乐技巧论文 篇2

摘要：

声乐是歌唱的艺术，即是音乐化了的语言，声乐以歌声为媒介传达情感，而声乐的教学工作则是一门科学，在教学过程中我们必须遵守一些自然规律和教学原则。声乐教学不同于音乐学科中的其它科目，其实质是较为抽象的，在进行声乐教学时，我们必须明确声乐的艺术性质，同时应运用巧妙的手法和恰当的语言表达，遵循启发式等的教学范式来进行声乐艺术的教授。本文旨在以声乐教学中的情感体验与再创造的培育为主导，讲解声乐教学的宗旨与艺术技巧。

关键词：声乐教育 情感体验 再创造 教学技巧

声乐是歌唱的艺术，即是音乐化了的语言，声乐以歌声为媒介传达情感，而声乐的教学工作则是一门科学，在教学过程中我们必须遵守一些自然规律和教学原则。同时我们必须明确声乐的艺术性质，在教学时，我们应运用巧妙的手法和恰当的语言表达，遵循启发式等的教学范式来进行声乐艺术的教授。

一、声乐教学中的情感体验激发

在中国古典典籍《礼记》中曾记载“歌者，上如抗。下如队，曲如折，止如槁木，倨中矩。句中钓，累累呼。端如贯珠。故歌者之为言也，长言之也。说之，故言之，言之不足，故长言之；长言之不足，故嗟叹之，嗟叹之不足，故不知手之舞之足之蹈之也。”1即说明了语言与歌唱之间的异同。充分表现了声乐具备歌唱性、语言性、动作性的多元属性。语言是人类的基本交际媒介，而歌唱是人们在生活语言的基础上延展出的艺术类媒介，可谓是语言的升华。在音乐的空间里，音乐是情感的艺术，任何一首音乐作品都是饱含情感的产物，所以在声乐教学中不仅应该以语言为切入口授予学生一些基本的理论知识，更应该引导学生以情感体验为导向去感受声乐的真谛所在，也就是以声乐艺术为核心，促进学生对音乐的理解，并提高学生的听觉表现为基础的歌唱情感能力。音乐通过特有的方式表达了作品人物的内心世界，学生们在通过语言的教授阶段时只是初步对声乐作品的某些性质有所基本了解，而真实的情感体验才能使其深入理解到音乐的本质。体验是音乐的一个重要特征，与此同时，学生应当演唱足够数量的作品，如中外艺术歌曲、传统民族音乐及歌剧咏叹调等，储备一定的演唱经验，才能具备较丰富的音乐素材、音乐语言及音乐文化等基本声乐要素。

我认为，在音乐教学中，尤其是在声乐教学中，最重要的是为学生创造新颖、生动、愉快的学习氛围，在优美的环境中才能充分地感受美，我们需要创造一定的情景，使学生的情感得以激发和升华，引导他们在切身体验中理解音乐作品，这既是欣赏者对音乐的深情进行体验也是欣赏自身感情与作品的共鸣。所以，我主张在声乐教学中能够做到“动之以情，深于父母；晓之以理，细如雨丝。”2以此来激发学生健康而丰富的情感，从而激发学生的审美体验。

声乐教学不同于音乐学科中的其它科目，其实质是较为抽象的教学，一直以来的声乐教学，几乎是以感觉为导向的，教与学的双方往往都需要投入极多的精力与时间，所以有人说声乐是音乐学科中最难学与难教的学科。我认为在声乐教学中我们不仅应该坚持“凡音之起，由人心声也”3的感情主导原则，更应该培养学生的二度创作精神，能够对音乐有独特的品味与再创作，这事实上才是声乐教学的最终目的。如以上所说，声乐教学中要充分丰富学生的情感体验，在实践教学时注意挖掘音乐形象的情感因素，引导学生对音乐作品的旋律、节奏、调式、和声和调性都有全面的体验。以此使学生将音乐作品与生活经验联系在一起，运用生动形象的教学语言、诗歌、故事、丰富和美丽的情感色彩及图画等等，激发学生的联想与想象。

123俞子正，《声乐教学论》，西南师范大学出版社，2006-6。

同上。颜五湘，《声乐教学艺术与演唱实践》，花城出版社，2009-7。

二、声乐教学中的再创造培育

沈湘先生曾分析说“音乐是表演艺术，一个歌唱家需要有分析、理解作品内容和体验作品感情的能力，并且会用歌声去表达作品的内容、思想感情，这是我们应当具备的表现能力：首先是对音乐作品中所反映的生活及人物的思想感情、神态和事物的内涵有所观察、分析和理解的能力。其次是对音乐语言，音乐表现手段所表现的感情有所感受、体验和认识的能力。最后需要善于运用歌唱的技能技巧，把所理解的内容，感受到的情感用歌声表现出来。”4这便说明了在声乐教学中对音乐知识有所了解与掌握是初步的教学目标，让学生对音乐作品的感情有所体验与延展是进一步的教学目标，而使学生在以上的基础上将自身的理解与感悟进行再创造才是最终的教学目的。

词曲作者写出一件作品，这就是所谓的第一创作，而再创作是需要音乐演唱者自己来完成的。我们知道，同样的一首歌曲，不一样的演唱者来演唱所传递出的效果也是截然不同的。有的音乐作品从曲式上来看，是很简单的，结构也不复杂，但如果是通过一个优秀的演唱者恰到好处地细腻表演，唱出的东西是更具感染力的。这就是为什么在声乐教学中必须强调对学生的再创造能力的培育。例如我国的民间音乐可谓是琳琅满目，取之不尽用之不竭的资源，但很多曲目都有着不同的表现手段。技巧的不同，风格的各异都是可能进行再创作的契机，所以在学生学习中华民族声乐曲目的过程中，我们应该培养学生自觉的继承与发扬的品质，与此同时也需要兼顾对国外声乐各个派系的唱法和表现手段的了解，使学生的再创作建立一个全面且多元化的知识体系之上。

在教学过程中，还应该注意的是挖掘音乐作品最原生态的情感因素，使学生的学习以词曲有机的结合为基础，通过丰富的想象和情感体验对音乐作品给予准确的演唱发挥从而完美地塑造声乐艺术的感人形象。对于地域性不同的民乐，要培养学生对地方语言特色的基本了解，在再创作的过程中一定得结合乐曲相应的语言背景，紧密地伴随曲调节奏的起伏，增强旋律与节奏的音乐表现，以此使学生对乐曲的本质有着合理的诠释与再发挥。

三、声乐教学中情感与实践的结合

以上强调了在声乐教学中对学生情感体验与再创作的重要性，那么在具体实际教学操作中，怎样将这两个至关重要的因素有机结合，则是教学成败的关键所在。歌唱表演是一门技巧性很强的学科，不过最能激发学生歌唱激情的是具有艺术性的教学方式，所以要求教师的教学要富有情感性，而这样的情感性必须要落实到教学和艺术实践的每一个环节中，这样才能够使学生的再创作与情感体验得以有机互动，产生出一个良性循环的学习模式。

在平日里的声乐教学中，我们可以要求学生在练声中养成深刻感受、分析作品的良好习惯，把每件作品和每条练声曲都演唱得尽量的准确与完美，以此使学生从常规的技能训练过渡到有意识的歌词需要，从而使学生对音乐作品进行感受体 4唐琳，《声乐教学泛论》，上海音乐学院出版社，2004-8。验，不仅为其将来驾驭难度较大的音乐作品打好基础，也是为其从模仿到理解再到创作的进程创造条件。这样既能够提高学生的艺术感受能力，增加了教学的艺术性，也使学生的心灵得到陶冶，让学生认识到美好的演唱是情感与技巧的完美结合，使学生逐渐养成发声必有情的自觉意识，这是再创作出感人深刻作品的根本与核心。

声乐是实践性很强的学科，歌唱的技巧是以经验知识为基础的，必须通过无数的实践训练得以巩固。我们必须明确，优秀的歌唱是正确的发声方法长期的培养与情感体验的结合及自我体悟的表达的结果。所以教师在注重课堂训练的同时还应该尽可能多的为学生提供艺术实践的机会，如组织学生去欣赏音乐会，参加观摩课，参加演出等艺术活动。参加舞台实践类的活动，学生会把平日里声乐学习中的情感体验与艺术技巧通过舞台实践得以验证，并获得知识的积累与巩固，逐渐上升为自身切实感受的理性认识，将歌唱心理与歌唱技巧相统一，将其眼之所见、耳之所闻转变为心之所想、口之所唱，由此从学会审美过渡到创造美。

参考文献：

声乐技巧论文 篇3

关键词：声乐技巧；声乐表演艺术；重要性

歌唱是人类审美的表现形式之一，其内容与形式会随着时代的变迁而发生了改变，在声乐教学中声乐技巧是其中一个重要的组成部分，通过声乐技巧训练可以增强表演者的艺术表现力，从而使其演唱水平得到提高。演唱者要想完美的演绎出一部音乐作品，就要在声乐技巧上加以注意，将自己的感情充分融入其中。

1、声乐技巧的涵义

声乐艺术是一种整体性的艺术，虽然声乐技巧各有不同，但是他们都是密不可分的整体，只有不同声乐技巧相互协调、互相配合，才能将其艺术的完整性充分体现出来。演唱者在演唱音乐作品时利用自己独特的表演和艺术手段创造出优美的音乐，将作者谱写作品时的感情充分抒发出来，为广大听众带来一种心灵上的愉悦。在声乐训练中需要对音色、发声、咬字等多方面的内容加以训练，对这些方面的内容进行把握，因为这些内容是声乐技巧中非常重要的组成部分，演唱者必须将这些部分统一到一起，并将声乐技巧和自己的情感充分融合在一起，这样才能为音乐作品赋予新的灵魂。因此，各种声乐技巧的运用在声乐表演艺术中非常重要，发挥了非常重要的作用。

2、声乐技巧在声乐表演艺术中的重要性

2.1声乐技巧的价值体现

（1）利用声音的速度表现声乐作品

强烈的节奏感是一部优秀音乐作品的重要标志，这一点应该通过声音速度的控制来体现，展现出音乐作品的情感，使听众充分感受到音乐作品中蕴含的美。具体来说，在演唱过程中演唱者应注意自己声音的强弱，体现出一种声乐的流动感，这样每个声音都会产生一种方向感，将丰富的情感融入其中，注意自己内心的稳定，同时注意旋律的流畅性，这样艺术效果才能体现出来，表现其艺术价值。

