艺术与科学的关系

艺术与科学的关系（共11篇）

艺术与科学的关系 篇1

长久以来作为促进人类社会发展的两个主要动力,艺术和科学在改变客观世界的同时,也在长期的交流和磨合中不断地调整着二者之间的关系。正如李政道先生所提出的:“科学与艺术是人类不同的文化范畴,是紧密结合在一起的,是一个硬币的两面。科学中有艺术,艺术中有科学,它们的结合和交流符合自身的发展需要,符合人类文化发展的规律。”[1]

一、艺术与科学的概念整合

“科学”在通常意义上可以分为自然科学和社会科学两大类,其中自然科学主要包括:数学、物理、化学、天文、地理、生物、医药等;社会科学主要包括:文化、艺术、经济、政治、军事、历史等学科。科学所包含的内容广阔,“是人类关于自然、社会和思维的综合知识体系。”[2]伴随着生产力的发展,科学在人类社会实践活动中诞生,并根据人类生产生活经验的积累不断地发展前行。在这里我们可以看出“艺术”本身包含于“科学”的大范畴之中,两者之间并无任何壁垒。

“艺术”虽然归属于科学的范畴之内,但它具有很多独特个性。艺术是人类依照美的规律,主观能动的创造精神产品和物质财富的生产实践活动。它不仅是一种创造性的意识形态,更是一个创造性的生产过程。艺术的根本目的在于实现创作者与欣赏者之间的审美共鸣,满足人类心灵对于美的渴求。因此在某种意义上讲,艺术可以逾越科学所确立的秩序和规范,在精神领域弥补人类难以实现的物质愿望。但正因为艺术的这些特性,使其与科学之间仿佛被划定了一道潜在的鸿沟。

二、艺术与科学在历史上的比翼连理

纵观人类文明发展史,“科学”在诸多自然现象中探索其发展规律,寻求现象中的本质,为人类社会改造客观世界提供有效的理论和技术支持,是人类物质生活的创造之源。“艺术”则旨在遵循自然现象中美的规律,探索人类的心灵奥秘,为人类社会的发展提供无与伦比的洞悉力和创造力,属于精神文明的缔造者。艺术与科学之间看似沟壑重重,但它们的形成都源自人类对事物本源的理解,它们的发展都是由人类的创造力所带动的。

公元前六世纪,被誉为美学鼻祖的毕达哥拉斯学派认为:“美是和谐”,他们自如往来于科学和艺术之间,主张把艺术和科学融为一体。该学派在公元前五世纪所提出的“黄金分割”理论如今依然被广泛应用于绘画、雕塑、建筑等艺术领域,同时该理论在工程设计和管理等学科也起着不可忽视的作用。同样,在中国的春秋战国时期,旧的统治秩序被破坏,新的制度逐步建立。生产力的发展导致各国的变革运动此起彼伏,思想文化体系也变得异常繁荣,出现了文化领域百家争鸣的局面。老子在《道德经》第二十八章中讲道:“知其白,守其黑,为天下式。”在字面上可以理解为深知本性的洁白,却要谨守混沌的态势,这将成为天下的范式。这句话同样适用于科学认知领域和艺术创作方面。由此可见当时人类对于自身和外界事物的认识是感性与理性并存的,既追求数理的和谐又重视意象上的博大。这样直觉与理性的有机结合,使艺术和科学在意识形态上浑然一体。

欧洲文艺复兴时期,人类对于宇宙自然的探知伴随着科学家在数学、物理、地理方面的发明和发现进入了一个全新的时代。新的世界观和方法论的形成也对艺术的发展产生了巨大的影响。这一时期的艺术家自然而然地把科技原理贯通于艺术创作之中,使艺术得到了长足的发展,同时也让我们无法准确界定其艺术家或是科学家的身份。例如文艺复兴代表人物达·芬奇,他精通光学、力学、解剖学和机械工程学等,同时也是创作了《蒙娜丽莎》等绝世佳作的艺术大师。达·芬奇在绘画中利用透视学原理,把几何学与画面中的点、线、面关系紧密结合,进一步确立了艺术与科学相互交融的关系。与此同时,在东方的艺术文明进程中,艺术与科学的结合也显得尤为重要。例如产生于北宋,盛行于南宋、元、明,衰落于清中期的理学。广义上的理学意在讨论“天道性命”,即世界的本源、人类的心性来源以及人类认知世界的方法等问题,是中国历史上影响重大的学派之一。理学观点虽然无法直接引导受众发明望远镜来观察天体运动,却可以结合道教思想虚构出一个广袤的宇宙构造图式,这正是人类探索自然过程中一个不可或缺的片段。受理学影响颇深的宋代绘画也从绘画观念的话语构建及形式语言的选择等方面顺应着科学的发展。

另外,无论是作为人类文化瑰宝的仰韶彩陶、商周时期辉煌瑰丽的青铜器,还是追逐自然光色的印象派名作、包豪斯风格的设计作品等,无一不是艺术与科学共同作用的结果。历史证明,艺术仿佛是黑暗世界里的一道光芒,温暖着人类的双眼,而科学恰恰就是为这道光芒引路的真理。科学带领艺术避免其陷入华而不实的虚幻境地,艺术则防止科学因为缺乏人文精神而变得不近人情。换言之,失去科学的艺术寸步难行,离开艺术的科学同样举步维艰。

三、艺术与科学在当代的完美互动

当代特别是21世纪以后,人类社会进入了数字化时代,各类高科技、新技术的发明和利用在潜移默化中改变了我们的生活方式和工作性质。计算机的普及和网络技术的迅猛发展使艺术从创作灵感到制作手段都发生了一系列的变革,理性精神已逐渐成为现代文明的基础。整个世界正在用全新的创作素材、高科技的表现手段来演绎着艺术家对于科学的认知;科学家的创造也因崭新的艺术思想而变得更为活跃、生动。

庆祝清华大学建校90周年时,清华大学美术学院开展了一系列学术活动,其中以“第一届艺术与科学国际作品展暨学术研讨会”最为瞩目。在《艺术与科学国际作品展》中,由诺贝尔奖获得者、著名华裔物理学家李政道先生创作的创意作品《物之道》和闻名世界的艺术大师吴冠中先生的作品《生之欲》成为本次展览最为引人注目的亮点。李政道先生以《生之欲》为例指出:“吴先生的作品就是把宏观的人类的情感寄托在微观的蛋白基因上,将人的生命和欲望连在一起。它使我们了解,什么是艺术与科学的结合所产生的创意。”[1]而吴冠中先生在谈到《生之欲》的创作过程时则谈到:清华大学生物研究室组织艺术家观看微观世界,是蛋白质的图片启发了他的创作灵感。吴冠中先生认为:“新的艺术情思催生出新的艺术样式,新的艺术技法。但材质、科技等等的迅速发展却又启示了新的艺术技法,甚至促进了艺术的大革新。”[4]这次艺术与科学理性的对视在艺术界和科学界引起了强烈反响,同时也给艺术和科学带来一系列新的发展契机。

在当代艺术中,“艺术与科学技术新的统一”从一方面可以理解为将工业技术纳入艺术生产的环节之中,使艺术创作逐渐摆脱原有的手工制作特性,转向利用新技术对新材料进行运用和加工等方面。另一方面是伴随着虚拟技术的开发和数码艺术的兴起,新手段的应用促进了艺术本体形态的转化,进而提炼出新的艺术理论指导当代艺术的前进。例如在第54届威尼斯双年展中,安尼施·卡普尔的大型装置作品《升天》。在威尼斯圣乔治大教堂正中央一个一人高的圆柱形蒸汽发生器和四周四个柜子里各装的十二个大风扇以及屋顶的管道使大厅内的气流旋转上升,屋顶的辅助射灯能够让观众通过斜射的光线隐约看到整个气旋的形态。蒸汽旋时而清晰时而虚幻的形象搭配着风扇群发出的风噪声增加了作品的宗教色彩,使其散发出令人难以抗拒的庄严和空寂。我们不得不承认这些当代艺术作品都是艺术家多年思辨的哲学思想和一生的艺术追求的综合反映,同时这些作品的创作也离不开艺术家长时间对多种材料的综合认知实践,这也恰恰是艺术与科学完美互动的有力证据。

结语

面对崭新的21世纪,我们发现艺术与科学这对人类文明之花依旧无法分开,艺术与科学的结合和守望是时代发展的必然结果。艺术创作中传统的思维方法和制作手段正面临着一波又一波的冲击和考验,单一化的形式语言已经转入多元化的发展轨迹。同时,伴随着现代科学整体化、综合化的发展趋势,艺术也不断地向科学灌注着无尽的创造力和丰富的想象空间。艺术与科学的交叉互动日见频繁,艺术与科学研究方法之间的差距越来越小。也只有这种感性和理性的完美结合,才是人类文明进程的永恒主题。

参考文献

[1][3]林公翔,你中有我,我中有你:艺术与科学的真正对话[J],艺术·生活,2001.5

[2]惠彦渊,试论艺术与科学在人类社会文明进程中的相互作用[J],艺术科技,2013.1

[4]吴冠中,比翼连理——探听艺术与科学相呼应[J],装饰,2008.s1

艺术与科学的关系 篇2

一、管理与企业管理系统科学研究的结果证明，系统的效能要比系统的各组成部分的效能之和大。要将分散的各个部分组织起来，就需要管理。管理就是通过控制、计划、决策、组织、协调、领导将一些分散的个体组合起来，以期发挥比各个体功能之和更大的功能。

按照管理部门的不同，可以将管理分为公共部门管理和私人部门管理。私人部门管理又可以再划分为个人事务管理、家计管理、私人非盈利组织管理、私人企业管理等。由于企业是国民经济的细胞，所以企业管理受到人们广泛的重视，企业管理理论也较为历史悠久和成熟。本文即是以企业管理为例来谈管理的科学性与管理的艺术性。

企业管理包括两个方面，一是对物的管理，如物资管理、仓库管理、营销管理、工艺流程管理、财务管理、资产重组、债务重组等；另一是对人的管理。人是经济活动中最积极最生动的因素，即使是对物的管理，也离不开对人的管理，因此，把人管理好了，也基本上把整个管理都搞好了。

对人的管理，也就是处理好经营者与职工之间的关系，而人与人之间的关系即是制度的内容，所以对人进行管理要依靠制度。管理制度包括的内容很广，有分析制度、预测制度、计划制度、决策制度、控制制度、组织制度、领导制度、协调制度、评价制度、激励约束制度等等，但最关键的有两个方面，一是评价制度也叫信息评价制度，二是激励制度也叫激励约束制度，其他制度本身都必须体现激励制度与评价制度的内容。评价，就是收集一些信息，对人的工作过程和结果进行优劣判断。激励，就是根据工作过程或结果对人进行奖惩，在交易过程中对人进行约束和监督。由此可以看出，评价是激励的基础，没有评价，激励将是没有依据没有目标也没有效果，例如，资金平均分配没有什么激励效果，鞭打快牛更是起负作用；激励是评价的目的，如果仅是停留在评价的层次上而没有激励措施，那是资源的耗费，因为评价是需要信息成本的。评价是为了激励，激励是为了促进人们努力工作、开拓创新，为企业创造利润。一个企业，只要评价制度与激励制度科学，管理也基本上是科学的。

