现代舞台灯光管理（通用7篇）
现代舞台灯光管理 篇1
一、舞台灯光的发展历程
戏剧表演诞生初期, 太阳光是最便捷的光源。将晨曦变化用作戏剧背景, 最早见于公元前5世纪古希腊的酒神节和戏剧节。在相当长的一段时期里, 人们对光的利用仅停留在自然光源的层面, 演出多是白天时分在教堂内或露天广场中进行, 没有专门的照明设备。
直到中世纪, 欧洲神秘剧中首次使用了松香、木炭粉末来营造烟火效果, 但太阳光仍是单一的光源。意大利文艺复兴时期, 随着剧场、表演方式的改革, 火炬、蜡烛、油灯等被加入到舞台中。建筑和舞台设计师塞里欧提出透视图法设计理论, 并将舞台台口、沿幕及侧灯等技术设备结合起来展现三度空间, 现代剧场由此开端。
在中国, 早期舞台灯光的使用始于明代, 明传奇有记载, 戏曲《唐明皇游月宫》中首次使用了一种特制的羊角灯——云灯。20世纪初期, 上海、北京等地的舞台相继使用了电光器材, 京剧大师梅兰芳还在排演《嫦娥奔月》时创造性地尝试了追光的运用。到了计算机信息化时代, 原来的油灯被白炽灯, 乃至后来的高压水银灯、天空玫瑰灯、电脑灯等现代舞台灯光所取代, 完成从基本的灯光照明到多样的灯光语言的进化。
二、舞台灯光的类型
除了聚光灯、回光灯、脚光灯、追光灯、天排灯、地排灯等旧式灯光, 还有以下几种新型舞台灯光:
1. 柔光灯:又叫罗纹灯, 漫射范围广, 光线较柔和, 能与舞台环境无缝融合, 常用于近距离光位, 如流动光、侧光等。
2. 造型灯:又叫成像灯、椭球聚光灯, 造型时将光斑变成任意几何形状或图案花纹, 一般用于对人和景的投射。
3. 散光灯:
一种长条形灯具, 由多格组成, 通常有三四种颜色相互衔接, 其光线均匀、漫散面积大, 常用作顶光和正面光照明, 如电影摄影、电视演播中的照明。
4. 光柱灯:
又叫筒灯, 安装方便、价格较低, 广泛使用于人和景的各方位照明, 或直接安装到舞台上形成灯阵, 起到装饰和照明的双重作用, 常见于服装表演的照明。
5. 电脑灯:
上世纪80年代末出现的, 一种由电脑程序控制, 相对灵活的舞台特效灯。与传统灯光相比, 它具有明显的兼容性强、控制灵活、图案丰富、色彩变化纯度高、操作简便、走位精确、旋转角度与光圈大小可调等优点。但它也有不足之处, 如传统灯泡可换大功率灯泡来提高亮度, 电脑灯则需要借助电机、镀色片和镜面等部件方可实现亮度提升, 而且存在散热问题。作为目前舞台上最为灵活、最受关注的灯具之一, 电脑灯在结构形式上大概分为两种, 一种是适合悬挂使用的镜片扫描式电脑灯, 另一种是可以360°旋转的摇头式电脑灯。
6. 投影灯:
用于向舞台天幕打出各种景色画面或特殊效果的智能灯具, 可产生较好的舞美视觉。在服装表演中常用来暗示服装内涵, 或渲染现场气氛, 引导观众理解服装设计主题。
7. 激光灯:
目前比较先进的舞台效果灯之一, 通过光与色的变化来营造空间变换的视觉刺激, 颇具时代感和神秘感, 常用作呈现线条、时空隧道。
三、舞台灯光的运用
1. 灯泡冷时, 瞬间推满灯光可能会导致灯泡爆裂或钨丝熔断, 原因是灯泡壁受热不均或沾染水滴。
使用技巧:先将灯泡处于压光状态进行预热, 水滴蒸发后灯泡壁均匀受热, 再将灯光调至最大。
2. 混淆开关灯控台和硅箱的先后顺序, 会影响灯具的使用安全和使用寿命。
使用技巧:先开灯控台再开硅箱, 先关硅箱后关灯控台。
3. 推亮灯泡时大力摇晃灯泡, 会造成钨丝脱落或折断, 因为点亮灯泡使钨丝发热变软, 受到大力摇晃容易损坏。
使用技巧:推亮灯泡要保持动作轻柔, 拆卸灯泡要等到灯泡冷却。
4. 直接用手接触灯泡, 容易在灯泡壁留下油脂、划痕, 降低灯泡的照明度和光洁度, 沾染汗液甚至会造成灯泡破裂。
使用技巧:戴上手套、塑料袋或用纸包裹来对灯泡进行换装、拆卸, 再检查灯泡的光洁度。
5. 安装换色器时忽略防护网罩, 可能在灯泡爆破时造成碎片飞溅伤人或损害物品。
使用技巧:一方面要做好灯泡清洁, 另一方面要注意安装防滑装置、防护装置。
6. 光束过于聚焦, 会造成物品灼热甚至点燃。
使用技巧:合理调节灯光聚焦, 散光程度可适当加大, 如果亮度不够可相应增加灯具。
7. 灯具与幕布等易燃物摆放得太近, 灯具过热时会灼烧甚至造成事故。
使用技巧:灯光与幕布保持一定距离, 最好在灯具需要摆动的范围外设置一个金属隔离网, 以防幕布等易燃物接触灯源引发事故。
8. 灯泡的功率一旦超过额定值, 会加重灯具负载导致设备损坏。
使用技巧:将功率的设计与使用控制在安全的范围内, 根据额定功率大小来选择使用功率大小的灯具, 给功率限值预留一定的空间。
9. 随意改变额定电压的开关设置会影响灯光电压, 严重者造
成保险和电源的变压器被烧, 因为大部分灯具设置了可选的额定电压开关, 随意更改档位容易与最先设置的保险设备发生冲突。使用技巧:更改额定电压要根据当前电压, 再经过适当的专业推敲合理选取, 对电压的调节也可根据季节的特点作变更。
四、舞台灯光的艺术效果
1. 营造唯美意境
艺术的魅力, 在于意境的传达。舞台灯光, 缔造的是舞台意境, 展现的是舞台灵魂。灯光设备日趋多样化、智能化, 与舞台表演完美融合在一起, 一方面使舞台场景更加美轮美奂, 另一方面使观众如亲历般体验表演中的情感内涵。现代表演, 在光与色的交错中, 营造出一种唯美绝伦的舞台意境。
2. 增加画面张力
舞台画面, 是给观众的第一印象, 灯光是表现舞台画面质感的必备武器。灯光作为对人物和布景的渲染, 是对舞台艺术的润色、打磨, 乃至画龙点睛之笔。灯光在和表演、布景、服装、故事情节等的结合中, 起到美化舞台画面, 使舞台艺术更有立体感和层次感的作用。
