中国音乐发展

中国音乐发展（精选12篇）

中国音乐发展 篇1

中国音乐至今已历经几千年的历史, 而在近两百年中, 伴随着中国社会的改革与对外接触地逐渐频繁, 西方音乐作为一种文化形式被引入中国, 对中国本土音乐的影响日益明显。中国音乐发展也在几经争扎与蜕变之后经历了不少音乐回潮和融合, 经过几代人的传承与发扬, 逐步走出国门迈向世界舞台, 并绽放出了自己独特的光芒。

一、中国音乐的发展现状概况

追溯历史, 中国的现代音乐或者说专业音乐算起来也只有仅仅的一百年的历史, 而就是在这一百年当中, 中国音乐的发展之路也有着不少光彩之处, 结果是让人振奋与欣喜的。总结起来中国的音乐之路大致经历了以下几个阶段:

(1) 晚清时期, 专业音乐启蒙

这一时期主要表现随着新式学堂建立而兴起的歌唱文化——学堂乐歌在中国初步发展, 第一批留日的知识分子学成归来后将一种新的音乐理念带回国内, 这为中国音乐的发展起来到重大影响。也就在那时, 国内开始学习新的创作理论, 中国的音乐融入了新的元素和精神。

(2) 民国初期, 学堂乐歌为主的新音乐继续发展, 其地位不断加深

辛亥革命胜利后, 间音乐课开始成为各中小学以及师范学校学生的必修课, 教育家蔡元培提出的“以美育养成高尚之风, 以完成国民之道德”等主张对音乐教育以及新音乐活动的开展起到了极大的推动作用, 在当时的文化气氛下各种文化事业、艺术团体相继建立, 这就又推动了中国社会的新风尚, 为新音乐的传播和发展提供了温床。

(3) 20年代新音乐初步发展

以赵元任、刘天华等一批音乐人才为主在音乐创作方面的尝试为代表为新音乐在中国的发展带来蓬勃生机, 这个时期最引人注意的是专业音乐教育的出现, 这是20世纪新音乐的一大要事, 师范院校设立了音乐科系, 最后又到音乐科系的不断壮大最终形成了在高校中的音乐学院, 而国立音乐学院的成立则标志了新音乐在中国的发展已经开始走上专业化与正规化的道路。

(4) 30-40年代规模空前的抗日歌曲和音乐创作的发展

这个时期的中国音乐出现了更多针对性, 由于当时国情的原因, 很多专业创作都紧密联系着当是战争这一主题, 而中国人也通过音乐的创作抒发自己对祖国的热爱和对侵略反动分子的深恶痛极, 在这时也出了一批音乐家通过创作音乐对整个国家人民发出号召, 如冼星海的《黄河大合唱》, 清唱剧有黄自的《长恨歌》等, 这可以说是对音乐人对民族对国家最好的感情表达形式。在建国后二十年左右里, 专业音乐学院相继建立标志着专业音乐教育在中国越来越规范和普及。

(5) 80至90年代音乐繁荣

随着中国改革开放的不断深入, 中国的音乐也开始紧随时代的步伐从以前的战争主题转向了以表现新中国发展与壮大, 也就是在这个时期, 中国的音乐真正迎来了它的全盛发展时期, 国门向全世界打开, 中国的音乐以更加开放的态度欢迎不同的音乐形式在中国的落地生根, 国人思想的不断转变, 也给予了音乐创作者更多的灵感冲击。港台文化、欧美文化都相继涌向中国, 音乐作为文化形式中的一种也大量地进入了中国。交流不断频繁, 合作越来越深入, 中国的音乐开始出形了越来越多的形式, 中西结合的杂合体在中国受到欢迎。80年代, 学术也出现了现代热, 各种专业音乐院校的师生们倾向并热衷于二十世纪新作曲技法的研究和创作尝试工, 理论研究和创作视野都获得了长远的发展。

中国的音乐在未来的日子里会得到不断发展, 这是中国音乐人喜于乐见的, 而在中国音乐快速发展的同时, 也出现了一系列的问题, 而要妥善地解决和回避这些问题, 保持中国音乐发展的独立性与开放性那么对于保持中国音乐良好的发展趋势我们必须理解:

二、以人为本的音乐创作理念盛行

音乐的发展的高级阶段就是要以“人”为本地进行创作, 中国的音乐与世界其它国家音乐一样从高雅的殿堂逐渐走向社会大众。以反映人民生活, 人民心情以及社会精神风貌的音乐在大街小巷上盛行, 平俗的音乐以其非常高的传唱性和生活特质被广大老百姓所接受和喜爱, 越来越多的音乐在民间获得巨大的成功, 这归因于这些音乐创作的初衷就是为了反映人们真实的生活与真实的社会形态。用一句话来总结这种现象就是如今的音乐已成为人民意志的一种心理表达, 以“人”为本的创作理念体现了音乐是属于大家的。

三、结语

中国的音乐创作目前正处于一个现代化、多元化、包容性、快速发展的时代, 中国的音乐人不论是在创作的技法上、古今文化融合方面、还是在中西文化交流等方面都在不断追求并迎接时代的挑战, 中国的音乐在变革中前进。目前正逐渐进入了一个百花齐放、百家争鸣的发展黄金期, 中国需要多元化的音乐元素, 但是需要时刻保持着中国自己的声音, 中国自己的“词汇”, 真正地把中国“精神”联同世界“精神”融入自己的创作之中。

参考文献

[1]李媛.现阶段中国音乐发展的道路及未来的方向[J].职业技术, 2010, 1.

[2]王欣.中国音乐发展趋势研究[J].文艺理论, 2010年2月.

[3]浅谈中国音乐的发展趋势[J].南阳理工学院学报, 2010年1月, 2 (1) .

中国音乐发展 篇2

一、萌芽与初步繁荣期――夏、商、西周、春秋、战国

我国是世界上音乐文化发展最早的国家之一，其可考历史可以上溯至新石器时代。据考古资料显示，1986－1987年先后在河南舞阳县发现七音孔和八音孔骨笛计18支，其中保存最完整的一支七音孔骨笛用简单指法即可以吹奏像河北民歌《小白菜》这样的曲调，乐律学家推论当时在乐律上已经形成五声音阶。根据10个墓葬的发现，均有骨笛作为陪葬物，说明音乐活动已具有一定的普遍性。经测定的骨笛年代为距今9000年。由此，我们可以有科学根据地说，我国古代音乐文化已约有9000年可考的历史。这些骨笛比1973年在浙江余姚县河姆渡氏族社会遗址发现的骨哨早1000年，说明在我国广大国土上古代音乐发展的不平衡性。在青海大通县上孙家寨发现一只距今约5000余年、有舞蹈图象的彩陶盆这是我国乐舞有悠长历史的确证，可与古籍上记载有关古乐舞的传说相印证。原始音乐的形式是歌舞乐三位一体的乐舞，其中歌唱和舞蹈具有重要地位，节奏因素较为突出。根据史籍记载，从原始社会到夏商周时代，比较大型的乐舞有黄帝的《云门》；尧的《咸池》；舜的《韶》；夏的《大夏》；商的《大蒦》；周的《大武》。

二、交流和融合时期――秦汉、魏晋南北朝

短暂的秦王朝揭开了封建大一统的序幕。它虽然在音乐文化的发展方面并未留下很多业绩，但统一思想，包括开水渠、修长城、统一文字、度量衡等力图规范化的政策措施，却给音乐思想和音乐文化的发展留下了印迹。

秦汉时期，乐器的发展适应鼓吹、相和歌等俗乐形式发展的需要，乐器的发展已经脱离了上古时代凝重、质朴的特点，纤细柔婉的管弦乐器更多的代替了“以钜为美”的钟磬乐。古琴、箜篌、琵琶等弦乐器的发展引人注目，吹管乐器以排箫、笛、羌笛、笳、角等更为突出。

三、高度繁荣时期――隋唐、五代时期

隋王朝自建立到灭亡只有37年时间，是我国历史上最短命的王朝之一。然而，隋朝的建立实现了南北的统一，它所建立的各方面体制和政策对后世则产生了深远的影响。音乐文化的发展也从此步入极其辉煌的阶段。隋朝统治者创立了“教坊”机构；继承了魏晋南北朝以来歌方面的音乐文化成果，建立起“七部乐”、“九部乐”的宫廷音乐体制，将音乐文化的发展建造在多民族音乐并存的基础上；民间散乐百戏的发展受到高度重视。这些开放的文化政策，不论统治者主观动机如何，客观上起到了推动了我国封建社会的音乐文化朝着东西方文明交流的世界性规模发展的作用，其历史意义显然是不容低估的。唐袭隋制。从“贞观之治”到“开元盛世”的100多年间，唐王朝一度成为我国历史上最为强盛稳定的朝代，同时也为文化艺术的高度繁荣提供了良好的社会条件，促使诗歌、音乐、绘画、书法、舞蹈、建筑等文化领域取得了全面的突破。

四、向市民音乐的转型时期――宋、元时期 由于商品经济的发展和城市人口的增加，宋元时期市民阶层形成一股强大的社会力量，适应着市民阶层文化生活的需要，市民音乐的蓬勃发展成为宋元音乐文化的重要特征。

宋元时期市民音乐活动的中心是瓦子勾栏，瓦子也称“瓦舍”或“瓦肆”，是以娱乐为主要内容的商业集中点。宋元时期，城镇的瓦子勾栏非常普遍，规模也非常大。在其中表演的技艺也极为丰富，据《东京梦华录》载北宋末年汴京瓦子中与音乐有关的艺术形式就有小唱、诸宫调、杂剧、舞旋、影戏、说诨话、叫果子等。两宋京师瓦子勾栏与宫廷保持着极为密切地关系。一方面瓦子勾栏受宫廷管辖，瓦子勾栏中的艺人常到宫廷演出；另一方面宫廷艺人也经常到瓦子勾栏中献艺。勾栏艺人与宫廷乐工之间的交流表演，即对瓦舍技艺的提高促进很大，也对宫廷音乐的发展产生了深远的影响。宋元市民音乐活动场所除瓦子勾栏外，茶坊、酒肆、歌楼以及寺庙中的音乐活动也很活跃。被称为“路歧人”的流浪艺人的表演场所更为广阔，街头巷尾随处可见。自南宋时期就已出现了很多民间艺人的行会组织――书会和社会。书会是专为说话人、戏剧演员编写话本或脚本的行会组织；社会是专门从事表演艺术的职业艺人的行会组织。在这些行会组织中，由于文人的参与，对民间艺术的创作水平的提高有非常重要的意义。

五、传统音乐五大类形成和发展时期――明清时期

明清时期，传统音乐中的说唱、民歌、戏曲、歌舞音乐、器乐五大类均已形成自身特有的体系，这是本时期音乐发展的重要的特征。

元代末期，风靡一时的北方杂剧逐渐衰落，南戏在流行中与各地民间音乐结合，派生出来的许多声腔得到了发展。至明代，形成具有代表性的海盐腔、余姚腔、弋阳腔和昆山腔，号称“四大声腔”。其中昆山腔是四大声腔中流传最广、留存时间最长的戏曲音乐。昆山腔是元明时期在江苏昆山民间流传的南戏清唱腔调，明代已有昆山腔的称呼，它能对我国戏曲艺术产生深远影响，魏良辅对昆山腔的改革是极其重要的一个原因。魏良辅的昆山腔的改革，主要是把“平直无意致”的昆山腔改为清柔婉转的水磨腔，同时丰富了乐队配置。而昆山腔真正成为影响很大的戏曲声腔，剧作家梁辰鱼的传奇《浣沙记》也起到很大作用。