二、管理的科学性与管理的艺术性的内涵管理的科学性是指管理是有理论可循的，可能通过学习掌握管理知识。学习的方式主要有两种，一是通过书本、老师、电脑、网络、电视等知识的载体去学习，另一种是通过实践活动去学习，这就是我们常说的“边干边学”。这两种学习方式都很重要，学习别人成功的经验、总结出的管理理论与在实践中总结出自己的管理理论同样重要。

在管理的科学性上，人们常犯的错误是：盲目照搬国外的管理理论；将书本上的管理原理当作教条；认为管理只靠实践，从不相信管理专家。尤其是第三种看法，在管理者中广泛存在。

管理的艺术性是指管理靠的是人格魅力、灵感与创新，而管理本身是没有规律可循的，更没有办法通过学习尤其是书本学习掌握管理的技巧。

在管理的艺术性上，人们常犯的错误是：过分强调管理的艺术性，从而否认管理的科学性；认为管理艺术是少数人天生所具有的，从而大多数人只能天生地处于被管理、被领导的地位；在管理实践上缺乏科学的管理制度，而常常以管理者的心情、好恶来作为决策的依据。

三、管理的科学性是管理的艺术性的前提与基础我们认为，要将管理工作做好，首先必须承认管理是一门科学，管理主要依靠的是一套制度，尤其是评价制度与激励制度。在现实中，人们也可以发现，一个企业管理得好，那肯定是因为它有一套科学的评价制度与激励制度。判断评价制度与激励制度好坏的原则是：一是否给企业利害相关人所有者、经营者、职工、供应商、消费者、债权人、债务人、收税者等带来方便；二是否节约了企业制度运行的成本；三是否使评价成本与激励、约束、监督成本较低；四是否评价结果明确、公平，激励、约束功能很强等等。

根据这些原则，还可得出一些可操作性的管理制度设计方法：一不同的企业有不同的管理模式，以高级知识分子为主的企业、强调创新的企业，要更多地采用民主管理；在高级知识分子比较少的企业里，严厉的层级制比较有效；二上级管理人员要善于授权给下一级管理人员，不要事必亲躬，不能越级管理。管理的要义要于各级管理者之间有制度化了的权利与责任，管理越科学，这种权利与责任的划分就越细致；三制定严密的评价和激励制度，要把评价和激励的标准落实到个人，才能真正起到激励约束员工的作用；四评价标准的选取，要考虑可控性，就是要看被评价者能否控制该评价标准，要将评价标准与被评价者的个人努力联系起来；五评价标准的精细程度是管理水平的最主要标志。例如，在酒店中这种评价标准要精细到服务生鞠躬的度数、倒葡萄酒的姿势与数量、擦桌子的光洁程度等等。评价标准硬度越高，可以帮助员工形成明确的预期，效果就会越好。软标准，不但容易造成扯皮，而且难以服众，员工有时也会不知所措；六要持之以恒地对员工进行培训并不因为员工的高流动性而停止，让他们知道达到标准的方法；七奖惩要严，决不手软，太多的破例会影响员工的合理预期，从而增加交易成本；八激励要以评价为基础，否则激励便不可能公平合理，达不到激励的目标；九最强的激励是永远让员工充满希望，这种希望会一直激励着员工安心、努力工作；十要有明确的升迁制度，尽量让较高层的管理者都有以下各层级工作的具体经验，避免越级提拔，也要避免以“英明领导”的管理人治代替制度的管理；评价与激励制度设计的总指导思想是，通过它缩小员工目标函数与企业目标函数的距离，这就离不开“利益均沾”，所以，既要精打细算，但该花的钱决不能节省；如果好的制度不能一步到位，那就分步改进，制度的变迁需要耐心和诸多准备工作。

只有有了一套科学的管理制度，才能给职工稳定的预期，减少信息搜寻成本和由于不确定性所造成的损失。在此基础上企业家的人格魅力、聪明才智、创新精神才有发挥的土壤。如果只承认管理是一门艺术，而不承认管理是一门科学，就必然导致管理中的随意性、一言堂，甚至独裁与腐败。

四、管理的艺术性是管理的科学性的补充与提高在承认管理的科学性的前提下，讲管理的艺术性也是很有必要的。因为，管理制度是经营者与职工之间的一些契约，包括正式的契约与非正式的契约、书面契约与口头契约、强制性契约与诱致性契约等等，而这些契约都不可能是完备的。例如，规定工资与生产的产品成正比，这一看似明确的契约实际上包括着很多不完备的地方：工资有没有包括资金，有没有包括实物工资？生产不同产品的职工之间，产品如何比较？产品的质量如何界定？由于请假、工伤、公务、不可抗力而导致生产的产品减少，如何扣减工资？而涉及到度量如产品质量度量方面，更是不可能绝对精确，简单到一张桌子有多长，我们也不可能精确量出总是有误差。而涉及到概念，也是不可能绝对明晰。由于度量是不精确的、概念是模糊的，所以任何制度都不是完备的，在制度不完备的地方，就需要管理者的艺术。可以这样说，管理艺术是对管理制度的补充，在管理制度规定到的地方，是不可以假管理艺术之名违反管理制度的。如果管理制度本身不合理，那么就需要修订管理制度，而不是以管理艺术去代替不合理的管理制度。

从设计角度浅析科学与艺术的关系 篇3

关键词：设计；科学；艺术；融合

科学与艺术作为人类文明的两大主要形态，在人类社会发展中经历了两个阶段——自起始起的不分到中世纪的独立发展。时至今日，已到第三个阶段，即“重逢”的阶段。在今天重逢的日子里，科学与艺术已经不是简单的相会，而是具有更广泛、更深刻、更普遍的内涵。

一 设计师眼中的艺术与科学

设计概念产生于意大利文艺复兴时期，其最初的意义是指素描和绘画。古代中国的“设”字就是制图、计划之意。设计乃一种特殊的艺术，其创造过程是遵循实用化求美法则的艺术创造过程[1]。设计被视为艺术活动，是艺术生产的一个方面，因而工业设计常称为工业艺术。早在工业设计萌芽之初，被誉为现代设计之父的莫里斯就提倡艺术与科学的结合。19世纪初，芝加哥学派的代表人物沙利文提出“形式追随功能”的口号。作为现代工业设计先驱的贝伦斯的设计作品则又体现了一种新的艺术美学。包豪斯校长格罗皮乌斯提出了“艺术与技术新统一”的基本观点，并强调科学技术的作用。在两战期间，工业设计作为一种正式的职业出现并得到了社会的承认。工业设计将消费者的动机和科学技术不断产生出来的可能性结合起来，从而达到消费需求、艺术与科学三者的统一[2]。

二 从设计史的角度看科学与艺术

（1）艺术是设计的起源

设计的起源应该从艺术的起源里探寻痕迹。在对古老的艺术起源论——模仿说中，不难发现艺术在最初的模仿过程后所出现的表现感性和象征情感的艺术形态。在艺术模仿的中后期，人们再做的模仿就是经过思想的表现和象征，而这种思想正是设计的最初的思维过程[1]。

（2）科学是设计的基石

设计在最初的模仿与改良阶段，受到艺术的制约。因为在艺术创作中，情感的表达始终占据着主导的地位，使设计在相当长的时间内陷入了停滞的状态。而工业革命带来的技术革新与大机器生产为设计的发展注入了新的活力，使设计的表现手段和材料上都有了技术的支持。从这以后，科学成为设计的主流动力，科学技术的发展不断推动着设计的进步。

（3）设计史中的科学与艺术

在人类意识的黎明时期，科学与艺术是结合在一起的。我们从原始人使用的工具和器物上可以清楚地看到这一点。而工具和器物中技术和艺术的结合形成了后来的工艺美术[2]。工业革命兴起，人类开始用机械大批量地生产各种产品。但由于艺术与科学的分离导致了技术产品的丑陋和人情味的缺乏，这种状况在1851年的英国水晶宫博览会上暴露无遗。继而出现了极具影响力的“工艺美术运动”、“新艺术运动”、“装饰艺术运动”等艺术思潮。工艺美术运动首先提出了“美与技术结合”的原则，并反对纯艺术。在20世纪初，在美术界产生了一场美术革命，未来主义、表现主义、构成主义都把普通批量的产品作为一种艺术品来表现。这种艺术革命当然也影响到设计上来。毕加索的抽象绘画带来了立体主义和现代主义的设计，蒙德里安为代表的风格派的思想带来了柯布西埃的机器美学，表现主义则带来了包豪斯的设计。第一次世界大战之后，科学技术发展到了一定的水平，艺术变革也改变了人们的审美情趣，各种思潮形成的现代主义设计在世界各地产生了广泛的影响。但其设计的产品显得冷漠、单调而缺乏艺术性、人情味，因而后现代主义提出了“少即是乏味”的口号。新材料、新技术的出现对于艺术设计产生了直接的影响，使科学与艺术的结合创造了一种现代生活方式。

20世纪中期直至现在，科学技术的发展成为不断推动着设计的进步的主要力量，信息化和数字化的飞速发展改变了人们的生活方式和观念。现代科技的发展渗透到设计领域的各个方面，新兴的设计技术引起设计生产以及设计模式划时代的变革。

三 设计中艺术与科学的融合

“艺术是情感化的科学，科学是精确化的艺术”，这一点在设计上表现尤为突出。艺术语言赋予产品生命力和灵性，而科学的理性赋予产品完美的功能。只有具有完善的功能和完美的形式的产品才有竞争力。科学与艺术完美结合的作品，如：柯布西埃的“新精神馆”、米斯的巴塞罗那椅、汉宁森的PH灯、格雷夫斯的自鸣式水壶等，这些作品将艺术的感性和科学的理性天衣无缝的结合起来。现代设计则是以现代科学技术为基础，以新材料、新技术为支撑，以美观、人性化等因素为衡量的。科学与艺术是现代设计不可或缺的两个必要条件，是设计的二元存在。尤其是在现代审美善变、科技主宰人类生活的今天。这二元之间是一种既对立又并存的关系[3]。说它们对立是因为它们分别代表了设计感性层面的和理性层面的创作思维，而说它们并存则源于设计在不断发展中功能与情感双重需求的增加，使得设计必须依靠科学技术来不断完善功能，必须依靠艺术的个性魅力来满足大众新的审美和情感需求[2]。设计与科学的结合，会极大地提高产品在市场上的竞争力。

四 结语

艺术和科学的灵魂是创新，科学与艺术最终是为了满足人类的需求而不断革新与发展的。“科学艺术化，艺术科学化”，是科学与艺术发展的一个必然趋势。如果用比喻来形容历史上科学与艺术之间的关系的话，科学与艺术就好比设计的双亲，科学乃设计之父，艺术乃设计之母。设计作为科学与艺术的产儿，在时而偏向艺术、时而偏向科学的轨道稳步前行。这个轨道，即科学与艺术的融合之路。

参考文献

[1] 吴清.现代设计—科学与艺术的融合[J].武汉科技大学学报，2002（6）.