3. 表现人物个性
舞台灯光, 被誉为“舞台魔术师”, 既有绚烂的颜色变化, 又有奇特的艺术魅力。在舞美设计中, 利用灯光的角度与色彩的变化, 可以表现人物当时的内心世界, 呈现人物情感的变化。例如, 用火红色表达激昂与豪情;用桃红色描画春风满面、生活幸福、爱情甜蜜;用灰黄色象征忧郁凝重、萧条阴沉。
4. 增加艺术感染力
灯光, 在展现舞台艺术的过程中, 将人们带到舞台表演的精神世界中, 具有传递情感和感染观众的作用。一个成功的舞台表演, 离不开精心设计的舞台灯光, 少了光和色的巧妙结合, 就很难激发人们情感的共鸣。只有将艺术的感染力释放出来, 才能真正实现舞台表演的艺术价值。
5. 表达演出主题
浅议宋代景德镇青白瓷的发展概况
方婷婷1范贺2徐婕3巢昺轩4 (1.2.3.4.景德镇陶瓷学院江西景德镇333000)
摘要:青白瓷是以青中闪白、白中显青而得名, 它创烧于五代, 在北宋时期达到巅峰形成一时的风尚。北宋景德元年 (1004年) 间, 景德镇因盛产青白瓷而闻名于世, 其青白瓷以独具魅力的釉色、造型和纹饰之美而享誉天下, 具有鲜明而突出的美学特征和强大的生命力。本文将对景德镇青白瓷的起源、发展和艺术价值进行探讨。
关键词:宋代;景德镇;青白瓷;发展;价值
景德镇瓷器有着悠久的历史, 青白瓷的创烧, 让景德镇声誉雀起, , 形成以景德镇为中心的青白瓷系, 所谓青白瓷 (又名影青) , 是指釉色介于青白之间, 青中泛白, 白中显青, 胎质细腻, 却体薄透光, 釉面莹润, 滋润清雅等特点。它的釉面像玻璃一样, 透明度也颇高。在所有宋瓷中, 影青是最薄的, 声音也是最清的。它创烧于五代, 在北宋时期达到巅峰, 在唐代制瓷业中, 青瓷和白瓷的占领市场主导地位, 南方主要生产青瓷, 北方主要生产白瓷, 在五代景德镇制瓷业受到北方邢窑、定窑的影响从而开始烧造白瓷, 但是到了宋代, 南方的许多窑场改变了以青瓷为主的现状, 竞相烧造青白瓷, 形成了“南青北白”的局面。
青白瓷的烧造历史长达300多年。它创烧于五代, 兴盛于宋元, 延续到了明清。它是宋代以景德镇为代表烧制的一种瓷器, 它的胎质坚硬细白, 有“素肌玉骨”之称。北宋早期, 由于窑工对窑内气氛掌握的欠缺, 青白瓷釉色微偏黄, 到了北宋中晚期, 青白釉色晶莹如玉, 南宋时, 釉色普遍偏黄。青白瓷是北宋初景德镇工匠在五代青瓷和白瓷生产的基础上根据本地原料的特点和中国广大民众的审美需求的变化而产生的, 同时也受到文人雅客的推崇, 在瓷器市场上风靡一时。它模仿青白玉质和玉色的效果而创造出来的, 有很大的影响力的一种瓷器。
在古代, 景德镇有优质的瓷石, 它们经过人工粉碎、淘洗等工序制成做坯的泥块, 景德镇的瓷工注重瓷胎的加工成型, 使瓷胎致密洁白, 半透明度较好, 经过他们独具匠心, 别树一帜的精湛技艺, 为同期各窑产品所不能比拟的。宋代景德镇青白瓷成型工艺主要有三种:拉坯、旋削、模印。装烧方法上基本上也有三种方式, 它分为仰烧、叠烧和覆烧。五代为支钉叠烧, 到了北宋, 窑工用匣钵仰烧, 但由于它的盘、碗的足部满釉, 口部无釉, 口沿就形成“芒口”, 定窑使用这种方法覆烧了一段时间后, 由于这种“芒口”瓷器不容易被洗涤干净。因此这种方法不被采用。到南宋中期以后, 景德镇受定窑装烧工艺的影响采用了支圈复合覆烧法, 这种方法减少了瓷器烧成后的变形率, 也增加了瓷器的产量, 降低了成本, 同时提高了市场竞争率。窑工制瓷工艺的严谨, 器壁薄腻且规格统一, 器形精巧且挺拔, 其利坯技艺及其娴熟, 这也反映出当时景德镇在制作青白瓷上已经有了高超精湛的技艺。因此, 景德镇湖田窑青白瓷, 是宋代以景德镇为代表青白瓷系, 它以其典雅素净成为中国陶瓷史上一朵绚丽的奇葩, 形成了宋瓷窑体系中规模最为庞大的青白瓷窑系, 产品远销世界。
在瓷器鉴定方面, 可以判定宋代青白瓷其成型和装烧方法及其重要, 因为不同的成型方法和装烧方法, 也可以看出瓷器在不同的发展阶段有其不同的特点。在器形、釉色、纹饰等方面都有不同的工艺特点, 景德镇青白瓷以湖田窑为代表, 以淡淡的米
以光传情、以光达意, 是舞美设计师匠心独运之处, 所以舞台灯光具有表达演出主题的艺术效果。单一的舞台表演形式, 无法将艺术内涵完全展现, 而要人们主动通过感官去体验, 通过大脑去分析。灯光的运用, 无疑强化了演出主题, 直达人们心灵深处。
五、小结
舞美设计的成功与否, 很大程度上决定于舞台灯光的管理是黄色和浅灰白色为主色, 胎质有洁白细密的小孔, 这和现代瓷器不同, 现代瓷器的胎致密而坚硬, 这可以和现代仿品区别开来。宋青白瓷采用碓碾粉碎, 人工淘炼, 坯体比较粗糙, 所以在很多器物露胎处呈现出微小颗粒。瓷釉的光泽度高, 在釉下刻花纹饰因线条的深浅而留有厚薄不等的釉面, 积釉厚处呈青绿色, 浅处呈青白色, 莹润清雅, 晶莹夺目。其青白瓷的器形有各种食器, 茶具, 酒具等, 雕塑用具等较有特色的器皿有斗笠碗, 瓷枕, 注子, 香炉观音塑像等。它们一般分为两大类, 琢器和圆器, 琢器有立体造型感较强的瓷器, 如瓶、尊、罐等。而圆器比较就是我们比较常见的盘, 碗, 碟等。
