歌曲的分析处理

歌曲的分析处理（精选11篇）

歌曲的分析处理 篇1

一

本文探讨的对象是黄自艺术歌曲《思乡》的演唱处理。黄自先生是我国近现代音乐史上著名的作曲家，也是第一个系统地全面地向国内学子传授欧美近代专业作曲技术理论的杰出音乐教育家，他不仅对中国的音乐教育事业做出了不可磨灭的贡献，而且他的音乐创作尤其是艺术歌曲创作是最具艺术价值和影响力的。

《思乡》是中国艺术歌曲的经典之作，是黄自先生的代表性作品;这首歌被选为声乐教材曲目，也是全国声乐比赛的艺术歌曲备选曲目;同时它也在音乐创作方面反映了作曲家的理念、探索、追求。黄自先生的艺术歌曲是当时中国知识分子在借鉴外国歌曲创作的技法后将其运用在自己的创作中，加之固有的文化传统所形成的一种既有继承又有发展的艺术歌曲的代表，

二

《思乡》这首现代诗风格的长短句典雅清丽、意味悠长，是一首对故乡深情的恋歌，表现的是悠长、缠绵的乡愁情绪，情感的表现是深切、怀念的，音色的基调突出沉静、悠远的特点。清明刚过，柳树也已绿上梢头，正是游子思念故乡的时节。当我凭栏而立，无语思乡之时，那杜鹃也在喊着：“不如归去!”。我不禁在心中激起了万般离愁别绪，恨不能和随微波向南流去的落花，一同归去。作品充分表达出作者内心的感受，寓情于景，映然纸上。

第一段以写景为主，音乐用“抑扬抑”(弱强弱)的摇弋的织体表现柳丝轻拂、和风暖照的画面，把人带入明媚的春天。上下起伏的分解和弦伴奏音型，衬托了思乡的复杂心情和气氛。歌者在演唱时应首先把握“思乡”这一基本情绪，在此基础上把声音的力度、感情和色彩加以控制和变化。例图1:

开始第一个音的升f1要依靠前奏旋律找准音高，用平静的心情和叙说的语气将歌中诗意娓娓唱出。“更那堪墙外鹃啼”一句，情绪要进一步加强，气息的控制要求流畅而有一定的张力。情绪和气息在“更那堪”时就要做好铺垫，将“墙”字顺势带出。“一声声道：不如归去。”一句用巧妙的造型手法在钢琴伴奏中描写杜鹃的声声啼喊，演唱时声音需加以控制，渐弱、减慢，注意音区、音色的统一，音准和时值的准确，唱出内心的感叹。

第二段抒写乡愁，情绪忽然激动起来，伴奏音型改为柱式和弦，节奏变得紧凑，力度递增，调式进行了多次的转换。此时声音的力度需要有意识的加强，层层递进，气息饱满而充满张力。例图2:

“问落花”时达到全曲的高潮，调性再现，声音要结实、富于色彩，唱出游子心中的呐喊。“随渺渺微波是否向南流”一句用自由的速度长处，描写游子只能将归乡的希望寄托于幻想。演唱时要精神很集中，充满稚气地去问，音量要弱，语气的处理和内心的刻画细腻而深情。最后一句“我愿与他同去”时全曲的主题句，演唱时要倾入全部的感情，音量由强渐弱，需要歌者具有一定的气息控制的能力。最后伴奏又出现了柳丝轻拂的描写，暗示游子怀着满腔的离愁别绪，要同流水落花一同归去。

三

音乐作品通过音乐家的二度创作表演得到介绍、传播、完善，获得长久的生命力，成功的再创作不仅可以准确揭示作品的艺术价值和魅力，还可以使之更鲜明、更完美，具有独特的感染力。

首先，我们应该把握的是二度创作中忠实原作与表演创造的统一。其次，声乐作品演唱中的二度创作中要注意历史音乐风格和时代精神的统一。任何一部音乐作品都是特定历史时代的产物，必定有其特定的音乐风格，表演者在进行表演的二度创作时应努力从历史的角度把握作品的音乐风格，并力求把这种风格真实、完美的加以再现。同时我们在表现音乐作品历史的音乐风格的同时，不能完全脱离表演者自己的时代，演唱和诠释声乐作品是带有自己所处时代的时代精神和审美主张。《思乡》意境优美、笔调清丽，具有鲜明的我国上世纪二、三十年代知识分子阶层所推崇的文学气质，音乐内在、诗意而优美。今天我们在演绎这首作品的时候首先要牢牢把握住作品的历史文化气质，表现当时爱国文人内心的伤感和期盼，但是在音乐和声音的把握和演绎上也应符合当代的审美需要，以新的时代精神和审美情趣加以丰富和补充，使作品不断焕发出新的光彩。

四

艺术歌曲以其较高的艺术性，对于演唱也有特殊的要求。演唱者需要具备较高的演唱技巧和艺术修养。那么我们在演唱时就必须着重注意以下四个方面，这样才能切实表达出歌曲要体现的思想内涵：

（一）速度的把握

一般来说，每一首艺术歌曲都有它特定的速度标记，速度的不同直接影响到这首作品的演唱风格。例如《思乡》的开始部分，当钢琴伴奏用摇弋的织体营造出初春杨柳轻摇、阳光和煦的意境，演唱者应以低回的、诉说的描述性口吻，以较慢的速度把观众带到游子独自在春日中满怀惆怅、怀念故乡的画面;后半段情绪变得激动起来,速度也随之加快，以表现游子内心的激动和急切的思乡之情。歌曲的最后一句“我愿与它同去”，速度减慢，是全曲情绪的最低点，表达了游子回乡的遥遥无期和心中的遗憾。

（二）音量的把握

《思乡》这首歌节奏有一些复杂，旋律音区像波浪起伏、忽高忽低，要用头腔共鸣保持声音的高位置、圆润、具有穿透力，同时要用管道共鸣控制使声音暗淡，不要过于明亮!所以，我们要自如地调节共鸣腔，发挥共鸣，让歌曲的演唱听起来更美妙和谐!

（三）音色的把握

多样的音色、清晰的吐字、细致的语调是衡量演唱者艺术表现和演唱水准的重要表现。在《思乡》中，演唱在弱拍上进入，声音是p，“清明才过了”做渐强，“凭栏无语”做渐弱，这种微小的渐强渐弱有多处，演唱时要做到恰到好处。在唱到“不如归去”的“如”字上要ten(保持，表示要奏足该音符或和弦的时值)，旋律走到“惹起了万种闲情”时出现cresc.pocoa poco(一点点的渐强)，到“他同去”f il basso marcato(很好的强调低音部)。这些表情记号我们在演唱时都要弄清它的意思然后去把握它，以做到忠实于原作。

（四）咬字、吐字

在《思乡》根据歌词可以分析到：“绿、语、去、绪”是属一七辙，所以要注意“u”“i”的发音、口形，注意口腔的开度，声音走向适当挪后，咬字时应该将横、窄、挤的发音感觉，变为竖、宽、松的发音感觉;同时要注意不在这一辙里的字如“个、啼、情、流”的咬字;这首歌里咬字归韵的难点还有“墙、鹃”两个字，字头“q、j”咬得要快而有力，字腹“i、u”要长而稳，字尾“ang、an”要收清;另外如果把“满怀别绪，问落花”连在一起，把所有思念的感情和回乡的渴望都能在“问”字上表达出来的话就很完美了。

结语

本文以《思乡》为例，对其作品的音乐性、演唱风格进行了全面系统的分析。应当说，黄自艺术歌曲的每一个方面都可以单独为题进行深入、具体的研究和论述，并非一篇短文可以论述清楚。

本人认为，黄自留给我们的不仅是一首首经久不衰的艺术歌曲，他留给我们的更是那种对艺术对民族音乐的发展孜孜以求的执著的精神!由于本人自身知识的浅薄和专业的局限，本文只是对黄自艺术歌曲《思乡》做了初步的梳理和分析，有许多不足之处有待于本人在今后的学习和工作中完善自身的知识结构、提高自己的分析能力和演唱水平、艺术修养，为黄自艺术歌曲的研究献上自己的一份微薄之力!

参考文献

黄自《黄自遗作集》之《复兴初级中学音乐教科书》

歌曲的分析处理 篇2

[关键词]声乐情感韵律呼吸艺术处理

声乐教学中常常出现这样的情况，有些学生只重视追求声音的技术，而忽略了歌曲的情感、艺术形象等深层次内容的表现，返回了以前一度“声、声、声，第四个还是声”的纯技术追求。这是与声乐教学规律相违背的。有许多人，练起声来呆呆板板，死气沉沉。练声只练声，唱歌只唱歌，毫无生气与朝气，缺乏奋进的激情。声与情，技与艺，从来都是歌唱艺术中的血肉相连的两个部分。好的歌唱不仅技巧好，更重要的是内容表达的好。歌曲写的好，还要靠歌者唱的好，才能激发观众的强烈共鸣;好的歌唱应当是声情并茂、技艺结合，才能达到感人的境界，产生极富感染力、沁人肺腑的艺术效果。这就要求我们声乐教师在教好声乐技巧的同时,应努力揭示歌曲的艺术形象,达到“形”似“神”似。而不能浅尝辄止。德国著名女高音歌唱家汉姆波尔也曾说过:“歌唱艺术的含义不仅是声音的技巧，乃是感动听众的才能，如果歌唱者仅仅是把声音唱出来，那么充其量不过是技工匠人而已。”俄国男低音歌唱家夏里亚宾也说:“你知道什么是歌唱吗?你脑子里怎么想，心里怎么感觉，你用感情唱出来，这就是歌唱。”因此，我们在声乐教学中必须注重歌曲的情感艺术处理。

那么如何提高同学们对歌曲的艺术表现力呢?

