艺术修养研究（共12篇）
艺术修养研究 篇1
教学有法, 教无定法, 贵在得法。教法方法是为教学目的服务的。要实现特定的教学目的就应选择特定的教学方法。恰当地使用特定的教学方法达到预期的教学目的是一门艺术。艺术是一种美, 教学艺术就应体现寓教于乐之美, 应令学生陶醉而不能自拔, 美不胜收而心向往之, 闻道解惑而欣喜若狂, 最终达到自觉实践的目的。
《思想道德修养与法律基础》 (以下简称基础) 课作为高校思想政治教育的必修课, 其任务是用马列主义、毛泽东思想、邓小平理论、“三个代表”的重要思想和科学发展观教育学生, 坚定政治立场, 树立科学的世界观和正确的人生观、价值观, 形成良好的道德品质, 把学生培养成为有理想、有道德、有文化、有纪律的社会主义建设者和接班人, 引导学生增强法制观念, 提高法律意识, 使大学生能正确行使法律权利, 自觉履行法律义务。基础课集政治性、思想性、法律性和时效性于一身, 横跨政治学、哲学、法学、伦理学等多学科, 内容杂、任务重、学时少、学生多, 如果教学不讲究方法, 不体现艺术, 该课就失去了意义。
一、案例教学方法与教学艺术
以时下社会或校园发生的典型事件为背景材料, 围绕教学内容和目的设定问题, 或引导学生分析材料而发现问题, 再经由讨论, 找出导致问题出现的原因或解决问题的办法, 或者客观评价社会现象及他人的行为, 最终达到预期的教学目的。这就是案例教学。
案例教学方法不是非得灌输什么、使之接受什么, 而是通过典型事件的分析评价, 提高学生明辨是非和抗干扰、抗压的能力。当然最终还是要促使其自觉修正与社会主义核心价值体系相背离的思想观念, 提高法律意识。但这“符合大学生认知规律和心理需求”[1], 有利于大学生对知识的理解和接受。它是“一种与单纯理论讲授完全不同的教学方法。……激发了学生的学习热情, 挖掘了学生的潜能, 极大地调动了学生的积极性、主动性和创造性, 实现了由‘要我学’向‘我要学’的转变。”[2]这种转变符合大学学习生活的特点, 有助于刚入校的大学生摆脱以前学习生活的窠臼和牢笼的羁束, 发展个性, 拓展思维, 并尽快适应大学学习生活。这是大学新生必须适应的转变, 也是基础课的教学内容之一。
案例教学最难的是选取案例。适宜的案例有助于“提高学生的思辨能力”, [3]从而达到引导学生知荣辱、辩是非、明善恶、识美丑, 并意识到公民的责任和肩负的使命;同时, 引发对世界观、人生观、价值观的思索。因此, “运用案例教学法, 需要我们具体问题具体分析, 尤其是结合教学的内容、对象、目标要求等系统要素, 力求实现教学形式与内容, 目标与途径的有效整合, 实现案例教学法最大的效用”。[4]
“通过设计恰当的案例以案说法, 能够有效帮助青年大学生准确理解相关法律知识并学习将相关法律知识运用于生活实际”。[5]这可起到事半功倍的效果。以南京副教授换偶案[6]为例对此作以阐述。该案几乎可以涵盖基础课所有知识。就思想而言, 换偶涉及世界观、人生观和价值观问题;就道德而言, 换偶与中华民族传统美德相背, 有违家庭美德和社会公德;就法律而言, 换偶即是违法行为又是犯罪行为。违反了《婚姻法》第四条夫妻之间应该互相忠实的原则、违反了《刑法》第三零一条涉嫌构成聚众淫乱罪;就思想而言, 讲政治、顾大局也是我们理解该案判决的关键因素。除此之外, 就此可将涉性违法犯罪的情形做一归纳, 包括强奸、通奸、卖淫嫖娼、重婚等, 甚至可扩展至非婚同居、非婚生子女、第三者等问题, 教学艺术在此得到淋漓尽致的发挥。从该案例亦可看出, 即使在法律基础部分, 也不能割断思想道德部分, 因为思想道德修养与法律基础是一个有机的整体, 并不是简单的思想道德修养与法律基础的叠加。道德与法律“包含着相同的价值观。公平、正义、人道、人权是法律的基本准则, 而它们又属于道德价值范畴, 它们构成了法律和道德的纽带。道德之本在于公平, 法律之本也在于公平, 道德之盛在于法治之行, 道德与法律在根本目的上是有共通之处的。”[7]“二者作为上层建筑的重要组成部分相辅相成、缺一不可, 共同服务于经济社会健康有序的发展。”[8]南京副教授换偶案作为社会热点问题, 考虑到大学副教授这一与学生生活最贴近的主体, 这显然也是一种生活化的教学方法;考虑到我们在案例中所使用的文字、图片和视频等, 这显然也可称之为多媒体教学方法;考虑到问题的开放性及讨论, 这显然也可称之为开放式教学方法、讨论式教学方法。关注社会热点问题、贴近学生生活、带给学生视觉和听觉上的冲击等, 这本身就是一种教学艺术。因此, 教学中使用的案例绝不能信心拈来而应精挑细选, 绝不能任意设问而应精心布局, 绝不能离题万里而应合乎于道德与法律。同时, 应有利于促使学生自觉践履。
二、渗透教学方法与教学艺术
“你看了一个东西不太懂, 但多看几次以后, 就会不知不觉地吸收进去了。这是一种很重要的学习方法。”[9]诺贝尔奖得主、杰出的美籍华人物理学家杨振宁博士将其称之为“渗透性的学习方法”。“什么叫渗透性呢?就是在你还不太懂的时候, 在好像乱七八糟的状态之下, 你就学习到了很多的东西。……因为很多东西常常在不知不觉中, 经过了一个长时期的接触, 自己也不知道什么时候就已经懂了。”[10]渗透式的学习方法是杨振宁对美国学生学习方法的概括, 区别于我国学生的按部就班的学习方法。杨振宁认为二者各有优劣, 取长补短方能取得最佳效果。与学习方法相适应, “美国教育比较重视启发式, 中国教育则比较重视灌输式”。[11]有人认为, 渗透教学就是“通过其他学科知识和方法、生活经验、社会实践、时事新闻等多种教育因素的渗透, 来说明、表现、印证思想政治概念、观念、原理等, 以提高课堂的生动性和实效性的教学方式。”[12]考虑到渗透性学习方法基于美国式的个人主义、自由主义基础上, 任由个人随其兴趣爱好发展, 故我们更应将渗透教学方法理解为:培养学生多方面的兴趣爱好, 鼓励学生广泛涉猎多学科的知识, 多动手多实践, 开发创造思维, 有个性, 敢于坚持自己的主张。而且, 必须意识到渗透教学方法仅是为了弥补按部就班、灌输式教学方法之不足而不是取而代之。基础课内容很杂, 学生可能一时不能接受或听不懂, 但听久了自然就会获益。正如杨振宁谈到在西南联大听王竹溪先生的演讲时所说:“他作了一系列关于相变的演讲。……我也去听了……没有听懂。是不是白听了呢?不然, 因为从那以后我就不时地对这个问题注意。……我后来写的第一篇关于相变的文章……是10年以后。这10年期间断断续续地对这类问题的注意, 最后终于开花结果了。”[13]也许基础课起到的正是这个作用。
无论是道德, 还是法律, 都重在实践。有道德之人是重视实践践履之人。一个人明知何是善、何为恶, 何为美、何为丑, 什么是正义、什么是非正义, 什么应该做、什么不应该做, 如果不按照真善美的指引去做, 那么也不是一个有道德之人。一个人熟读法律、精通法律, 如果不能依法行使自己的权利、履行自己的义务, 那么也不能称之为守法之人。而实践主要是在课堂之外的。何以促使学生课外自觉践履?这就需要促使学生进行自我渗透, 发挥教育环境的渗透作用。教育环境不是基础课任课教师所能控制的范围, 如果教育环境是非不分、善恶不辩、美丑不明、真假不分, 那么基础课就很难取得实效, 教师的一切努力可能只是带来学生内心的冲突和对现实的不满。这是很可怕的现象!这就需要学生具备一定的反渗透能力。而这种能力正是基础课在思想教育中所要解决的主要问题, 是社会主义荣辱观的践履, 是社会主义核心价值体系的重要内容。在当今这个信息大爆炸的年代里, 教育环境很难发挥积极的渗透作用。
在思想教育部分 (基础课第一章到第三章) , 阐述人生观、价值观必须以世界观为依托, 因为一定的人生观、价值观是世界观的必然反映。解释世界观就必须说两个问题:一是世界的本原;二是世界有无规律。无论哪一个问题, 都必须有一定的哲学、数学、物理学、化学、生物学、历史学等各学科的基本知识。如果单纯地指明世界的本原是物质, 物质世界是有规律可循的, 那么这种说法学生从小就知道, 很难对后面的人生观、价值观的产生影响。太阳每天都会东升西落, 为何如此?显然, 这个问题每个人都知道答案。但进而问:每个人都是由生到死, 这是自然规律还是神的意旨?在这从生到死之间的短短瞬间, 我们到底应该做些什么?无论学生的答案是什么, 接着的问题是:也许大家说得都对, 但我们有没有想过为什么我们会来到这个世界, 又为什么会离开世界?我们到底从哪里来, 要到哪里去?当然, 我们不是为了探究人人信服的答案。我们的目的是经过如此循序渐进式的引导和启发, 最终让学生理解生命的真谛、人生的意义。当然, 要将学生引入马克思主义的正轨而不是让学生开始对神顶礼膜拜。如果学生真的理解了生命的真谛、人生的意义, 反过来必须再验证第一章理想信念、第二章爱国的内容, 无论是理想信念, 还是爱国, 都离不开对生命的真谛和人生意义的理解。否则, 理想成为空想, 信念成为拜神, 爱国更是无从谈起。这明显需要教师的渗透能力。而这种能力本身就可以说是一种教学艺术。以如何防止被骗为例, 我在教学中讲三句话。第一句:“天上不会掉馅饼”。第二句:“即使天上掉馅饼, 也不会砸到我头上”。第三句:“如果你认为天上掉下的馅饼真的砸在了你的头上, 那么你千万不要‘买单’”。无需解释, 学生都能明白什么意思。基础课就“应与生活世界相链接, 让其走向生命形态、具备生气活力, 让生活成为一本活的、立体的教科书”。为此, “应从四个方面来构建生活化的教学体系, 即:为学生的学习生活导航、创设生活化教学情境、融入校园文化生活、与社区生活接轨”[14]。这也正是基础课的魅力所在。
三、魅力教学方法与教学艺术
“任何课程教学都要有魅力, ‘思想道德修养与法律基础’课教学由于教学过程的特殊性, 尤其要有魅力。所谓魅力是一种美好而动人心魄的力量。教学魅力就是教师的教学活动所产生的美好而震撼学生心灵的力量。”[15]“‘基础课’课堂教学魅力在很大程度上决定着本课程教学的成败。‘基础课’教师必须使自己的教学充满活力, 让教学过程具有震撼学生心灵的魅力。”[16]“充分锤炼人格魅力, 提升学识实力和科研实力, 灵活运用教学艺术, 教学理念、方式和方法, 重视实践活动”[17]等都可以提高基础课的教学魅力。简而言之, 教学魅力体现为理论魅力、知识魅力、艺术魅力和人格魅力等。教学魅力本身就包含教学艺术, 本身就是一种教学艺术。
教学魅力在第一堂就必须得到淋漓尽致的发挥, 尤其是教师的人格魅力和知识魅力。因为第一堂课要做的事只有一件:激发学生学习本门课程的兴趣。至于本门课程的要求、考试及成绩评定、参考阅读书目等, 当然需要说明, 但不应成为第一堂课的主角, 充其量只是一个跑龙套的。不可否认, 有的课本身就有吸引学生学习的兴趣, 但即使如此如果教学没有魅力, 学生也会逐渐失去听课的兴趣。基础课似乎并没有天然的魅力, 学生反而会有“似曾相识”的感觉, 甚至断言“这不就是思想品德课吗?就是政治课!”这当然是一种错觉。如果任其泛滥, 后果可想而知。其实, 不论任何教师, 都可以施展知识魅力。因为学生与老师之间存在一个巨大的信息差。这正是师所以为师、生所以为生的原因。
实质上, 魅力教学离不开典型案例。基础课绪论第一堂课选下列案例比较理想:许霆案、[18]清洁女工捡黄金案、[19]南京副教授换偶案、长江大学学生救人事件等, 最近发生且极具教育意义;而马加爵案、硫酸泼熊案等发生在大学生身上的案件也比较合适, 但因发生的时间有些久远似乎不提也罢, 毕竟有损大学生的形象。许霆案针对的是用自己的银行卡在自动取款机上取钱而构成犯罪, 清洁女工捡黄金案针对的是“捡”东西而构成犯罪。虽然两个案件同样都构成犯罪, 似乎与基础课内容并不相符, 但此时我们是举重以言轻, 因为两个案例都涉及到法律与道德的双重问题。用自己的卡取钱本身并无问题, 但在明知自动取款机存在故障的情况下, 还反复取钱的行为, 虽然同样涉及到犯罪, 但同时也涉及到即使我们不知道该种行为可能构成犯罪, 但我们应不应该那样做。这涉及到道德问题。道德和法律正是基础课的两大主线, 学生明白了这学期我要讲什么。而该门课的重要性和趣味性通过这两个案例的讲解也是显而易见的。实质上, 这主要体现出了知识魅力。再如基础课的第三章, 我们在教学中放映了2010年春我国西南五省旱情的的图片、文字和视频, 这显然是为世界观、人生观和价值观作铺垫, 而不是仅仅是为了关注旱情而设。当学生看了图片、视频而发出“哎哟”的惊叹之时, 我们适时提出问题, “旱灾是由什么原因引起的?”“我们能战胜干旱吗?”实际上是要引出“人类能战胜自然吗” (世界观) 但我们并没有直接问。接着的问题是“我们从哪儿来, 要到哪儿去”, “从来到去这一短暂的瞬间, 我们要做点什么” (人生观、价值观) 。一下子将学生的积极性、主动性、创造性及辩证的思维等都调动起来, 而使该章的课堂变得有趣了, 教学效果很好。
当然, 任何教学方法都不是孤立的, 综合运用方可相得益彰, 方显教学艺术之美。
摘要：《思想道德修养与法律基础》课实践性极强, 但目前却只能停留在理论教学层面上。如何促使学生自觉践履, 在实践中体现一定的思想道德修养与法律意识, 是任课教师必须解决的现实问题。这就要讲究教学方法, 体现教学艺术。本文以案例教学、渗透教学和魅力教学为例进行教学实证研究。
关键词：思想道德修养与法律基础,教学方法,教学艺术,案例,渗透,魅力
艺术修养研究 篇2
《艺术修养》教案
第一章 艺术本质论
[教学的目的和要求] 理解并掌握艺术的社会本质、历史本质、认识本质、审美本质。[教学的重点和难点] 艺术与其它意识形态之间的关系、艺术的形象性、艺术反映世界的真实性、情感在艺术中的作用和地位；艺术生产、人与现实审美关系的建立
[教学方法]讲授法、讨论法
[教学手段]课件演示
1、小提琴协奏曲《梁祝》片断；
2、《中国杂技》片断；
3、舞蹈《千手观音》；
4、《中国皮影戏》片断
5、《中国陶瓷》片断
[教学内容和步骤]
第一节
艺术的社会本质
艺术是一种特殊的社会意识形态和特殊的精神生产形态，通过生产实践活动，反映从物质世界到精神世界、从生产关系到思想关系的人类的全面的社会生活，创造美的精神产品，满足人类精神上的审美需要。
社会性是艺术的首要本质和第一层面的本质
一、艺术在社会中的位置
（一）艺术是一种社会意识形态，是经济基础的上层建筑。
艺术这种社会事物是一种相对于物质关系的社会意识形态；是建立在一定经济基础之上，并从根本上说是为经济基础所决定的上层建筑，它反映经济基础，也反作用于经济基础。
（二）几种不同的社会意识形态，它们的共性
上层建筑包括两个部分：
1、政治、法律等制度及相应的机构、措施。
2、社会意识形态。
社会意识形态主要指：政治观点、法律观点、道德观念，以及哲学、宗教、艺术、各种不同的情感、幻想等等。
各种不同的社会意识形态的共同性：政治、法律、宗教、哲学、文学、艺术等的发展，是以经济发展为基础的。但它们又都相互影响并对经济基础发生影响。社会主义文学艺术是为社会主义经济基础所制约、所决定的，为社会主义经济基础服务，为发展社会生产力、促进社会前进服务。这是“文艺要为人民服务，为社会主义服务”的真实含义。
（三）艺术是一种特殊的社会意识形态
