艺术呼吸（通用6篇）
艺术呼吸 篇1
现代舞是19世纪末20世纪初发生于美国和德国的一场舞蹈大革命, 自由、乐观、宽容的它彻底否定的对象是封闭僵化的古典芭蕾。美国与德国都曾受到“现代舞之母”——美国舞蹈家伊莎多拉·邓肯的某种启迪, 并在1930年代之后开始相互交流和彼此影响, 出现了两国现代舞互动互补、融为一体的新鲜品种。
现代舞的表达很简单很自然, 它积极向上, 它追求自由的, 它展现生活。对于现代舞的理解很微妙, 它没有特定的舞蹈形式, 它强调发挥艺术的个人特色, 主张独立创新色彩。它不同于其他舞蹈的概念所要求的那样要美得极致, 在现代舞而言, 美不美, 并不是去衡量现代舞作品高低的唯一标准, 只是一种单一的表现形式。同时, 在现代美学中, 美并不是至高无上, 不是新与旧的区别, 也不是是非关系。对现代舞作品, 并不要求是一味的去学习, 而是应该竭力去挖掘其创造的潜力, 不断地创新、改变、升华。现代舞要求我们不要一味的去进行学习模仿, 而是要不断深究、探索、创造和改变。更重要的是要搞清楚现代舞的宗旨是什么, 大胆的去实验去探究, 而不是廉价的学习模仿, 更不是技术的炫耀。这是现代舞大不同于其他舞蹈的特点所在。
在舞蹈中, 较为重要的一个关键点就是“呼吸”, 无论是什么舞蹈, 呼吸都是至关重要, 不可或缺的。要知道呼吸的运动主要依靠呼吸肌的舒、缩两部分来完成, 分别表现为胸腔与腹腔两个部位的活动。呼吸是人的一种正常的生理现象, 同时又是重要的养生之道, 人的一呼一吸承载着生命的能量。从呼吸运动的进行过程有两种方式, 一种是以肋骨和胸骨活动为主的呼吸运动, 叫“胸式呼吸”;另一种以“膈肌”运动为主的呼吸运动叫“腹式呼吸”。简单说来“胸式呼吸”以肋骨和胸骨活动为主, 吸气时胸廓前后、左右径增大。由于呼吸时, 空气直接进入肺部, 故胸腔会因此而扩大, 腹部保持平坦。“腹式呼吸”以“膈肌”运动为主, 吸气时胸廓的上、下径增大。腹式呼吸时, 横膈肌会下降, 腹压增加, 感觉好像是空气直接进入腹部, 这时若把手放在肚脐上, 会感觉手上下微微抬放。“腹式呼吸”的最大特点是能够增加“膈肌”的活动范围, 而“膈肌”的运动直接影响肺的通气量。在舞蹈中的呼吸多半是运用“胸式呼吸”来进行。
呼吸是舞蹈的主动脉, 是舞蹈继续发展的生命力, 是舞蹈整体的持续力量。呼吸的作用看似简单, 运用起来却相当难掌握。舞蹈的呼吸是主动的, 它绝不只是用来调节换气而已, 它更是一名舞者保持舞蹈的节奏和舞蹈韵律的重要体现。如果没有呼吸对舞者进行生理上的调节, 舞者很难对舞蹈动作继续进行, 因此, 更要正确的运用呼吸。呼吸的运用能极致的表现出它与舞蹈动作之间的紧密联系, 和完成舞蹈动作的协调性。当舞者在表现一个作品的时候, 他们是需要足够的体力去完成一段完整的舞蹈, 而完成的必要因素则是看舞者的体力够不够, 当舞者体力透支, 四肢无力时, 他们很难将舞蹈完整的进行演绎, 因此, 呼吸在这个时候就起到了它至关重要的作用了。只有舞者要懂得如何正确的使用呼吸, 巧妙地掌握呼吸的技巧方法, 才能够演绎出一段完整的舞蹈作品, 为观众带来视觉的享受。其中, 在一整套舞蹈动作流动转换时, 舞蹈动作的一曲一伸, 一动一静, 一快一慢等等都与呼吸有着密切的联系, 它们通过呼吸的运用, 表达出舞蹈动作的思想与情感, 释放出舞蹈的生命, 展现出舞者的风范。因而, 不同的舞蹈, 呼吸的使用也不一样, 表达出来的情感也为不同。要把握好不同种类, 不同风格的舞蹈呼吸的改变, 尽善尽美的诠释出舞蹈的风韵。
现代舞中的呼吸别具一格, 大不同于我们生活中的呼吸, 更不同于其他舞蹈艺术中的呼吸。它的呼吸在现代舞里被称作为“气息”。它在舞蹈动作的完成中起着决定性的作用。气息的运用是直接影响舞蹈动作的表现力与冲击力。正确的呼吸它会随着舞蹈动作的变化而变化, 会使动作自然流畅更富有生命力, 如果气息混乱则会打乱了呼吸的节奏, 影响舞者身体上的平衡, 因此很容易造成紧张从而失去控制能力, 而造成舞蹈动作的失准, 当舞者一旦失去这种平衡就直接导致身体上的失衡反应, 严重影响动作的形成和完成, 更有可能使舞者受伤。所以, 只有当动作的韵律和气息完全保持一致的时候, 才会让舞蹈的表现更加生动饱满。这样才能使气息发挥其自身的作用。
呼吸就是舞蹈动作的原动力, 它掌控着舞蹈精神的命脉。现代舞是诸多舞种融合为一体的舞种, 在不固定的气息流变中展现着动作变换的脉搏。各种各样不同的舞蹈, 其呼吸的方式也大不相同, 但是现代舞中的呼吸却又有其最为独特的特征, 跟其他舞蹈相比而言, 现代舞中的气息变化对其动作的变换更为重要, 更能体现出舞者所要抒发的内心情感。在现代舞中, 它的呼吸是十分强烈的, 是非常明显的。我们经常能看到舞者在舞蹈时瞬间的凝聚爆发, 快速的吐气松懈身体, 突然地跌倒落地等等。在各种激烈的动作下, 一刹那的屏住呼吸、瞬间停止、无限延长等等, 这些都是依靠着呼吸的不断运转, 从而让观众有着视觉上的冲击与快感, 同时也得到美的享受。在现代舞各种舒展的动态变换之间, 呼吸的生命感让舞者无尽的享受着舞蹈动作的千变万化, 用肢体与灵魂拼命的感受这静如止水, 动若脱兔的舞蹈线条, 舞蹈动作的一动一静贯穿着呼吸间的起起伏伏, 让舞者融入到情感当中, 感受着舞蹈情境中另外的一个自己。
在舞蹈的时候, 吸气和呼气一定要均匀协调, 呼吸要密切配合动作的协调性呈现出一个下沉的弧线。吸气是为下一个动作做好准备, 呼气则是为了换气和放松身体。两者之间的关系是相辅相成, 紧密联系的。舞蹈中的呼吸必须加以控制, 它是积极的, 主动的。在舞蹈时, 要根据舞蹈动作的需要来对呼吸进行适当的调节与转换, 以确保舞蹈动作的完整性与流畅性, 与此同时也要保持呼吸的节奏性, 使舞蹈看上去更为完整, 给人舒畅的感觉。舞者需要按照不同的舞蹈动作的各个特点来进行安排呼吸的不同方式的使用, 因此一定要保持呼吸的相对主动性来确保舞蹈动作与呼吸的相辅相成, 要做到呼吸有节, 气顺力达的效果。当然, 舞蹈动作的流畅性也是对舞蹈呼吸进行练习的一个重要环节, 是必不可少, 是需要加强练习的。所以无论是在舞蹈的训练课上, 还是舞台表演中, 都必须强调合理运用呼吸。一定要将呼吸贯穿于每一个动作中, 用呼吸的顺畅减少身体的疲劳, 用呼吸去推动舞蹈技巧的娴熟度和动作与动作之间的变化, 用呼吸去表现舞蹈动作的力度和线条感, 用呼吸去丰富所要塑造的舞蹈艺术形象。