一、全面分析歌曲，领会深刻内涵

这不仅需要同学们具备扎实的文化功底和丰厚的生活底蕴，更需要学会对歌曲中的旋律进行具体、细致的分析，在分析的基础上，深刻理解乐曲。我们知道，作曲者创作一首歌曲时，已充分考虑到旋律和歌词的完美结合，其中包括歌词与旋律的情景交融、情绪的起伏和渲染、词曲音韵规律的结合以及节奏等等因素的作用，尽可能通过旋律更好的展现和烘托歌词的思想和情感。因而，演唱者应当通过对词曲的分析，准确领会作者的基本意图，力求把歌曲的内容和意境完美的表达出来，以引起听者的共鸣，使其受到鼓舞与激励。因此，演唱一首歌曲前，首先要领会歌词的内容，弄清作者所要阐述的情景、所要说明和启示的问题，掌握主题思想。同时，对歌曲的形式认真加以分析，分清歌曲的类别、类型，准确把握歌曲的基调和由词曲相结合而产生的音乐形象。基于这一分析和理解，对如何演唱好全曲的旋律，如在速度、强弱、层次的展开、引子、高潮、结束等方面，拟定一个概略的设计，对演唱全曲做到心中有数，这样演唱全歌才能做到层次分明、高潮突出、跌宕起伏，使听者感受到完整

的艺术表现及其包含的内在精神。

以演唱歌曲《黄河怨》为例，这是一首女高音独唱歌曲。音调悲愤缠绵，感情深沉强烈。它通过沦陷区一个妇女的悲惨遭遇和痛不欲生的控诉，揭露了日本侵略者的残暴，哭诉了我们民族的深重灾难!是用血和泪在唤起人们拿起武器，投入神圣的抗日救亡战争。歌曲的情感基调是悲惨、怨恨，但所表现的不仅仅是单纯的悲哀、苦痛，歌曲历经悲、惨、怨、恨、愤几度强烈的情感波澜，演绎出鲜明的艺术形象。因此在演唱中能否准确地把握住角色的情感发展脉络，是演唱成败的关键。在教学实践中，许多学生会只注意凄惨、悲绝的情绪表达，以至于自己热泪滚滚，却始终难以让听者为之动容。出现这种情况，主要是学生没有仔细的对作品进行细致的分析，表现的情感不贴切不合逻辑，没有表现出主人翁细腻的情感变化，从而影响了歌唱艺术效果。

这首歌全曲由多乐段组成。运用大小调交替的手法、多变的节奏很有层次地表达了一位受迫害受侮辱的妇女极为痛苦和悲愤的情感。曲调吸取了陕北民间哭腔的某些特点，委婉悲凉，痛切感人。乐曲在引子部分连续两句下行旋律引导下进入特定情景。“风啊，你不要叫喊!云啊，你不要躲闪!黄河啊，你不要呜咽!”声音应当相当的徐缓、平稳，音色苍白，尽可能减少嗓音波动，音量轻而强弱变化细腻，不能有丝毫的激动。因为这里所要表现的是一位遭受了人生惨烈巨变，精神蒙受重创，情绪极度悲哀，以至于对生活完全绝望的人在临死前的内心道白。我们看到这位妇女衣衫褴褛早已是哭不出声音，流不出泪水，面部表情僵硬，两眼发直，思维迟钝、麻木，行动迟缓，步履维艰地跪在黄河岸边，。因此这里应当用一种表面上的冷漠，来展示主人公因内心极度痛苦而导致丧失外界情绪反应能力的强烈情感。接下去情绪逐渐开始产生波动，抽泣、悲惨，痛苦欲绝的声音中掺进了适度的变化，哭诉着命运的不公。“命啊，这样苦!生活啊，这样难!鬼子啊，你这样没心肝!”音乐中加上了附点，强调了控诉的语气。“宝贝啊，你死的这样惨!”则是撕心裂肺的，肝胆俱碎的极致悲哀，声音伴有强烈的震颤。“我和你无仇又无怨，偏让我偷生在人间!”是呼天抢地的哭喊，用重音唱出“偏”和“偷”字以加强语气，突出一个强烈的怨和恨，同时也透出了深深的无奈，无法与命运抗争的无奈。“狂风啊，你不要叫喊------”，一路渐强，情绪越来越激动，如同仰天高呼，悲叹命运。恨不得要把满腔的悲愤一口气说完。“今晚我要投在你的怀中------”，转而趋向冷静，音区有所提高，声音不再虚弱无力，表明主人翁已抱定必死的信念，怨恨替代了悲哀，这虽然是无力的抗争，但却表现了这位善良柔弱的女性柔中带刚的贞烈个性，令人肃然为之动容。“你要替我把血债清还!”是全曲的高潮，这是主人公决绝人世前用全部力量呼唤出的生命最强音，表现出对敌人的无比强烈的憎恨。整首歌曲在激烈的情感冲突下跌宕起伏令听者惊心动魄。

通过对乐句具体、细致的分析，进而要求学生根据分析来处理各乐句的演唱情绪，学生就不难体会到歌曲的内涵从而增加了对整首歌曲音乐形象的理解力、想象力，在“唱声”里融合进“唱情”，从而较好地达到教学目的。

二、准确把握歌曲中的韵律表现

歌曲的韵律是歌曲音乐形象的灵魂。旋律节奏、强弱的机械演唱，并不能完全体现出歌曲的韵律。因为歌词的音乐性除了民族语言的特质之外主要还在于体现深刻内容美的需要。在谴词造句、节调押韵，乃至结构层次中周密、有计划地安排韵律，才能使歌词达到和谐鲜明、铿锵悦耳，从而丰富它的音乐表现力。在演唱歌曲时，因为韵律是随情绪或歌词内容的需要而产生，随歌词语气的抑扬顿挫而变化，随歌曲的情绪起伏而发展的。韵律的作用是在于赋予旋律优美动人之感，并把歌曲的情景推向引人入胜的境

地。而韵律的体现、韵味感人的深度，又常与演唱者的音乐素养、对歌曲理解的深刻程度密切相关。因此，演唱前对歌词的默读、朗诵实属必不可少。如我们朗诵一下在《希望的田野上》这首歌词:我们的/家乡(x-iang)，在希望的/田野上(sh-ang);炊烟/在新建的/住房上/飘荡(d-ang)，小河/在美丽的村旁/流淌(t-ang)。啊，一片/冬麦，一片/高粱(l-iang)，十里/河塘，十里/果香(x-iang)，我们/世世代代/在这田野上/生活，为她/富裕，为她/兴旺(w-ang)。我们的理想(x-ang)，在希望的/田野上(sh-ang);禾苗/在农民的/汗水里/抽穗，牛羊/在牧人的/笛声中/成长(zhang)。啊，西村/纺花，东港/撒网(w-ang)，北疆/播种，南国/打场(zh-ang)。我们/世世代代/在这田野上/劳动，为她/打扮，为她/梳妆(zh-uang)。我们的/未来，在希望的/田野上(sh-ang)，人们/在明媚的/阳光下/生活，生活/在人们的/劳动中/变样(y-iang)。啊，老人/举杯，孩子/欢笑，小伙/弹琴，姑娘/歌唱(chang)。我们/世世代代/在这田野上/奋斗，为她/幸福，为她/增光(g-uang)。读完歌词，首先使我们感到它和谐好听，有动人的声韵，这是因为通过押韵，使同样韵脚——“ang”这个后鼻音韵母在有规律的顿歇中反复出现，基本上是首句起韵，然后双句押韵，造成了有规则的韵律运动。同时，这种有规律的韵律运动，还表现在句式结构上有相同节奏的回旋反复，长短句式的有机交错。开始是5字句的3-2与七字句的4-3式的音组节拍;紧接着拉宽节奏，以两组11字句的2-4-3-2的长句式反复回旋;之后以4个4字句的2-2式的紧缩型排比重叠回旋;最后以13字的2-4-5-2式的舒缓节拍与两个4字句2-2式的音组在长短音型对比中结束全曲。紧接着第二、三段歌词又照样循环反复一次。这样在统一的整体中有变化，在变化的局部里又有统一，往返回旋就造成了长短交错、匀整分明、鲜明强烈的韵律感。由于这首歌曲的歌词语言生动，充满了韵律美，加上曲调新颖、健康向上，因而给人以鼓舞和力量。在对歌曲正确理解的基础上，预先作好情绪上的准备，演唱歌曲时通过歌词的韵律作用的发挥，能够更好的把歌曲演唱得有声有色，感奋人心。从而把歌曲的音乐形象更完善地体现出来。

三、为歌曲演唱的呼吸准确分句

歌曲演唱呼吸的准确分句和停顿，会给音乐旋律的发展带来内在的活力，也是塑造音乐形象的重要手段之一。呼吸的.分句必然形成旋律的停顿。准确的分句和必要的停顿，会使旋律显得更自然、更生动流畅，更富有音乐的流动感。歌曲每个乐句语势的形成、层次的展开、旋律的发展相当大的程度是借助于巧妙的呼吸分句和停顿来实现的。因为它不只是形式上的停顿或间断，还是一个没有声息的无形的纽带，把曲中各乐句有机的联成一体，成为一支完整的富有生机的曲子。因此，演唱歌曲之前，要将全曲的旋律予以正确的呼吸分句。一般的说，歌曲呼吸的分句和歌词分句是一致的，因此，借助歌词的句法对旋律呼吸进行分句常常是比较可靠的。

呼吸分句的类型大致有以下几种:

1、较从容的分句:这种分句形式是词曲

均需停顿的自然分句法。有两种情况:一种是由休止符形成的分句法，如歌曲《歌唱祖国》中部的“越过高山，越过平原”;另一种是由延长音形成的分句法，如“玛依拉”开头的两句。

2、较急促的呼吸分句:旋律的进行并无分句之意，但因歌词分句的需要形成停顿短暂急促，因此称作急促的呼吸分句。这是一种容易被人们忽视的分句方法，因而需要特别加以注意。以太湖美为例，“水上有白帆哪，水下有红菱哪”两句，是太湖美丽景色的写照。乐句中的休止符对太湖美景起到进一步的渲染作用，表达了太湖人民的自豪之情经过呼吸分句的处理乐曲更为生动感人。此处演唱时切不可把“哪”字唱长，使休止符的时值变成了切分音影响分句而失去了感人的力量。

综上所述，在声乐演唱中要强调歌曲的情感内容，通过不同力度、不同重点，生动灵活地去表达千变万化的情感。真正的歌唱是善于扣动心弦，打动心灵，从而激发听众情感的，将自己心灵中流出来的东西，流入到别人的心灵中去，才是艺术上最大的成功。引用周小燕先生的一句话:“我们永远都不要忘记，唱歌就是唱情。”

参考文献:

[1]邹长海.声乐艺术心理学.北京:人民音乐出版社, .