（2）利用音色技巧来塑造声乐艺术形象

音色是指演唱者自身声音的特色，是歌唱艺术中一种重要的表现手法。声乐作品中对不同情感的表达，都需要不同的音色来表现，例如歌唱中的平铺直叙、幽默风趣等，演唱者的音色应体现出一定的特点，在演唱时演唱者应注意自己的音色与作品特点相结合，以作品本身的情感为依据选择音色，对艺术形象进行塑造。

2.2声乐技巧的重要作用

（1）使作品内涵得以升华

任何艺术都是人类情感的一种寄托，音乐作品创作者将自己的情感寄托在作品中，利用高度精炼的语言来概括这种情感，但是艺术家的情感往往非常丰富，即使语言再多也很难将其情感充分表达出来，这种情况下就需要借助演唱者对声乐技巧的运用，将声乐技巧和情感充分结合在一起，这样才能将创作者的情感充分表达出来。演唱者合理控制自己声调的高低和快慢有利于更好的将将创作者的情感完美的展现出来，在表演过程中，表演者还能利用或对自己声音的低沉或欢快将作品中隐含的情感表达出来。例如在《我的祖国》大合唱中，哪种对祖国的热爱以及对侵略者的痛恨，都可以通过表演者的声乐技巧表达出来。

（2）使艺术审美内涵得以深化

在声乐表演过程中，只有充分将人声与语言结合在一起，才会为音乐作品赋予价值，并将使其进入到一种开放的状态中，只有这时演唱者才能将艺术中隐含的文化价值充分传递出来。演唱者通过合理利用声乐技巧，可以更好的将作品中的情感表现出来。例如在《黄河大合唱》的创作过程中，冼星海为了更好的将中国人民不屈不挠的精神表现出来，对声乐技巧进行了淋漓尽致的发挥，将声乐的美推到了新的高度。

（3）提高声乐演唱质量

合理利用声乐技巧，音乐作品的艺术层次和演唱者的演唱质量都会得到相应的提高，由此可见，在声乐教学与声乐训练中，应该充分重视声乐技巧的教学。例如《好妈妈》作品利用语言和韵律表现出了创作者对自己母亲的热爱，歌曲中体现了和母亲之间那浓浓的温情。在演唱这首作品时，演唱者可以将声乐技巧和自己对母亲的感情充分融合在一起，并利用声乐技巧使听众感受到亲情和温暖在歌声中得到了床底，这样才能达到一种高潮迭起的效果。

（4）有利于對艺术形象的塑造

演唱者本身的声音特色就是声乐教学中提到的音色，在演唱过程中演唱者不仅要熟练掌握各种声乐技巧，同时还要懂得如何正确使用音色技巧。合格的演唱者必须对音色技巧进行准确的把握，并将自己的个人音色特点突出出来，只有这样，才能更好的表达出音乐作品中特有的美，从而更好的为广大受众带来一种极致的美感。

（5）使演唱者审美理念得以提升

当前人们在音乐欣赏的过程中对声乐艺术表演的需求越来越高，这种情况下，表演者应该不断提高自己的审美理念，这样才能使人们在声乐欣赏方面的要求得到满足。在声乐表演工作中，演唱者应注意对声乐技巧进行合理使用，这样才能将表演更好的完成，同时也有助于歌唱者更好的理解作品中的情感与思想，对声乐艺术中的美进行感受，最终促进歌唱者艺术修养的提高。

结语

总之，在声乐艺术中，声乐技巧是非常关键的组成部分，按照特殊的形态将其融入到声乐艺术中，利用一种独特的形式对声乐表演的效果产生影响。专业人士都了解，声乐表演的过程极为繁复，在开始演唱之前需要演唱者都会准备很多东西，还要经过长时间的训练。在实际声乐表演过程中声乐技巧的地位非常关键，因此，必须对其合理应用进行充分重视。

参考文献：

[1]苏祥玲.浅谈声乐技巧在声乐表演艺术中的重要性及影响[J].中国职工教育，2014，（22）：140.

[2]林健丹.眼神在声乐表演艺术中的重要性——以艺术歌曲《鸟儿在风中歌唱》为例[J].湖北科技学院学报，2014，（8）：157-158.

声乐技巧论文 篇4

关键词：声乐教师,演唱技巧,表演技巧,要求

在当今世界上, 声乐已成为人们热泪追求并悉心研究的一门学问。为了更好地研究歌唱的技巧, 把歌唱的气息, 共鸣, 语言以及歌曲的艺术处理作为研究对象, 了解歌唱的基本原理, 掌握歌唱的普遍规律, 这会对学生的声乐歌唱技巧有很大的提高会和帮助。那么, 如何对学生进行声乐技巧的教学呢?

一、加强声乐教师自身教学能力

要实施声乐有效教学, 拥有一些好的声乐师资队伍是关键。意大利女高音歌唱家莱·泰巴尔迪直截了当地宣称:“歌唱和秘密就是找到一位好教师”。的确如此, 声乐学生如果遇不到一位好教师, 还不如不学或者自学, 而声乐要完全靠自学几乎是不可能的, 因此, 声乐教师要努力学习、钻研, 不断探索和积累, 从以下五个方面切实加强声乐教学能力。首先是声乐教师要有总的正确的歌唱艺术观念, 掌握正确的唱法。只有老师明白了, 学生才可能明白, 如果教师本人都没有搞懂正确的唱法, 教学时难免陷入“盲人骑瞎马”的境地。因此, 声乐教师尤其是刚毕业的年轻教师, 要通过各种渠道的学习和提高, 形成正确的歌唱艺术观念。尽可能多的掌握多种风格的作品演唱。其次要有个好耳朵。声乐教学这门艺术主要通过听觉来进行, 声乐中的绝大多数问题, 只能说一个梗概和一般原则, 更具体的就要靠听觉去把关了。声乐教师必须借助敏锐和有经验的听觉去准确地判别学生发声和演唱时的音准、节奏、音质、音色、共鸣、气息、读字等情况, 并及时对学生的发声和演唱作出调整。教师不应该只是掌握一大把方法, 方法固然重要, 如果耳朵不灵, 辨别不清, 就不知道方法往哪里用, 甚至可能引导到错的方向上去。还有重要的一点是声乐教师应具有较强的舞台演唱能力和一定的钢琴伴奏能力。“善歌者使人继其声”。具备示范歌唱能力的教师可以使“言传”与“身教”有机地结合起来, 使他的教学更具魅力, 更令人信服。一位具有较高的舞台演唱能力的声乐教师必定同时具有很好的范唱能力, 而好的范唱不仅是激发学生兴趣最有力的手段, 还能使教师从生硬的、喋喋不休的理论讲解中解放出来。学生通过聆听教师的范唱, 不仅可以直接模仿教师的歌唱方法, 还可以体会教师对歌曲的理解和艺术表现, 达到对作品深层次的理解和把握。试看国内外一些著名的声乐教育家:意大利的巴拉、吉诺·贝基, 我国的沈湘、周小燕他们都是集演唱与教学于一身的“双料”大师。而不具备良好舞台演唱与范唱能力的声乐教师, 在他的教学环节中就会因为缺少这一环, 令人感到遗憾。

二、对学生进行声乐演唱技巧的培养

“歌唱是呼吸的艺术”。正确的呼吸方法在歌唱训练中是至关重要的, 也是声乐学习取得成效的极为关键的环节。从古至今, 在歌唱艺术中都十分强调呼吸的重要性, 并把它摆在歌唱的重要位置, 是有其科学道理的。世界著名声乐教育家卡鲁索曾说过:“一旦掌握了呼吸的艺术, 学生也就算走上了可观的艺术高峰的第一步。”在声乐学习中, 常会遇到学生在歌唱时旋律的流畅性差, 喉头滞重, 声音的柔韧性差, 憋气, 吊气, 声音位置不高, 长音完成不好, 无法进行声音的强弱变化等, 这些均与歌唱的气息有关。因此有种说法是:歌唱技术百分之九十在于掌握呼吸法。

对呼吸的训练, 更重要的是直接运用到歌唱中去。进行有声训练, 就是要进一步训练口、鼻、咽、喉头、声带、胸腔等器官的协调作用, 它涉及到歌唱者的音色、音量及音域等问题。一般而言, 开始作练习时, 用缓慢的音阶练习, 吸入气息后, 用尽量流畅平稳的中等音量的声音发出长音, 即呼出的气体要有控制而不能时快时慢, 以加强横隔膜肌的调控作用。当声音比较稳定均匀时, 在中声区基础上, 逐步进行渐强、渐弱音及音域的扩展训练。这种训练是声乐学习中不可缺少的重要环节, 通过这种练习可以加强声带的张力、柔韧性和持久性, 并可起到保护声带的作用。有声呼吸练习的种类较多, 但从呼吸的角度上讲大致可分为顿音练习、连音练习及顿、连音结合的练习三种。

三、声乐的表演技巧

声乐表演艺术的教学与训练, 更重要的一方面则是“情"的表现与处理。我在数年的声乐教学工作中, 发现许多学习声乐的学生及演员, 其中有专业的, 也有业余的, 他 (她) 们往往只单方面注重了声音的运用, 声音技巧的运用。而忽略了在训练中“情”的运用, 以及艺术表现的运用, 也就是声乐的表演技巧, 有许多人, 练起声来呆呆板板, 死气沉沉。练声只练声, 唱歌只唱歌, 毫无生气与朝气, 缺乏奋进的激情。声与情, 技与艺, 从来都是歌唱艺术中的血肉相连的两个部分。好的歌唱不仅技巧好, 更重要的是内容表达的好。声乐不仅仅是听觉艺术, 在现代社会, 更是听觉与视觉结合的艺术。歌曲写的好, 还要靠歌者唱的好, 才能激发观众的强烈共鸣:好的歌唱应当是声音优美悦耳, 感情真挚动人, 语言形象准确, 技法运用自如, 形体动作大方, 成为多种因素汇集于一体的扣人心弦的完美艺术。就是说, 只有声情并茂、技艺结合, 才能使歌唱达到感人的境界, 产生极富感染力、沁人肺腑的艺术效果。

要不断扩大学生的知识范围, 只有知识丰富了, 声乐的表现才会加强或提高, 声乐教师在这方面要为学生创造条件并督促他 (她) 们去完成这些辅助知识。因为直观教学, 在学习中对学生非常有影响。记得有一位男高音学生, 在唱世界名曲“我的太阳”时, 高音总是唱不上去。但每次让他跟着声乐大师帕瓦罗蒂的唱碟唱高音的时候, 他能很轻松地上去, 这是一种心理作用。当他听到大师唱这首歌很轻松, 他想的是“自己也能唱上去”。当关掉唱碟后, 他就唱不上去, 他失去了直观的感染力, 也失去了自信, 就唱不上去。针对这类情况, 声乐教师要做的就是根据学生的具体问题, 消除他 (她) 们的顾虑, 用歌曲中的“情”来调动演唱者的激情。