现代舞中所有的动作完成都是通过气息来调整, 支配的。在视觉的感官上很明显, 瞬间凝聚爆发, 瞬间松弛, 瞬间腾跳翻转, 瞬间跌倒落地, 统统都是来源于气息作为动力源点来完成的。气息有长短, 动静, 轻重, 缓急等等, 在训练中要注意保持好呼吸的节奏, 节奏不能乱, 要根据肢体的运行方式, 进行有序的呼吸节奏的调节。身为舞者, 一定要高度重视呼吸带来的巨大作用, 要不断地进行呼吸的各种方式的练习。优秀的现代舞演员是应当具备良好的呼吸素养, 在现代舞的基本要求下, 我认为气息的使用远远大于舞蹈技巧的作用力, 现代舞种气息的正确使用带来的效果, 远比单一纯粹的技巧动作, 给观众带来的视觉冲击更为精彩。
呼吸是舞蹈情境中一种语言的表达, 不同呼吸的使用所要表达出来的思想, 风格, 情感都各不相同, 它是舞蹈中的言语艺术, 它在向人们诉说着不同的故事, 引导人们深入其境, 感受那份特别的情感。当舞者完完全全掌握好舞蹈呼吸的节奏与协调感, 便可呈现出一组组完美的舞蹈动作, 多种舞蹈动作是不能在一个相同的气息转换中同时出现的, 要是在同一连续呼气中不断完成好几组大幅度、快节奏的动作, 势必会影响到动作呈现出来的质量。这种没有被打断的无节奏的呼气或吸气, 会让观众在视觉上难以接受, 仿佛一个动作还没有做完就毫无防备的进入到了下一个动作, 舞蹈的情感表现变得极端生硬起来。所以一定要协调好动作与气息之间的流动性, 确保以最好最完整的呼吸节奏来完成一套流畅的舞蹈动作。
舞蹈作品的呈现, 无非就是表现出现有的生活状态, 展现出生活中的点点滴滴, 现代舞的这种情感表达格外明显, 它一切的创作源泉都源于生活中点点滴滴, 各个细节。呼吸是情感表现的源头, 内心的柔情, 在平缓和温柔的呼吸节奏与温柔变换的舞蹈动作中静谧流淌。仿佛一滴悬挂在屋檐边清澈的雨水, 耸动之后柔媚地滴落, 在呼吸之中融入了舞者的生命, 赋予了舞蹈形象完美的灵魂。现代舞的气息是舞蹈情感书法的重要体现, 舞蹈动作的变换离不开呼吸节奏抨击, 时而柔情似水, 时而铿锵有力。
舞蹈, 好似人间艺术中的清风, 温宁萧瑟, 用无尽姿态道尽各中神彩, 以精妙身形间抚慰情意绵长, 而舞蹈的呼吸, 就好似这绵长清风里温润的雨, 不经意之间便渗入舞者骨髓。节奏是舞蹈的血液, 呼吸更是这血液中的一部分, 所以把握舞蹈动态就必须掌握舞蹈呼吸, 在音乐中感受舞蹈呼吸的韵味, 感受舞蹈呼吸沁入骨髓的清透与自然, 让呼吸与舞蹈动作更加贴合地结合在一起, 共同挥洒出绚烂的艺术长图。
论艺术教育的“有氧呼吸” 篇2
【关键词】高校艺术教育师资共享设计管理应用在教学
什么事情的进步都离不开社会的前进和时代的更替，高校艺术教育也不例外。身处在当下的数位时代，自然心中期许着全新的高等艺术教学方式，让老师和学生们一起做有新鲜氧气的呼吸运动。
一、有氧呼吸运动
在当下我国的艺术教育中，学生处在强制中，对所要学的课程缺乏自主选择权，造成呼吸不畅快并且伴有“心悸病”。教师常年作班在一个单一学校，时间久了，锐气和激情降低，与外界接触不广泛，不能不断的处在前沿地带，严重缺乏新鲜氧气，甚至快要窒息。学校变成了一个只呼进不呼出的场所。所以，我提出了以上这样的想法，让教师和学生还有学校一起做一个有氧呼吸的运动。
二、学校
在希腊文中，学校一词的意思就是闲暇。在希腊人看来，学生必须有充裕的时间体验和沉思，才能自由地发展其心智能力。
在中国古代，“学校”不是一个词。是两个词，分别表示两种不同的教育机构，从孟子开始，“学”和“校”并用。“痒序学校”的顺序也基本固定。学、校是中央教育机构，而痒、序则是地方教育机构。所以学校之教是王化之本，而痒序之教则是民俗之基。二者功能各异。虽然后来学校一词泛讲所有教育机构，但是中央集权的权威一直根植其中。所以要想让中国的艺术教育符合当下的开放状态，就必须抓其根本，从学校本身开始解构，单纯的学习西方的教学方式。就如同西药只能治标，中药才能治其根本。
“学校”，在当下应该转换掉它的职能了，转换成交换空间，变成一个交换机构，就像是做广播体操，来了一批人做完操走掉。再换上一批新人，人人都能做运动，身体健康，心情愉快。某一所学校，都不在是学生和教师的终点站而是中转站。(当然，在这里我所说的是高等教育学校。)每个高等教育学校都是一个交换机构，学生和教师可以通过“学校”这个交换中转机构进行按需调配。这样就会真正的形成网格状教育体制。小到中国境内，大到全世界的范围内，真正的实现了师资共享。
目前，麻省理工大学利用网络进行了教育资源共享——即“开放式课程网页”，对全世界各个国家开放了1450多门课程，对全世界的教育家、学生和自学者提供免费、可搜寻的麻省理工大学教材。这是一个机构努力朝向理想前进，最后成功实践了对这个理想的许诺。这是源自麻省理工大学教职员对麻省理工大学的目标，热烈地信仰的一种理想，本着知识与资讯的公开传播是可以为全世界的人们敞开通往教育的大门的信念。
我相信在全球化进程的急速推动下。我所构想的师资共享和学校职能的转换也会实现的，并且深信这将会是必然的发展趋势。
三、教师与学生
在这里教师和学生之间的关系，由单一的师生关系，转变为多种关系，包括商家与顾客关系、师生关系、合作伙伴关系。由一条直线发展变成多线平行前进。
教师，不只在单一学校任教。就像上面说的，学校变成了交换机构，这一时期会在x大学，进行某个课题研究，研究成功后。下一时期就会在全国各个大学推广，然后再根据学生的需求调配进行下一个课题研究。学生也可以自由的和教师链接，和与他们激情类似的环境链接，在已有的课程体系基础之上，创造自己的课程，通过学校这个中转机构找到适合自己的教师，在教师的引导下。作出哪些是要学习的，哪些是不用学习的。这样就改变了供求关系，相互促进，共同生存。
四、设计管理导入授课时态
在我们的艺术教育中，老师多数重视的是知识的传授和学生对知识的接受，很少考虑其他非智力因素对一个学生的成功所起到的重大作用。据美国哈佛大学的研究表明，人生成功至多只有20％缘于智商因素，80％则受其它非智力因素影响，例如：品行道德、自信心、心理素质、情绪控制、人际关系、合作精神、思维方式……。从事艺术教育的教师，授课的时候在这些方面都应给予学生一定的引导。就像罗恩菲尔德的《创造力和新的成长》强调，身体、心智、社会和情感的发展是艺术教育的目标。