[2]沈湘.沈湘声乐教学艺术.上海:上海音乐出版社，.

[3]赵梅伯.歌唱的艺术.上海:上海音乐出版社，.

[4]汤雪耕.怎样练习歌唱. 北京:人民音乐出版社，.

歌曲演唱的艺术处理 篇3

[关键词]歌曲演唱 艺术处理

歌曲是由曲作者音乐化了的文学语言，必须经过演唱者的演唱，才能为听众所接受，也才能达到歌曲艺术带给人的感受，但演唱者在歌曲演唱的艺术处理过程中应以歌曲所反应的思想感情与创作的艺术形式为出发点。首先，确定演唱的基本情绪、基本速度，然后进一步在歌曲发展中找准声区、情绪的调整以及意境、情感的细微变化，还有各乐段、乐句间的层次、力度、速度以及演唱形式的对比。

一、充分了解歌曲创作的时代背景

歌曲是最直接、最有效的表达人类情感的音乐艺术。不同的时代，不同的地域，人们的文化背景，思维方式、思想观念和生活习惯不同。情感的表达方式也不同，所以演唱者在处理歌曲的时候，必须分析它的创作时代背景，才能更好的抓住歌曲所要表达的中心思想。

二、全面分析作曲家的写作风格

每当我们要演唱一首歌曲的时候，首先要对作品进行深入的分析，众所周知，作曲家由于生活的经历不同，艺术造诣和创作追求不同，把握的角度不同，在题材处理、表现手法和技巧运用等方面各有特色。从而形成不同的风格。只有准确地把握作曲家的创作风格，才能正确的表现作品，比如亨德尔的《哈利路亚》和莫扎特的《阿利路亚》是同一首写的赞扬上帝的歌，但二者在写法和歌曲所表达的情绪上有很大区别。亨德尔在音乐写作手法上，以主调和声为主，并运用复调及对位手法加以发展，写成合唱作品，气势宏大又庄严欢乐，而莫扎特的《阿利路亚》则以精巧、别致的快突出。其中“阿利路亚”的最后一个音，在十六分音符组成的花腔上，起伏翻滚，绚丽多彩，奥妙无穷。所以在处理这两首歌曲时，前者要求突出磅礴的气势，用直声演唱，纵情歌颂“王中之王”的上帝；后者则要求气息滚动自然，声音轻巧、明快，富有弹性，花腔要唱的精致、典雅、流畅，给听众以极美的艺术享受。

三、正确把握歌曲的体裁形式

由于歌曲的音乐组成材料来源不一样，歌曲有着不同的体裁类型，一般可分为民歌、艺术歌曲和歌剧咏叹调。

民歌是人民在生产生活等劳动社会实践过程中口头创作、口头传唱，在流传的过程中不断地集体加工而形成，并能表达他们内心情感的歌曲。同时，由于不同的地区人们审美心态、风俗习惯、方言习惯、及方言发音的不同等多种多样的原因，同一首歌在不同地区流传，形态就会发生某些变异，甚至有很大的不同。比如，民歌《茉莉花》在全国各地都有它的变体，相互之间既有一定的相似，也有或多或小的不同。时调“茉莉花”又叫“鲜花调”，是一首描写男女青年爱情的传统小调，在中国同名异曲的《茉莉花》很多，其中河北和江苏两地的《茉莉花》最为有名。河北南皮的《茉莉花》是以《西厢记》中张生与崔莺莺的自由恋爱为题材，是一首反封建思想束缚，争取婚姻自由的颂歌。音乐甜美细腻，旋律中小拖腔的运用，紧缩跳跃的节奏和最后“鸣”字上的拖腔。使旋律亲切自然，有张有弛。而江苏的《茉莉花》描写一位农家姑娘对茉莉花的喜爱，寄托着她对爱情的渴望、文静、秀美的心情，细致地刻画了爱“花”人面对“花”所表现出的胆怯、羞涩、踌躇等各种情感变化。在演唱两首作品时，一定要表现出浓厚的地方特色，前者声音要求甜美、光滑且有张力、有硬度，唱出反抗封建礼教的坚强决心，而后者则要求柔和、委婉，通过声音、动作、神态等唱出姑娘内心的羞涩。此外“鲜花调”还有辽宁长海的《茉莉花》、宁夏隆德《春工谣》等。

艺术歌曲之所以称之为“艺术”，是因为从作品的词曲、编配伴奏等，都是非常严格的、规范化的艺术作品，意在描写一种意境或现实生活给人内心的感觉。对曲作者在谱上所示的速度、力度、节奏、节拍及表情术语不可多做夸张，从演唱到伴奏都要严整化、规范化、专业化。

歌剧咏叹调是歌剧中每个角色的独唱，是曲作者根据作品的要求和剧情的发展为特殊角色写的，是人物内心的剖白，咏叹调戏剧性比较强，演员可根据剧情的发展需要以及自身的声乐技巧特点，进行自己的二次创造。比如在《人们叫我咪咪》这首咏叹调的高潮点上，有的演员给以强力度。有的演员给以弱长音，两者都不失作品的精致之美，前者直抒胸怀，后者则更内心化，以静制动，可收到不同的感人效果。

四、准确熟悉歌曲的旋律

旋律是音乐的灵魂，任何一首歌曲都离不开旋律，所以必须全面分析旋律，处理好旋律。

(1)分析旋律的不同层次，找出高潮点、静点和转折点。任何一首歌都是感情的倾诉，随着旋律的起伏，可以把歌曲分为高潮点、静点和转折点。当然，比较短小简单的歌曲不一定都有静点和转折点。但大多数歌曲都有高潮点。

歌曲的分析处理 篇4

《红豆词》歌词选自曹雪芹的小说《红楼梦》,这是一首倾述爱情的词。“红豆”是古代文人用来指代相思的一种寄物。唐代诗人王维的《红豆》中有“愿君多采撷,此物最相思”,而在《红豆词》中“红豆”是指代像血一样的眼泪,一颗一颗犹如红豆一般, 主要指年轻儿女的相思之苦。歌词中第一句“滴不尽相思血泪抛红豆”直接引出全曲的爱情主题,“泪”字在《红楼梦》里出现了数不清的次数,可以说,《红楼梦》,就是一部记载贾宝玉与林黛玉两人的“血泪史”的巨著。以第一回讲的“还泪之说””故事开始, 到第九十八回“”苦绛珠魂归离恨天”为止,其间对林黛玉的相关描写可以看出:她生来便与泪水结下不解之缘。爱人的相思之泪向春柳春花一样周而复始,连绵不断。因为爱情又引发出之后的“开不完”、“睡不稳”、“忘不了”、“咽不下”、“瞧不尽”相思成灾、难以割舍。这种灾情犹如“隐隐青山,悠悠绿水”无穷无尽,难以收复。侧面透露出人的无奈之举,相思之苦犹如一江春水向东流去。

《红豆词》是带小调色彩的五声羽调式,曲式结构是带再现的单二部曲式。此曲体现出了刘雪庵艺术歌曲的创作特点,即利用中国传统调式与西洋作曲技法相结合的手法。整首曲子的旋律简单朴实而动人,加上中国古典韵味的调式和行板的速度,用一种吟诵似的吟唱表达了含蓄的中国传统爱情观念。歌曲最后两乐句与开始两乐句形成首尾呼应,增强了全曲的统一性。整首歌曲的情感脉络伤感而含蓄,但也绝不是只有爱恨情仇,也包含作曲者面临国家危难局面的痛苦与伤感。

《红豆词》是一首关于爱情的艺术歌曲,总体是以愁绪为主, 所以整首歌曲的力度都要控制好,力度不能太强,要符合艺术歌曲的审美标准,不能像唱咏叹调一样表达情感冲突,要不就难以表现绵长的“相思苦”。像原唱周小燕教授的音量处理就非常到位,是我们学习演唱这首歌的最好范本。同时我们还可以多听一下黄自先生的艺术歌曲,这些都对演唱好这首作品有很大的帮助。另外学习美声的歌唱者也可以从意大利古典艺术歌曲中揣摩此曲的用声的。如:如歌曲《我亲爱的》、《阿玛丽莉》、《移动的月亮》等。