[2] 何人可.工业设计史[M].北京： 北京理工大学出版社，2007.

[3] 张伟明.科学与艺术的感悟[J].北京理工大学学报，2010（8）.

浅谈艺术与科学的关系 篇4

关键词：艺术,科学

20世纪初西方文化的渗入对落后的中国曾造成巨大的冲击力，以科学为标志的西方文化几乎摄取了所有进步中国知识分子的思想，由此而产生了科学与艺术之间最激烈，最持久的讨论。今天已经走过那个中西文化猛烈冲撞的特殊年代，在面对科学技术不断发展和艺术不断繁荣，我们再度认识艺术与科学，分析两者的本质特征及关系，还是具有现实意义的。

1 艺术与科学的本质特征比较

对于“艺术是什么”这一重大问题的思考，从上个世纪到今天，人们一直在深入探讨。李毅士对艺术的抽象意义是这样表述的：“按艺术之意义，设有作家若自无所感，纵有超人之技，其作品总不能有艺术之流露，反是，若自有感而无法使人知，则抑无艺术之出现。故艺术云者，乃是作家以其本人所感，表现于人而获得人之了解也。作家所感者美也，其向人之表示，乃其表现也，如是艺术之定义，可称为‘美的表现’。”[1]林文铮则指出：“艺术是审美情绪之结晶，或现诸外界的审美情绪。在图画、雕刻、建筑、音乐各种工作之中，则假借声、色、形、体、线而实现。艺术根本是情绪之冲动。”[2]刘海粟对艺术的界定是：“艺术应当不受别人的支配，不受自然的限制，不受理智的束缚，不受金钱的役使，而应该是超越一切，表现画家自己的人格、个性、生命，这就是有生命的艺术，是艺术之花，也是生命之花。”[3]很多文艺工作者及思想家都对艺术下过定义，除以上认识之外，还有将唯物史观引入到艺术的认识中来，最有代表性的是卢那察尔斯基明确提出了“作为观念形态的艺术”这一命题。他对这一命题的解释是：“就是直接地，将作者的观念和情感，间接地，是经由作为居民的表示者的那作者，而将居民的观念和感情，表现出来的艺术地作品。”[4]这种将艺术视为观念形态的观点后来影响了毛泽东，他在1942年《在延安文艺座谈会上的讲话》把文艺概括为：“作为观念形态的文艺作品，都是一定社会生活在人类头脑中的反映的产物。革命的文艺，则是人民生活在革命作家头脑中的反映的产物。”这一观点在建国后，对全中国发生了极为深刻而广泛的影响。尽管对艺术本质问题的探寻很多，认识也不少，但并没有对它下一个普遍视为真理的定义，我们可以大致将各种认识归纳成三类：(1)主张艺术是美的表现或者是审美情绪的表现;(2)艺术是生命的表白或者是主观的创造，本能的表现;(3)艺术是社会生活的反映。由此可见，艺术是人类从情感出发，反映现实世界，去追求美的一种意识形态或者说认识方式。

而科学则不同，我们对于“科学”一词的理解，似乎没有分歧，《辞海》的定义是：“反映现实世界各种现象本质和规律的分科的知识体系。”词典所下的定义较一致：科学乃是关于自然法则的知识，包含所有具有一般性意义的研究，只要是在客观的、可验证的事实基础上运用相应的方法所从事的研究，都属于科学的范围。其实科学与艺术也可以被看成是两种不同的“在世结构”，两种不同的人生态度。科学是寻找主体的人与客体的世界的关系。艺术则在保持和把握人与世界的融合。科学是求真的，艺术是创美;科学是理性的，客观的，艺术是感性的，主观的;科学是发展的，前进的，艺术是变化的，丰富的。可见艺术与科学是矛盾的，但两者又有其统一性。科学发展拓展了人们的审美视野，宇航事业的飞速发展，电子显微镜技术的不断提升，使人们能够更广阔的感知认识宏观世界与微观世界的图景，从而丰富了艺术创造的领域和视野。此外科学与艺术都是人的活动，都起源于对外部世界的惊异，即好奇心。可见艺术与科学有着矛盾与统一的辩证关系，关于这一点的分析，我们将它放到具体的历史环境中再作进一步深入探讨。

2 中西方历史进程中，艺术与科学的矛盾与统一

在中国传统文化语境中，艺术与科学是矛盾的。从原始艺术，青铜艺术直到历代民间艺术、文人艺术乃至宫廷艺术，一直都追求一种带有强烈东方意味和哲理情感的表现，及由此而构成的以情感为核心的意象造型精神。在这种精神支配下，两千年来中国艺术正是一种超越客观，贬抑物质而高扬精神与情感的意象艺术，一种物质与精神相冲突，理性与情感互碰撞，科学与艺术相对立的艺术。在中国的艺术体系中，从“五四”运动将“科学”作为改良中国文化两大目标之一引入之后，科学与艺术的对立性现得尤为突出。这时候在中国产生了两种对艺术与科学截然不同的观点：一种主张艺术中引入科学，用西画中科学的写实技法来拯救中国艺术，即一种建立在“唯科学主义”理论上的唯写实主义。如张牧野说：“都晓得艺术重情感，他的微妙亦在描写情感。但是要描写得透彻，又非经一番分析和观察功夫不可。……但精致细密的合理化之分析，是什么作用呢?当然背景是科学了。……色彩学解决了我们的色调，解剖学解决了我们的人体，远近学解决了我们的位置，美术史证实了我们的过程，透视学，教育学、博物学等，解决了我们几许疑难不明的困难问题。……因为现在是科学时代，只要能用科学来研究的东西，最好都走向科学化之路。”[6]另一种持反对科学与艺术混淆倾向的态度，认为中国艺术应保持独特的形式和风格。同时也有一种对引进科学写实之风实行折中的态度，不反对绘画中的科学与理性，也讲究表现上的意味和神韵。可见古代中国艺术史排斥科学，走了一条纯粹情感，追求意味，讲究气韵的非理性之路。而近代中国艺术中引入了科学，发生裂变，有学习西洋写实技法，绘画艺术讲究科学理性表现的一种，也有艺术中引入些科学成分，中西结合的一种，还有继承传统，另辟蹊径，有所创新的一种。到今天科学与艺术的关系主要表现为这三种状态。

西方的文化根基，尤其是现代文化，就是建立在科学上的。从文艺复兴时代以来，西方的艺术便走了一条“真美合一”的道路。所以梁启超说：“西方的文艺复兴根底在科学，但主要任务和最大贡献却在美术，正是因为全从‘真美合一’的观点出发，他们觉得真既是美，又觉得真才是美，所以求美先从求真入手。”[7]可见西方的近代艺术走了一条科学的道路，尽管也是诉诸情感，借助形象来表现客观世界，但却在极为理性的分析观察下创作，追求一种逼肖真实的视觉效果。在这种请况下，产生了美术理论上的科学，如透视学、色彩学、解剖学等。但到了19世纪末照相技术发明之后，促使传统的写实主义绘画向现代派艺术转化，西方的艺术与科学也出现了裂变，西方的艺术由再现向表现过渡，科学被艺术排挤，形成了“为艺术的艺术”英国著名批评家克莱夫·贝尔提出：艺术就是一种有意味的形式，在这一观点的影响下出现了当代西方的抽象艺术，表现艺术，形式艺术;现今西方艺术已有自己独立的话语形式，求真的科学精神和观念在艺术中极少表现，艺术成为情感的，非理性的“代言人”。

3 如何看待艺术与科学

物理学家、诺贝尔奖获得者李政道先生说：“艺术(诗歌、绘画、音乐等)用创新的手法去唤醒每个人的意识或潜意识中深藏着已存在的情感。情感越珍贵，反映越普遍，艺术越优秀。科学(天文、物理、生化等)对自然界的现象进行新的、准确的抽象。科学家抽象的叙述越简单、推测的结论越准确，应用越广泛，科学创造就越深刻。科学与艺术的共同基础是人类的创造，它们追求的目标都是真理的普遍性。它们像一枚硬币的两面，是不可分割的。”[8]画家吴冠中说：“科学揭示宇宙的奥秘，艺术揭示情感的奥秘。”[8]爱因斯坦说：“真正的科学和真正的音乐需要同样的思维过程。”艺术与科学的关系曾经是非常密切的，它们的分离是工业革命前后的事情，这与科学技术的发展和深化，各种职业化行为的出现有着密切关系。但二者的有机结合对艺术和科学的发展是大有益处的，文艺复兴时期的科学文化成就，就是艺术与科学相互融合共同发展的最佳体现。艺术与科学是息息相通的，这一点哲学家看得更准确而深刻，德国哲学家斯宾格勒曾经说，他从精确优美的古希腊雕塑中似乎看到了毕达格拉斯、欧几里德;从西方配位、重组群乐曲旋律中看到了笛卡儿、牛顿、莱布尼兹、殴拉和高斯。“艺术是情感化的科学，科学则是精确化的艺术。”[9]

可见艺术家需要利用科学手段更好地通过艺术表达自己的情感，而科学家需要借助艺术创造有机的模式去说明世界。艺术与科学合力征服新的观念，它们常常运用相同的题材达到相同的目的。创造思想与创造形式造就艺术家与科学家。探究宇宙的奥秘是他们共同的目标。他们所用的媒介不同，但在平行的探索之路上，他们互相启发，相得益彰。

3.1 科技的发展为艺术提供新的表现手段，拓展了艺术的表现空间。

艺术的表现手段可以借鉴和利用科学，如陶釉的烧制，印染颜料的创新、油画颜料的改进等等。艺术表现题材可以随着科学领域的扩大而扩大，如外太空的风景、微观世界的奇妙景象。艺术结构也可以利用对人类自身视知觉

3.2 科学也可以从艺术中获得启发和生命力。

科学的进一步深入拓展往往会用到人类的激情和大胆的想象力，这都是在艺术中得以发挥和培养起来的能力。科学家可以从艺术中吸取生命力，受到启发，以提升自我的突破和创造能力。

艺术与科学是人类探索世界的两种平行的方式。艺术与科学是人性完善发展的两个不同方面，艺术和科学都有自己的一个完整的系统，两者相互作用，但无法融合、混淆。我认为科学并不等于艺术，生活不等于艺术，以科学方法描绘了生活的真实也并不等于艺术，正如潘天寿在《论画残稿》中说过，“艺术与科学不同。艺术在求各民族，各个人特殊精神与特殊情趣之贡献，科学在求全人类共同应用效能之增进”。

参考文献

[1]李毅士.艺术释义.中国现代美术学史.黑龙江美术出版社, 2000[第一版]:194.

[2]林文铮.何为艺术.上海光华书局, 1931:8.

[3]刘海粟.艺术是生命的表现.学灯, 1923-3-18.

[4]卢那察尔斯基, 鲁迅译.艺术与批评.上海水沫书店, 1929:171.

[5]辞海[卷二].光明日报出版社, 2002[第一版]:633.

[6]张牧野.现代艺术论.20世纪中国画研究.广西美术出版社, 2000[第一版]:14.

[7]梁启超.美术与科学.20世纪中国美术文选[上卷]1996:93.