设计管理的精髓我认为：就在于在设计管理的调控下，能连续的设计出好的产品，在良性循环中，为设计公司或者是企业赢得不断的增值，(包括有形的和无形的)。把这种精髓导入授课时态，就是说教师把除去智力因素外的非智力因素。重新整合，结合不同的学生进行全新的资源配置，让学生不断的增值。
试论声乐演唱中的呼吸艺术 篇3
关键词：声乐演唱,呼吸,艺术
一、呼吸在声乐演唱中的重要性
(一) 声乐演唱的核心是呼吸
声乐演唱具有很强的技术性, 如果仅仅是根据书面资料进行发声练习是十分困难的, 所有声乐演唱的技巧都必须要依靠正确的呼吸。没有正确的呼吸方式和技巧就不能很好地表达声乐歌曲。伊丽莎白·舒曼也曾说过: 歌唱就是呼吸。在声乐教育和声乐演唱领域也有很多前辈都十分注重呼吸。由此可见, 声乐演唱的核心就是呼吸。
(二) 声乐演唱的动力是呼吸
要完整演唱并表现一首歌曲, 除了先天要具备较好的嗓音条件之外, 还需要掌握演唱过程中的呼吸, 并根据演唱需要进行调整。好的呼吸才会有足够的气息支撑, 有了足够的气息作为动力, 才能带动声带发出优美动听的声音。可以说, 呼吸直接影响着歌唱者的所有发声技巧。著名女高音梅尔芭也曾说过:要有完美的歌唱, 掌握正确的呼吸尤为重要。要想声乐作品表现完美, 就必须要依靠呼吸提供足够的气息支撑, 然后再跟情感和歌唱技巧紧密结合。
二、声乐演唱中的呼吸方式分析
(一) 胸式呼吸法
胸式呼吸法吸入的气息支撑点比较高, 演唱的时候使用这种呼吸方式会使颈部周围的肌肉以及喉头都处于紧张状态, 不仅吸入的气息少, 而且横膈膜跟腹肌的运动都会受到阻碍, 发出的声音就会很干涩、紧张, 缺乏弹性。因此, 在声乐演唱中不使用胸式呼吸法。
(二) 腹式呼吸法
腹式呼吸法主要依靠软肋的张力、小腹的扩张和收缩进行呼吸。演唱的时候使用这种呼吸方式吸入的气息会很深, 运用的时候气息会显得很不流畅, 造成发声部位不稳定, 发出的声音也很沉重, 一到高音就会明显感觉到气息不足。因此, 在声乐演唱中也不使用腹式呼吸法。
(三) 胸腹式呼吸法
鉴于以上两种呼吸方式的特点, 在声乐演唱中应该将它们结合起来, 使用胸腹式呼吸法。胸腹式呼吸法可以充分发挥发声器官的能动和协调作用。扩展气息的容量, 保持两肋跟横膈膜的扩张处于稳定状态, 并且跟小腹的收缩力量形成平等的对抗, 进而强化演唱时声音的力量。同时, 胸腹式呼吸法还能够快速吸气、深入吸气, 给声音提供有力的支撑点, 确保声音弹性十足。歌唱者如果能够完美的控制气息并形成“气柱”, 就能够使声音传播得更远, 也就是常说的强化了声音的穿透力。
三、声乐演唱中呼吸的技巧
(一) 提气、沉气
提气和沉气技巧通常在歌曲曲调比较高亢的旋律中使用, 借助腹部向上收缩产生的力量来拓展声带的张力, 进而使发出的声音激情而饱满。如陕北民歌《山丹丹开花红艳艳》。这首声乐作品旋律优美, 完美诠释了陕北人民热情、淳朴、豪放的性格特征。歌曲中“千家万户哎咳哎咳哟, 把门开哎咳哎咳哟”的演唱就要充分运用沉气的技巧, 在“哎咳哎咳哟”的演唱时腹部向下扩张, 提供足够的气息支撑, 使发出的声音更加坚定有力, 更有弹性。歌曲结尾处的慢唱就需要运用沉气跟提气相结合的呼吸技巧, 给声音提供支撑, 强化声音的穿透力。
(二) 停气、顿气
在部分民族歌曲跟戏曲的演唱中, 在弱拍或是次强拍的位置需要控制气息, 但气息不因为声音的停止而中断, 这时候就需要运用停气的呼吸技巧。也有一些歌曲在某一乐句中需要强化某个音或是某几个音, 达到歌曲需要的效果, 这时候就需要运用顿气的呼吸技巧。如中国民歌《红梅赞》。这首声乐作品中运用停气技巧的地方就比较多。乐曲的开始“红岩上红梅开, 千里冰霜脚下踩”这句歌词结尾“开”和“踩”的演唱都要运用停气技巧, 形成声断气不断的效果, 给人以绵延不绝之感。又如声乐作品《玛依拉变奏曲》。这首歌曲整体感情基调是欢快的, 旋律较快, 在演唱的过程中很多地方都会运用顿气的技巧, 尤其是花腔的演唱, 需要依靠顿气技巧跟发声的对抗力量, 使发出的花腔干净、有力、、弹性十足、穿透力强, 达到作品要表现的效果。
(三) 揉气、偷气
揉气呼吸技巧通常在比较细腻的歌曲中使用, 借助腰部跟腹肌的力量和控制, 缓慢送出气息, 使发出的声音圆润有力。如声乐作品《涛声依旧》。不管吸气还是呼气都要柔和, 使发出的声音圆润、平稳、有力。偷气通常在时值较长的歌曲或是速度较快的歌曲中使用, 用来补充歌唱者不足的气息, 更好地展现歌曲的魅力和艺术。对于气息本身不足的歌唱者而言, 任何歌曲的演唱偷气都是很好的呼吸技巧。偷气一般在旋律的弱拍或是次强拍上使用, 而且偷气的幅度要小。如声乐作品《炫境》。这首歌曲演唱难度很高, 歌曲没有明显的唱词, 花腔演唱很多, 而且都是居于高音区, 除开歌曲开始的前奏和中间的间奏部分比较缓慢、柔和之外, 其余部分的演唱都需要歌唱者有足够的气息支撑, 换气速度要快。对于很多歌唱者来说要完整演唱这首歌曲是很困难, 必须要依靠偷气的呼吸技巧, 当气息支撑不足的时候找准气息的切口点, 在弱拍位置迅速偷气。
(四) 气声
气声的运用通常是在弱收歌曲的结尾处以及流行歌曲中。弱收歌曲结尾处一般都有“耳鸣般”的微弱声音, 歌唱者主要是运用声音的减弱来更深层次诠释歌曲的内在情感和艺术魅力, 或是描绘一种渐渐远去的意境。如声乐作品《在那遥远的地方》, 结尾处的演唱就运用了气声。另外, 歌唱者也可以用气声演唱粗旷豪迈的歌曲, 给听众以意志坚定之感。但在实际演唱中气声的使用还应该结合歌曲的情感而定, 便于歌唱者更好地演唱歌曲。也有的气声跟吸气时的发声以及漏气时声音的音色相似。但切忌, 气声并不是泄露气息发出的声音, 或是声音状态松弛发出的声音。
五、结语
呼吸是一门独特的艺术, 在声乐演唱中占有十分重要的地位。呼吸艺术在声乐演唱中的完美应用还应该跟歌曲的情感基调、演唱速度、演唱力度等紧密结合, 这样演唱者在演唱的过程中才能准确把握呼吸的速度和力度, 很好地控制并驾驭气息, 完美诠释歌曲的内涵、展现歌曲的艺术魅力。
参考文献
[1]王雅君.声乐演唱中的呼吸问题初探[J].大舞台, 2011.