六、新音乐的启蒙和发展时期――中华民国时期

新音乐是指晚清以来随着西洋音乐的传入而逐步建立发展起来的、不同于此前中国传统音乐的新音乐。它是清末和近代中国文化艺术的重要组成部分。20世纪前半叶，新音乐以其迅猛之势发展成近代中国音乐的一大潮流。

论中国民族音乐的发展 篇3

关键词：民族音乐 发展

中国的民族音乐文化源远流长，是一种具有独特精神文化内容与内涵的音乐体系，具有鲜明的民族特点。它是以在黄河流域为中心的中原音乐和西域音乐以及外来音乐逐渐融合形成的，一般歌曲以注意表现旋律为主。从夏商周开始,逐渐在旋律音阶上进行调整与改进，由原始间乐重视小三度音程的音调，到春秋战国强调宫、商、徵、羽的上下放大3度的“曾”体系，以“三分损益法”相生五音、七聲、十二律,使中国民族音乐的五声性音乐旋法初具雏形。在我国民族音乐中，一般都是以单旋律的形式来进行表现，运用的和声较少。从唐朝开始，随着人们生活水平的提高，以及外来文化的冲击，民族音乐开始进行华丽的转变。首先在配乐的方面，逐渐取代原来粗糙的编钟等乐器，取而代之的是有着浪漫华丽气息的弹拨音乐，并且受到外来文化的影响，高丽、西域等地音乐开始传入中原，民族音乐开始大融合，丰富了乐曲的种类,为之后民族音乐发展奠定了基础。

一、中国民族音乐所呈现的特点

（一）民族性

我国幅员辽阔，民族众多，由于不同的风土人情而造就了不同的民族音乐。据不完全统计，我国收录的民族歌曲有着30万首，民族乐曲类约400余种，也正因为各民族风格迥异的表现形式，形成了多元化的民族特点。而中国民族音乐作为我国传统文化的重要组成部分，体现出整个中华民族的心理素质与性格特征,是民族精神的象征。

（二）联系性

民族音乐作为中华民族传统文化的重要组成部分，与传统文化有着相互交融，相互联系的特征。中国的诗词，声调音韵抑扬顿挫,在平仄中形成音乐的旋律之美，一般诗词都可以配上音乐，融为一体，例如《明月几时有》，歌词就是苏轼《水调歌头》原文，长短句与音乐的节奏之美完美融合。在民族音乐的表现形式上，歌曲一般都注意旋律的表现性，而在中国的书法艺术中书法家挥动笔的同时有着音乐的节奏与律动，而绘画中的“以形写神”“形神兼备”的思想，也显出音乐的律动，更是证明了民族音乐与传统文化的联系性。

（三）区域性

由于我国面积广大，也因此造就了民族音乐的区域性特点。由于各地方言不同，使得当地民族音乐地方性特点较为显著，许多歌曲中都会融入自己的方言。比如，广西民歌对唱中，一般歌词都是自己的方言，体现出当地的民族特色。各地区受到性格、环境、人文习俗的影响，音乐风格也不尽相同。比如，东北以扭秧歌、二人转为主，西北人民则是信天游的山歌。在另一方面,南北人民性格使然，音乐风格类型差距较大，北方人性格豪爽粗犷，音乐风格较为豪迈，例如《山丹丹开花红艳艳》。而南方人性格细腻温婉，所以音乐风格较为温柔，例如《采槟榔》等。

二、我国民族音乐的发展现状

建国以后，社会各阶层对于中国经济建设有着满腔的热情，这对于民族音乐发展也起到良好的作用，中国的民族音乐在此时有着空前的发展速度，大量具有民族特色的民族乐曲出现,例如《赛马》《喜看麦田千层浪》等作品。在这一时期，人们逐渐改变旧的观念，开始欢迎外来文化的传播，一些西洋乐曲的元素被中国音乐家所借鉴。

然而随着信息时代的发展，越来越多的外来文化开始侵蚀中国本土文化，外来音乐的独特艺术风格和形式吸引了国人的目光。社会上开始出现“摇滚乐”“通俗音乐”“爵士乐”等音乐风格，将欧美、日韩流行的音乐形式大加褒扬,并且由年轻人引领起“吉他热”“电子琴热”“架子鼓热”等风潮。虽然外来音乐文化对我国民族音乐起到创新与推动的作用，但是整体来看是阻碍到民族音乐自身发展的。随着当今社会的发展，人们已经逐渐把眼光投放到外来音乐文化上，年轻人关注的都是港台欧美的流星电子音乐，而根本不关注民族音乐。几千年传承的民族音乐受到现代流行音乐强烈的碰撞，传统的音乐生态环境更是受到外来音乐文化的冲击。纵观如今的民族音乐，已经逐渐被冷落到一边，我国特有的民族文化被人们抛弃到历史的角落，这不得不让我们感到可悲。

三、结论和建议

中国民族音乐是人民群众在长期生产和社会实践活动中集体创造的，它反映的是最底层、最普通人的生活。中国传统音乐经过数千年的发展，积淀了各民族的艺术智慧和创造才能，具备了鲜明的民族个性，在不断的交流和融合中它们相互辉映，相互竞争、衍生发展。同各种其他艺术相同，民族音乐也经历了漫长的发展过程，逐渐融合了周边民族音乐的精粹，演化出了本民族独特的音乐艺术和音乐传统，比如南方民歌的山歌、东北二人转等。

参考文献：

[1] 郝军. 试论中国古筝流派[J]. 福州大学学报(哲学社会科学版), 2006(3) .

[2] 岳莹. 小议中国筝的命名[J]. 佳木斯教育学院学报, 2011(3) .

[3] 岳莹. 汉魏六朝乐府中的中国筝[J]. 南昌教育学院学报, 2011(2) .

（责编 闫祥）

中国音乐发展 篇4

1、双排键音乐演奏手法的内涵及特点

双排键电子琴迎合了人们的需要, 在近20年来发展迅猛, 并逐步发展成为我国的音乐模式、发声手段的新的发展方向, 其动人的演奏效果受到了大量的音乐爱好者的喜爱。

1.1 双排键电子琴的概况和解构

双排键电子琴, 又被称作“电子管风琴”, 也被另外称作ELECTONE。双排键电子琴主要起源于管风琴, 最早是因该乐器与管风琴相似而得名。作为专业型的电子琴和大型键盘乐器, 双排键电子琴的结构十分复杂。双排键电子琴主要是由脚键盘和手键盘构成。双排键电子琴上面有两排手键盘, 有的双排电子琴的手键盘甚至能达到4到5层。其形状多为立式, 下面一排大号的属于“脚键盘”。双排键电子琴的手键盘排列与脚键盘是相同的, 在用手进行演奏的同时, 也可以用双脚或者左脚的脚尖以及脚跟同时进行演奏。

1.2 双排键电子琴的演奏方式和效果

在双排键电子琴的演奏中, 人体多部位的配合是十分重要的。通常, 主旋律主要是靠右手弹奏, 副旋律或者和弦通常是通过左手弹奏的;音量踏板或延音踏板是用右脚控制, 通过右脚来控制双排键电子琴的两个开关和两个踏板, 以此来切换节奏和音色。一组低音键盘通过左脚来在双排键电子琴。同时, 另外双排键音乐演奏还可以通过腿来控制两个开关, 在需要的时候, 一组低音键盘可以同时被双脚控制。一到两个表情踏板是由脚键盘前端右来控制的, 主要负责控制表情、音量、音色等的切换。可见, 演奏一曲, 需要乐曲节奏的快慢、旋律的起伏要与脚的动作保持一致, 实现全身运动, 讲究身体各部位的统一协调, 使全身的力量能够顺畅地传达到琴键和指尖当中, 实现放松与贯通的完美结合, 在展现演奏者自身对于乐曲的独特理解、抒发自身真挚情感的同时, 使得人与琴融会贯通、血脉相连。

2、双排键音乐演奏手法在中国音乐发展中的重要作用

随着当今时代的不断发展和进步, 更新速度越来越快的科学技术等开始改变人们所接触的各类人文环境。总体上来看, 人们的物质生活和精神生活都得到了极大的丰富, 而演奏方面的表演形式和表现手法也显得越来越复杂。在双排键电子琴发展至今的状况下, 我们会在整个大背景下, 发现双排键音乐演奏在我国音乐发展史上的作用是十分突出的。

2.1 有助于键盘演奏方面技法的提升

“正像在整个艺术中一样, 居于统治地位的应当是谐和、协调、相互从属和相互对比, 是各个部分的高度配合一致。”这是前苏联著名钢琴家涅高兹曾经提到的关于指法配合和演绎技巧的著名论断。在双排键电子琴的演奏过程中, 对于“键与指”的协调性配合等都有着十分严格的要求。

个人控制手指的触键能力一般是判断演奏者技法的重要标准, 具体来说, 不同的乐器、具体的演奏情绪、奏法、音乐作品风格等应如何控制, 将成为技法演奏和提升的重要因素。手指的触键能力。由于在演奏过程中, 双排键电子琴通常需要模仿多种乐器的声音, 就会产生“按”、“摸”、“压”等手指的多样运动形态, 同时也将在触键时产生不同的方式, 并在力度、高度、速度、角度、深度等方面产生不同的音效。

其中, 在演奏过程中, “摸”的双排键电子琴奏法能够产生一种听起来显得十分融合的音响效果, 通常会在弦乐的连音时被用到。在运用这一手法时, 手贴在键盘上进行演奏, 在触键的过程中, 连音能够得到有效的体现。在实际操作时, 为了避免音响上的混浊, 手指应当尽量保持短时间的瞬间交叉, 让两个音能够运用手指的重量而形成转换和移动。

由于双排键电子琴的演奏指法技巧等涉及大了指、弦、音等多方面的相互关系, 在琴乐演奏技艺方面构造起了一个十分完善的演奏体系, 并为演奏者们提供了一个堪称理想的框架。

2.2 有助于音乐情感意境的表达

在黑格尔的《美学》当中, 他曾提出了音乐与情感之间的关系, 其中, 他尤其强调情感的表现实质上就是音乐的内容。并提出了“在这个领域里音乐扩充到能表现一切各不相同的特殊情感。灵魂中一切深浅程度不同的欢乐、喜悦、谐趣、轻浮、任性和兴高采烈……乃至敬畏、崇拜和爱之类情绪都属于音乐所表现的特殊领域。”

在双排键电子琴的演奏过程中, 其融入了现代的电子科学技术, 其可以随意展现不同类型、不同风格的音乐类型, 例如宣泄、狂躁的摇滚、气势磅礴的交响乐等等, 双排键电子琴都可以通过不同的节奏、音色、音域等演奏出来, 从而产生不同的效果和节奏, 让情感在指尖和键盘上流动, 产生能够诠释作品情感内容震撼力, 使得演奏更加变得充满生机和内涵。因此, 在演奏过程中, 演奏者在理解乐曲作品的过程中, 应当凭借自身良好的整体修养和素质去把我其准确内涵, 体验审美中的感情和意境, 实现表演美学中所共同追求的“音乐的情感意境”的完美境界。

可见, 双排键电子琴的演奏技巧将极大地促进我国音乐的“趣”“神”“意”的审美要求, 最终达到“此皆以音之精义, 而应乎意之深微也”的目的。

总之, 双排键电子琴在表现音乐深层次内涵的过程中, 其技法和情感都占据着十分重要的地位, 而这两方面将对我国音乐事业的发展产生重要的作用, 并成为音乐表演领域的极为重要的组成部分。在这一过程中, 我们应不断借鉴中国古代音乐中的理论, 不断探索双排键电子琴的演奏理论和实践方式, 共同创造出新世纪音乐发展的新纪元。

摘要：随着数字化时代的到来, 键盘音乐文化与高新科技已然密切地结合在一起, 从而产生了双排键电子琴或者电子管风琴。这种电子琴以即兴演奏、多层次的手键盘与脚键盘基本功练习、音色与节奏编配等形成自身的特点, 形成了自身独特的现代音乐理念和指法训练的体系等等, 在中国音乐发展史上占据着十分重要的地位。本文通过对双排键音乐演奏手法的内涵、特点等进行了分析, 并探究了它在中国音乐发展史上的重要地位和意义。

关键词：双排键,音乐演奏手法,中国音乐,意义

参考文献

[1]丛铁军, 王朝刚.即兴演奏能力培养的理念与思路[J].星海音乐学院学报, 2005.9.