艺术、文学、宗教、哲学等等在各种不同的意识形态中，是“更高的”、“悬浮于空中的”“更远离物质经济基础的”特殊的意识形态。而政治、法律及道德属于艺术等意识形态与经济基础之间的“中间环节”。
（四）艺术通过“中间环节”联系于经济基础，它同“中间环节”的关系
作为更高的、更远离经济基础的特殊意识形态的艺术，同经济基础的联系不是直接的，而要通过政治、法律、道德等“中间环节”，它同“中间环节”的关系是直接的、密切的。
1、艺术与政治的关系
政治对于艺术是在上层建筑领域里的相互影响的关系，不是决定与被决定的关系，也不是平行的关系。经济基础主要通过政治的中介影响艺术，艺术也主要通过政治的中介反作用于经 济基础。
2、艺术与道德的关系
道德是人们根据自己的社会地位和阶级关系而形成的关于社会生活的规范，能指导人们一般的言论和行动，也能影响艺术家的思想意识及其在艺术作品中对于社会生活的反映。艺术同政治、道德等“中间环节”的关系，是在上层建筑领域内的相互影响、相互作用的关系。它们一方面不是决定与被决定的关系：另一方面，艺术与经济基础的联系必须通过“中间环节”，因此，影响不可避免。
（五）艺术与宗教、哲学等意识形态的关系
艺术与它们之间有相互影响、相互作用、相互滲透的关系。
1、艺术与宗教的关系
艺术与宗教是两种不同的社会意识形态，在一定历史时期，是相互影响的；在特定的历史条件下，当宗教成为支配的社会意识形态时，宗教对艺术的影响是巨大的，而艺术也反映出一定的宗教观念，给宗教以影响。最终决定宗教和艺术发展的是经济基础，它们反映经济基础，为经济基础所决定。
2、艺术与哲学的关系
哲学作为一定的世界观，必然要对艺术创作互动发生影响，艺术不但要反映一定的哲学观念，而且给一定的世界观的形成以积极的影响。
二、艺术与社会生活
(一)艺术来源于社会生活，是社会生活的反映
（二）艺术反映全面的社会生活
艺术反映全面的社会生活，是社会生活中，各种领域、各种事物的全面的反映。
三、艺术与社会生产
（一）艺术是一种生产形态
艺术不仅是社会意识形态，而且又是一种生产形态。
（二）艺术是一种特殊的生产形态，即精神生产形态
艺术作为一种生产形态，也有着生产的一般性质；艺术创作活动作为一种生产劳动活动，也有着一般生产劳动所具有的实践性、目的性、知觉性、工艺过程的可控性、材料媒介的可选择性、整个生产劳动过程的可表述性，等等；产品即艺术作品，也与一般物质产品相似，有使用价值和交换价值的商品的二重性。但艺术生产的本质是精神生产，是一种精神生产形态。
（三）艺术作为“艺术生产”的实质和意义
艺术反映社会生活和对生活的审美认识、审美情感、审美理想。艺术作为“艺术生产”是一种自由的精神生产，审美创造，审美是它的本质特征。
第二节
艺术的认识本质
一、艺术以特有的方式“掌握”世界
（一）艺术是对世界的一种认识
艺术是社会生活的反映，实际上就是对社会生活、对世界的一种认识。
（二）艺术以特有的方式“掌握”世界
1、艺术与宗教的区别
宗教的“掌握世界的方式”或反映社会生活的途径，主要是通过“佛”、“菩萨”、“上帝”、“真主”等虚幻的观念，颠倒实际的。
艺术的方式是真实地认识世界和反映社会生活，真实性是艺术的生命。一切优秀的艺术作品都有一定的真实性。
作为宗教对象的神，显示的是人的本质的异化，人们在对它顶礼膜拜时，只能感到一股压迫自己的巨大力量；而艺术形象显示的是人的本质力量的对象化，人们在欣赏艺术美的时候，也认识到自身的本质力量，从而得到审美的享受。
2、艺术与哲学的区别
哲学在本质上是寻求真理的，在追求真理或真实性上，与宗教完全不同，而与艺术相同或相似。但在“掌握世界的方式”上，哲学与艺术迥异。
哲学是抽象的，艺术的形象是具体可感、鲜明生动的。哲学主要是作用于人们的理智，而艺术作用于人们的理智的同时，还强烈地作用于人们的情感，给人以审美享受。
二、艺术用形象反映世界
艺术与其他社会意识形态的根本不同，最基本的一点是具体可感的形象性。
（一）形象性是艺术的基本特征
艺术形象有三大特征：具体性、概括性、感染性。
（二）艺术形象是感性与理性的统一
感性与理性的统一，是艺术形象的一个重要特征。
（三）艺术形象是主观与客观的统一
艺术形象是艺术家按照他对社会生活的独特的审美认识创造出来的，既有客观的现实生活的根源，又有主观的意识作用，是主观与客观的统一。
三、艺术反映世界的真实性
艺术形象的真实性，是一切优秀艺术作品的基本要求。
（一）艺术反映客观世界的真实性――再现的真实 艺术品的形象要符合它所反映的客观事物实际，符合它所反映的社会生活实际。这是一般再现形或再现性艺术的基本要求和基本特征。
（二）艺术反映主观世界的真实性――表现的真实 表现，是指艺术家运用艺术表现手段表达自己的情感体验和审美理想，在创作手法上偏重于理想地、情感地表现对象或抛弃具体的物象，追求超感觉的内容和观念，常常采取象征、寓意、夸张、变形、抽象等艺术语言，以突破感受的经验习惯；在创作倾向上，偏重于表现主体意识，直抒胸怀。
表现性艺术具有震撼人心、高度概括、不求形似等特点，是中外艺术史上的另一主要倾向。艺术的真实性包括两个相互联系、融合、统一的方面：
A、反映客观世界的真实或再现的真实。B、反映主观世界的真实或表现的真实。
（三）高度真实的艺术形象与艺术典型
第三节
艺术的审美本质
审美是艺术区别于其他社会事物的根本性质。
一、艺术与美的关系
（一）艺术反映现实美
（二）艺术创造艺术美 艺术不仅可以反映现实美，而且可以创造艺术美，可以通过主体的意识作用把现实中原本不美的或丑的事物转化为艺术美。
（三）艺术是审美对象
艺术作为社会意识形态，是现实美的反映，也是整个社会生活的反映；艺术作为特殊的精神生产形态，又是生产艺术作品、创造艺术美的；艺术作品一旦创作完成，就成为一件物态化了的社会文化财富，成为欣赏者即观众的审美对象。
二、艺术的审美本质
（一）人与现实的审美关系
审美关系：作为审美主体的人，通过审美实践活动，在审美客体中发现、感知、认识和欣赏它的美，或把握它的其他美学特征，如崇高、滑稽、丑等等。
人与现实的审美关系，就是审美主体与审美客体的美学关系。
（二）美的本质与美感的本质
艺术作品的艺术美，是真、善、美三位一体、高度统一的。在审美基础上形成的审美观念，是美感产生的根源。当客观事物的美与审美主体的审美观念相符合，于是产生了美的感受与感动，既有感官的快适，又有理性的满足，整个身心都感到愉悦，这就是美感。
（三）艺术是艺术家审美观念的表现形态
艺术是艺术家对现实生活审美认识的表现形式。艺术反映现实生活，反映现实中的自然美和社会美，但它并不就是客观的现实生活，不就是现实中的美；而是通过艺术家的审美意识，反映现实生活和现实生活中的美，并且用物质手段将他的审美观念传达出来，表现出来。
艺术在本质上说，就是艺术家审美意识或审美观念的一种表现形态。
三、情感在艺术中的作用和地位
（一）艺术的一般审美特征
1、实践性与主体性
2、合目的性与合规律性
3、形象性
4、形式美与形式感
5、创造性
6、情感性
（二）艺术的情感特征
一切文学艺术都是情感的艺术，没有情感也就没有艺术。在美感中，情感是美感的重要构成因素，没有美的感受与感动之情，则不成其为美感。
第二章 艺术门类论
[教学的目的和要求] 了解艺术门类的多样性、各主要艺术门类的基本情况，理解并掌握艺术门类的最科学划分方法（a表演艺术：音乐、舞蹈、杂技；b造型艺术：绘画、雕塑、工艺、建筑、园林、盆景、化妆、摄影、书法、篆刻、现代设计；c语言艺术：诗歌、小说、散文、曲艺文学、戏曲文学、广播文学、电影文学、电视文学；d 综合艺术：曲艺、戏曲、电影、电视、网络艺术）充分理解各主要艺术门类的根本特征以及各门类艺术之间的关系。
[教学的重点和难点] 艺术的分类方法、各主要艺术门类的根本特征以及各门类艺术之间的关系；各门类艺术之间的关系，即艺术的通感
[教学方法]采用启发式、互动式让学生成为课堂教学的主体，培养学生独立思考的能力
[教学手段]课件演示
1、《中国名歌》片断；
2、《中国木偶》片断；
3、越剧《红楼梦》片断；
4、《中国舞狮》片断
5、《中国刺绣》片断
6、达·芬奇《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》
7、张艺谋《红高梁》片断；
8、电影《巴黎圣母院》
[课外作业布置] 论艺术的门类，举例说明 字数1200 [教学内容和步骤]
第一节
艺术的分类
整个艺术系统，由众多不同的艺术门类组成。各门类有特殊规律。
一、艺术门类的多样性：
原始状态的艺术只有两种类型：造型艺术与歌舞艺术。随着生产力的发展和社会文化生活的演进，以及艺术本身在实践过程中的发展，艺术门类渐趋多样化。
二、艺术门类的划分
1、以艺术形态的存在方式为标准，分为三个类型：
空间艺术，包括绘画、工艺美术、摄影艺术、建筑艺术和园林艺术等。时间艺术，包括音乐、文学、曲艺等。
时空艺术，包括戏剧、电影、电视剧、舞蹈和杂技等。
2、以艺术形态的感知方式为标准，分为四个类型：
视觉艺术：绘画、雕塑、工艺美术、摄影艺术、舞蹈、杂技、建筑艺术和园林艺术等。听觉艺术：音乐、曲艺等。
视听艺术：戏剧、电影、电视剧等。
想象艺术：文学等。
3、以艺术形态的创造方式为依据，分为四个类型：
造型艺术：绘画、雕塑、工艺美术、摄影艺术、建筑艺术和园林艺术等。表演艺术：音乐、舞蹈、戏剧、曲艺和杂技等。语言艺术：文学的各种样式。综合艺术：电影、电视剧等。
第二节
主要艺术门类
一、美术
“美术”是采用造型手段塑造视觉形象的众多艺术类型的总称。
（一）美术的主要特征
造型性
与造型性相一致的是视觉性 静止性
美术作品中可视的造型又是静止的
（二）美术的主要类型
绘画：是以线条、色彩、块面等造型手段，塑造具有一定内涵和意味的平面视觉形象的艺术样式。
绘画因为使用的物质材料和技法的不同，可分为：油画、水墨画、版画、水彩画、水粉画、壁画、素描等。
雕塑：是最具有实体感的造型艺术类型。
雕塑题材，只适合于可以通过静态形体来表现的内容。形象具有单纯性，注重发挥材质的审美作用。
工艺美术：品类繁多，有陶瓷工艺、金属工艺、竹木工艺、编织工艺、印染工艺、玻璃工艺、漆器工艺、服装工艺和石雕、玉雕、骨雕等
也有专供观赏的工艺美术品，如玉雕、景泰蓝工艺、陶瓷雕塑、金银摆件和一些其他特种工艺。
现代工业设计：对美化生活有突出贡献。是二十世纪中叶发展起来的一个新兴艺术范畴。书法：是文字书写的艺术，艺术特征主要把握两点：其一是抽象性，通过用笔、结构和章法等技巧的运用，创造特有的形式美。其二是形与意的结合，在抽象的形式之中，包涵着深厚的意识。
书法根据字体的不同，分为篆、隶、楷、行、草五个基本类型。篆书起源于古老的甲骨文，秦汉之际，演化为隶书。魏晋南北朝，盛行楷书，然后出现行书和草书。
二、音乐
（一）音乐的主要特征
音乐是“以声表情”的艺术，是在时间过程中展示的诉诸听觉的一门艺术。基本手段是用有组织的乐音构成有特定精神内涵的音响结构形式。
1、音响的艺术：乐音使用的物质材料，是由物体震动所发出的音响，是音响的艺术。音乐艺术的实体是乐曲。乐曲由旋律、节奏、调式、曲式、和声、复调等要素构成。
2、抒情的艺术：音乐特别专注于表现情感
（1）音乐不再现现实生活中的物质形式，而只是表现从其中体验到的情感。
（2）音乐中表现的情感是抽象的、直接的。
（3）音乐表达情感的特殊方式，还带来欣赏的特殊性。
（二）音乐的类型 按照使用工具的不同，分为器乐和声乐两大类。器乐中又分为管弦乐、铜管乐和打击乐。按体裁不同，分为独奏、齐奏、重奏、交响曲、协奏曲、奏鸣曲、组曲和独唱、重唱、合唱、歌剧等。
（1）独奏：是由一个人演奏的器乐作品
（2）交响曲：是充分发挥各种乐器的功能和表现的大型乐曲
（3）协奏曲：是一件或几件乐器的独奏与管弦乐队的演奏相互配合的大型乐曲，一般以独奏乐器而定名。如钢琴协奏曲、小提琴协奏曲等等。
（4）鸣奏曲：是由三个或四个乐章构成的大型乐曲，可以由钢琴独奏，也可以由一件其他乐器与钢琴合奏。
（5）重唱：是每个声部由一人演唱的多声部声乐形式，有二重唱、三重唱、四重唱等等。（6）合唱：是一种大型声乐形式。
（7）歌剧：是以戏剧形式来展示的音乐艺术。
三、舞蹈
（一）舞蹈的主要特征
舞蹈是在一定的空间与时间中展示的视觉艺术，以有韵律的人体动作（律动）为主要表现手段。主要特征：动作性、抒情性、同音乐的密切联系。
（1）动作性：舞蹈是用手势说话的艺术。动作有一定标准： 第一 舞蹈动作必须具备规范性和技巧性
第二 必须有内涵。舞蹈演员的一招一式、一动一静，都与所扮演的人物内心活动相对应。第三 要讲究形式美。动作经过高度美化和规范化。具有严格的程式，讲究节奏和韵律。第四 要注重风格。如西班牙舞的风格特点是潇洒热烈。（2）抒情性
舞蹈长于抒情。
（3）与音乐的密切联系
舞蹈与音乐共生共存，要与音乐结合在一起，主要有以下几个原因：
（1）舞蹈与音乐之间存在着共同点：节奏、抒情性、都是在时间过程中展示。（2）舞蹈需要音乐的激发与强化。离开乐音，舞蹈难以充分表达感情。
（3）舞蹈创作要对照音乐来进行。由于舞蹈与音乐有着共同的节奏、韵律、和情感内容，而且是同步展示的，两者必须高度地协调一致。
（二）舞蹈的类型
两个方面来划分：（1）按体裁分：独舞、双人舞、群舞和舞剧。独舞：也称单人舞，即由一人表演的舞蹈。
双人舞：有两人表演的舞蹈。有独立的作品，也有属于舞剧或其他大型舞蹈中的片断。群舞：人数不等的多人舞。
舞剧：有戏剧情节的最大型的舞蹈艺术样式，具有较强的综合性。（2）按美学特征：芭蕾舞、中国古典舞、民间舞和现代舞等。
芭蕾舞：原是西方最主要的舞蹈类型，近代以来传遍了世界。原文有两个涵义：一个是指一种西方的古典舞蹈；另一个是指舞剧。中国古典舞：是具有深厚传统和鲜明民族特色的中国主要的舞蹈类型。讲究“手、眼、身、法、步”的应用和“精、气、神”的张扬。
民间舞：泛指各个国家、民族和地区长期流传于民间的舞蹈样式。
现代舞：二十世纪初期在欧洲兴起的现代主义艺术的一部分。
四、戏剧
戏剧是由演员扮演人物、当众展示故事情节的艺术门类。戏剧有四个要素：演员、导演、剧本和舞台美术。
（一）戏剧的主要特征
主要特征：戏剧行动和戏剧冲突
（1）戏剧行动：行动是最基本的表现形式与手段。必须符合戏剧艺术特定的要求。（2）戏剧冲突：戏剧情节内容的特点是冲突。
戏剧包括一切具有戏剧特征的艺术种类和样式。除了话剧之外，还有戏曲、歌剧、舞剧、和音乐剧等等。戏剧表演的歌舞化，是戏曲艺术最突出的一个特征。
戏曲：是中国传统戏剧形式。包括京剧和各种地方戏曲。戏曲除了具备戏剧的基本要素和特征之外，还有形式手法的特殊性。
音乐剧：起源于欧洲的通俗歌舞剧，十九世纪中叶之后在美国纽约得到发展，逐渐成为富有商业性的大众化的艺术品种，并流传到世界各地。
（二）戏剧的类型
类型的划分，一般是从话剧着眼：传统的观点分为悲剧、喜剧和正剧三大类。现代：（1）以题材为标准，分为历史剧、现代剧、神话剧、童话剧等等（2）从演出形式来分，有剧场的戏剧、街头剧、广场剧等。
1、悲剧：起源于古希腊。思想内涵一般表现正义斗争在一定条件下不可避免地遭受挫折或失败，以美好理想的破灭，斥恶扬善，给人以激励和启迪。
悲剧由于题材范围的不同，分为四种类型：