[2]李玉勃.呼吸在声乐演唱中的重要地位[J].音乐生活, 2010.
艺术呼吸 篇4
关键词:演唱;呼吸;技巧
中图分类号:J616文献标识码:A 文章编号:1000-8136(2009)17-0100-02
任何一种歌唱艺术的原理都是共同的。不同的只是在发声、共鸣、吐字方面有些细微的差别。歌曲演唱的好坏在于正确地运用呼吸,良好地运用呼吸,才能达到“字正腔圆”。正确的呼吸方法,可引出口腔应有的发音机能,使发出之“音”自然圆润。歌唱中的呼吸应该是越巧越好,演唱的歌声能使听众听起来好听、动人。“依字生腔,腔随字走”,“以气生字,字随气行”。只有这样才能很有表现力地将富有感情变化的各种歌曲演唱好。
声乐起源于劳动,是我们的祖先在劳动生产这个最基本的实践活动中创造出来的,它是声音的一种特殊演唱方法和形式,具有一定的艺术魅力。众所周知,呼吸在歌唱中的地位极为重要。其重要性有人称之为“动力”,是“关键”。把呼吸做到好处了,歌唱、发声的问题就解决了一大半。很多歌唱家对呼吸有过精辟的见解,如:“吸气要深”、“气沉丹田”、“吸气如闻花香”等,至于在“呼气”实际演唱时的“用气”量提的较少,一般人的要求:“气息要保持”、“要控制”、“要结实有力”、“像半打哈欠”。无疑哪种提法,都有道理,大多都是来自实践的总结。下面就多年的演唱、教学实践及多方面的学习,总结一下自己的经验,分别几点说明。
1呼吸在歌唱中的运用
呼吸是发声的源泉。气息从肺部呼出,振动声带发出声音,这意味着呼吸是歌唱的支柱。清朝时期徐大椿《乐府传声》中写道:“凡物有气必形,惟声无形,然声亦有气以出之”。就自己多年的演唱经验也总结出一个道理就是如同“人是铁,饭是钢”,即歌唱的呼吸是:“声音是铁,气息是钢的道理一样。”这就说明正确的呼吸方法与控制自然的呼吸是一切歌唱方法的核心。失去呼吸的支持,就谈不上歌唱的发声、共鸣、吐字、音色、情感等,歌唱的艺术也就不存在了。
歌唱者悦耳的声音是建立在良好的气息运用基础上,声带因受到气息的振动而发出声音。动听的声音必须依靠正常而适度的气息作为原动力。一切声音表现技巧都与呼吸有着不可分离的关系,因为“有气才有声,有声必有气。”如果把歌唱者的发声比做工厂的产品生产,则呼吸系统好比是动力车间,喉头部分好比是成型车间,共鸣器官好比是加工精制车间,也就是说发声活动开始于歌唱者从肺部里发出气息冲击声带而发声,因此,呼吸活动应是歌唱者声音训练诸问题中,首先要引起足够注意的事情。克拉克在《呼吸论》中主张:歌唱者第一件事情就是学习适当地呼吸。必须把足够的气息吸进肺里然后或快或慢、或柔或强地把气吐出来,以适应所唱歌曲的特定需要。所以在某种意义上讲,“歌唱者必须是位专业的呼吸者。”如:(普利斯曼在他的《喉头生理学》中认为:“呼吸是声音的生命”)。
正确的呼吸之所以重要,是因为它为自由的发声活动铺平了道路。而不正确的呼吸往往造成发声不良,因为呼吸运用失当会引起喉部肌肉的紧张。如:韩德森在《歌唱的艺术》一书里强调说:“歌唱需要一种特殊形式的呼吸。”声乐教师们都会同意,每个学声乐的学生要学得正确的呼吸方法是绝对重要的。使吐出的气息柱处于完整的控制之下,这是一切发声技巧的基础。
从文献上看,许多人都同意艺术的歌唱是一种有意识的活动,但为了取得最好的歌唱效果,这种活动必须做到歌唱起来是一种非常自如、顺畅、不费力地自然流露。因此在歌唱中排除有意的做作与任何程度的过分紧张是非常重要的。维克托尔说:“歌唱理论家一般都认为生活中的呼吸是一种自动的本能活动,但是在他们实际运用到声音技巧训练时,又往往要求有意识地对呼吸进行控制,搞不好就会干扰到呼吸的自然活动,对歌唱者造成及其不好的影响。”由此可见,歌唱者必须努力把歌唱时的呼吸习惯和生活中的呼吸习惯协调起来。如果能在这方面取得成就,也就为发展每个歌唱者的声音表现力创造一个最成功的条件。
2 歌唱时气息的运用
歌唱时的呼吸是通过歌唱训练而形成的呼吸,建立在人们自然呼吸的基础上,与日常生活的呼吸有所不同。歌唱的呼气是在平躺吸气的状态中加以控制,尽可能持久地保持吸气状态,保持横膈膜和两肋的支持状态;吐气时小腹逐渐收缩,缓缓地吐气,以适用歌唱的需要。歌唱呼吸的训练目的在于不断延长发音持续的时间,获得演唱呼吸的各种技巧。在此基础上,歌唱者要全身“放松”,呈“自然状态”,缓慢地吸气,并利用一瞬间的轻微冲力,像吸气一样的动作唱出每一个音符。
巴尔纳德说:“平时呼吸是一种自动的活动,但歌唱时要求特殊的呼吸,所以要有特殊的气息控制”。爱金说:“歌唱时的呼吸,是与寻常的呼吸有所不同。”它的整个目的是为声音的发出,支持一种长的、节制的很好的空气压力。一口满满的气,常须很快地吸进,并且要在一个控制着压缩情况下,至少保持20 s。这样1 min的呼吸次数才能减到最低限度。再一点是要以一种留心地控制着的力量把它呼出,因为声音能够把握的发出全靠这一点。
3 歌唱呼吸的训练
在歌唱时很多教师和演唱者大都采用“鼻口同时吸气”。在演唱起音时必须用口吸气,以便较好地扩张咽、喉以及气管、主支气管,并使它们的平滑肌作积极的活动。
下面有几种方法,可用于锻炼有关器官在歌唱时发挥其机能。它们是哄笑、叹气、打哈欠、惊讶、喘气法等。
(1)“哄笑”可以发展腹部的肌肉群,像在唱歌时所适应的那样。(韦柯夫:《歌唱者的基础》)
(2)“在歌唱中自由地呼吸最好的实例是拖长音的叹息。”(瓦特尔斯:《歌曲声乐学习的材料》)
(3)“歌唱者的呼吸必须像打哈欠时那样吸的深。”(马尔开西《歌唱者的问题解答和纲领》)
(4)“就像在受到惊吓时那样迅速的吸气,可以发展在歌唱时的快速换气。”(辛德尔:《头韵法与发音法》)
(5)“喘气是加强呼吸活动柔韧性的最好练习。”(威尔逊:《独唱者》)