中国现代流行音乐发展史1988 篇5

中国流行音乐在1988年说这一年是飞碟唱片的风光年一点都不为过, 年初打出的第一张王牌是标榜浪子形象的新人——王杰, 他桀傲不驯, 冷酷孤独的神情, 竟也掳获了广大男性与女性歌迷的喜爱, 男性喜欢他大概是因为他唱出了他们的心声, 女性喜欢他则有想要保护他, 更了解他的成份在吧!王杰的成功是形象与歌声搭配成功的最佳典范, 依此模式, 飞碟又推出第一张专辑就成绩不错的叶欢, 搭配单元剧“孤挺花”唱出主题曲“放我的真心在你的手心”, 成绩更上层楼;而在当年六月份, 一部描写叛逆青年成长历程的电影“菜刀与六个朋友”开创了类型电影之先河。

飞碟唱片为搭配这部电影, 集结了旗下六组人马, 包括娃娃金智娟, 知己二重唱...等人, 推出了“六个朋友”合辑, 专辑的A面是该电影主题曲与插曲, B面则是这些歌唱组合的其他单曲, 片中一首“以为你都知道”感人的旋律, 高亢的声音(很像Air Supply的主唱), 首先引人注意, 当歌曲的MTV在电视上播出时, 大家更是惊为天人, 就是这个又高大又英俊的帅哥吗 ? 真是太perfect!结果让大家有点小失望了, 不是他!而是另外一个充满稚气与傻劲的大男生——张雨生, 随著汽水广告在暑假中强力放送, 他的另一首歌“我的未来不是梦”, 歌词中“我的未来不是梦, 我认真地过每一分钟”以健康活力为诉求, 像口号一般地唱遍大街小巷, 更震憾了台湾社会从上到下人心大动, 向上提昇, 张雨生也顿时成为许多励志演讲会邀请的热门演讲者, 而更多人则期待著他赶紧推出个人专辑, 未令大家失望, 在十月份, 他的首张专辑推出,延续歌迷希望看到他深情与健康的一面, “跟著我”,“和天一样高”仍有著年轻人血脉澎湃的活力在, 而“天天想你”感人的表白, 令人动容的情怀, 则得到更多歌迷青睐, 然而这真的是他要的音乐吗? 双子座的张雨生是不甘成为偶像的, 因此他开始挣扎於流行音乐与实验音乐之间, 也开始体会出真正玩音乐是很孤独的!当时张雨生是相当受到欢迎的, 连他要当兵都成了头条新闻, 相形之下, 同为创作才子, 以“马不停蹄的忧伤”挑战罗大佑的黄舒骏受到的关怀就少很多!

滚石监於飞碟唱片陆续攻城掠地, 不甘示弱, 他们也推出了创作歌手陈昇的首张专辑“拥挤的乐园”以及辑“美丽新世界”, 其中最为成功的当属张洪量的单曲“你知道我在等你吗?”, 他唱出了许许多多单恋男子的心声, “莫名我就喜欢你, 深深地爱上你”, 也莫名地传唱开来, 成为经典;此外另一男声受到注意, 则是赵传, 他声音之好令人期待;专辑部份刚加盟滚石的陈淑桦颠覆以往柔情形象, 在李宗盛的打造下, 以都会女子代言人的新形象唱出都会女子三部曲第一部——女人心, 主打歌“那一夜你喝了酒”,“别说可惜”, 成为该类型产品中的第一品牌;周华健“我是真的付出我的爱”再创佳绩, 应拜小虫够锐利的词曲, 这张专辑中好歌连连, 如“寂寞的眼”, “摆渡人的歌”, “没有你伤心”等, 也难怪他会红!

同时期以“驿动的心”, “一世情缘”重获市场肯定的姜育恒再以翻自日本排行冠军歌曲的“跟往事乾杯”轰动歌坛, 也因为他的成功, 一向标榜原创音乐的飞碟公司食髓之味, 带动起翻唱之风, 更甚的是在年底推出了全盘模仿自日本少男偶像团体少年队的小虎队, 以“青苹果乐园”一曲掠夺了一大片尚未被开发的真空地带, 小虎队这一成功势必又将引发一阵跟风, 果不其然, 什麽龙龙三人组, 滚石小子, 少女队纷纷出笼, 只是这些缺乏先机的团体大都出过一张专辑後就不见踪影了!

中国音乐发展 篇6

【关键词】西方音乐教育 ； 中国音乐教育 ； 发展形势

【中图分类号】G64 【文献标识码】B 【文章编号】2095-3089（2015）15-0156-01

音乐教育有利于学生心智的开发，西方教育早已将语言教育、数学教育和音乐教育作为中早期素质教育的核心，音乐教学的功能被不断开发。目前我国音乐教育随着新教改的实施不断改进和完善，对于音乐教育还处于探索期间，在结合西方音乐教学的核心理念和我国音乐教学的实际情况出发，创建一条适应我国特殊环境的音乐教学发展道路。

一、西方音乐教育的概述

1.西方教学框架

西方教育中音乐教育已经成为教育体系的重点教学内容，西方的教育体系主要分为文化传承教育、科学知识教育和心智培育教育三大部分组成。文化传承教育主要以语言教育的形式传授，早期以本国的语言教育为重点，随着学生知识的积累和成长，逐渐加入他国的语言教育，从而在早中期教育中为学生打下社会、历史和文化的基础；科学知识教育是以数学教育为核心，建立学生的简单的逻辑思维，随着学生知识的成长，逐渐加入物理、化学和生物等课程，为学生积攒自然科学知识和培育严谨的逻辑思维；心智教育则是以音乐教育为核心的教学，将音乐与哲学、心理学和社会学等相结合。

2.西方音乐教学法

西方音乐教学在早期教育中常采用奥尔夫教学法或铃木教学法对学生进行音乐基础教学，其主要强调用肢体、大脑和想象来感受音乐，为学生创建良好的音乐氛围，让学生沉浸在音乐的世界，并引导他们用肢体、语言和表情以表演的形式表现出来，最大程度上激发学生对音乐的兴趣和欣赏能力。随着学生音乐知识的积累和社会认识的加深，音乐教学逐渐成为教学的主流，主要在于音乐是以变化、发展和多元化的形式存在，学生对音乐的体会是具有很强的主观性，可自由的进行想象、创造和延伸。其目标是通过学生的再创造将音乐再度升华，其教育是多元化、百花齐放的局面，并且其艺术与社会的发展紧密相连，不断增加新元素，使其充满活力。

二、我国音乐教育的现状

1.丰富的传统音乐文化

我国丰富的文化遗产决定音乐文化有着悠久历史。音乐承载着各个民族的风情与文化，据记载我国音乐文化历史长达8000多年，曲剧剧种接近400种，曲艺则有400多種，曲目更是多达万首，民歌则是多不胜数，丰富的音乐文化为音乐教学提供丰富的教学资料。但是经济全球化带来的影响，国内外的乡村、流行等音乐挤占我国真正承载民族文化和风情的音乐的市场，很多年轻人甚至没有接触过真正的中国音乐，民族音乐正在慢慢的退出人们的视线，我国政府对音乐文化非物质遗产的保护刻不容缓，在音乐教育中加重民族音乐的教学内容，是其得以传承的一种途径。

2.传统音乐教学的缺乏，西化现象严重

我国音乐教育有着庞大的教学体系，但是当代音乐教学出现一种严重的西化现象，大多数学生更加了解西方的音乐文化和乐器，而对自己国家的音乐文化和乐器却十分陌生，甚至有部分学生对我国的戏曲产生厌烦的情绪，表示无法接受这种艺术，其艰涩难懂也是很大一部分原因，再加上快节奏的生活，很少有学生能够沉下心来静静的欣赏传统音乐的魅力所在。

三、我国音乐教学的发展趋势

我国音乐教学借鉴西方先进国家音乐教学的丰富经验并结合我国音乐文化环境的实际状况，我国音乐教学家认为应该建立多元化的音乐教学体系，从而促进我国音乐教学的进步，使传统音乐文化源远流长。

1.确立多元化的音乐教学理念

我国音乐学者对于我国音乐教育学的发展众说纷纭。有一种说法认为要否定西化现象，坚定我国传统文化的教学与传承；另一种说法是接受西方的音乐文化，顺应全球化的发展，实施文化大融合的教学理念。这两类教学理念都有自己的可取之处，但是也都存在一定的缺陷，我国音乐教学的发展应该结合两种说法，相互融合，取长补短，即在重视民族音乐教学，并确立学生打下民族音乐教学的基础时，再接受西方音乐，建立多元化的音乐教学理念。

2.音乐教学大众化发展方向

我国音乐教学前期更趋向于小众化的教学方式，随着社会的进步，我们发现音乐可以增加我国人民的凝聚力，也是正能量传递的有效途径。人民对音乐的欣赏水平可以从侧面反映一个国家的文化素养的水平。大众化的音乐教学可以对我国全民的音乐文化进行有效的普及，提升我国人民整体的音乐文化水平。因此除了学院的音乐教学，我国还应鼓励民间音乐教学的建立，让更多的人感受音乐的魅力。

3.音乐教学专业化的发展方向

音乐教学的初步目标是我国人民音乐文化水平的整体素质的提升，第二步就是培养专业素养强的音乐创作家，为我国音乐领域增添新的色彩与活力。音乐人才是衡量一个国家教育水平的标准之一。因此要重点建立高校音乐教学的专业水平，在正确教学理念的基础上为学生和教师提供学术交流的机会，增加各地音乐人才接触的机会，相互促进、相互学习，共同进步；同时国家鼓励音乐专业人才加入到音乐教学当中，为我国音乐教学事业提供自己的一份力量。