青白瓷除了具有胎白、釉润如玉、如冰似玉等特点外, 其装饰方式以刻花为主, 兼有印花、浅浮雕、堆塑、镂空等增加了青白瓷的艺术感染力。划花、印花、雕花都属于同一种装饰手法。北宋初青白瓷无纹饰, 中期至南宋初刻划花, 镂雕, 堆塑褐彩, 篦点及蓖划兴起, 出现了大量的纹饰, 南宋中后期印花装饰大为盛行。花纹在坯体上刻划之后, 再施以一层透明青釉, 入窑以1 200℃以上高温烧制而成。从传世品和大量墓葬出土来看, 有不少此类印花盘碗, 盘大多覆烧, 纹饰题材和布局方法受定窑影响较大。从景德镇现存的遗址调查初步统计, 目前景德镇保存尚好的窑业遗存大约有150多处。南宋时期的窑址数量明显比北宋减少, 在竞争中很多瓷窑不再生产。从窑址的数量和分布上看, 南宋时青白瓷的烧造已呈下坡趋势, 市场竞争和繁重的瓷税最终导致了民窑数量逐渐减少, 并主要向镇区和湖田两地集中, 这也为政府管理民窑提供了方便。
青白瓷成就了景德镇, 优越的自然条件, 诸如优质的高岭土, 山区有充裕的松柴, 临近昌江, 便利的水上交通给瓷器运输带来方便, 最重要的是景德镇有技术高超的制瓷工匠, 这些有利的条件是都江南地区任何瓷窑无法比拟的。宋朝景德年间 (公元1004~1007年) , 宋真宗赵恒命景德镇开始烧造御器, 以器底书“景德年制”为款。蓝浦《景德镇陶录》云:此类御器“光致茂美, 四方则效, 于是天下都称之为景德镇瓷器影响面之大, 居宋代六大瓷系之首。青白瓷是对中国青瓷艺术价值的提升, 同时也扩大了景德镇瓷器在世界上的影响力;深化瓷器创作的艺术价值, 青白瓷艺术上的成就更需发扬, 重塑时代精神闻名于世。
瓷器, 是中华民族的伟大发明。宋代的制瓷业呈现出百花齐放, 百家争鸣的黄金时代。宋代以景德镇为代表的青白瓷, 以其恬淡雅致挺拔的艺术风格展现在世人的面前, 让景德镇成为世界人眼中的瓷都闻名天下。
参考文献:
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否科学。舞台灯光, 除了要对舞台有基本的照明作用, 最重要的一点是充分利用照明技术, 通过光与色的有机结合、灵活变化, 来营造艺术化的视觉效果, 为观众带来身临其境般的视觉体验。
参考文献
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[2]何俊.舞者训练与舞台灯光运用[J].作家杂志, 2012 (06) :247-248
探讨现代舞台灯光设计的观赏性 篇2
一、舞台观赏性需求
舞台艺术的重要组成部分是舞台灯光。生活离不开灯光, 舞台更加是依托灯光而存在的。舞台灯光不仅仅具有照明的功能, 而且对于塑造鲜明的人物形象、刻画人物性格更是有着十分重要的作用。舞台灯光仅仅用以模拟自然, 不能够完全再现自然环境, 但是舞台灯光必须要尽量达到最真实的感受。首先是外在的场景, 其次是内在的情感。外在的场景说的是灯光设计者将故事发生的时间、地点等等一些客观存在的场景进行提炼, 使场景能够更加的真实。总而言之, 艺术技巧不能够过度堆积, 只能够进行辅佐。只有完全遵循本来面貌, 在舞台布光时候做到自然, 观众自然而然能够感受到艺术呈现的意境, 享受舞台灯光带来的观赏效果。
二、舞台灯光创作模式
(一) 舞台灯光的形成与发展
我国最早的舞台大概在原始社会, 人们围在火堆旁载歌载舞举行盛大庆祝活动, 这应该就是最早的舞台了, 火堆应该就是最早的舞台灯光。随着社会不断发展, 20世纪, 电灯光源已经被运用与现代舞台表演之中, 这时候的灯光主要是用来照明, 突出角色的。进入21世纪, 人们对舞台灯光的艺术效果有了更高的标准要求, 大量的数控灯具被运用于现代舞台艺术之中, 从老式投影灯到现代先进调光灯等等, 这都为舞台灯光的发展开阔了广阔前景, 舞台灯光也越来越显示它的无穷魅力。
(二) 舞台灯光的创作
在进行舞台灯光创作的时候, 灯光的设计人员一定要对舞台上设备的使用情况以及灯光进行预算, 从而有效地确定舞台灯光设计工程的规模, 同时可以根据舞台灯光所需要的岗位情况, 来确定工作人员的工作内容。灯光设计人员还必须要及时与节目导演进行沟通, 及时掌握节目导演对节目整体的创意、导演的创作意图以及导演对灯光的要求标准, 并且灯光设计人员还必须要与舞台监督、服装等等部门进行合作, 并向有关人员及时了解表演节目的主要内容以及节目的音乐播放内容, 有效提炼节目表演的背景、环境、人物的性格、节目的主旨内容等等。然后, 灯光设计人员还必须要对灯光设计的方案进行说解说, 制定相应的工作计划, 明确出节目表演的具体日程安排。
三、现代舞台灯光设计要素
(一) 舞台光色的情感表达
光色是舞台灯光设计中比较复杂的一个要素。在一些歌舞晚会演出中, 舞台灯光的设计常常要使用光色本身中色相上面的区别, 以及光色在冷暖、明暗上面对比更好地衬托舞台表演的氛围, 有效向观众传递表演的思想感情。舞台灯光不仅仅能够展示舞台艺术的独特观赏性, 还能够有效地体现精神世界, 将观众代入舞台表演的情感世界中去, 对观众进行情感的传递。成功的舞台表演都会有经过精心设计的舞台灯光。人们在灯光环境中能够体味到舞台艺术表演的独特艺术魅力, 舞台灯光设计师使用灯光的流动将现实世界与舞台表演进行融合, 使演员能够通过灯光更好地进入表演世界中去, 感染观众的情绪, 更好地进行舞台艺术表演。通常情况下, 色彩的变化能够引起人们情绪的变化, 使人产生不同的情感想象, 例如蓝色, 总是被灯光设计人员用于承托表演人物忧郁的情绪。
(二) 舞台灯光对于空间感的体现
现代舞台灯光的基本表现元素包括灯光的点、线、面。光点是现代舞台灯光艺术中最基本的组成部分, 在舞台中的体现主要用于独特的光域进行使用, 来突出舞台表演重点、吸引观众的眼光。将光点做有序的排列能够形成一定的动态演示效果;每一个光域范围内都有一个人物, 可以通过灯光的颜色还有强弱变现人物的性格特点。光线在舞台中可以很好地引导观众的视线, 具有引导剧情发展的作用, 有效对舞台环境进行切割, 更好地帮助观众进行理解, 形成十分丰富的舞台艺术效果。光面作为一种铺垫底光, 对舞台环境能够有效进行烘托, 使剧情的发展能够更加的合理化。