作为一个声乐工作者,当掌握了一些歌唱呼吸的基础和基本原理,并有了一定的实践经验之后,还有必要结合歌唱实践,对气息运用的技法和理论,作进一步探索,从而使自己对所从事的事业,有着更扎实的声乐文化素养。
4 如何正确运用呼吸达到“字正腔圆”
呼吸广泛地运用于歌唱中,良好的呼吸才能达到“字正腔圆”,正确呼吸方法的运用,可引出口腔应有的各种发音机能,使发出之音,自然“字正腔圆”。
首先是“字正”,“字正”,听众才能听清楚唱的内容,才能引起往下听的欲望。而且字音念准,有利于行腔的圆润,但它是完全建立在正确的呼吸方法基础之上,才能促成听觉上的美感。正确呼吸有利于音域的扩张,声音圆润、流畅;使歌唱的声音富于丰富的艺术表现。王晏卯是这样说的:“在唱腔与道白中,每句都按声调的体系,把字、意表达清楚,观众才能听清,这叫‘字正’”。这里的字音、字意必须结合起来,不能单纯地把每个字像打字机一样往外打。就是说每字、每句、每个词组都不是独立的,总是在气息的控制下,相互结合在一起,共同表达每一个语意的。因此,每一个单字必须有轻有重,有抑有扬地发挥着不同的作用。“腔圆”就是在字正的前提下,曲调要顺畅完整,情绪准确而圆满,符合人物的性格。字正是腔圆的语调基础,字不正,腔也就跑了应表达的意思。总而言之,“字正腔圆”就是要把词音、词意有感情、有声源(气息)地表达清楚。
要唱得自然动听,仅仅是字音准确清楚是不够的,同时声音要自然动听,行腔圆润、流畅,使人听起来舒服,不勉强生硬,有美的感受。
在歌唱中,呼吸应该是越巧越好,歌唱基于日常的说话,变化更多,幅度更大,更夸张,因而气息的运用更是变幻莫测。歌唱时运用的“气”,在很大程度上按呼吸的一般规律,伴随着感情的变化而顺其自然。只有用这样的方法和歌曲的需要、感情的需要带动“呼”与“吸”,才能很有表现力地将富有感情变化的各种歌曲唱好,达到“字正腔圆”。正确的呼吸才能达到“字正腔圆”。“依字生腔,腔随字走”,“以气生字,字随气行”。在歌唱中正确地运用呼吸才能很有表现力地将富有感情变化的各种歌曲唱好。
How to Sing Naturally
Liu Yan
Abstract: This paper sings the method take the correct breath as a subject, apply theory to reality, found the correct breath method and sings the skill from the practice, discovers the basis, the explanation method.
论呼吸在声乐艺术中的重要性 篇5
无论是民族唱法, 还是美声唱法, 对于呼吸的要求都是广泛而深刻的。在我国古代的声乐理论中, 就有“善歌者必先调其气”的论述。我国传统唱法中, 强调“气为声之本, 气乃声之帅”, 讲究“气催声发, 声靠气传, 无气不发声, 发声必用气”。世界著名声乐教育家卡鲁索说过:“歌者能否踏上成功之路, 首先要看他对于呼吸器官的操纵和作用, 是否建立了强固的基础。”著名歌唱家梅尔芭说过:“要有完美的歌唱, 正确的呼吸方法是较美妙的嗓音更重要的。呼吸和节省运气的艺术, 对于歌唱家是最重要的。”虽然声乐艺术有很多不同的派别, 不同的风格, 不同的审美理念, 但是对于呼吸重要性的要求是有共鸣的。
呼吸是我们人体的一种与生俱来的运动。参与这一运动的器官有鼻、口、喉、咽、气管、支气管、肺、胸廓、横隔膜、腹部以及众多肌肉组织。这些器官同时构成歌唱的呼吸器官。
一、呼吸在歌唱艺术中的价值体现
声乐艺术中呼吸, 以生活中的呼吸为基础, 要求歌唱的呼吸与生活中的呼吸一样要轻松自如, 但是又比生活中的呼吸要求更加夸张, 更加兴奋。因为生活中的呼吸, 其目的在于人体机能对氧气的需要, 只要能进行氧气的交换就行。到歌唱的呼吸是为了歌唱情感的表达, 要求自然会高出很多。
生活中大都用的是胸式呼吸, 吸得较浅。声乐中多数人认同使用的是胸腹混合式横隔膜呼吸方法。这个过程就如同打气筒打满气后, 活塞的移动可以在打气筒内随意地使气筒内的气体随之移动。这与我们中国人讲究的“气沉丹田”本质上是同样的道理。" 先天之气宜稳, 后天之气宜顺 "。后天之气宜顺就是指的呼吸要顺其自然。腹稳, 呼吸自然就顺, 下盘就能稳固。呼吸对于歌唱艺术的作用体现在以下几个方面:
(一) 呼吸影响声音的音准。音准不仅仅靠歌唱的耳朵, 更收到呼吸的影响。没有足够呼吸的支撑, 稍不注意, 音准就会出现跑偏。如同水面上的小船。如果水面不稳, 那么小船也会东倒西歪。所以说呼吸不稳, 音准也会跟着不稳。
(二) 呼吸影响声音的音色。好听的音色最能吸引听众的注意。没有良好的呼吸的支撑。使得音色过于白, 过于暗, 都是不好听的。在呼吸的包围中, 发出通透的, 既明亮又柔和的音色是非常吸引人的。
(三) 呼吸影响声音的音域。“混声”的发声是当今公认的一种科学的发声方式。它通过呼吸的作用, 配合声带振动, 产生一种明亮, 又柔美放松的声音。使得低音区, 中音区, 高音区获得声音上的统一。解决了普遍存在的“高音上不去, 低音下不来”的问题。要想活得良好的“混声”, 实现音域的扩展, 呼吸的重要作用是不可忽视的。
(四) 呼吸是情感表达的重要载体。我们演唱歌曲是为了抒发情感。情感变化需要呼吸的变化来做支撑。情感的变化是通过声音的强和弱, 长和短等对比实现的。要想灵活的控制声音的变化, 必须有足够的良好的呼吸作为基础。凡是能够唱到观众内心深处的歌声, 一定有良好的呼吸作为支撑。
二、如何培养自己的呼吸