事实上也是这样, 当教师为学生选了一首歌或一首练声曲, 歌曲中表现的是第一人称, 就是角色中的“自我”, 而当演唱者表现出来的是与已无关与故事无关的感觉, 实际上这首歌已经失败了。当你唱悲伤的曲子时, 自己丝毫不感动, 欢快兴奋的歌曲, 毫无表情的演唱, 更会使观众觉得索然无味。本应铿锵有力的歌, 唱的软绵绵的。抒情的歌, 唱得硬梆梆的, 就不是发声方法与发声技巧问题, 而是声乐表演中所说的“情”的问题。因此, 训练学生发声, 提高技巧的同时, 一定要注重“情”的表现与“情”的运用和提高。

四、声乐技巧教学对学生的要求

1. 学生要努力提高自身的艺术修养。

首先, 要让学生深入生活, 获得丰富的生活经验。艺术源于生活, 而又高于生活。学生应深入到生活中去, 汲取艺术的养料, 因为只有生活, 才是艺术的唯一源泉。其二, 要有进步的世界观。世界观是艺术家的灵魂, 决定着艺术家艺术作品的倾向, 也指导、影响着艺术家的艺术实践活动。其三, 要有广博的文化知识。

2. 让学生选择适合自己演唱的歌曲。

。无论选择哪一类型歌曲, 都要从实际出发, 注意选择最能表现自己音色、音域和技巧的歌曲。

3. 要认真分析处理好每一首歌曲。

首先必须对作品进行深入、细致的分析, 了解作品的时代背景, 分析作者在歌曲中为我们所提示的表现意图, 正确地把握作品的基本思想, 然后, 运用各种表现手法去处理歌曲。

总之, 在声乐教学中, 既要重视对学生发声技巧的提高;同时, 也要注意对学生表演技巧的培养, 从而逐步提高学生的声乐能力, 使学生学会歌唱, 使音乐可以更加动人。

参考文献

[1].王福增著《声乐教学笔记》, 人民音乐出版杜, 1986年.

声乐技巧论文 篇5

院系: 音乐学院 专业：音乐表演 指导老师：于立刚 职称：副教授

摘 要：歌唱是一门艺术，是人类的精神产品，演唱者在舞台当中发挥演唱技巧时，自始至终都贯穿着一些复杂的心理活动。良好的心理素质以及正确的发挥声乐技巧技能是提高演唱水平的重要基石，更是表演者在舞台表演中完美表现艺术作品的有利保障。本文通过自身经历和体会，着重分析演唱者在舞台中发挥声乐技巧的得失因素。

关键字：舞台表演；心理作用；声乐技巧；

Abstract：Singing is an art, is human spirit product, the singer of the stage play, the first singing skills through some complex psychological activities.Good psychological quality and correct play vocal skill is to improve the level of skill cornerstone of singing, but also show the stage performers perfection advantageous safeguard of works of art.This article through their own experience and experience, and emphatically analyzes the singer in stage plays vocal skill loss factor.Keywords：Stage performance;Psychological effect;Music skills.前言

声乐艺术是音乐门下的一个分支，它包括的范围广泛：生物学，心理学和声乐演唱技巧等多种综合表演艺术。声乐表演艺术是以舞台表演为最终形式，高度体现演唱者的过硬的心理素质和声乐技巧的发挥

一、关于舞台上演唱者的心理问题

当你初次登上舞台的声乐歌唱者，多少会出现心跳加速，手脚紧张等问题，是由于过于紧张而引起的生理现象，有过歌唱表演经历的人都知道，很少人能做到心平气和信心十足地登上舞台。心理学研究表明：人们在日常生活当中，经常会遇到各种各样的困难和障碍，那么当你在不知所措和困惑自己怎样去解决和客服困难的时候，然而就往往会引起人们内心的不安和紧张，严重时可能会给自己

带来一种恐惧和焦虑感。

“每个演唱者在舞台上的行为不论正确与否，都是在自身心理活动的支配下进行的，任何的心理不良活动都有一个发生，发展和完成的过程”[1]。歌唱者的在舞台当中没有表现好的主要原因我在这浅析归纳一下：第一上台前得心跳加速，呼吸急促；第二：台中歌唱时展现出手脚发抖，全身冷汗，忘词跑调，高音唱破等；第三：台后演唱者唱完后大脑一片空白，对自己失去信心，对舞台形成一种恐惧感，使得自己今后胆怯，害怕上舞台等。使自己在今后的发展过程中造成一种心理障碍，失去一种自信的心理，对演唱声乐技能的理解和调控不当，失去歌唱欲望和表演热情。

二、影响歌唱者的众多心理因素

（一）性格个性的影响

个性是表现在一个人身上的那些经常的、稳定的、本质的心理特征。所谓性格，是表现人的心理特征的重要方面。人的行为方式千变万化，心理特征也千差万别，因此，每个人都有自己独特的性格。比如：有的人比较内向，平时就不善于言谈和表现，歌唱时就容易产生畏难或不好意思进行表演的情绪，在舞台表演时更会放不开，而有些人平时性格就很开朗，学习声乐演唱时就比较放松自如，大胆且不怕难为情，这样性格的人就会在舞台上演唱时心平气和，竞技状态表现较好，甚至超出平时训练的水平。这一切无不和个人性格有关。

（二）注重个人得失严重

有时候很多同学在演唱的时候杂念很多，怕丢面子，怕歌曲唱的太小被别人看不起或遭到嘲笑等等各种原因，我有时候就会在个歌唱时心理就会出现各种杂念，在歌唱技巧和心理都不到位时就想唱难度大，音域宽的大歌，结果给自己的心理造成了过重的负担。在演唱往往达不到预想的效果和目标，所以我们在学习专业技术的同时，也要树立自己正确的学习态度。目前我国各类学校正大力提倡素质教育，它就要求我们不只是单纯的学习技能，更重要的是有良好的心态来学习各门技术。要有不怕失败的心理准备，不计较个人得失，只有思想观念正确了，我们的学习才能更有效果。

（三）缺乏自信心

信心是放松的基础，我们经常看到有些人在台上演唱时，手在哆嗦，腿在打

颤，这大多数是因紧张而致，而没有自信心或者信心不足都会产生紧张的心理，导致演唱的失败。由于文化传统和历史的原因，过去大家错误的认为展现自我是一种不虚心的表现，只知道谦虚是一种美德，不知道自信更是美德，这就需要我们在日常的生活学习中，多锻炼自己，在课堂上与老师积极配合，努力做到老师要求的歌唱状态和声音，在课下练习时，要充满信心的多练多唱。声乐学习是表现艺术的学习，它的最终目的就是站在舞台上进行表演，没有良好的心理素质是无法进行的！有时候我在考试之前，就会反复地想自己能否发挥正常，自己能否收放自如的唱歌，自己是否能把高音唱的圆润悦耳，总觉得自己一点把握都没有。其实，自己的这些表现说明了当时我就没有成功的信心，到最后越紧张越唱不好，唱不好就更加紧张，从而形成恶性循环，导致演唱失败。其实信心和技术对于演唱同等重要，信心越大，心理就越放松，演唱水平就越高；信心越小，心理就越紧张，演唱水平就越差。因此，信心是克服紧张怯场的重要措施，经验证明：歌手树立“我一定能演唱成功！我一定能获胜！”的信心，就会大大削弱紧张情绪，就会沉着冷静的歌唱。

（四）基本功不扎实

有时候，我在考试或参加演出时，心理就会产生紧张情绪，其实这正是因为我对演唱技巧掌握不成熟所造成的。在学习训练中，有的同学基本功训练不刻苦，到了考试或演唱时发不出声来；有的同学学习方法不当，只偏重于发声练习的训练而忽视技巧和实际歌唱的结合；还有的同学仅仅注意在高音上以及某些乐句的练习，而对整个歌曲缺乏整体性的把握。作为一个歌唱演员，如果他所掌握的歌唱发声技巧还没有达到运用自如的程度就上了台，对自己是否能唱好心里没底，担心会唱“砸”，那么，他越担心，压力就越大，内心也就会感到不由自主的紧张。因此，歌唱者基本功不扎实，也是影响歌唱心理的一个重要原因。

（五）情绪对歌唱的影响

情绪是一种主观心理活动。“表演者的情绪——喜、怒、哀、乐等等方面都直接或间接的影响着其发声、演唱和表演，虽然其发声器官完全正常，但当其心理产生情绪异常时也很难成功的演唱一首歌曲”[2]。比如：有的同学突然接到电话知道家里出了事情或者有的同学丢了钱包，那么他的情绪必然会受到影响，心情特别的低潮，歌唱表演时肯定会受到影响；而有的同学可能今天突然拿到了奖

学金，那么他的情绪一定特别兴奋，特别激昂，竞技状态就会表现较好。所以，我们可以说声乐艺术在一定程度上受着“情绪”这一特殊心理因素的影响或者支配。

（六）单纯的技术观点

包括我自己在内，很多声乐学习者应该都有这样的经历，在练唱高音时拼命去想方法，造成无端的紧张，本来可以轻松唱过去的乐句，一紧张，导致身体也跟着紧张，使得声音难听或者“卡壳”。还有的同学酷爱声乐，非常认真寻求歌唱的方法，对理论也能说出几点，但是只要一唱歌，他便精神紧张地想到所有“方法”，结果是什么方法也没用上。原因是他的歌唱心理已经极度紧张，故而气不通畅，浑身僵硬。因此，学习声乐要树立正确的思想观念，在排除单纯的技术观点后，才会更好的发挥自己的声乐技巧。

从上分析中，我们已经了解众多影响歌唱者的心理因素，那么如何加强自我防止这些心理因素的发生？我觉得通过以下几个简明的调控方法来解决，调节演唱者的情趣，营造一个良好的氛围，培养正确的歌唱心理。

三、对歌唱者作出心理调控和解决

声乐作为一种表演的艺术，是演唱者内心的情感表达，认识和需求，表演者通过歌曲为载体的一种表达，抒解和信息的输出。通过表达，抒解和信息的输出，使歌唱者取得一定程度的精神满足，心理上的压力得到缓解，心理平衡得以恢复。要想使演唱过程中能高效的发挥出歌唱者的预期效果，除了生理因素的制约之外，心理调控对歌唱者的演唱状态同样起着关键性的作用。演唱者对技巧的掌握主要是依赖演唱者自身通过感觉和抽象的理解去控制自身发声技能。因为在声乐的学习过程中，人们无法利用视觉器官的功能，只能凭借直感也就是自身的感悟去调节自身的有关技能活动。