4.建立音乐院校强大的师资团队

当今音乐院校和师范院校都是音乐教师培育的摇篮。我国音乐院校想要建立强大的音乐师资团队，就要加强音乐院校的专业化和高等师范院校的音乐教学，两者相互结合，才能建立具有专业团队的教师队伍。音乐院校对于教师的要求不仅仅是具备专业的音乐学识，还要具备专业的教育学和心理学知识，以及自身的高雅素质和深厚的文化底蕴，除此之外教师还应具备不断进取的精神和培养下一代音乐人才的责任感。

综上所述，西方音乐教育显然要比我国音乐教育更为系统，我国现今音乐教学的西化问题应及时纠正。借鉴西方音乐完善的教学体系，结合我国音乐教学的现状，在多元化的教学理念和强大师资力量的基础上，建立大众化和专业化的音乐教学。

参考文献

[1]王涌.从西方音乐教育分析中国音乐教育发展趋势[J].新课程（中旬）.2012（9）

[2]李静.中国近现代音乐教育发展特色研究[J].大家.2012（1）

[3]李光伟.新时期中国音乐教育改革现状研究[J].文教资料.2013（13）

中国音乐发展 篇7

美国流行音乐各种流派之间主张的差异之大是很明显的, 但他们有一个共同的特点就是能够和普通民众紧密结合, 无论受众文化水平的高低, 都易于接受。作为一种以消遣娱乐为主的大众文化现象, 其发展和社会发展的脉络息息相关, 俨然已成为美国大众日常生活的一部分。呈现出一种大众性和时代性的特征。对于中国通俗音乐的发展来说, 首先是大众性。大众性的通俗音乐要求内容大多都取材于现实的生活, 用一句俗语来说就是“接地气”, 很多作品以描述普通人的生活和情感为主, 其中包含人生的理想、人生的哲理以及对于一些社会认知的现象等。因为这种内容上的真实性, 所以能够受到普通群众的欢迎, 他们在第一次听的时候, 觉得这首歌说的很有道理, 于是就不自觉的传唱起来。高雅的交响乐和歌剧, 有着大量的音乐美的质素, 对于它们的欣赏, 能够给我们以情感的陶冶和心灵的净化。但是很多优秀的通俗歌曲, 也同样具有这种功效, 而且更为生活化、大众化, 为最多数的人民群众所普遍接受。同时, 因为通俗歌曲的创作和制作较之高雅音乐和大型音乐来说, 较为便捷, 从而增加了通俗歌曲与人民群众之间的亲和力, 觉得这才是真正适合自己的音乐。在这一点上, 通俗音乐者应当更为广泛的深入生活, 创作出真正为老百姓喜闻乐见的作品。

其次是时代性, 由于这种时代性, 促使着流行音乐自身随着时代的变化而不断变化, 一旦人们需要什么样的内容、风格的作品, 通俗音乐市场就会出现与之相适应的作品。改革开放前, 很多人都对香港的音乐有所偏见, 认为香港是文化的沙漠, 歌曲的商业性太浓, 缺乏情感的质素, 但是一首《我的中国心》叫人们完全改变了这种看法。之所以将这首歌作为例子, 是因为歌曲的词作者黄沾先生, 作为一香港人, 其创作的动机更为纯粹, 而不是为了通过歌曲的创作而完成某种政治任务。歌曲创作的起源是1982年, 日本文部省在审定中小学教科书时, 公然篡改侵略中国的历史, 这激起了黄霑的愤慨, 于是和王福龄共同创作了《我的中国心》。歌曲经过张明敏在春晚的演唱之后, 在全国掀起了巨大的波澜, 迅速传遍了祖国的大江南北, 时至今日, 这首歌曲已经成为了通俗歌曲中的代表。之所以能够取得如此巨大的成功, 很大程度上就是因为这首歌曲有着强烈的时代性因素, 有着十三亿中国人民所共有的爱国情感, 所以能够激发起所有人的共鸣。同时因为通俗音乐的创作更为直接和便捷, 能够在最短的时间内得到广泛的情感相应, 这则是高雅音乐和严肃音乐所不能及的了。

二、民族性和世界性的有机统一

“越具有民族性就越具有世界性”。从约翰·施特劳斯的舞曲, 到美国的爵士乐, 都是以其鲜明的民族性而赢得全世界人民的共同热爱, 进而超越时空, 风行全球的。当代又有方兴未艾的“世界音乐”运动, 当你去聆听世界音乐作品时, 得到的强烈印象是民间传统与国际传统的拥抱, 是古朴精神与现代意识的融合。中国民族是一个有着五千年文化发展历史的文明古国, 在文化多元化发展的今天, 如何进行民族文化的传承, 已经成为了国家文化建设的首要问题。中国的通俗音乐, 在某种程度上, 也是民族文化的承载者和继承者, 在经历了外国流行音乐的冲击之后, 逐渐形成了自身的、多元的通俗音乐文化系统。拿去年十分盛行的“中国风”来说, 这些民族风格的通俗歌曲, 他们出现的意义不仅是中国通俗音乐自身需求发展的一种新的形势, 更代表着通俗文化和民族文化的有机结合, 对于通俗音乐和民族音乐的发展都有着重要的尝试意义。《清明雨上》《苏三起解》《荷塘月色》等歌曲, 在形式上丰富了通俗音乐的内涵, 在审美上体现出创作者和演唱者对于民族文化的认同和尊重, 这种认同和尊重的认同者, 就是这些歌曲的欣赏者。民族文化的传播和继承, 也有了一种全新的方式。所以说通俗音乐和民族音乐在音乐中的交融, 不仅分别推动者两者自身文化的发展, 对于整个国家和民族的文化发展来说, 也是一个强有力的推动。既要以民族音乐为本, 同时吸收国际乐坛前沿的东西, 让民族音乐与世界潮流, 传统精神与现代艺术碰撞、交融, 这样才能迸发出最绚烂的艺术火花。

三、树立音乐文化的多元发展观

多元化的审美已经成为了当今主流的审美需要, 开放和多元也已经成为了当今演唱的重要特征。有“月光女神”之称的莎拉布莱曼, 在中国演唱表现, 应当引起中国通俗音乐工作者的重视和反思。她被誉为是横跨古典音乐和通俗音乐的标志性人物。她把美声唱法的各种发声技巧和通俗唱法中的气声唱法浑然结合一体, 依据不同的作品来选择如何搭配两种不同的唱法。时而美声, 时而通俗, 没有固定的模式。如她在演唱《My Heart Will Go On》时, 开始用通俗唱法演唱, 然后慢慢转化为美声唱法中的女高音, 这种融合浑然天成, 古典中散发着新时代的精神, 流行中焕发出经典的力量, 让听者为之沉醉。这一点上中国的通俗歌曲的演唱上也有表现。央视的王牌综艺节目《星光大道》, 先后推出了多位深受群众喜爱的歌手。他们都有着“跨界”的本领, 茸芭莘那能够将《怒江大调》这首民歌唱出火一样的激情, 同时也能将《西班牙女郎》这首西洋歌曲演绎的惟妙惟肖。所以说通俗音乐的演唱要打破唱法的束缚, 建立多元化的声乐审美观念, 培养多元化的演唱风格。要具有的开放的意识、开阔的事业和兼容并蓄的声乐观, 主动进行多种风格的尝试, 凡是正确的、科学的歌唱方法, 都可以为我所用。然后经过自己的融汇和贯通, 形成自己的演唱风格。

四、将通俗音乐教育引入校园

国外的通俗音乐经过一定阶段的发展之后, 产生了很多的艺术性和思想性俱佳的作品, 很多的国家的教育部门认识到的这有优秀作品的积极意义, 同时考虑到学生的实际学习愿望, 将一些通俗音乐引入到学校音乐教育之中, 受到了学生们的普遍欢迎。例如的美国的大学中, 有明确的通俗音乐的鉴赏和演唱的选修课。澳大利亚更是将通俗音乐引入了中学教育中, 成为了教学的重要资源。近年来, 随着国家教育事业的发展, 音乐教育无论是在中学还是大学, 也都取得了长足的进步。通俗音乐已经成为了一项重要的教学资源, 进入到音乐教育来, 受到了中学生和大学生们的广泛欢迎。比如去年在互联网上广泛流传的由哈尔滨师范大学的同学们演唱的《我相信》, 被评为最受大学生欢迎的歌曲之一, 就是因为这首歌曲唱出了所有大学生的心声, “想飞上天, 和太阳肩并肩, 世界等着我去改变, 想做的梦, 从不怕别人看见, 在这里我都能实现。”带有励志色彩的歌词, 加上慷慨激昂的演唱, 这不就是年轻人心声最佳的表露方式吗?很多学校的演唱会上, 都可以看到这首歌的身影, 这首歌曲的意义已经突破了教学资源的范畴, 而是中国当代大学生远大理想和精神面貌的真实写照。所以说, 将通俗音乐引入校园, 不但是通俗音乐自身发展的必然, 更是学生们的实际学习需要。

综上所述, 任何一种艺术的发展, 都免不了要模仿和借鉴, 特别是文化多元化发展的今天, 融合和借鉴已然成为了时代发展的重要趋势, 通过对国外通俗音乐发展的了解, 审视我们自身当前的发展状况, 取长补短, 融会贯通, 才能在新时期下促进中国通俗音乐的发展。

参考文献

[1]. (美) 托玛斯·塔拍著.肖幸译.和孩子们聊音乐.北京.中国广播电视出版社.2009.

中国流行音乐的现状与发展 篇8

一、中国流行音乐的现状

随着改革开放的进程, 市场经济体系下的流行音乐, 在度过了80年代与社会话语的磨合期与广大听众的蜜月期之后渐渐步入常态, 基本能够按照自身规律独立运行, 一个前景广阔的音像娱乐市场渐已形成。但是, 任何事物的发展都是曲线上升的, 流行音乐在其发展过程中也不可避免的经济利益的影响。流行音乐原创力衰退导致优秀作品难产, 法制不彰导致盗版猖獗, 从业者素质低下导致作品格调庸俗、行内丑闻不断, 音乐的价值逐步商业化, 可以直接用金钱来衡量。

从2004年的网络歌曲到2005年的“超级女声”, 对这些“流行”的炒作成为唱片公司的最大任务, 网络歌曲以及“超级女声”的火爆是否与中国流行音乐有益却无人关心。在这期间推出的许多歌曲只考虑到如何吸引人们的注意, 如何可以得到更多金钱上的收益, 却忽略了对于音乐本身的关注。实际上这样的“流行”的背后缺乏真正的音乐态度。粗糙的包装制作早已丧失了音乐的本质, 其实质意义只有策划者们才能获得的充足利益。参赛者大多都是千篇一律的唱一首歌, 千篇一律的用含糊不清的腔调来唱, 而都千篇一律的被刷下来, 没有自己的风格, 只是在学别人。其实说起来当今优秀的歌手还是很多的, 但究竟是什么导致如今的流行音乐萎靡不振?那就是音乐创作的减退, 急功近利的心态导致现在很多优秀的音乐人创作枯竭, 台湾歌手童安格为了出《好日岱》专辑, 专门到内蒙古去体验生活, 以求创作灵感, 而现在的“音乐人”, 没有好的新作品, 就只好翻唱, 这也导致了网络歌曲的横行, 今天这个唱一曲, 明天那个又出一首, 把所有能哼哼成调的所谓“旋律”都谱成曲子, 只求混个名熟脸熟。在近年某音乐盛典颁奖典礼前的记者见面会上, 李宗盛谈到了中国流行音乐圈的诸多怪现状, 他直言不讳地批评:“现在的流行音乐圈, 包括内地、港台在内, 都进入了一个非常困难的时期。