英雄悲剧。表现英雄人物，歌颂崇高精神和伟大人格。性格悲剧。由于人物内在性格的矛盾或弱点，所导致的悲剧。命运悲剧。恶劣的命运所产生的悲剧。
社会悲剧。由于社会生活中存在的深刻矛盾所造成的悲剧。
2、喜剧：源于古希腊的狂欢歌舞和滑稽戏。喜剧必须具有可笑性。喜剧的类型：讽刺喜剧：一般是对社会的腐朽势力进行揭露和讽刺。幽默喜剧：如元代杂剧《李逵负荆》
欢乐喜剧：给人以轻松愉快和美好的感觉。
正喜剧：以喜剧的形式和手法，嘲笑和否定腐朽势力，赞美进步势力和高尚人格。闹剧：特别追求喜剧效果，手法高度夸张，人物漫画化，情节可以离奇怪诞，使人不断开怀大笑。
3、正剧：是出现较晚的戏剧类型。灵活地运用了喜剧、悲剧的有利因素，加强了表现生活的能力，适应戏剧发展的需要。
五、摄影
摄影的产生有赖于近代科学技术，1839年发明摄影术之后，摄影艺术成为最大众化的艺术门类之一。
（一）摄影的主要特征：造型性、空间性、静止性、瞬间性等等。区别于造型艺术其他门类的有：
（1）纪实性
摄影艺术独特的本质特性。
（2）光与影的艺术
光线和影调（包括彩色摄影的色调）是摄影的独特造型手段，摄影被看作是光与影的艺术。
（二）摄影艺术的类型
按题材来划分：新闻摄影、生活摄影、风光摄影、人像摄影、体育摄影、舞台摄影、花卉摄影、静物摄影和广告摄影等等
按体裁来划分：独幅照片、成组照片、连续照片和剪辑照片等。
六、电影与电视
电影是在摄影的基础上发展起来的 电视在二次大战后才进入实际应用。
（一）电影与电视的主要特征：
运动的画面语言。电影与电视主要依靠画面来表现，由画面构成的艺术语言是第一要素。声画结合
时空转换的自由性 追求逼真
电影与电视基本特征一致，观赏条件不同，艺术上有一些差异，电影的篇幅有较严格的限制，结构紧凑、描述简练，画面大，有利于呈现场面、渲染气氛。
（二）电影与电视的类型：
电影的主要类型：故事片、美术片、科学教育片、新闻纪录片四大片种。
电视的主要类型：包括电影的类型，比电影更广。有电视剧、音乐电视、电视散文、电视诗歌、电视文献片等等。
电视剧的类型：连续剧、系列剧、单本剧、短剧和小品等。
电视文献片：有如电视艺术中的报告文学。内容涉及历史、人文、风光、政治、经济等。
七、文学
以语言作为材料和手段来塑造形象和反映现实的，也称为语言艺术。在艺术系统中，处于基础地位，与其他艺术门类有广泛联系。
（一）文学的主要特征
形象塑造的间接性。文学用语言塑造艺术形象，艺术表现的广泛性。文学使用的语言手段拥有无比广泛的表现能力，有极大的广泛性和灵活性。
（二）文学的类型 三种方式：“二分法”：韵文和散文
“三分法”：叙事文学、抒情文学、戏剧文学
“四分法”：诗歌、散文、小说、戏剧。
诗歌
最早的文学样式，从诗、歌舞“三位一体”的原始艺术形式中分化出来。具有节奏性和韵律性，注重抒情，高度凝练。有抒情诗、叙事诗。根据语言格式不同，分为格律诗和自由诗。根据内容分为史诗、颂诗、爱情诗、讽刺诗、风景诗等等。
散文
应用广泛，形式多样，手法灵活，题材不受限制，“形散神不散”，表达方式自由灵活，主题立意集中，不尚虚构。
小说
塑造形象鲜明、富有个性的人物和设计生动的故事情节来反映生活、表达思想感情。同时使用多种表达方式和手法。类型有：短篇、中篇、长篇小说。
戏剧文学
也称剧本，供戏剧演出用的文本。特点：利用人物对话刻划人物性格、反映生活和表达思想感情；符合戏剧要求，有戏剧性；选材有限制、表现集中。戏剧文学中包含了电影文学剧本和电视文学剧本。
八、建筑与园林
旨在改造和美化人类自身的生活环境。
（一）建筑：在原始的巢居、穴居基础上发展起来，基本形式是利用固体材料来建造空间，满足人的居住需要。
建筑艺术的主要特征：
空间与实体统一
在建筑中，空间与实体互为条件、相互依存，构成完整的建筑作品。如故宫的壮丽辉煌、巴黎圣母院的巍峨奇巧等。
艺术与技术结合建筑的艺术创作，必须凭借技术的支撑。意大利现代建筑家奈尔维说：“建筑是，而且必须是技术与艺术的综合体，而并非是技术加艺术。”
风格性与象征性
建筑体现着一个时代的物质和文化的发展水平。同时也显示着那个时代的意识形态和美学观念。具有时代标记的意义，反映了时代的面貌。具有民族和地域的特征。如欧洲的教堂、中国的陵园。表现特定的精神内涵。如纪念碑、殿堂、陵墓等。
建筑的类型
以功能为标准来划分：民用建筑、公共建筑、工业建筑、宾馆建筑、文教卫生建筑、交通建筑、园林建筑、纪念性建筑、宗教性建筑、宫殿陵墓建筑等等。
（二）园林
园林艺术的主要特征：利用自然因素同时也利用人文因素旨在改善和美化生活环境所创造的一种场所。是人造的景观，是自然的和自在的景观的艺术再现。同时具有三个要素：（1）占有较大的固定空间，能够容纳人的游园活动（2）利用自然界的材料首先是植物材料（3）经过审美创造而且具有景观的意义。
园林的类型：园林一般指各种游憩境域。有庭院、宅园、花园、公园、植物园、动物园、城市绿化地带和自然风景区等。
从世界范围看，园林的主要流派有三个：欧洲园林、阿拉伯园林和东方园林。
（1）欧洲园林
以法国园林为代表。呈规整性的几何图案，花坛、道路、水池、草坪、和修剪过的矮树等互相配合，平坦宽阔、一览无余。其中有精美的雕像，华丽、高雅。如 凡尔赛宫园林。
（2）阿拉伯园林
发端于古巴巴比伦和波斯。因干旱缺水，重视水的利用。波斯园林以十字形道路交叉处的水池为中心，花圃下沉，低于地面，以利保持水分。建筑物位于园地一端。该格局成为一种传统，遍及中东、北非、西班牙和印度等地。
（3）东方园林
发端于中国，以中国园林为代表。中国园林建设始于殷周时代。秦汉时的帝皇宫苑以具很大规模。以湖水为中心，堆山建岛，修筑宫室。这“一池三山”的格局，形成中国园林的传统。中国园林分北方园林和南方园林两大派。北方园林如颐和园，规模宏大、豪华富丽，南方园林如苏州园林，设计精巧，风格雅致。
3、园林与建筑的密切联系；一般来说，园林中不能没有某些形式的建筑，而建筑只要有条件，就会带上园林。从中国园林看，用于园林的建筑，一般是亭、台、桥、廊和水榭、塔、楼、堂、馆等。
九、其它艺术门类
（一）曲艺：中国传统说唱表演艺术的总称。1982年统计，现代国内流传的曲艺品种有341种。其中汉族的曲种可归为四大类：评话、鼓曲、快板和相声。还有东北、内蒙古的二人转、四川清音、河南坠子、安徽凤阳花鼓、维吾尔族说唱、蒙古族的好来宝等等。
（二）木偶；由人操作人工制作的拟人形象进行表演的一种艺术形式。由于造型手段和操作技法的不同，分为多种类型，如提线木偶、布袋木偶等。
第三节
各门艺术之间的关系
一、各种艺术的相互联系
艺术各门类之间的关系，不知是相互区别、相互独立，而又是相互联系和相互通融的。如电影艺术，综合了摄影、文学、戏剧表演和美术、音乐等多种因素。不同的艺术门类能够相互联系并结合在一起，是因为：
1、有共同的本质，即都是客观世界在人的意识领域的审美反映，都是以感性形象来反映世界。
2、不同的艺术门类之间具有共同的特点。如雕塑和建筑都是在空间展示的，同属于空间艺术。
3、有些艺术门类表现方式或功能有不可分离的关系，如舞蹈和音乐。
不同艺术之间的联系和通融，存在着多种不同的方式。主要方式大致可以归纳为以下几种：
（一）吸收与借鉴
一种艺术经常会从其他艺术中吸收自己需要的东西。
（二）配合
两种或两种以上的艺术出现在一件作品中，形成统一和谐的整体，但是并不改变各自的性质。
（三）结合
两种以上的艺术结合成为一个整体，不可分离，也没有各自独立的价值。
二、艺术在分化与综合中发展
艺术在自身的发展中，不断地经历着分化与综合的过程。诗歌和音乐从原始歌舞艺术中分离出来，成为各自独立的艺术门类，这可能是第一次分化。文学在诗歌之后，又出现了散文，继而出现了小说、戏剧文学等。音乐逐渐形成器乐和声乐两大部分，其中器乐又发展为各自演奏形式，直到规模较大的交响乐；声乐也形成了许多样式，与戏剧结合，产生了歌剧。舞蹈也在发展中形成了独舞、双人舞、群舞和舞剧等等。
第三章
艺术发展论
[教学的目的和要求] 了解艺术发生的历史过程、历史上对艺术发展规律的研究及世界各民族艺术的多元存在，理解艺术发生的根本动力是生产劳动实践，洞悉各民族艺术的相互影响与融合，掌握艺术发生的几种主要理论、艺术发展的他律性和自律性、艺术民族性与世界性的辨证关系。
[教学的重点和难点] 艺术发生的几种主要理论，特别是深刻领会马克思主义的生产劳动实践论。正确理解艺术发展的他律性和自律性、艺术民族性与世界性的辨证关系；艺术发展的他律性和自律性
[教学方法]教授法、讨论法
[教学手段]课件演示
1、动漫《潘天寿》、《空城计》、《惊蜇》；
2、《商代青铜器甲骨文》片断；
3、园林《颐和园》片断；
4、《唐诗宋词》片断
5、北宋张择端《清明上河图》片断
[课外作业布置] 论艺术发展的动因，举例说明
字数：800以上
[教学内容和步骤]
第一节
艺术的发生
一、历史上关于艺术发生的几种主要理论
（一）游戏说
游戏说由十八世纪德国思想家席勒和十九世纪英国哲学家斯宾塞提出，艺术史家曾把这种学说称之为“席勒――斯宾塞理论”。
席勒认为，艺术发生的真正原因是以外观为目的的游戏冲动。
为什么会游戏呢？精力过剩。游戏就是过剩精力的发泄。当人摆脱了实用的功利目的，才能产生自由的游戏，正是这种无功利的、无目的的自由游戏，推动了艺术的发生。喜悦的无规则的跳跃逐渐成为舞蹈，发之于情的声音逐渐成为歌曲。
斯宾塞近一步发挥了席勒的理论。他认为，游戏与审美有一个共同的特征，那就是两者都不能直接有助于维持生命，都于功利无关。游戏虽然没有实际的功利价值，游戏对个人和整个民族都具有生物学上的价值。
普列汉诺夫在《论艺术――没有地址的信》一书中对游戏说做了激烈的批评。他认为劳动先于游戏，先于艺术。先有劳动，然后才有游戏，才有艺术。
（二）巫术说
艺术起源于巫术，是二十世纪以来西方艺术发生学中影响最大的一种理论。
巫术说最早由英国人类学家泰勒在《原始文化》一书中提出，原始艺术起源于原始巫术，而原始巫术根植于原始人万物有灵的世界观，他说：“野蛮人的世界观就是给一切现象凭空加上无所不在的人格化的神灵的任性作用„„古代的野蛮人让这些幻象来塞满自己的住宅、周围的环境、广大的地面和天空。”另一位英国人类学家弗雷泽，在他的名著《金枝》中则把这种关系归纳为俩类：“基于相似律的法术叫做“顺势巫术”或“模拟巫术”。基于接触律或触染律 的法术叫做‘接触巫术’。原始人想使某人死掉，便收集他身上的指甲、头发、眉毛、唾液，用蜂蜡粘成人像，连续七夜在灯焰上烤化。通过接触仇人的指甲等物可称之为“接触巫术”，模仿人像可称为“模拟巫术”。
（三）劳动说
沃拉斯切克、毕歇尔、希尔恩都强调音乐、舞蹈的特征是节奏，而音乐、舞蹈的节奏又来源于劳动的节奏，因而劳动是艺术发生的直接动力。
普列汉诺夫赞成艺术发生于劳动的观点。他说：“原始人在劳动时总是伴着唱歌。音调和歌词完全是次要的。主要的是节奏。歌的节奏恰恰再现着工作的节奏，――音乐起源于劳动。”又说：“原始社会的生产者所服从的拍子又是由什么决定的呢？为什么在他的生产性运动中恰好遵照着这种而非另一种节奏呢？这决定于一定生产的技术。在原始部落那里，每种劳动都有自己的歌，歌的拍子总是十分精确地适应于这种劳动所特有的生产劳动的节奏。”
二 艺术发生的根本动力
（一）生产劳动实践为艺术的发生创造了前提
首先，劳动使猿爪变为人手，猿脑变为人脑，这是从猿到人转化中具有决定意义的一步。
其次，劳动推动了语言的产生，劳动与语言又进一步推动了意识的产生，“这便是人同其他动物的最后的本质的区别”。再次，劳动推动了工具的制造。当劳动促进了人手、人脑、语言、意识产生之后，经过了几千万年的量的积累，终于产生了自然界进化过程中最有意义的飞跃：第一把石刀产生了，人成为制造生产工具的动物，工具的产生是猿转变为人的标志。恩格斯说：“劳动是从制造工具开始的。”又说：“人类社会区别于猿群的特征又是什么呢？是劳动。”在工具和人类社会产生之前的劳动是“萌芽状态的劳动”。随着工具的产生，转变为“真正的劳动”
人的产生为艺术的发展提供了前提。只有人的灵巧的双手才产生了绘画和雕塑，人的歌喉产生动听的歌曲，人的肢体产生优美的舞姿。
（二）生产劳动实践推动着思想与感情的产生，为艺术的发生创造了第一个必要的条件。
劳动是人们有意识、有目的的使用工具、征服自然以满足自己物质需要的活动。第一种结果是劳动的结果与原来的预想不一致，导致了图腾和巫术的产生。
第二种结果：劳动的结果与原来预想的一致，导致人的征服欲、创造欲的发生。
（三）生产劳动推动着审美意识的产生和发展，为艺术的发生创造了第二个必要的条件。审美是人类在生产劳动实践中产生的。当人类制成摆脱动物界的第一把石刀时，是否成为第一个审美对象呢？不。那第一把石刀仅仅是为了实用，而不是为了审美。实用的观点先于审美的观点。审美的发生过程大约经历三个阶段：仅仅具有实用性而没有审美性――既具有实用性又具有审美性――仅仅具有审美性。
美感发生过程中最大的一次历史飞跃就是人们终于摆脱了对象的实用价值和功利内容，仅仅把对象的形式视为审美对象。艺术，从一定意义上说，就是人创造的具有审美价值的、表现思想感情的精神产品。所以，人是艺术发生的前提，审美性、情感性是艺术发生的必要条件，当前提和条件具备之后，艺术的发生就是必然的了。
（四）生产劳动实践是原始艺术发生的直接动因。生产劳动不仅创造了艺术发生的前提和条件，而且成为艺术发生的直接动因。建筑艺术
黑格尔说，艺术史的起点是建筑。
从建筑到建筑艺术的飞跃是美与情感在建筑物上的凝固。
建筑。是人类征服自然的重大胜利，是人的本质力量的对象化，会引起人们精神上的巨大喜悦。于是，在实用的基础上美化它，使建筑迈入了艺术的殿堂。人类最古老的艺术种类就是这样在劳动的基础上产生了。
造型艺术
原始造型艺术的主要特点是：第一，题材是动物而不是植物，由原始的狩猎生活所决定。第二，高度的写实性。决定于原始的狩猎生活。有对客观对象的敏锐的、正确的观察能力；有应用感觉器官与运动器官的创作能力。
装潢艺术
原始装潢艺术根源于原始生产实践活动。第一类是对人类或动物形态的模拟。第二类是几何形图形。
第三类是刻在武器上的图形。那是部落的标志，源于狩猎生活。舞蹈
原始舞蹈是原始的审美情感直率、有力的表现。分为模仿式与操练式两种。根源于生产劳动实践。
音乐
在人类发展的最初阶段，音乐最突出的特征不是旋律，而是节奏。大多为舞蹈做伴奏，舞蹈有鲜明的节奏；最初的乐器是打击乐器，在石片上磨制一孔，悬挂敲击出简单的节奏。
因为节奏是原始音乐的突出特点，无法表达复杂的思想，因而，音乐、舞蹈、诗歌三位一体的形式就成为必然。
诗歌
原始人在集体劳动中，为了协同动作，提高效率，交流情感，鼓舞情绪，产生了最初的诗歌。
原始人劳动过程中的需要，是原始艺术产生的直接动因。
三 艺术发生的历史过程
（一）艺术发生的上限――人所创造的第一件工具
三百万年前，人类制造的第一把石刀就是第一件艺术品。
从工具的产生，到艺术的发生，大约经历三个阶段，第一阶段；纯粹的实用品。第二阶段：即是实用品，又是艺术品。叫“准艺术”、“史前艺术”。第三阶段：纯粹的艺术品，就是文明社会的艺术。
（二）“准艺术”的发生
发生在狩猎经济做基础的旧石器时代晚期，距今约四万年至三万年以前。发生的标志是人体装饰、雕刻和岩画的出现。