歌曲速度标记为行板,不要随意改变歌曲的速度,必要时可作相应的调整,但作品的整体速度要有一个基本的基调。速度减慢会使整首歌就会显得拖拉沉长,本来的相思之意就会变成愁怨之声,速度太快又会失去古典诗词诵唱的特点。艺术歌曲讲究声音的连贯,气息的均匀,所以演唱《红豆词》时要注意断句的时候要做到声断气不断,气口要轻出轻进,连接自然。歌曲的前两句“滴不尽相思血泪抛红豆,开不完春柳春花满画楼”情绪是含蓄的伤感与惆怅,虽然有血泪之词,但要注意艺术歌曲的特点,不能过分强调血与泪的戏剧性。要用流动的气息,忧伤的情感抒发内心的情思。起声以软起为主,但声母要清晰,要用轻微的摩擦来保证气息的流畅,从而得到流动的声音。

浅谈歌曲的处理与演唱 篇5

关键词：歌曲；演唱；综合能力

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任何一首歌曲（包括歌剧中的咏叹调、艺术歌曲、民族歌曲、地方戏曲、小调等）都需要演唱者对作品要有深刻的了解，并在此基础之上，运用自己所学技术和较深厚的艺术功底进行艺术化的处理，力求达到作者所要求的艺术效果，将无声的乐谱以有声的艺术形式还原其艺术风格，为此需要演唱者在演唱前进行大量的工作，这也就所谓“功夫在戏外”。

一、要深入分析作品

1.要分析作品的时代背景

很多歌曲都带有浓郁的时代特色，饱含丰富的时代气息，可以说，一首优秀的歌曲，就是以音乐形式对那个时代精神的浓缩和凝结。古典主义音乐崇尚理性、重视规范、要求感情的节制和形式，古典时期的作品声音力度不是很大，强弱的幅度对比也不是很强烈……在浪漫主义时期，音乐就着重强调自我主观意识的表达，作品多以理想事物、古代神话传说和幻想故事为题材，强调音乐与诗歌、戏剧、绘画等其他艺术的结合，注重音乐的标题性和诗情画意，重视吸收民族民间音乐的素材体现民族性。

2.要分析作品的民族特色

世界上任何民族的音乐都有既明显又与众不同的特点。我们应该借助语言学、民族学、历史学和地理学等学科的科研支持，更好地分析和演绎不同国家、民族风格作品。德国艺术歌曲的演唱含蓄、内向、诗意，声音要求圆润、情绪变化幅度小，情感更加细腻，小动作多……意大利的艺术歌曲演唱就比较倾向于热情洋溢，大起大落，感情很外露夸张，因此，意大利风格的艺术歌曲演唱需要更多的热情浪漫，声音的变化和幅度可以强烈些，我国的歌曲风格各异，不同的民族不同地区有各自不同的特点；笼统的说，它的情感含量很高，代表了一个民族或者一个地区人们长期积累的对情感的体验和表达，它的音乐语言通俗易懂，所以很容易深入人心，容易记忆。

3.要分析作品的创作风格

舒伯特和舒曼同为艺术歌曲大师，但是由于其生活的不同经历，形成了他们不同的音乐风格，舒曼多表现人的内心情节，很少表现对大自然的感情抒发，其对歌词的诠释分别放在了歌声与琴声中，有时甚至用琴声代替了歌声，伴奏和演唱都成为作曲家的创作手段；而舒伯特的艺术歌曲较多地表现对大自然的感悟，在其作品中，钢琴伴奏的地位有很大提高，但仍以歌唱为主，我国的歌曲，特别是民间的对歌或者风俗性的歌唱节日，比如壮族的3月3歌墟，西北撒拉族、保安族、汉族、土族、回族的花儿会，还有哈萨克族的冬不拉弹唱的的对唱形式，内蒙古的那达慕集会中的民歌演唱，都有即兴的编词，曲调也会发生一些变化。民歌的素材来源于劳动人民在生活中即兴创作，传唱并流传开来。歌曲的“根”是个体精神层面的艺术表现，演唱者必须要有这样一个寻“根”的过程，力图去最好的表现他的精神内涵。

二、要尽力融入作品

1.要展开场景想象

场景想象即想象作品描述的场景，并把自己置身于当时的场景，设身处地的感受。如歌剧江姐的《声声呼唤老战友》演唱者可“移情”于这样一种场景，战争年代一名游击队對长由于昔日的老战友的牺牲，怀着对敌人满腔的仇恨，对老战友的怀念，演唱这首歌曲，要求声音悲痛低沉、暗淡柔和、再出现的主题动机，把昔日的老战友互换回来。

2.要进入角色

演唱歌曲的表演和其他表演创作一样，始于想象，从阅读作品、熟悉角色开始，演唱者都需要进行艺术想象，以便最终进入角色。如意大利歌曲《我的太阳》这首歌里，所展现的是美好的爱情，心爱的人比太阳更美。欢快的曲调，每个音符都充满着爱意，飘拂而来，好似神秘的轻吻。尾声渐强渐慢的处理。演唱者不仅要完美的运用发音，更要有令人沉醉的情感抒发。

3.要把握好度

在演唱任何歌曲过程中，要让几个音乐符号去让观众感动，让观众明白作品所表现的内涵，是离不开演唱者对音乐形象的塑造的，而这种二度创作，除了要有美好的声音条件、对歌曲的理解等，还要有歌唱时应有的状态，即有控制的歌唱状态，控制的度过了，声音发硬，嗓音过损，控制的度不够，声音苍白扁平无力。

三、要反复锤炼作品

1.“面”的扩展应建立在“点”的真正突破上

任何一首歌曲都会有适合的歌手来演唱的，适合演唱者培养和加深有控制的“自然状态”，并形成一种“有控制”的演唱意识。许多声乐大师都有这样一种意识“唱好了中声区、高声区就成功了一半；唱好了弱音，强音也容易唱好了”当然要达到有控制的“自然”状态也绝非一朝一夕之事，都要经过一个过程，归纳为“简——繁——简”简是自然的状态，通过声乐练习，进入技巧运用之繁，但最终仍要归于“简”总之“面”的扩展要建立在“点”的真正突破上，这样才能真正取得进步。

2.精益求精、烂熟于心

准确、熟练把握乐谱非常重要，歌词是演唱的基础，声乐艺术之所以能感动人，除了本来的美妙外，重要的原因是听众能通过歌词与演唱者进行直接交流，要准确拼读歌词，弄懂每个单词的意思，要字对字的翻译，勤查词典。其次，发音要准确，西方语言的特点是多音节语言，辅音要清晰、非常靠前、元音非常明亮、非常纯正，唱时发音要连贯，每个音要显得很平直，再次音准、节奏是否正确直接影响到演唱者对作品的表达。

3.要内化为内在的艺术素质

演唱任何歌曲要求演唱者必须具备深厚的艺术修养，没有艺术修养作底蕴，充满美学意义的感情传达是很难实现的，要做到声音和修养同步进行，要通过反复实践，建立良好的表现能力和适度的表现欲，具备在舞台上控制自我、驾驭作品情感的能力，有对作品比较丰富的形象思维，有表演意识和创造能力，有适应舞台和观众的能力。

任何歌曲的演唱都是对演唱者综合能力的全面检验，台上十分钟，台下十年功，演唱者只有具有较高的思想和艺术修养，对生活对音乐有深刻的理解，有较深的艺术造诣和较高的歌唱技巧，还有对声乐事业的热爱，才能收获到歌曲那最深厚的美。

参考文献：

[1]曹媛.浅论中国艺术歌曲的演唱处理[J].名作欣赏，2011（27）：163-164.

浅谈艺术歌曲的演唱处理 篇6

一、要深入分析作品

认真地分析作品的词和曲, 这是演唱好任何音乐作品都首先要做到的, 但对演唱好艺术歌曲而言, 我们还要对作品的时代背景、各作曲家的个人创作风格等进行全面的了解和研究。

1. 要分析作品的时代背景

很多艺术歌曲都带有浓郁的时代特色, 饱含丰富的时代气息, 可以说, 一首优秀的艺术歌曲, 就是以音乐形式对那个时代精神的浓缩和凝结。

2. 要分析作品的民族特色

世界上任何民族的音乐都有既明显又与众不同的特点。我们应该借助语言学、民族学、历史学和地理学等学科的科研支持, 更好地分析和演绎不同国家、民族风格作品。德国艺术歌曲的演唱含蓄、内向、诗意, 声音要求圆润、情绪变化幅度小, 情感更加细腻, 小动作多……意大利的艺术歌曲演唱就比较倾向于热情洋溢, 大起大落, 感情很外露夸张, 因此, 意大利风格的艺术歌曲演唱需要更多的热情浪漫, 声音的变化和幅度可以强烈些。

3. 要分析作品的创作风格

舒伯特和舒曼同为艺术歌曲大师, 但是由于其生活的不同经历, 形成了他们不同的音乐风格。舒曼多表现人的内心情感, 很少表现对大自然的感情抒发, 其对歌词的诠释分别放在了歌声与琴声中, 有时甚至用琴声代替了歌声, 伴奏和演唱都成为作曲家的创作手段;而舒伯特的艺术歌曲较多地表现对大自然的感悟, 在其作品中, 钢琴伴奏的地位有很大提高, 但仍以歌唱为主。

二、要尽力融入作品

声乐演唱必然要贯穿情感, 通过对艺术歌曲歌词的分析和研究, 确定作品的主题思想, 准确把握演唱时的情感基调, 才能淋漓尽致地表现艺术歌曲意境, 塑造出鲜明的艺术形象。