二、中国流行音乐的发展

中国流行音乐的现状是不容乐观的, 但是这并不代表中国流行音乐失去了希望。不能否认的是, 中国流行乐坛还是有一批血液里流淌着单纯音乐的音乐人在默默用功, 正因为他们, 未来的中国流行音乐充满希望。

近10年来, 全球的音乐都受美国音乐风格的影响, R&B和Hip-hop在那已经发展了很长一段时间。虽然这些音乐风格还是不能完全代表华语流行音乐发展的趋势, 但是我们从当下比较受欢迎的歌手及其曲风可以看出中国流行音乐正沿着这样的路线一步一步前进。

比如近来有不少歌曲将戏曲和民乐融入R&B的曲风。比较具有代表的是《梨园英雄》和《心中的日月》。前者感觉有些花哨, 恢弘气度的中国戏曲似乎被处理成了喧闹吵杂的背景音乐, 和着歌手个性十足的哼唱, 让人有说不出的反感, 感觉就像是一出剧本颇为精湛的闹剧。其实这种创意还是值得赞许的, 也是极为讨好的, 只是似乎没有找到恰当的结合位点, 反而给人弄巧成拙的感觉;王力宏的《心中的日月》就比较成功。他把民乐和R&B恰到好处的结合了起来。既增加了歌曲的内涵, 赋予了歌曲全新的灵魂, 也迎合了市场, 对准了歌迷的口味, 可以说这是王力宏在音乐创作上的一次很成功的转型;陶喆的《Susan说》则是把京剧《苏三起解》融入节奏感极强的R&B。前奏的京胡与曲中《苏三起解》片段的运用, 使中国国粹与现代流行音乐恰到好处地融为一体;至于周杰伦, 尽管有很多人对其持否定态度, 批判他模糊不清的吐字, 认为他的音乐根本不是创造, 但不可否认的是, 他在《双截棍》、《龙拳》等歌曲中, 把传统的流行音乐加入说唱音乐的元素, 用中国民族乐器与西方流行音乐曲风调出的新鲜音乐味觉使我们有种耳目一新的感觉。他们的尝试使得中国的流行音乐渐渐吸取了西方流行音乐的营养。虽然这样中西结合的模式现在还处于初级阶段, 但是在中国流行乐坛已经有越来越多的音乐人向着这个方向发展。这种中西结合的模式为中国流行音乐日后的发展奠定了一定的基础, 并将成为中国流行音乐发展的一种趋势。另外, 我们现在处于一个资讯年代, 加上电子科技与电脑的发展, 对资讯的流通交换, 从速度与数量来说都会达到惊人的境地, 音乐的流通速度与数量亦会大大提升, 有助于将不同文化的民族音乐的隔阂减少, 甚而打破。

从当代流行音乐的发展可以看出, 流行音乐正向着多元化的发展。虽仍以情歌为主, 但也出现了许多在反映时代、反映社会、反映人生的深度和广度上进行了更大的拓展的作品。正是由于政治经济诸多条件的变化, 才促成了人对音乐的需求变化;人们对音乐产生了新的需要, 促成了音乐诸多领域和音乐传统的变异。当代的人们在物质生活得到了极大的满足之后, 对精神生活的标准大大提高了, 也因为计划经济像市场经济过渡的趋势下, 人们的生活压力也渐渐增大, 所以, 这一时代的歌曲的种类繁多以适应多种人群的需求, 像八十年代可以一种歌曲统领歌坛很久的情况也越来越少了, 而取而代之的是百家争鸣, 百花齐放的局面。人们对歌曲的要求越来越高, 不仅仅是旋律优美, 歌词动听的歌曲就可以收到大家的欢迎, 广大听众所追求的是创新与发展。在科学技术的迅速发展之下, 各种唱法相结合已经没有任何的技术问题了, 同时音乐电视的形式也越来越得到大家的喜爱。

中国音乐发展 篇9

1 中国民族音乐的产生与发展

我国是一个幅员辽阔、疆域宽广、历史悠久的多民族国家, 各个朝代的政治变迁, 以及我国不同民族的语言文化, 社会政治、社会经济、生产劳动、生活方式、宗教信仰、风俗习惯和文化艺术、人文背景等诸多因素都会对民族音乐的发展产生重大的影响。同时有着悠久而丰富的音乐分化遗产和优秀的传统, 有独特的美学思想, 理论体系和创作方法。由于民族音乐文化长期根植于人民生活的土壤之中, 为人民所喜爱, 在不断的交流、交融、发展中国中, 中国从而形成虽风格迥异却又涵盖整个中华传统的音乐形态。它是以黄河流域为中心的中原音乐和西域音乐以及外来音乐逐渐融合形成的, 一般歌曲以注意表现旋律为主。从夏商周开始, 逐渐在旋律音阶上进行调整和改进, 由原是间乐重视小三度音程的音调, 到春秋战国的强调宫、商、徵、羽的上下方大三度的“曾”体系, 以“三分损益法”相生五音、七声、十二律, 使中国民族音乐的五声性音乐旋法初具雏形。在我国民族音乐中, 一般都是以单旋律的形式来进行表现运用的和声较少, 从唐朝开始, 随着人们生活水平的提高, 以及外来的文化冲击, 民族音乐开始进行花了的转变, 首先在配乐的方面, 逐渐取代原来粗糙的编钟等乐器, 取而代之的是有着浪漫华丽气息的弹拨音乐, 并且受到外来文化的影响, 高丽、胡人、西域等地音乐开始传入中原, 让民族音乐开始大融合, 丰富了乐曲的种类, 为之后民族音乐发展奠定了基础。

2 中国民族音乐的特点

我国民族音乐一般都是运用单旋律进行表现的, 很少运用和声。另一面, 中国民族音乐是人民群众在长期生产劳动和社会实践中创造的, 反映的是广大劳动人民的生活, 因此旋律要朗朗上口, 用单声的旋律就能够表现歌曲内容。

从音乐的构成上来说, 中国音乐是以五声调式为基础的音乐。所谓五声调式, 是由指宫、商、角、徵、羽这五个音组成的调式, 类似于现在简谱中的“1、2、3、5、6”。民族音乐中的六声调式和七声调式是在五声调式的基础上发展起来的。

在音乐的表现形式上, 中国音乐注重音乐的横向进行, 即旋律的表现性。与中国的书法、绘画等艺术一样, 在艺术风格上, 中国音乐讲究旋律的韵味处理, 强调形散神不散。传统的中国音乐作品在旋律进行上常常以单旋律的方式进行, 对和声的运用较少。

中国传统音乐与舞蹈、诗歌等姊妹艺术也有着密切的关系。在古代, 音乐一般都离不开舞蹈, 如远古时期的《六代乐舞》、唐朝的歌舞大曲以及唐宋以后兴起的戏曲音乐都体现了音乐与舞蹈结合古代的诗歌一般分为诗、词、曲三类, 开始都是用来演唱的, 只是后来诗歌的功能有了分化。从现代音乐角度来看, 歌曲的歌词大都是押韵的, 一首好的歌词本身也是一首好的诗歌。除此之外, 我国民族音乐还呈现以下一些特点:

民族性:我国幅员辽阔, 民族众多, 由于不同的风土人情而造就了不同的民族音乐。也正是因为各民族风格迥异的表现形式, 形成了多元化的民族特点。而中国民族音乐作为我国传统文化的重要组成部分, 体现出整个中华民族的心理素质与性格特征, 是民族精神的象征。

联系性:民族音乐作为中华民族传统文化的重要组成部分, 与传统文化有着相互交融, 相互联系的特征。中国的诗词, 声调音韵抑扬顿挫, 形成音乐的旋律之美, 一般诗词都可以配上音乐, 融为一体。在民族音乐的表现形式上, 歌曲一般都注意旋律的表现性, 而在中国的书法艺术中书法家挥动笔的同事有着一月的节奏与律动, 而回话中“以形写神”、“形神兼备”的思想, 也显出音乐的律动, 更是证明了民族音乐与传统文化的联系性。

区域性:由于我国面积广大, 也因此造就了民族音乐的区域性特点。由于各地方言不同, 使得当地民族音乐地方性特点较为显著, 许多歌曲中都会融入做自己的方言。例如《山丹丹开花红艳艳》, 《采槟榔》等。

3 发展我国民族音乐教育的具体措施

没有青少年对民族音乐的喜爱和发扬光大, 民族音乐将会失去它存在和发展的基础。因此, “发展民族音乐教育, 提高民族音乐素养”显得尤为重要。学校责无旁贷地成了弘扬民族音乐文化、振兴民族音乐的主要阵地。在教学中发挥民族音乐教育的优势, 陶冶学生情操, 增强民族意识, 让绚丽璀璨的民族音乐自立于世界之林, 乃是当前音乐教育工作的主要任务。怎样落实呢我认为应主要从以下几点抓起:

以情感教育为主线, 培养学生对民族音乐的深厚感情。通过学习一些带有典型民族风味的歌曲, 在掌握和灌输民族音乐知识的同时, 让学生明白音乐离不开民歌, 民歌是一切音乐创作的源泉的道理, 使学生从心理上崇拜民族音乐, 提高学生对民族音乐的感情。我国民歌浩若烟海, 内蒙民歌的豪放、辽阔, 江南民歌的婉转、秀丽, 陕北民歌的高亢、奔放, 云南民歌的明丽、清新, 新疆民歌的活泼、欢快, 无不给人以美的享受, 从中得到丰富的体验, 体味到各民族的风俗民情和鲜明的地域色彩。学生对这些民歌创作根源的追溯, 会对民族音乐产生由衷的热爱之情。有了这样美好的感情, 就会对学习民族音乐产生浓郁的兴趣, 为学校进一步实施民族音乐教育打下浓厚的情感基础。

以民族音乐的欣赏为契机, 增强学生的体验能力, 体验民族音乐所塑造的意境, 开拓学生的艺术视野, 提高学生的艺术感受力、鉴赏力和创造力, 以学生自我感受为基础, 启发学生展开形象的翅膀, 令学生将民乐与自我的情感认识不断协调起来, 使民乐的欣赏成为学生情感体验的活动, 在此活动中令学生自我振奋、自我感动。教师有意识地选择欣赏曲目, 做到有浅到深、由表及里地对学生实施教育。只有这样, 学生才能怀着由衷的喜悦去吸收民族音乐的营养, 接受民族音乐文化的熏陶。

中国民族音乐是五千年文化的重要组成部分, 是我国宝贵的艺术财富, 在世界上也是独树一帜的文化瑰宝。我们在学习民族音乐的同时, 更应该将民族音乐作为中国传统文化的一个侧面进行剖析, 它折射出来的民族文化能够在一方面代表着中华民族的精神与内涵。而随着向前不断发展的社会, 人们对于音乐的审美与追求也是经过提升到一个新的高度, 因此作为音乐专业教师, 更需要秉承民族音乐的传统, 在基础上传承与创新, 挖掘丰富的音乐文化遗产, 丰富民族音乐文化的内容。要创造一个良好的能够让民族音乐健康发展的环境, 普及民族文化, 让人们了解民族文化的内涵, 让民族文化发扬光大。