（三）“准艺术”的繁荣 特点之一就是它的过度性与发展性。大约在七千年――五千年之间，社会由狩猎经济向原始农耕经济转变，生活方式由游牧渐趋稳定。需要储存和加工粮食的各种器皿，于是，一种新的器皿――陶器应运而生。陶器的纹样装饰丰富多彩，约有四类：一类是植物纹样。二类是几何纹样。三类是动物纹样。四类是人面形纹饰。
（四）“准艺术”的衰落与艺术的发生
约四、五千年前，社会经济发生了重大变化，石器工具衰落了，金属工具的使用，深刻地影响了社会生活的许多方面：
阶级产生了，先进的生产工具，使社会有了剩余产品。掠夺战争产生了，剩余产品和私有观念产生掠夺战争。
宗教发生了，原始社会的巫术观念是宗教的萌芽。
第二节
艺术发展的客观规律
一、历史上对艺术发展规律的研究
（一）艺术发展的模式论
对艺术发展模式的探讨，主要有以下几种观点： 认为“草创――繁荣――衰亡”是艺术发展的必然规律 认为“否定之否定”是艺术发展的必然规律
认为“两极之间的变化”是艺术发展的必然规律
（二）艺术发展的动力论
历史上比较有影响的是人性论的观点。人性论是随文艺复兴而产生的一种唯心主义历史观，认为艺术发展的终极原因是人的本性。
二、艺术发展的他律性
艺术发展的他律性主要有以下几条：
（一）经济是艺术发展的决定力量和终极原因 经济决定艺术的发生。经济决定艺术的性质 经济决定艺术的发展 艺术与经济发展的不平衡性
根据马克思的论述，艺术发展与经济发展的不平衡性表现在以下几个方面： 首先，对历史发展不同时代做纵向比较，艺术与经济的发展具有不平衡性。其次，对同一时代不同地区、国家做横向比较，艺术与经济的发展具有不平衡性。再次，对艺术内部不同艺术种类做比较，艺术与经济的发展具有不平衡性。
（二）政治对艺术的发展具有直接的、重大的、深刻的影响
因为政治集中代表了统治阶级的利益，它拥有占统治地位的精神力量和强大的物质力量。因此，政治即可以成为强大的动力促进艺术的繁荣，也可以成为巨大的阻力导致艺术的衰败。
（三）宗教对艺术发展的影响
宗教与艺术像携手并进的孪生兄弟。在原始社会，原始宗教与原始艺术是混沌未分的混合 体。在东方和西方的历史上，都曾有一个宗教艺术的时代。在中国，从魏晋南北朝到，在敦煌、龙门、云冈等石窟中曾创造了佛教艺术的辉煌。在欧洲，整个中世纪，建筑、雕刻、绘画及书籍插图等构成了基督教艺术的精华。黑格尔说，最接近艺术的就是宗教。
宗教对艺术起影响作用；
宗教阻碍艺术的发展。宗教对艺术否定。
宗教是对社会生活的歪曲的反映；而艺术是对社会生活的真实的反映。
宗教要求对彼岸世界的心灵感悟，而艺术要求对现实世界和世俗感情的形象表现。宗教的对象是神；艺术的对象是全面的社会生活。宗教是麻醉人们的心灵的；艺术是生活的教科书。
宗教相信自己的对象超自然实体即神灵的真实存在；而艺术却不相信自己创造的对象的真实存在。
宗教促进艺术的发展：
宗教与艺术都是对社会生活的形象反映。尽管上帝、圣母、天使的形象是虚幻的，但它是对社会生活的抽象。
艺术与宗教都蕴含了情感与幻象的成分。
艺术与宗教都是对社会生活的全面的反映。
艺术与宗教都能使人的精神得到抚慰，产生愉悦与希望。宗教推动艺术的发展：
宗教促使艺术突破教义的局限从而得到发展。
宗教为艺术提供题材。欧洲许多以宗教为题材的艺术作品名垂史册。如：乔托的《玛丽亚诞生》、《逃亡埃及》，达·芬奇的《最后的晚餐》，米开朗琪罗的《创世纪》、《最后的审判》等等。
宗教往往是艺术生产的组织者。
宗教对艺术来说，既有阻碍、否定的一面，又有促进、肯定的一面。
（四）道德给艺术的发展以巨大的影响 认为道德与艺术是对立的，道德与艺术无关。
道德与艺术是完全同一的，一切艺术都是道德教育的手段。上述两种观点都是错误的。它们既有本质区别，又相互影响。
当艺术作品表现进步的道德准则和高尚的理想情操时，往往产生持久的、强烈的艺术感染力，促进艺术的发展。
落后的、腐朽的、丑恶的道德准则会阻碍艺术的健康发展。
（五）哲学对艺术发展的影响
哲学通过美学的中介影响艺术的发展
哲学通过创作方法的中介影响艺术的发展 首先，哲学思想决定艺术创作方法的产生
其次，哲学思想决定艺术创作方法的选择与改变 最后，哲学思想的矛盾决定艺术创作方法的矛盾
三 艺术发展的自律性
（一）历史继承性是艺术发展的普遍规律
艺术发展的历史继承性主要表现在以下三个方面： 第一 艺术作品思想内容的继承 第二 艺术作品形式的继承
第三 艺术种类和艺术创作方法的继承
（二）艺术发展具有历史继承性的原因 第一 是社会物质生活发展的连续性所决定的 第二 是由艺术本身的性质所决定的 第三 是由艺术表现生活的任务决定的
（三）继承艺术遗产的原则
继承艺术遗产的原则是取其精华，弃其糟粕
坚持继承遗产的批判原则，反对“肯定一切”（表现为复古主义）与“否定一切”（表现为虚无主义）。
（四）艺术继承的条件和类型
艺术继承的条件决定了艺术遗产继承的类型。类型有两种： 同一艺术风格渐进延续中的继承 不同艺术风格飞跃断裂的继承
（五）革新是艺术发展的必然规律 革新是艺术的任务所决定的 革新是艺术的本性所决定的
革新是欣赏者的审美需求所决定的
革新是艺术家的个性和思想感情的独特性所决定的
（六）艺术发展过程中革新的表现
从艺术作品来说，革新可以表现为艺术作品内容的革新与艺术作品形式的革新 从艺术家的角度来说，革新可以表现为对他人的超越和对自我的超越
1、从革新的程度来说，革新可以区分为同一艺术风格延续中的革新与不同艺术风格转变中的革新
（七）艺术发展过程中继承与革新的关系 革新是继承的目的 继承是革新的基础
第三节
艺术的世界性与民族性
一、世界各民族艺术的多元存在
（一）艺术的民族性
就是表现民族的本质特点所形成的艺术上的特殊性
（二）艺术民族性的根源
（三）民族艺术的多元存在 由于多民族社会生活的特殊性，必然造成民族精神的差别性，而民族精神的差别性必然造成民族艺术的多元性。
二、各民族艺术相互影响与融合
（一）各民族艺术相互交流的必然性
（二）各民族艺术相互影响的表现 民族艺术思想内容上相互影响 民族艺术形式的相互影响
（三）各民族艺术相互影响的条件 民族的社会生活的类似性 民族交往的可能性
（四）各民族艺术相互影响的过程：
第一步，把外来艺术原封不动地“拿来”
第二步，鉴别外来艺术的精华与糟粕，吸取精华，抛弃糟粕
第三步，把外来艺术与本民族的艺术有机地结合起来。这也是艺术发展的一条规律
三、艺术的民族性与世界性的辩证关系
（一）从民族艺术走向世界艺术
从文艺复兴到二十世纪，是东方艺术在世界舞台上融合交汇的伟大时代，也是从民族艺术走向世界艺术的伟大时代。
（二）世界艺术
世界艺术并不是凌驾于民族艺术之上的一种独立存在的艺术，它是民族艺术的一种。特征是：
世界艺术是为整个世界所共赏的民族艺术。
世界艺术是表现“人的一般本性”的民族艺术。世界艺术是指表现人类共同美的民族艺术。
（三）艺术的世界性与民族性的关系
艺术的世界性与民族性是既有差别又有联系的辩证统一关系。
联系在于：凡是世界的，都是民族的。离开民族的，就没有世界的。
差别在于：民族艺术成为世界艺术是有条件的，深刻地表现“人的一般本性”和人类的共同美，真实地反映社会发展趋势和时代精神的民族艺术，才有可能成为世界各民族所共赏的艺术。
（四）艺术的世界性与民族性辩证统一原理对发展社会主义艺术的意义 该原理对发展社会主义艺术具有重要的指导作用： 1社会主义艺术必须坚持民族形式。
2、坚持社会主义艺术的开放性。借鉴世界上一切优秀艺术并与本民族的艺术传统结合起来，洋为中用，创造出新的更高级的社会主义艺术，满足社会主义精神文明建设的需要。
第四章
艺术创作论
[教学的目的和要求] 理解艺术家与社会的关系、艺术家的主体性，掌握艺术家的修养、艺术的创作活动、艺术的创作方法与流派、思潮。
[教学的重点和难点] 艺术家的修养、艺术的创作活动、艺术的创作方法（现实主义和浪漫主义）与东西方艺术的各种流派和思潮（古为今用，洋为中用；百花齐放，推陈出新）；艺术创作中的心理和思维活动（形象思维、创新思维）
[教学方法]教授法、讨论法
[教学手段]课件演示
1、《法国印象派画家》片断；
2、《齐白石》片断；
3、电视《西游记》片断；
4、电视《三国演义》片断
5、电影《长征》片断
5、《中国历代书法名家》片断
6、《西方艺术大师》片断
[教学内容和步骤]
第一节
创作主体――艺术家
一、艺术家与社会
（一）社会生活对艺术家的影响
任何一个艺术家都是在一定的家庭、一定的社会制度和社会生活、一定的名族文化以及一定的世界潮流与时代精神等因素的影响与熏陶下逐渐成长起来的，每个艺术家的生活内容、思想感情、文化意识和审美情趣等无不打上这些方面的印记。
（二）艺术家要有为社会和人类的进步而献身的精神
艺术家的成长离不开社会环境，他对这个社会环境的特点、优点和缺陷等也会了解得比较清楚和透彻，会产生强烈的如何发扬其优点，吸取世界其他名族的长处和改变其不足与缺陷，以推动社会的进步和发展的愿望。即推动社会进步和提高国民精神素质和审美素质而献身的伟大抱负。
二、艺术家的主体性
（一）艺术家是艺术生产过程的主宰者
艺术家在观察体验社会生活、构思艺术意象和将艺术意象物化为艺术作品等三个大的艺术创作阶段中，都充分表现出艺术家主体的决定艺术创作过程和艺术产品命运的主宰作用。
（二）艺术生产和艺术产品的不可替代性
艺术家的艺术作品具有不同的个性特点和不可替代性。任何一件艺术作品都必须具有独创性。艺术生产和艺术产品的不可替代性由多方面因素决定：艺术家所处的不同时代、不同社会制度和社会生活，不同民族、不同生活经历、不同艺术思想、不同艺术表现形式；艺术创作主体的艺术心理定势所包含的各个层次的文化知识、艺术专业知识、艺术创作经验和创作才能；艺术家所凭借的社会生活素材，所选用的艺术语言的组合，艺术主体，意象、艺术形象等等；艺术家主观意识上的独创性。
三、艺术家的修养
艺术的永久生命力在于不可替代的独创性。艺术创作体现艺术家的修养和智慧，按照“学问要博，生活要广，认识要深，感情要真，立意要新，想象要丰富锐敏，意象要饱含意蕴，形象要栩栩传神”的审美要求和标准进行创作。必须要有深厚的思想修养和艺术修养。
艺术修养指；在取得一定基础知识和一定的艺术实践的基本技能的基础上，进一步努力提高艺术理论修养和艺术创作技巧，熟练自如地创造出具有一定艺术意蕴和神韵的艺术作品。
（一）艺术家修养的五个方面
进步的世界观和审美理想
世界观：是对整个世界，包括自然现象和社会现象等的基本观点的总和。
审美理想：人在审美活动中所形成的对美、审美和美的创造及其发展所持的基本观点。深厚的文化素养
艺术工作者应具备的文化素养大致分为三类：
（1）一般文化，知非艺术类所涉及的知识，包括社会科学相关学科及自然科学中一些基础知识。（2）姐妹艺术文化。各门类艺术之间是互相影响、互相促进的。（3）专业文化。
丰富的生活积累
超常的艺术思维活动能力
（1）发现的目光和独到的感受力
（2）丰富的艺术想象力（3）独特的记忆力 精湛的艺术技巧和表现才能
（二）不断优化艺术心理定势是艺术修养的最高目标
艺术心理定势是指：艺术工作者在掌握了一定的文化科学知识、艺术基础理论与艺术创作的基本技能的基础上，在长期进行艺术修养过程中，在头脑中逐渐形成的稳定而又习惯成自然的艺术心理态势。
第二节 艺术创作活动
艺术家运用已经掌握的艺术创作本领，将生活中得来的素材――诸多表象做材料，围绕一定的主题倾向，进行艺术思维，从而在头脑中形成比较完整的艺术胎儿――艺术意象，随即运用艺术语言和各种表现方法，把它物化为供人欣赏的艺术形象，即艺术作品的全部创作活动过程。
一、艺术创作过程
（一）生活体验
（二）艺术构思
1、艺术胚胎萌发和孕育阶段
2、完整的艺术意象的成熟阶段
（三）意象物化
艺术家运用艺术语言，将构思成熟的艺术意象表现为专供审美和鉴赏的艺术形象即艺术作品。
构思艺术意象和意象物化都要运用一定的艺术语言。艺术语言包含：文学语言、其他艺术门类中起类似文学语言作用的一切艺术想象的材料和艺术表现手段以及各种艺术媒介。艺术语言符号的运用有规律可循： 特定艺术语言和特定艺术类别互制律。艺术语言和艺术思维的互彰律。内部艺术语言和外部艺术语言转化律。
自觉运用艺术语言与非自觉运用艺术语言的同一律。诸种艺术语言交递运用律。
二、艺术创作中的心理和思维活动
（一）形象思维与艺术思维
（二）意识与无意识
意识 是指人在清醒状态下对现实的一种具有自觉性、目的性和能动性的心理活动。无意识 指未被意识到的、潜在的心理活动。分为：
1、误差无意识
2、病患无意识
3、梦幻无意识
4、本能无意识
5、习惯无意识
6、集体无意识：（1）人类生理进化中形成的集体无意识。（2）民族文化历史发展中形成的集体无意识。
（三）艺术灵感：久思不解的关键问题突然因某一事物的触发而在无意中产生一种顿悟。灵感可分为两种：
1、在形象思维中爆发的灵感
2、在抽象思维中爆发的灵感 艺术灵感的产生条件：
业已形成并比较巩固的艺术心理定势。
在艺术家头脑中要储存着大量的文化知识信息、专业知识信息和社会生活表象等以供回顾和寻找。
大脑皮质中必须建立解决艺术创作问题的优势兴奋中心，只要一触机，便会立即爆发艺术灵感。
（四）形象思维的特征及其逻辑规律
1、形象思维的特征：（1）形象性
（2）想象性
（3）情感性
（4）艺术个性
（5）审美性
2、形象思维的逻辑性
（1）形象思维的思维形式：a、基形意象
b、完形意象
c、群形意象
d、易形意象
（2）形象思维的逻辑规律：
I、和谐律 A、意象的整体画面要层次分明、有条不紊、布局合理、结构完整。
B、内容和形式的统一。
C、基形意象、完形意象、群形意象和易形意象之间的联接要高度和谐与统一。
II、融合律
A、艺术意象和中心思想的高度融合。
B、形象和神融为一体。
C、情和景水乳交融。
iii、理想律；在形象思维过程中，按照作者的审美理想进行思维活动。
（五）艺术思维中形象思维与抽象思维相互转化的特殊规律
艺术思维中的形象思维和抽象思维互相转化的特点是严格地遵循着艺术美的规律来进行 的。
1、按照艺术意象理想化的规律进行互相转化。
2、遵循着艺术意象中深层内涵的意蕴以外现的艺术形象的独特的神韵表现出来的原则进行转化。
第三节 艺术的创作方法与流派、思潮
一、艺术的创作方法 指艺术家在创作过程中，对主体思想感情和客观生活的关系所持的基本态度和所遵循的最一般的原则，也是艺术表现中所遵循的最一般的方法。
创作中的主体思想感情和客观生活是不可缺少的两个方面。
（一）创作方法的两大主流：现实主义和浪漫主义。两种主要的和基本的创作方法。
1、现实主义创作方法 艺术家按照生活的本来面貌，通过艺术形象的典型化，真实地再现生活的一种创作方法。
基本特征：（1）艺术描绘的客观性
（2）艺术形象的典型性
（3）思想倾向和情感的隐蔽性
现实主义在表现手法上，往往要求运用朴素的艺术语言，客观、写实地叙述和描绘，冷静、细腻地刻画人物和事件，构成现实主义的外部特征。
2、浪漫主义创作方法
艺术家以奔放的主观激情，按照理想的面貌表现生活的创作方法。
基本特征：（1）创作的重心是追求理想
（2）创造奇幻型的艺术形象
（3）强烈的主观抒情色彩