1. 要展开场景想象

场景想象即想象作品描述的场景, 并把自己置身于当时的场景, 设身处地地感受。如舒曼的《献词》, 演唱者可“移情”

2. 要进入角色

艺术歌曲的表演和其他表演创作一样, 始于想象, 从阅读作品、熟悉角色开始, 演唱者都需要进行艺术想象, 以便最终进入角色。演唱者不仅要完美地运用发音, 更要有令人沉醉的情感抒发。

3. 要把握好度

在演唱艺术歌曲过程中, 要让几个音乐符号去让观众感动, 让观众明白作品所表现的内涵, 是离不开演唱者对音乐形象的塑造的。而这种二度创作, 除了要有美好的声音条件、对艺术歌曲的理解等, 还要有歌唱时应有的状态, 即有控制的歌唱状态。控制的度过了, 声音发硬, 嗓音过损;控制的度不够, 声音苍白, 扁平无力。

三、要反复锤炼作品

要演唱好艺术歌曲, 需通过不断的“打磨”过程, 找到最佳的艺术感觉。

1.“面”的扩展应建立在“点”的真正突破上

艺术歌曲大多音域适中、结构较紧凑、表现细腻, 很适合演唱者培养和加深有控制的“自然状态”, 并形成一种“有控制”的演唱意识。许多声乐大师都有这样一种意识:“唱好了中声区、高声区就成功了一半;唱好了弱音, 强音也容易唱好了。”

2. 精益求精、烂熟于心

准确、熟练把握乐谱非常重要, 歌词是演唱的基础, 声乐艺术之所以能感动人, 除了本来的美妙外, 重要的原因是听众能通过歌词与演唱者进行直接交流。要准确拼读歌词, 弄懂每个单词的意思, 要字对字地翻译, 勤查词典。其次, 发音要准确。西方语言的特点是多音节语言, 辅音要清晰, 非常靠前, 元音非常明亮、非常纯正, 唱时发音要连贯, 每个音要显得很平。再次, 音准、节奏是否正确, 直接影响到演唱者对作品的表达。

3. 要内化为内在的艺术素质

演唱艺术歌曲要求演唱者必须具备深厚的艺术修养, 没有艺术修养作底蕴, 充满美学意义的感情传达是很难实现的。要通过反复实践, 建立良好的表现能力和适度的表现欲, 具备在舞台上控制自我、驾驭作品情感的能力, 有对作品比较丰富的形象思维, 有表演意识和创造能力, 有适应舞台和观众的能力。

歌曲演唱的技术与内心处理 篇7

声乐艺术是音乐表演艺术的一种。在社会历时文化在不断的发展, 对于歌唱演员的要求也是越来越高。作为歌唱演员必须也是极为有必要掌握当代音乐作品中复杂的音乐语言, 为此要有相应的发声技巧作为基础。歌剧演员的要求更是要高一些, 他还必须要有相应的舞台形体训练, 使演员能够更好的塑造出歌剧所反映出的时代以及生动逼真的角色形象。当今的歌剧舞台的剧目要求演员要有演唱不同时代、不同风格类型作品的综合能力。

现如今, 作曲家往往喜欢用人声音域中最高或最低的极限音, 音程的跳跃也是极其频繁而且跨度也很大, 在音量上也提出了从最弱到极强的幅度。这样使专业歌手都要尽力去完善自己的演唱技巧、训练自己的听觉能力以适应前进中的声乐音乐创作的步伐。所以说现代的歌唱家应该具有高度的听觉能力和高超的发声技巧。就拿每两年举办一次的CCTV青年歌手电视大奖赛来说, 大赛中的综合素质考评, 其中不但有对听觉能力的考评, 而且还有对音乐史以及地理等多方面的测试, 两者的综合才成为选手的最后成绩, 现如今的歌者很多就是因为缺乏综合素质的修养, 从而失去了机会。所以说综合素质能力也是作为一名歌唱演员的重要能力。当然一切都是以专业训练为前提来实现的。具备了上述种种条件, 作为一名歌唱演员仍然是不够的, 以下我们就来谈谈这个问题。

声音艺术是一种综合的艺术形式, 它是音乐、声乐和舞台表演艺术的综合形式。声乐艺术通过美妙自如的声音, 清晰自然的语言来表达作品的内涵, 再现作品的艺术形象, 使听众受到艺术形象的感染, 受到精神上的激励和启迪, 同时也得到极大的美的享受。因为要应用声音来表达, 所以要掌握声音的技巧;因为要再现作品, 所以对作品要有深刻的理解能力;因为是在舞台上艺术的表现, 所以我们要注重良好的形象, 形体动作、面部表情等等。这一切条件都已具备, 才可以说具备了一个声音演员的基本条件。

二、声乐作品艺术处理的四要素

作为每一名声乐歌唱演员都希望并神往, 自己在舞台上演绎的作品具有不可抗拒的吸引力和动人心弦的感染力。因此在我看来舞台的表现力是要经过平时积累的, 作为一名歌唱演员, 且声音不但要美, 而其形象, 形体动作、面部表情都应面面俱到。对声乐作品进行分析研究, 作独具匠心的艺术处理。每当拿到一首陌生的作品时, 演唱者首先通读歌词并理解歌词内容及情绪, 弄清剧中的人物及角色与其他人物的关系。之后是反复的读谱体会并回味作品表达的创作意图和音乐风格。

(一) 节奏的掌握应当准确

音乐旋律是音乐的血肉而音乐作品的骨架乃是节奏。节奏的恰当掌握极其根据情绪要求索随时的变, 也就是音乐作品的脉搏, 因此评价演唱者音乐节奏的好与坏, 要从以下几点来衡量。 首先, 对于乐谱节奏的掌握;其次, 根据音乐旋律情绪的要求, 处理音乐速度变换;第三, 音准节奏。这里主要是指在和钢琴伴奏合作中, 有许多曲目的伴奏既没有所唱声部的旋律音, 又没有与它相吻合的节奏型。第二段, 从“旧社会……”起, 是对旧社会的回忆, 音色要暗淡, 速度也相对慢些, 唱时要突出“鞭子” 二字, 这是敌人的鞭子, 是沉重的, 所以语气上, 速度和音色上要强调一些, 休止符要干脆, 在“母亲只会泪淋淋”处速度放慢, 声音也随之而弱。下一句“共产党号召我闹革命”要有一种振奋的感觉, 从感情上, 速度和音色上都要有突变, 所以这 “闹”革命是全曲的高潮, 在音色上要凸显, 音乐的力度要加强, “揍敌人”气势要宽广些。激动的回忆过去了, 再现A段时音乐又回到现实中来, 再唱这一段时, 要与开始的A段有所不同的, 在感情上要更加的亲切, 唱的要舒展些。这样才能体现出这首作品的情歌与风格。

(二) 换气点的准确及演唱时音色的对比

演唱中还有一个重要的环节就是恰到好处的换气。这个换气点选得是否恰当, 直接关系到歌曲内容与思想表达的准确性。如 《我和我的祖国》, 它的最后一句是“心中的歌”, 这一句应一气呵成不能再有换气应当以保持乐句的完整性。但大多数人会在 “的”字之前换气, 唱成“心中的“V”歌, 并在“歌”字上无限延长, 来表现自身高音的能量和充足的气息博彩, 但这种处理无形中破坏了并失去了作品所表达的作品的原意及完整性。

表现演唱者声音的感情魅力, 主要在于作品中音色的对比处理及通过音色处理对音乐的表现力。不同的音乐作品有着不同的情绪处理, 因而音色要随着旋律起伏和情绪的抑扬而作恰当的调整, 对一些情绪不同, 风格不同的歌曲, 可考虑采用不同音色的变化进行艺术的再创造。如《小白菜》刚进来前两句叫板中是用一种撕心裂肺的喊亲娘的情绪去唱, 因此音色要朴质、实在些, 不能华丽。而进入正板之后, 音色就要变得柔和、黯淡些, 显示出小白菜失去娘亲没人疼怜的痛苦心情。有了这些音色上的对比, 这首歌唱出来就更加沁人肺腑。

(三) 情绪强弱的对比

当对一首歌曲作了分析而又理解后演唱者就会产生相应的想象, 即想象画面。当把这些画面输入歌声中时, 歌唱者就会产生相应的表现力。这种灵魂的作用, 只有在雕琢歌曲时先动情再动声, 才能唱出感人至深的歌声。如不能先被歌曲中的内涵所感动的演唱者, 他的歌声一定毫无动人之处。歌唱艺术的魅力取决于情感表现的深度, 以情带声, 声情并茂不是即兴而发的一时冲动, 而是经过“精雕细刻”艺术处理后的硕果。这就要求歌唱者既要掌握高超的声乐技巧以做到“声茂”, 又要具备独到的歌曲处理本领以做到“情茂”并能把两者有机的结合起来, 发挥出声和情的最佳状态。

一般来说, 在一首歌中, 多数是用等音量去演唱, 因为强音需要弱音的铺垫, 只有唱好了弱音, 才能更好的显示强音的威力, 才能形成力度上的对比。至于节奏的快慢, 每个作品都有自己的速度要求, 而本文所指的快慢处理是指演唱时可把某一段或几个小节处理的稍快、稍慢、突慢、渐快或回原速度等等, 用以作品情绪需要的一种特殊艺术处理。