摘要：随着信息时代的到来, 中国部分音乐人形成了“西方一元化”的音乐理念, 逐渐冷落了我国自己的民族音乐, 面对着当前中国民族音乐的发展状况, 认真分析民族音乐所面临的严峻挑战, 找出相应的措施, 对于推进我国民族音乐与民族音乐教育的发展与创新具有非常重要的意义。

浅谈中国电影音乐的发展 篇10

中国电影音乐的发展阶段史,大约可以分为四个阶段,从20世纪30年代的左翼文化运动时期,在白色恐怖的战争年代,左翼作家们为挽救中国的文化,想用革命的歌曲来唱醒中国的文化。电影《狂流》展示出对敌人的反抗性思想,继而到后面的《都市的早晨》、《女性呐喊》、《中国海的怒潮》等,使那个年代充满希望与动力,电影里面的主题性音乐就代表了当时人们的思想和希望。电影《十字街头》中的插曲《春天里》,还有《风云儿女》里面的《铁蹄下的歌女》流传至今仍历久弥新。

建国初期的电影《白毛女》中的一系列音乐作品给人们留下了深刻的印象,此后,电影音乐又得到了一个成长的阶段,电影《一江春水向东流》中的歌曲《月亮弯弯照九州》,电影《祖国的花朵》中的《让我们荡起双桨》等歌曲现在也在传唱,特别是《让我们荡起双桨》一歌像是让我们回到了童年那种无忧无虑的年代,渴望长大的那种心情,还有对未来的憧憬,画面感极强。

新中国成立后,电影音乐的发展出现在“百花齐放,百家争鸣”的时期,这个时期充满着浓烈的文化气息,电影艺术家们都争先恐后的展现才华,想为建国十周年献礼,促成了电影和电影音乐的成长,使电影音乐更上一层楼。《青春之歌》是建国十周年的佳片之一,歌曲《共产党来苦变甜》是出自于电影《农奴》中的插曲,歌曲《英雄赞歌》是电影《英雄儿女》中的主题曲,这个时期大多数表达的是对英雄的歌颂和对祖国的热爱之情。

第四个阶段电影音乐的成长就是十一届三中全会以后,改革开放以来,中国的整个经济呈现了大的快速发展,电影音乐也开始添加地方特色或者民族特征之类的音乐及港台流行风。《大海啊,故乡》、《红高粱》、《我爱你中国》等歌曲都是出现在这个时期,这时期的电影音乐更加注重刻画人物形象、渲染烘托主题。中国电影音乐有着极强的生命力和时代特色,同时,中国的丰富文化元素为电影音乐提供了源源不断的艺术素材。

2 中国电影音乐的现状

随着经济的迅速发展,中国的电影音乐要跟上时代的潮流,不仅仅只局限于中国,并且要将中国的电影音乐推向国际化,在世界的舞台上展示中国的电影音乐艺术魅力。

2.1 中国的电影音乐开始与国际接轨

《梁山伯与祝英台》这段悲戚的爱情故事在中国已是家喻户晓,故事中男女主人公双双化蝶,比翼双飞,其中曲子中用大提琴和小提琴这两种西洋乐器完美的展现了剧中的抢亲和化蝶的情节,让听众无不动容,凄婉无比。电影音乐《梁祝》曾走向国际的舞台,得到了国际电影节最佳影片音乐奖。我们的电影音乐不单具有民族特色,更会取其精华,去其糟粕,中西结合形成完美的音乐意境。

2.2 中国电影音乐制作模式科技化

随着电子计算机的到来,我们的生活发生了翻天覆地的变化,通过互联网,我们不仅仅可以了解中国的电影音乐,甚至全世界的电影音乐你都可以在互联网上找到。以前作曲家创作电影音乐的时候大多是人写,嘴里唱,还要自己弹的方式,现在我们有专业的写谱软件,而且音乐制作出来质量更高,不会像以前的那么复杂。

2.3 中国电影音乐的多元化

目前中国电影音乐,不像以前那样的单调,现在不仅包括有民族的,古典的,抒情的,另类等流行的风格,还有三者之间并存的风格,不单单像以前只是用来填补电影的空白之处,现在的电影音乐还要根据时代背景,故事情节,还有桥段的发展手段来把音乐融合在电影之中。采用不同的语言人声出现在电影里,满足各个层次的观众审美需求。像2015年9月30号上映的《夏洛特烦恼》里面有22首音乐插曲,其中还借用电视剧《乡村爱情8》里的主题曲《咱们屯儿里人》,用方言唱出了诙谐的画面感,博得了大家的欢笑,也带动了票房,所以说中国的电影音乐出现多元化。

3 中国电影音乐的发展目标

电影音乐在中国的前景是很宽阔的,随着数字化时代的到来,数字音乐在开辟一个新的音乐领域。要想在中国的舞台上大放异彩,应该要带有鲜明的民族特色,中国电影音乐的根柢便是民族性的电影音乐,中国本就是上下五千年文明的大国,拥有丰富的本土资源,所以说电影音乐在中国的发展必定是民族性的,因为只有民族的,才是世界的,只有扎根本民族的电影音乐,才能走向世界,走向国际。

中国的电影音乐经历了各个时期,每个时期都有不同的电影音乐风格,人们的精神面貌也不一样,中国电影音乐经历过曲折的发展,逐渐形成现在丰富而繁荣局面。中国电影音乐要不断提高水平,需要根植于我们的民族文化,同时,我们也要找寻电影音乐和国际文化的相交点,为创作出更为瞩目的电影音乐而奋斗。21世纪我们的电影音乐文化呈现了多元化趋势,我们也不可以抛开传统的民族性特征的电影音乐元素,而是更好的去创新,去融摄西方先进文化元素,创作出有中国特色的电影音乐,能捕捉心灵深处的震撼的电影音乐,才是电影音乐人的追求,也是中国的电影音乐的目标。

摘要：中国的电影音乐的发展经历了一个曲折的漫长岁月,从简单的模仿西方电影音乐的模式到形成有中国特色的电影音乐是几代中国电影音乐人的不断努力的结果,但是,中国电影音乐如何发展是目前摆在我们面前的重要课题。

关键词：中国,电影音乐,发展

参考文献

[1]罗丽娟.试论电影音乐意境的营造[J].太原:黄河之声,2011(09)

[2]陈永胜.论电影音乐情感渲染的作用[J].贵阳:电影评介,2008,(09).

[3]曾田力等.百年中国电影音乐流变[J].北京:电影艺术,2004,(03).

中国音乐发展 篇11

今年5月26日至31日，第三届“北京现代音乐节”如期而至。本次音乐节由中央音乐学院、中国音协创作委员会和理论委员会、北京音乐台主办，中央音乐学院承办。中央音乐学院王次炤院长担任出品人，作曲家叶小纲任艺术总监。第三届北京现代音乐节总共安排了22场音乐会（包括三场作曲大师班公开教学音乐会、四场打击乐“马拉松”音乐会和其它十五场各类音乐会）；八场研讨会（一场全国音乐院校附中及大学本科低年级作曲教学研讨会，一场原生态民族音乐与当代音乐发展研讨会，六场作曲及作曲技术研讨会）；三场专题讲座，真可谓目不暇接。

关注我国现代音乐下一代的培养

为了中国现代音乐的长足发展和人才培养，本届北京现代音乐节以大力扶植青年作曲家为宗旨，竭力为更多的年轻一代的作曲家提供展示才华的舞台。此次音乐节将全国音乐院校附中及大学本科低年级作曲教学研讨会放在第一天，并在开幕式上首演一台由年龄25岁以下的青年作曲家的管弦乐作品音乐会——花样年华，此外重点推出了3场作曲大师班公开教学音乐会。

现代音乐节期间安排附中及大学本科低年级作曲教学研讨会，一方面说明作曲教育工作者学术视野的扩展，另一方面也说明了研究这一课题的紧迫性。中央音乐学院副院长周海宏教授概括性地提出两大命题：其一，作为艺术的音乐的音响结构的规则是什么？是否存在“放之四海而皆准”的音乐音响的结构规则？西方经典时期所形成的规则是否能够用于当代的创作，是否能够解释现代音乐纷繁的形态，我们的作曲技术理论还应当教什么？其二，如何培养学生对音乐结构音响的想象力和创造力?能够落实到有效的教学上的手段与方法是什么？

对于第一个命题，与会专家一致认为学习前人规则和当代规则都是重要的，音乐创作的教学必须一手抓传统一手面向未来。武汉音乐学院副院长彭志敏提出了让学生“饱食天下、合理用胃”的原则，“饱食天下”是要学生不偏食，尽可能多地摄取前人的创作规律。无调性音乐教学也只有在与调性音乐的对比中才能讲清楚。天津音乐学院院长姚盛昌教授认为：作曲本身是“无中生有”的活动，它的学习过程是必然要了解前人和同代人是怎么创作的。基本的音响组合方式是学生必须掌握的。

第二个命题更多属于教育学的范畴。姚盛昌提出必须跳出前人的经验，不要妨碍学生创造力和想象力的发展。在教师与学生交流中提倡师生平等，在经验的传承中不要扼杀学生的创造性。彭志敏提倡寓教于乐和有教无类的教育观，他认为要让学生“愉快地进食”，在快乐教育中学习音乐的创造，学生没有在学习过程中感到快乐就会对学习的目标产生怀疑，也就不容易坚持学下去。沈阳音乐学院副院长范哲明教授认为作曲教学的终极目的是教会学生认识事物的方法，独立思考的能力，学会了思考才能学会创作。中国音乐学院高为杰教授认为从招生环节上降低对学生文化课的要求，这对学生的培养是无益的，必须加强作曲专业的通识教育，现行课程的实施过程中能否达到应有的效果还值得考虑。学校交给学生的应当是经过历史检验的有价值的东西。要坚持多元发展观，要让学生找到适合自己发展的路，不要都挤到交响乐创作这一条路上来。中央音乐学院附中作曲学科主任刘长远教授提出了“反对保姆式教育、反对孤儿式的教育、反对教师不包容的审美观、反对把个性音乐的写作凌驾于其它音乐写作之上、反对急功近利式的教育”。

三场作曲大师班公开教学音乐会为评委、学生和观众提供了一个相互交流的场所。音乐节从美国、英国、奥地利和国内各地聘请了二十多位著名作曲家和教授，针对学生的作品逐一点评。其中有些学生显然已经具备了驾驭较大型作品的能力，其作品也显得很有想象力，获得了专家的好评，例如中央音乐学院的杨羽叶的《三重奏——为长笛、竖琴和大提琴》、上海音乐学院房小木的《于涧之中——为小提琴独奏》和王斯的《甜蜜的复仇——为两位乐手而作》，以及中央音乐学院附中李小萌的《无题——为四重奏而作》等。与此同时，专家们更多地是从非常具体的角度来谈创作，例如怎样进行更精巧的配器、结构怎样进一步合理化、高潮的设计等等。由于参加大师班的学生创作年限短，其作品多为习作，难免存在诸多方面的瑕疵。如在每场教学音乐会中，听到最多的点评就是“记谱、标记、术语”的问题（此类问题在上一届音乐节中亦是如此）。