（一）具有调节自我的能力

1．怎样去正确的调节自己的直感能力。演唱者应该多加强舞台的实践活动，多上台表演多实践。尽可能体会舞台和驾奴自身的能力。演唱者通常在上台前，需要尽可能的稳定自己的心情，要体会自己在练声，练唱时的那种放松状态的感觉，并在心里默唱一下自身将要上场的演唱曲目，这样就有利于更好在舞台上展现自己，更有利于发音器官和生理机能的协调，也能避免因心理过度紧张僵化呆

滞而造成破坏声音自然流畅的现象。

2．歌唱者在舞台演唱时，要把注意力和兴趣投放到表演的过程中去，不要把听众当成前来挑毛病的检查者，否则只会增加自己的心理负担；歌唱时应该把听众当成朋友，用歌声向他们真心倾诉情感，传达艺术，这样的心情就会大大的放松，演唱就能出于可控状态；歌唱者在舞台上还要有落落大方的台风，上下台的步态以及演唱中遇到较长的间隙时，表情感觉都能与乐曲内容想吻合.......。

四、怎样科学地掌握心理调控的方法。

当我们了解到心理调控的重要性和影响因素之后，面临的问题就是该如何利用科学的心理方法开展声乐训练和演唱，使表演者在舞台当中更加淋漓尽致的展现出自身舞台声乐技巧的精华。“一个训练有素的优秀表演者，需要具备良好的歌唱心理素质，能够适应不同的观众群体、不同的场景，能给演唱者带来莫大的喜悦和幸福，反之则给演唱者带来痛苦和失望”[3]。根据前述分析，演唱者的心理受各种条件的影响和制约，如何在训练和演唱中积极主动的利用各种条件，避免不利，增强心理素质，提高演唱水平是每个演唱者在训练中的重要课题。针对不同的情况，可以通过以下几种调节心理活动的方法，调节演唱者的情感情绪，营造良好的学习氛围，提高效率，客服紧张心理。使之在舞台当中科学的发挥声乐技巧知识。

（一）台前应做好的准备

一个演唱者对于自己的演唱曲目，如果准备不充分，就会害怕出现问题。或对歌词不够熟练，而害怕忘词；或伴奏没有合好，而担心在台上出丑等。可想而知，当演唱者演唱一首非常生疏的歌曲或是超出自己力所能及的作品时，肯定会产生一种紧张的心理，所以，一定要做好演唱前得充分准备。第一，对于即将演唱的歌曲，要是足够的视练时间，熟练乐谱，注意音准、节奏、严肃认真、一丝不苟。第二，熟背歌词，歌词要背的纯熟，达到不假思索地脱口而出的程度，这样就不必担心错词、忘词。第三，要多合伴奏。在合伴奏时，就像亲临舞台一样。第四，解决歌曲的难点。找出歌曲中的难点，分别一一解决。如对某个音、某个字、某个段、某个间奏等都要准确无误。第五，不要演唱超出自身最佳音域的歌曲，如果对于演唱的歌曲音域不合适，可反复试验，定出切合自己最佳音域的调，使之演唱时，无论高音、低音唱起来都得心应手，运用自如。如果更改调后还是

力不从心，就应当机立断，改换歌曲。第六，每当上场前，一定要从脑子里静过一遍。无论歌曲的生熟，在上台演唱前，集中精神，像实际演唱一样，小声地静过一遍，这不但熟悉了曲目，也会减少紧张程度。第七。苦练基本功，有些演唱者平时练习不刻苦，到了考试的时候就紧张的不得了，不是怕气息控制不好就是怕声音出不来或者是出现沙哑，不是怕低音下不去就是怕高音上不来等多种现状。因此，要加强台前的巩固练习工作，苦练基本功，熟练的掌握演唱技巧，才能信息十足的在舞台上展现自身的价值，收到极好的效果。

（二）集中注意力

集中注意力是演唱者的基本保证，作为一个专业的演唱者不能专心致志，聚精会神的去唱歌，他就不可能演唱的很好。如果在演唱时去观察别人对自己的反映，去猜测观众对自己的评价，或者受舞台前方人员的走动，剧场灯光的影响，这样的演唱者是不会获得成功的。反而会越唱越紧张，忘词跑调，甚至可能中断，因此，演唱者在舞台中必须高度的集中自己的精力。再者，集中注意力是心理活动的一种特征。它是一种意识倾向特征。“注意总是伴随着心理活动的过程，并贯穿心理活动的始终，所以离开了注意力的集中，心理过程就不会有专一的活动”[4]。例如在歌唱时，如果是无意识的在歌唱，就很可能使歌曲的演唱陷于混乱，或者是忽快忽慢，或者自己即兴唱歌词，或者情绪情感表现不当或不明白等等。因此，集中注意力在演唱者的活动过程中，占据很重要的位置，它是演唱者能够正确思维，客服恐惧心理状态的重要条件。

（三）坚定自信的信念

信心是必不可少的、是成功的前提、是放松的基础。没有自信的信念，或信心不足都会产生紧张的心理矛盾，导致在演唱中失败。因此建立成功的信心就是要克服紧张的心理。

信心和技巧对于每个演唱者都非常的重要，自身的信心越大，心理的紧张度就越小，演唱时的水平就越高，出来的质量就越优。因此，信心是克服紧张情绪的重要措施。加强台前的冷静执着，坚定必胜的信念，是你走向成功的基础。

（四）多参与舞台实践活动

表演者首先要明白自己作为一个表演艺术者，就必须要面临同许许多多的观众见面的艺术，在你人生阅历途中，培养“调控”心理应多加强舞台的丰富实践

活动，要多搞一些带有娱乐性的场合进行表演，较为轻松地气氛和快乐松弛的环境会缓解表演者的紧张情绪。一般在上台前，要稳定自己的心情，要体会自己练声、练唱时的感觉，想象自己在练习当中的情景，这样的松弛不仅有利于表演，更有利于发音器官的生理技能自由活动，而不会因心理紧张造成僵化、呆滞的状态，以至于破坏声音自然流畅的表现。

五、培养良好的歌唱心理应从平时做起

良好的歌唱心理，必须从平时一点一滴的发声，演唱训练中逐渐地、有目的地进行培养。常听人们说练习歌唱要用心，这个“心”字是在平时养成的，练习唱歌时内心充满自信、愉快、坦然，不被技术方法所吓倒，要相信技术方法并不神秘，自己一定能学好。这样就能排除紧张心理，做到心情坦然，经得起困难与挫折，良好的歌唱心理便自然建立起来。平时练歌时要注重歌曲感情的表现，无论大歌小歌的演唱，都要尽量去抒发自己的情怀，经过长时间的训练，则可避免思想技术方法所造成的心理紧张，养成声情并茂的良好歌唱心理。作为歌者，时时刻刻都要找机会来锻炼自己，多接触和声乐活动有关的事物，平时注意多锻炼，并习惯于在各种环境，各种场合中演唱。把每一次的演出或考试都当成自己练兵的好场所，不要过多的考虑结果，只要认真对待，并能从每一次的表演中总结出对自己有益的经验来，就足够了。只要我们从平时练习做起，我们的演唱经验一定会越来越丰富，心理调控能力越来越好，越来越强。

引文注释：

[1]徐行效，《声乐心理学》[M]，科学出版社，2003。

[2]贾丽青，《声乐表演中的形、神、情及其创造》[M]，殷都学刊，1998年第1 期。[3]范晓峰，《声乐美学导论》[M]，上海音乐出版社，2000。

[4]段玉香，声乐艺术中“歌曲技巧”与“情感表现”的关系[J]，中国音乐，2007，（03）。

参考文献：

[1]王国俭著，浅析声乐表演中的怯场心理[J]，2009年，第五期。

[2]石惟正著，《声乐学基础》[M]，人民音乐出版社，2002。[3]赵震民著，《声乐理论与教学》[M]，上海音乐出版社，2002。

[4]邹长海著，《声乐艺术心理学》[M]，人民音乐出版社，2000。[5]范晓峰，《声乐美学导论》[M]，上海音乐出版社，2000。

[6]徐行效，《声乐心理学》[M]，科学出版社，2003。

[7]李进晋玮，李晋瑗，沈阳声乐教学艺术[M]，华乐出版社，2003。

[8]Richard schechner 英文主编，孙惠柱中文主编，《人类表演学》（系列—平行式发展）[M]，文化艺术出版社2007年11月北京第一版。

[9]单洁，浅谈如何做好声乐舞台表演，大众文艺[J]，2010年第3期。

[10]段玉香，声乐艺术中“歌曲技巧”与“情感表现”的关系[J]，中国音乐，2007，（03）。[11]贾丽青，《声乐表演中的形、神、情及其创造》[M]，殷都学刊，1998年第1 期。[12]邹京航，浅谈声乐演唱中情感表现的影响因素[J]，艺术广角，2007（06）。

浅谈声乐演唱中的技巧 篇6

关键词：呼吸；共鸣；声区

一、关于呼吸

呼吸是歌唱的动力，是人体的一种生理机能，歌唱的呼吸与生活中的呼吸是有区别的。作为一个歌唱者，想要从中掌握真正正确的理论实在太难了，许多人相信了一些错误的理论并成为作俑者，使得声乐理论更加错乱迷离。呼吸，有时急促；有时缓慢；有时吸得深；有时吸得浅，有时还需要紧一下气。这些都是日常生活中常见的各种不同的呼吸。这些生理现象的呼吸很自然，但是歌唱的呼吸与生活的呼吸不同，歌唱的呼吸比生活的呼吸变化要多，比说话的呼吸要吸得深，用得长。歌唱的呼吸要随着乐句的长短，根据情绪的喜、怒、哀、乐而变换着运用呼吸。因此歌唱的呼吸不同于生理性呼吸，而属于有意识、有目的、带有技巧性的呼吸。

声音的不同变化都与呼吸有关系。生活中人们的言语随着表情达意的需要，常常要变换着各种语气语调来说话，虽然有声音高低、长短、强弱的变化，但是没有严格的要求。而歌唱则不同。歌唱有音调的准确，节奏的正确，力度的变化，音色的优美、动听等要求，把这些歌唱的要求掌握得好的，就唱得好。因为，歌唱本身要有生命力，要有音乐的感染力。要使声音有生命，就要有呼吸的支持。歌唱的呼吸是歌唱的动力，是歌唱的支持力。P.W.马腊费奥迪曾说过：“一旦掌握了呼吸的艺术，学生也就算走上了可观的文艺高峰第一步”。呼吸是歌唱的根本，有了呼吸作为支点才能更好的为歌唱打好基础。在唱出一个乐句之前，头脑里已经有了感觉，凭着这个感觉来确定吸与呼的对抗压力合适的尺度。所以说在刚一开始唱的同时吸与呼这个压力就产生了。吸气开始，气息进入体内，这是吸气肌肉群在工作，若此时感到呼、吸器在畅通、很舒服，胸前、两肩都没有紧张感，那么这口气是吸得正确的。吸进气以后，吸气肌肉群不能放松，必须保持吸气状态与呼气肌肉群构成对抗，产生压力，把气用得均匀而有控制，这就是我认为正确的呼吸的理论。