(四) 如何把握音乐作品的风格

作品的风格或者说音乐的风格掌握得好与坏直接影响作品演绎的效果。造成这一现象的主要原因是演唱者没有很好地对作品有你一个细致的分析和了解。如歌剧《白毛女》, 第一场时, 那是抗日战争时期, 河北杨各庄, 在杨白劳家, 那天正式除夕, 天真烂漫的姑娘喜儿, 虽说家境贫困, 但有父亲的照顾, 与父亲相依为命。同时她又爱着大春, 心中充满了换了和喜悦, 所以唱 “北风吹”时音色要明亮温柔而娇媚, 歌声中充满了青春的活力。剧情发展到喜儿在山洞那一场, 从音乐的曲调到歌唱的音色以及形象上都应有所变化。这里, 喜儿已经饱受了大自然大风大雨的摧残, 同时也经历过任世界的欺压和凌辱, 经过了几年的煎熬, 这时的喜儿已经变成了一个意志坚强的人, 并且充满了复仇的愿望, 他要将自己内心的仇恨全部诉出。这里在音乐上不段出现休止符, 以表现喜儿“要报仇”的坚定信念和激动的心情。这里要干净利落地唱出“报仇”二字, 声音饱满, 气势豪迈而粗犷。根据剧情的需要, 喜儿的全身都要以白色为底, 所以要认真体会角色的心理, 才能把角色演的生动, 引起观众的共鸣, 让观众跟着剧情愤怒、流泪、欢笑。绘画、雕塑、建筑等都是有形的空间艺术, 所以它们可以一目了然感知, 而音乐却是一个无形的时间艺术, 它对于演唱者文学修养的深浅有很高的要求, 演唱者的自身水平会直接影响他对作品的理解和风格的把握。成熟的歌唱者是能把作曲家的创作意图和作品的风格特点淋漓尽致地表现出来, 能把音乐的全部涵义, 让听众“一目了然”。

三、可听性的艺术在于情感艺术的处理

一首完整的音乐作品最终演唱效果取决于演唱者是否有感染力, 作为音乐作品的表达者和诠释者的演唱者来说, 感人的艺术作品, 需要通过演唱者美妙自如的歌声, 清晰自然的语言来进行表达这样才能将其思想内容展示出来, 才能供人们去欣赏。所以说歌唱不仅仅是单纯的歌唱, 它所包含了许多内在的东西, 作为一名歌唱者来说, 不但要掌握声乐演唱技巧, 更重要的是对歌唱中, 作品的艺术处理, 这两者是缺一不可的, 如果却一样, 所展现的作品就会暗淡无光, 缺乏艺术性, 所以只有两者合一, 才能称得上是具有艺术和感染力的。

总之, 歌曲的歌唱不仅仅是用嗓音, 它用的是心, 用心去理解作品的内涵, 只有发自内心的领悟, 作品中所表达的情感, 才能够体现, 歌唱的艺术处理对于每一个歌唱者是极为重要的, 所以说, 要学好一首歌, 歌者就必须从感受生活、感受词曲、感受作者做起, 把自己真正投入到歌曲中去。当然, 这不仅仅需要扎实的声乐演唱技巧, 还需要歌者本身对音乐的理解能力, 这就要提高自身的综合素质水平, 这样作为一个歌唱才是合格的, 有内涵的。

摘要：声乐艺术是音乐表演艺术的一种, 社会不断发展, 对于歌唱的艺术处理要求也是越来越高, 我们对声乐作品进行分析、研究, 作独具创新的艺术处理, 使谱面上的音符演绎成扣人心弦的艺术形象使其所有的音符“活了”起来, 通过演唱大量的声乐作品, 吸取对歌唱艺术处理的各项问题, 搞好歌唱中的艺术处理, 使得听众得到充分的情感享受, 同时也让更多的歌唱者了解到歌唱艺术处理的重要性。

关键词：演唱,技术,艺术处理

参考文献

浅析歌曲《黄河怨》的演唱处理 篇8

第一部分: (“风啊, ---今晚我在你面前哭诉我的愁和怨。”) 诗人在他的文中写到, 在一个狂风怒吼的夜晚, 一位妇人衣衫褴褛跌跌撞撞地走到黄河边, 面对着波涛滚滚的黄河, 面对着怒吼的狂风, 妇人面无表情, 似乎她受了很大的打击, 过了好久妇人开始小声地自言自语:“风啊, 你不要叫喊, 云啊……”[1]。作曲家用低音区连续的振音和五连奏的手法将人们带到那个黑暗的年代, 进入到那个凄惨的夜晚。从音调模式上看, 这个主题中含着一个下行的哭泣音调——“mi-re-do-la”, 这是一种叙述性的内心独白, 是带有悲剧色彩的叹息。如果我们不能像郭淑珍老要找准师那样能一口气唱出一整句来, 那么就要注意找准断句的地方, 可以将每一句的开口分出来“风啊/云啊/黄河啊”, 这样虽然没有一口气唱出来的表现力好, 不过对于一般的演唱者来说也是一个不错的演唱方法[2]。在情感上也要注意处理, 一定要轻唱, 三次“不要”要唱出区别:第一句要弱一些, 随后一句比一句渐强。表现妇人精神恍惚。“今晚…我要哭诉我的仇和怨”语气加重, 在演唱时要突出“哭诉”二字, 整句话都要用哭腔演唱, 要唱出主人公内心的万分痛苦, 让听众能够体会到主人公心底的痛, 就像郭淑珍老师演唱的那样, 唱的让人撕心裂肺, 令人心碎。

第二部分: (“命啊, 这样苦……偏要我无颜偷生在人间!”) 诗人认为, 妇人好像终于找到了哭诉的对象, 于是她开始回忆:他想起自己的丈夫被日本鬼子掠走杳无音信, 想起自己孩子也惨死在鬼子的屠刀下, 想起自己被鬼子无情的蹂躏----一时间呼吸急促, 痛苦万分的对风、云和黄河哭诉。作曲家认为, 这一段的音乐材料来自第一部分[3]。“do-re-mi”的上行音调, 带有一种疑问、质问的感觉。“宝贝啊, 你死得这样惨!”这是典型的哭腔音调下行。演唱这一乐段要注意每小节的第一个字:命、这、生、鬼, 突出语言的表现魅力, 使内容更富有感染力。紧接着, “宝贝啊, 你死的这样惨”一句是典型的哭腔, 尤其是最后的“惨”字, 是全曲最低音, 给人一种苍凉的感觉。“我和你, 无仇又无怨……”, 在演唱时要带有哭腔, 一字一音, 每一个字的时值都应该唱得饱满, 尤其最后“偷生在人间”这几个字语气要重, 并带有泣不成声的感觉, 仿佛已经无力支撑心中巨大的伤痛, 没有脸面活在人间, 为后面的投河做铺垫。

第三部分 (“狂风啊, 你不要叫喊……洗清我的千重愁来万重怨”) 诗人写道, 突然间, 妇人仿佛又想起什么开始对风、云和黄河哀号:“狂风啊, 你不要叫喊——。作曲家认为, “mi-sol-mi”的模进形式音调, 在音乐中表示情绪发展的一种形式。这一部分改用了6/8的节奏, 节奏有所加快也体现出了强大的悲剧效果。这一乐段力度加强, 声音急促, 表现出强烈的控诉与愤恨, 它把狂风、乌云、激流汹涌的黄河紧紧联系在一起, 把歌曲推向了一个高潮。“黄河的水啊”中的“啊”要唱得饱满, 有力度, 并且有一点停顿的感觉, 到了哭诉后心情慢慢地疲倦, 所以, “你不要呜咽”应该用较慢的速度、较小的力度唱出来, 让听众能够体会到妇人的内心感受。最后, “洗清我的千重仇来和万重怨”, 诗人认为, 身遭蹂躏已经让妇人感到无比的羞辱, 但这远远比不上眼睁睁地看见自己的丈夫被日本人掠走, 亲眼见自己的孩子惨死在日本鬼子的屠刀之下的那种撕心裂肺的痛苦和无法用言语来表达的悲伤, 妇人提高嗓门对黄河说:“今晚我要投在你的怀中……”作曲家认为, 上行的音调更加体现出妇人选择以死抗衡日寇之后的勇气和刚烈。

第四部分唱到 (“丈夫啊, 在天边……你要想想妻子儿女死得这样惨!”作曲家认为, 这个部分具有宣叙性, 是妇人死前的遗言!这是全曲的高潮, 在唱“惨”字时要用哭喊的声音唱出, 要有一种持续的力度。最后的“债”字演唱时要有一种悲伤至极的呐喊。最后的“清还”二字应该唱得气贯长虹, 使之惊天地、泣鬼神, 让听众仿佛看到主人公伴着一声无比凄惨的呐喊, 以及含恨投河而去的场景, 更强烈地激起广大人民的抗日热情。

用冼星海的话来说:“《黄河怨》是一首要含泪来唱的悲歌”。从这里我们不难看出, 《黄河怨》自创作之初就是定在一个“悲”字上。《黄河怨》正是通过这位妇人的悲惨命运来唤醒人们对那些惨遭日本侵略者屠杀的生命及其价值的尊重, 进而激发中华民族的抗日斗争。正如鲁迅先生所说, “悲剧是将人生有价值的东西毁灭给人看”, 《黄河怨》不只是描写这位妇人多么凄惨, 而是展现出这种“毁灭”的原因及过程, 并由此激发人民抗日的力量。

《黄河怨》这首声乐作品虽然很多人都演唱过, 但真正理解这首作品并把它唱好, 需要认真分析, 进入情绪, 要深入其中, 向外扩延, 从整体上把握这部作品。演唱者需要从创作背景、歌词、曲式结构、风格特点以及内容要求等全方面把握声乐作品的内容与内涵, 进入到作品的特定情境中去。才能够打动自己, 并引起观众共鸣。■

参考文献

[1]严良.我与《黄河》60年——答黄叶绿.黄河大合唱纵横谈[M].149-163, 155

[2]刘怡.浅析歌曲《黄河怨》的演唱与处理.首都师范大学硕士学位论文.2011.04 (14-15) .