(三) 展现舞台灯光技术
在进行舞台灯光设计的时候, 首先一定要强调色彩的对比。一般情况下, 光色的对比主要是通过色调对比、冷暖对比、明暗对比来体现的。使用光色本身在色相上面差别创造出随着节目变换的舞台氛围, 能够有效凸显出灯光的色彩效果, 能够有效突出舞台表演的意境, 使舞台表演中能够不断体现出艺术的观赏性。另一方面, 在进行舞台光色设计的时候, 还必须要严格遵守“主次光”原则, 灯光设计师可以通过突出某一色彩达到弱化其它色彩的目的, 使舞台表演能够有效凸显出主题。一般情况下, 灯光设计是由表演区域为中心, 按照主光、辅光、逆光、测光、定点光等一些功能分级进行调配的, 以便有效保障表演区域范围的光照情况, 使场景能够最优展现。在实际运用过程中, 还必须要对光色的艺术效果进行把握, 保证在舞台灯光中, 主光与次光的对比明显, 有效突出舞台表演的主题。
四、结语
舞台灯光在舞台艺术表演中起着十分重要的作用。由上面分析可以知道, 对于观赏者来说, 在观看表演的过程中, 确实能够感受到舞台灯光所营造的场景氛围, 灯光成为观众与表演者联系的纽带, 使观众能够欣赏到节目的美感。灯光设计师将灯光进行设计不仅仅使舞台效果变得丰富多彩, 更加丰富了舞台表演的内涵, 使舞台表演更具魅力。
参考文献
[1]刘保华.当月亮再圆的时候--儿童剧《彩虹》舞台灯光设计创作浅谈[J].艺海, 2013 (12) :45-46.
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[3]周培玉.浅谈舞台灯光的作用及舞台灯光设计人员的素质[J].戏剧丛刊, 2013 (1) :92-93.
现代灯光技术突破传统京剧 篇3
在以往传统戏曲舞台上, 灯光的作用并没有像现在这样大放异彩。如果中国传统戏曲想在舞台上“走”的更远、更久。就必须寻求一种突破。传统京剧之所以难以改变, 问题就是在于传统。传统的事物是难以改变的, 这是不争的事实。京剧源于清朝, 乾隆年间 (1780年) 的“徽秦合流”和道光年间 (1821年) 的“徽汉合流”开始, 京剧就逐渐走进宫廷、京城。1883年至1918年, 京剧的艺术形式、唱腔、伴奏、服装、道具都已经达到了成熟阶段。现今为止, 已经经历了230余年的漫长岁月, 这么多年的积累、沉淀, 才有了这份有着中国民族特色的表演样式。不是说改动, 就意味着要改掉中国的传统文化。这些正是京剧的特点和韵味。我们要改的虽然也是京剧一贯传统的“一桌二椅”舞台布局形式, 但这是为了给观众视觉上的冲击。让观众眼前看见并在是一张桌子和两把椅子, 而是经过艺术处理过的舞台设计和灯光设计。那么, 传统京剧才会从低迷的困境中“走”出来。要是不寻求突破, 一如既往。那么, 传统戏曲在不久的将来, 必将走进前所未有的绝境。
改变, 不会停留在对舞美设计的改变。灯光在京剧舞台上的作用也要改变。京剧经历200余年而经久不衰是有它存在的道理的。每一句唱腔、每一次调度, 每一个动作, 都是古今京剧大师们通过多年舞台经验总结出的宝贵财富。这些是永远是亘古不变的核心。本身从灯光设计角度出发, 灯光设计中的元素是多样化的, 不同的要素会适合不同的表演形式和舞台效果, 而渲染环境、交待时间、空间划分、内心活动、烘托气氛, 这些舞台效果和戏剧关系在灯光设计中表现出来。而在以往的京剧表演中, 灯光的作用只是停留在舞台照明功能, 几乎没有任何效果处理可言。以往的舞台效果是靠京剧的高度虚拟性来表达, 也就是说观众眼前“看见”的环境效果、时间效果、空间划分, 甚至内心活动都是需要凭空想象的, 唯一的办法是根据演员的唱词和表演交待出去。也就是说, 现代灯光技术与传统京剧的结合, 必须把渲染环境、交待时间、刻画内心、烘托气氛这些特定效果交给灯光设计来交待、述说, 不再以唱词和表演为主。而是以灯光为主, 让观众看的更直白, 观众才回有其余的经历去欣赏京剧演员的精湛表演。
而交待时间、处理空间、渲染环境、刻画内心世界的任务, 有灯光设计原理的几个重要要素完成。
首先, 京剧表演中光色要素的运用, 也是灯光设计中典型要素之一。
色彩本身就是通过视觉传达, 让人们产生不同的心理感受。因为色彩和情绪是不可分割地联系在一起的。比如, 红色传播出热情、愤怒、激情、革命;绿色传播出春天、新鲜、神秘、嫉妒;黄色传播出阳光、权利、光辉、华贵;蓝色传播出冷漠、阴惨、优雅;黑色传播出死亡、阴郁、悲哀、诡秘;而白色会传播出来细腻、纯洁、高尚、和平等。通过色彩可以让人们产生情绪变化的特点。光色也是舞台表演艺术里运用最为普遍的灯光要素。我们就可以运用光色要素对京剧表演中角色的内心世界进行近一步的深入刻画, 让角色在特定的时间里配合一个指定的颜色塑造出内心情感。
而且色彩是有冷暖之分, 而这一点恰恰是可以模拟出自然环境的。正常的自然现象中黄昏时间的色温最暖, 而清晨时间的色温最冷。黄昏时间的色调倾向橙色, 清晨时间的色调倾向蓝色。这些都是可以通过灯光光色原理虚拟出清晨、黄昏的时间氛围。根据人类的视觉模式, 舞台上台口与下台口就意味着东、西之分。如果说, 京剧表演中剧情发展的起点是时间是清晨, 就可以通过上台口位置的灯具投射出蓝色基调的光。这样一来就可以轻松交待出京剧表演的时间氛围。而色彩冷暖对人们视觉也产生不同的影响。舞台上冷色光和暖色光同在一条线上, 冷色光给人“向后”感, 暖色光给人“向前”感的视觉错误。类似这样的要素也是可以对舞台空间进行合理的划分。