既然呼吸对于声乐艺术有如此重要的作用, 呼吸, 当然是指“呼”与“吸”这两个状态。吸气时, 肩膀, 胸部放松, 使气息垂直吸入肺的底部。横隔膜下降挡气, 两肋拉开, 气息一定要吸得深。气“沉于底”, 声“灌于顶”。这个道理就像拍皮球一样, 要想使皮球弹得高, 一定要用力往下拍。气息也同样如此。
呼气时, 要控制气息一点一点呼出去。切忌把气一下吐出来, 导致漏气。
要想找到正确的呼吸的状态, 可以作用以下几种方法作为借鉴。
第一种体会打哈欠时的状态。打哈欠时喉咙是打开的, 是正确的发声的状态。第二种, 平躺在地板上, 把几本书放在靠肋骨的腹部上。吸气时, 把书推起, 呼气时, 用书的重量把气息压出。通过这个练习, 很容易领会呼吸的作用。第三种, 慢呼慢吸的练习。慢吸, 同时数五下。保持住气息, 同时数十下。慢呼, 同时数五下。多次循环, 逐渐增加保持气息的时间长度。第四种, 快呼快吸的练习。设想一件令你惊喜的事, 来帮助你学习快速的吸气, 快速的吐气。也可以称为“蛤蟆气”, 可以体会和锻炼膈肌的弹性。通过慢吸慢呼和快吸快呼的练习, 可体会和锻炼膈肌的控制力。第五种, 打嘟噜练习。用气息推动双唇发出“嘟嘟”的声音, 这种练习容易体会到呼吸对抗所产生的支持点的感觉。找到这种感觉后, 可配合着做一些音阶的练习。
三、结语
最后, 任何健身练习都有利于呼吸。比如游泳, 慢跑等, 对于气息控制的基础练习都是有很好的作用的, 只有有一个强健的身体, 才能有足够的呼吸。
呼吸是歌唱的源泉和动力, 没有呼吸的支撑, 歌唱则无从谈起。在学习声乐的过程中, 一定要重视对呼吸的练习, 对于声乐艺术, 呼吸是我们需要终身苦练的基本功。
摘要：声乐艺术就是呼吸的艺术, 良好的呼吸对于歌唱者具有重要的作用, 培养歌唱者对呼吸的运用是至关重要的。学会呼吸是学会歌唱的前提。
关键词：呼吸,正确发声方法,运用,胸腹混合式横膈膜呼吸方法,歌唱情感
参考文献
艺术呼吸 篇6
声乐艺术是以人声的歌唱形式。是人类在高级神经意识支配下, 通过自身嗓音的歌唱来发挥音乐性能、表现音乐形象的审判与创造活动, 其中以它艺术化的嗓音, 情感化的旋律为载体, 表现音乐文学语言的寓意与意境, 塑造音乐与语言高度融合的听觉审美形象, 借以抒发人的思想感情。在绚丽多彩、保持不同方式来表达人内心感受、创造艺术形象美的艺术表演形式中, 有着器乐、舞蹈、美术、书法、电影等众多不同艺术表现方式, 唯有声乐艺术是根据人声的特性, 发挥人声的表现力, 表述衷肠、交流情感, 激起欣赏者的情感共鸣。由此形成人类最直接、古今中外最具感染力的音乐表演形式。中国的歌唱艺术有着十分丰富的声乐文化传统, 它是由语言特点、歌唱习惯、生活格调、乐曲性质等因素的影响所积累而形成的。中国传统的歌唱声乐中, 大致可分为民间的唱法和戏曲的唱法两种基本的类型, 随着西洋的歌唱形式和方法传入中国, 为声乐文化增添了丰富的色彩, 在民间和戏曲两类唱法之外, 加上了具有物色的中国科学声乐艺术, 而艺术化的嗓音是通过解剖学的发声方法训练, 它包括呼吸、共鸣、语言等各种独立的技能技巧完美地融为统一体, 来表达作品思想内容、艺术意境、音乐主题、语言韵律、风格特点等方面。
声乐的命脉
呼吸是声乐的命脉, 一个好的歌唱声音是建立在气息之上的, 呼吸是支持声音的力量, 而不正确的呼吸是导致嗓音失败的主要原因之一, 因为呼吸的错误将引发喉部的紧张, 从某种意义上说声乐艺术表演者必须是一个职业呼吸家, 生活中我们经常看到很多初、高中级的教师们会伴有咽喉出现:声带小结、水肿等问题, 那正是因为她 (他) 们在大量的用声中, 没有吸收科学呼吸的方式把握用声状态, 所以导致她 (们) 声音生命的早结。呼吸象一个鼓锤, 声带由如一张鼓皮, 当鼓锤敲动鼓皮时声音自然就出来了, 这就是我们的科学。而如果让人声的两片声带自我进行相磨擦出的声音, 那固然让我们的声音寿命不能得到长远, 这同是歌唱者不能很好运用呼吸而早结束歌唱事业的大致原因。当然还可见凡是歌唱者肺部功能固然非常健康。在平常的演唱中我对于呼吸是声乐艺术的命脉深有感受, 当我的气息运用得很好时, 在整个歌曲中我会有很舒适、轻松、表达自如的感觉, 而如果气息运用不好时, 就如一根麻绳捆绑着我一样, 僵固着非常难受, 它正是因为呼吸不流畅所导致。同时, 在能够运用好气息时几十首歌唱完, 声带不会存在难受, 而一旦失去科学呼吸, 几首歌下来声音便有着嘶哑与疼痛。固知呼吸是声乐艺术的生命。但科学运用好呼吸我们必需熟炼的掌握它的技巧。
在歌唱呼吸训练中有快吸慢呼、慢吸快呼、快吸快呼、慢吸慢呼的方式, 首先应该注意吸气忌大口吸, 而是用鼻孔和上下齿间的缝隙同时吸气, 吸时要注意吸得快、深、柔而轻, 动作敏捷自然, 使人听不出半点声息。其次在呼吸的时候, 必须在声音延长的全过程中保持气吸平时的状态。让横膈膜腹肌的张力控制呼吸, 使气息出得慢、均匀、平衡而舒畅, 要做到这些就必须保持控制呼吸的两组肌肉群的控制力;慢吸快呼中如闻花一样将气息吸到最深处, 在呼时象是吹蜡烛一样有力的吹出去;快吸快呼吸进时就如是一件很惊讶的事让你惊起, 气息也就马上吸入, 吸进后同样放下一口气式的快呼;在慢吸慢呼中我们做到欣赏式, 听到它均匀中慢慢的吸进时很美, 慢慢的呼出时也同是一种舒适的感觉。同时还有着五种不是靠局部努力来锻炼歌唱呼吸控制的方法:1、尽情欢笑, 它能像在歌唱中那样发展腹部的呼吸肌肉。2、表示歌唱中自如深呼吸的最佳范例是心满意足地“叹气”。3、歌手的呼吸必须与“打哈欠”时的吸气一样才会深而自然。4、“喘气”是增进呼吸动作灵活性极佳的练习。5、“像受惊吓时的即刻吸气”将发展歌唱的快速“吸气”。如此即保持呼吸时肌肉的收缩、扩张相抗衡的力量, 能更好的掌握呼吸、保持气息, 让气息控制自如。在我国现实中传统的唱法就有着用“喘气”来表现“悲”用“憋气”表现“思”, 用“喷气”表现“醉”的方式, 诸如“咂气”“抽气”“转气”等都是用来表现人物感情的用气手法或一种自我的感觉状态。在演唱歌剧《江姐》老彭牺牲江姐知情后的一段唱时, 我就是借用“咂气、抽气、喘气”等来帮助体现“悲切、痛苦”的心情。加之作曲给予的节奏情感, 我通过气息的控制, 使内心表达得到淋漓尽致、催人泪下。由此更易见气息在声乐艺术上如人身体的血液, 运用好了可以流畅无阻, 而掌握不好则将危及歌唱的生命。呼吸是歌唱的生命是独立的, 但又同是统一的, 它的独立性显现于, 当演唱中歌唱气息浅了不容易深时, 有一种方法在全身自然、完全放松的情景下吸着唱, 而吸着唱, 它的统一性便在“腔体自然打开与共鸣也就连上”中得到体现。