歌曲演唱的艺术处理技巧探析 篇9

一、

在充分了解歌曲创作的时代背景的基础上全面分析和把握作品的艺术风格。不同的时代和不同的地域的人们在思维方式和思想观念等方面都有着很大的差异,他们的文化背景和情感表达也不同,所以在歌曲的创作时代背景方面也有着显著的不同。所以歌曲演唱的时候首先要对歌曲的创作背景有深入的理解。其次,在了解了歌曲的创作背景之后,要对作品进行深入的分析,把握好歌曲艺术创作的角度和题材,对歌曲的表现手法和技巧的运用也要了解把握,只有这样才能把握好歌曲作品的艺术风格和歌曲的韵味,从而在演唱的时候才能演唱出歌曲的内在本来味道,才能获得丰富的感染力,使得歌曲演唱表演艺术显得有血有肉。

二、

充分挖掘歌曲作品所蕴含的内在情感。我们都知道,声乐艺术的最为重要的特点就是通过美好清晰的语言来表达真情实感。虽然说没有动听的歌喉是成不了歌曲演唱艺术家的,但如果歌唱者在歌曲演唱的时候没有真情实感也是不能感动人的,不能感动人的艺术不能称之为艺术。甚至可以说艺术的最高追求就是就动之以情和感至以人。所以,在歌曲演唱的艺术处理技巧中,就要非常重视对歌曲作品所蕴含的内在情感进行充分挖掘,避免在演唱的时候过于表面浮浅,避免过多的矫揉造作的所谓的情感表现。正确的做法是要做到以下几点要求:首先必须要准确把握歌曲情感动态的基调;其次就是要深入体会歌曲情感所要表达的形态和程度;最后就是要认真领会歌曲创作者的感觉及情感思维特点。比如在演唱歌曲《黄河怨》的时候,如果从始至终都是用毫无感情的哭诉之声,是收不到理想的演唱效果的,而应该是必须要从内心体现出悲伤的情感,否则是很难表达出歌曲的那种内在的要血债血还的反抗情感的。

三、

歌曲演唱者要主动积极提高自身的音乐文化素养,认真领会歌曲的语言艺术。音乐艺术本身就是一种能全方位反映生活的艺术形式,要想深入理解音乐艺术的表现力就必须要拥有丰厚的音乐文化素养。同样,歌曲演唱也是一个对音乐艺术进行二次创作的过程,更是需要有一定的音乐文化素养才可以。因此,歌曲演唱者要主动积极提高自身的音乐文化素养,只有这样才能对歌曲作品体会更深、悟解更为彻底,才能在面对一首歌曲时通过对歌曲内容的深刻理解演唱出歌曲的深层含义,从而达到内容和情感的艺术统一。另外,歌曲演唱者认真领会歌曲的语言艺术也非常重要,因为语言在歌曲中有着非常重要的作用。并且歌唱者要想用优美的歌声来表达歌曲的内在思想情感就必须要做到清晰、准确、生动的读字和吐字。甚至只有认真领会了歌曲的语言艺术才能把握住歌曲的旋律,才能成功塑造各种各样美丽的音乐形象。所以歌曲演唱者要对歌曲的歌词进行深入的研究,要反复地朗读歌词,加深理解,认真体会歌曲的内在韵味和语气,然后在吐字清晰的基础上注意适当的分句和换气,保持话语的意义和完整性。

四、

熟悉并且正确分析处理好歌曲的旋律及演唱的时候的音色变化。可以说旋律是音乐的灵魂。所以歌曲演唱者首先必须要熟悉并且能正确分析好歌曲的旋律:一是要分析好歌曲旋律的不同层次,对高潮点、精点及转折点要把握准确;二是要分析歌曲旋律的节奏型和音型,尤其是要把握和处理好歌曲旋律中的三连音,装饰音、切分音,付点节奏和休止符等。另外,演唱不同情绪和不同风格的歌曲的时候可以使用不同的音色进行艺术再创造,比如可以用明亮清新的音色来演唱活泼充满活力的歌曲,而演唱优美抒情的歌曲的时候就可以用柔和甜美的音色。只有这样才能在演唱歌曲的时候收到好的效果,才能给歌曲演唱增添艺术色彩。

五、

正确把握和处理好歌曲的节奏、速度及力度。演唱一首歌曲最为关键的是要把握歌曲的节奏,演唱速度及力度。所以歌曲演唱者对歌曲进行艺术处理的时候首先就是要重点把握好歌曲的节奏,以充分表达出歌曲的内涵。其次,歌曲演唱者还必须要把握歌曲演唱的速度和力度。通常情况下是在对作品已经标明的速度和力度的基础上根据歌曲的内容风格及表达情感的需要做一些艺术处理和变化,这样可以更好的表达出歌曲的高潮部分,收到满意的歌唱氛围和效果。

总之,歌曲演唱其实就是对歌曲的二度创作,其本质也是一个艺术创作的过程。歌曲演唱者只有对歌曲进行了适当的艺术处理才能通过良好的演唱来抒发出作品的真挚情感,才能将音乐艺术形象再现出来,收到满意的演唱效果。当然,歌曲演唱的艺术处理不能是随意的,要有一定的技巧的,所以歌曲演唱者一定要苦练基本功,努力掌握和学会如何来进行歌曲演唱的艺术处理。

参考文献

[1]、吴踊:浅谈歌曲演唱的艺术处理及创作的重要环节,美与时代(下),2011/11

[2]、尹五立:谈歌曲演唱的艺术处理,青春岁月,2011/22

歌曲的分析处理 篇10

关键词：高等教育 声乐教学 歌曲演唱 艺术处理

声乐演唱具有一定专业性和系统性，需经过专业训练才能唱出悦耳动听的歌声。想要通过歌曲演唱打动观众，将歌曲有感情的演唱出来，必须对歌曲进行艺术处理，使歌曲演唱富有感染力，赋予歌曲情感与生命，使演唱能够达到声情并茂，只有做到声情并茂的演唱，才能使听众产生情感共鸣。

一、声乐演唱的艺术处理

声乐演唱有着十分悠久的历史，在音乐历史长河中占据着重要位置。声乐演唱表演性极强，与其他艺术形式不同的是，需要结合词、曲、调进行演唱。按照演唱方法的不同可分为：民族唱法、通俗唱法、美声唱法、原生态唱法四大类。声乐演唱过程中必须按照一定演唱技巧对歌曲演唱进行艺术处理，只有经过艺术处理的歌曲演唱才会有生命、有感情，给人留下深刻印象。可以说艺术处理是赋予演唱生命和情感的过程。若没有经过艺术处理，歌曲演唱便会生硬干涩，淡而无味，缺乏感染力，难以得到听众认同。优秀的演唱者不仅要具备专业歌唱技巧，同时还要具备艺术处理能力，能够将自己的情感与歌曲完美结合，使演唱声情并茂，使人们能从歌曲演唱中听到情感，感受到歌曲中喜乐悲欢的传递。歌曲的词、曲若不经过演唱与艺术处理写在纸上只是毫无意义的特殊符号。只有在艺术处理下，才能转化为有声、有形、有情的声乐艺术。但艺术处理过程中不能偏离原作初衷，应在还原歌曲原有中心思想的前提下，结合自身对歌曲情感的理解，融入情感的去演唱。艺术处理对歌曲的欣赏和传达出的情感会产生明显变化。听众往往只是通过演唱者去了解歌曲，歌曲是否受欢迎和艺术处理是否得当有着直接关系。例如《我爱你，中国》这首歌曲，原唱是1979年叶佩英演唱的一首美声歌曲，歌词朴实无华，却动人心魄。但被汪峰翻唱后却成了一首摇滚歌曲。经过汪峰的艺术处理后演唱出的效果与叶佩英完全不同风格，但不可否认这是一次成功的艺术处理，他的翻唱受到了听众的认同，人们可以感受到演唱者表达出的对祖国的热爱和祝福。可见声乐演唱中歌曲演唱艺术处理的重要性和必要性。因此，高校声乐教学中应注重歌曲演唱的艺术处理。

二、高校声乐教学中歌曲演唱的艺术处理研究

艺术处理是音乐繁荣发展的源动力，是展现歌曲的必经之路。歌曲演唱不仅是歌曲艺术处理的表现方式，更是对歌曲情感和思想的诠释。想要使艺术处理能够正确诠释歌曲，必须不断探索歌曲表现规律，不断丰富自身音乐理论，去了解歌曲创作背景。艺术处理担负着促进音乐表现，再现歌曲的使命，歌曲演唱中做好艺术处理事关重要。

（一）对演唱音色的处理

音色是指声音的感觉特性。歌曲演唱中音色的处理非常重要，直接影响着艺术处理效果和歌曲演唱的听觉感受。因为，歌曲演唱中音色是表现演唱者情感的主要表现方式。音色变化代表着情感变化，不同音色表达着不同情感，变换音色是声乐演唱中常用的艺术处理手段，只有在歌曲演唱中正确把握音色，对音色进行必要的艺术处理，演唱才会富有情感，才能正确传达出歌曲内涵。对音色进行艺术处理是做到声情并茂演唱的前提条件。音色艺术处理必须结合歌曲特点以及歌曲想要传达的情感，透过自身对歌曲情感色彩的理解，对歌曲中心思想进行揣摩，合理变换音色，把音色控制在能够驾驭的区域内，以达到最佳艺术效果，正确传达歌曲情感。