其次, 京剧表演中光区、光位要素的运用。
光位就是光的基本方向位置。以舞台中心展开, 分别有:面光、顶光、逆光、侧光、耳光、脚光 (非自然光) 。光线落于被投射物体的部位不同, 产生的光位光线效果也不同。不同的光位投射在同一个物体上, 产生的视觉效果也是不一样的, 给观众的感受也就会不一样。光位也是表达角色内心的重要手段之一。而且, 除了脚光以外, 其余都是可以模拟出自然光。然而, 作为唯一“非自然”光存在的脚光, 塑造人物特征更为鲜明, 一般表现角色特别诡异, 脚光的利用率是最高的。
在传统京剧中, 角色的身份和地位通常是靠着服装表现出来, 并没有其他渠道去处理, 与灯光技术结合, 光位是塑造人物的重点所在, 两个不同性格的人物角色, 可以运用不同的光位区别开来。这样不但不会影响到演员的表演, 而且在把握角色内心灯光较比服装更让观众接受, 给观众的视觉冲击也更为突出。
光区, 对于戏剧舞台是一个特别重要的要素, 大多数的戏剧气氛多者依靠着光区处理。光区对空间划分作用是所有灯光要素中最为突出的。对观众的引要作用相比之下效果也是比较好的, 然而这一作用不会单一适合一种表演形式, 在传统京剧舞台也是可以运用的。在很多京剧经典名段都是有空间气氛“需求”的, 或者远近、或者虚实、或者两地、或者阴阳。类似于这样的舞台效果为灯光设计提供了创作空间。合理地添加灯光要素是必要的, 空间划分效果也是最佳的。
也就是说合理添加灯光设计要素的前提是必须尊重传统京剧的艺术价值。舞台的核心还是演员的精湛表演。并不是每个辅助工作。
现代舞台灯光管理 篇4
1964年,在新中国成立15周年前夕,遵照周恩来总理的批示,我国文艺工作者完成了第一部音乐舞蹈史诗《东方红》的编创工作并获得了巨大的成功。次年,获得各式各样高度评价的音乐舞蹈史诗《东方红》被搬上银幕,成为一部史诗电影。在电影传播的普遍性和传播影响的广度和深度的作用下,《东方红》在全国放映后,引起巨大的反响,真正做到了将文艺事业传播至千家万户。
时隔45年后,中央新闻纪录电影制片厂于2009年步上前人后尘,拍摄了大型音乐史诗电影《复兴之路》。该剧是继《东方红》和《中国革命之歌》之后,第三次把我国的大型音乐舞蹈史诗搬上了银幕展示给观众。
大型音乐舞蹈史诗《复兴之路》是为纪念中华人民共和国60华诞而创排的一台歌舞大剧,是国家政治庆典的重要组成部分,是与国家文化仪式分量匹配的艺术史诗巨作。它生动地重现了中华民族从近代陷入乱世泥淖,到现代革命的独立追求,直至当代复兴的恢宏历史长卷。
在拍摄《东方红》时,为了更好地表现影片气势恢宏的歌舞场面,拍摄场景一部分选择在人民大会堂,其余部分选在摄影棚,前后总共历时一年完成。当时,不论是在实地的人民大会堂还是在摄影棚,拍摄灯光器材都是使用的影视灯光设备。具体说来,当时使用的灯光设备基本上都是5kW回光灯、5kW聚光灯、2kW聚光灯等。
然而,对于电影《复兴之路》,是要求在舞台实景演出环境下完成所有拍摄。这在实际操作起来是非常有难度的。随着现代高科技的发展,现代舞台灯光技术基本上以电脑灯、LED灯为主,而舞台背景又以LED大屏取代了舞台景片的置景模式。舞台的演出是为了给观众更好的视觉效果,灯光设计通常是以演出的主题为基础。因而,若是对表演区域光线来说,只有要求更加靓丽明亮,才能给现场观众直观的视觉效果。但是,放在影片的拍摄上,则有了更复杂的要求。在影片的拍摄上,要求拍摄主体要与环境关系背景效果相融合,每个镜头的拍摄光比反差都有严格的要求,如果按当时舞台灯光效果直接进行拍摄,会出现两种极端:暗部不显现和亮区曝光过度。这无疑给影片拍摄增加了很大难度。
除了现有灯光效果的局限之外,拍摄场景的现实状况限制也给整体拍摄造成很大的障碍。人民大会堂对拍摄的用电负荷有着严格的要求,如果按照电影拍摄要求,所用灯光用电负荷将远远超过其限制,这对于拍摄的影响是极为不利的。灯光如果不处理好,将导致花费在每个场景上的时间被延长。这对于只有13天拍摄周期,且每天只有从早9点至下午4点半的时间进行拍摄的剧组来说,任务极为艰巨。摄制组为了减轻拍摄劳动强度、保证拍摄进度,最终决定采用照度柔和、用电负荷小的美国生产的六管KINF作为主要灯具,再配合舞台灯光,努力使拍摄效果既不失舞台灯光华丽效果,又要与影视灯光的写实用光手法相融合,做到舞台灯光与影视灯光的相得益彰。在保证原有舞台整体灯光设计效果的情况下,灵活结合影视灯光用光技法来完成影片拍摄任务。
在拍摄的设备上,《复兴之路》的拍摄使用的是ARRI535型35mm摄影机,胶片是500T灯光片,胶片曝光控制在f5.6～f8之间。在全景拍摄上,我们对灯光的要求以舞台灯光为主,再用影视灯光作为辅助光。舞台灯光主演光圈在f8～f11左右,群演光圈在f4～f5.6左右,LED大屏幕的光圈在f16左右。而影片拍摄曝光光圈要求f5.6～f8,主演光圈要求f5.6～f8之间,群演光圈要求f2.8～f4之间,LED大屏幕光圈最亮不能超过f11。这就需要舞台灯光师在实际操作上按之前所有设定程序进行一定明暗的增减,按照影片拍摄要求进行调整。在此基础上,我们又在台口正面增加了10台六管KINO FLO,来增加整体面光亮度,做到亮而不曝,暗而不黑,努力达到胶片曝光的最佳值。(图1、图2)
中近景的拍摄上,以影视布光处理方法为主,舞台灯光为辅。在拍摄演员近景和特写镜头时,利用了广告拍摄的布光手法,人物面光主要使用六管KINO FLO作为主光源。此外,再在灯前加用6'×6'蝴蝶布,使得光线更加柔和。其他暗部区域用米波罗柔反加以补充。在演员头顶方向也用6'×6‘蝴蝶布,把舞台其他光线遮挡,用大吊臂安装ARRI 800W钨丝灯作为底子光和逆光。演员背景环境光线处理则是保留舞台灯原有演出效果氛围。做到演员面部的柔美干净肤色还原正常,又与舞台灯光的色温变化相呼应,达到美幻华丽的视觉效果。(图3)