[8]见2001年北京《艺术与科学国际作品展》前言;

艺术与设计的关系 篇5

关键词：艺术；设计

中图分类号：TU193文献标识码：A文章编号：1671-864X（2016）02-0078-01

一、何为设计

设计的含义从广面的角度来理解，设计即心怀一定的目的，并以其目的的实现作为目标而建立起的方案。从狭义的角度来理解，设计是一个战略整体或系统工程中的重要环节，在这个整体的战略或系统中，设计与其他要素一样，既是独立的能动因素，也是与整体达于和谐的环节。我认为设计是一个计划，是一种取舍，是对已有物品的更新使其功能更完善，是借助外来物来达到目标的一种手段。设计是科学，艺术与经济这三种人类文化的有机结合，它不等于这三种文化的全部，但好的设计必然是三者的结合。科学是成就一个好设计的前提，而艺术则是造就一个好设计的灵魂，经济是完成这项设计的基础。在维克多·帕帕奈克的《为真实的世界设计》中这样为设计定义，设计是为了达成有意义的次序而进行的又意识而又有富于直觉的努力。人人都是设计师。每时每刻，我们所做的一切都是设计，设计对于整个人类群体来说都是基本需要。任何一种朝着想要的、可以预见的目标而行动的计划和设想都组成了设计的过程。在巴克敏斯特·富勒为《为真实的世界设计》中写的序言说到。在他看来，“设计”这个概念既是一个没有重量的哲学概念，又是一种物理模式。他倾向于把设计分为两类，有些设计是主观的经验，也就是说，这些设计影响他并产生的是一些偶然性的东西，而且常常是下意识的反应，与此相对的设计则要求他要对客观的数据作出反应，他自觉选择作的是客观的设计，当人们说这是一个设计时，它意味着人们运用某种智慧以及把一些事物加以调理化，并从概念上赋予了其内在模式。而我认为设计最初是人类为了实现某种特定的目的而进行的一项创造性活动，是人类得以生存和发展最基本的活动，它包含于一切人造物的形成过程之中。从这个意义上来说，自人类有意识地制造使用原始工具和装饰品开始，人类的设计文明便开始萌芽了。

二、何为艺术

关于艺术，希腊语作teche，拉丁语作ars，都有技能和技巧的意思。在古代，艺术不仅和美与道德有关，同时还和实用有关。中国古代以礼、乐、射、御、书、数为 “六艺”，日本也将香道、茶道、歌舞、乐曲称为游艺。在西方，艺术的美学观是渐渐出现的。绘画、雕刻和建筑早期并不包括在自由学科之中，西方古代至中世纪并没有一个缪斯专门分管他们。由于近代西方愈来愈强调艺术与美的关系，终于形成了所谓美的艺术的概念，以别于应用艺术。人类早期的设计与艺术活动是融为一体的，只是随着社会分工的愈来愈细，各行业的专业性越来越强，才使得艺术从实际的技术中分离出来，而艺术的观念也发生了变化。艺术家们把他们自己的作品首先看作自我表现的治疗工具，通過作品，他们要突破成法、自由发挥，抛弃所有的金科玉律。他们往往不能同意设计美学的各种规则。

三、设计与艺术的关系

纯艺术与现代设计是艺术范畴中的两种不同的艺术形态，是人类所创造的，为人类不同需要而设立，各有所长，各有分工，互为关系的艺术门类，设计在本质上是一种艺术创造，不同于一般艺术创造的是，它是将物质产品精神化的过程，这种精神是一种艺术理想的物质寄托，它寄寓着设计者的审美理想，但又不会纯粹的个人化的情感表现。现代设计与现代造型艺术在视觉经验、造型、观念、形式语言诸方面常常不分彼此，但设计除秉承现代造型艺术思维活跃、观念创新之外。还更多地深受当代工业化进程、物质技术手段等的约束和影响。此外，纯艺术主要诉诸于精神性，它虽然使用物质材料，但这些材料只是构造艺术形象的基础，能增加艺术的感染力，它与现代设计中材料的结构作用有明显的区别；而设计主要诉诸于物质性，它虽然也具有审美或潜移默化的教育功能，但却不是它最主要的功能，其主要功能是使用功能，即它的物质功能。从艺术的本质上看，纯艺术更多地体现了艺术的本质，而实际既有艺术的一面又有非艺术的一面，它是纯艺术与生活之间的一个中介环节。总而言之设计和艺术的关系是互相包容，相互促进的，二者不能完全分开。在历史中，艺术和设计是互动共进的关系。康德认为美有两种，即自由美和依存美，后者含有对象的合乎目的性。对康德而言，合乎目的是一个更有优先权的美学原则，它与功能相近。设计是一种特殊的艺术，设计的创造过程是遵循实用化求美法则的艺术创造过程。这种实用化求美不是“化妆”，而是以专用的设计和语言进行创造。设计被视为艺术活动，是艺术生产的一个方面，设计对美的不断追求决定了设计中必然的艺术含量。设计的草图或模型，本身就可能具备独立的审美价值。不可否认，很多工业设计作品的形式表现出与现代雕塑与绘画的密切联系。包豪斯时期，结构主义的抽象形式与新造型主义绘画和雕塑就存在着惊人的共同之处。康定斯基的抽象构成主义绘画与名信片的设计也就是构成主义的风格。荷兰画家蒙特里安《红黄蓝构图》就直接影响了里特维尔德的家具《红黄蓝》椅的设计，这表明艺术对设计有相当的影响，反之亦然。如果我们接受这一事实，艺术与设计截然区别便不复存在了。现代建筑是一种艺术形式，工业制成品也是艺术，至少部分是艺术。在近现代，设计与艺术之间的距离日趋缩小，新的艺术形式的出现极易诱发新的设计观念，而新的设计观念也极易成为新艺术形式产生的契机。从古至今，设计的艺术追求都在设计品中体现出来，半坡彩陶文化的人面鱼纹湓，彩陶中的小口尖底彩陶瓶，所以为尖底，是为了便于在土坑中固定使用，瓶的两耳位置适当，可用绳系住，口部也结一根绳，以利于提起时掌握重心，便于汲水和倒水，瓶上是红底黑色的螺旋纹，瓶底上绘以各种图案，使使用与美观统一于一体。

参考文献：

[1]维克多·帕帕奈克 编著 《为真实的世界设计》中信出版社 2013 1月

[2]李砚祖 编著. 《艺术设计概论》湖北美术出版社2003年3月

艺术与科学的关系 篇6

1 艺术设计的本质和目的

1.1 艺术设计的本质

艺术设计的本质是创新, 是设计者自身综合素质的体现, 反映着设计者的想象力、表现力和感知能力, 涉及社会、经济、市场和科技等众多方面, 是人类发展过程中物质功能与精神功能的结合, 同时也是现代化社会的必然产物。

1.2 艺术设计的目的

艺术的目的是表现美, 带给人美的震撼或感受, 使受众心情愉悦, 并与作者心意相通。艺术设计是为了满足人的生活需要, 在为人所用的同时兼具审美功能。

2 艺术与科技的历史渊源

从语源学看, 古希腊文字艺术一词为“tekhne”, 之后在英语中演变为“technology”, 而该单词的中文意思即为“科技”或“技术”。在以拉丁语和英语为主的印欧语系中, 单词“art”同时有着“艺术”和“技术”的双重含义, 而古汉语中的“艺”更是包含了多种技术与艺术形式。中外文字的意义演变均蕴含了一个重要的信息, 即艺术与科技有着极深的渊源, 同源同宗, 血脉相连, 并且在之后的发展中相互作用, 相互影响, 并行演进, 共同构筑了人类文明。

随着生产力的发展和时代的进步, 人类社会分工日益细密, 艺术与科技分别沿着美和真的轨迹向前发展, 并分别构筑了完全不同却均十分丰富和完善的体系。尽管如此, 艺术与科学之间仍存在着本质性关联, 并自然而然地产生了一个又一个交集, 且两者间的每一次碰撞和结合均在人类发展历史上留下了光辉的痕迹。较典型的例子是欧洲文艺复兴时期大放异彩意大利绘画艺术, 其作为当时欧洲艺术的第一高峰, 很大程度上得益于科技进步。文艺复兴时期很多重要的艺术家同时又是科学家, 几乎所有画家和雕刻家都有着深厚的自然科学知识, 如达芬奇、阿尔伯蒂等, 他们重视艺术技巧, 并将艺术与自然科学相结合, 以自然科学的先关理论作为艺术技巧和手法的基础。而与近代造型艺术密切相关的透视学、解剖学等学科基础, 均由当时的造型艺术家构建起来, 而非专业的自然科学家。

追溯人类科技发展的历史, 会发现想象力是科技发明创造的源泉, 而相对于更擅长逻辑思维的科学家, 那些具有一定科学知识, 且创造性思维极强的艺术家更适合担当发明创造这一工作。艺术界是“梦想家”的集聚地, 他们思维活跃, 擅长幻想、解构和新的构建, 勇于采用新的艺术形式, 乐于探索使用几乎不合逻辑的或充满浪漫色彩的方法去讲述一切新的、充满疑团的甚至不可思议的思路和问题。通过各种媒体, 这些新的尝试会给予科学家启悟和灵感, 激发出科学家的创新热情, 使其投身于艺术所创造的奇异景象和神奇的逻辑推导中, 并予以试验论证, 最终变幻想为现实, 从而产生出科学奇迹。

3 当代数字科技对艺术设计思维的变革

艺术设计作为一门应用型的美术种类存在于人们的生活中, 与人们的生活密切相关, 影响着现代人类生活的方方面面。而人类在实践过程所取得的新的科学技术也影响着艺术设计, 改变着艺术设计的具体实现形式。如人类商业历史上第一种销量超过百万件的商品是托内特椅, 这种椅子首先出现于19世纪中叶, 很快成为当时十分著名的酒店椅子, 而其被发明的直接原因就是当时托内特工厂发明了弯木与塑木新工艺。托内特椅子直接启发了之后钢管椅的诞生, 而这种商品至今还是咖啡厅中最常见的椅子。

技术是艺术设计人员实现设计思维和设计理念的有力工具, 科学技术的进步为艺术设计者提供了更多新工艺和新材料, 对于拓宽艺术设计者的思路具有重要意义, 对艺术设计产生了直接影响。如, 在汽车领域, 福特汽车流水生产线的发明降低了汽车生产成本, 使汽车成为普通大众消费得起的商品;而汽车商品的大众化使工作地点与生活地点的分离成为可能, 在工业时代各种城市化问题凸显的背景下, 方便了城市中的中产阶层迁居到城市郊外生活, 进而改变了城市各种功能区的布局设计和规划。对于建筑业, 钢材料的应用和建筑技术的进步直接催生了摩天大楼的设计, 使城市面貌发生了翻天覆地的变化。然而, 对商品进行大批量生产的前提是拥有庞大而均匀的市场, 消费者必须购买标准化的产品, 这就要求商品生产者对市场拥有较强的控制力, 使得广告设计行业应运而生并蓬勃发展起来。