二、声乐天然的音响
人的声音中由体内固有的腔体而组成一个天然的共鸣音响。共鸣在人的声音中, 声带所产生的声音是一种原始音, 是单纯、微弱、细小而又无色彩的音, 而科学的声乐艺术中, 有着人体天然的音响, 它是由咽喉和口部管子供应, 使共鸣得到扩大, 再加上共鸣室和身体腔体, 整个身体即成嗓音的共鸣箱, 从而让它的音量变大, 响亮变强和音质变柔。共鸣的产生取决于两种主要因素:发音器的振动方式和构成共鸣体的空气腔体形状。即是包含一副声带或嘴子和构成共鸣体的外部骨质和肌肉的腔体。在声乐艺术中共鸣给予它们以音色、音量和响亮度。一个如果没有共鸣产生的音只是一个单纯的声, 加上了共鸣, 它就形成了混合或复杂的音, 也就是通过声带发出由有限的声响振动形成的音, 在它们被身体的腔体共鸣力丰富后就形成了复杂的音。因为在嗓音机制中是由嘴、喉咙、鼻和窦构成的共鸣体, 它与其它的共鸣所不一样, 所以称之为天然的音响。现实从长久的观察中, 从原始的民间歌曲到戏曲、昨天与今日的声乐艺术, 它们能有着动听悦耳的歌唱声音, 都与能很好掌握及运用共鸣有着关联。如戏曲中的小生、青衣、花脸等角色的唱腔仔细辩听都有着非常明显的共鸣腔。在实践中, 我曾总感觉自己音乐色彩不足, 而在长期的锻炼中, 我专心致志的练习面罩与各种共鸣腔的运用, 声音便有着悦耳的窜透力。因为在歌唱中必须所的音在“面罩”中才能更容易产生共鸣, 也就是位于眼睛之下鼻腔后面骨骼的空穴之处。换句话说, 声音位置的调整, 主要在于意识地形成上方气息通道, 使音域范围内的每个音处于最佳共鸣状态。这样也就是说将声音引向面罩, 引向鼻腔及其副鼻窦所在的部位而在鼻腔之后, 眼睛之下有所感到强烈的振动, 这种靠前的音响, 能使声音产生凝聚性和色彩。同时在实践中发现哼唱也是产生最丰富的声音共鸣, 它是所有发声的基础, 其它母音不过是把这个子音加以修饰而成。我在每次遇到一个新的作品, 首先都要将它以哼唱的方式来熟悉曲目, 达到学会此曲的同时, 也能让它在基础之中所有音便能形成习惯的进入共鸣。练习哼唱的方法归纳有:用“EN”做练习时可使前鼻腔硬颚之上感到振动而软颚前部扯紧。EN位置较靠前, 用这个位置歌唱表现为轻型女高音色彩。用“ANG”哼唱, 可打开鼻咽腔, 使硬颚后部软颚感到振动, 共鸣点适中, 鼻、咽、胸三腔同时感到振动, 声音色彩比较明亮, 为典型的抒情女高音色彩。用“ONG”字哼唱, 如中、东、雍等字, 喉位降低, 软颚打开更大, 舌根产生振动, 胸共鸣增多, 发声时有较暗的声音色彩, 这种声音为戏剧性声部所特有。①练习时如果歌唱者哼唱一个长音, 肌肉是放松的, 他将能慢慢地把下巴放下来, 直到口大大地张开, 而对哼唱时形成的声音共鸣不会有任何干扰, 这可以作为对正确哼唱和正确共鸣的一种测验。②我们常说人是由表与里相支撑, 声乐中共鸣是构成响亮的外表, 那语言就是艺术的主撑点, 它们相互为独立而又形成统一, 综为艺术的完美而存在。
声乐艺术主体
在声乐艺术中语言起着主体的作用。乐曲的基础首先是歌词, 然后是节奏, 最后才是音。威廉.莎士比亚说:“好的说话就已经获得了一半好的歌唱。”语言是声乐艺术的造型基础和创造核心, 语言与旋律合成是一种最能触动人心的艺术, 语言凭以音乐而升华, 音乐辅借语言而深化。“一个歌唱者身上即使集中了为取得高度艺术成就所必须的天赋资质, 但他若没有掌握正确的咬字技巧, 他仍然会感到自己无活动能力, 而且永远不可能达到完美的境地。”③因此声乐艺术要“达到完美的境地”必须掌握准确的表现语言, 它像人的躯体一样有了肉还必需有骨骼支撑, 否则声音或其它条件再好也无济于事。就如我们平常说话, 如果你不能将话的意思述清, 便只能听音而不解此意。表达不了音乐主题也就激发不了欣赏者的情感共鸣。艺术的二度创作主要是能过美的感观进行“高台教化”, 如果不能理解创作所要体现的主题, 也就失去了艺术的真正意义。故而语言也就成了声乐艺术的主体。
在我国传统戏曲和曲艺训练中常有“以字带声”“字正腔圆”“以字行腔”“五音”“四呼”“吐字归韵”“十三辙”“四声”等经验, 当字念得灵活自如清晰准确, 并且具有语言表达力时, 将它与声融合在一个歌唱整体中而达到统一与和谐, 也就形成了字正腔圆的状态。在汉字里还有字头、字腹、字尾, 字头是声母和介母组成, 字腹是韵母组成, 字尾是声母和韵母组成。字头要清晰、简练、准确、有力, 因为良好的咬字以正确的字头为先导, 字头唱不准, 将会影响准确的咬字, 如把“跳”唱成“吊”, 把“天”唱成“颠”这是t、d不分;;字腹必须有明确的支点和稳定状态, 它是歌唱整体的支柱, 歌声需要靠它唱响与传远;字尾要明确、清晰而简短, 否则将会变为别的字, 如“a”半含嘴将成“ao”;在这三者中字腹是核心, 是上下垂直的顶梁柱, 字头和字尾是依附在稳定及在字腹上面来体现它本身特点而存在的。有了稳定的字腹、字头才能得到发挥和夸张。刚、柔、虚、实的语气变化也是建立在这个基础上的。