浪漫主义在艺术表现手法上，常常运用奇妙的幻想、强烈的对比、绚丽的色彩、昂扬的节奏、夸张的语言、离奇的情节，甚至超越时空，构成奇幻特色，形成浪漫主义的外部特征。
（二）创作方法的多样性
创作方法多样，其他几种较有影响的创作方法：
古典主义创作方法
古典主义是欧洲封建社会向资本主义过渡时期产生的一种创作方法。只要原则是要求创作忠于自然又合乎理想，强调复古。也称“新古典主义”。
鲜明特征是：崇尚理性、排斥感情，往往以抽象的共性代替具体的个性，强调克制自我的感情和欲望，服从国家的需要，为君主专制的利益服务。
自然主义创作方法
产生于十九世纪的法国，后波及欧洲。基本原则是采取“纯”客观的态度，从事实出发再现客观事物，强调描绘的实录性和详尽性，不要求典型化。
西方现代主义艺术
十九世纪末以来西方各种文艺新潮和艺术流派的总称，包括象征主义、表现主义、立体主义、未来主义、后期印象主义、超现实主义等等。以反传统为宗旨。重要艺术特征：主观性、内向性。
后现代主义：二十世纪后半叶的西方艺术，西方后工业社会现实矛盾中所产生的一种文化艺术思潮，是多国化的资本主义社会文化艺术商品化的产物。
在艺术表现上，往往采用反讽、拼贴、荒诞、调侃、亵渎、嘲弄化模仿、矛盾叙述、中断等手法，直观地表现出当代世界的不确定性和分解状态。
二、艺术流派与艺术思潮
（一）艺术流派 指在一定的历史阶段内，由一些思想倾向、艺术主张、创作方法、艺术风格等方面相近或相似的艺术家，自觉或不自觉地形成的艺术家群体。
艺术流派必须具备两个基本条件：
1、一些具有一定影响的或大或小的艺术家群；
2、这些艺术家彼此有着相近的思想倾向、审美主张，在艺术创作的题材处理、表现手段和方法、艺术风格等诸方面有相似之处。
艺术流派的形成有自觉和不自觉两种情况。
自觉形成的艺术流派：由一些思想倾向、艺术见解、作品风格相近的艺术家自觉地组织起来，成立一定的组织，进行一系列的活动。
不自觉的艺术流派，往往是由一个或几个代表性的艺术家及他们直接或间接的追随者自然而然地形成的。
艺术流派多种多样，可分为：
1、以艺术倾向、艺术风格、创作方法等命名的有：写实派、浪漫派、象征派、印象派、古典派、唯美派、荒诞派等等。
2、以艺术大师的名字命名的有：梅派、德国布莱希特戏剧体系等等。
3、以艺术流派产生的地区命名的有：中国的桐城派、岭南画派、意大利的佛罗伦萨画派、法国的左岸派电影等等。
（二）艺术思潮 指在一定的社会思潮和哲学思潮的影响下，在艺术领域中出现的新的艺术思想和创作倾向的一股潮流。
艺术思潮往往具有两个特征：
1、新的艺术思想
2、群体性潮流
（三）艺术流派、艺术思潮与创作方法的关系
既有区别，又有密切联系。
艺术流派和艺术思潮的区别：艺术流派是艺术主张、创作倾向、艺术风格等相近或相似的创作主体的群体化，艺术风格成于个人，是艺术家独特艺术个性的集中表现。一个大的艺术思潮中包含着多个艺术流派。
艺术流派和艺术思潮是互为前提条件而具统一性的。
艺术创作方法与艺术流派、艺术思潮的关系是既有区别又有密切联系：
特定的创作方法体现了特定的艺术思潮、流派的审美文化精神；某一艺术流派、艺术思潮往往要推崇与之相应的一定的创作方法；而创作方法也因艺术流派和艺术思潮而得以迅速发展；艺术流派与艺术思潮是特定历史时期的艺术现象，创作方法则是艺术家从事艺术创作时所遵循的基本原则。创作方法具有普适性。各艺术流派、艺术思潮的艺术家可以根据自己的需要自由选用创作方法；各创作方法之间也没有绝对的界限，它们是相互渗透，互为作用的。
研究艺术流派、思潮与创作方法有现实意义： 有利于直接推动各时代艺术的蓬勃发展。有助于深入了解艺术家及其作品的内在意义。
进一步证明再现与表明相统一是艺术自身的规律之一。
从近代艺术思潮、流派和创作方法的发展经验、教训，艺术的创作方法需要把握两点： 要随着时代的发展而吸取新的时代的社会生活养料和时代精神的乳汁；
要善于不断吸取其他诸流派艺术创作原则和表现手法中之精华来充实自己，使自己的本体和原则变得更充实、更有活力、更优化。
第五章
艺术作品论
[教学的目的和要求] 理解艺术作品的内容与形式、艺术作品的相关属性、艺术美的根源，掌握艺术作品内容与形式的关系、意蕴、意境与风格等相关属性、艺术美的条件和特征。
[教学的重点和难点] 艺术作品内容与形式的关系、意蕴、意境与风格等相关属性、艺术美的条件和特征；艺术作品内容与形式的辨证关系
[教学方法]教授法、讨论法
[教学手段]课件演示
1、《浙派艺术大师》片断；
2、《法国野兽主义马蒂斯》片断；
3、《中国傩舞》片断；
4、《古希腊雕塑》片断
5、戏曲电影《牡丹亭》片断（昆曲）
6、《贝多芬第九交响乐》片断
[教学内容和步骤]
第一节
艺术作品的构成因素
两个相互滲透、融会合一的因素：外在的物质形式方面和内在的精神内容方面。
一、艺术作品内容与形式的辩证认识
艺术作品的内容与形式是相互包容的辩证关系。
二、艺术作品的内容
（一）对艺术作品内容的理解 艺术作品由题材、主题、情节、细节、结构、艺术语言、体裁等因素化合融会的具体、生动、完整的展现。要领会作品的含义，产生联想、想象、体会，作品的内容是艺术家和艺术欣赏者共同创造完成的。
（二）艺术作品内容的构成因素
1、题材 概念有两种含义：（1）艺术作品中所表现、描绘的生活、情感的范围或性质，也称取材范围。（2）构成已被规定了的作品内容的基本的材料。素材与题材既有联系又有区别：素材是题材的原材料，题材是从素材中提炼加工而成的。
2、主题 作品的主题往往被称为作品的灵魂。是统帅，主题是构成艺术作品的主导因素。
作品的主题是透过题材所暗示出来的思想内涵，是作者的主观思想与题材本身的客观意义的“契合”中发出的具有某种社会意义的思想。
主题的产生有两个基本条件：（1）作品的题材（2）作者的思想感情
三、艺术作品的形式
（一）结构
作品中各个局部之间、题材各因素之间的内在关联与组织的样式。
（二）艺术语言 在艺术作品中起类似语言的表情达意的作用。
艺术语言与结构密切配合，在结构的框架中，艺术语言承担描绘、叙述、抒情等塑造艺术
形象、传达艺术内容的任务。艺术作品的完成，由艺术语言给以实现。艺术语言有两个基本功能：
1、塑造艺术形象、传达艺术内容
2、审美功能
四、艺术作品的内容与形式的关系 对立统一、互相包容、互相转化的关系
第二节
艺术作品的相关属性
一、艺术作品的意蕴、意境与风格
（一）艺术作品的意蕴
意蕴指艺术作品的内在含义、意义或意味。
艺术作品的意蕴分四个层次：各层次之间相互联系、相互制约、相互渗透。
1、寓于各门类艺术的物质材料之中。
2、包含在作品的形式结构之中
3、作品中的物象、事件、情节等的指称含义和表现意义。
4、文化意义
（二）艺术作品的意境
意境是情与景的融合，艺术家的思想、审美观念与客观景物的融合。
意境是艺术作品呈现出来的景真、情深、意切的出神入化的艺术境界，是内容与形式完美统一的有机整体中偏重于内容方面所表现出来的艺术效果。
（三）艺术作品的风格
风格是由艺术作品的独特内容与形式相统一，并由作为创作主体的艺术家的个性特征与时代、民族等社会历史条件相统一而形成的。
艺术风格具有多样化与同一性的特征。往往相互联系、相互滲透，呈现出十分错综复杂的现象。刘勰曾把艺术作品的风格划分为：典雅、远奥、精约、显附、繁缛、壮丽、新奇、轻靡等八种。
二、艺术作品的格调与品位
（一）艺术作品的格调
格调是作品中表现出来的美学品格和思想情操，是艺术家艺术造诣、文化修养、审美理想和思想品格的总汇体现。
艺术作品的格调有高下雅俗之分。
格调高的作品：
1、在作品中能看出艺术家深厚的传统功力。
2、富有探索性和创造性的作品。
（二）艺术作品的品位
品位是从作品中再细分出差异、层次和等级的范畴。评判一件艺术作品的品位高低，主要是看该作品中有益于提高人们精神素质的文化含量和美学含量的高低。
绘画作品分为逸品、神品、妙品、能品或上中下三品。
三、艺术作品的商品属性
（一）问题的提出
我国经过二十年的改革开放，社会经济已从计划经济转型为社会主义市场经济，在文化艺 术领域出现了大量新的现象和新的事物，如：文化产业、文化市场、画廊、画商、书商、音乐经纪人、演员经纪人、影视戏剧制作商等等。
以美国为首的西方世界在“全球经济一体化”的总目标下，将其文化产品推向全球。
（二）艺术作品本质上是精神产品
艺术是一种自由的精神生产和审美创造，审美是它的本质特征。在审美创造中，艺术把人的主观活动与客观世界高度统一起来；它一方面将主体对客观世界的审美体验和审美认识物化或对象化到艺术作品中，另一方面又为人类提供了精神消费的产品即艺术作品，通过影响人的精神最终影响客观世界。
（三）艺术作品的商品属性
艺术作品的商品属性：是劳动产品，也是交换物。
作为商品的艺术作品是一种特殊商品：
1、是一个欣赏对象，是精神产品。
2、受到传统文化和当时社会各种思想观念和风格的影响。
第三节 艺术作品的艺术美
艺术美是指艺术作品的美。由艺术家的审美意识而产生，艺术家按照美的规律，为美的目的而创造的作品的美。
一、艺术美的根源
艺术美是现实美的反映、深化和升华，是人的合目的性与合规律性的审美创造。现实生活是艺术作品艺术美的源泉。艺术美是艺术家对社会生活和自然界的审美体验及审美认识的物化形态。
二、艺术美的条件
1、美的艺术作品必须是完整的，内容与形式必须是和谐的统一的。
2、健康向上的意境、风格、意蕴与格调。
3、真是艺术美的基础，善是艺术美的前提。艺术作品的艺术美，是真、善、美三位一体，高度统一的。
三、艺术美的特征
艺术作品的艺术美具有超越现实生活的永恒性、统一性与普遍性，广泛的传播性、导向性与感染力，以及高于生活的独创性等特征。
第六章
艺术接受论
[教学的目的和要求] 了解艺术接受的性质和社会环节、艺术的审美教育及其意义，理解并掌握艺术接受与艺术欣赏、艺术的社会功能。
[教学的重点和难点] 艺术接受与艺术欣赏、艺术的社会功能（认识功能、教育功能、审美功能、娱乐功能）；艺术欣赏的共鸣现象和共同美感（识别真善美和假恶丑）[教学方法]教授法、讨论法
[教学手段]课件演示
1、《中国泥人》片断；
2、《东晋画圣顾恺之》片断；
3、《西方后现代主义名流画派》片断；
4、《德国包豪斯的现代设计》片断
5、《西方马戏魔术》片断
6、《郎静山摄影作品》片断
[教学内容和步骤]
第一节
艺术接受的性质与社会环节
一、艺术接受的性质与特征
（一）艺术接受与艺术的本质
1、艺术接受是构成艺术活动完整性的重要环节
艺术既是一种意识形态，也是人类社会生活中的一种活动方式。这种活动不仅表现为艺术家的创作活动，同样表现为艺术作品在社会生活中的传播、接受与消费的过程。
在艺术活动中，艺术的接受与消费占有重要地位：
A、艺术接受和消费在现实性上是艺术活动的完成。
B、艺术接受与消费在潜在意义上同时是整个艺术活动在观念与动机上的起点。C、艺术接受与消费贯穿于整个艺术生产活动之中。
2、艺术接受方式与艺术的本质
艺术本质：艺术家、艺术作品、接受方式。
艺术所以为艺术，最根本的原因在于它是与艺术消费和接受联系在一起的；创作主体和作品与接受消费主体构成了特定的对象性关系。
艺术在接受方式上要求有特定的审美接受方式――审美态度与它相适应，从而使艺术作品在其现实性上成为艺术作品。
艺术作品中的含义和价值并不只是感性的形式，而是一个包括知识、理想、人生态度、政治倾向和宇宙观的整体结构。
3、艺术接受是艺术返回社会生活的必由之路
艺术返回社会生活内在于艺术接受和消费的形式中。
艺术的接受与消费使艺术重返社会生活还表现在它对社会生活的影响和构造新的社会生活上。
(二)艺术接受与艺术作品
1、艺术作品是一个有待实现的对象
当艺术作品创造出来还未进入接受过程之前，是一个有待实现的对象：（1）接受使作品从潜在的可能性转换为现实性
（2）艺术作品作为一个召唤结构，只有接受活动的参与才能实现它的意义和价值。
2、艺术作品召唤结构的实现
艺术作品的召唤结构只有接受者的积极参与才能完成。
（三）艺术接受是一个无限的创造过程 艺术接受是一个无限的创造过程，根据：
1、艺术作品在空间上、时间上都能面对不同地域的接受者。
2、作品本身结构的召唤性特征。
3、不同历史中的接受主体对同一件作品有不同的感受、理解和体验而有所创造。人类社会文化的历史性；主体存在的历史性；艺术作品结构的召唤性构成了艺术接受的无限创造性和评价性的客观依据。
二、艺术接受的社会环境与环节
（一）艺术接受的社会环境――艺术世界
1、“艺术世界”的构造：
（1）“艺术世界”中为接受做出贡献的各种意义上的主体： 1 艺术家
提供了艺术作品。批评家
艺术家与接受者之间的“中介者”。3 艺术理论家和美学家 4 艺术史家 艺术世界中，各种艺术机构中任职的工作人员，有艺术编辑、艺术教师、展览馆和博物馆的研究及管理人员、出版商、画廊老板、艺术经纪人等等
（2）各种艺术机构：
展览馆、博物馆、画廊、剧场、电影院、音乐厅、出版社、书店、艺术教育机构等等（3）支配艺术世界运转的规则和制度 三个部分是内在的相互关联的。艺术世界的两个明显特点：
（1）艺术世界是一个专业化的世界。（2）艺术作品接受过程越来越复杂。
2、“艺术世界”的性质与功能 中介性 接受性
主动性
制度性与惯例性
（二）艺术接受的社会环节
1、艺术展览馆
2、新闻媒介
3、艺术出版社
4、艺术博物馆
5、艺术市场
6、艺术院校
三、艺术接受与艺术批评
艺术批评的对象主要是艺术作品。是艺术接受活动中的一个层次。
1、艺术批评在艺术家的创作与大众接受之间起沟通、调节和引导的作用。
2、艺术批评能通过对艺术作品的批评来影响艺术家的创作活动，进而影响艺术的接受。
3、艺术批评对美术创作的调节还体现在对作品的社会接受效果进行考察这个方面。艺术批评也是艺术接受的方式之一，具有集创造性、接受性与中介性于一体的特征。
第二节 艺术接受与艺术欣赏
一、艺术欣赏的性质与特征：
艺术欣赏是一种最主要的艺术接受方式，是其他一切艺术接受方式的基础。艺术欣赏的性质与特征：
1、在艺术欣赏中，感性和理性是统一和互渗的。
2、在艺术欣赏中，充满着联想和想象。
3、在艺术欣赏中，始终饱含着感情。
二、艺术接受与艺术欣赏的过程
（一）准备阶段
1、定向与期待
当接受者有了相应的接受和欣赏艺术作品的心理定向时，注意有了相应的方向，同时对将要接受的艺术作品，产生相应期待。期待是比心理定向更进一步的接受和欣赏的心理准备状态。
2、审美态度的形成
接受者心理定向与期待的形成过程，同时也是他审美态度的形成过程。审美态度也是接受者审美能力的一种表现形式。
（二）初级阶段
1、知觉――完形与弥散
2、知觉――错觉（1）空间错觉
（2）物像错觉及其他
3、知觉――“差异原理”与“陌生化”
（三）高级阶段
1、理解
（1）理解和前理解（2）理解的循环
（3）理解中的还原和误解
2、体验
在艺术作品接受过程中，体验既是最高级的阶段，也是最能与艺术作品的存在方式和本质特征相吻合的接受方式。
3、回味
富有审美魅力的作品会在很长时间一直以表象的形式留存在我们的记忆中，供我们回味思索。
三、艺术欣赏的共鸣现象和共同美感
艺术欣赏中的共鸣现象：在艺术欣赏活动中，当欣赏者被艺术作品所感染，从而达到与作品的色彩、线条共呼吸；与作品中的人物共命运，思其所思，爱其所爱，恨其所恨时，这种现象称为艺术欣赏中的共鸣现象。