在拍摄主要演员与舞蹈演员演出时,由于大部分镜头以中全画面为主,所以在以舞台灯光为主的基础上,对主演面光进行了细致处理。利用12'×12’蝴蝶布柔片把舞台电脑染色灯投射到主演头部光线加以遮挡,使用六管KINF加柔单独做光。这样,我们就能在银幕上看到前景主演干净柔美与后景舞蹈演员色调丰富华美的灯光效果。(图4)
在大组舞蹈演出时,舞台前方的舞蹈演员与舞台后方高台上和声演员光线反差较大。因而,为了保证整体效果,我们在保证和声演员光线不变情况下,就需要把台上舞蹈演员表演区域光线和LED大屏幕整体照度压低。但在此情况下,前面演员光线曝光就有些不足。所以,要在前台台口增加六台六管KINO FLO,把正面整体照度加以提高,既保证了整体亮度曝光,又保持了原有演出效果氛围。(图5)
现代科技的发展和技术的进步,使得电影版的《复兴之路》不仅仅是简单建立在舞台剧的基础上,也不仅仅是对舞台表演原封不动地简单记录和直接再现,而是要求在原有基础上的二度创作,作为舞台版的很好的补充。毕竟电影在很多艺术呈现手段上是舞台版无法比拟的。它能在叙事情境中采用合唱、独唱、齐唱等多种音乐形式,通过音乐对场景的塑造以及对舞蹈的互动的生动刻画,继而达到对整个舞台的艺术呈现,把作品所有内容以及要传递的精神表现得淋漓尽致。虽然说,电影版《复兴之路》是对大型音乐舞蹈史诗的记录再现,但舞台艺术的光芒并没有掩去电影创作者艺术个性的灵动。配合调动着各式各样的电影技术手段,尤其是对光影技术的灵活搭配运用和创新,使得电影起到了对舞台剧的展现的另一种丰富和扩展。电影版《复兴之路》十分注重舞台剧全景效果,其在表现上更是将电影拍摄技巧运用得娴熟讨巧。电影版《复兴之路》,可以兼顾时间、地点、事件与人物等更多细节的描述与表达,整合各种元素,辅以观众情绪、演员表情、感染力等独特的情感冲击,完美地弥补舞台剧演出中观众不能同时平衡和照顾到的设计。这使得在对这部艺术作品的表达上,更能传递深刻的思想内涵和渲染一种强烈的艺术氛围。
《复兴之路》对灯光的运用可以说是科技综合体的体现,是大型舞台艺术的又一个里程碑,是音效、灯光、舞美、现代科技共同实现的视听盛宴。《复兴之路》虽然是历史、政治导向型的史诗艺术作品,但其中新技术的运用使它深沉中具有高雅的美,更展现现代技术的综合魅力。
谈传统京剧与现代京剧的舞台表演 篇5
传统京剧又称平剧,是中国影响最大的戏曲剧种之一。徽剧是京剧的前身,京剧产生于清朝乾隆年间,是根据徽、汉戏班的二黄腔、西皮腔等不同的部分剧目、唱腔、曲调和表演方法,吸收了一些地方民间曲调而形成的一种新剧种。
现代京剧主要是指五四运动之后至今的所有反映人们现代生活的京剧。受现代观念的影响弘扬民主、自由、平等的生活。
二、分析传统京剧与现代京剧的舞台表演
舞台表演是视觉、听觉、时间、空间四位一体的一门综合艺术(1)。戏剧是由演员扮演角色在舞台上当众表演故事的一种综合艺术。演员通过京剧所具独特艺术表现形式:唱、念、做、打推动整个剧情的发展,对京剧作品进行演绎。对舞台装饰、布置、服装等不做过多的要求。
(一)《贵妃醉酒》唱段的舞台表演
1. 演员的心理活动。
作品《贵妃醉酒》主要描写的是唐玄宗驾转西宫梅妃处,杨贵妃闷闷不乐,独饮闷酒,不觉沉醉,自怨自艾,悻悻回宫的一段剧情。因此作品中杨贵妃的心理活动应该是由期盼唐玄宗的到来到失望,最后自饮自酌喝醉怨恨的复杂心情。
2. 形体表演是京剧艺术表演的重要组成部分。
京剧形体表演的基础:手、眼、身、法、步。又称“五法”。(1)京剧演员的每一个姿势、步法都有严格的规定。剧中,杨玉环的饮酒从掩袖而饮到随意而饮,梅兰芳以外形动作的变化来表现这个失宠贵妃的心理变化过程。繁重的舞蹈举重若轻,像衔杯、卧鱼、醉步、扇舞等身段难度甚高,演来舒展自然,流贯着美的线条和韵律。
3. 声腔的特点。
《贵妃醉酒》的声腔运用的是传统声腔体系——四平调。杨贵妃一角唱腔醇厚流利、嗓音高宽清凉、圆润甜脆、音色饱满、情感表达含蓄丰富。
4. 京剧伴奏乐器分管弦乐与打击乐。
其中,打击乐是京剧伴奏乐器中的灵魂。京剧的打击乐器有大锣、单皮鼓、板、钹、铙等,称为“武场”;管弦乐器有京二胡、京胡、三弦、月琴,称为“文场”。
5. 舞台布置及演出角色的舞台服装、饰品等等。
随着时代的发展,观众要求外在舞台装饰、角色服装、饰品的搭配既要符合剧情、又要美观大方。传统京剧《贵妃醉酒》中的场景布置、演员服饰等都较为传统。宫廷的道具、传统的桌椅摆设与其他京剧中的一样,没有其自身独特性。
(二)《智斗》唱段的舞台表演
1. 演员的心理活动。
《智斗》是京剧《沙家浜》中较为经典的唱段。剧中阿庆嫂以她朴实的本色语言,以及形象生动的比喻,表现了她的革命胆略与融入当地环境的生活情趣。和谐自然,贴切生动;锋芒内含,一语双关。既合乎一位见惯世面、混迹江湖的春来茶馆老板娘的身份,又流露出一位肩负重任、坚忍不拔的革命者的凛然正气。
2. 作品的文学性。
[1]京剧唱词的艺术文学性。京剧冠为国粹,闻名世界。然而,传统京剧场次庸俗,不重视唱词的艺术文学性。现代京剧《沙家浜》,唱词优美,曲尽人情。在文学性方面,具有很高的审美价值。[2]唱词风格。在京剧《沙家浜》中,编写唱词的风格上,力求把传统的戏曲形式与现代的思想和审美观结合起来,并致力于戏曲剧本的“可读性”。在《斗智》一场,阿庆嫂那段精彩纷呈的唱词,字字珠玑,可点可圈。它散发出的浓烈泥土气息,显示了来自民间的乡土文学的醇厚与机趣。(3)声腔特点。京剧起源自秦腔、徽戏与汉调,其实也是地方戏曲的一种变种。以“俗文化”的形式,创作出具有很高文学性的优美唱词。