此外, 以数字科技为基础的新媒体迅速发展, 信息传播日趋快捷, 数字科技广泛而深入地渗透在人们的生活中, 改变着人们的沟通和互动方式, 甚至改变着人们对世界的认识和感知。同时, 新的信息传播方式也改变着艺术设计的工具、载体、传播介质和表现方式, 影响到艺术设计的思维层面, 深刻影响艺术设计的美学功能, 导致艺术设计对设计师素质要求的改变。

4 数字时代艺术设计的发展态势

数字环境为艺术设计构建了一个新的发展环境, 同时也对设计人才提出了新的要求。由于在现在的艺术设计中需要使用大量新技术和新工具, 这要求未来的艺术设计者必须具备熟练使用数字科技的能力, 并具有流畅的数字设计思维。

4.1 艺术设计行业范围更广

随着数字科技的迅速发展和普遍应用, 网络媒体成为集信息、通信及影音传播为一体的新媒体的核心, 强大的网络互动功能与良好的信息传播环境构成了今天的数字信息时代, 也催生出一个以提供服务和非物质产品为基础的社会, 同时派生出基于计算机和网络技术的新的艺术设计门类和品种, 如数字动画、网页设计互动和数字媒体设计等, 使艺术设计行业的涵盖范围更加广泛。

新媒体使信息传播变得相对便捷和公平, 不仅为人们提供了更多信息交流渠道, 在很大程度上也改变着人们的信息感知习惯。如, 人们的生活被很多碎片化的信息切割, 注意力成了一种稀缺资源。为了提高信息传播效率, 信息的面貌必然会趋于视觉化、动态化、多感官化和界面化, 以实现外貌的悦人程度并减少互动的障碍, 这也要求信息的制作更加专业, 带来了艺术设计应用在计算机和网络、媒体等领域的拓宽和深入, 扩大了行业范围。

4.2 艺术设计门类更加多样

在数字时代, 传统的视觉传达设计会被非物质化的数字视觉信息传达设计逐渐取代, 在商业的推动下重视吸引受众注意力。人们关注一个主题、一个事件或一种行为的持久度是有限且无法复制的, 因此, 动态形象取代静物形象、数字化的视觉形象取代纸媒印刷形象、多媒体感官体验取代单媒体视觉感受、虚拟非物质数字产品取代物质的纸媒产品、数字手段取代传统的手工制作工艺会成为艺术设计行业的整体发展趋势。由于激烈的注意力竞争, 设计者会寻求更丰富的表现、方法和形式。

在环境艺术设计方面, 设计者在设计时不再单纯依靠手工制图来实现设计构思, 甚至可以不再进行手工制图。数字化技术为艺术设计提供了更丰富的设计语汇, 如增强现实技术可以使设计在现场直接模拟完成, 环境艺术设计也不再拘泥于真是的空间布局与六个界面和陈设的处理, 其设计范畴可以超越到“虚拟现实”场景的搭建, 或者利用计算机三维技术生成多样而逼真的设计形象。数字时代对服装设计最大的冲击来自虚拟现实的数字化人体数据采集和应用, 上述技术使“人体工学”的探索得以实现, 服装产品从设计、打版到剪裁和制作均可以实现自动化, 为艺术设计提供了更广阔的实现路径, 客观上也使艺术设计门类更加复杂多样。

4.3 艺术设计教育思维发生转变

我国的现代艺术设计教育发端于美术教育, 在“实用美术”和“公益美术”等基础的传统设计教育中发展而来。在多年的发展历程中, 我国的艺术设计教育一直依赖精英教育大背景下学生个人领悟能力和个人审美素质的自然养成, 强调对学生个体表现技法的培养。这一教学传统形成了固定的教育模式, 且根深蒂固、影响力巨大, 这决定了将数字化融入艺术设计教学会是一个逐渐深入地缓慢过程。

20世纪90年代中期, 我国设计行业开始引入数字化设计手段, 尤其平面设计和三维设计方面使用较多。因其多样化的设计工具和便于修改和储存等数字技术所起特有的优势, 设计软件吸引了大量设计者使用, 数字化辅助设计很快在行业中流行开来。相应地, 各大院校设计专业也陆续将计算机辅助设计引入教学, 并在教育中占据了越来越多比重, 甚至成立了电脑美术设计等专业。

5 结语

总之, 艺术设计与科技有着天然的联系, 艺术设计发展的历史透露了科技发展的轨迹, 科技发展推动着艺术创作的变化。在今天的数字时代, 艺术设计与科技形成了更紧密的互动关系, 而在未来的社会发展中, 科技与艺术的渗透必将给双方带来更多活力, 从而更好地服务于人们的生活。

参考文献

[1]王受之.世界现代设计史[M].北京:中国青年出版社, 2002

[2]赵洪升.非物质、非物质主义与设计教育[J].北方美术, 2000 (4)

[3]何妮娜.艺术设计的发展态势思考[J].青春岁月, 2011 (8)

大科学视域下的科学与技术关系 篇7

“大科学”是科学发展到现阶段的集中体现, 是相对于“小科学”而言的一个概念。最早由美国物理学家温伯格于1961年在《大科学的反思》提出, 认为“大科学是研究项目尺度上的大科学”, 后由美国社会学家普赖斯于1963年在其代表作《小科学、大科学》一书中加以完善和发展, 认为“大科学是研究总的社会规模上的大科学”。

一般认为“小科学”是指以增长人类知识为主要目的、以个人自由探求自然规律和本真为主要特征的科学。科学家的科学活动是一求真的过程, 是为认识而认识的认知活动, 功利主义色彩不强。“大科学”则相对“小科学”而言, 是以目标为导向、社会需求为基础、注重社会协同, 对社会经济政治文化等产生重大影响的现代自然科学, 大科学在科学研究规模、目的、范围、运行方式、管理结构等方面与小科学有着明显的区别。

大科学的出现既是社会发展的必然, 又是小科学发展到现阶段的具体体现, 大科学时代科学与社会关系更为密切, 其发展受社会需求的制约和影响, 更重要的是科学与技术一体化的趋势更加明显, 科学与技术间的界限模糊, 呈现出科学的技术化和技术的科学化的特点, 科学与技术相互渗透和融合不断加强。但是科学与技术在推进经济社会发展中作用、功能不同, 在大科学时代更是如此, 因此有必要从科学与技术的概念入手对二者间的关系做以系统分析。

2 科学、技术概念和内涵

科学是认识自然和社会现象、探索物质和社会运动规律所形成的基本理论、概念和原理, 亦即人类关于自然和社会发展规律的知识体系是将知识积累的过程。辩证唯物主义认为“科学人对自然界的理论关系与实践关系, 是观念的财富和实际的财富。科学是一探索自然、认识自然揭示自然规律和本质的过程, 是一知识积累过程, 是求真的过程。科学具有“客观真理性、可检验性、系统性、主体际性的本质特征”。科学具有如下特点:科学是知识的积累, 是实事和规律在人的头脑中的反应, 是对客观事物的一种有根据的分析与判断, 是一种方法也是人类认识自然与社会的工具。

“技术”一般是指认识改造自然的活动中所积累起来的经验、知识、技能及体现这种经验、知识、技能的劳动资料, 它是劳动工具、劳动对象、劳动技能的总称。技术是物化的科学, 是现实的生产力。简言之, 技术就是人类为满足自身的需要, 在实践中遵循实践经验和科学理论创造发明的各种手段方式方法的总和。技术具有可操作性、实用性、可积聚性、周期性、商品性的特征, 体现着自然性与社会性的统一;物质与精神性的统一;价值性与中立性的统一;主体性与客体性的统一;跃迁性与累积性的统一。

通过对科学和技术历史演进和概念内涵的分析, 二者是两种不同的社会文化, 这就决定了科学与技术间的非同寻常关系。

3 科学与技术的关系

在以“大科学”为时代特色的现实中, 科学和技术相随相伴, 如“科学技术是第一生产力”、“依靠科技进步”、“科技人才”等, 但是科学和技术间在性质、任务、内容、方法、研究过程、评价标准、意义等方面有着明显的区别。

第一, 从基本属性和功能看, 科学是人对自然能动关系的知识形态, 反映认识客观、自然过程, 是人对自然的理论关系属于间接或者一般的生产力, 科学的任务是发现, 为增加人类知识而服务。技术则是人对自然能动关系的现实形态, 是人对自然的实践关系, 属于直接生产力, 技术要利用自然、控制自然创造人工自然并协调人与自然关系, 技术任务是发明, 为增加人类物质财富并使人类生活更美好服务。

第二, 从活动目的看, 科学属认识的范畴, 是一“求真”的过程, 主要回答“是什么、为什么”的问题, 并建构相应的知识体系。技术属于实践的范畴, 主要解决“做什么”、“怎么做”的问题。

第三, 从研究方法和过程看, 科学遵循个别到一般、从特殊到普遍、从经验到理论的归纳逻辑, 采用抽象、概括、分析的方法再现客体, 追求的是科学理论的精确性、通用性、规律性。技术遵循从一般到个别、从普遍到特殊、从理论到经验演绎逻辑, 采用想象综合的方法来构建客体, 把经验的东西作为必要的构成要素。

第四, 从预见程度和评价标准看, 科学的发展具有不可预见性, 充满着不确定性;技术则具有预见性。科学一般具有长远的、根本性的经济和社会价值, 科学上的重大发现往往会导致技术的巨大进展, 科学进步的标准在于能否完善科学理论, 扩大科学知识的储备体系, 注重真理性的考量;技术提高标准在于能否产生出新的更好的产品, 更多从技术带来的经济效益和社会价值方面来考量。

第五, 对科技人才知识储备要求不同, 对一个优秀的科学工作者, 要具备丰富的知识, 理性智慧, 善于思考研究, 具备敏锐的洞察发现问题的能力。对一个卓越的技术工作者, 必要的知识教育不可缺少, 能力训练更有重要的意义, 更注重解决实际问题的能力和经验, 要求有更高的操作技能。

第六, 从发展的历史进程看, 近代以前技术扮演主角, 形成“生产———技术———科学”的发展路径, 到了近代科学逐渐成为主角, 形成“科学———技术———生产”的发展路径, 但是科学与技术的发展并不同步。

科学与技术的区分的不同维度是二者之间相互联系和转化的前提, 只有确认二者间的重要的区别, 才能谈得上彼此的互动。大科学时代科学与技术遵循“科学———技术———生产”的发展路径, 呈现出科学技术化、技术科学化的发展趋势, 一体化特征明显, 主要表现在:

第一, 技术是科学的基础。技术对科学发展的作用论证包括:技术是科学发展动力, 需要推动科学前进;技术为科学发展提供研究手段, 尤其是科学实验装备;技术为科学概括和分析提供资料来源, 提供经验认识源泉;技术实践可以检验科学的真理性。

第二, 科学的技术化。科学的发展离不开技术手段, 大科学时代的科学更需要现代技术提供支撑。大科学时代, 现代的科学对现实生产技术的相对独立性强化, 但依赖性日益强化, 其发展受生产技术水平制约, 科学的技术化、科学技术一体化成为鲜明特征。

第三, 技术的科学化。这里的“技术的科学化”是指“科学的技术”、“科学化了的技术”、“以科学为基础的技术”凸显出了以科学对技术的先导作用, 往往蕴含着根本性的创新。

第四, 科学技术一体化。“一体化”, 并不意味着现代科学与技术合二为一, 把现代科学等同于现代技术。它是科学技术化和技术科学化的具体表现, 体现着大科学时代科学与技术间的相互融合与演进的趋势, 在具体的科学活动中很清晰地划分科学与技术。

4 结语

大科学时代科学与技术一体化的趋势以及科学的技术化和技术的科学化发展, 使得科学与技术、社会间的关系更为复杂, 正确认识二者关系对于积极参与全球科技合作、制定符合国情的科技政策、解决人类面临的生存发展难题, 推进经济社会快速健康发展, 实现绿色、循环、低碳发展的目标等方面有着深远的影响。

参考文献

[1]熊志军.试论小科学和大科学的关系[J].科学学研究, 2004.12.