二、歌唱的共鸣

呼吸是歌唱的动力，没有动力就不能发声。有了动力以后，共鸣在歌唱中是非常重要的。同时，决定歌唱音色的好坏，特别是音色的不同变化，共鸣都是很重要的条件，几乎是决定性的因素。歌唱共鸣的通道像管乐，是一个管状腔体的振动，例如小号，如果只吹嘴子，声音又小又难听。再如小提琴，假如只在指板上上好弦，没有琴身，拉起来声音很刺耳，非常难听，给提琴按上琴身，提琴有了共鸣腔体，声音就非常好听。我们人声乐器的道理也是一样，打开腔体，让声音通过腔体振起共鸣再发出来的声音，就成为音色优美动听的歌声了。适当地运用共鸣才能使歌声在舞台上的乐队，直接到达听众的耳朵里，因此共鸣在歌唱中非常非常重要。有了舒服的深呼吸，共鸣腔体就打开了，喉咽腔、鼻咽腔，即张开口看到后咽壁，顺着后咽壁往上、往下的腔体也就打开了，这是唱歌很重要的共鸣腔体。

歌声通过这条通道，把贴着后咽壁唱出的歌声反射到前面，形成靠前，而不是往眉心处唱，眉心是反射出共鸣的一部分，但绝不是一种手段。而且歌唱出来的声音、共鸣不只是肩心这一点，而是从头顶到前额都有共鸣。打开腔体的第一步是喉位放在什么地方，如果有很舒服的深呼吸，你的喉器也会跟着下来。这样喉器的腔就大了，嗓子的腔体扩大了，共鸣也大了。深呼吸和打开腔体是一个动作（如打呵欠），这二者是吻合的。

三、声区的统一

人们一般把音域分为：低声区、中声区、高声区。但是如果在唱法上来分为低声区、中声区、高声区，那我就要反对了。我认为唱法上只有一个声区，“歌唱嗓音在正确发声时是没有声区的，根据自然规律。当从低音长到高音时，每个声音的振动，共鸣的比例，真假声的比例都不同，其实它们是由间接意识指挥人体来完成的。

（一）在歌唱中始终保持一种“坚实”的意识，“坚实”其实是意识的一种感觉，“有一些人，接受了‘歌唱的秘密靠前靠前再靠前’的概念，而拼命的追求靠前，结果唱出来的却是白声。就象意识受到各种力量而产生的一种稳定感。

（二）根据唱法的不同，使腔体打开的大小也不同，这种腔体的打开直接体现在喉结的下沉的程度不同美声唱法要求把喉结下降到最低（当然不是强制），所以腔体要打开最大，这种腔体的打开也是由间接意识来完成的。

（三）明年由于歌唱能力的限制，人总是从中音向高低音扩展时，真假声比例可调范围越来越小，在中音时，声音可以从真声占绝大部分假声站绝少部分的音到假声占绝大部分真声占绝小部分内任意调配，而越往高低走，这种变化越受限制，最后到最高音和最低音时，真假声比例只能各占一半。

（四）音量与音高及真假声比例的关系。从中音开始向两头走，音量的最大量是递减的。而且在固定音高上，音量的可调范围还与真假声的比例有关系，如果真声比例大，音量最大量和最小量就比真声比例小的音量最大量和最小量，依次类推。所以在正确歌唱中，掌握自己的歌唱能力，再根据歌唱能力对声音的限制，客观的做好对声音的运用，才能唱出在自己水平之中最好的声音。

正确的歌唱方法的本質就是意识对人体的指挥艺术。理论是需要经过实践的反复论证才能证明其正确性，可行性的，但是对歌唱的探索是永无止境的。“歌唱与其说是生理过程，不过说是思维的过程”----瑞丽。

参考文献

[1]（意）P.H.马腊费奥迪著，郎毓秀译卡鲁索的发声方法[J].北京，人民音乐出版社，200，（7）.

[2]（美）维克托·亚力山大·菲尔兹著，李维渤选译《训练歌声》，上海，上海音乐出版社，2003，（1）.

[3]邹长海.著声乐艺术心理学[J]北京，人民音乐出版社，2000年8月，第一版.

[4]（美）约翰·卡罗·伯金著，萧宇译教唱歌北京[J].人民音乐出版社2010，（3）.

声乐技巧训练方法探究 篇7

一、呼吸的训练

在我们的声乐学习过程中, 由于训练方法不同, 为此表现出来的呼吸方法也各尽不同。有的歌者为找横膈膜扩张的感觉, 就使劲撑开两肋, 使上身处在一种僵硬的状态下歌唱;有的歌者一开口唱, 就把小腹收紧, 意为此举可使横膈膜扩张, 从而控制气息;有的歌者在歌唱时, 小腹有意识地一收一放, 意为腹式呼吸。歌唱中的呼吸方法, 应该是一种自然的呼吸方法。对气息的训练主要应通过对声音的训练, 来增加对呼吸的灵活性、弹性和力度的控制。歌唱的呼吸训练是建立起正确、得当的呼与吸的对抗, 要确保不尽的、稳劲的流动气息, 它是一切歌唱技巧基础的供给。它的要求是:肺内气息始终处于压缩状态形成向外排气的气势, 并随呼气和腔体调节呈流动的气柱, 从而为“唱在气流上”提供不尽的气息能源。

二、发声的训练

发声训练是学习声乐的必修内容, 它与呼吸、喉位、咬字有着密切的联系, 是提高歌唱技巧、增强歌唱能力、稳定声音质量的重要手段。声音的训练可通过发声练习和歌曲演唱来进行。而训练声音的延长与均匀、连贯则是首要的。开始时可以进行一些短小简要的发声练习。随着技能的不断增长, 可逐步增加声音的长度, 扩大音域加大难度, 可以由单母音增加到多母音, 可以上行也可以下行。在进行这些训练中逐渐加入跳音、断音、顿音, 快速唱等。使歌者逐渐掌握呼吸器官活动的感觉和规律。在发声练习的同时, 要结合乐句来练习, 通过歌曲的演唱可以使呼与吸按照乐句的句法、节奏、速度、表情等来进行, 从而提高控制歌唱呼吸的能力, 适应歌曲的需要。

声乐训练最主要是对大脑的训练, “思想是控制嗓音的唯一力量”, 有什么样的思维决定了什么样的演唱。要唱出美妙的声音主要是由人的精神思维对身体的控制力来完成的, 而如何提高这种思维控制力, 主要靠认知水平的提高, 捕捉住学生在练习过程中表现出的一些细节, 不断强化正确的声音概念, 逐渐改观他对声音的审美认识, 而这种正确的审美又反过来指导其训练, 在演唱技巧提高的同时, 审美又提升到更高的层次, 继而更高层次的审美认识又指导着更高要求的训练, 就这样循环下去, 声音的训练才能一直朝着正确的方向前进。

三、共鸣的训练

共鸣是声乐技巧中极为重要的一项内容, 它对声音的音量大小、音色的调节、声音的统一等方面起着至关重要的作用。声乐中的共鸣就是指人体的共鸣。人的声带是极短的振动体, 呼出的气流冲击闭合的声带, 使之振动发音, 此时这个音是微弱、细小、缺乏色彩的, 被称为“基音”。“基音”通过人体和各个共鸣腔体得到充分共振后, 产生大量“泛音”, 这就是歌唱家的“共鸣”, 基音产生共鸣后变成了我们听到的明亮、优美的声音, 因此, 正确的发声和好的歌唱是建立在共鸣之上的。

要有好的歌唱姿态和积极兴奋的歌唱状态。好的共鸣需要一个好的共鸣空间, 人的肌体和精神必须兴奋起来, 才会把所有的共鸣腔体尽可能地打开, 给声音的共鸣准备一个好的共鸣空间, 便于让“基音”尽可能地进入共鸣腔体, 产生共鸣。声门要适度控制气息通过声带产生微小的“基音”, 这是声音共鸣的“音源”。歌唱中要想获得良好的“基音”, 也就是共鸣的“音源”, 声带闭合必须适度, 这是获得良好共鸣的前提。哼鸣练习有助于我们美好共鸣声音的取得。具体在练习哼唱时, 可先用打哈欠的感觉, 把人的口咽腔、鼻咽腔最大程度地打开, 把气息沉底, 找准气息的支持点, 可以去想象并建立一个 (声乐感觉上的) 从后腰起沿后脊椎至头顶上方的一根“空管子”, 想象头腔就像一个倒置的空瓶子, 声音在这根“管子”里从下至上被气息送入头腔产生共鸣, 声音从上腭发出, 眉心和鼻梁处要有轻微的振动感, 每个音都是从同一位置哼出来。这样, 每个出来的声音, 都不飘不浮, 音色优美, 并取得声音的高位置。哼鸣分开口哼鸣和闭口哼鸣, 在练好闭口哼鸣后, 再在此基础之上来练开口哼鸣, 即张大口发子音“n”的练习, 如果开口与闭口哼鸣的声音基本是相同的, 就证明这个感觉就基本是对的了, 然后我们就可以用哼鸣带动其它字母的练习, 从而把发声练习做好。

四、语言的训练

歌唱语言是声乐训练中的重要部分。歌唱, 就是将音乐化的人声与语言相结合, 进一步表情达意的一种音乐表现形式, 歌唱语言能直接揭示歌曲的文学内容和思想内容, 能突出作品风格, 能直接展示歌曲图像和意境。

1、歌唱中的咬字

歌唱的咬字不同于说话时的咬字, 首先要求呼吸的支持、音质结实且有共鸣, 其次是注重咬字部位。歌唱发声的字头是字的声母, 因为声母的发音清晰、有力, 能够更好地表达歌曲的情感。而我们常在一些演唱中发现听不清歌者在唱什么, 很含糊, 出现这样的情况, 主要就是没咬准声母的发音部位。在学习中, 我们可以先用一个单独的母音, 如“啊”代替歌词来练习, 把注意力重点放在唱母音上来, 咬字的着力点要准确, 有助于纠正发音不准的现象。