中青年作曲家的创作观念——回归与创新并重

在不同种类的音乐会中，我国中青年作曲家的作品中已经基本上没有了在八十年代的探索时期所表现出的或多或少的对西方的模仿，而代之以多样的风格、充盈的灵性，在创作观念上有所发展、有所回归，并在更高的文化哲学意义上追溯中国文化之根。作品在文化内涵的挖掘、民族乐器性能的开拓、现代创作技法的运用和融合多元文化方面均显出各自不同的优势和功力。

例如，四场打击乐“马拉松”音乐会（分别由中央音乐学院、上海音乐学院、沈阳音乐学院的打击乐团和美国打击乐独奏家Gregory Beyer举办）从5月30日下午一直演奏到晚上，对听众的耳朵来说绝对是一种考验。但就在这种对耳膜的考验中，当年的“新潮音乐”的弄潮儿的许多优秀作品和演奏家们的精湛技艺还是令听众为之兴奋。郭文景的《炫——为六面锣而作》创作于2003年，在感觉上和其前些年创作的《戏》有着渊源关系。虽只有六面锣，但三名演奏者利用各种新颖的演奏技法发出了异常丰富的音响，是一种交响乐思维在打击乐体裁上的显现。瞿小松的《定风波》（1998）正像他当年创作的清唱剧《大劈棺》（主要借鉴川腔及其韵白和吟唱）一样，作曲家善于利用戏曲的韵白、吟唱等素材予以融会贯通。贾达群的《响趣——为五位中国打击乐演奏家而作》（2004）分为钹趣、锣趣、间奏曲、鼓趣和后奏曲五个部分，演奏者钹、鼓、锣的特殊击法造成音色的不同，进而在同类乐器中凸现不同的声部，最后的后奏曲干脆直接采用了京剧锣鼓经，但与前面的几个部分十分融合。

此外，陈其钢的《京剧瞬间》（钢琴独奏）虽在创作技法方面与印象主义、梅西安有着某种渊源关系，但利用京剧素材并加以非常大的变化则令作品呈现出新颖的音响，且具有相当的可听性。赵晓生利用自创的太极作曲系统创作了钢琴独奏曲《太极》，试图将《易经》中包含的辩证因素与现代音集理论结合，在较高的哲学层面上体现了中国文化的独特神韵。叶小纲的《我遥远的南京——为大提琴与乐队而作》（为抗日战争胜利60周年而作）尽显作者乐队技巧的精湛。叶小纲的另外一部作品《客家山歌——足银不使沤成铜》不仅仅是利用原生态的客家山歌作为素材，而是将其进行有机融合，在创作精神上是回归的。

如果说中年作曲家的功力体现在上述力作，《岭南变奏》大型室内乐音乐会则更多地表达了青年一代的作曲家对乡土音乐发展的关注。中央音乐学院王丹红创作的《乐队连环扣》的音乐素材取自传统的五架头音乐《连环扣》，并保持了原曲幽默潇洒的艺术情趣。五架头和民族管弦乐队之间形成淡入、淡出的关系。力求通过多声部乐队语言重新解读民间音乐，音响上既有传统的身影又有现代感。中央音乐学院王斐南创作的《非不-半边“悲怀”——新五架头》，主题采用吕文成的《悲怀》，虽然在乐器配备方面与传统的五架头相同，但通过现代语汇的介入，音乐的内涵发生了变化，用诙谐的方式诠释“悲怀”。青年作曲家常平的《粤风——乐队协奏曲》运用民族管弦乐队从未被明确使用过的乐队协奏曲这种体裁，充分调动乐队各乐器组之间的协作关系，注重风格与技术的有机结合，力求对民族乐队的整体音响变化作一些新的探索。张帅的《珠江小景》将从广东民间音乐中提取的音调素材加以切片化处理，与现代爵士乐和波普音乐节奏相结合，在传统音乐元素贯穿全曲的同时，力图尝试更好地调动民族乐队色彩的丰富性。

原生态音乐会与研讨会——保护与发展并举，为现代音乐节平添多元文化的异彩

原生态文化近年来成为全社会瞩目的热点，此次现代音乐节将原生态音乐加入进来，为现代音乐节的丰富性和多元化又增添了浓重的一笔，使现代音乐节的内涵有了相当大的扩展。原生态音乐研讨会凸现了保护原生态音乐文化的紧迫性，而原生态音乐会向观众展示世界范围内最为本真与乡土化的原生态艺术，并借此探索民间音乐更为广泛的生存空间和更为广阔的发展途径。在日趋经济全球化、文化单一化的当今社会，保护原生态文化不仅仅是保护文化多样性，更深层的意义在于保护文化的基因，保持我们的自我认知，保存好我们自己的“名片”。保护原生态音乐还非常需要政府立法、财政支持、教育制度的改革和技术保障。为此，现代音乐节聘请了中国艺术研究院的田青、蔡良玉、韩宝强三位研究员及中央音乐学院俞人豪教授等作为主讲人，畅谈原生态民族音乐与当代音乐的发展。蔡良玉研究员对UNESCO（联合国教科文组织）“人类口头与非物质文化遗产代表作”项目，以及全世界第一个列入“世界的记忆”名录的音响档案——中国艺术研究院图书馆中最骄傲的藏品——7000小时音响资料的历史价值和处境做了简要介绍，呼吁要学习日本、韩国在保护非物质遗产方面的经验，并在立法、财政、教育等方面加强工作。韩宝强研究员以《二泉映月》为例说明了对非物质遗产的技术性保护的重要性和可操作性，他说：《二泉映月》之所以深入人心，很重要的一点就是技术保护到位。它的音响先于乐谱传播了出去，如果先把乐谱出版，再发行音响就很可能是另外的局面了。技术保护对在变化中的传统音乐也是同样有效的。在硬件上我们要录制音响，并切实保存得完美无缺；在软件上，一定要把原形告诉大家，把传统音乐的每一个变化的过程都记录下来。俞人豪教授认为应当以“乡土民间音乐”来代替“原生态”的称谓，并对音乐的原生态提出了质疑，认为民间艺人应当成为国宝，应当请进音乐学院。 对于传统艺术的保护，商业化传播也是一个办法。田青谈到：今年的“青歌赛”设立原生态组有一个很大的作用，就是让观众看到了我们56个民族不是只有一种民族唱法，而是多彩多姿的。他对现在中国传统音乐的现状是十分担忧的，并认为增加原生态组的意义有三，其一是接续历史，重新找回文化的根。其二是提倡文化多样性，反对只有一种“唱法”。目前我们的音乐教育几乎都用一种所谓“规范的”方式教学，用这种方法“批量生产罐头歌手”的现状应当改变；其三是重新强调艺术的本质，提倡真情，反对科学主义和技术至上论。学习音乐重要的在于抓感觉，把音乐当技术来学就是学了科学而丢了感觉。

“传统是一条河”，而我们在民间音乐会和马兰在黄梅戏唱段展示会上就分明看到了一条流动的“传统之河”。此次音乐节共有印度尼西亚巴厘岛甘美兰乐团音乐会、福建传统南音音乐会和内蒙古民间四胡音乐会三场。甘美兰音乐会不仅展示了巴厘岛人传统的婚礼服饰，其传统舞蹈与多旋律的男声合唱也表达了巴厘岛传统的仪式。值得注意的是该团的器乐曲《Kreasi Baru》和众神音乐-戏剧《Tari Topeng》是现代创作的音乐，使观众了解到这种与宗教仪式紧密联系的传统音乐也在发展变化之中。内蒙古民间四胡音乐会表演了幽默诙谐的好来宝说唱表演和《荷英花》（四胡与潮尔）、《穆色烈》（潮尔与牧笛）等传统保留乐曲，也上演了《狂野蹄韵》（四胡与蒙古三弦）、《摔跤手》（四胡独奏）等新创乐曲。马兰在黄梅戏唱段展示会上简要介绍了黄梅戏的发展历史，认为黄梅戏要想继续发展就必须找到自己的根，找到既属于自己的又让大家都喜欢的东西。随后她用三段作品（距离传统远近依次为传统剧目《花好月圆》、新创作品《越西客栈》和《菩提树》）表达了自己探索的心路历程——希望黄梅戏走出安徽，走向世界，让不同文化的人们了解黄梅戏的美的理念。美国音乐学家梅里阿姆也曾说：人们在强调拯救传统音乐的迫切性和原汁原味地保存它们的必要性的同时，不能无视变化的必然性。当然，发展原生态音乐的方式上，既可以是对传统形式的“移步不换形”式的发展（如上述三场民间音乐会、马兰演唱的新创作品《越西客栈》），也可以是对传统音乐元素的“基因重组”（如《岭南变奏》大型室内乐音乐会、马兰演唱的新创作品《菩提树》）。

文化学者余秋雨的学术讲座以《对一种传统艺术的现代鸟瞰》为题，围绕着中国戏曲音乐的发展历史，强调了在保护和发展的同时要谨防“文本陷阱”和“经典陷阱”。他认为要创作出老百姓喜爱的戏剧。首先要把音乐写好，第二位才是把剧本写好。对于“经典陷阱”，余秋雨认为现在对有些戏剧的“爱护”已经到了“输液、输氧、输血”的地步，这种做法既让戏曲离开了土地，又让它离开了世界的经典。余秋雨进而对中国戏曲发展的现状提出了三点思考。第一是要在戏曲表现题材上注意“人类话题”。人类话题的个性化表述是无穷尽的、简明朴素的、让人心动的。第二是注意“仪式形态”，灌输思想教育不应当是艺术的主要功能。因为观众是最重要的，仪式又是由众人参加的。在仪式中，民众参与艺术的创造、体验到艺术带给他们的快乐是最重要的。第三是加强“游戏仪式”。戏曲艺术应当让人轻松一点、给人以幽默。生活本来没有我们想得那么规整，规整的东西是伪造的。

现代作品音乐会和作曲及作曲技术研讨会拓宽国内现代音乐创作思路

六场作曲及作曲技术研讨会，分别聘请阿勒斯泰·博斯维克（英国赫尔大学音乐系主任）、雷克（美国曼哈顿音乐学院作曲理论系主任）、曾叶发（国际现代音乐协会）、施捷（旅奥华裔作曲家）和旅美的周龙、陈怡夫妇作为主讲人。通过研讨会，国内的现代音乐作曲家、专业音乐院校的学子了解到了英国、美国、奥地利等国家的现代音乐创作概况，以及国际现代音乐协会的基本情况和21世纪现代音乐所面对的问题。几场现代作品音乐会上演了伯恩斯坦的《小夜曲》（小提琴与乐队）、勋伯格的《第一室内交响乐》、布列兹的《节奏》、里盖蒂的《夏天》、吉尔伯特·艾米的《奉献经》弦乐四重奏等老一代现代音乐大师的作品，但更多的是二次大战后出生的中青年作曲家的力作，如雷可·夫汀的《重新分解：背影再写本之二——为钢琴三重奏而作》、沃尔夫冈·里姆的《三首荷尔德林的诗》、阿勒斯塔·巴斯维克的《新月摇篮曲——为钢琴与单簧管而作》、章绍同的《酒狂》（古筝和弦乐四重奏）、温德青的《小白菜》（二胡和弦乐四重奏变奏曲）等等。美国音乐的活力、德国音乐的严谨、英国音乐的技巧、法国音乐的精致和中国音乐的独特韵味都充分显露在这些作品之中。