[2]马克思恩格斯全集[M].2卷, 人民出版社, 1957:191.

[3]黄顺基.自然辩证法概论[M].高等教育出版社, 2004, 5:94-95.

管理的科学与艺术 篇8

赫伯特·A·西蒙 (1982) 从强调决策的重要性和决策在管理中占有最重要的地位的角度, 认为“管理就是决策”。小詹姆斯·H·唐纳利等 (1982) 从组织生产力的角度, 认为“管理就是由一个或者更多的人来协调他人的活动, 以便收到个人单独活动所不能收到的效果而进行的活动”。弗利蒙特·E·卡斯特等 (1985) 从管理的职能角度, 认为“管理就是计划、组织、控制等活动的过程”。斯蒂芬·P·罗宾斯 (1997) 从处理人与人之间的合作关系的角度, 认为“管理是指同别人一起, 或通过别人使活动完成得更有效的过程”。国内学者李晓光 (2004) 在诸多学者的研究基础上形成了较为全面的管理概念界定, “所谓管理, 是指组织中的管理者, 通过实施计划、组织、人员配备、领导、控制等职能来协调他人的活动, 使他人同自己一起实现既定目标的活动过程”。

二“管理是一门科学”

管理实践活动和人类社会一样久远, 管理活动的发展由低级到高级, 由简单到复杂, 管理思想源远流长。随着管理实践的发展, 人们对管理的认识由浅入深, 逐渐在实践中认识到管理的重要性。19世纪的标志是当时资本家和工人之间的矛盾激化到不可调和的程度, 社会各界都认为资本家和工人就是天敌。然而因眼疾不能进入大学读书而变成工人的泰勒却坚信资本家和工人有共同的利益, 他通过自己的工作经验和实验总结出了一套方法, 并出版《科学管理原理》一书, 详细地阐述这一思想。他认为只要将资本家和工人们的利益大饼做大, 双方都实现各自的利益, 也就不存在矛盾了, 因此他着重研究如何提供利润。他认为首先应该将工人的最有效的操作方法作为标准, 根据这些操作的标准时间制定一个工人的合理的日工作量, 即工作定额;其次要求工人掌握标准化的操作方法, 使用标准化的工具, 提高劳动生产率;他提出第一流的工人是能力最适合做这种工作并且也愿意去做这种工作的人;最后他提出要给工人实施差别计件工资制来提高工人的工作积极性。通过这一套方法的应用, 劳动生产率得到了上百倍的提升。泰勒因此被誉为“科学管理之父”, 他的理论在后人的不断研究中更加完善。管理之所以是科学的, 是因为它可以让一个普通人通过科学管理迅速成为一个拥有一流生产率的工人。经过一百多年的发展, 科学管理成功地解决了资本家和工人之间的矛盾, 促进了劳动生产率和经济的发展, 让更多的人群成为社会的白领, 使一个大房子、一片草地、两个孩子、两部车和一条狗成为大多数美国人的现实生活写照。科学就是真理, 是每个人都可以学到的, 我们可以通过学习管理, 实现各个领域的快速发展。

三“管理是一门艺术”

管理学科发展一百年来, 可谓是“百家争鸣”“百花齐放”, 形成了众多管理理论, 如科学管理理论、组织管理理论、行为管理理论、数量管理理论、系统管理理论、权变管理理论和全面质量理论等。随着时间的发展, 新技术的产生以及企业环境的变换, 又出现了学习型组织、精益思想、业务流程再造和核心能力理论等新兴的理论。管理就像艺术一样, 来源于生活, 又高于生活。管理是实践过程的产物, 就在我们的生活中, 需要人们去发现它, 研究它, 提升成理论, 这一过程不是人人都能做到的, 就像艺术品一样, 是原创的, 包含着作者的智慧。同样, 管理是艺术, 更表现在它不是固定的。管理最主要是对人的管理, 而人的需求各不一样, 为了更好地管理不同的人, 管理需要个性化, 所以这是在管理理论的基础上对现实情况的一些特殊考虑, 需要看个人的管理艺术。同样, 在管理中也会有一些特殊情况的出现, 需要管理的经验来预先判断, 这同样需要管理的艺术。比如众多CEO, 如乔布斯、韦尔奇、斯隆和柳传志等都是学不来的, 他们都是在管理理论的基础上, 凭借自己的经验和直觉做出一些超前的正确的判断, 这都是管理的艺术。

参考文献

[1]赫伯特·A·西蒙.管理决策新科学[M].北京:中国社会科学出版社, 1982

[2]小詹姆斯·H·唐纳利等.管理学基础[M].北京:中国人民大学出版社, 1982

[3]弗利蒙特·E·卡斯特等.组织与管理[M].北京:中国社会科学出版社, 1985

[4]斯蒂芬·P·罗宾斯.管理学[M].北京:中国人民大学出版社, 1997

[5]李晓光.管理学原理[M].北京:中国财政经济出版社, 2004

艺术与科学的关系 篇9

一、游戏精神的本质

关于游戏,一直以来,人们众说纷纭。通俗意义上说,游戏是人类创造的,但是在世界中,游戏并不是只有娱乐性的。它是一种人类自我意识形态,是一种具有严肃性的存在形态。游戏本身不仅是一种本能活动更是生存需要与生存技能的训练。这是为了自身需要而创造出的活动状态[1]。游戏的侠义本质主要是为了娱乐。就像手机的小游戏等,主要体现了自由,快乐的属性。而这种侠义的游戏往往具有物质属性,功利目的,已经偏离了游戏本身。我们所说的游戏是广义范围的游戏,即无功利,无物质,完全自主的,有规则有秩序的带有愉悦性的想象与创造。

二、游戏精神的含义

我们来探讨一下什么才是游戏精神。所谓游戏精神就是一种自由的,没有物质利益的一种精神状态,脱离了功利性。是人们的一种感性认知。简单的说就是一种态度。一个人做事情的时候,以游戏的心态,那么这件事就是游戏。反之则不是。这种态度的特殊性就是我们说的“游戏精神。”想要拥有游戏精神,首先就要自由,在自由的状态下,思绪才不会受到限制,摆脱客观物质世界,才会充分发挥想象力和创造力,从而体验存在的乐趣。[2]游戏精神重视的是过程本身带来的身心的愉悦,而不是注重结果会怎样。所以说这是一种超越了物质与功利的自由精神状态。

二、游戏精神具有其自身独特的精神层面

1、游戏的规则和秩序

每个游戏都有自己的规则,从这一点上说游戏又是很严谨的。参与游戏,必须遵守游戏规则,这样才能够顺利的完成游戏,获得愉悦感。而一个游戏的规则一旦被打破,再创造出新的游戏规则,那么新的游戏也会由此产生,这与艺术的发展是一样的道理,或者说这对艺术的发展有着很重要的促进作用。艺术正是艺术家打破原有的游戏规则,从而创造了新的艺术形态,因此艺术的世界才会不断进步发展。

2、无功利性

游戏是自由的,没有物质利益的追求,在这种没有功利的状态中,精神得到完全的释放,找到了最真实的自我。自己的想象和创造得到了最没有束缚的发挥,同时也更有利于游戏内容的丰富与发展。

3、创新思维

游戏具有极强的创新意识,不断地创新,发展,才会获得最大程度的精神愉悦,从而满足人们的精神需要。

三、游戏的存在意义

游戏作为一种自由的意识形态之所以存在,一定有它存在的价值。它最大的存在意义就是让我们自由的发挥乡里创造力,没有任何限制因素,同时感受生命存在的美丽和乐趣。为物质生活增添精神色彩,将生活艺术化。正是因为这种展现个性的游戏精神,才给人们的生活带来了无限快感。而艺术家的创作同样如此,因为有了游戏精神,游戏态度,才给世界带来那么多美好的艺术作品。在游戏中,人可以得到充分的自由,发挥的空间无限大,心态最为放松,一切都非常的愉悦和随意。人们摆脱束缚完全驰骋在自己的想象与创作之中,因此才有了超越时空的艺术存在[3]。游戏的存在价值已经超越了存在本身,这才使世界有了另一个层面的美。

四、游戏精神与艺术的关系

游戏精神存在的历史悠远漫长,在游戏中,人们没有烦恼,精神得到了空前的自由。而在艺术史上,游戏与艺术以及游戏对于技术创作的意义也是显而易见的。游戏对于艺术的起源与发展有着很重要的促进作用,二者是密不可分的。德国哲学家康德就明确提出艺术是:“自由的游戏”这里的自由与游戏精神的自由异曲同工。由此可见,游戏与艺术的关系十分密切。此外,对于这个问题,许多哲学与艺术大家都有过研究与探讨。

由此我们可以总结游戏精神与艺术的几个重要关系:

1)游戏精神是是艺术产生的因素之一。

2)游戏精神与艺术发展和艺术创作有着无法替代的密切关系,相互影响,相互作用。

3)随着客观世界的改变,游戏精神在艺术创作中的表现形式也在发展,开始呈现多元化。

五、结论

综上所述,游戏精神是不是艺术本身,但是却伴随着艺术的产生与发展,艺术是一种高级的游戏状态,而艺术创作就是游戏状态下最充满想象力和创造力的作品。通过游戏精神,我们感受到了人生的美好,对于那种自由,没有物质功利束缚的精神境界的追求。用游戏的方式感悟生活的乐趣,体会最高的审美形态。从而达到艺术的想象与创作。游戏精神刺激了创造性思维的发挥,影响着艺术家的创作灵感与艺术作品的形成。从而才能出现带有游戏精神的艺术作品,进而带给人们对美的特别感受。总之,游戏不是艺术,但却对艺术及艺术创作有着无可替代的作用,艺术不是游戏,但却是一种带有艺术精神的高级的游戏形式,它们时刻相互渗透相互影响,不可分离。

参考文献

[1]滕宏梅.浅析游戏精神与艺术和艺术创作的关系[D].北京服装学院,2012

[2]杨檬.论艺术创作中的游戏精神[D].天津美术学院,2013.