3. 在服装道具等方面。
现代京剧《沙家浜》发生于抗日战争时期,因此剧中人物阿庆嫂、刁德一、胡传魁等任人物在服装、道具等方面全都是以当时普通妇女、伪军等真实形象塑造出来的,相对具有艺术性。
三、传统京剧与现代京剧是传承的关系
现代京剧在唱腔、板式上有所发展。吸收了交响乐等音乐元素对剧情的渲染是传统京剧难以达到的。现代京剧的唱词为了适应广大听众全部用普通话演唱。在服饰、舞台布景等方面取消了传统京剧的行头,布景丰富了,道具丰富了,程式化没了,不分演唱流派。另外,现代京剧和传统京剧还可以从内容上进行区分,传统京剧多表现历史题材,如《贵妃醉酒》,而现代京剧多反映现实题材,如革命现代京剧《沙家浜》等等。
摘要：京剧作为一门综合艺术也是第一个走出国门,登上国际舞台的最具中国特色的表演艺术,被列为“世界三大戏剧体系之一”。至今分为现代京剧和传统京剧两大类型。本文旨在通过对现代京剧与传统京剧舞台表演的研究,分析二者之间的联系与区别,使人们对京剧的了解更加系统全面。
关键词：现代京剧,传统京剧,舞台表演
参考文献
[1]梁伯龙,李月.戏剧表演艺术[M].高等教育出版社,2004.
现代舞台灯光管理 篇6
只有百年历史的中国戏剧主要包括戏曲和话剧两部分。戏曲是中国固有的传统戏剧,而话剧则是20世纪引进的西方戏剧形式。在中国文化艺术与近代西方文化艺术发生交流碰撞前,并没有现今意义上的“戏剧”,而是一种历史悠久的综合舞台艺术样式,它起源于原始歌舞,经过汉、唐代到宋、金代才形成比较完整的戏曲艺术,它由文学、音乐、舞蹈、美术、武术、杂技,以及表演艺术综合而成,约有三百六十多个种类。它的特点是将众多艺术形式以一种标准聚合在一起,在共同具有的性质中体现其各自的个性,也就是——中国戏曲。
二、中国传统戏剧与古典舞
在我国,最初的祭祀、庆典都是以歌舞的形式来表达。虽说中国古典舞是新中国成立后的新舞种,但是,我国的古典舞追根溯源可谓是博大精深、源远流长。要求训练者的每个动作中手、眼、身、法、步的统一和协调,也讲究动作中的内在呼吸及神韵,并对舞蹈动作的柔韧度和技术技巧有很高要求,这就使得中国古典舞拥有独特的东方式刚柔并济的美感,以及令人陶醉的身韵身段。古典舞体系中所有的肢体动作都是从内在呼吸开始,通过“呼”“吸”“冲”“靠”到躯干到四肢到身体的末梢神经,最后将气息通过末梢神经延伸到远方。
戏剧表演重在“声”“台”“形”“表”。而其中,演员的形体制约更是重中之重。在中国传统戏剧中不乏古典舞的运用,如《骆驼祥子》中的小福子,举手投足间,都有着古典舞的影子。而现代戏剧作品中,也充斥着传统戏剧与古典舞的诸多元素,如中国国家话剧院制作演出的《伏生》《青蛇》等,演员的台词与形体,都有着传统戏剧中的神韵,在长时间的发展演变过程中,中国古典舞形成了一套独具东方韵味的审美特征与美学规范,在动作形式和表现手法上有着独特的要求和讲究。
三、现代舞台手段的运用
中国戏曲中最重要的特征是虚拟性。舞台艺术不是单纯模仿生活,而是对生活原形进行选择、提炼、夸张和美化,把观众直接带入艺术的殿堂。中国戏曲另一个艺术特征,是它的程式性。如关门、上马、坐船、舞枪等,都有一套固定的程式。程式在戏曲中既有规范性又有灵活性,所以戏曲艺术被恰当地称为有规则的自由动作。综合性、虚拟性、程式性,是中国戏曲的主要艺术特征。这些特征,凝聚着中国传统文化的美学思想精髓,构成了独特的戏剧观,使中国戏曲在世界戏曲文化的大舞台上闪耀着它的独特的艺术光辉。
在中国戏剧发展的历史长河中,我们吸收了很多外国戏剧的精髓,在“服化道”与“声光电”的运用上,中国戏剧从戏曲象形意义上逐渐演变到实体意义上,以真实性代替虚拟性,让观众观看和演员演出的过程中,进一步加深了对情景的印象。
四、中国传统戏剧与现代舞台手段碰撞与运用的必要原因
传统的艺术形式之所以能够穿越历史流传至今,在于其所积累的深厚艺术感染力,是经得起时间、空间、艺术文化相互碰撞考验的。但是,孕育着强大力量的“瑰宝”也面临着不同程度的遗忘与遗失。中国的传统戏剧也正面临着这样的考验。如今中国传统戏剧的萧条与落寞,是由于没有更好的舞台手段相之配合,而埋没了它那无法在短时间快节奏的情况下淋漓尽致展现的独特魅力。
如今,很多中国传统戏剧的老艺人拒绝让传统戏剧现代化,是因为现代舞台手段的错误运用。然而这并不代表二者是不可相容的。面对中国传统戏剧急待传承和发扬的现状,融合才是硬道理,让老艺人的心热情高涨起来,年轻人的心沉淀下去,二者相互交融,你中有我,我中有你,共同寻找二者最完美的结合点,让二者的碰撞涌现出巨大的价值。
所以,要改良现阶段的文化表现形式,就必须将中国传统戏剧与现代舞台手段碰撞融合。如此,中国戏剧走向世界才指日可待。
摘要：随着现代社会日新月异的变更,舞台剧逐渐走进大众的生活,并成为人们日常生活中不可替代的解压方式。纵观大小舞台剧作品,经久不衰的中国传统戏剧作品都是反映真实生活,来自于生活最本源处。中国古典舞是新中国成立后的新舞种,它的每个动作中手、眼、身、法、步的统一和协调,也讲究动作中的内在呼吸及神韵。如何在中国传统艺术的两大门类中,使中国传统经典戏剧与中国古典舞有机结合,并加以现代舞台手段的运用,使之戏剧与舞蹈在舞台上迸发出新的活力与价值是本文的主旨。
关键词：传统戏剧,古典舞,现代舞台手段,碰撞,改良,融合
参考文献
[1]金登才.戏剧本质论[M].北京:中国戏剧出版社,1989.