一些优秀的艺术作品，对于不同阶级、民族和阶层的人，都能产生共鸣。说明共同美感是存在的。
第三节
艺术的审美教育
艺术的审美教育作用只有在艺术的接受与消费过程中才能得以实现。
一、艺术的社会功能
（一）艺术的认识功能：
艺术往往通过典型的艺术形象反映一个时代的生活，人们的精神面貌，欣赏者可以从不同的艺术作品认识到不同时代、不同国家、不同名族的具体生动的生活情景，以及生活在那个时代中的各种人物形象，了解他们的性格特点、思想感情和精神面貌，扩大自己的生活视野，认识现实、认识历史、认识真理。
（二）艺术的教育功能
指艺术能够对人们起到思想教育和道德教育的作用。
（三）艺术的审美功能
艺术能使人认识形象的真理，能够激动人的情绪，使人产生美的感受与感动；能作用于人的理智，同时作用于人的感情。艺术的这种作用即美感作用，或叫审美作用。
（四）艺术的三种社会功能之间的关系
艺术的以上三种功能是一个辩证统一的关系。
二、艺术的审美教育
艺术的审美教育是建立在艺术所具有的功能及与艺术这种语言形态相适应的接受方式基础上的。
（一）艺术的审美教育与美的观念
美的观念：那些既反映美的事物的种类的本质和规律，又反映经过典型化了的、非常鲜明的美的事物的个体的现象和形式；既有感性认识中的具体形象，又有理性认识中的高度概括性，既有某类事物的个别性，又有该类事物的普遍性的观念。
在进行艺术的审美教育中，培养人们正确而又深刻的美的观念是首要任务。
（二）艺术的审美教育与审美能力
艺术的审美教育要培养的是一种特殊的能力，包括对艺术的审美态度，对艺术作品的形式、结
构、语言特征、风格样式的感受力以及对艺术具有丰富的审美经验。艺术的审美教育就是要培养人们对艺术作品的整体把握能力。
（三）艺术审美教育的特点
1、“寓教于乐” 既劝谕读者，又使他喜爱。说明审美教育实际上涉及到艺术功能的各个方面，而不是只对美的形式的教育。
2、潜移默化
使人们在不知不觉中既得到美的享受，又在精神方面得到净化。
三、艺术审美教育的意义
（一）艺术的审美教育与人的全面发展 审美教育可以使人们更全面，更具体地感受到现实生活的意义。
（二）审美教育在国民教育中的位置
一九九九年，中共中央和国务院通过一项关于推进国民素质教育的重要决定，说到：“美育不仅能陶冶情操、提高素养，而且有助于开发智力，对于促进学生全面发展具有不可替代的作用。”美育与其他教育之间是相互联系、相互渗透的统一体。表现在：
1、德育、智育、体育是美育的基础。
2、审美教育对于德育、智育、体育也有反作用。
3、审美教育在整个国民教育中属于更高层次的教育
教师语言的艺术修养 篇3
【关键词】教师语言 规范 富有感情 感染力 语言艺术修养
【中图分类号】G451 【文献标识码】A 【文章编号】1006-9682（2012）10-0146-01
前不久，我校开展了感恩教育活动，特别邀请了中国时代感恩励志教育传播中心资深讲师程成老师为全校师生、家长上了一堂精彩的感恩励志教育课。在两个多小时的讲授中，程成老师感人的话语使在场的所有人潸然泪下。由此我想到：“感人心者，莫先乎情。”而教師的语言艺术又是诱发“情”的金钥匙。一个教师，如果具备了熟练的语言艺术就会有较好的教学效果。
教师的语言应当是规范的，具有标准而动听的语言，准确而丰富的语汇，科学而形象的语法修辞。清晰简洁、条理分明、合乎逻辑、句式简短、表达准确，是对教师语言的基本要求。
教师的语言应当富有感情，具有激动人心的力量。苏联当代教育家苏霍姆林斯基说：“语言是争取人们灵魂的坚强战士。”“语言是率领人们冲锋陷阵的统帅。”教师应当用热烈而动听的语言去激发学生的情感，开拓学生的思维，滋润学生的心田，唤起学生的良知。
可见，教师必须具有较高的语言艺术修养。在这一方面，马克思是我们学习的楷模。法拉格曾说：“马克思是一个严格的修辞家，他常常花很多时间力求找到需要的字句。”又说：“马克思在语言风格上十分考究，有时到了咬文嚼字的程度。”语言是教师进行教学的最重要工具，如果把语言看成是用文字铺成的复线铁轨的话，那么教学和教育工作则是运行在这条复线铁轨上的一列火车，若失去了铁轨，列车是无法运行的。所以，教师应把学习语言作为提高自身素质，提高教学水平的重要途径。毛泽东曾指出：“语言这东西不是随便可以说好的，非下工夫不可。”如果语言这项桂冠是用荆棘编制而成的，那么作为这桂冠上的明珠——语言艺术，则是用汗水浇灌而成的。
教师的语言艺术修养与教师的情操、道德有着密切关系。要使语言富有感染力，首先自己必须是一个富有高尚情感的人。“率先垂范”用在这儿实在是恰到好处。所谓“言为心声”，说的就是美好的语言是情感的结晶，是思想的火花，是智慧的闪光。
教师的语言是教师作用于学生精神世界的最重要的工具。它在很大程度上决定着课堂上学生学习的情绪和效率。教师语言的风趣诙谐，往往可以使课堂气氛活跃而欢快；教师语言生动与形象，常常可以把学生引入色彩斑斓的神奇世界；教师语言的简洁与明快，往往使学生铭记在心。
高职需要艺术修养教育 篇4
我院在举办文化活动一直都是非常重视学生的艺术修养的提升, 作为一个理工类的学院, 一个以男生为主的学院, 要积淀一定的艺术气息是相当有难度的, 激发学生的艺术潜力也是非常困难的, 下面来谈一谈我们在举办学生文化活动中的一些尝试。
为了丰富机电学子的校园文化生活, 我院每年都会举办不少的艺术类活动, 其中较为瞩目的便是每年一届的迎新晚会和元旦晚会。从节目的征集、排练、审核以及正式的演出的各个环节, 我院学生都能积极参加, 在师生中赢得了较好的口碑。此外, 像职业规划演讲比赛、简历设计大赛等, 虽然由学生会组织, 但是同样提升了机电学生的艺术修养。
其次, 机电学生提升艺术修养, 不仅限于学院内部, 更是扩展到学校或其他学院, 如每年的校园文化艺术节吸引了一大批机电学子, 由此涌现出来自机电的十佳歌手、十佳舞蹈选手, 并且形成了薪火相传的发展趋势。在关注校级比赛的同时, 我院学生同样积极参与其他学院或是学校的活动, 如校运动会开幕式上的棋阵表演、舞龙舞狮表演等, 此外, 在其他校级活动中都能看到机电学子的身影。
除了参加较为专业的比赛和演出, 机电学子同样注意劳逸结合, 在学好专业技能的同时陶冶以抒情操, 丰富课余文化生活, 像热映的电影和电视剧也是大家追捧的对象, 不管是从影院观看还是在学院的微博或是贴吧上都是大家茶余饭后的话题。
通过上述几个方面我们可以看出, 艺术修养的提升在师生中有较高的认可度, 那么提升艺术修养对当代大学生究竟有何益处?众多周知, 今天人类已经进去了二十一世纪, 全面推进素质教育是高校教育教学改革, 提高人才培养质量的关键所在, 素质教育具有广泛的内涵, 大致包括思想政治教育、专业知识、业务技能、生理、心理等诸多的教育内容, 而其中, 强化大学生的艺术素质、提高大学生的艺术修养和内涵建设, 是不能忽略的和不必重视的。
加强团队的协作能力是大学校园很多学生组织都具备的特点, 通过对分团委学生会部分干部的调查中我们发现, 在很多晚会活动的筹备过程中, 团队协作能力表现得尤为突出。例如, 迎新晚会这种大型活动的节目排练中, 由于我们的同学都对音乐舞蹈的业余爱好者, 没有任何的专业基础, 所以在如何安排排练、如何与她们沟通、了解她们的习惯等发面, 很多同学都下了一番功夫, 从中锻炼了自我的团队协作能力。
加强大学生的艺术修养对于大学生今后就业也大有裨益。一方面, 在加强艺术修养的同时, 自身待人接物的礼仪便会在潜移默化中得到提升, 这有利于大学生走出校园的社交。另一方面, 很多用人单位热衷于选拔拥有一定艺术技能的学生, 因为这些学生能够通过艺术方式排遣自我压力, 进而提高了自身的工作效率, 同时也是企业的发展不仅局限于业务层面。
那么如何实际有效提高我院学子的艺术修养呢?我认为从以下几方面展开:
首先是开办校园主题艺术教育活动, 活动要具有主体明确、主题性强、设置灵活、参加自愿等特点。主题活动的开设, 是非常有意义特别是对于营造校园的文化氛围方面。21世纪将是人类发展历史上各种文明、各种文化相互碰撞, 相互融合的空前时期, 大多数高等院校已经开始重视并开始培养大学生的艺术修养。各大高等院校通过在校园举办各类专题讲座、月末音乐会以及开办艺术选修课, 并通过以加学分的方式, 鼓励学生的参与积极性。专题讲座要体现“以人为本”的人文精神, 最终达到两个明显效果:一是学生的人格得以升华;二是校园学术品味和文化氛围得以提升。随着校园学术氛围和文化气息的不断沉淀, 大学生们的道德情感和社会责任感自然得到加强, 爱国主义、集体主义、社会主义的精神就能不断确立。而且现在有很多国内知名的艺术单位也已经提高为大学生的艺术修养做了很多研究和事实, 如国家歌剧院, 每年都会举行《高雅艺术进校园》活动, 在全国各个学府进行国内外经典歌剧片段的巡回演出, 受到了广大学生的欢迎。
其次, 提高艺术修养的重要环节就是课堂以及校园环境, 课堂和校园环境就是由理论及实践教学、校园文化活动而组成的, 提高学生的艺术素质, 校园活动是非常重要的, 要组织有艺术养分并且能够吸引学生能主动积极的参与到活动当中来也是不容忽视的一个环节, 将艺术修养教育在课余文化活动中渗透到每一位学生当中, 从而达到寓教于乐的教学效果和目的, 丰富多彩的校园文化活动, 不但丰富了学生的校园文化生活, 同时通过自身的亲身参与、自己创作、自己表演, 很大程度到提高了学生的综合素质和增强了自信心。加强大学生的艺术修养, 不仅要靠学校、学院提供良好的平台, 更需要大学生摆正态度, 树立正确的世界观、人生观和价值观。加强艺术修养首先应从自身的追求开始。拥有一个高雅的艺术爱好不仅可以丰富课余生活, 同时可以增强自身气质。正所谓“精通一门胜如粗知十门”, 专一的爱好是一把打开艺术之门的钥匙。我们的学生并非艺术类学生, 所以不需要对一门艺术研习得多么深入与透彻, 但是通过个人追求我们便可以感受艺术带来的快乐。因此, 要继续鼓励更多的学生参与到校园文化活动中去, 提升自身的艺术修养。同时, 提倡更多的同学观看校内各项艺术类的比赛, 像全国青年歌手电视大奖赛、各类节日晚会, 这些演出往往凝聚了他人的汗水, 同时能够学以致用, 对我们学生是一个良好的示范。
综上所述, 培养大学生的艺术修养是非常重要的, 为学生今后的职业发展和美好的生活奠定了良好的基础, 我们要继续研究艺术修养教育在我院的学生管理和学生思想政治教育工作中的体现, 把握或利用好现有的这些条件, 在课余时间丰富学生自我的文化生活, 积极参与校园文化活动, 加强学生的艺术修养教育, 为今后的成才与就业打下坚实的基础。相信在我院领导、老师、学生组织和全体同学的共同努力下, 我院的艺术氛围能够日益浓厚, 我院学生的艺术修养能够更上一层。
摘要：近年来, 随着社会的不断向前发展和不断推进的教育改革, 社会对高职学生提出的要求也更高了, 社会需要文化素养高、有气质修养、专业知识扎实的综合性人才, 因此, 加强学生艺术修养教育是十分有必要的。然而, 目前我校针对加强艺术修养的课程和各项文化活动开展的实际情况, 也存在着一些困难和问题, 如教材内容不规范、教学手段过于单一、一味的强调欣赏, 文化活动缺乏趣味性等, 以下就是我对我校艺术修养的教育提出几点自己的看法。
关键词：艺术修养,思想政治教育,校园文化,求职就业
参考文献
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艺术修养与审美体验 篇5
41610006 莫非寰 计算机科学与技术
纪录片开始，使用博物馆之夜这个有重大意义的日子引出了主题，即卢浮宫与紫禁城的相遇。卢浮宫与紫禁城的真正首次相遇，从物质上看是卢浮宫将拿破仑时代的艺术精华送到紫禁城展示，从精神上看则是东西方不同的艺术观念和艺术历史之间的交流。
卢浮宫与紫禁城的一个相同点是都是以帝皇的王宫当作博物院。在法国，是在路易十六被送上断头台之后，由国民议会正式宣布：卢浮宫属于大众，才成为公共博物馆。在中国，是在冯玉祥发动“北京政变”将溥仪逐出宫禁之后，由“清室善后委员会”接管紫禁城然后才宣布正式成立故宫博物院，对外界开放，此后紫禁城也被称为故宫。
拿破仑崇尚古罗马的英雄精神，并且为了自己的统治牢固，修建了小凯旋门与许多宣扬自己的雕像，还将上千吨的艺术品运回卢浮宫，使拿破仑博物馆成为欧洲不朽的艺术中心。
乾隆则喜欢被看为一位清雅文人，将自己的字题到各类艺术品上，而且通过收藏艺术品，引发了历史空前的国宝大聚集，将中国艺术史上最重要的作品几乎都运到了紫禁城。
拿破仑和乾隆，他们两人都热爱艺术，重要的是这两位著名的皇帝都用自己的方式将政治与艺术结合，分别为卢浮宫与紫禁城的艺术辉煌做出了巨大的贡献，使艺术得到了很大的发展。
文字是文明传承的依托，巴别塔的故事，就深刻说明了文字的力量。当全世界都使用一种文字，人们彼此之间都能沟通交流时，那全世界就成了一种文明，这样或许人类就不会有那么多的互相征战伤害，不会有那么多的病毒武器核武器被研发，那么人类对环境的破坏也许也不会这么的严重。但是这个世界上没有那么多的如果，因为生活地域的差异，产生的文字也自然截然不同，而文字不同，随之伴生的文明也自然不一样。卢浮宫收藏的楔形文字泥板，代表着两河文明，~两河文明是西亚最早的文明，它建造了世界上第一座城市，编制了第一种法律，发明了第一个制陶器的陶轮，制定了第一个七天的周期，第一个阐述了创造世界和大洪水的神话。紫禁城收藏的甲骨文，则是代表着华夏文明。华夏文明是人类历史上唯一没有中断的文明。华夏文明的特点有四种：1.一脉相承，阶段明显。2.逐渐累积，遗产丰富。3.“统”“兴”为常，“裂”“衰”为异。4.适度开放，兼容并包。独特的道德礼仪是华夏文明的主要特征。~（摘自百度百科）
尼罗河与黄河的不同的活动方式与活动规律，塑造了埃及人与中国人不同的民族个性，埃及人更加享受河水泛滥的恩赐而逐渐形成了平和沉稳的民族性格，中国人则在不断整治气势汹汹而又不定期地泛滥着的黄河的过程中凝定了华夏民族的坚韧与抗争的个性。同时，对于死亡与永恒的不观念也积淀了埃及与中国不同的艺术风格，正如艺术史学家巫鸿所言：“汉代人的观念，对身体的观念，对死后的观念，和埃及人有一定相同之处，他们也追求升仙，也追求灵魂的不朽。但是他们的方法是不一样的，„„其实人类最早的艺术，是和当时的社会活动、宗教活动、礼义行为分不开的，但是在这种行为为人类创造了一种特别的东西，它这种东西和日常用品就不一样了，就是和我们的工艺品或者手艺品分开了，所以从这儿就慢慢产生了艺术这个概念。”纪录片在对人类文明起源的探究过程中，展开了对中西艺术起源的思索。
在卢浮宫的卡娅第德厅即女像柱厅中，展示着卢浮宫镇馆之宝中的两个: 《胜利女神像》与《断臂的维纳斯》。
美术教学与艺术修养 篇6
美术教学不同于其它教学的根本特征就是对于视觉艺术修养的把握。可以这样说:美术教学的一切活动都是围绕着视觉艺术修养展开的。每一个美术教师明确了这一点就可以清清楚楚、明明白白的进行美术教学工作了。至于教学效果怎样,一方面主要取决于教师本人的教学素质与能力,另一方面也取决于大的教学环境。所以,应该全面的看待美术教学,不能认为只要认识到了艺术修养的意义就可以一了百了了,还得要全方位的努力与改进我们的教学工作及其环境,在明确自己怎么做的情况下,客观的看待现实,克服困难,一步一步发展。