科学与艺术的交融 篇10

前言

随着计算机技术、通信技术、网络技术的发展与融合，数字媒体技术与艺术结合地越来越紧密，从传统艺术美学中逐渐突破出来，因此加强对数字媒体艺术的研究具有十分重要的意义。在当今社会，数字媒体艺术已经渗入各种媒体领域，如：报刊杂志、网络、电影、电视等等。

数字媒体

与传统媒体相比较，数字媒体是把计算机技术作为核心的新型传播媒体，数字媒体把信息通过数字化的方式储存和传播。数字媒体与传统媒体的重要区别在于：“数字化”媒体成为全部传统媒体互通的“重要语言 ”，数字媒体将图画、图形、文字、声音、动画、视频影像等等传统的媒体都统一在“数字化”的平台上，使信息的传播交流更为通畅、快捷。

数字媒体艺术

数字媒体艺术是一个综合性的学科，它涵盖了自然科学、人文科学和社会科学。数字媒体艺术作为计算机数字化和媒体艺术的结合体，是一个超越传统媒体艺术的创新形式。平面设计、数字游戏制作、数字多媒体电影艺术、现代建筑模型设计、多媒体与网页设计、室内装修设计、产品造型设计等等都是数字媒体艺术的具体表现形式。数字媒体艺术与传统艺术的最大区别就在于表现形式的不同，它融合了各种科学元素与艺术元素，他将人们的的感性思维与理性思维融为一体。

当数字媒体逐渐发展成为人们生活中不可或缺的一部分时，传统艺术原有的表现特征和风格已经远远不能满足大众日益增长的文化需求。这时，数字媒体艺术的出现和发展很好地解决了这个问题，在一定程度上弥补了传统艺术的缺陷，满足了大众对艺术文化的需求。

数字媒体艺术与传统艺术最大的不同就在于，其创造过程必须全部或者一部分地利用现代数字技术，这样就注定了其表现形式不同于传统艺术，数字媒体艺术需要通过计算机网络的运行并对媒体信息进行双向传播，有着突出的数字化特征。数字媒体艺术作为一种技术与艺术的新型结合体，有着超越传统艺术的创新形式，成为了现代艺术的佼佼者，也成为了未来艺术的重要发展趋势。

数字媒体艺术的特点

1.大众化

在这个电子通信迅速发展的时代，数字媒体艺术通过电视、网络等媒介传播到社会的各个方面，并且，数字媒体艺术品也人们提供了各种各样的娱乐需求，在一定程度上推动了艺术的大众化。

传统艺术作品总让大众存在着距离感，不敢接近，大众认为只有那些具有专业艺术修养的人才能够真正地欣赏艺术品。但自从有了数字媒体就不同了，数字媒体覆盖了大众社会，拉近了大众欣赏艺术品的距离。同时，数字媒体的操作简便，为大众创作艺术品提供了技术支持，增添了艺术创作的乐趣，促进了艺术的多样化发展。

2.数字化

数字媒体艺术不管多么绚烂多彩，其构成要素都是0和1的二进制数字，数字媒体艺术采用数字化的方法，借助相关设备把图画、文字、声音、动画、视频影像等重要信息转化成计算机能够识别的二进制数字。

传统的艺术脱离了工具、材料就无发生存，但数字技术中电脑设备和软件程序取代了傳统的工具和材料，通过计算机的自主运算，把艺术语言数字化，以数字媒体的形式呈现。

3.多媒体化

数字媒体艺术广泛涉及到了媒体、艺术、科技等众多领域，蕴含了艺术和文化理念。数字媒体艺术的表现形态介入了现代通信技术、多媒体技术、数码技术等，这些技术形成了三维立体动画、数码图像、互联网艺术等一系列的不同领域。另外，这些创作超越了传统艺术创作的领域，需要艺术家具备更好的艺术和科技知识。

4.高效化

艺术创作是极为复杂的过程，需要进行反复地探索和修改。在当今社会耗时长的艺术品是无法满足社会大众的需求的。数字媒体艺术利用数字化为基础，为艺术作品的创作提供了便利，促进了制作高效化的进程。比如，3D打印技术的运用就很大程度地缩短了产品概念转化为艺术品的时间，便于设计师及时对快速打印的产品原型进行反复地修改 ，提高艺术设计的效率和质量。

我国数字媒体艺术的发展趋势

与传统艺术有效结合。我国数字媒体艺术刚刚起步，还面临着许多困难和不足，相关人员的专业水平有限，数字媒体的艺术性也有待增强。但是，我国是一个拥有五千年文化的文明古国，随着艺术创作人员综合素质的不断提高，我国数字媒体艺术必将从五千年的传统文化中吸取更多的优秀元素，不断促进自身的发展，再加上听觉、视觉和触觉等方面的互动，一定会使的数字媒体艺术的内涵更加丰富，具有更鲜明的民族特色，实现现代艺术与传统艺术的完美结合。

不同学科间的融合越来越紧密。数字媒体艺术包含了多种学科知识，随着计算机技术的发展，各学科之间共同点逐渐增多，这在一定程度上会推动数字媒体艺术的进步和发展。同时，人才在具有自身艺术能力的同时，也要更多地融合相关学科的知识，加强与其他学科人才的交流与合作。

结语

数字媒体艺术作为一种新兴的艺术领域，其发展日新月异，具有广阔的前景。人类已经进入了一个数字媒体艺术的时代，只有不断地顺应时代发展的需求，不断提高科技水平，更新思维观念，才能让数字媒体艺术为人类社会带来更多宝贵的精神与物质财富。

艺术与科学的关系 篇11

从人类把第一根树枝掰下作为棍子使用, 技术就已经产生。对于技术而言, 其最初产生是从人的生理需求开始的:为了猎杀动物获得食物, 石制投矛和弓箭产生了;为了吃到熟食, 就产生了钻木取火技术;为了保证粮食供应, 就产生了种植技术;为了驱寒, 产生了缝制毛皮的技术;而为了缝制毛皮, 又产生了针的技术。技术一方面表现为制造、改造工具的经验性知识和使用工具的经验性知识, 另一方面体现为工具本身。技术既表现为人脑中抽象的存在, 也表现为物质的存在。技术作为经验性知识和工具的存在本身不带有任何情感性的色彩, 技术是中立的、同时也是理性的。善良的人们用火药技术发明了供人观赏的烟花, 而殖民者却使它变成了杀人的利器。

关于艺术的发生, 目前有模仿产生说、游戏产生说、自我表现产生说、装饰动机产生说、巫术产生说、劳动产生说六种[2]。“模仿说”似乎更能解释艺术产生之初的缘由。幼儿不自觉地在他所能接触到的地面、墙面、纸面上进行各种涂鸦, 这正是出于对周围事物的模仿兴趣和本能。因此, 从幼儿涂鸦的现象, 我们也可以得出人类具有“涂鸦”的天性, 人类艺术的产生也许正是这种天性的使然。可见, 艺术最初的产生是无目的性的, 因为幼儿是不知道巫术的。但当人告别幼年期, 一个成年人如果不是出于专业训练的需要却在纸上乱涂乱画则肯定不是模仿了, 而是出于情感宣泄的需要了。艺术的产生最初出于模仿, 但其成长、发展期则决不限于模仿, 而应是情感的满足和审美的需要。对于艺术的本质的探讨, 西方哲学家从柏拉图到黑格尔都认为, 艺术是对真实的模仿, 而克罗齐则认为艺术是直觉, 克莱夫·贝尔认为艺术是有意味的形式, 苏珊·朗格认为艺术是情感的表现形式[3]。但以上所有阐释都不是很完整, 或者说是有一定的时代局限性的。古典艺术确实是对真实的模仿, 古典悲剧和喜剧是对生活中喜、怒、哀、乐的模仿与提炼, 古典雕塑是对人体美的模仿与提炼, 但“模仿说”却无法解释现代主义与后现代主义艺术的本质;“艺术即直觉”只能解释孩童的艺术, 并不能解释人受过教育后所创造的艺术的复杂性;相比之下, “艺术是有意味的形式”和“艺术是情感的表现形式”更接近于揭示艺术的本质。或许艺术是什么本身并不重要, 也许正如英国艺术史家贡布里希所认为的:世界上只有“艺术家”而没有“艺术”, “艺术”这个字眼, 因时间与地点的不同, 可能代表许多各异其趣的事物, 人们根据日常生活经验就可以从一堆东西中挑选出他认为是艺术品的东西[4]。但可以肯定的是, 对于绝大多数人而言, 艺术是为满足人类情感需求而存在的, 而这种情感需求更多地体现为审美需求, 更多带有感性和表现的成份, 并且需要以“有意味的形式”而存在。但有两点需要说明:其一, 不同时代、不同地域、不同阶层的人的情感表现是有差异的。如, 在某个时空, 某个事物对某些人是悲的, 而在另一个时空则可能是喜的;某些少数民族有将死去亲人的尸首让鹫啄食的习俗, 并认为这样做是神圣的, 而在其他地区人的情感里却不能接受自己也这样做。其二, 对于审美, 不同时代、不同阶层、不同地域的人的定义也是不同的, 美具有相对性和变化性。缅甸南部布岛族妇女为了打扮自己, 便在脖子、手腕和脚踝上套上一圈圈指头般粗细的黄铜环, 而且以铜环多者为最美, 而在其他地区则觉得这样做不美;中国封建社会妇女的“三寸金莲”在那个时代的男人心目中是美的, 但在现代文明人眼里其则是畸形和变态的;希腊人认为匀称健美的雕塑才是美的, 而法国伟大的艺术家罗丹创作的老年妓女雕塑《欧米哀尔》则与古希腊人的审美法则背道而驰;庄子的所谓丑其实在本质上还是美, 因为在庄子那里, 自然之丑也是一种天然之美;摇滚乐对于现代青年来说是美的, 而对于一百年前的英伦贵族青年其可能连噪音都不如。如此我们可以试着对艺术进行概括了:艺术就是以满足不同时空、不同情感习俗的人们的情感需求、审美需求为目的而创作的有意味的形式。

艺术和技术在生活中经常被人混淆。特别是当技巧到达一定“度”的范围时人们也用艺术来称谓它。生活中常能听到“说话技术”和“说话艺术”这两个词。根据日常经验, 后者的水平是高于前者的, 当语言技巧达到一定的水平, 似乎其也就成了艺术。《庄子·内篇·养生主》中“庖丁解牛”的故事大家都很熟悉。“解牛”本是一件技术活, 但此庖丁的解牛已经技术高超几乎达到“合乎桑林之舞, 乃中经首之会”的地步, 其解牛行为已让人觉得是一种审美享受, 在庄子看来其解牛则也可以称得上是艺术享受了。但“庖丁解牛”是艺术么?大多数人的回答肯定说不是。所以严格地讲, 艺术虽同技术相关, 但艺术决不仅仅是技巧高超, 艺术需要技术的支持, 又在技术的基础上表现着思维与情感以及对人文的感怀。而技术则是功能与理性的良好表述, 它的不断更新又为艺术的表现形式提供了多样性。正如设计师用牢固的钢结构展现“鸟巢”, 电子技术的发展导致了电子乐及摇滚艺术的产生。

一、技术是艺术的外在形式载体和决定因素

艺术须以一定的形式呈现给观众, 这种形式或是视觉的, 或是听觉的, 而这种听觉的或视觉的艺术则又必须通过一定的技术展现出来, 古典时代如此, 现代更是如此。就青铜艺术来讲, 其必须建立在青铜冶炼、铸造的技术基础上, 曾侯乙墓的青铜盘尊如果没有“失蜡法”技术则无以实现;中国书画必须是先有造纸和造墨的技术才可能显现出水墨华章的效果;同样美国大片《阿凡达》如果没有计算机三维虚拟技术的发达, 其中的场景和特效也无法呈现。