2、歌唱中的吐字

在声乐发声演唱中, 我们既要考虑口腔打开的吐字正确状态, 又要找到合理的共鸣, 还必须有正确的呼吸支持, 这就需要各部分发声器官的相互协调作用。口腔如何打开吐字具有严格的要求, 开小或开大都会影响声音的音质、音色。最重要的一点是要能保持口形的稳定, 无论字腹的发声旋律怎样变化或者长句中如何换气等等, 口形都不能有所变动。

3、歌唱中字的收尾

在演唱时, 要能使每个字有收尾, 也是为下一个字的出声作铺垫, 起到了承上启下的作用, 保证了两字间的连贯和清晰, 字尾轻轻收, 既要保持口形不变, 又要轻轻地干净地收声。歌唱中的语言是使歌声富有生命力、感染力的一个非常重要因素, 只追求声音、位置、气息、共鸣等技巧, 而忽视了语言艺术, 就不可能成为一个真正好的歌唱者。

五、结束语

歌唱者既是“乐器”又是“乐器”的演奏者, 声乐的训练过程很大部分是“乐器”制造的过程。在歌唱发声的过程中, 无论是呼吸、共鸣、练声、语言都缺一不可, 每个动作的要领都是相互联系、相互促进、相辅相成的。在声乐艺术中, 对于技巧获得下的声音, 美声唱法有着特殊的美学要求:声音流畅、自然、具有穿透力、致远性和持久性。一切的方法手段都必须以这一美学要求作为前提去训练声音。因此, 对于呼吸、共鸣、咬字、语言等主要的技巧训练的方法异常重要。

摘要：歌唱技巧训练的目的是为了“气息、发声、共鸣、语言”这八个字的协调统一。为了实现歌唱这一门艺术的发挥, 必须经过一定时间的专门训练才能形成、发展和掌握歌唱的能力。文章通过对声乐技巧训练方法的阐述, 明确学习声乐艺术的注意事项, 更好地把握声乐训练的每一个步骤。

关键词：声乐训练,技巧训练,共鸣

参考文献

[1]邓婷.浅论歌唱曲目的选择与练唱[J].科技创新导报, 2012 (05) .

[2]王一平.论声乐教学中的几点教育艺术[J].音乐时空 (理论版) , 2012 (02) .

[3]吴海燕.谈声乐教学中的吐字训练[J].赤峰学院学报 (汉文哲学社会科学版) , 2012 (03) .

浅析声乐的演唱技巧 篇8

一、呼吸技巧

在声乐演唱过程中,呼吸能力属于原动力,很多歌唱家及音乐理论家均对歌唱呼吸十分重视。具体而言,呼吸技巧主要包括以下几种:

(一)呼气技巧和吸气技巧。呼吸技巧主要包括两种, 即呼气技巧与吸气技巧。对其进行细分,主要包括打哈欠式技巧、闻花式技巧、哭泣式技巧、惊吓式技巧、睡眠式技巧、哄笑式技巧、喘气式技巧、吹灰式技巧以及叹息式技巧与搬重物式技巧等。在演唱过程中,演唱人员应当依据不同情况综合运用这些技巧。

(二)换气技巧。换气在演唱技巧中属于气口范畴,但是在演唱过程中气口为吸气方法,其所表示的就是在歌唱间歇时进行换气,也就是说当演唱到长音或者高音之前,应当先进行吸气,从而充分准备好。但是,换气并不是停顿,换气是在吞吐字的瞬间趁机进行的。

(三)偷气技巧。偷气属于一种气品,但是与换气相比, 其隐蔽性更强,更加不容易察觉。该呼吸技巧的特点就是不露痕迹,隐而稳,快而轻。

二、发声技巧

在声乐演唱中,发声属于基础及核心内容,因此掌握发声技巧对于声乐演唱十分重要。发声技巧主要包括以下几种:

(一)唱名法技巧。唱名法包括两种:固定唱名法和首调唱名法。在演唱过程中,这两种唱名法优劣均存,演唱人员应当依据本人具体情况以及演唱曲目情况合理进行选择, 尽量做到扬长避短。

(二)起音歌唱技巧。起音,就是在歌唱过程中所发的乐句开头的首音,其对整个声乐演唱优劣有直接影响。因为起音是演唱人员为其喉部声门由不发声状态向发声状态转变的瞬间所选择的方法,表示发声开始时的状态及方法, 也表现了是否正确地协调了声音、气息及共鸣三个方面的关系。具体而言,在歌唱技巧中,共有三种起音歌唱技巧:硬起音、软起音以及缓起音。在进行声乐演唱时,这三种起音发声技巧往往相互渗透、相互结合,演唱人员要合理地运用。

(三)嗓音技巧。嗓音技巧包括运用真声、假声以及混合声的技巧。在演唱过程中,歌唱者应当以自身嗓音条件、声音特点与及曲目等实际情况为依据进行选择。

三、处理技巧

处理技巧是对歌曲进行艺术处理的相关技巧,包括以下几种:

(一)整体布局技巧。整体布局技巧就是歌唱者在整体艺术构思的基础上对所要演唱的曲目实行艺术设计与艺术处理,主要包括情感特点、歌曲形象,还包括风格特点、意境与情景等因素,还有作品结构安排等因素。

(二)对比技巧。对比技巧主要包含两个方面,一是情感内容的对比,比如爱恨对比与悲喜对比;二是形式结构的对比,主要包括强弱对比与快慢对照。

(三)夸张技巧。夸张技巧即为夸大、强调及凸显特点的一种技巧,比如对歌曲节奏、节拍与力度等进行夸张,从而对其特点进行强调,进而达到出奇制胜效果。

四、抒情技巧

在声乐演唱技巧中,抒情技巧是最重要的技巧,并且是核心技巧之一。因为声乐艺术和其他音乐艺术相同,都是抒情艺术。在声乐演唱过程中,歌唱者首先通过情感体验,让歌曲中的人物情感发生转变,转变为歌唱者自身的情感,之后再通过真情演唱,将这种情感传达给观众,使观众产生共鸣,从而达到期望的艺术效果。抒情技巧主要包括以下几种:

(一)旋律抒情技巧的运用。旋律是歌曲的灵魂,体现了歌曲的基本内容,并且具有抒情性,所以要把握好旋律, 利用旋律技巧表达歌曲情感。

(二)节奏抒情技巧的运用。节奏也是表达情感的一种重要手段,它能使旋律具有鲜明的性格及情感,不同的节奏表达的情感也是不同的。因此,演唱人员应当将节奏唱好, 将歌曲的感情唱出来。

(三)音色抒情技巧的运用。最具有情感色彩的即为音色,音色是声乐演唱中十分重要的一种抒情技巧。不同的音色能够表达不同的感情色彩。比如《在希望的田野上》以及《黄河怨》两首歌曲,其音色特点分别为清晰、洪亮与低沉、暗淡,所表现出的情感分别为欢乐、喜悦与悲伤、慷慨。

声乐技巧论文 篇9

关键词：声乐技巧,声乐艺术,民族文化,作用,地位

一、声乐技巧的概念与特点

声乐是以表现内心情感为目的一门艺术,不仅能培养人的审美情趣还能以一种独特的艺术表现形式表达对美好生活的情感。声乐技巧从不同的角度解释具有不同的概念:语言方面声乐技巧表现的是语言和人声的组合;对声乐艺术的基本情况进化解析,声乐技巧表现出来的是一种提高声乐艺术表演质量的有效手段;而从声乐艺术的具体情况分析,声乐技巧包含发音实际情况和吐字清晰程度等多方面的内容以及知识。对于不同的音乐类型,需要不同的声乐技巧来表现声乐表演的内涵和感情,而声乐技巧直接影响了声乐表演的表演状态,对其的把握度越稳定越能提高声乐表演的质量。

声乐技巧的特点主要体现在两个方面。一是在对作品的演唱风格有了一定理解的基础上选择适当的表现形式来表达作品的内容。二是通过剖析声乐作品的体裁形式即品种,明确音乐作品的基调。根据声乐基本内容可将声乐分为三大类:赞颂曲、抒情曲和叙事曲,我们需了解作品的背景以此来明确其音调,再通过细致调节来塑造作品的形象。

二、声乐技巧在声乐艺术中的地位与作用

(一)声乐技巧深化了声乐艺术的情感表达

声乐艺术的两大主要元素是技巧和情感,对于声乐艺术来说,技巧和情感是辩证统一、相辅相成的关系,情感是技巧实现的目的,而技巧是情感表达的重要手段。在实际应用中,若只有情感便显得空洞无力,只有技巧更是如同杂耍一般,只有两者应用和谐才能由技巧带来审美愉悦,由情感进入深层内涵,使人感受到作品的感官和思想的美妙。

所谓“无技不惊人、无情不动人、无戏不服人”正是体现出了技巧、感情和表演在表演艺术中辩证关系,而同时我们也可以看出技巧对声乐艺术的重要地位和作用。

(二)声乐技巧深化了声乐艺术的审美内涵

声乐艺术的意义和价值通过语言和人声的声乐技巧得到体现,传递出了声乐艺术本身的神韵和美感、蕴含的文化和品质,深化了声乐艺术的审美内涵。例如著名作曲家冼星海的《黄河大合唱》极致地发挥了声乐技巧的作用,将中华民族不屈不挠的民族精神表现得淋漓尽致。

在我国,各地域各民族不同的文化积淀使得传统民间声乐艺术拥有不同的审美概念,而声乐技巧在语言、音色和润腔等方面的不同恰恰体现出了一个民族的审美个性和声乐艺术中体现的民族文化和特征。

(三)声乐技巧是风格表现的重要手段

情感和风格都是声乐艺术重要的组成部分,情感是灵魂风格就是核心,但是这两者都离不开声乐技巧,声乐技巧是它们最主要的表现手段。我国各民族之间文化差异导致的声乐艺术的区别和差异已非常明显,世界民族之间民族语言、人文环境和风俗习惯等的巨大差异更是使得世界音乐在风格上体现出巨大的不同。对于声乐艺术,这种巨大差异体现在语言、发声、咬字、呼吸、语气等声乐技巧运用上的差异。例如意大利的美声唱法,就需要声乐技巧来体现其美妙清纯的音色、自然的发音、洪亮的音量、特重的起音法和巧妙的滑音等。

风格是声乐艺术的重要标志。在艺术领域中,风格的不同是主要区分不同流派的方法,而技巧的不同便是区别不同艺术风格的主要手段。

(四)声乐技巧促进了声乐艺术的多元化发展

在以本国声乐文化为主要内容的基础上,通过对世界不同地区和文化的声乐的了解,增强对本土声乐艺术和其存在的多样性的认识,在不同声乐中认识并理解声乐本身,通过借鉴和吸收不同国家不同民族科学的、先进的理念和技法,融合各种声乐技巧,形成多样的艺术风格,这便是声乐艺术的多元化发展。

三、总结

声乐表演是一个非常复杂的过程,一首完美的作品离不开歌唱家前期大量的准备和练习,而声乐技巧对于歌唱家和声乐艺术来说都是必不可少的,因此一个声乐艺术家对于声乐技巧的掌握显得格外重要。随着社会的不断改革和发展,我国在声乐艺术这条道路上将会遇到各种各样的机遇和挑战,我们要正确认识到声乐技巧在声乐艺术中的重要地位与作用,才能使声乐艺术得以健康地发展。

参考文献

[1]李雪梅.论声乐技巧在声乐艺术中的作用[J].河南艺术职业学院,2014(02).