[2]梁国楹,王守栋著.中国传统文化精要[M].北京:人民出版社,2011.
现代舞台灯光管理 篇7
关键词：黄梅戏,《五更月》,灯光设计
安徽省宿松县文脉绵远, 钟灵毓秀。我国三大剧种之一黄梅戏以其动人婉转的甜润唱腔, 清新浓郁的乡土气息, 倍受人们喜爱, 而她的发祥地就在安徽省的宿松县。宿松县地处大别山南麓、皖江之首, 东与望江县共抱泊湖, 西与湖北省黄梅县、蕲春县毗邻, 东北与太湖县接壤, 东南与望江县相连, 南与江西省湖口县、彭泽县隔江相望, 为皖西南门户。历经100 余年的风风雨雨, 宿松县的民间戏班仍活跃于宿松及周边地区城乡之间, 《天仙配》《女驸马》《牛郎织女》《观灯》《打猪草》《梁祝》等三百余个黄梅戏传统剧目至今久演不衰。近年来, 宿松县黄梅戏剧院在继承与创新上寻找结合点, 创作排演了《五更月》《半边月》等贴近群众、贴近时代、贴近生活的新剧目, 相继荣获了国家“田汉奖”、安徽省“五个一工程奖”等奖项。
大型现代黄梅戏《五更月》创作于2002 年中旬, 本剧围绕着计划生育的政策和法规等进行宣传。在安徽省计生委等有关部门的大力支持下, 刘达刚老先生创作的大型黄梅戏《五更月》在淮北市召开的全省计划生育工作会议上献演, 获得与会人员一致好评, 并再度荣获安徽省“五个一工程”奖。在全国县级剧团中, 该剧绝无仅有地获得中国“人口文化奖”。作为灯光设计主创人员之一, 笔者将就《五更月》进行简述。
本剧主要讲述在当年中国的国情特征中, 有两点最为突出;一是农村经济历史悠久;二是伦理观念根深蒂固。农业经济及其孕育的农业文化构成了农村和农民的思想底座, 以这样的基础, 迎接新世纪显然是不相宜的。因此, 中央对农村、农业、农民问题极其重视, 把解决“三农”问题作为党的农村工作方针, 而“三农”问题的典型表现是生产力和生育率的矛盾。《五更月》即以计划生育为切入点, 通过张、万两家对待生育、生产的不同观念和矛盾的冲突、转化, 揭示当代农村和农民稳定低生育水平、提高生产力水平之必要这一重大社会主题, 反映人们尤其是新一代农民在生育观念、家庭观念、生产观念和文化道德观念上的悄然变化。全剧以湖畔养殖场为生活背景, 以计划生育、发展生产为主题, 以张、万两家对一个女婴的“生、弃、捡、救、认”为主线, 歌颂了以彩霞为代表的新一代妇女对待家庭、生育、生产问题的新思想、新道德和解放自己、发家致富、扶贫帮困、建设今天、共创明天的时代风貌。本剧为七幕剧, 其中第一、七幕都是在湖畔养殖场发生的, 二、四、五幕是在张家发生的, 三、六是在万家发生的。整剧的戏剧冲突都是在这三个场景中发生的。在前期考虑本剧灯光设计时, 如何在同一场景下满足不同的戏剧冲突对灯光气氛的需求成为重点和难点。
本剧的舞台设计采用比较传统的镜框式舞台结构, 同景多用, 相同场景通过灯光气氛的处理和演员表演及剧情发展形成不同的气氛变化。本剧的灯光设计在完成舞台写实照度和气氛需要的同时, 还着重考虑以下几个方面:舞美采用“写实为主、写意为辅;虚实结合, 以实为主”的方式, 较逼真地在舞台上再现剧中所需的场景氛围, 同时又对局部和细节加以夸张和提炼, 使之更适合舞台演出的视觉效果。
除二十六个定点光以外, 本剧灯光设计设置一道面光, 面光为2KW回光灯和1KW成像灯, 一组为白光 (2KW回光灯) , 一组为蓝光 (1KW成像灯) 。两组光主要作为日夜场的表演区铺光, 顶光和耳光的设置与面光采用相同的手法。逆光为四道, 选用PAR64、2KW大回光加换色器组成, 对整个表演区进行染色。侧光考虑到舞美的结构, 见缝插针地设置两道PAR64-1KW加换色器进行染色, 充分挖掘灯光的潜在功能, 在光的可塑性上, 光与人物的内在感情, 与剧情的发展, 光的动作结构, 总能以其特有的感染力和感召力, 使人深受震撼, 给人以启迪与联系。我想这才是灯光工作者在戏剧创作中真正的用光之道。
舞台上出现得最多的是“张、万”两家的场景。张、万两家通过真实的手法还原了90 年代初的结构布局和造型, 本剧灯光设计的重要依据就是参照张、万两家的舞台结构进行灯位布局和灯具的选型, 着重处理张、万两家在同一场景下不同的灯光气氛。比如三场夜晚, 张父、万母正在各自的客厅摇摇篮, 看着摇篮中的孩子, 二人各怀心思对唱。这场戏我是用深兰色和浅兰色来进行环境光渲染, 四盏2KW大回光 (橙红色) 逆向打在张、万两家的厅堂, 36 度成像灯切割成一个长方形, 分别从两个摇篮的顶部直打在摇篮上进行定格, 再用两盏成像灯从一面光给张父和万母进行补光。随后张父、万母隐去, 万家女儿彩霞、张家媳妇寒香面对着摇篮对唱, 彩霞想找寒香, 而寒香也想找彩霞, 二人怀着同样的心理走出各自的家门, 来到池塘边, 寒心闪烁, 月芽弯弯, 二人坐在池塘边上交心, 这时舞台的天幕中心出现一个圆形的大月亮, 两盏大回光逆向打在两人身上, 两人见面的一刻, 演员的表演全由“时空光”进行定格。