如郭兰英在练习中注重精炼到每一个字的字头、字腹与字尾, 以及语气、语感的运用。她认为“唱戏不但用嗓子还要用字。如果声音虽美而咬字含糊, 让欣赏者听不懂字句, 不能满足所欣赏要求, 那么一旦嗓子沙了, 那就准会扫了饭碗。”作为艺术家是以美的方式传播思想内容、音乐的主题, 而主题也就在词的意中体现。所以在她的演唱的歌曲中, 每个字音的吐出都清晰有力、有弹性;字腹响亮、有共鸣;头腹过渡浑然一体, 归韵分明、准确、收尾干净利落, 真正做到了字真音美、玉润珠圆, 完整体现出中国汉语语言固有的声韵美。同时在声乐中朗读也是必不可少的一门课程, 它可以让歌唱者抛开音乐的其它变化, 而专心专意的集中在读字上面。布鲁因说:“朗读是一种古老的声音训练方法, 它把说话和唱歌融合成统一的发声程序。”常说正确的说话是产生好的歌唱的因素, 我们提倡使用“用说的方式去唱”的方法, 生活中演唱的时候我如感觉唱得吃力时, 一般是以说的方式来解决, 它会让我感觉到可轻松的将字意表达出来的同时, 气息也很自然的得到了平稳。朗诵好一部作品, 更有助于吐字、语气、语感的显出, 如《梅花引》“回眸一望遍地芳香都飘尽”字中以回眸一望遍地芳香都飘尽这样划分朗诵作品体现它的层次与语感, 使作品的含意得到更好喧哗, 展现于众, 从而让欣赏者容易接受与感悟。如果说由呼吸、共鸣、语言构成为艺术一个完整的躯体, 那么情感便成为声乐艺术的灵魂。
三、声乐艺术的灵魂
“用你的心儿去歌唱”德国著名女高音歌唱家汉姆波尔所说:“如果有人问我歌唱艺术的含意是什么?我不会从声音技巧的角度去说明, 我要说那乃是感动听众的才能。如果歌唱者仅仅是把音给唱出来, 那么充其量只不过是一位工匠人而已。”声乐艺术是来源于生活而高于生活, 通过歌唱者再现性的艺术创作, 当传播者赋有科学方法的硬件之外, 还必须提高思维的软件灵魂。歌唱者应该有一个好的洞察与感知能力, 用自我的心去感受作品, 用真实的情与感染力去倾诉作品, 如果只是直板而没有血肉灵魂的将艺术再现, 那同样不能激起欣赏者与之产生情感共鸣。以情带声, 使作品再度的创造中以美的感受达到传播的意义。塑造作品时我们要赋予它鲜活的生命力, 让它呈现是“灵活”, 而不是“呆”的。如《梅花引》红颜寂寞空守天地一片白。谁是我知己, 在一片白的“白”字上, 我们所需要声音由弱到强, 由近到远, 而到了“谁是我知己”时则象球一样的将它抛出, 让整个歌曲像“水磨车”式的滚动起来, 有矛盾正“阳”的一面也有反“阴”的一面。同时, 让艺术得到灵魂, 我们必需先赋予灵魂, 以情之动, 用情之返, 在源于生活的环境中我们以情去先感知艺术, 感动了自己才能以真情感染欣赏者。一个好的艺术成品本身是需要有情感, 这样它才会有着灵魂。
而带动欣赏者情感, 使之身临此境、心随此意时, 我们还需借用表演与之共行。在我们传统中有言:景出所睹;情发欲言, 情自中生、景由外得。景乃众人之景、情乃一人之情, 善咏物者妙在即景生情。也就是说张三要像张三, 难通融于李四;道李四要如李四, 难混淆于张三。以身、情并貌更深体现声乐艺术精髓之处。同时在戏曲中也用“手、法、身、眼、步”刻划人物。在我演唱歌剧《五洲人民齐欢笑》时, 就借用戏曲“手、眼、身、法、步”的表演方式来衬托作品, “眼、身”随着“手、步”进行, 如歌词“不要用哭声告别, 不要把眼泪轻抛, 青山到外埋忠骨”其中“不要用哭声告别, 不要把眼泪轻抛”表演上除了从容镇定的脸部表情, 此时手、眼都为近距离, 而静中带动的眼睛则要充满信任与诉说有血有肉的情环, 到“青山”时眼睛自然移到远处的方向, “到处”时眼随手进行横向的移动, 表示方域的广阔, 进而添增了艺术色彩与动力。
总结
对于声乐艺术帕尔玛认为艺术歌唱表演标准为“声音的自然、清晰的读字、情绪保持贯彻、具有影响力的个性、诚挚、好的舞台风度。”同时布鲁因对艺术歌唱者也提出了20项要求, 它们是:在高低声区发出敏捷、流利声音的技巧;在各个音上能有好的“激起” (起唱) ;在整个音域内, 各声区和声音的音质不出现裂痕;在任何情况下, 气息供应充沛;所有的声音音质精美;对声音能完全控制;热爱唱歌;声音没有疲劳感觉;出色的读字;歌声对音阶的上下行运用自如;读字不妨碍声音的流畅;发声没有强迫和紧张感觉;完善的音准;柔和的连音;灵巧的顿音;完整的弱到强、强到弱;足够的音域;延长音的掌握;像说话般地自然歌唱;具有支持的力度感。我们通过对中国声乐艺术的理解, 在实践的过程中不继的吸取与练习, 为声乐艺术的呈现方式能更具科学性、灵活性、生命力与表现力。
然而在现实中更知每一个事物都是相对性独立而存在的, 就如人的嗓音固然一样, 声音好像是手印, 世界上不会相存两个完全一模一样的东西。每个人的生理各有别, 属于自己的才是最自然与符合事物发展的原理。如人所发出的声音自有其存在的道路, 有它本身的个性和一种走向, 在你的生理结构中最终会排斥外来的东西。应该保持固有的独立性, 如果一味性的模仿别人, 那么你将一无所有。也就更谈不上歌唱者的艺术前景。综上所述我们知道每一独立的分子是每个因子构成的必要性, 歌唱中的呼吸、共鸣、语言与情感以它的独立而演变为统一性, 在独立的领域里呼吸、共鸣、语言与情感延伸它们各自的精髓, 在声乐艺术的统一中它们却又是必不可少的基础, 它们即相互独立又相互统一缺一不可。我们通过学习每个分子的科学发声方法让音乐修养, 想象丰富, 好的、柔韧的音质结合实际在一起, 将它更好的综合与统一化。让艺术在百花中绽放, 演示出来源于生活而高于生活更具美的事物, 达到高台教化的艺术功能, 装点世界展现艺术魅力。
参考文献
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