声乐技巧论文 篇10

关键词：声乐技巧,声乐艺术,地位

声乐艺术是利用歌词的形式对艺术形式的表达, 其利用一定的技巧与优美的歌声把作者在艺术作品中所赋予的情感生动地表现出来, 从而使听众的心灵在艺术氛围中得到感染与熏陶。声乐技巧在声乐艺术的应用过程中, 融合了多种艺术元素, 并具备独有的艺术样式与手段, 能给听众呈现感官性、多层次的视觉与听觉感受, 完美地把艺术表演中的审美价值与艺术效果结合在了一起。

一、声乐技巧在声乐艺术中的应用特点

1. 根据作品特征选择合理的表现形式

把歌手内心丰富的情感利用歌声传达给听众是声乐技巧在实际应用过程中的最大魅力, 歌手在抒发情感的过程中, 应该自身对所演唱的作品有独特的理解, 并根据自己所理解的歌曲作品的特征, 选取合理的歌唱表现形式, 把声乐所包含的故事与情感生动地表现出来, 努力在表演声乐的过程中让听众能够对声乐作品产生共鸣并认可声乐表演。比如抒情曲中的典范塔吉克民歌《古力碧塔》, 主要讲的是一个解放军战士在与敌人作斗争的过程中, 把自己失散很久的爱人找回的爱情故事。在用声乐技巧演奏这首民歌的时候, 需要充分理解这首民歌中爱情故事的典故及这首抒情曲的艺术特征, 把解放军战士与姑娘之间的爱情与情感用婉转悠长的曲调表现出来, 用合理的声乐技巧来表达这首声乐艺术, 努力做到打动听众的心。

2. 根据作品体裁确定作品基调

声乐技巧与其他声乐类型的区别是其在实际的艺术表现过程中更加重视掌控作品音调, 通过细致划分作品的体裁及内容, 以抒情曲、叙事曲、赞颂曲三个部分为主, 依照作品的音调与类型的不同相应地进行声乐手法与情感手法的转换, 在声乐艺术中的应用过程中把情感表现能力与艺术把握能力充分地表现出来。比如音乐经典歌曲《外婆的澎湖湾》一直都能给听众带来感动, 而这首歌曲在声乐艺术表现的过程中, 应用的声乐技巧就是叙事曲的表现方式, 利用精准地把握音乐中所有小节的音调的方式, 把音乐曲调中的情感色彩融合进来, 在表现声乐艺术的过程中实现了时而哀伤、时而柔美、时而悠扬、时而欢快的情感表达, 这首歌曲就是通过声乐技巧准确地把握到了艺术表达特点, 根据作品的体裁确定了合理的作品基调, 从而给听众带来了美妙的视听感受。

二、声乐技巧在声乐艺术中的地位与有效性

1. 使生活艺术的内涵得到了升华

在表达方式上, 声乐艺术重视表达人的情感与生活内涵, 通过高度的抽象把创作者想要表达的深刻艺术内涵表达出来。通常, 文字、语言等其他表达形式是不能把这种内在的深层次涵义表现出来的, 即便是乐器所能表现的内容也是非常有限的, 因此, 只有表演者的声乐技巧才能把这种内涵生动地表现出来。其中, 声乐艺术主要通过声乐技巧中歌唱的快慢与声调的高低来表现, 从简单层面上来讲, 声乐技巧就是表演者利用自己的声音与语言来表达声乐艺术的内涵与情感, 歌唱者利用歌声的快慢与低沉来表达歌曲中的情感因素。例如, 在合唱《我的祖国》的时候, 合唱者要想把人民赶走外国侵略者的决心与对祖国的热爱之情生动地表达出来, 就要运用合适的声乐技巧来表现。

2. 使声乐艺术的情感表达得到加强

只有能给听众留有深刻印象、能引起听众共鸣的作品才能称得上是一部好的声乐艺术作品。但是包含在声乐艺术作品中的情感是不能通过作品本身表达出来的, 而是需要经过演奏者的表演才能把声乐艺术作品中所包含的情感传达给听众。并且声乐技巧可以强化声乐艺术作品中的情感, 能够使艺术的表达更加深入人心。由于不同的情感需要不同的声乐技巧表达方式, 因此在运用声乐技巧对声乐作品进行表达的时候, 需要结合艺术作品中所包含的具体情感来选择合理有效的声乐技巧。从优秀的声乐艺术作品可以看出, 只有很好地把所要表达的情感内涵与声乐技巧结合起来的艺术作品才是能够感动听众、给听众留有深刻印象的声乐艺术作品, 因此, 要想使艺术作品得到饱满的艺术骨架的支持, 就要把这两者有效地结合起来, 若是声乐艺术作品缺乏这种情感的艺术骨架的支持, 就难以把其所包含的精髓与情感传达给听众。

3. 使声乐艺术作品中的风格得以表现

由于不同的艺术流派作品所表现的艺术风格各具特色, 并且其所包含的情感能够引起不同人的共鸣, 因此不同的人群会为不同的艺术流派所倾倒并疯狂追求。艺术风格是声乐艺术的核心, 也是能够区分一种艺术形式与其他艺术形式不同点的关键所在。把声乐艺术中所包含的情感生动地表达出来是不同风格的艺术作品表达的最终归宿, 但是在表达的过程中, 需要配以与声乐艺术作品情感格调相符合的情感氛围。在风格特色方面, 声乐技巧就是利用不同的声音技巧, 把能够烘托声乐情感的氛围表达出来。依据地域的不同来划分声乐艺术流派风格是不同的声乐技巧与艺术情感风格相结合的最紧密的分类。比如南方与北方的声乐艺术的不同点主要表现在:南方的声乐艺术受到南方人轻柔委婉的说话特点的影响, 其对音调上的婉转多变的处理比较重视;北方的声乐艺术受到北方人高亢洪亮的说话特点的影响, 其具有直白的表达情感的特点。

4. 使声乐艺术的发展得到推动

声乐技巧是声乐艺术的关键组成部分, 其通过对声乐作品中的关键情感合理有效地表达, 不断地推动了声乐艺术的快速发展。声乐艺术在当今经济不断发展、科学水平不断提高的背景下, 为人类的情感提供了一种特有的交流方式, 促进了人类的情感交流, 可以说是人类精神文明进步的阶梯, 因此其在社会发展中具有非常重要的地位。在人们逐渐提高对声乐艺术认知水平的过程中, 声乐艺术利用给人们带来精神享受与愉悦感的方式使人们的精神生活变得丰富多彩, 因此, 可以说声乐艺术在社会进步发展的进程中, 与人类文明具有相互促进的关系。声乐技巧是声乐艺术的关键组成部分, 其通过向听众传达音乐作品中的丰富气息与情感的方式实现了艺术的交融, 引领了听众对音乐美好气息的感受, 因此, 不断发展与完善声乐技巧能够促进当今社会的发展与时代的进步。

三、小结

声乐艺术的发展离不开声乐技巧的支撑, 因为声乐艺术作品中丰富动人的情感与气息必须借助饱含情感的声乐技巧才能被生动地表达出来。因此, 完善声乐技巧与发展声乐艺术是相辅相成的工作, 艺术家要想促进声乐艺术的长远发展, 就要运用合理有效的声乐技巧来表达声乐艺术。

参考文献

[1]崔岩.声乐技巧在声乐艺术中的功能价值探析[J].大众文艺, 2012 (8) :25-26.

[2]张歌, 王朝辉.浅谈声乐技巧在声乐艺术中的作用和价值[J].黄河之声, 2014 (17) :82-83.

[3]李雪梅.论声乐技巧在声乐艺术中的作用[J].戏剧之家, 2014 (2) :58-59.

略谈声乐的演唱方法与技巧 篇11

关键词：声乐的三种类别 美声唱法所注意的气息 共鸣

声乐指的是其表演类属，属于实践的范畴。声乐是一种由一个或多个歌手表演的音乐形式，可以使用或不使用乐器伴奏，而人声是作品的重点。声乐是一种歌唱表演艺术，靠人的嗓子唱出悦耳动听的歌声。

目前声乐演唱有三种方法，即美声唱法、民族唱法和通俗唱法。笔者在此主要探究美声唱法。所谓“美声”，我们译为美好而放大的声音。自然界各种动物、昆虫都能发出声音各异的鸣叫，鸟儿能有动听的叫声。各种乐器能够奏出美妙的音乐，但是，只有歌唱乐器能够发出带有语言的音乐来，而其他任何乐器都不能发出带有语言的音乐。所以，声乐是最独特的一门声音艺术，值得我们去探索与研究。构成人类发声器官的部位以声带为主，配合口腔、舌头、鼻腔作用于气息，发出的悦耳的、连续性、有节奏的声音。我们常常探求声音的正确与否，发声器官是否舒服，其实都是对完美声音的一种追求。歌唱的最高境界应该是回归自然，就像说话一样的放松，声音自然流淌。但是要达到这个境界，需要经过很多的练习。

筆者认为，完整且正确的声乐发声，应当注重于气息、位置与共鸣。首先，气息是一切发声的基础，它是歌唱的源动力，歌唱的支持力。歌唱的声音是要有生命，有感染力的，这就要求我们的气息要非常强大。歌唱的呼吸和生活的呼吸当然是有很大的区别，生活中我们没有呼吸是不能生存的，而且生活的呼吸吸得很浅，一般都吸到胸部左右，是人类本能且自然的一种能力；但歌唱的呼吸要求我们吸得深，古话常说的“气沉丹田”就是说我们要吸气深，吸到腰上，但笔者认为，真正的气息是不可能吸到腰上的，我们的气息都是吸在了肺上，在横膈膜的作用下，让我们的歌唱产生高音、低音、跳音、连音等的区别。