短短六天的北京现代音乐节应该说在某种程度上反映了我国现代音乐文化的基本面貌。在国内多所专业音乐院校的参与和中国音乐家协会的支持下，北京现代音乐节业已形成了一定的规模，并成为增进国内外现代音乐交流的重要途径和推动中国现代音乐创作、演出和学术研究的平台。对于这个平台能否持续发展下去、能否切实推进国内外交流、能否站在更高的文化层面上发展我国的现代音乐文化事业，我们认为未来的北京现代音乐节将会给予更精彩的回答！

石一冰 中央音乐学院在读博士研究生

中国古代说唱音乐的发展及流变 篇12

一、古代说唱音乐的发展简介

我国古代的说唱音乐有着悠久的发展历史, 自其产生到1840年中国古代社会终止, 在其两千多年的发展历程中主要分为唐代以前、唐代、宋金时期、元明时期、清朝时期五个时期。

1. 唐代以前时期的说唱音乐。说唱音乐的历史可谓是源远流长, 据可靠考证, 早在我国周朝时期说唱音乐就产生了其早期的历史雏形, 但是按照今天的观念来说, 说唱音乐的真正形成是以唐代的变文的出现为其根本标志的, 这也是当前部分人对说唱音乐在我国的兴起以唐代为起点的主要原因。到了宋代, 说唱音乐艺术在我国古代发展过程中已经趋于成熟, 元明时期在前代基础上进一步得到发展, 至于清代说唱音乐艺术发展到了空前的繁荣, 成为当时遍布全国曲种繁多的艺术形式。

近年来有许多研究古代音乐的专家和学者认为我国古代的“说书, 讲史”就是我国古代说唱音乐的最早雏形。的确, 这种边说边唱的表演形式仍然是今天说唱音乐的核心, 也难怪专家学者将其视为说唱音乐的最早雏形。在唐代以前的古代典籍中有许多关于早期“说唱音乐”的记载。汉代刘向所著的《列女传》就有对周代人颂诗的记载;有人还认为作于前238 年战国时期的荀子著作《成相篇》是我国古代说唱音乐的最早形式;又如汉代《乐府》里收录的《陌上桑》、《孔雀东南飞》等大型叙事诗也被很多人认为是早期的说唱;成都出土的东汉说唱陶俑则有力地证明了当时说唱音乐的存在[2]。

2.唐代时期的说唱音乐。唐代经济繁荣、政治稳定、市民阶层进一步扩大、统治者实行开明的文化政策, 这些为说唱音乐在唐代的大发展提供了客观的社会条件。这一时期, 以寺庙里的变文讲唱为标志, 中国古代说唱音乐在唐代正式形成。变文实际上来说是我国最早的说唱音乐家, 变文讲唱则是僧侣们在讲经时穿插进来的佛经故事或者世俗故事, 主要流行于晚唐时期的长安大寺院。现存变文按照其内容主要划分为:演唱佛经故事、演唱历史故事、演唱民间传说三类。其中, 取材于民间故事和历史故事的变文是当时变文的主流, 唐代变文的主要代表有《王昭君变文》、《王陵变文》、《伍子胥变文》以及大家熟知的《孟姜女变文》。

3.宋金时期的说唱音乐。北宋结束五代时期的大分裂而一统天下, 伴随北宋经济的繁荣, 音乐文化艺术也得到较快发展。至于南宋偏安江南一隅, 文人墨客和士大夫聚集的杭州城在南宋时期音乐艺术达到了成熟, 其标志是在杭州等城市出现了说唱艺人专门卖艺的场所——勾栏瓦肆以及文人加入艺人组织的书会为艺人们撰写唱词。北宋流行鼓子词主要代表为欧阳修的《十二鼓子词渔家傲》;南宋流行说书。

4.元明时期的说唱音乐。元代, 蒙古人入主中原实行文化高压政策, 统治集团出于政治需要多次下令禁止民间说唱。但是, 在统治集团的高压之下说唱音乐还是在困境中艰难地向前发展, 只是流传后世的资料较少。

5.清代的说唱音乐。清代康熙、雍正、乾隆三帝在位时期是清朝的鼎盛时期, 社会经济繁荣, 为说唱音乐发展提供了理想的社会土壤, 古代说唱音乐在这一时期迎来了又一个发展的春天。但是鸦片战争以后中国沦为半殖民地, 社会经济陷入低潮, 封建政府趋于反动, 对文化艺术领域采取高压政策, 说唱音乐在这一时期的发展受到了来自于社会环境条件的极大限制。但是到了清末和民国初年, 由于在东南沿海一带民族工业和殖民地性质的工商业得到一定繁荣, 交通的改善促进了城市和区域之间文化艺术的交流, 因而茶楼、戏馆和书场大量出现, 说唱音乐又出现了繁荣局面, 为后来民国甚至新中国时期说唱音乐的发展奠定了基础[3]。

二、古代说唱音乐的流变概述

1. 唐代说唱音乐的流变。唐代是我国古代说唱音乐的成熟时期, 许多说唱音乐的内容及形式都在唐代之前的基础上发生了流变, 从而最终促成了说唱音乐在唐代的成熟。我们知道在战国时期的荀子著作《成相篇》按照说唱音乐的标准来看并不具备说唱音乐的许多特点, 其中的“成相”既没有叙述故事也没有散文说白, 而是古代劳动者所唱的歌, 荀子借以模仿主要是为了表达政治主张。到了唐朝标志说唱音乐形成的唐代变文, 通常是长篇叙事体, 它常常采用韵散结合的艺术形式, 韵文部分通常为叙事, 并且通常采用七言, 以三三句式为主。散文部分通常采用白话形式。唐代的说唱艺术除了有在寺庙流行的变文讲唱以外还有流行于民间的说书形式, 比较著名的民间说书有《一枝花》、《三国》等。

2.宋金时期说唱音乐的流变。宋金时期说唱音乐流变的主要特点是曲种增多, 这一时期主要有:鼓子词、诸宫调、唱赚、陶真和涯词。鼓子词流行于北宋时期, 它以词牌作为演唱乐调, 因主要用鼓伴奏而得名。鼓子词最大的结构特点是一个曲牌在一个节目中只能重复一次。鼓子词分为有说有唱、说唱相间两种形式。南宋说书四家:“小说”“、说经”“、说公案·铁骑儿”“、说史”。其中, 前三种是有说有唱。诸宫调则是宋金时期的说唱体文字形式之一, 出现于北宋, 后流传到中原和南宋的临安等地, 南宋时分为南北两派, 北派以琵琶和筝进行伴奏, 南方则以竹笛伴奏。北派诸宫调又称作“弹词和铉索”。从演唱方式来看, 早期诸宫调用鼓、板、笛等伴奏, 后来改用琵琶等铉索乐器。诸宫调有说有唱, 以唱为主。

诸宫调虽然最终衰落了但是它的许多艺术特点被后来的元杂剧所吸收, 以另外一种方式在古代说唱音乐中继续发展。

3.元明时期说唱音乐的流变。元明时期说唱音乐的流变主要体现在词话、陶真和弹词的发展。元代的词话由于历史的原因没有得到很好的保存, 现今没有完整的古代资料可查, 倒是在元杂剧中大量保存了词话的形式, 元杂剧中的诗赞体的唱词绝大多数都在前面加上“词云”二字, 就明显地体现了这一点。与元代不同的是明代的词话通常是有作品和记载存在的, 例如著名小说《水浒传》最早就是以词话的形式在当时的民间流传的。1967 年在上海出土的明代成化年间的十一本词话作品是到如今为止所见到的最早的词话作品。词话有七言、十言和杂言三种。七言类似于变文, 十言则有“三四三与三三四”两种句式, 三三四句式后来被北方鼓词和戏剧广泛采用。陶真源于北宋而盛于金元, 是流行于农村的一种说唱音乐艺术形式, 陶真根据一些记载是七言诗赞体, 以男女盲人怀抱琵琶为演唱形式, 于弹词无异, 但是遗憾的是陶真没有单独的作品流传于世。弹词源于明代, 是现今江南地区说唱音乐的源头, 弹词与变文一脉相承, 在明代有较大发展, 生活于明末清初的女弹词家陶怀真的诗句:“弹词万本将充栋”, 准确地描绘了弹词在明代的繁荣景象[4]。

4.清代说唱音乐的流变。清代说唱音乐的流变主要表现为弹词的发展, 在清代弹词深化成不同地区的形式并且不同地区的弹词有自己的名字, 这其中又以南方弹词最为明显, 如苏州的叫作苏州弹词、广东福建称“木鱼书”、宁波称“四明文书调”。清代的弹词作品得到较好的保存, 现今我们可以看到的就有《玉蜻蜓》和《三笑姻缘》等作品。清代说唱音乐的发展另一个表现是南方的弹词和北方鼓书类说唱音乐同时发展迅速。清代大鼓又名鼓词, 他们不用词调演唱, 和宋代鼓子词不同。其中京韵大鼓、西河大鼓以及奉调大鼓是清代大鼓的代表, 在满族子弟中还流行着一种“清音子弟书”, 许多文人如罗松窗等都创作了大量的子弟书唱词, 用于大鼓的表演。子弟书对于清代北方说唱音乐艺术的发展起到了极大的推动作用。

说唱音乐是我国古代民间音乐的一个主要门类, 它是一种集语言、文学、表演于一身的古代中国特有的音乐艺术形式。从文化层次的角度来考察它属于大众文化的范畴, 其表演者和观众主要是城市平民、山村野夫, 它虽然也曾经走上过皇宫大院, 但是, 它从本质来讲还是属于实实在在的大众文化范畴。它的表演形式灵活, 内容接近日常百姓生活所以可以吸引各阶层巨大数量的普通百姓, 成为古代中国向百姓宣扬伦理道德、历史知识以及反抗精神的有效手段。从文化传承的角度看, 由于它是传统音乐文化的一个组成部分, 因此它的发展和传播极大地推动了中国文化的传承, 对于中国文化的形成和传承起着不可替代的积极作用。古代中国的说唱音乐因其内容丰富, 独具特色和自成一体而闻名于世, 是我国乃至世界音乐文化的瑰宝之一。同时也是我国古代人民精神娱乐生活中不可或缺的伴侣。

摘要：本文以时间为基本线索, 简要探讨我国古代说唱音乐不同时期的发展特征及流变。如唐代之前的《成相篇》和《乐府》以及宋元时期的诸宫调等等曲种。力求简单中国古代说唱音乐的简要发展历史。

关键词：说唱音乐,古代音乐,唐代变文

参考文献

[1]章钰欣.浅谈中国古代说唱音乐的发展以及特点[J].现代阅读, 2011 (4) .

[2]姚艺君.中国传统音乐基础知识100问[J].音乐研究, 2011 (4) .

[3]张红玉.民族唱法的历史发展及特点[J].北方文学, 2011 (5) .