（二）对歌词的处理

歌词是歌曲的灵魂，是歌曲情感的载体，对歌词的艺术处理直接影响歌曲演唱中“情”的传达以及艺术处理职能的发挥。歌词并不是单纯的文字，而是歌曲创作者内心情感的抒发。歌曲演唱中要理解歌词、领悟歌词，把歌词中的情感挖掘出来，结合自身情感进行科学的艺术处理。歌词的艺术处理是对歌词音调进行安排的主要过程，通过对歌词进行艺术处理，能够有效增强歌曲演唱张力和表现力，使演唱更加流畅。不同艺术风格、不同题材歌词有着不同特点，音调安排自然也会有明显不同。歌词处理中要处理好这些差异，正确把握差异的同时，把差异表现出来，才能增强演唱的独特性，如此才是成功的艺术处理。

（三）对唱速的处理

歌曲演唱过程中唱速对歌曲听觉效果、情感表达影响最大，不同唱速会给人不同听觉体验、同一首歌曲，不同唱速便会表达出不同情感，歌曲演唱中对唱速进行艺术处理必不可少。演唱者必须根据作品情感特点正确把握唱速，对唱速进行处理才能使听众产生共鸣，唱速处理对演唱者有着较高要求，不同歌曲，情感表达不同，对唱速要求也就有所不同。例如，伤心的慢节奏，唱速慢。欢快的快节奏，唱速则轻快。对唱速进行正确的艺术处理，是成功演唱歌曲的基础。

三、结语

声乐艺术在音乐历史长河中占据着重要位置，发挥着不可代替的促进作用，可以说声乐艺术是推动音乐持续发展的源动力。声乐歌曲演唱中艺术处理非常重要，是影响听觉效果、歌曲情感表达的关键。只有对歌曲进行正确的艺术处理，才能使作品情感正确表达出来，给人不同的听觉感受。

参考文献：

[1]吴迪.声乐教学及歌曲的艺术处理研究——评《声乐艺术的探索与创新》[J].当代教育科学，2015，（14）.

[2]虞滨鸿.改革开放30年中国艺术歌曲的发展及演唱探究[D].福州：福建师范大学，2008年.

浅谈歌曲演唱的若干处理手法 篇11

关键词：演唱情感理解声乐艺术

一、歌词在歌曲中的分析

在歌曲处理中对歌词的分析尤为重要, 有一部分作曲家离我们现在的年代很久远, 只有通过歌词才可以弄清作者的创作意图理解作品中的思想内容。歌曲的艺术魅力包括歌词和旋律, 歌曲中的歌词像诗歌或散文一样具有一定的韵律, 在演唱每一首歌曲前, 我们首先应该对它的抑扬顿挫和行腔有一个深入的了解, 在歌曲的表现中合理地安排各种强弱变化, 清晰分明的字词, 有起伏的演唱。例如歌剧《江姐》中《红梅赞》的演唱, 对歌词仅仅从字面上理解赞颂红梅的品格, 是不能够真正表现作品的内涵。只有演唱时明确作品是通过对红梅的赞美歌颂革命者对革命的忠贞, 以及对革命必胜的信心这一更深一层的含义, 才能够对歌曲进行更好更正确的处理。

二、抓住歌曲的时代特征

在声乐教学中, 如何使学生很好的完成一首作品, 是要通过挖掘歌词的内涵, 准确把握作者的创作意图来。作曲家在歌曲创作中有时会受到历史条件和环境的制约, 不能直接明确地表明自己的观点, 作品中会采用比较隐晦的用词或借喻。如:唱《我为共产主义把青春贡献》这首歌时, 演唱者视谱填词后, 需要演唱者从分析歌曲创作背景来理解整首歌曲, 这是江姐在川北被敌人逮捕, 并被关进了重庆中美合作所渣滓洞集中营, 这样的背景中演唱的。面对敌人的严刑拷打和威逼利诱, 江姐大义凛然、坚贞不屈, 严词痛斥敌人。演唱者只有体会到江姐当时所处的环境, 切身感受当时的意境, 更深的对歌曲的内涵有了真正的理解, 才能完整地表现整首歌的情绪情感。

三、准确把握作品的情感变化

歌曲的基本情绪就是歌曲情感, 歌唱就是要表现一定的情感和内容, 想要打动听众, 必须以情带声, 演唱者决定用什么样的方式来表达歌曲的“喜、怒、哀、乐”之情, 需要对作品内容进行深入研究。有的演唱者只片面追求声音效果, 虽然声音有一定的亮度和强度, 但缺少真情, 显得苍白无力, 演唱者只是像背书一样地将歌唱完, 又如何能够打动听众呢?因此, 作为演唱者深入研究歌曲词意, 把握歌曲的情感是非常重要, 在演唱声乐作品前, 必须给所演唱的歌曲情绪定位。

四、夸张的艺术处理

歌唱艺术是以反映现实生活、美化生活为宗旨的, 需要对作品进行夸张的艺术处理。进行艺术夸张处理是为了歌唱中渲染特定的意境, 更生动地抒发歌曲情感, 塑造人物形象, 从而鲜明地展示歌曲的主题思想和音乐想象。

对歌曲中的某些特点, 如节拍、节奏、速度、力度等, 或某个乐段、乐句、拖腔, 一是不能失去作品的真实感, 不能脱离开作品。演唱时的故弄玄虚, 画蛇添足, 非但起不了任何效果, 反而使歌曲失去其真实性。二是要把握好夸张的“度”, 演唱时处理得恰到好处, 如果夸张得过头, 歪曲歌曲的内容与形象, 不但失去真实性, 还会失去歌曲的艺术格调与品位, 失去艺术的表现与感染力。

五、整体的艺术处理

歌曲在艺术处理上有一个整体的构思和布局, 首先要确定演唱基调, 即以通过什么情绪来作为表达歌曲的基本情感。例如歌曲中歌颂祖国题材, 有歌颂赞美之情的, 有歌颂思念之恋的, 有歌颂崇高之爱的, 也有歌颂热爱之情的等等。就以赞美之情而言, 又有豪放壮阔的, 开朗宽广的、热情奔放的、庄严宏伟的等等。又如都属爱情题材的歌曲, 有倾诉爱的忧郁、哀怨、悲伤、痛苦之情的, 也有表现喜悦、欢乐、美好、幸福之情的。因此对作品演唱基调的准确定位, 在整体构思的艺术处理中起着非常重要的作用。在进行歌曲整体构思的艺术处理时要以歌曲刻画的人物形象为出发点, 也就是要以第一人称直接抒情。只有演唱者根据作品的内容和角色拟人喻成, 才能对作品的演唱身份做出一个准确定位。在对歌曲进行整体艺术处理时, 要确定其演唱情感, 情感的确立要根据作品描绘的情景与意境, 就是说演唱者抒发歌曲的思想情感是在一个什么特定的意境中。例如, 在辽阔的草原上, 还是在浩瀚的大海中, 是在无边的荒漠里, 还是在茂密的丛林中, 是在灿烂的阳光下, 还是在幽静的夜晚, 是在夕阳中, 还是在晨雾中等。只有这样才能对作品演唱情绪和情感做出一个准确的定位, 完成整体构思的艺术处理。

六、歌唱艺术中对比的艺术处理

对比的艺术处理手法在歌唱中是为了更好地表现作品的情感与思想内容。歌唱艺术中应从诸多方面进行对比的艺术处理手法。一是作品情感内容上的对比, 例如:爱与恨、乐与愁、怒与喜的不同表现。二是作品结构形式上的对比, 例如:可以从作品曲式结构的段落之间、从作品中调性变化的色彩上进行对比, 还要从速度的快慢, 力度的强弱, 节奏、节拍的轻重等诸多方面都进行对比。任何对歌曲作品在形式上或内容上的对比处理, 都是相辅相成的, 只不过不同的歌曲在处理手法的侧重点不同而已。

七、突出高潮的艺术处理

唱出歌曲作品的思想感情是歌唱艺术最本质的内容, 而高潮是歌曲情感发展的顶峰, 为了更好的展现作品最强烈的感情, 就需要艺术处理——突出高潮。

歌曲中的高潮常具有节奏宽、时值长、高音区、颗粒强的特点, 是作曲家对各种表现手法运用的结果。在篇幅较大、感情变化对比较强的歌曲中均有明显的高潮, 而在结构短小、感情变化不大的歌曲中, 虽有高潮但不明显。歌曲中高潮的布局, 也不尽相同, 有的在歌曲的曲首, 有的在曲尾, 有的在全曲倒数三分之一处, 有的歌曲高潮是一个点, 而有的是一个段落或者一个高潮区。因此首先要弄清高潮在全曲中的布局与所在位置, 要防止无低无高, 高处的平铺直叙, 那样会淡而无味。因此要根据歌曲情感发展的需要、结构特点、思想内容而定。例如, 有的歌曲高潮处, 要做适当的时值延长去表现它;有的要用轻声去渲染它;有的要从力度上去加强它;有的要综合使用各种演唱的高潮的艺术处理, 使高潮成为全曲最扣人心弦的部分。

参考文献

[1]张婉.《高师声乐教学法》.广东:广东高等教育出版社, 2004.

[2]邹本初.《歌唱学:沈湘歌唱学体系研究》.北京:人民音乐出版社, 2000.

[3]尹红.《音乐教学论》.重庆:西南师范大学出版社, 2002.

[4]郭声健.《音乐教育课题研究与写作》.上海:上海教育出版社, 2003.

[5]古帆影.《让学生快乐参与》.中国音乐教育, 2005.