歌唱家利洽·阿尔巴内西曾说过，好的呼吸首先是要把自己置于舒适的歌唱姿态中。吸气是一个自然的过程，不能一说气息，就吸得很多，这样容易全身僵硬；但又不能吸得很浅，像说话一样吸到胸上，这样又容易下巴紧，嗓子用力。老师常以“闻花”或“打哈欠”来比喻歌唱的呼吸，吸气时口腔应该是放松的，吸到小腹微鼓，这样后腰、后背都会有膨胀的感觉，身体放松，两臂自然下垂，呼吸深而通畅。任何好的唱法都应该是自然的，科学的，这就需要我们强有力的气息作为支撑，需要我们有一个清晰的学习概念。

一个好的声音哪儿都有位置，声音好整个人都振动起来，要保住每个声音都带着共鸣腔，唱任何音都要有一个连的感觉，高、低、大、小、元音在这个共鸣上，任何一个音高、元音，任何一种音量的情况下，这几个关系都能平衡。歌唱本身的几个因素：呼吸、共鸣、嗓子、元音都在一个状态下完成，关于“乐器”制造基本上就练这个。 关于位置的练习，可以以哼鸣作为主要练习。在哼鸣的位置上发声，即正确的发声位置。哼鸣，即闭口音，闭上口哼唱，用深呼吸把声音从打开的咽腔往上直送到鼻腔。哼鸣的练习有几个好处，一是柔和的开声；二是通过哼鸣找到深呼吸；三是下巴、脖子、牙关充分放松。其次，共鸣也具有找寻头腔共鸣的绝对优势。发声位置与声带微缩有很大关系，声带的收缩会容易拥有正确高音，即发声位置越高，声带收缩越短，高音声带闭合越有力，且声带周围肌肉会相对放松，不会造成用力的现象。

共鸣的应用，应该按照“音量”与“音高”的需要而决定，各共鸣区均衡发展，这样才能使发声美妙。声音原来在声带里时是微弱的，但如果发挥了共鸣作用，声音就会洪亮起来。当共鸣发展时，往往需应用不同的共鸣区。如声带上的喉腔、咽腔、口腔、鼻腔或整个头腔以及胸腔等，都是共鸣区。头腔共鸣适合高音演唱，它的音色效果集中、明亮、圆润，具有金属性；而胸腔共鸣则适合低音演唱，音色效果低沉、饱满、宽广；口腔共鸣适合中音演唱；音色效果清澈、明亮、自然。

意大利人常强调“面罩”（Mask），好的声音都有面罩，笔者理解的面罩其实就是所谓的共鸣。我们的发声是自然的，声带自然闭合，用上气息和位置，声音就会很漂亮。但是现在有一个普遍的问题就是，往前唱和往后唱的问题，以意大利为首的欧美派是强调面罩的，也就是说往前唱，这样声音的明亮度就会很高，且共鸣会非常丰富。我们一定要有一个正确的声音概念，要在自己舒服的前提下，判断自己声音最好的方向。

关于共鸣的练习，一是可以多练哼鸣的练习，二是多练跳音练习。跳音练习有助于横膈膜的弹动。横膈膜弹动的位置是用上深呼吸的地方，是最佳的状态。

跳音的练习，以mi为练习，很容易就会使气息和声音搭起来，这样横膈膜就会很好地发挥它的作用，到高音区的时候，有了气息的支撑，声带自动闭合，保持高位置，自然混假声，这样声音就会很漂亮、松弛，而且不会累。

呼吸、发声、共鸣、吐字都是歌唱的基本要求。我国著名的抒情、戏剧男高音歌唱家、声乐教育家、中央音乐学院教授沈湘先生曾做过一次精彩的讲学，他强调声乐练习要重要强调“脑、心、身”三者结合。心即感情，对内容的理解。作为一名声乐演唱者，必须要具备良好的素质，首先是吐字和咬字能力，然后便是情感表达，怎样充分的表现曲目的特征和感情。尤其是我们唱歌剧咏叹调，首先我们就要了解歌词的意思、作者的生平、时代背景、创作意图以及是否掺杂了地域或民族音乐的特征。例如我们演唱mozart的咏叹调，一定要非常规范，不能随意延长和缩短，要严格按照谱面要求来演唱，这个时期的音乐特点是非常规范的，不同于普契尼的音乐，戏剧性非常强，作品跨度非常大，且演唱者可以随意发挥。所以，每个时代有每个时代的特性，要有非常强的音乐素养，才能将声乐这一门学问做的充分。

论民族声乐的演唱技巧 篇12

(一) 气息的运用

无论是民族唱法还是美声唱法, 美好动听的音色都必须由气息来支持, 古人曾说道:“善歌者必先调其气”“天伏地, 地伏天, 天地贯通, 气走中丹田”。这些理论都说明了从古自今气息在声乐演唱中的重要性, 当代的民族声乐也不例外。

总体来说, 民族唱法用气时要讲究“深”“通”“活”的原则, “深”指的是在呼吸时一定要吸到腰腹一带, 能够保持在这一区域形成一种对抗力。气息吸的不深, 很容易出现气息支持不上, 声音“漂”而“白”。“通”指的是在保证气息吸的足够深的前提下, 放松胸、肩、颈等一切非发声的器官, 使吸得深的气息在呼出时, 不至于堵塞气流和音波。著名声乐教育家金铁霖教授在讲学时提到“大马路小汽车”中的“大马路”, “小汽车”才能够畅通的行驶。“活”指的是在具体的歌唱过程中, 用气的多样性和灵活性表达作品的。

(二) 共鸣腔体的把握

在民族声乐的发声方法中, 又有其独特的共鸣腔体, 共鸣腔体把握的好可以使声音变得音色明快、铿锵有力, 在演唱中共鸣的腔体很多, 但是最重要的腔体是头腔、口腔和胸腔。

头腔。头腔的共鸣是发音中的高音喇叭, 它能使音色变的明快, 富有金属声。头腔和口腔离的比较近, 不但可以对字和语言进行快速加工, 而且可以补充口腔共鸣的不足, 从而美化音色使语言和声音统一起来, 为演唱的“字正腔圆”创造条件。

口腔。口腔在演唱中师相当重要的, 因为在身体这件乐器中, 只有口腔中的声带是真正发声的, 身体中除了声带之外, 其地方不会真正出声。所以我们在演唱中, 一定要让我们的喉先出声, 从而带动其他腔体共同协作, 这样才能发出十分顺畅、自然的声音。这也就是我们常说的“喉主动”。

胸腔。胸腔在我们的演唱中扮演的是一个低音喇叭的角色。胸腔共鸣可以使声音变得浑厚有力, 具有穿透性。胸腔的共鸣正像是一个坚实的基础, 使得我们演唱的音色不论高音还是低音都是那么统一。缺少了胸腔共鸣, 声音就会发虚, 不够坚实。

总之, 在演唱的过程中, 喉起主动地作用, 然后结合胸腔、头腔, 互相配合, 紧密协作, 使歌唱表现更为生动, 民族声乐的发声方法中气息和共鸣腔体恰到好处的结合, 体现了民族声乐发声的科学性。

二、民族声乐的艺术形象表现

(一) 艺术形象表现概述

演唱一首歌曲, 首先得在思想上进入歌曲的意境, 如同演戏必须进入角色一样。例如唱《槐花几时开》这首四川民歌时, 当前奏一开始, 演唱者要想象犹如出现在一高高的山上, 有着使人难忘的槐树。演员进入这一意境, 把思念得情绪与槐树联系起来, 等候着自己想念的情人归来, 因为槐花开的时候, 思念的情人即将回来, 这是一种盼望、思念的意境。演唱者必须进入意境, 并运用技巧来表达人物的内心世界。所以歌曲的艺术表现不能光凭声音技巧, 而是必须深刻的理解歌词的内容、时代背景、人物的处境, 演唱时的思绪与环境等, 并在探索主题的同时, 使自己完全进入歌曲的境界, 也就是将歌词中的形象和音乐中的形象处理成不可分割的东西, 能使自己的发声器官服从于自己的意志, 能富于表情的表达作曲家的意图。歌曲内容主要是通过唱来表达的, 而唱有是通过感情真实, 吐字咬字清晰, 声音美妙动听, 三者不可分割的整体来实现的, 对这三者一方的忽视, 都将影响歌曲内容的正确表达。只有感情真实, 吐字咬字准确, 声音美妙动听, 才有可能达到和内容尽可能完美的艺术形式统一。所谓声音美妙动听, 就是要声音自然而且必须有变化和对比, 有强弱、快慢、高低、浓淡、明暗、激情、抒情等艺术手段。以上这些对比的统一, 又是在各生理部门的运动过程中实现的, 一首歌曲在演唱中从弱到强, 从强到弱, 从慢道快, 从快到慢, 从暗到明, 从明到暗等表现, 无一不是表现出对比的特点和规律。没有歌唱对比的矛盾, 歌唱就丧失了意义, 其中抒情与激情特别重要。

(二) 艺术形象的表现手法

1. 起调的第一个音和字的把握。

演唱者在伴奏的前奏出来前, 就必须酝酿歌曲限定的情绪, 当伴奏开始时, 就必须马上进入歌曲的意境, 不能有丝毫迟疑。当发出第一个字时就必须把情绪带进来, 一方面使听众觉得自然, 并有一个良好的开端, 而另一方面亦增强演唱者的自信心, 用民族声乐的传统说法, 即“此字一梗, 则全曲皆梗, 此字一和, 则全曲皆和, 故此一字者, 适端在此, 关键在此”。这说明起调第一个字的重要性。如果演唱者能根据内容把感情和字头有意识地、肯定地唱出来, 则全曲的精神都带动起来了。

2. 歌曲内容表现“对比”的重要性。其中具体表现在:

(1) 轻重强弱的对比。声音的轻和重或强和弱是根据歌曲中所要表达的内心感情所决定的, 一首歌曲的演唱过程中必须要有轻重强弱的对比, 歌曲在演唱的过程中没有轻重强弱, 那就不会将歌曲的意境表达出来, 比如说《小背篓》这首歌, 开始要用叙述的口吻去唱, 妈妈用小背篓背着自己摘了野果, 看了赛龙舟, 这一部分就要唱的弱一些, 轻一些, 这样才能把这种感情表达出来。

(2) 快慢缓急的对比。一首歌曲在演唱时的快慢缓急也是非常重要的, 这跟歌曲所要表达的意境和歌曲的特点是分不开的。比如《峨眉酒家》这首歌曲, 前面的散板部分要唱的缓慢一些, 描绘的是一片竹林, 小桥流水人家, 还有峨眉酒家的美丽景色, 缓慢的唱出来才能使听众们有时间去想象到这样的景色, 能使听众联想的时间, 后面的一部分“这个要碗回锅肉啊, 那个要碗菜头花, ”在唱的时候就要快一些急一些, 这样才能够表现出客人不断, 忙的不亦乐乎的感觉。所以快慢缓急的对比处理在歌曲演唱中是必不可少的。