首先,我们要深刻理解艺术修养的涵义。其一,“艺术”从广义上讲:就是通过人有意识的外在行为而表达其内心世界的方法。从狭义上讲:就是表达与创造美的方法。我们应该从广义与狭义上全方位的理解艺术的涵义,广义包涵狭义,狭义又深化广义,它们是互为条件缺一不可的,那种割裂广义与狭义的观点是不全面的,也会使理论基础不科学,然而这种情况却很常见。其二“修养”从字面上理解就是:修炼与培养。它的大前提就是慢慢的来,不是急功近利的事情,是没有终点的一种生活状态,一种生活方式,一种人生追求。“修”的含义更多的是去伪存真,改变不好的东西留下有用的优秀的东西,“修炼成仙”吗,也就是把握人生的真谛的意思。而“养”是顺其自然、因势利导的培育好的东西,使其成长,从而越来越好,这是个人主观的积极意向,是内在的动因需求。
其次,我们作为美术教师应该怎么做呢?当然是首先自己得处于艺术修养的状态当中。一方面要做美术教学工作,另一方面也是最重要的方面就是要“修养”自己。看看美术作品、练练绘画、思考思考人生、读读文学作品、听听音乐。这些说起来容易做起来难,因为这与教师本身的遗传出身、成长环境、生活历程密切相关,不是能通过意向就简单实现的,现在有不少美术教师不重视自己的修养,不重视传统文化的继承就可以理解了,认为新的课程改革就是表面的教学技能的变化,只要自己设计好每节课的进程就好了,不知道每节课的深层把握是靠自己深厚的美术修养来决定的也就知道原因了。因此,通过我们的集体努力创造一个好的教学人文环境才是我们首先应该做的。美术教学融入在集体教学中的,每一个教师的人文意识与修养的形成是在大的环境中逐步完成的。在当今的经济技术社会,继承文化,传播美,把自己的工作立足与人的心灵的陶冶与塑造是非常伟大的,也是非常难能可贵的。所以,我们美术教师应该有充分的理由踏下心来培育自己,教书育人,实现我们的价值。
然后,我们在具体教学中要充分把握美术教学的特点:那就是视觉艺术与行为。视觉的特点要在整个美术教学中充分的体现。
第一是视觉环境的充分体现,视觉环境在美术教学中是极其重要的,而美术教学的环境又是通过教师精心的筛选、布置与积累的。教师要对环境有一个正确的认识以及需要有把握环境的能力,这些都需要在教学实践中磨练与提高。比如:环境中包括自然环境、社会环境、人文环境。美术教学就要有意识的充分利用起来。我们可以带学生到田野中去感受我们平时不经意的自然风光,还可以带学生去文化古迹来体验祖国文化的优秀,可以带学生去感受风和日丽,也可以学生去感受风霜雪雨。这是美术教学的一个基础内容,而且易于把握,学生很感兴趣,正如罗丹所说:“我们不是缺少美,而是缺少发现美”。我们美术教学的根本表现就是对于环境的营造,从而影响我们的内心,再去影响我们的环境,如此周而复始,推动我们的进步,创造我们的美好生活。
第二是情感的表达。美术教育是艺术教育,艺术教育就是情感教育。人的价值是建立在健康的情感基础之上的,情感是人的心理自然情境,是意志、行为的出发点。同时,也是人的意志与行为的目的。可以这样说:人的活动来源于情感也归属于情感,所谓“虚无”的情感是如此实实在在拥有其坚实的地位,古语讲:“民心可用”就是这个道理,任何抛开情感而不顾的人类行为显然是没有目的,也是没有价值的。所谓“现代的商业精神”所创造的“人心不古”显然就是如此。所以,美术教育的出发点、过程、目的必须体现情感的表达。
第三美术教学要体现其功能性。其最根本的作用就是能够保持学习者美好的内心及充满活力的性格,这是其他的外在的东西所不能代替的,这是其内心的最根本的體验之一,是基础。其次,要充分展现学生的美术作品。可以从教学的一开始就展现作品,比如学生以前的作品,学生本课的起稿、步骤、效果的展示等,以及学生的作品装裱好悬挂在教室等。总之,要让学生能出作品,要让学生的作品有用,要让美术教学美化学生的生活。
当代艺术家之修养 篇7
一、艺术家须加强“身心修养”
清代张式《画谈》曰:“学画当先修身,身修则心气和平,能应万物,未有心不和平而能书画者”。北宋的郭若虚在论人品与画品的关系言:“人品既已高矣,气韵不得不高,气韵既已高矣,生动不得不至,所谓神之又神而能精焉。”指出一个画家必须具有高尚的身心修养,才能创造出引领世界美、千古流传为后世的优秀作品,“其品高出一世,故其笔墨足为后世师”。
美术大师梅利尼科夫,他的作品皆紧紧把握住时代的脉搏,以高尚的身心修养,用美能拯救世界的艺术精神感染国家与人民,揭示外表美的黑暗世界,引领人民共同追求真实美的未来。《西班牙三联画》是梅利尼科夫对人生和对苏联历史思考的一幅作品,画面借用了一个完全与西班牙无关的事件,把人们的视线引向法西斯,画面的深意却是批判一切当时专政的残酷,即使是在红色政权的伪装下。作品《在和平的田野上》表现了在卫国战争中牺牲的两千多万人之中几乎全部是青年男子,战后苏联妇女掩埋了亲人的尸骨,擦干了脸颊的泪水,在一片废墟中建起了新的家园,表现妇女们乐观的有朝气的形象,而这些形象中又多了几分倔强和百折不挠的韧性。作品另一目的也是想引领妇女们走出战争阴影,振作起来,迈向未来。从梅利尼科夫的作品中,我们可以看出一个人的作品是否成功,在于是否与所处时期所需而定,在于画者的内心是否与人民内心相连,在于画者内心、胸襟的修养。所谓“人须养得胸中宽快,意思悦适”。
鲁迅也曾说:“美术家固然须有精熟的技工,但尤须有进步的思想与高尚的人格。他的创作表面上是一张画或一个雕像,其实是他的思想与人格的表现。”因此,艺术家不仅是肩负着人们精神享受的重要工程师,而且背负着探索世界发展道路的艰巨任务。艺术家,应该要特别重视“身心修养”,尽可能地向大众传递有利于社会发展的信息,使观赏者从作品中能获取更多关于爱、和平与珍惜等积极思想。
二、艺术家须加强“知识修养”
知识能使人共鸣,能使人取得超乎想象的能力。有句古话“活到老,学到老”,相信大家都熟知,但真正理解此句话内在涵义的人并不多。知识是我们通向成功的垫脚石,我们要取得成功,必须学习更多知识,知识渊博,方可行遍天下。而身为艺术家或者是想成为艺术家的追随者,更应提高自身“知识修养”。艺术跟随时代,时代促进艺术。我们不能凭空创造出优秀的艺术品,也不能天马行空、不切实际地创作出适合当今时代精神的艺术。
何为艺术?又何者能称得上是艺术家?绘画是一门技艺,由技进于艺,又由艺进于道,艺术作品如果是没有思想内涵的艺术形式,充其量不过是熟练匠人的手艺。掌握其中的“技”的用笔的技术、技巧、技法表现,这是基础也是垫脚石;“艺”的画面的艺术氛围、艺术想象、艺术概念的表达,这是技术之上的思想哲理,是艺术的关键点;“道”指艺术家的识、行之道,即艺术作品在坚实的技艺上,所传达的艺术思想、艺术精神、艺术见解等,这可谓艺术的最终成就点,是艺术家赋予艺术作品真实生命的意义。大家熟知的“庖丁解牛”的例子。如果没有文惠君对庖丁解牛的理解与赞叹,庖丁永远只能是一个屠夫,解剖牛也永远只是他赖以糊口的手艺,而文惠君给他上升到了精神的高度——“善哉,吾闻庖丁之言,得养生焉”就是对庖丁解牛加上了内涵。不过这个内涵已经不属于庖丁,而是文惠君了。因此我们每一位艺术家都应有独特的情感思想、世界观,获得他人无法抄袭、模仿的知识修养,才能创造出别样的艺术作品。成为“识”高法“精”的真正艺术家。
三、艺术家须加强“技能修养”
技能是表现物体的一种形式,其艺术家的技能大体可分为:造型能力、技法能力、保存能力。
造型能力。造型是一幅作品成败的关键之一。无论是古典造型还是意象造型都离不开对物体形体比例的基本了解。梅利尼科夫作为苏联20世纪现实主义艺术家,从骨子里崇尚古典主义,认为人类几千年留下的造型传统不能丢弃,永远要站在历史和传统的基础上向前发展。他说:“自然中的一切造型是上帝赐予的,无论什么哲学妄想用人的力量超越这些造型都是人类狂妄自大的表现,都会使人类社会走向灭亡。”笔者对梅利尼科夫说的观点十分认同,就如我们现在的社会,大多艺术追随者,梦想成为艺术家,但因自身的基本功不到位,看了几本艺术家的作品集后,懂得艺术有很多分类,心想古典造型的风格画不来,意象造型难道还不行吗?想到这,大多艺术追随者便开始投机取巧,学习印象主义和抽象派,将创作的作品都趋向变形、抽象的造型手段,通过坚持起初也获得了不少的认可,但艺术之路走得并不长远。何为真正的艺术家?我们应该认真思考一下。
技法能力。技法能力,从古至今,演绎着不同时代的绘画技法随时代变化,同时表现出不同时代的科学技术的发展,其媒介是不断变化发展的。如旧石器时期的原始壁画《野牛》,用石器勾勒线条表现事物,加以少许彩色石器丰富画面。15世纪后艺术作品可利用水彩颜料、油画颜料、国画颜料、丙烯颜料等进行创作。20世纪的现代艺术,出现了以多媒体形式进行艺术创作,多以声、光、色再现艺术。罗伊·阿斯科特(Roy Ascott)是新媒体艺术的先驱,60年代以来他就以艺术家和理论家的双重身份活跃在互动多媒体艺术领域。这反映出不同时代,科技不断地促进艺术的表达形式,同时艺术不断地推动着技术。奥蒂诺·雷东说:“材料有它们自己的秘密要显示,它们各具特性,智者通过材料说话。”绘画过程的魅力所在就是去发现怎样做,去延长这种魅力并参与艺术使古老艺术适应当今时代的努力。始终关注绘画,并让物质实体说话——“关注”,然后在你自己的作品中进行实验。
保存能力。真正的艺术家是我们的指引者,是历史的开启者。艺术家引领世界,推动世界生活、文化、科技的发展,艺术品供我们汲取历史经典,探索未来新道路。因此,真正的艺术家应该学会保存优秀的艺术作品,为保障我们的文化遗产出一份力量。
浅谈艺术修养的提高 篇8
一、艺术修养的概念
“修养”在中国古代被称为“修身”,这主要体现在道德层面之上。在《大学》中有“自天子以至于庶人,皆以修身为本”“格物、致知、诚意、正心、修身、齐家、治国、平天下”等说法。随着时代的发展,“修养”一词的内容与范围不断得到充实扩大,涵盖仪容仪表、言谈举止、待人接物、知识才能、技艺技巧、思想情操、精神文化等诸多方面的能力与品质。特别是在物资充盈、生活富足的现代,越来越多的人将目光投入到丰富多彩的精神生活层面,通过学习、锻炼、陶冶等实践活动,使自己得以充实、提高和完善。
艺术修养,亦可称作艺术素养,通常指一个人对艺术和美的感知、体验、理解、想象、评价和创造的能力。她也泛指艺术家在各自专业领域里所展现出的水平高低及完善程度,是对艺术形式及艺术内涵的理解与感受,是通过自身努力能够达到的水平与境界。艺术修养对健全人格的养成影响极大,她往往借助某种艺术精神、艺术理想,以及艺术态度等人文气质显露出来。
二、提高艺术修养的方法
(一)通过欣赏艺术作品,提高艺术修养水平
艺术的欣赏是一种审美活动,是在审美需求驱动和审美意识调控下,调动感知、想象、情感、理解等多种心理功能,对艺术作品进行观照、体验和解悟的精神活动过程,遵循的是一种更突出的情感和理解逻辑。通过对每件艺术作品所蕴含的丰富意象和外在美感进行体验和领悟,在享受艺术的过程中,获得美的熏陶和感情满足。同时,随着欣赏数量的不断增加,增强艺术的审美能力、感知能力和理解能力,从而逐渐提高艺术修养水平。
欣赏优秀的艺术作品,可以体会作品中的艺术之美,通感创作者的审美情趣。审美的情趣在于艺术欣赏的格调,需要更多注重作品的质量,因为高雅的艺术具有较高的审美价值,低俗的作品则会给人以不良的影响。歌德指出“:鉴赏力不是靠欣赏中等作品,而是要靠欣赏最好的作品才能培育成。”而且越是优秀的作品,它的艺术描写越生动,艺术形象越鲜明,越能引起人们的欣赏兴趣。舒曼曾说过“:美的音乐,是与世间的褒贬荣辱无关系的尊贵的心的发露。真正的音乐,必须常是高远的心的表现。”例如:贝多芬的交响乐、罗丹的《思想者》等都值得我们慢慢欣赏,细细品味,认真学习,从而净化我们的心灵,培养我们对崇高艺术理想的追求。
(二)通过创作艺术作品,提高艺术修养水平
艺术创作是以物质材料为媒介,将心灵营构的艺术构思物态化,最终形成现实存在的艺术作品的整个过程,也是艺术活动最基本的形式。艺术创作有助于掌握艺术的规律,培养感知能力和审美能力,开拓想象能力,强化艺术知识和技能,从而有利于提高艺术修养水平。艺术创作大体可分为三个阶段,依次为准备阶段、构思阶段、传达阶段。
准备即是深入生活、积累素材、激发创作灵感的阶段。艺术源于生活,根据创作的需要,通过观察、体验、享受生活,才能从生活的点滴之中获得对美的艺术感受和创作素材。
构思即是构建艺术意象的阶段。艺术毕竟是高于生活的,创作者将素材进行加工提炼,构思整理,才能升华为艺术。此时想象力是最为基本和主要的,是艺术得以生存和发展的根本。没有了想象力就没有了艺术活动,提高艺术修养也无从谈起。
传达即是艺术意象物态化的阶段。每种艺术形式的传达都离不开艺术知识和技能。他们是艺术修养的构成因素,通过对知识的运用和技能的训练,再经由不断的创作体验,更深入地理解艺术知识,提高艺术技能,才能创作出更好的作品。
(三)通过批评艺术作品,提高艺术修养水平
将艺术作品进行深入剖析,不断地感受、理解、诠释艺术,并以某种艺术价值标准为尺度,对作品的形式、寓意、审美等作出合理、公允、准确的评判,进而促使自身艺术修养水平的提高,这就是艺术批评。
在对艺术的批评过程中,不是仅停留在对艺术美的享受,而是站在一个相对高的角度,通过连续的感受、思考与理解艺术,去发现和感悟蕴藏在艺术深处的思想内涵与艺术价值,使艺术感知能力、理性思考能力得到质的提升,使鉴赏水平和艺术修养有更大的飞跃。
敏锐的艺术感受能力对艺术批评起到非常重要的作用。别林斯基曾说:“敏锐的诗意感觉,对美文学印象的强大感受力——这才应该是从事批评的首要条件,通过这些才能够一眼分清虚假的灵感和真正的灵感,雕琢的堆砌和真实情感的流露,墨守成规的形式之作和充满美学生命的结实之作,也只有在这样的条件下,强大的才智,渊博的学问,高度的教养才有意义和重要性。”除此之外,还需要较强的理性思考能力,能用一系列的比较、鉴别、思索和考问的方法对艺术作出正确的判断与评价。感受力越强大,情感体验越真挚,想象力越有创造性;思考能力越强烈,则理解越深刻,评判越情理。
(四)通过学习艺术知识,提高艺术修养水平
知识是人们在改造世界过程中的认识和经验总和,艺术修养的提高,离不开相关知识的学习、积累。在学习中提升艺术境界,正所谓“艺通于道”。
首先是生活知识,因为艺术的来源就是生活。从欣赏主体来说,了解作品时代背景,熟悉作者人生阅历,可以与作品融为一体,心心相印,产生“同是天涯沦落人”的感觉,获得丰富、真实的艺术体验。从创作角度来讲,生活是艺术的发端,也是艺术的依据和前提,从生活出发是艺术最根本性的规律。正如高尔基所说:“主题是从作者的经验中产生,由生活暗示给他的一种思想。”
其次是文化知识。一部传世经典《红楼梦》,涉及诗词歌赋、工艺美术、建筑园艺、农业医药甚至还有烹调技艺,涉猎范围之广堪称百科全书。艺术是文化的子系统,载歌载舞、琴棋书画是文化,天文地理、数学历史也是文化,艺术与其他学问都是相通相连、相互影响的。
艺术修养研究 篇9
众多说法不免引发出人们对艺术的思考, 包括了以技艺为中心的思考, 以美为中心的思考, 以表现为中心的思考等等。其中以表现为中心的思考怀疑了美是否为艺术的唯一信条。那么艺术家想要表现艺术作品, 应该具备哪些艺术修养呢?