技术决定艺术的形式, 这体现为三个层面:第一是工具技术;第二是材料技术;第三是作为操作者知识经验层面的技术。前两者是有形的, 后者则是无形的;前者决定艺术的基本面貌, 而后者则决定艺术的水准高低。当然, 决定艺术品位高低的因素还有个人修养的问题, 那就不只是技术问题了, 这里讨论的高低是仅就技术的这三个层面而言的。第一, 就工具而言, “笔墨当随时代”, 每个时代的工具就必然产生那个时代的艺术特点和艺术技巧。就拿画笔和纸来讲, 欧洲人绘画用硬毫排笔和画布, 这就产生了油画这一艺术样式;中国人绘画用软毫的毛笔和宣纸, 则产生了中国画这一绘画形式;同时工具的差异还能决定艺术技巧的差异, 排笔的特性注定了西洋画只能在块面技巧上作文章, 笔触成为油画注重的技巧, 而中国毛笔由于其可以任意地绘出粗细浓淡不一的线条来, 且能形成浓、淡、枯、湿的多种变化, 因此中国画最终发展到注重笔墨技巧的表现也就不奇怪了。就中国毛笔工具而言, 不同的时代其工艺也不同, 东晋王羲之时代的毛笔在笔毫的中间有一个小的圆柱体, 当笔按到一定的程度的时候, 自然就会在笔划条线中出现枯笔, 而现代毛笔就不能出现这种艺术效果;同样现代计算机做出的画面人们一眼就可以识别出来, 因为计算机内在的程序规定性, 注定了它做出的数码画都带有机械制作的痕迹。第二, 就材料技术而言, 不同的时代有不同的材料技术, 每种材料技术必然又给艺术烙上深深的时代印迹。青铜时代没有琉璃材料的出现, 自然没有琉璃瓦的宫殿建筑群;封建时代没有纳米材料, 自然不会出现纳米艺术品;古代使用蛋清、米浆和灰泥作为建筑的粘合剂与今天使用铆钉联结不锈钢板或有机玻璃做出的建筑形式差别很大。手工时代的器物, 对现代人而言更多感受到的是一种温情, 而现代工业文明的产物, 更多带有机器工业时代的痕迹。第三, 就技巧层面的技术而言, 相同的人使用同样的工具, 使用相同的材料技术所显现的形式也是大不一样的。一个使用一辈子雕刻刀的老石匠和一个年轻的石匠雕出的雕像给人在技巧层面的感受肯定是不一样的。

技术决定艺术的外在形式这一点是无庸置疑的, 但艺术的情感和思想则不是技术所决定的。艺术之所以基于技术却又高于技术, 最本质的原因就在于艺术是情感和人文的体现。宫廷画工的技术水平要远远超过文人画家, 可以画得丝毫必显, 但人们对其艺术价值的评价却不是很高, 原因就在于文人画所承载的更多的是人文的修养和情感的体现。

二、艺术创意与技术革新的交替前进

人在成为社会人之后就有了情感与审美的需要。在生活中, 人们需要以美的事物满足自己的审美需求, 获得情感的愉悦, 需要舒适的、合乎自己趣味的生活方式, 这种需求与财富的多少及社会地位的高低无关。穷人十平方米的“蜗居”和富人的郊野别墅, 其居住者都会想着对其进行空间的设计与装饰的设计, 同时也会考虑到技术和材料的限制并试图突破这种限制。

人类自青铜时代到西方文艺复兴时期之间的三千年里, 无论东方还是西方其技术发展都非常缓慢, 技术基本以手工加上简单的工具辅助, 体现为一种手工业的状态。欧洲在“文艺复兴”以后, 随着社会生产力的发展, 城市经济逐渐繁荣, 宗教神学的统治地位不复存在, 自然科学取得极大发展, 文学艺术也从神学的奴仆地位中解放出来。这一时期, 技术得到了极大的发展, 知识分子热衷于发明创造, 如达·芬奇既是艺术家, 同时也是发明家和数学家, 他画出的机械图稿甚至有飞行器的设计, 由此可知, 在文艺复兴时代, 机器发明已经开始。有了文艺复兴的科技基础, 欧洲终于在1771年发明了蒸汽机。蒸汽机的发明, 标志着第一次工业革命的到来, 人类机械时代来临了。1851年的伦敦世界博览会, 主要就是展出机器时代成就的, 那时人类普遍为机器欢呼。正是这次博览会, 一些敏锐的艺术家嗅到了人类正离温情的人文情怀渐去渐远。其中重要的两位, 一位是工艺美术运动的创始人、英国人威廉·莫里斯, 一位是英国艺术理论家罗斯金。他们发现机器制品的样式是那么的丑陋, 于是主张人类社会应该复归中世纪的手工业, 并对机器及其制品充满了抵制;莫里斯更是自己动手设计日常生活产品, 于是现代设计就诞生了。但从历史的角度而言, 莫里斯对大工业的抵制是消极的, 或者说是反潮流的, 在本质上是将艺术与技术对立了起来, 而这种做法是不足取的, 因为即使是手工业时代的手工艺也是建立在技术基础上的, 没有技术就不会有艺术, 每个时代的艺术必须建立在那个时代的技术基础之上。但莫里斯为现代设计开创了道路, 还是功不可没的。第一个拥抱技术并主张将艺术与技术融合建立现代设计体系的人是格罗皮乌斯, 他建立了人类历史上第一个现代设计学校。正如他在《包豪斯宣言》中所说:“让我们创办一个新型的手工艺师组织!清除等级观念在手工艺师和艺术家之间所造成的妄自尊大的障碍。”[5]在他创立的包豪斯学校中, 技术课程和艺术课程同样重要, 就是要取消思维中固有的艺术与技术对立的消极面, 让艺术主动和新技术融合, 产生新的艺术样式, 这种新的艺术样式就是现代设计。

现代设计第一次用艺术对技术特别是对机器技术进行了改造。现代设计的产生, 最初的动因就是人们对机器制品丑陋外观的不满造成的, 因为人天生具有审美的需求, 当审美需求不能满足时, 就试图改造这种现实, 现代设计的诞生就是为着改造机器制品的丑陋的。反过来讲, 也可以说是技术革命促使了现代艺术的诞生。如照相术的发明, 直接对古老的艺术是真实模仿的理论构成了极大挑战。一方面人们试图寻找绝对形式化的艺术, 另一方面又极力寻找和机器生产设计相吻合的艺术样式, 最终人们发现, 几何形式的抽象的艺术最符合机器产生的产品的特点, 于是现代主义的设计诞生了。随着技术的进一步发展, 材料的可塑性越来越好, 这让艺术在技术设计中的应用的限制更少了, 艺术家可以自由设计自己想要的艺术形态。

现代设计经过一百多年的发展, 其观念已经深入人心, 很多国家已经把艺术创意作为一个重要的国民产业来看待。这时设计的先行也对技术的革新提出了极大挑战, 往往是先有概念设计, 然后再去研究可达成的技术手段, 这又促进了技术的大发展。悉尼歌剧院就是一个很好的例子。当时丹麦建筑师约恩·乌松提出其设计概念之后, 所有的工程技术人员都说那是不可能实现的, 因为以当时的材料技术确实不可能满足其设计构想, 但最终悉尼歌剧院还是建起来了, 这恰好说明设计概念有时也会迫使技术的革新与进步。再有例子就是现代的影视特效处理, 往往也是先由概念设计师提出设计的概念, 然后再由技术部门研发新的技术手段去实现艺术效果, 软件设计师往往为一个特效就要设计好几款软件。

技术和艺术在现代社会已经结合得越来越紧密, 进行艺术创作总会先考虑已有的材料和技术, 艺术家的创作观念也会受到现代技术的影响;技术虽然是艺术的载体, 但在当下社会, 艺术已经对技术提出了越来越多的挑战, 迫使技术不断革新。

三、艺术与技术结合的未来展望

20世纪六七十年代, 有人惊呼艺术死了, 或者说“架上的绘画”死了。那么艺术真的死了么?答案也许是否定的。说“艺术死了”的人只是看到了传统的艺术形式已经式微, 而没有看到每个时代当有每个时代的艺术样式这一客观规律。手工业时代的艺术样式必然带有那个时代的手工痕迹, 机器信息时代的艺术也必然会带有机器时代的烙印。让整个社会恢复传统。保留手艺那只是一种痴人说梦。将来的艺术必然走向两个分化:一种是为了满足人对手工制品蕴含的人文情怀的需求 (传统的手工艺还会存在, 人们看到手工艺会引起对过去时光的美好回忆, 但这种手工的艺术形式只会由个别艺术家和作坊实现, 具有不可复制性) ;另一种则是属于我们这个时代特有的艺术形式——后工业时代的艺术。后工业时代的艺术和人们的生活密切相关, 深入到人们生活的每个角落, 并最终引领人们走向“诗意的栖居”。

这里讨论的是艺术与技术结合的未来展望 (主要是后一种艺术形式, 而不是手工业的艺术形式) 。可以预见, 在后工业社会中, 艺术与技术的界限将越来越模糊。这一点在数字工业中将尤为明显——技术本身就会是艺术, 因为这个时代新技术的产生往往不是由技术的主动革新产生的, 而是创意的结果。创意的过程本身就融进了审美与情感及人文的诉求, 一个新产品的诞生本身就是设计师的艺术杰作, 这和传统的绘画、雕塑是不同的。随着印刷技术和三维立体雕刻技术的发展, 油画和雕塑的艺术概念也将被技术所颠覆。但不变的是人类的审美诉求和情感诉求, 这就决定了将来艺术在技术产品中会变得越来越重要, 人类在发明新技术的过程中也必然要考虑艺术的审美因素。因此, 艺术与技术的结合在将来会更加天衣无缝, 其在我们的生活中也将无处不在。

摘要：进入后工业社会以来, 艺术与技术关系的课题一直为学界所重视。技术是因人的基本需要产生的, 艺术最初的产生可能缘于人不自觉的涂画本能, 又随着人需要层次的提高而逐渐演变成审美需求的一部分。艺术需要用技术建构最基本的形式载体, 艺术会因技术的革新而形式发生变化;艺术又不是被动地依附于技术, 特别在现代设计中, 人的审美需求越来越高, 会催生出更多的艺术创意, 同时会对技术提出更多要求, 促进技术的进一步发展。艺术创意与技术创新, 两者是相辅相成的, 在信息化时代两者之间的界限将变得越来越模糊。

关键词：艺术,技术,审美需求,现代设计

注释

1[1][美]马斯洛.动机与人格[M].许金声译.北京:华夏出版社, 1987.40-60页

2[2]林少雄.新编艺术概论[M].上海:复旦大学出版社, 2007.49-52页

3[3]陈池瑜.西方美学史上关于艺术本质的理论述评;外国文学研究[J], 1987 (03)

4[4][英]贡布里希.艺术的故事[M].范景中译.北京:三联书店, 1999.1页