深厚的理论知识功底是艺术家所必备的, 因为即使一个人拥有再高超的专业技术, 表现出的作品再精湛, 若没有知识的积淀, 那么作者充其量也只能称为一个“匠人”而不能称为“家”, 其作品也不会对外界有深刻影响。艺术家所要表现的是整个世界, 所以需要涉及的知识应该是全面的, 从自然科学到社会科学, 从日常知识到艺术理论都应涉猎。随着时代的发展, 科技已经深深融入人们的各项活动中, 艺术也不例外, 科学技术既是艺术家表现的对象, 又是艺术家创作的工具。人与社会是密不可分的, 艺术家还需具备丰富的人文社会科学知识, 自身才能对生活对社会对人有着更深刻的体验, 所创作出的作品才会更加优秀。各种艺术门类的专业知识虽不尽相同, 但艺术作品都是具有共同性的, 艺术家融会贯通这些知识, 才能够打破束缚, 开创新的局面。
艺术家的情感对其表现艺术作品也是至关重要的, 情感是艺术的特征之一, 艺术美需要感人的情感, 需要激发受众的共鸣。对艺术家而言, 情感贯穿了艺术家的创作过程, 它是多种情感的积淀, 是受众的心声, 是日常生活情感的升华。高尚的情感才能体现作者的人格魅力, 才能使作品更具生命力, 产生更久远的影响。艺术形象的感知总会受到情感的影响, 引起更深的情感活动。任何艺术形象都包含着特定的情感内涵。艺术活动在本质上也是一种情感的体验活动, 它作用于人的情感世界, 通过感染情感而改变人的内在心理。艺术起源于人类表现和交流情感的需要, 情感表现是艺术最主要的功能, 也是艺术发生的主要动因。艺术是人类以情感和想象力为特征的把握和反映世界的一种特殊的方式。具体的说, 情感是人们现实生活和精神世界的形象反映, 也是艺术家知识、情感、理想、意念综合心理活动的有机产物, 他们相互影响, 艺术是情感的表现, 艺术将人类情感呈现出来供人观赏, 把人类情感转变为可见或可听的形式。正是因为艺术创作是一种情感的表现, 所以同一题材的艺术作品才会千姿百态, 而艺术家对题材, 技术的选择, 往往也是由情感表现的需要而定的。
艺术家要通过各种途径不断的学习来加强自身的理论知识, 拥有了强大的理论支持, 在艺术创作时才能全面提高, 所创作出来的作品也会拥有更高深的意境。经常性的进行社会实践能断增长才干, 想要真正做到使作品反映生活、揭示生活、歌颂生活, 需在进行社会实践时不断加强生活修养、艺术修养、思想修养与道德修养, 这样艺术作品才会具有更深刻的社会生活内涵。
人们认为一些艺术家是天才, 并认为天才的能力是先天的、神秘的。虽然天才和一般才能的确存在区别, 但是, 所谓的天才就是具有优良的创造性和敏锐的洞察力, 而这些全都是需要以一般艺术才能作为根基的。天才的出现, 绝不是偶然, 是艺术家艰辛求索, 刻苦练习的结果。缺乏自身在艺术上的艰辛求索和刻苦练习, 是不会获得成就的。先天条件可能会给艺术家一定的条件, 但是后期的学习, 自我提升和社会实践才是起决定性作用的。否认人们在天赋方面存在的差异是不对的。由于先天遗传方面和后天生活条件方面的不同, 人们在生理上, 都或多或少有着差别。这些差别, 在表演艺术家身上表现得特别显著。但优越的天赋也只是给了他们艺术创造的一切有利条件, 并不代表天才就是自然的产物, 而应该是社会历史的产物。艺术家创造作品的能力不是生来就有, 而是在后天的社会实践的过程中发展起来的。天才的艺术作品虽然不是按照一种已经制定的规则制作出来的, 但是其中还是有规律可循。艺术创造的一般规律即使是再伟大的艺术家也不会去违背, 如前文所说, 刻苦勤奋才是真理。一个具有高度艺术才能的艺术家, 只要努力扩大自己的思想和艺术修养的范围, 不断提高自己感受和认识生活的能力, 从生活中发现前人所不曾发现的新的美, 并且在艺术上找到了适当的表现形式, 那么就有可能成为一个天才的艺术家。相反, 一个有天才的艺术家, 如果放松了思想和艺术的修养, 失去了对生活的不断更新的独特的感受和认识的能力, 在艺术上又简单地重复着原有的东西, 那么他的艺术天才就会衰退, 江郎才尽。
艺术工作者需要相应的理论作为指导原则, 要将其融入到艺术活动的过程中。拥有了丰富的艺术知识后去面对艺术作品时, 需要用历史的眼光去看待, 去了解艺术家的创作甘苦及个性, 要拥有对社会现实再把握的能力。时代要求的人才是德智体美全面发展的人才, 全面发展不应该只是空谈, 而应该是一个不断实践的过程。
摘要：从事艺术专业活动, 不仅要有敏锐的艺术观察力和良好的感性能力, 也要有理性能力。运用理论来提供视角, 来作价值判断, 从而与实践形成良性互动。小到个人的审美, 创新能力, 人生境界和个体人格, 大到一个国家辉煌文化的继承, 科学技术的创新和思维的变革, 艺术文化修养无疑都在起着积极的作用。
论水粉画的艺术修养 篇10
一、水粉画的基础修养
水粉表现的途径有多种,从写实与写意、具象与意象、半写实与半抽象等,要求画家有敏锐的眼光,精明的分辨力,从作品的形式和意境到内涵都有清醒的认知,从而找到最佳的表现方式,传达画家的思想和情感。初学者往往缺乏科学的观察方法和深刻理解分析,景物是随着时空光影而时刻变化着,如何抓住事物瞬息万变中对我们有用的东西,这就是一个磨练修养的问题。画到深处就是画学识修养,特别是水粉写生,对景物的理解取舍,对自然景物构图、色彩、主次、虚实的再创造,都需要有深刻理解和艺术修养,就看我们如何在繁杂中找出自己想要表达的重点主题来完成构思构图,并以此画出让自己满意的作品。
观察方法是画家很重要的基础修养,人们常说的音乐家的耳朵画家的眼睛,眼将事物反映到大脑进行分析处理,才能支配手进行绘制。眼需要判断色彩调子和丰富的冷暖变化,这种科学方法就是整体的、比较的、联系的观察才能发现奇妙的色彩规律。一个画家的观察方法是靠长期磨练积累,可在画外随时随地磨练正确的观察方法,观察景物的整体色彩关系,判断丰富而微妙的色彩变化。在平常画外观察的过程中欣赏景物的色彩调子以及最打动人的色彩关系,很多画家经常在观察中激动。初学水粉画更需要这种磨练,当作画时才会积极主动得心应手。我国著名东方色彩大师李有行先生就是这样教导他的学生磨练画外观察功夫。
二、构图与表现技法修养
构成一幅作品赏心悦目的要素除了主题、色彩、明暗关系外,能将各物体点、线、面在有限的创作平面上艺术地组合,使想法突出给人一种形式美感。表现情感和形式美载体的各物体“形”的安排组合和物体在画面的穿插构成是构图要掌握的绘画基本功,了解一些构图法则是很有必要的,吸取国画和西画结合的构图方式。人物、花卉应不挤不空突出主题;风景的云彩、山势、树木、水、石等物体构图要为表现想法服务,为了表现意图物体可增可减、可大可小、可高可低、可正可斜,适当调整自然形态及其它元素。正如吴冠中先生所讲“过去是想法把物体画象,现在是想法把物体画美”,说明画家对景物需要艺术的再创造。再如著名画家陈子庄曾经说过:“学画先要求稳,练基本功,能稳然后即可求新奇。”
表现技法的点、线、面和晕染渗化是水粉画运用最为广泛的用笔语言,不同的笔触传达画家不同的情感语言。要画好先要学会用笔,因为笔是传达思想情感的工具,只有在实践里千锤百炼才能达到得心应手的境界。技法修养从笔法上基本有勾勒、皴擦、铺色、点染、清洗、渲染、流动、摆块面、拖带、扫掠等,表现不同的物体和想法运用不同的笔法,只要认真观察和理解被描绘的对象,先在心中从容组织好用笔技法,做到意在笔先才能作画时下笔果断,笔势准确到位少些修改,这样会使画面显得轻快而有激情。行笔、用色要在协调中求变化,变化中求协调,层层丰富、有主次虚实,使画面生动活泼不呆板。水粉画的干、湿画法在作画时并不是要绝对分开要灵活运用,干、湿结合方能表现自己的思想、感情,才能让作品的艺术语言更加丰富多彩,升华其艺术价值。
三、水粉画吸取姊妹艺术的营养
作为中国本土画家,其实在水粉画技法的运用上,多承袭了国画艺术的各种有用的技法,特别是国画写意的运笔方法。作为都是以水为媒介作画的画种,水粉画与国画的关系主要表现在与写意画中意境的相通。明代王履说:“画虽状形,立和乎意,意不足,谓之非形可也。”而国画中的写意画只求意达,而忘乎形的表现形式,正是通过水墨淋漓的意象发挥,将作画者的思想传达给观众。同样是以水为媒介的水粉画也可借鉴,求描绘景物的神似,而主要是作画者当时对景物的感知提炼用手中的画笔表现出来。如诗意般的含蓄美让人回味联想,而不是用直白的绘画言语表现,能让观赏者自由发挥想象的水粉画艺术则是另个艺术世界。但水粉画也可写实,尤如国画的工笔。
中国书法之行、草亦是笔走龙蛇,意在笔先,所表现的形式审美是水粉画可吸取的审美元素,如树叶、树枝、杂草、藤蔓等与点线有关的可借鉴书法用笔。因此深受中国书画艺术影响发展起来的中国水粉画亦接受了中国绘画写意观的影响,也吸收了书法艺术的营养,对于水粉画的意蕴追求也就更加关注。中国画是以笔法、骨气、走势在水墨交替中以一种精神力量贯穿于运笔之中来描绘形象。而水粉画则是用色彩的鲜灰、冷暖、深浅等对比来对景物表现,并用水和白粉调配色彩深浅、鲜灰等表现对事物的想法。
水粉画的表现技法介于油画与水彩之间。油画有很强的覆盖力,所以画出的对象很有厚重感和丰富细腻的质感,可工可写,色彩无干湿变化。而水粉画干湿变化明显,需要有经验的画家才能基本掌握干湿变化。但水粉画也有优点,如工具材料简单、携带方便,画完很快就干,外出写生画很多可以轻松方便地带走,而油画就不行。水粉画可吸取油画特点画出厚重而又丰富细腻有质感的作品,色块层层重叠寄托情感使作品厚重而传情。还可进行重大题材的主题画和宣传画创作,应用广泛。
水粉画与水彩画的关系,在国外是同一画种,但水粉画作为一个独立的画种在中国得到肯定和发展也是不争的事实,产生了不少名师大家。水粉画吸取水彩技法的薄画、湿画,可以显出透明、轻薄、明快、流畅的水彩效果,有梦幻般意境。而且对画纸的要求也不高,很多材料上都可作画,表现自由。干画、厚画有油画特点;湿画、薄画有水彩特色,干湿结合再加特技可以创造水粉画艺术奇妙的艺术语言。
结束语
浅谈有关艺术修养的问题 篇11
关键词：艺术修养；艺术直觉；艺术形式
1.在我们民族的历史上，很少有正规提倡艺术修养的时候。本应属于艺术范围的文辞诗作，竟长期成为科举手段，结果艺术人格不得不在利禄人格、官场人格的威慑下变得疲弱不堪。我们历来焦急地呼喊着军事、政治、经济修养，很少有呼唤艺术修养的，因为它太缺少实力了。从人类发展总体而论，军事、政治、经济等再重要，也带有手段性和局限性，惟独艺术，贯通着人类的起始和终端，也疏通着每一个个体生命的童年和老年，天赋与经验，敏感与深思，内涵与外化，在蕴籍风流中回荡着无可替代的属于人本体的伟力。一个富于艺术修养的人，尽管他的外在境遇未必良好，他的内在精神生活一定比别人丰盈而充满活力，如贝多芬的耳朵、毕加索，他们是汇集着人类的全部尊严和骄傲活着。一个有艺术修养的人，不管他担任什么工作，总会比其他人更能体谅人，更仁慈，更幽默，更易展现个性，更潇洒从容。许多军事家、政治家、企业家能以他们的辉煌业绩产生广泛的震慑力，但他们身上最具魅力的地方，却往往是那一份艺术素质。艺术修养也可以定义为一种生命的独特存在状态，是一种具有重大实质性意义的人格力量，而不是人生的一层可有可无的涂料。
2.关于艺术修养还有一种误解，即把艺术知识等同于艺术修养，甚至教育机构也把艺术知识当作提高艺术修养的基本途径。结果，我们经常遇到这样的人：一提起某个画家，能够滔滔不绝地讲他的几个创作时期，以及每个时期的基本特点，但一旦让他们站在这个画家的面前，却默然以对，根本没有出现审美投入。这一切我们早已习以为常，究其原因便是长期以来以艺术知识代替艺术修养所造成的。一个有高度艺术修养的人当然会有比较丰富的艺术知识。但是，艺术修养的根基并不在艺术知识中。艺术知识是对已发生过的艺术现象的理性记录，其本身是非艺术的。这正像知道欧洲战争史常识和拿破仑生平的人未必有真正的军事修养，因为他所知道的这些知识是历史的而非军事的。艺术知识，只是艺术修养大题目下的一种后补性、扩展性的内容。有时，为了深化对艺术作品和艺术家的领悟力，人们也会把某段艺术史系统的了解一下。但是，只要是有艺术修养的人，他在接触艺术的过程中往往不会向学习数学史一样冷静，而一定会投入自己爱憎裁断，调动足够的审美联想，甚至还会引发自身创造的激情。这样，他也就把艺术史的学习艺术化了，这种学习，与严谨的学问要求距离甚大，所学到的常常是染有很大主观性的“非纯净知识”。
3.艺术理论的构架理所当然地矗立在审美经验的基础之上；但从具体的社会分工和历史承传而言，艺术理论有可能成为一项独立的职业，而前代的理论成果又往往被后代直接继承，不在经过审美经验的重新过滤。用极概括的语言在理论高度上说明艺术，而实际上他们并不懂得艺术。在有些大理论家如康德、黑格尔身上，具体的审美感受已获得提升和升华。其实，只要真正深研过他们的理论就不难发现，他们的审美经验不仅是丰富的，而且无疑是他们全部理论阐述的基地和参照系。因此，审美经验贫乏的人是不可能读懂康德、黑格尔关于美学和艺术的论述的。反之，立足于深厚的审美经验，倒反而能较好地领会他们所说的不少道理。不幸之至，现在有些学校的教育常常脱离审美经验而条条缕析理论，把学生们折腾得非常可怜，渐渐变成贫于审美的奴隶。
4.艺术是代表个人生存空间的另一种语言符号，是作者表露或抒发个人情感的工具，是感知交流的特殊语言，是心灵独白向外宣泄的文化载体，是人生修养境界的真实表露。艺术最大的特质就是记录，如同文字一样，记录下创作者的探索和追求、痛苦与欢乐、挣扎和解脱、绝望和重生、生离和死别。艺术两个字本身没有什么特性可言，在艺术的领域没有绝对的对与错，没有固定的美丑定律，没有永远的传统和前卫。那么艺术修养究竟有哪些成分结构呢？分而述之，大致有以下几点：艺术修养的基础是艺术直觉。有了艺术直觉，那么前面所说的艺术知识则全盘皆活；反之，则全盘皆死。艺术直觉主要是指一个人对美所产生的全身心的迅捷敏感。几乎不必经过思考，你就能立即对眼前的艺术作品产生激动、震颤、厌恶、舒畅、烦腻等等感应，既灵敏又强烈，一个人的这种感应未必是高水平的，但是只要有这种感应的存在，才能使艺术知识、艺术理论与每一个活体生命接通血脉。培养艺术直觉的根本途径，只能是反复而广泛地欣赏艺术作品，扩而大之，进而欣赏生活中蕴涵着种种艺术潜能的美色。这种欣赏，是人与作品之间的一种奇妙对晤，只要是自己有亲切感、愉悦感的作品，就要尽力投入，以求获得更深切的领悟。为此，切实而有高水平的欣赏指导文章，往往比大部分的理论著作更能有利于人们艺术修养的提高。
艺术修养是一种在审美范畴内感悟生命的能力。历代艺术家汇聚着自己时代人们的生命信息，通过一代又一代有艺术修养的接受，构成了生命的强力传递。如屈原、李白、歌德、肖邦等靠着人们的艺术修养活到今天，而今天的人，则又靠着艺术修养汲取着前代大师们的生命能量。因此，提高艺术修养与生命意识、人生感悟直接有关。
艺术修养研究 篇12
一、以艺术修养带动艺术技能
艺术技能是具备指在某一艺术种类的专业的技术和方法。艺术修养则是艺术家思想、知识、情感、艺术等方面的修养的体现。钢琴艺术演奏者的培养应该在培养演奏者的艺术修养, 以艺术修养来带动艺术技能的提升, 一名优秀的钢琴演奏者的艺术技术是其进行艺术创作的基本手段, 而艺术才能使艺术家从事艺术创作的能力, 这种能力表现在艺术技能的熟练掌握, 艺术修养可以提升艺术技能的处理。在钢琴的课堂教学中, 笔者会尝试着通过欣赏钢琴作品的作为艺术修养的提升来带动艺术技能的发展。例如, 在欣赏肖邦的《雨滴》时, 首先交代作品的音乐背景, 这是一首肖邦在马约卡岛那个雨夜写的第1 5首降D大调前奏曲, 曲子始终在伴随着单调的节奏中贯穿着持续的同音反复, 仿佛是雨滴落地, 于是被人加上《雨滴》的标题, 便很形象的展示了作品。在这首作品的音乐形象虽然比较单一, 但是却给人以遐想的空间, 其中存在诸多的情感上细腻的变化, 乐曲十分抒情, 歌唱性的旋律伴随着思想中那清纯的雨滴声, 仿佛是雨夜里飘荡的无言歌, 四周都弥漫着浪漫的气息。在理解了作品的基础上, 学生对作品有了向往和憧憬, 内心的演奏欲望便会蠢蠢欲动, 而此时, 教师应该以音乐内容的要求作为出发点, 指导学生进行正确的触键方法、解决音色处理和技能难点等等, 避免学生自己盲目的练习钢琴技能, 真正地做到以艺术带动技能。
具体的艺术带动技能训练教学中要注意在尊重原著的基础上进行表演的二度创作, 在学生学习的初期, 帮助学生正确仔细地分析作品的内容, 分段理解作品乐段的特点和结构, 宏观把握作品的演奏风格, 在曲子关键和难度大的地方引领学生反复练习, 在作品的艺术分析下完成技能的训练。
二、通过艺术技能表现艺术修养
艺术修养是通过艺术技能来表现的, 如果没有精湛的艺术技能便不能表现出良好的艺术修养。在艺术修养的提升中演奏者的演奏技能, 良好地运用肢体语言、培养表演的气感等等, 更好的表现演奏者的艺术修养。
首先, 一名具备良好艺术修养的钢琴演奏者在演奏过程中肢体语言的运用必须得当, 郎朗是我国的天才钢琴家, 他在钢琴演奏中的肢体动作是比较夸张的, 对于他弹奏的拉赫玛尼诺夫《第三钢琴协奏曲》, 鲍蕙荞、刘诗昆、傅聪三人曾作了一些评价说:其实他不做这些动作, 他的音乐、他的声音完全很好, 但是如果看他的样子再打分的话, 就要给他减半了。钢琴演奏本质上可以理解为是从手指经由手腕、手臂等传递到全身的动作完成的系统, 因此肢体语言的得体运用是钢琴演奏者的基本技能训练方法, 作为一名钢琴教师在要学生的基本功上下大功夫, 纠正其不良的肢体表达方式。手指的直接掌控者是手掌, 这是保证声音质量的关键部分, 在技能训练中手掌要保持指出状态, 不能塌陷, 只有手掌支撑起来, 才能保证整个手腕进而使整个身体成放松状态。从漫长的钢琴演奏史中, 钢琴的演奏方法经历了从强调手指弹奏、固定手型、平静手腕传统弹奏法到强调身体、肩部、大小臂、手腕、手指指尖力量贯通, 保证身体的协调自然并具有控制的现代演奏方法, 人们现在更多的是强调重量弹奏, 身体自然放松。学会局部突出, 整体协调舒展。最著名的例子是贝多芬的钢琴奏鸣曲《悲怆》, 第一乐章的左手八度音的颤音, 很多学生练习这一段几个月也只有一点点的进步。他们犯的第一个错误就是弹得太用力, 其实只要知道如何消除肌肉紧张, 这一段就学会超过9 0%了。
其次, 钢琴演奏者气感的培养对钢琴演奏的技能处理也有着不可忽视的作用, 在演奏钢琴时, 呼吸与肢体的移动, 手指的轻重等整个身体的律动有着重要的关联, 乐曲演奏时有它的整体性和结构性, 演奏时呼吸的变化得当会使得乐曲的音乐结构更加完整的呈现, 通过呼吸的换气来完成乐句之间的抑扬顿挫和持续进行。这种呼吸的处理方式和感觉也被称为“气感”。要保持良好的“气感”, 首先要准确地分析乐谱以及乐曲中的乐句, 分析出乐句间的关系, 注意“气口”的掌握, 使得呼吸与整个乐曲保持良好的完整性和统一性。
最后, 演奏者应该勤练精学。钢琴演奏是通过娴熟的技能训练更好地实现艺术修养。只有通过大量的练习才能实现技术上“熟能生巧”。训练时, 教师要指导学生正确的练琴方式和方法, 养成良好的练琴习惯, 克服坏习惯, 坏习惯是钢琴练习中最浪费时间的。多数的坏习惯是由于练习太难的曲子, 引起肌肉紧张所造成的。练习过程中不能仅仅注重音乐节奏等技术性环节的掌握, 还应该加强情感投入, 作品的而理解以及正确的运用肢体语言和气感, 科学地进行训练, 由浅及深, 循序渐进, 分步进行。
三、技能与修养的完美结合
就近几年北京地区的艺术类院校来看, 他们对考生的文化素质要求越来越高, 这说明艺术类考生的艺术修养同艺术技能一样是每一名艺术爱好者不可或缺的才能, 艺术需要天赋, 更需要文化修养, 钢琴艺术更是如此。在钢琴教学中, 教师应该根据不同学生的特点和学习接受能力, 因材施教。只要在技能熟练精湛的基础上才能更好地表现钢琴艺术, 也只有具备良好的艺术修养的人才能使技能训练有方向和目的, 二者相辅相成, 不可分割, 因此在教学过程中, 技能和艺术修养的有效结合是钢琴教师长期追寻的目标, 同时钢琴教师也应不断提升自己的任职水平, 更好地指导学生。
参考文献
[1]杜雅琴.钢琴演奏的肢体语言.艺海, 2009年5月